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Este artículo trata sobre el concepto general de arte. Para el grupo de disciplinas creativas, consulte Las artes . Para otros usos, consulte Art (desambiguación) .

En el sentido de las agujas del reloj desde la parte superior izquierda: un autorretrato de 1887 de Vincent van Gogh ; la figura de un antepasado femenino de un artista Chokwe ; detalle de El nacimiento de Venus (c. 1484-1486) de Sandro Botticelli ; y un león shisa de Okinawa

El arte es una gama diversa de (productos de) actividades humanas que involucran la imaginación creativa para expresar competencia técnica, belleza, poder emocional o ideas conceptuales . [1] [2] [3]

No existe una definición generalmente aceptada de lo que constituye arte, [4] [5] [6] y las ideas han cambiado con el tiempo. Las tres ramas clásicas del arte visual son la pintura , la escultura y la arquitectura . [7] El teatro , la danza y otras artes escénicas , así como la literatura , la música , el cine y otros medios como los medios interactivos , se incluyen en una definición más amplia de las artes . [1] [8] Hasta el siglo XVII, el artese refería a cualquier habilidad o dominio y no se diferenciaba de la artesanía o las ciencias . En el uso moderno posterior al siglo XVII, donde las consideraciones estéticas son primordiales, las bellas artes se separan y se distinguen de las habilidades adquiridas en general, como las artes decorativas o aplicadas .

La naturaleza del arte y los conceptos relacionados, como la creatividad y la interpretación , se exploran en una rama de la filosofía conocida como estética . [9] Las obras de arte resultantes se estudian en los campos profesionales de la crítica de arte y la historia del arte .

Descripción general

Panorama de una sección de Mil Li de montañas y ríos , una pintura del siglo XII del artista de la dinastía Song Wang Ximeng .

En la perspectiva de la historia del arte, [10] las obras artísticas han existido durante casi tanto tiempo como la humanidad: desde el arte prehistórico temprano hasta el arte contemporáneo ; sin embargo, algunos teóricos creen que el concepto típico de "obras artísticas" encaja peor fuera de las sociedades occidentales modernas. [11] Un sentido temprano de la definición de arte está estrechamente relacionado con el antiguo significado latino, que se traduce aproximadamente como "habilidad" o "artesanía", asociado con palabras como "artesano". Las palabras en inglés derivadas de este significado incluyen artefacto , artificial , artificio , artes médicas y artes militares.. Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología .

Botella del siglo XX, pueblos twa , Ruanda, las obras artísticas pueden tener funciones prácticas, además de su valor decorativo.

Con el tiempo, filósofos como Platón , Aristóteles , Sócrates y Kant , entre otros, cuestionaron el significado del arte. [12] Varios diálogos de Platón abordan cuestiones sobre el arte: Sócrates dice que la poesía se inspira en las musas y no es racional. Habla con aprobación de esta y otras formas de locura divina (borracheras, erotismo y sueños) en el Fedro (265a-c) y, sin embargo, en la República quiere proscribir el gran arte poético de Homero y también la risa. En Ion , Sócrates no da indicios de la desaprobación de Homero que expresa en la República . El diálogo Ionsugiere que Homer 's Ilíada funcionaba en el mundo griego antiguo como la Biblia lo hace hoy en día en el mundo cristiano moderno: como divinamente inspirado arte literario que puede proporcionar una guía moral, aunque sólo se puede interpretar correctamente. [13]

Con respecto al arte literario y las artes musicales, Aristóteles consideraba que la poesía épica , la tragedia, la comedia, la poesía ditirámbica y la música eran un arte mimético o imitativo, cada una variando en imitación por medio, objeto y manera. [14] Por ejemplo, la música imita con los medios del ritmo y la armonía, mientras que la danza imita solo con el ritmo y la poesía con el lenguaje. Las formas también difieren en su objeto de imitación. La comedia, por ejemplo, es una imitación dramática de hombres peor que el promedio; mientras que la tragedia imita a los hombres ligeramente mejor que la media. Por último, las formas difieren en su manera de imitar: a través de la narrativa o el carácter, a través del cambio o no cambio, y a través del drama o sin drama. [15]Aristóteles creía que la imitación es natural para la humanidad y constituye una de las ventajas de la humanidad sobre los animales. [dieciséis]

El sentido más reciente y específico de la palabra arte como abreviatura de arte creativo o bellas artes surgió a principios del siglo XVII. [17] Bellas artes se refiere a una habilidad utilizada para expresar la creatividad del artista, o para involucrar la sensibilidad estética de la audiencia, o para atraer a la audiencia hacia la consideración de una obra de arte más refinada o más fina .

En este último sentido, la palabra arte puede referirse a varias cosas: (i) un estudio de una habilidad creativa, (ii) un proceso de uso de la habilidad creativa, (iii) un producto de la habilidad creativa, o (iv) el experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas (el arte como disciplina) son una colección de disciplinas que producen obras de arte ( arte como objetos) que son impulsadas por un impulso personal (el arte como actividad) y transmiten un mensaje, estado de ánimo o simbolismo para que el perceptor lo interprete (arte como experiencia). El arte es algo que estimula los pensamientos, emociones, creencias o ideas de un individuo a través de los sentidos. Las obras de arte pueden realizarse explícitamente para este fin o interpretarse sobre la base de imágenes u objetos. Para algunos eruditos, comoKant , las ciencias y las artes podrían distinguirse por considerar que la ciencia representa el dominio del conocimiento y las artes como el dominio de la libertad de expresión artística. [18]

A menudo, si la habilidad se usa de una manera común o práctica, la gente la considerará un oficio en lugar de un arte. Asimismo, si la habilidad se está utilizando de manera comercial o industrial, puede considerarse arte comercial en lugar de bellas artes. Por otro lado, la artesanía y el diseño a veces se consideran arte aplicado . Algunos seguidores del arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas tiene más que ver con los juicios de valor realizados sobre el arte que con una clara diferencia de definición. [19] Sin embargo, incluso las bellas artes a menudo tienen objetivos más allá de la creatividad y la autoexpresión pura. El propósito de las obras de arte puede ser comunicar ideas, como en el arte con motivaciones políticas, espirituales o filosóficas; para crear una sensación de belleza (ver estética); explorar la naturaleza de la percepción; por placer; o para generar emociones fuertes . El propósito también puede ser aparentemente inexistente.

