Arte deco

Estilo de diseño de artes visuales influyente que apareció por primera vez en Francia durante la década de 1920

Arte deco

De arriba a abajo: edificio Chrysler en la ciudad de Nueva York (1930); Cartel para la Feria Mundial de Chicago de Weimer Pursell (1933); y adorno de capó Victoire de René Lalique (1928)
Años activos	C.  1910-1939
País	Global

Art Deco , a veces denominado Deco , es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño que apareció por primera vez en Francia justo antes de la Primera Guerra Mundial . ^[1] Art Deco influyó en el diseño de edificios, muebles, joyas, moda, automóviles, cines, trenes, transatlánticos y objetos cotidianos como radios y aspiradoras. ^[2] Tomó su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs , de la Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) celebrada en París en 1925. ^[3]Combinó estilos modernos con artesanía fina y materiales ricos. Durante su apogeo, Art Deco representó lujo, glamour, exuberancia y fe en el progreso social y tecnológico.

Desde sus inicios, el Art Deco estuvo influenciado por las atrevidas formas geométricas del cubismo y la Secesión de Viena ; los colores vivos del fauvismo y de los ballets rusos ; la artesanía actualizada de los muebles de las épocas de Luis Felipe I y Luis XVI ; y los estilos exóticos de China y Japón , India , Persia , el antiguo Egipto y el arte maya . Presentaba materiales raros y costosos, como ébano y marfil, y una artesanía exquisita. El edificio Chrysler yOtros rascacielos de la ciudad de Nueva York construidos durante las décadas de 1920 y 1930 son monumentos de estilo Art Deco.

En la década de 1930, durante la Gran Depresión , el Art Deco se volvió más moderado. Llegaron nuevos materiales, incluido el cromado , el acero inoxidable y el plástico . Una forma más elegante del estilo, llamada Streamline Moderne , apareció en la década de 1930; presentaba formas curvas y superficies lisas y pulidas. ^[4] Art Deco es uno de los primeros estilos verdaderamente internacionales, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos de la arquitectura moderna y el Estilo Internacional de arquitectura que siguió. ^[5]

Nombrar

Art Deco tomó su nombre, abreviatura de arts décoratifs , de la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes celebrada en París en 1925, ^[3] aunque los diversos estilos que caracterizan al Art Deco ya habían aparecido en París y Bruselas antes de la Primera Guerra Mundial .

El término arts décoratifs se utilizó por primera vez en Francia en 1858; publicado en el Bulletin de la Société française de Photographie . ^[6] En 1868, el periódico Le Figaro utilizó el término objets d'art décoratifs con respecto a los objetos para la escenografía creada para el Théâtre de l'Opéra . ^{[7] [8] [9]} En 1875, los diseñadores de muebles, textiles, diseñadores de joyas y vidrio, y otros artesanos recibieron oficialmente el estatus de artistas por parte del gobierno francés. En respuesta a esto, la École royale gratuite de dessin (Royal Free School of Design), fundada en 1766 bajo el reinado de Luis XVI.para formar artistas y artesanos en oficios relacionados con las bellas artes, pasó a llamarse École nationale des arts décoratifs ( Escuela Nacional de Artes Decorativas). Tomó su nombre actual de ENSAD ( École nationale supérieure des arts décoratifs ) en 1927.

Durante la Exposición de 1925, el arquitecto Le Corbusier escribió una serie de artículos sobre la exposición para su revista L'Esprit Nouveau , bajo el título "EXPO 1925. ARTS. DÉCO.", Que se combinaron en un libro, L'art décoratif d ' aujourd'hui (Arte decorativo hoy). El libro fue un enérgico ataque a los excesos de los coloridos y lujosos objetos de la Exposición; y sobre la idea de que los objetos prácticos como los muebles no deben tener ningún tipo de decoración; su conclusión fue que "la decoración moderna no tiene decoración". ^[10]

La frase real art déco no apareció impresa hasta 1966, cuando apareció en el título de la primera exposición moderna sobre el tema, celebrada por el Museo de Artes Decorativas de París, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit. nouveau , que cubrió la variedad de estilos principales en las décadas de 1920 y 1930. ^[11] El término art déco se utilizó entonces en un artículo de periódico de 1966 de Hillary Gelson en The Times (Londres, 12 de noviembre), describiendo los diferentes estilos de la exposición. ^{[12] [13]}