La naturaleza del arte ha sido descrita por el filósofo Richard Wollheim como "uno de los problemas tradicionales más esquivos de la cultura humana". [20] El arte ha sido definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar los elementos formales por sí mismos, y como mimesis o representación . El arte como mimesis tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles . [21] León Tolstoi identificó el arte como un uso de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. [21] Benedetto Croce y RG Collingwood avanzaron al idealistaver que el arte expresa emociones y que, por tanto, la obra de arte existe esencialmente en la mente del creador. [22] [23] La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Kant y fue desarrollada a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell . Más recientemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad desarrolla por sí misma un medio para la autoexpresión e interpretación. [24] George Dickie ha ofrecido una teoría institucional del arteque define una obra de arte como cualquier artefacto sobre el cual una persona o personas calificadas que actúan en nombre de la institución social comúnmente conocida como "el mundo del arte " ha conferido "la condición de candidato a la apreciación". [25] Larry Shiner ha descrito las bellas artes como "no una esencia o un destino, sino algo que hemos creado. El arte, como lo hemos entendido generalmente, es una invención europea de apenas doscientos años". [26]

El arte puede caracterizarse en términos de mimesis (su representación de la realidad), narrativa (narración), expresión, comunicación de emociones u otras cualidades. Durante el período romántico , el arte llegó a ser visto como "una facultad especial de la mente humana que debe clasificarse con la religión y la ciencia". [27]

Historia

Artículo principal: Historia del arte
Venus de Willendorf , alrededor de 24,000-22,000  AP
Parte posterior de una palangana o plato ovalado renacentista, en el Museo Metropolitano de Arte

Se determinó que una concha grabada por Homo erectus tenía entre 430.000 y 540.000 años. [28] Un conjunto de ocho garras de águila de cola blanca de 130.000 años de antigüedad tienen marcas de cortes y abrasión que indican manipulación por parte de los neandertales, posiblemente para usarlas como joyería. [29] Una serie de conchas de caracol diminutas y perforadas de unos 75.000 años de antigüedad fueron descubiertas en una cueva de Sudáfrica. [30] Se han encontrado recipientes que pueden haber sido utilizados para contener pinturas que datan de hace 100.000 años. [31]

Se han encontrado esculturas, pinturas rupestres , pinturas rupestres y petroglifos del Paleolítico superior que datan de hace aproximadamente 40.000 años, [32] pero el significado preciso de tal arte a menudo se disputa porque se sabe muy poco sobre las culturas que los produjeron.

Pintura rupestre de un caballo de las cuevas de Lascaux , alrededor del año 16.000 AP

Muchas grandes tradiciones en el arte tienen una base en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: Antiguo Egipto , Mesopotamia , Persia , India, China, Antigua Grecia, Roma, así como Inca , Maya y Olmeca.. Cada uno de estos centros de la civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su arte. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunos también han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaban los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, equilibrio, belleza y proporciones anatómicamente correctas. [33]

En el arte bizantino y medieval de la Edad Media occidental, gran parte del arte se centró en la expresión de temas sobre la cultura bíblica y religiosa, y utilizó estilos que mostraban la mayor gloria de un mundo celestial, como el uso del oro en el fondo de las pinturas, o vidrio en mosaicos o ventanas, que también presentaba figuras en formas idealizadas, estampadas (planas). Sin embargo, una tradición realista clásica persistió en las pequeñas obras bizantinas y el realismo creció constantemente en el arte de la Europa católica . [34]

El arte renacentista tuvo un énfasis mucho mayor en la representación realista del mundo material y el lugar de los humanos en él, reflejado en la corporeidad del cuerpo humano, y el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para representar la recesión en una dimensión tridimensional. espacio de imagen. [35]

La firma estilizada del Sultán Mahmud II del Imperio Otomano estaba escrita en caligrafía islámica . Dice "Mahmud Khan, hijo de Abdulhamid, es para siempre victorioso".
La Gran Mezquita de Kairouan en Túnez, también llamada Mezquita de Uqba, es uno de los mejores, más significativos y mejor conservados ejemplos artísticos y arquitectónicos de las primeras grandes mezquitas. Datado en su estado actual desde el siglo IX, es el antepasado y modelo de todas las mezquitas en las tierras islámicas occidentales. [36]

En el este, el rechazo de la iconografía por parte del arte islámico llevó a enfatizar los patrones geométricos , la caligrafía y la arquitectura . [37] Más al este, la religión dominaba también los estilos y formas artísticos. La India y el Tíbet vieron un énfasis en las esculturas pintadas y la danza, mientras que la pintura religiosa tomó prestadas muchas convenciones de la escultura y tendió a colores brillantes y contrastantes con énfasis en los contornos. China vio el florecimiento de muchas formas de arte: talla de jade, trabajos en bronce, cerámica (incluido el impresionante ejército de terracota del emperador Qin [38]).), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. Los estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada uno lleva el nombre tradicional de la dinastía gobernante. Entonces, por ejemplo, las pinturas de la dinastía Tang son monocromáticas y escasas, enfatizando paisajes idealizados, pero las pinturas de la dinastía Ming son ocupadas y coloridas, y se enfocan en contar historias a través del escenario y la composición. [39] Japón también nombra sus estilos según las dinastías imperiales, y también vio mucha interacción entre los estilos de caligrafía y pintura. La impresión en madera se hizo importante en Japón después del siglo XVII. [40]

Pintura del artista de la dinastía Song Ma Lin, hacia 1250. 24,8 × 25,2 cm

La Era de la Ilustración occidental en el siglo XVIII vio representaciones artísticas de las certezas físicas y racionales del universo de un reloj, así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo posmonárquico, como la representación de Blake de Newton como un geómetra divino, [41 ] o las pinturas propagandísticas de David . Esto llevó a los románticos rechazos de esto en favor de imágenes del lado emocional y la individualidad de los humanos, ejemplificadas en las novelas de Goethe . A finales del siglo XIX se produjeron numerosos movimientos artísticos, como el arte académico , el simbolismo , el impresionismo y el fauvismo.entre otros. [42] [43]

La historia del arte del siglo XX es una narrativa de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno derribado sucesivamente por el siguiente. Así, los parámetros del impresionismo , expresionismo , fauvismo , cubismo , dadaísmo , surrealismo , etc. no pueden mantenerse mucho más allá de la época de su invención. La creciente interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental. Por lo tanto, los grabados en madera japoneses (ellos mismos influenciados por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Más tarde, esculturas africanasfueron retomadas por Picasso y, en cierta medida, por Matisse . De manera similar, en los siglos XIX y XX, Occidente ha tenido un gran impacto en el arte oriental con ideas originalmente occidentales como el comunismo y el posmodernismo que ejercen una poderosa influencia. [44]

El modernismo , la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo XX a la comprensión de su inalcanzable. Theodor W. Adorno dijo en 1970: "Ahora se da por sentado que nada de lo que concierne al arte ya puede darse por sentado: ni el arte en sí, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte a existir". [45] El relativismo fue aceptado como una verdad ineludible, lo que llevó al período del arte contemporáneo y la crítica posmoderna , donde las culturas del mundo y de la historia son vistas como formas cambiantes, de las que se puede apreciar y extraer solo con escepticismo.e ironía. Además, la separación de culturas es cada vez más difusa y algunos argumentan que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global que regional. [46]

En El origen de la obra de arte , Martin Heidegger, filósofo alemán y pensador seminal, describe la esencia del arte en términos de los conceptos de ser y verdad. Sostiene que el arte no es solo una forma de expresar el elemento de verdad en una cultura, sino el medio de crearlo y proporcionar un trampolín desde el cual "lo que es" puede ser revelado. Las obras de arte no son meras representaciones de cómo son las cosas, sino que en realidad producen el entendimiento compartido de una comunidad. Cada vez que se agrega una nueva obra de arte a cualquier cultura, el significado de lo que es existir cambia inherentemente.