Art Deco ganó popularidad como una etiqueta estilística ampliamente aplicada en 1968 cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro académico importante sobre el estilo: Art Deco de los años 20 y 30 . ^[2] Hillier señaló que el término ya estaba siendo utilizado por marchantes de arte y cita The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo llamado Les Arts Déco en la revista Elle (noviembre de 1967) como ejemplos de uso anterior. ^[14] En 1971, Hillier organizó una exposición en el Minneapolis Institute of Arts , que detalla en su libro al respecto, The World of Art Deco . ^{[15] [16]}

Orígenes

Sociedad de Artistas Decorativos (1901-1913)

La aparición del Art Deco estuvo estrechamente relacionada con el ascenso en el estatus de los artistas decorativos, que hasta finales del siglo XIX habían sido considerados simplemente como artesanos. El término arts décoratifs se inventó en 1875, dando a los diseñadores de muebles, textiles y otras decoraciones un estatus oficial. La Société des artistes décorateurs (Sociedad de Artistas Decorativos), o SAD, fue fundada en 1901, y los artistas decorativos recibieron los mismos derechos de autoría que los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. La primera exposición internacional dedicada íntegramente a las artes decorativas, la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , se celebró en Turínen 1902. Se fundaron en París varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, entre ellas Arts et décoration y L'Art décoratif moderne . Las secciones de artes decorativas se introdujeron en los salones anuales de la Sociéte des artistes français , y más tarde en el Salon d'Automne. . El nacionalismo francés también jugó un papel en el resurgimiento de las artes decorativas; Los diseñadores franceses se sintieron desafiados por las crecientes exportaciones de muebles alemanes menos costosos. En 1911, el SAD propuso la celebración de una nueva exposición internacional importante de artes decorativas en 1912. No se permitirían copias de estilos antiguos; solo obras modernas. La muestra se pospuso hasta 1914, luego, a causa de la guerra, se pospuso hasta 1925, cuando dio su nombre a toda la familia de estilos conocida como "Déco". ^[17]

• Mesa y sillas de Maurice Dufrêne y alfombra de Paul Follot en el Salon des artistes décorateurs de 1912

• Dama con pantera de George Barbier para Louis Cartier , 1914. Tarjeta de exposición encargada por Cartier que muestra a una mujer con un vestido de Paul Poiret (1914)

• Butaca de Émile-Jacques Ruhlmann (1914) (Musée d'Orsay)

Los grandes almacenes y los diseñadores de moda parisinos también desempeñaron un papel importante en el auge del Art Deco. Empresas establecidas como la firma de platería Christofle , el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron , quienes comenzaron a diseñar productos con estilos más modernos. ^{[18] [19]} A partir de 1900, los grandes almacenes habían reclutado artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salón de Otoño de 1912 se había confiado a los grandes almacenes Printemps . ^{[20] [21]} Durante el mismo año, Printemps creó su propio taller llamadoPrimavera . ^[21] En 1920, Primavera empleaba a más de trescientos artistas. Los estilos iban desde las versiones actualizadas de Luis XIV , Luis XVI , y especialmente los muebles Louis Philippe realizados por Louis Süe y el taller Primavera , hasta formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre . Otros diseñadores, incluidos Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Foliot, se negaron a utilizar la producción en masa e insistieron en que cada pieza se hiciera individualmente a mano. El estilo Art Deco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como ébano , marfily seda , colores muy vivos y motivos estilizados , en especial cestas y ramos de flores de todos los colores, que le dan un aire modernista. ^[22]

Secesión de Viena y Wiener Werkstätte (1905-1911)

Los arquitectos de la Secesión de Viena (formada en 1897), especialmente Josef Hoffmann , tuvieron una influencia notable en el Art Deco. Su Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911) fue un prototipo del estilo Art Deco, con volúmenes geométricos, simetría, líneas rectas, hormigón cubierto con placas de mármol, ornamentos finamente esculpidos e interiores lujosos, incluidos frisos de mosaicos de Gustav Klimt . Hoffmann también fue fundador de Wiener Werkstätte (1903-1932), una asociación de artesanos y diseñadores de interiores que trabajaban en el nuevo estilo. Este se convirtió en el modelo de la Compagnie des arts français , creada en 1919, que reunió a André Mare y Louis Süe, los primeros diseñadores y decoradores franceses destacados del Art Deco. ^[23]

• Palacio Stoclet , Bruselas , Bélgica, por Josef Hoffmann (1905–11)

• Detalle de la fachada, realizada en hormigón armado revestido con placas de mármol

Nuevos materiales y tecnologías

Los nuevos materiales y tecnologías, especialmente el hormigón armado , fueron clave para el desarrollo y la aparición del Art Deco. La primera casa de hormigón fue construida en 1853 en los suburbios de París por François Coignet . En 1877 Joseph Monier introdujo la idea de reforzar el hormigón con una malla de varillas de hierro en forma de rejilla. En 1893 Auguste Perret construyó el primer garaje de hormigón en París, luego un edificio de apartamentos, una casa y, en 1913, el Théâtre des Champs-Élysées . El teatro fue denunciado por un crítico como el "Zeppelin de Avenue Montaigne", una supuesta influencia germánica, copiada de la Secesión de Viena.. A partir de entonces, la mayoría de los edificios Art Deco fueron hechos de hormigón armado, lo que dio una mayor libertad de forma y menos necesidad de pilares y columnas de refuerzo. Perret también fue pionera en revestir el hormigón con baldosas cerámicas, tanto para protección como para decoración. El arquitecto Le Corbusier aprendió por primera vez los usos del hormigón armado trabajando como dibujante en el estudio de Perret. ^[24]

Otras nuevas tecnologías que fueron importantes para Art Deco fueron los nuevos métodos en la producción de vidrio plano, que era menos costoso y permitía ventanas mucho más grandes y resistentes, y para la producción en masa de aluminio , que se utilizó para marcos de ventanas y edificios y más tarde, por Corbusier y otros, para muebles ligeros.

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)

Artículo principal: Théâtre des Champs-Élysées

• Théâtre des Champs-Élysées , de Auguste Perret , 15 avenue Montaigne, París (1910–13). El hormigón armado les dio a los arquitectos la capacidad de crear nuevas formas y espacios más grandes.

• Antoine Bourdelle , La Danse , en la fachada del Théâtre des Champs-Élysées (1912)

• Interior del Théâtre des Champs-Élysées, con bajorrelieves de Bourdelle sobre el escenario

• Cúpula del teatro, con diseño Art Deco de rosas de Maurice Denis

Antoine Bourdelle , 1910–12, Apollon et sa méditation entourée des 9 muses (Apolo y su meditación rodeado por las 9 musas), bajorrelieve, en el Théâtre des Champs-Élysées. Esta obra representa uno de los primeros ejemplos de lo que se conoció como escultura Art Deco.

El Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret , fue el primer edificio emblemático Art Deco que se completó en París. Anteriormente, el hormigón armado se había utilizado solo para edificios industriales y de apartamentos, Perret había construido el primer edificio moderno de apartamentos de hormigón armado en París en la rue Benjamin Franklin en 1903-04. Henri Sauvage, otro importante futuro arquitecto Art Deco, construyó otro en 1904 en 7, rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 años, trabajó como delineante en la oficina de Perret, aprendiendo las técnicas de construcción con hormigón. El edificio de Perret tenía una forma rectangular limpia, decoración geométrica y líneas rectas, las futuras marcas comerciales del Art Deco. La decoración del teatro también fue revolucionaria; la fachada fue decorada con altos relieves de Antoine Bourdelle , una cúpula de Maurice Denis , pinturas de Édouard Vuillard y una cortina Art Deco de Ker-Xavier Roussel . El teatro se hizo famoso como sede de muchas de las primeras representaciones de los Ballets Rusos . ^[25]Perret y Sauvage se convirtieron en los principales arquitectos Art Deco de París en la década de 1920. ^{[26] [27]}

Salon d'Automne (1912-1913)

Artículo principal: Salon d'Automne

• Escenografía para Sheherazade (1910) de Léon Bakst

• Sillón Art Deco hecho para el coleccionista de arte Jacques Doucet (1912–13)

• Exhibición de los primeros muebles Art Deco del Atelier français en el Salon d'Automne de 1913 de la revista Art et décoration (1914)