Históricamente, el arte y las habilidades e ideas artísticas a menudo se han difundido a través del comercio. Un ejemplo de esto es la Ruta de la Seda , donde se pueden mezclar influencias helenísticas, iraníes, indias y chinas. El arte greco budista es uno de los ejemplos más vívidos de esta interacción. El encuentro de diferentes culturas y visiones del mundo también influyó en la creación artística. Un ejemplo de esto es la metrópolis portuaria multicultural de Trieste a principios del siglo XX, donde James Joyce conoció a escritores de Europa Central y el desarrollo artístico de la ciudad de Nueva York como crisol cultural. [47] [48] [49]

Formas, géneros, medios y estilos

Napoleón I en su trono imperial de Ingres (francés, 1806), óleo sobre lienzo
Artículo principal: Las artes

Las artes creativas a menudo se dividen en categorías más específicas, generalmente a lo largo de categorías perceptiblemente distinguibles como medios , género, estilos y forma. [50] La forma de arte se refiere a los elementos del arte que son independientes de su interpretación o significado. Cubre los métodos adoptados por el artista y la composición física de la obra de arte, principalmente aspectos no semánticos de la obra (es decir, figurae ), [51] como el color , el contorno , la dimensión , el medio , la melodía , el espacio , la textura.y valor . La forma también puede incluir principios de diseño visual , como disposición, equilibrio , contraste , énfasis , armonía , proporción , proximidad y ritmo. [52]

En general, hay tres escuelas de filosofía sobre el arte, que se centran respectivamente en la forma, el contenido y el contexto. [52] El formalismo extremo es la opinión de que todas las propiedades estéticas del arte son formales (es decir, parte de la forma de arte). Los filósofos rechazan casi universalmente este punto de vista y sostienen que las propiedades y la estética del arte se extienden más allá de los materiales, las técnicas y la forma. [53] Desafortunadamente, hay poco consenso sobre la terminología para estas propiedades informales. Algunos autores se refieren al tema y al contenido, es decir, denotaciones y connotaciones , mientras que otros prefieren términos como significado e importancia. [52]

El Intencionalismo Extremo sostiene que la intención del autor juega un papel decisivo en el significado de una obra de arte, transmitiendo el contenido o la idea principal esencial, mientras que todas las demás interpretaciones pueden descartarse. [54] Define el sujeto como las personas o idea representada, [55] y el contenido como la experiencia del artista sobre ese tema. [56] Por ejemplo, la composición de Napoleón I en su Trono Imperial está tomada en parte de la Estatua de Zeus en Olimpia . Como lo demuestra el título, el tema es Napoleón , y el contenido es la representación de Ingres de Napoleón como "Emperador-Dios más allá del tiempo y el espacio". [52]De manera similar al formalismo extremo, los filósofos suelen rechazar el intencionalismo extremo, porque el arte puede tener múltiples significados ambiguos y la intención del autor puede ser incognoscible y, por lo tanto, irrelevante. Su interpretación restrictiva es "socialmente malsana, filosóficamente irreal y políticamente imprudente". [52]

Finalmente, la teoría en desarrollo del postestructuralismo estudia la importancia del arte en un contexto cultural, como las ideas, emociones y reacciones provocadas por una obra. [57] El contexto cultural a menudo se reduce a las técnicas e intenciones del artista, en cuyo caso el análisis procede en líneas similares al formalismo y el intencionalismo. Sin embargo, en otros casos pueden predominar las condiciones históricas y materiales, como las convicciones religiosas y filosóficas, las estructuras sociopolíticas y económicas, o incluso el clima y la geografía. La crítica de arte sigue creciendo y desarrollándose junto con el arte. [52]

Habilidad y artesanía

Ver también: arte conceptual y habilidad artística
La creación de Adán , detalle delfrescode Miguel Ángel en la Capilla Sixtina (1511)

El arte puede connotar un sentido de habilidad entrenada o dominio de un medio . El arte también puede referirse simplemente al uso desarrollado y eficiente de un lenguaje para transmitir significado con inmediatez o profundidad. El arte se puede definir como un acto de expresar sentimientos, pensamientos y observaciones. [58]

Hay un entendimiento que se alcanza con el material como resultado de su manipulación, lo que facilita los procesos de pensamiento. Una opinión común es que el epíteto "arte", en particular en su sentido elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa por parte del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica, una originalidad en el enfoque estilístico o una combinación de estos dos. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución se consideraba una cualidad inseparable del arte y, por tanto, necesaria para su éxito; para Leonardo da Vinci , el arte, ni más ni menos que sus otros empeños, era una manifestación de habilidad. [59] La obra de Rembrandt , ahora alabada por sus efímeras virtudes, fue muy admirada por sus contemporáneos por su virtuosismo. [60]A principios del siglo XX, las hábiles interpretaciones de John Singer Sargent fueron alternativamente admiradas y vistas con escepticismo por su fluidez manual, [61] pero casi al mismo tiempo el artista que se convertiría en el iconoclasta más reconocido y itinerante de la época, Pablo. Picasso , estaba completando una formación académica tradicional en la que se destacó. [62] [63]

Detalle de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci , c. 1503-1506, mostrando la técnica pictórica de sfumato

Una crítica contemporánea común de algunas obras de arte moderno ocurre en la línea de objetar la aparente falta de habilidad o habilidad requerida en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, la " Fuente " de Marcel Duchamp se encuentra entre los primeros ejemplos de piezas en las que el artista utilizó objetos encontrados ("confeccionados") y no ejerció un conjunto de habilidades tradicionalmente reconocidas. [64] Tracey Emin 's My Bed , o Damien Hirst ' s La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo siga este ejemplo y manipule también los medios de comunicación. Emin durmió (y participó en otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. A Hirst se le ocurrió el diseño conceptual de la obra de arte, pero dejó la mayor parte de la creación eventual de muchas obras a artesanos empleados. La fama de Hirst se basa enteramente en su capacidad para producir conceptos impactantes. [65] La producción real de muchas obras de arte conceptuales y contemporáneas es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que continúan sobresaliendo en las habilidades del dibujo y la pintura y en la creación de obras de arte prácticas. [66]

Propósito

Una alfombra navajo hecha alrededor de 1880
Miniatura de Beatus mozárabe . España, finales del siglo X

El arte ha tenido un gran número de funciones diferentes a lo largo de su historia, lo que ha hecho que su propósito sea difícil de abstraer o cuantificar a un solo concepto. Esto no implica que el propósito del arte sea "vago", sino que ha tenido muchas razones únicas y diferentes para ser creado. Algunas de estas funciones de Art se proporcionan en el siguiente esquema. Los diferentes propósitos del arte pueden agruparse según los que no tienen motivación y los que tienen motivación (Lévi-Strauss). [67]

Funciones no motivadas

Los propósitos no motivados del arte son aquellos que son parte integral del ser humano, trascienden al individuo o no cumplen con un propósito externo específico. En este sentido, el arte, como creatividad, es algo que el ser humano debe hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte) y, por tanto, está más allá de la utilidad. [67]

  1. Instinto humano básico para la armonía, el equilibrio, el ritmo . El arte en este nivel no es una acción o un objeto, sino una apreciación interna del equilibrio y la armonía (belleza) y, por lo tanto, un aspecto del ser humano más allá de la utilidad.

    La imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza. A continuación, está el instinto de "armonía" y ritmo, siendo los medidores evidentemente secciones de ritmo. Las personas, por tanto, partiendo de este don natural desarrollaron gradualmente sus aptitudes especiales, hasta que sus toscas improvisaciones dieron origen a la poesía. - Aristóteles [68]

  2. Experiencia de lo misterioso. El arte proporciona una forma de experimentar uno mismo en relación con el universo. Esta experiencia a menudo puede llegar sin motivación, ya que uno aprecia el arte, la música o la poesía.

    Lo más hermoso que podemos experimentar es lo misterioso. Es la fuente de todo el arte y la ciencia verdaderos. - Albert Einstein [69]

  3. Expresión de la imaginación. El arte proporciona un medio para expresar la imaginación de formas no gramaticales que no están ligadas a la formalidad del lenguaje hablado o escrito. A diferencia de las palabras, que vienen en secuencias y cada una de las cuales tiene un significado definido, el arte proporciona una variedad de formas, símbolos e ideas con significados que son maleables.

    El águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no es, como los atributos lógicos (estéticos) de un objeto, el concepto de sublimidad y majestad de la creación, sino algo más, algo que le da a la imaginación un incentivo para extender su vuelo sobre un toda una multitud de representaciones afines que provocan más pensamiento del que admite expresión en un concepto determinado por palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea racional anterior como sustituto de la presentación lógica, pero con la función adecuada, sin embargo, de animar la mente abriéndole una perspectiva en un campo de representaciones afines que se extienden más allá de su alcance. - Immanuel Kant [70]

  4. Funciones ritualistas y simbólicas. En muchas culturas, el arte se utiliza en rituales, representaciones y bailes como decoración o símbolo. Si bien estos a menudo no tienen un propósito utilitario (motivado) específico, los antropólogos saben que a menudo tienen un propósito a nivel de significado dentro de una cultura particular. Este significado no lo proporciona ningún individuo, pero a menudo es el resultado de muchas generaciones de cambio y de una relación cosmológica dentro de la cultura.

    La mayoría de los estudiosos que se ocupan de pinturas rupestres u objetos recuperados de contextos prehistóricos que no pueden explicarse en términos utilitarios y, por lo tanto, se clasifican como decorativos, rituales o simbólicos, son conscientes de la trampa que plantea el término "arte". - Silva Tomaskova [71]

Funciones motivadas

Los propósitos motivados del arte se refieren a acciones intencionales y conscientes por parte de los artistas o creadores. Estos pueden ser para producir un cambio político, comentar sobre un aspecto de la sociedad, transmitir una emoción o estado de ánimo específico, abordar la psicología personal, ilustrar otra disciplina, vender (con artes comerciales) un producto, o simplemente como una forma. de comunicación. [67] [72]

  1. Comunicación. El arte, en su forma más simple, es una forma de comunicación. Como la mayoría de las formas de comunicación tienen una intención u objetivo dirigido a otra persona, este es un propósito motivado. Las artes ilustrativas, como la ilustración científica, son una forma de arte como comunicación. Los mapas son otro ejemplo. Sin embargo, el contenido no necesita ser científico. Emociones, estados de animo y sentimientos también son comunicados a través del arte.

    [El arte es un conjunto de] artefactos o imágenes con significados simbólicos como medio de comunicación. - Steve Mithen [73]

  2. El arte como entretenimiento . El arte puede buscar provocar una emoción o estado de ánimo en particular, con el propósito de relajar o entretener al espectador. Esta es a menudo la función de las industrias del arte de las películas y los videojuegos. [74]
  3. La vanguardia. Arte para el cambio político. Una de las funciones definitorias del arte de principios del siglo XX ha sido utilizar imágenes visuales para provocar un cambio político. Los movimientos artísticos que tenían este objetivo ( dadaísmo , surrealismo , constructivismo ruso y expresionismo abstracto , entre otros) se denominan colectivamente artes de vanguardia .

    Por el contrario, la actitud realista, inspirada en el positivismo, desde Santo Tomás de Aquino hasta Anatole France, me parece claramente hostil a cualquier avance intelectual o moral. Lo detesto, porque está hecho de mediocridad, odio y vanidad. Es esta actitud la que hoy da origen a estos libros ridículos, a estas obras insultantes. Constantemente se alimenta y obtiene fuerza de los periódicos y embrutece tanto a la ciencia como al arte adulando asiduamente los gustos más bajos; claridad rayana en la estupidez, la vida de un perro. - André Breton (Surrealismo) [75]

  4. El arte como "zona franca" , alejado de la acción de la censura social. A diferencia de los movimientos de vanguardia , que querían borrar las diferencias culturales para producir nuevos valores universales, el arte contemporáneo ha potenciado su tolerancia hacia las diferencias culturales así como sus funciones críticas y liberadoras (indagación social, activismo, subversión, deconstrucción ... ), convirtiéndose en un lugar más abierto a la investigación y la experimentación. [76]
  5. Arte para la investigación social, la subversión o la anarquía. Si bien es similar al arte para el cambio político, el arte subversivo o deconstructivista puede buscar cuestionar aspectos de la sociedad sin ningún objetivo político específico. En este caso, la función del arte puede ser simplemente criticar algún aspecto de la sociedad.
    Graffiti de pintura en aerosol en una pared en Roma
    El grafiti y otros tipos de arte callejero son gráficos e imágenes pintadas con aerosol o estarcidas en paredes, edificios, autobuses, trenes y puentes que se pueden ver públicamente, generalmente sin permiso. Ciertas formas de arte, como el graffiti, también pueden ser ilegales cuando infringen las leyes (en este caso, el vandalismo).
  6. Arte por causas sociales. El arte se puede utilizar para crear conciencia sobre una gran variedad de causas. Varias actividades artísticas tenían como objetivo crear conciencia sobre el autismo , [77] [78] [79] el cáncer, [80] [81] [82] la trata de personas , [83] [84] y una variedad de otros temas, como como conservación de los océanos, [85] derechos humanos en Darfur , [86] mujeres aborígenes asesinadas y desaparecidas, [87] abuso de ancianos, [88] y contaminación. [89] Trashion , usando basura para hacer moda, practicado por artistas como Marina DeBris. es un ejemplo del uso del arte para crear conciencia sobre la contaminación.
  7. Arte con fines psicológicos y curativos. Los terapeutas de arte, psicoterapeutas y psicólogos clínicos también utilizan el arte como terapia de arte . La serie de dibujos de diagnóstico , por ejemplo, se utiliza para determinar la personalidad y el funcionamiento emocional de un paciente. El producto final no es el objetivo principal en este caso, sino que se busca un proceso de curación, a través de actos creativos. La obra de arte resultante también puede ofrecer una idea de los problemas experimentados por el sujeto y puede sugerir enfoques adecuados para ser utilizados en formas más convencionales de terapia psiquiátrica. [90]
  8. Arte para propaganda o comercialismo. El arte se utiliza a menudo como una forma de propaganda y, por lo tanto, se puede utilizar para influir sutilmente en las concepciones o el estado de ánimo popular. De manera similar, el arte que intenta vender un producto también influye en el estado de ánimo y la emoción. En ambos casos, el propósito del arte aquí es manipular sutilmente al espectador en una respuesta emocional o psicológica particular hacia una idea u objeto en particular. [91]
  9. El arte como indicador de fitness. Se ha argumentado que la capacidad del cerebro humano supera con creces lo que se necesitaba para sobrevivir en el entorno ancestral. Una explicación de la psicología evolutiva para esto es que el cerebro humano y los rasgos asociados (como la capacidad artística y la creatividad) son el equivalente humano de la cola del pavo real . Se ha argumentado que el propósito de la cola extravagante del pavo real macho es atraer a las hembras (véase también el principio de fugas y desventajas de los pescadores ). Según esta teoría, la ejecución superior del arte fue evolutivamente importante porque atraía compañeros. [92]