En su nacimiento entre 1910 y 1914, Art Deco fue una explosión de colores, con tonos brillantes y a menudo contradictorios, con frecuencia en diseños florales, presentados en tapicería de muebles , alfombras, biombos, papel tapiz y telas. En el Salon des artistes décorateurs de 1912 se presentaron muchas obras coloridas, incluidas sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una alfombra Gobelin brillante de Paul Follot . En 1912-1913, el diseñador Adrien Karbowsky hizo una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet . ^[28] Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Marehizo su primera aparición en la exhibición de 1912, bajo el nombre de Atelier français , combinando telas coloridas con materiales exóticos y costosos, incluidos el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, se convirtieron en una de las la mayoría de empresas de diseño de interiores franceses prominentes, la producción de los muebles para salones de primera clase y las cabinas de los transatlánticos franceses transatlánticos . ^[29]

Los colores vivos del Art Deco provienen de muchas fuentes, incluidos los diseños exóticos de Léon Bakst para los Ballets Russes , que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores se inspiraron en el movimiento fauvismo anterior dirigido por Henri. Matisse ; otros por el orfismo de pintores como Sonia Delaunay ; ^[30] otros por el movimiento conocido como Les Nabis , y en la obra del pintor simbolista Odilon Redon, quien diseñó mamparas de chimenea y otros objetos decorativos. Los colores brillantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret, cuyo trabajo influyó tanto en la moda Art Deco como en el diseño de interiores. ^{[29] [31] [32]}

Cubismo

• Diseño para la fachada de La Maison Cubiste ( Casa cubista ) de Raymond Duchamp-Villon (1912)

• Raymond Duchamp-Villon , 1912, La Maison Cubiste ( Casa cubista ) en el Salon d'Automne , 1912, detalle de la entrada

• Le Salon Bourgeois , diseñado por André Mare dentro de La Maison Cubiste , en la sección de artes decorativas del Salon d'Automne, 1912, París. Femme à l'Éventail de Metzinger en la pared izquierda

• Escalera en el hotel particulier del diseñador de moda y coleccionista de arte Jacques Doucet (1927). Diseño de Joseph Csaky . Las formas geométricas del cubismo tuvieron una influencia importante en el Art Deco

• El hôtel particulier de Jacques Doucet , 1927. Las Demoiselles d'Avignon de Picasso se pueden ver colgando al fondo

Joseph Csaky , 1912, Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche) , yeso original, expuesto en el Salon d'Automne de 1912 y el Salon des Indépendants de 1914 , una escultura de Proto-Art Deco

El movimiento artístico conocido como cubismo apareció en Francia entre 1907 y 1912, influyendo en el desarrollo del Art Deco. ^{[25] [30] [31]} En Art Deco Complete: La guía definitiva de las artes decorativas de las décadas de 1920 y 1930, Alastair Duncan escribe "El cubismo, en una forma bastarda u otra, se convirtió en la lengua franca de los artistas decorativos de la época". ^{[31] [33]} Los cubistas, ellos mismos bajo la influencia de Paul Cézanne , estaban interesados ​​en la simplificación de las formas a sus elementos geométricos esenciales: el cilindro, la esfera, el cono. ^{[34] [35]}

En 1912, los artistas de la Section d'Or exhibieron obras considerablemente más accesibles al público en general que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba preparado para atraer diseñadores de moda, muebles e interiores. ^{[30] [32] [35] [36]}

Los escritos de 1912 de André Vera , estilo Le Nouveau , publicados en la revista L'Art décoratif , expresaban el rechazo de las formas Art Nouveau (asimétricas, policromadas y pintorescas) y pedían simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie , temas que eventualmente se volverían comunes dentro del Art Deco; ^[19] aunque el estilo Deco era a menudo extremadamente colorido y complejo. ^[37]

En la sección Art Décoratif del Salon d'Automne de 1912, se exhibió una instalación arquitectónica conocida como La Maison Cubiste . ^{[38] [39]} La fachada fue diseñada por Raymond Duchamp-Villon . La decoración de la casa fue de André Mare . ^{[40] [41]} La Maison Cubiste era una instalación amueblada con una fachada, una escalera, barandillas de hierro forjado, un dormitorio, una sala de estar: el Salón Bourgeois , donde pinturas de Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger yRoger de La Fresnaye fueron ahorcados. ^{[42] [43] [44]} Miles de espectadores en el salón pasaron por el modelo a escala real. ^[45]