Las funciones de la técnica descritas anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchas de ellas pueden superponerse. Por ejemplo, el arte con fines de entretenimiento también puede tratar de vender un producto, es decir, la película o el videojuego.

Acceso público

El Museo Metropolitano de Arte de Manhattan . Los museos son foros importantes para la exhibición de arte visual .

Desde la antigüedad, gran parte del arte más fino ha representado una exhibición deliberada de riqueza o poder, a menudo lograda mediante el uso de materiales caros y de escala masiva. Gran parte del arte ha sido encargado por gobernantes políticos o establecimientos religiosos, con versiones más modestas solo disponibles para los más ricos de la sociedad. [93]

Sin embargo, ha habido muchos períodos en los que el arte de muy alta calidad estuvo disponible, en términos de propiedad, en gran parte de la sociedad, sobre todo en medios baratos como la cerámica, que persiste en el suelo, y medios perecederos como textiles y madera. . En muchas culturas diferentes, las cerámicas de los pueblos indígenas de las Américas se encuentran en una variedad tan amplia de tumbas que claramente no estaban restringidas a una élite social , [94] aunque otras formas de arte pueden haberlo sido. Los métodos de reproducción, como los moldes, facilitaron la producción en masa y se utilizaron para llevar la cerámica romana antigua de alta calidad y las estatuillas griegas de Tanagra a un mercado muy amplio. Sellos de cilindroseran tanto artísticos como prácticos, y muy utilizados por lo que podría llamarse libremente la clase media en el Antiguo Cercano Oriente . [95] Una vez que las monedas se utilizaron ampliamente, también se convirtieron en una forma de arte que llegó a la más amplia gama de la sociedad. [96]

Otra innovación importante se produjo en el siglo XV en Europa, cuando se inició el grabado con pequeños grabados en madera , en su mayoría religiosos, que a menudo eran muy pequeños y pintados a mano, y asequibles incluso para los campesinos que los pegaban a las paredes de sus casas. Los libros impresos eran inicialmente muy caros, pero su precio bajó constantemente hasta que en el siglo XIX incluso los más pobres podían permitirse algunos con ilustraciones impresas. [97] Grabados populares de diferentes tipos han decorado casas y otros lugares durante siglos. [98]

El Museo de Arte de Basilea ( Suiza ), es el museo de arte público más antiguo del mundo.

En 1661, la ciudad de Basilea , en Suiza , inauguró el primer museo público de arte del mundo, el Kunstmuseum Basel . Hoy en día, su colección se distingue por una impresionante amplitud histórica, desde principios del siglo XV hasta el presente inmediato. Sus diversas áreas de énfasis le otorgan un prestigio internacional como uno de los museos más importantes de su tipo. Estos abarcan: pinturas y dibujos de artistas activos en la región del Alto Rin entre 1400 y 1600, y sobre el arte de los siglos XIX al XXI. [99]

Los edificios y monumentos públicos , seculares y religiosos, por su naturaleza, normalmente se dirigen a la sociedad en su conjunto, y a los visitantes como espectadores, y la exhibición al público en general ha sido durante mucho tiempo un factor importante en su diseño. Los templos egipcios son típicos porque la decoración más grande y lujosa se colocó en las partes que podían ser vistas por el público en general, en lugar de en las áreas vistas solo por los sacerdotes. [100] Muchas áreas de los palacios reales, los castillos y las casas de la élite social a menudo eran accesibles en general, y una gran parte de las colecciones de arte de esas personas a menudo podían ser vistas, ya sea por cualquiera o por aquellos que podían pagar un pequeño precio. , o los que llevaban la ropa adecuada, independientemente de quiénes fueran, como en el Palacio de Versalles, donde los accesorios adicionales apropiados (hebillas plateadas de zapatos y una espada) se pueden alquilar en tiendas externas. [101]

Se hicieron arreglos especiales para permitir al público ver muchas colecciones reales o privadas colocadas en galerías, como con la Colección Orleans ubicada principalmente en un ala del Palais Royal en París, que se pudo visitar durante la mayor parte del siglo XVIII. [102] En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante desde el Renacimiento en adelante, y los gobiernos y las ciudades se esforzaron por hacer accesibles sus obras clave. La Colección Real Británica sigue siendo distinta, pero se hicieron grandes donaciones, como la Antigua Biblioteca Real , al Museo Británico , establecido en 1753. Los Uffizi en Florenciaabrió completamente como galería en 1765, aunque esta función había ido tomando gradualmente el edificio de las oficinas originales de los funcionarios durante mucho tiempo antes. [103] El edificio que ahora ocupa el Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de partes de la colección de arte real, y existían galerías reales similares abiertas al público en Viena , Munich y otras capitales. La apertura del Musée du Louvre durante la Revolución Francesa(en 1793) como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa sin duda marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte, transfiriendo la propiedad a un estado republicano, pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas. [104]

La mayoría de los programas de educación artística y los museos públicos modernos para los niños en las escuelas se remontan a este impulso de tener el arte disponible para todos. Los museos en los Estados Unidos tienden a ser obsequios de los muy ricos a las masas. ( El Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston , un ejecutivo ferroviario cuya colección de arte personal sembró el museo). Pero a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el siglo XXI. Siglo permanece como un marcador de riqueza y estatus social. [105]

Ha habido intentos de artistas de crear arte que los ricos no pueden comprar como un objeto de estatus. Uno de los principales motivadores originales de gran parte del arte de finales de los sesenta y setenta fue crear arte que no se pudiera comprar ni vender. Es "necesario presentar algo más que meros objetos" [106], dijo el principal artista alemán de la posguerra Joseph Beuys. Este período de tiempo vio el surgimiento de cosas como el arte de performance, el videoarte y el arte conceptual.. La idea era que si la obra de arte era una actuación que no dejaría nada atrás, o era simplemente una idea, no se podía comprar ni vender. "Los preceptos democráticos que giran en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsaron la innovación estética que germinó a mediados de la década de 1960 y se cosechó a lo largo de la década de 1970. Artistas ampliamente identificados bajo el título de Arte conceptual ... sustituyendo las actividades escénicas y editoriales por comprometerse con las preocupaciones tanto materiales como materialistas de la forma pintada o escultórica ... [han] tratado de socavar el objeto artístico en cuanto objeto ". [107]

Versalles: Louis Le Vau abrió el patio interior para crear la amplia entrada cour d'honneur , luego copiada en toda Europa.

En las décadas posteriores, estas ideas se han perdido un poco a medida que el mercado del arte ha aprendido a vender DVD de edición limitada de obras de vídeo [108].invitaciones a piezas exclusivas de performance y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas representaciones crean obras que solo comprenden las élites que han sido educadas sobre por qué una idea, un video o una aparente basura puede considerarse arte. El marcador de estatus se convierte en comprender la obra en lugar de poseerla necesariamente, y la obra de arte sigue siendo una actividad de la clase alta. "Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD a principios de la década de 2000, los artistas y el sistema de galerías que obtiene sus ganancias de la venta de obras de arte, obtuvieron un medio importante para controlar la venta de obras de arte en video y computadora en ediciones limitadas a coleccionistas". [109]

Controversias

Théodore Géricault 's balsa de la medusa , alrededor del año 1820

El arte ha sido durante mucho tiempo controvertido, es decir, no gusta a algunos espectadores, por una amplia variedad de razones, aunque la mayoría de las controversias premodernas se registran vagamente o se pierden por completo para una visión moderna. La iconoclasia es la destrucción del arte que es desagradable por una variedad de razones, incluidas las religiosas. El aniconismo es una aversión general a todas las imágenes figurativas o, a menudo, solo a las religiosas, y ha sido un hilo conductor en muchas religiones importantes. Ha sido un factor crucial en la historia del arte islámico , donde las representaciones de Mahomasiguen siendo especialmente controvertidos. Gran parte del arte ha sido rechazado simplemente porque representaba o representaba a gobernantes, partidos u otros grupos impopulares. Las convenciones artísticas han sido a menudo conservadoras y tomadas muy en serio por los críticos de arte , aunque a menudo mucho menos por un público más amplio. El contenido iconográfico del arte podría causar controversia, como ocurre con las representaciones de finales de la Edad Media del nuevo motivo del Desmayo de la Virgen en las escenas de la Crucifixión de Jesús . El Juicio Final de Miguel Ángel fue controvertido por varias razones, incluidas las violaciones del decoro a través de la desnudez y la pose de Cristo similar a Apolo .[110] [111]

El contenido de gran parte del arte formal a lo largo de la historia fue dictado por el mecenas o comisionado en lugar de solo por el artista, pero con el advenimiento del romanticismo y los cambios económicos en la producción de arte, la visión de los artistas se convirtió en el determinante habitual del contenido de su obra. arte, aumentando la incidencia de controversias, aunque a menudo reduciendo su importancia. Los fuertes incentivos para la publicidad y la originalidad percibidas también alentaron a los artistas a entablar controversias. Théodore Géricault 's balsa de la medusa (c. 1820), fue en parte un comentario político en un evento reciente. Édouard Manet 's Le desayuno sobre la hierba(1863), fue considerada escandalosa no por la mujer desnuda, sino porque está sentada junto a hombres completamente vestidos con la ropa de la época, más que con las túnicas del mundo antiguo. [112] [113] John Singer Sargent 's Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884), causó una controversia sobre la rosa rojizo utilizado para colorear lóbulo de la oreja de la mujer, considerada demasiado sugerente y supuestamente arruinar la reputación del modelo de la alta sociedad . [114] [115] El abandono gradual del naturalismo y la representación de representaciones realistas de la apariencia visual de los sujetos en los siglos XIX y XX llevaron a una controversia continua que duró más de un siglo.

Performance de Joseph Beuys , 1978: Todos son artistas - En el camino hacia la forma libertaria del organismo social .

En el siglo 20, Pablo Picasso 's Guernica (1937) utiliza el arresto cubistas técnicas y Stark aceites monocromáticas , para representar las consecuencias desgarradoras de un bombardeo contemporánea de una ciudad vasca pequeña, antigua. Leon Golub 's Interrogación III (1981), representa un desnudo femenino, detenido encapuchado atado a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeado por dos verdugos vestidos de todos los días. Andres Serrano 's Piss Christ (1989) es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa a Cristo.El sacrificio y sufrimiento final, sumergido en un vaso de la propia orina del artista. El alboroto resultante provocó comentarios en el Senado de los Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes. [116] [117]

Teoría

Artículo principal: Estética

Antes del Modernismo, la estética en el arte occidental se preocupaba mucho por lograr el equilibrio apropiado entre los diferentes aspectos del realismo o la verdad de la naturaleza y el ideal ; las ideas sobre cuál es el equilibrio apropiado han ido cambiando a lo largo de los siglos. Esta preocupación está en gran parte ausente en otras tradiciones del arte. El teórico de la estética John Ruskin , que defendió lo que él veía como el naturalismo de J. M. W. Turner , vio el papel del arte como la comunicación por artificio de una verdad esencial que solo podía encontrarse en la naturaleza. [118]

La definición y evaluación del arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo XX. Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: el realista , en el que la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier visión humana; el objetivista , por lo que también es un valor absoluto, pero depende de la experiencia humana general; y la posición relativista , según la cual no es un valor absoluto, sino que depende y varía con la experiencia humana de diferentes seres humanos. [119]

Llegada del Modernismo

Composición con rojo, azul y amarillo (1930) de Piet Mondrian (holandés, 1872-1944)

La llegada del Modernismo a finales del siglo XIX condujo a una ruptura radical en la concepción de la función del arte, [120] y luego nuevamente a finales del siglo XX con el advenimiento del posmodernismo . El artículo de Clement Greenberg de 1960 "Pintura modernista" define el arte moderno como "el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la disciplina en sí". [121] Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento expresionista abstracto y la utilizó como una forma de comprender y justificar la pintura abstracta plana (no ilusionista):

El arte realista y naturalista había disimulado el medio, utilizando el arte para ocultar el arte; el modernismo usó el arte para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio pictórico —la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento— fueron tratadas por los Antiguos Maestros como factores negativos que sólo podían reconocerse implícita o indirectamente. Bajo el Modernismo, estas mismas limitaciones llegaron a ser consideradas como factores positivos y fueron reconocidas abiertamente. [121]

Después de Greenberg, surgieron varios teóricos del arte importantes, como Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin y Griselda Pollock entre otros. Aunque originalmente solo se concibió como una forma de comprender un conjunto específico de artistas, la definición de Greenberg del arte moderno es importante para muchas de las ideas del arte dentro de los diversos movimientos artísticos del siglo XX y principios del siglo XXI. [122] [123]