La fachada de la casa, diseñada por Duchamp-Villon, no era muy radical para los estándares modernos; los dinteles y frontones tenían formas prismáticas, pero por lo demás la fachada se parecía a una casa corriente de la época. Para las dos habitaciones, Mare diseñó el papel tapiz, que presentaba rosas estilizadas y patrones florales, junto con tapizados, muebles y alfombras, todos con motivos extravagantes y coloridos. Fue una clara ruptura con la decoración tradicional. El crítico Emile Sedeyn describió el trabajo de Mare en la revista Art et Décoration : "No se avergüenza con la sencillez, porque multiplica las flores allí donde se pueden poner. El efecto que busca es, evidentemente, pintoresco y alegre. Lo consigue". ^[46]El elemento cubista lo aportaron las pinturas. La instalación fue atacada por algunos críticos como extremadamente radical, lo que contribuyó a su éxito. ^[47] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston. ^{[30] [35] [48] [49] [50]} Gracias en gran parte a la exposición, el término "cubista" comenzó a aplicarse a todo lo moderno, desde cortes de pelo de mujeres hasta ropa y representaciones teatrales ". ^[47]

La influencia cubista continuó dentro del Art Deco, incluso cuando Deco se expandió en muchas otras direcciones. ^{[30] [31]} En 1927, los cubistas Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de un Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , diseñado del arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet, también coleccionista de arte postimpresionista de Henri Matisse y pinturas cubistas (incluidas Les Demoiselles d'Avignon, que compró directamente en el estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, ^[51] Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista. ^{[30] [52] [53] [54]}

Además de los artistas cubistas, Doucet trajo a otros diseñadores de interiores Deco para ayudar en la decoración de la casa, incluido Pierre Legrain, que estaba a cargo de organizar la decoración, y Paul Iribe , Marcel Coard, André Groult , Eileen Gray y Rose Adler para proporcionar los muebles. . La decoración incluyó piezas masivas hechas de ébano de macassar, inspiradas en el arte africano, y muebles cubiertos con cuero marroquí, piel de cocodrilo y piel de serpiente, y patrones tomados de diseños africanos. ^[55]

La geometría esbozada del cubismo se convirtió en moneda del reino en la década de 1920. El desarrollo de Art Deco de la geometría selectiva del cubismo en una gama más amplia de formas llevó al cubismo como una taxonomía pictórica a una audiencia mucho más amplia y un atractivo más amplio. (Richard Harrison Martin, Museo Metropolitano de Arte) ^[56]

Influencias

• El exotismo de los Ballets Rusos tuvo una fuerte influencia en los primeros Deco. Un dibujo del bailarín Vaslav Nijinsky por el artista de moda parisino Georges Barbier (1913)

• Ilustración de Georges Barbier de un vestido de Paquin (1914). Los diseños florales estilizados y los colores brillantes fueron una característica del Art Deco temprano.

• Vestíbulo de 450 Sutter Street , San Francisco , California , de Timothy Pflueger (1929), inspirado en el arte maya antiguo

• El Prometeo de bronce dorado en el Rockefeller Center , Nueva York , NY , por Paul Manship (1934), una actualización estilizada Art Deco de la escultura clásica (1936)

• Un jarrón de cerámica inspirado en motivos de la escultura de madera tallada tradicional africana, de Emile Lenoble (1937), Museo de Artes Decorativas, París

Art Deco no era un estilo único, sino una colección de estilos diferentes y, a veces, contradictorios. En arquitectura, el Art Deco fue el sucesor y la reacción contra el Art Nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y que también reemplazó gradualmente a las Bellas Artes y el neoclásico que predominaban en la arquitectura europea y americana. En 1905, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, ^[57] en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como una desviación de) el ondulante estilo Art Nouveau de Hector Guimard, tan popular en París unos años antes. Grasset enfatizó el principio de que varias formas geométricas simples como triángulos y cuadrados son la base de todos los arreglos de composición. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y en particular el Théâtre des Champs-Élysées , ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo. ^[58]

En la decoración, el Art Deco tomó prestados y utilizó muchos estilos diferentes. Incluían arte premoderno de todo el mundo y observable en el Musée du Louvre , Musée de l'Homme y el Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie . También hubo un interés popular en la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya , Troya y la tumba del faraón Tutankamón de la XVIII dinastía . Artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto , Mesopotamia , Grecia , Roma , Asia, Mesoamérica y Oceanía con Machine Ageelementos. ^{[59] [60] [61] [62] [63] [64]}

Otros estilos tomados prestados incluyeron el constructivismo ruso y el futurismo italiano , así como el orfismo, el funcionalismo y el modernismo en general. ^{[35] [59] [65] [66]} Art Deco también usó los colores y diseños chocantes del fauvismo, especialmente en el trabajo de Henri Matisse y André Derain , inspiró los diseños de textiles, papel tapiz y cerámicas pintadas art déco. ^[35] Tomó ideas del vocabulario de alta costura de la época, que incluía diseños geométricos, chevrones, zigzags y ramos de flores estilizados. Fue influenciado por descubrimientos en Egiptología.y un creciente interés por Oriente y el arte africano. A partir de 1925, a menudo se inspiró en la pasión por las nuevas máquinas, como los dirigibles, los automóviles y los transatlánticos, y en 1930 esta influencia dio como resultado el estilo llamado Streamline Moderne . ^[67]

Estilo de lujo y modernidad

• El tocador de la diseñadora de moda Jeanne Lanvin (1922–25) ahora en el Museo de Artes Decorativas de París , Francia

• Baño de Jeanne Lanvin, de mármol de Siena, con decoración de estuco tallado y bronce (1922–25)

• Un estudio Art Deco de la firma de diseño de París Alavoine, ahora en el Museo de Brooklyn , Nueva York , NY (1928-1930)

• Glass Salon (Le salon de verre) diseñado por Paul Ruaud con muebles de Eileen Gray , para Madame Mathieu-Levy (sombrerera de la boutique J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, París, 1922 (publicado en L'Illustration , 27 de mayo de 1933)

Art Deco se asoció tanto con el lujo como con la modernidad; combinaba materiales muy caros y una artesanía exquisita puesta en formas modernistas. El Art Deco no tenía nada de barato: los muebles incluían incrustaciones de marfil y plata, y las piezas de joyería Art Deco combinaban diamantes con platino, jade y otros materiales preciosos. El estilo se utilizó para decorar los salones de primera clase de los transatlánticos, trenes de lujo y rascacielos. Se utilizó en todo el mundo para decorar los grandes palacios cinematográficos de finales de los años veinte y treinta. Más tarde, después de la Gran Depresión , el estilo cambió y se volvió más sobrio.

Un buen ejemplo del estilo de lujo del Art Deco es el tocador de la diseñadora de moda Jeanne Lanvin , diseñado por Armand-Albert Rateau (1882-1938) realizado entre 1922 y 1925. Estaba ubicado en su casa en 16 rue Barbet de Jouy, en París, que fue demolido en 1965. La sala fue reconstruida en el Museo de Artes Decorativas de París. Las paredes están cubiertas con lambris moldeados debajo de bajorrelieves esculpidos en estuco. La alcoba está enmarcada con columnas de mármol sobre bases y un pedestal de madera esculpida. El suelo es de mármol blanco y negro, y en los armarios se exhiben objetos decorativos sobre un fondo de seda azul. Su baño tenía una bañera y un lavabo de mármol siena, con una pared de estuco tallado y accesorios de bronce. ^[68]

En 1928, el estilo se había vuelto más cómodo, con sillones club de cuero profundo. El estudio diseñado por la firma parisina Alavoine para un empresario estadounidense en 1928-1930, ahora en el Museo de Brooklyn .

En la década de 1930, el estilo se había simplificado un poco, pero seguía siendo extravagante. En 1932, el decorador Paul Ruoud realizó el Salón del vidrio para Suzanne Talbot. Presentaba un sillón serpentino y dos sillones tubulares de Eileen Gray, un piso de losas de vidrio plateado mate, un panel de patrones abstractos en laca plateada y negra, y una variedad de pieles de animales. ^[69]

Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (1925)

Artículo principal: Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas

• Postal de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas en París , Francia (1925)

• Entrada a la exposición de 1925 desde la Place de la Concorde de Pierre Patout

• Pabellón polaco (1925)

• Pabellón de los grandes almacenes Galeries Lafayette en la Exposición de 1925

• El Hotel du Collectionneur, pabellón del fabricante de muebles Émile-Jacques Ruhlmann , diseñado por Pierre Patout .