Artistas pop como Andy Warhol se hicieron notables e influyentes a través de su trabajo que incluía y posiblemente criticaba la cultura popular , así como el mundo del arte . Los artistas de las décadas de 1980, 1990 y 2000 expandieron esta técnica de autocrítica más allá del arte superior a toda la creación de imágenes culturales, incluidas las imágenes de moda, los cómics, las vallas publicitarias y la pornografía. [124] [125]

Duchamp propuso una vez que el arte es cualquier actividad de cualquier tipo, todo. Sin embargo, la forma en que solo determinadas actividades se clasifican hoy como arte es una construcción social. [126] Existe evidencia de que puede haber un elemento de verdad en esto. En La invención del arte: una historia cultural , Larry Shiner examina la construcción del sistema moderno de las artes, es decir, las bellas artes. Encuentra evidencia de que el sistema más antiguo de las artes antes de nuestro sistema moderno (bellas artes) consideraba que el arte era cualquier actividad humana especializada; por ejemplo, la sociedad griega antigua no poseía el término arte, sino tecne . Techne no puede entenderse ni como arte ni como artesanía, debido a que las distinciones entre arte y artesaníason productos históricos que surgieron más tarde en la historia de la humanidad. Techne incluía pintura, escultura y música, pero también cocina, medicina, equitación , geometría , carpintería, profecía y agricultura, etc. [127]

Nueva crítica y la "falacia intencional"

Después de Duchamp durante la primera mitad del siglo XX, se produjo un cambio significativo hacia la teoría estética general que intentó aplicar la teoría estética entre varias formas de arte, incluidas las artes literarias y las artes visuales, entre sí. Esto resultó en el surgimiento de la escuela de la Nueva Crítica y el debate sobre la falacia intencional . En cuestión estaba la cuestión de si las intenciones estéticas del artista al crear la obra de arte, cualquiera que sea su forma específica, deberían asociarse con la crítica y evaluación del producto final de la obra de arte, o si la obra de arte debe evaluarse por sus propios méritos, independientemente de las intenciones del artista. [128] [129]

En 1946, William K. Wimsatt y Monroe Beardsley publicaron un ensayo clásico y controvertido de la Nueva Crítica titulado " La falacia intencional ", en el que argumentaban enérgicamente en contra de la relevancia de la intención o el "significado pretendido" de un autor en el análisis de una obra literaria. . Para Wimsatt y Beardsley, las palabras de la página eran lo único que importaba; la importación de significados desde fuera del texto se consideró irrelevante y potencialmente una distracción. [130] [131]

En otro ensayo, " La falacia afectiva ", que sirvió como una especie de ensayo hermano de "La falacia intencional", Wimsatt y Beardsley también descartaron la reacción personal / emocional del lector a una obra literaria como un medio válido para analizar un texto. Esta falacia más tarde sería repudiada por los teóricos de la escuela de la teoría literaria de la respuesta del lector . Irónicamente, uno de los principales teóricos de esta escuela, Stanley Fish , fue entrenado por New Critics. Fish critica a Wimsatt y Beardsley en su ensayo de 1970 "Literature in the Reader". [132] [133]

Como resumen Gaut y Livingston en su ensayo "La creación del arte": "Los teóricos y críticos estructuralistas y postestructuralistas fueron muy críticos de muchos aspectos de la nueva crítica, comenzando con el énfasis en la apreciación estética y la llamada autonomía del arte. , pero reiteraron el ataque a la suposición de las críticas biográficas de que las actividades y la experiencia del artista eran un tema crítico privilegiado ". [134] Estos autores sostienen que: "Los antiintencionalistas, como los formalistas, sostienen que las intenciones involucradas en la creación de arte son irrelevantes o periféricas para interpretar correctamente el arte. Por lo tanto, los detalles del acto de crear una obra, aunque posiblemente de interés en sí mismos, no influyen en la correcta interpretación de la obra ". [135]

Gaut y Livingston definen a los intencionalistas como distintos de los formalistas afirmando que: "Los intencionalistas, a diferencia de los formalistas, sostienen que la referencia a las intenciones es esencial para fijar la interpretación correcta de las obras". Citan a Richard Wollheim diciendo que, "La tarea de la crítica es la reconstrucción del proceso creativo, donde el proceso creativo debe a su vez ser pensado como algo que no se detiene, sino que termina en la obra de arte misma". [135]

"Giro lingüístico" y su debate

El final del siglo XX propició un extenso debate conocido como la controversia del giro lingüístico , o el "debate del ojo inocente" en la filosofía del arte. Este debate discutió el encuentro de la obra de arte como determinado por la medida relativa en que el encuentro conceptual con la obra de arte domina sobre el encuentro perceptual con la obra de arte. [136]

Decisivas para el debate sobre el giro lingüístico en la historia del arte y las humanidades fueron las obras de otra tradición más, a saber, el estructuralismo de Ferdinand de Saussure y el consiguiente movimiento del postestructuralismo . En 1981, el artista Mark Tansey creó una obra de arte titulada "El ojo inocente" como crítica al clima de desacuerdo imperante en la filosofía del arte durante las últimas décadas del siglo XX. Los teóricos influyentes incluyen a Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault y Jacques Derrida.. Hayden White exploró el poder del lenguaje, más específicamente de ciertos tropos retóricos, en la historia del arte y el discurso histórico . El hecho de que el lenguaje no es un medio transparente de pensamiento había sido subrayado por una forma muy diferente de filosofía del lenguaje que se originó en las obras de Johann Georg Hamann y Wilhelm von Humboldt . [137] Ernst Gombrich y Nelson Goodman en su libro Languages ​​of Art : An Approach to a Theory of Symbolsllegó a sostener que el encuentro conceptual con la obra de arte predominó exclusivamente sobre el encuentro perceptivo y visual con la obra de arte durante las décadas de 1960 y 1970. [138] Fue desafiado sobre la base de una investigación realizada por el psicólogo Roger Sperry, ganador del premio Nobel, quien sostenía que el encuentro visual humano no se limitaba a conceptos representados solo en el lenguaje (el giro lingüístico) y que otras formas de representaciones psicológicas del obra de arte eran igualmente defendibles y demostrables. La visión de Sperry finalmente prevaleció a fines del siglo XX con filósofos estéticos como Nick Zangwill defendiendo firmemente un regreso al formalismo estético moderado entre otras alternativas. [139]

Disputas de clasificación

Artículo principal: Disputas clasificatorias sobre el arte.
La fuente original de Marcel Duchamp , 1917, fotografiada por Alfred Stieglitz en el 291 después de la exhibición de la Sociedad de Artistas Independientes de 1917 . Stieglitz utilizó un telón de fondo de The Warriors de Marsden Hartley para fotografiar el urinario. La etiqueta de entrada a la exposición se puede ver claramente. [140]