• Salón del Hôtel du Collectionneur de la Exposición Internacional de Artes Decorativas de 1925, amueblado por Émile-Jacques Ruhlmann , pintura de Jean Dupas , diseño de Pierre Patout

El evento que marcó el cenit del estilo y le dio su nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Fue patrocinada oficialmente por el gobierno francés y cubrió un sitio en París de 55 acres, que va desde el Grand Palais en la orilla derecha hasta Les Invalides en la orilla izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, la sala más grande de la ciudad, se llenó de exhibiciones de artes decorativas de los países participantes. Hubo 15.000 expositores de veinte países diferentes, incluidos Inglaterra, Italia, España, Polonia, Checoslovaquia, Bélgica, Japón y la nueva Unión Soviética., aunque Alemania no fue invitada debido a las tensiones después de la guerra y Estados Unidos, al malinterpretar el propósito de la exhibición, se negó a participar. Fue visitado por dieciséis millones de personas durante sus siete meses de funcionamiento. Las reglas de la exposición exigían que todo trabajo fuera moderno; no se permitieron estilos históricos. El objetivo principal de la Exposición era promover a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, trabajos en metal, textiles y otros productos decorativos. Para promover aún más los productos, todos los grandes almacenes y grandes diseñadores de París tenían sus propios pabellones. La exposición tuvo un propósito secundario en la promoción de productos de las colonias francesas en África y Asia, incluido el marfil y las maderas exóticas.

El Hôtel du Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; mostraba los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas Art Deco, alfombras y un cuadro de Jean Dupas . El diseño interior siguió los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo distinguen del Art Nouveau, y colores brillantes, artesanía fina, materiales raros y costosos que lo distinguen de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban lujosamente decorados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, los de la Unión Soviética y el Pabellón du Nouveau Esprit, construidos por la revista de ese nombre dirigida por Le Corbusier, se construyeron en un estilo austero con paredes blancas lisas y sin decoración; estaban entre los primeros ejemplos dearquitectura modernista . ^[70]

Rascacielos

• The American Radiator Building , Nueva York , NY , de Raymond Hood (1924)

• Edificio Chrysler , Ciudad de Nueva York, por William Van Alen (1930)

• Horizonte de la ciudad de Nueva York ( c.  1931-1933 )

• Corona del edificio General Electric (también conocido como 570 Lexington Avenue), Nueva York, por Cross & Cross (1933)

• 30 Rockefeller Plaza , Nueva York, de Raymond Hood (1933)

• Empire State Building , Nueva York, de Shreve, Lamb & Harmon (1931)

Los rascacielos estadounidenses marcaron la cima del estilo Art Deco; se convirtieron en los edificios modernos más altos y reconocibles del mundo. Fueron diseñados para mostrar el prestigio de sus constructores a través de su altura, su forma, su color y su espectacular iluminación nocturna. ^[71] El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinó elementos modernos góticos y decorativos en el diseño del edificio. Se seleccionó ladrillo negro en la fachada del edificio (que simboliza el carbón) para dar una idea de solidez y darle al edificio una masa sólida. Otras partes de la fachada estaban cubiertas con ladrillos de oro (que simbolizaban el fuego) y la entrada estaba decorada con mármol y espejos negros. Otro de los primeros rascacielos Art Deco fue el de Detroit.Guardian Building , que se inauguró en 1929. Diseñado por el modernista Wirt C. Rowland , el edificio fue el primero en emplear acero inoxidable como elemento decorativo y el uso extensivo de diseños de colores en lugar de adornos tradicionales.

El horizonte de la ciudad de Nueva York fue cambiado radicalmente por el edificio Chrysler en Manhattan (terminado en 1930), diseñado por William Van Alen . Era un anuncio gigante de setenta y siete pisos de alto para automóviles Chrysler. La parte superior estaba coronada por una aguja de acero inoxidable, y estaba adornada con "gárgolas" decorativas en forma de adornos de acero inoxidable en la tapa del radiador. La base de la torre, treinta y tres pisos sobre la calle, estaba decorada con coloridos frisos art decó, y el vestíbulo estaba decorado con símbolos e imágenes art decó que expresaban la modernidad. ^[72]