Las disputas sobre si clasificar o no algo como una obra de arte se conocen como disputas clasificatorias sobre el arte. Las disputas clasificatorias en el siglo XX han incluido pinturas cubistas e impresionistas , la Fuente de Duchamp , el cine, imitaciones superlativas de billetes de banco , arte conceptual y videojuegos . [141] El filósofo David Novitz ha argumentado que los desacuerdos sobre la definición de arte rara vez son el meollo del problema. Más bien, "las inquietudes e intereses apasionados que los humanos invierten en su vida social" son "una parte tan importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte". [142]Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre los valores sociales y hacia dónde está tratando de llegar la sociedad que sobre la teoría propiamente dicha. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó el trabajo de Hirst y Emin argumentando "Durante mil años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, las ovejas encurtidas y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros", no lo son. avanzando en una definición o teoría sobre el arte, pero cuestionando el valor del trabajo de Hirst y Emin. [143] En 1998, Arthur Danto, sugirió un experimento mental que muestra que "el estatus de un artefacto como obra de arte resulta de las ideas que una cultura le aplica, en lugar de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes. La interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo) es, por lo tanto, constitutiva de el arte de un objeto ". [144] [145]

Anti-art es una etiqueta para el arte que desafía intencionalmente los parámetros y valores establecidos del arte; [146] es un término asociado con el dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp poco antes de la Primera Guerra Mundial, [146] cuando estaba haciendo arte a partir de objetos encontrados . [146] Uno de ellos, Fountain (1917), un urinario ordinario, ha alcanzado una prominencia e influencia considerables en el arte. [146] El antiarte es una característica del trabajo de Situationist International , [147] el movimiento de arte correo lo-fi y los jóvenes artistas británicos , [146]aunque es una forma todavía rechazada por los Stuckistas , [146] quienes se describen a sí mismos como anti-anti-arte . [148] [149]

La arquitectura se incluye a menudo como una de las artes visuales; sin embargo, al igual que las artes decorativas , o la publicidad, implica la creación de objetos donde las consideraciones prácticas de uso son esenciales de una manera que no suelen estar en una pintura, por ejemplo. [150]

Juicio de valor

Tumbas aborígenes de troncos huecos. Galería Nacional, Canberra , Australia.

Algo en relación con lo anterior, la palabra arte también se utiliza para aplicar juicios de valor, como en expresiones como "esa comida era una obra de arte" (el cocinero es un artista), [151] o "el arte del engaño "(se alaba el alto nivel de habilidad del engañador). Es este uso de la palabra como una medida de alta calidad y alto valor lo que le da al término su sabor de subjetividad. El hacer juicios de valor requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una forma de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios para ser considerado arte.es si se percibe como atractivo o repulsivo. Aunque la percepción siempre está coloreada por la experiencia y es necesariamente subjetiva, comúnmente se entiende que lo que de alguna manera no es estéticamente satisfactorio no puede ser arte. Sin embargo, el "buen" arte no siempre o incluso regularmente es estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la motivación principal de un artista no tiene por qué ser la búsqueda de la estética. Además, el arte a menudo representa imágenes terribles creadas por razones sociales, morales o que invitan a la reflexión. Por ejemplo, Francisco GoyaLa pintura que representa los tiroteos españoles del 3 de mayo de 1808 es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento ejecutando a varios civiles suplicantes. Sin embargo, al mismo tiempo, las imágenes horribles demuestran la aguda habilidad artística de Goya en la composición y ejecución y producen una adecuada indignación social y política. Por tanto, continúa el debate sobre qué modo de satisfacción estética, si es que hay alguno, se requiere para definir el "arte". [152] [153]

La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no tiene por qué ocurrir al mismo tiempo que un abandono completo de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, a menudo ocurre lo contrario, que la revisión de lo que se concibe popularmente como atractivo estéticamente permite revitalizar la sensibilidad estética y una nueva apreciación de los estándares del arte mismo. Innumerables escuelas han propuesto sus propias formas de definir la calidad, pero todas parecen estar de acuerdo en al menos un punto: una vez aceptadas sus elecciones estéticas, el valor de la obra de arte está determinado por su capacidad para trascender los límites del medio elegido. tocar una cuerda universal por la rareza de la habilidad del artista o en su reflejo exacto en lo que se denomina elzeitgeist . El arte a menudo pretende atraer y conectarse con las emociones humanas. Puede despertarsentimientos estéticos o morales , y puede entenderse como una forma de comunicar estos sentimientos. Los artistas expresan algo para que su audiencia se excite hasta cierto punto, pero no tienen que hacerlo conscientemente. El arte puede considerarse una exploración de la condición humana ; es decir, qué es ser humano. [154] Por extensión, Emily L. Spratt ha argumentado que el desarrollo de la inteligencia artificial, especialmente en lo que respecta a sus usos con imágenes, requiere una reevaluación de la teoría estética en la historia del arte actual y una reconsideración de los límites de la creatividad humana. [155] [156]

Arte y derecho

Una cuestión legal fundamental son las falsificaciones de arte , el plagio , las réplicas y las obras que se basan fuertemente en otras obras de arte.

El comercio de obras de arte o la exportación desde un país pueden estar sujetos a regulaciones legales. A nivel internacional también se realizan grandes esfuerzos para proteger las obras de arte creadas. La ONU , la UNESCO y Blue Shield International tratan de garantizar una protección eficaz a nivel nacional e intervenir directamente en caso de conflictos armados o desastres. Esto puede afectar particularmente a museos, archivos, colecciones de arte y sitios de excavación. Esto también debería asegurar la base económica de un país, especialmente porque las obras de arte son a menudo de importancia turística. El presidente fundador de Blue Shield International, Karl von Habsburg, explicó una conexión adicional entre la destrucción de bienes culturales y la causa de la fuga durante una misión en el Líbano en abril de 2019: “Los bienes culturales son parte de la identidad de las personas que viven en un lugar determinado. Si destruyes su cultura, también destruyes su identidad. Muchas personas están desarraigadas, a menudo ya no tienen perspectivas y, como resultado, huyen de su tierra natal ”. [157] [158] [159] [160] [161] [162]

Ver también

  • Artes Aplicadas
  • Movimiento artístico
  • Artista en residencia
  • Libertad artística
  • Turismo cultural
  • Análisis formal
  • Historia del Arte
  • Lista de medios artísticos
  • Lista de técnicas artísticas
  • Matemáticas y arte
  • Arte callejero (o "arte público independiente")
  • Esquema de las artes visuales , una guía para la materia de arte presentada como una lista estructurada en árbol de sus subtemas.
  • Discapacidad visual en el arte

Notas

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enlaces externos

Recursos de la biblioteca sobre
arte
  • Recursos en su biblioteca
  • Arte y juego del Diccionario de la historia de las ideas
  • Directorio detallado de arte
  • Archivos de arte y artista en la colección de bibliotecas del Smithsonian (2005) Bibliotecas digitales del Smithsonian
  • Servicio de datos de artes visuales (VADS) : colecciones en línea de museos, galerías y universidades del Reino Unido
  • RevolutionArt - Revistas de arte con exposiciones, convocatorias y concursos en todo el mundo
  • Adajian, Thomas. "La Definición de Arte" . En Zalta, Edward N. (ed.). Enciclopedia de Filosofía de Stanford .
  • Arte en Curlie