El edificio Chrysler fue seguido por el edificio Empire State de William F. Lamb (1931) y el edificio RCA.(ahora 30 Rockefeller Plaza) de Raymond Hood (1933) que juntos cambiaron por completo el horizonte de la ciudad de Nueva York. La parte superior de los edificios estaba decorada con coronas y agujas Art Deco cubiertas con acero inoxidable y, en el caso del edificio Chrysler, con gárgolas Art Deco inspiradas en los adornos de los radiadores, mientras que las entradas y los vestíbulos estaban profusamente decorados con esculturas Art Deco. cerámica y diseño. Edificios similares, aunque no tan altos, pronto aparecieron en Chicago y otras grandes ciudades estadounidenses. El edificio Chrysler pronto fue superado en altura por el Empire State Building, en un estilo Deco un poco menos lujoso. El Rockefeller Center agregó un nuevo elemento de diseño: varios edificios altos agrupados alrededor de una plaza abierta, con una fuente en el centro. ^[73]

Art Déco tardío

• Lincoln Theatre en Miami Beach, Florida , de Thomas W. Lamb (1936)

• El Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu y Léon Azéma de la Exposición Internacional de París de 1937

• Escalera del Consejo Económico y Social de París, originalmente el Museo de Obras Públicas, construida para la Exposición Internacional de París de 1937 , por Auguste Perret (1937)

• High School en King City, California , construida por Robert Stanton para Works Progress Administration (1939)

En 1925, dos escuelas diferentes en competencia coexistieron dentro del Art Deco: los tradicionalistas, que habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos; incluyó al diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales costosos. Del otro lado estaban los modernistas, que cada vez más rechazaban el pasado y querían un estilo basado en los avances de las nuevas tecnologías, la sencillez, la falta de decoración, los materiales económicos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos , en 1929. Entre sus miembros se encontraban los arquitectos Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens, Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov ; la diseñadora irlandesa Eileen Gray, y la diseñadora francesa Sonia Delaunay, los joyeros Jean Fouquet y Jean Puiforcat . Atacaron ferozmente el estilo art déco tradicional, que dijeron que fue creado solo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían estar disponibles para todos, y que la forma debe seguir a la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si era perfectamente apto para cumplir su función. Los métodos industriales modernos significaban que los muebles y los edificios podían producirse en masa, no a mano. ^{[74] [75]}

El interiorista Art Deco Paul Follot defendió el Art Deco de esta manera: "Sabemos que el hombre nunca se contenta con lo indispensable y que lo superfluo siempre es necesario ... Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y perfumes ..! " ^[76]Sin embargo, Le Corbusier fue un publicista brillante de la arquitectura modernista; afirmó que una casa era simplemente "una máquina para vivir", y promovió incansablemente la idea de que el Art Deco era el pasado y el modernismo el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura y se abandonó la estética del Art Deco. Las mismas características que hicieron popular al Art Deco al principio, su artesanía, ricos materiales y ornamentos, llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en los Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después, redujo en gran medida el número de clientes adinerados que podían pagar los muebles y los objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas empresas estaban preparadas para construir nuevos rascacielos. ^[35]Incluso la firma Ruhlmann recurrió a la producción de muebles en serie, en lugar de artículos individuales hechos a mano. Los últimos edificios construidos en París con el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (ahora el Consejo Económico, Social y Ambiental de Francia ) y el Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu y Léon Azéma , y el Palais de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937 ; miraron el grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer , que se enfrentaba al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante se convirtió en el Estilo Internacional promovido por Le Corbusier y Mies Van der Rohe . Un puñado de hoteles Art Deco se construyeron en Miami Beach después de la Segunda Guerra Mundial, pero en otros lugares el estilo desapareció en gran medida, excepto en el diseño industrial, donde continuó utilizándose en el diseño de automóviles y productos como máquinas de discos. En la década de 1960, experimentó un modesto renacimiento académico, gracias en parte a los escritos de historiadores de la arquitectura como Bevis Hillier. En la década de 1970 se hicieron esfuerzos en los Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de arquitectura Art Deco, y muchos edificios fueron restaurados y reutilizados. Arquitectura posmoderna, que apareció por primera vez en la década de 1980, como Art Deco, a menudo incluye características puramente decorativas. ^{[35] [59] [77] [78] La} decoración sigue inspirando a los diseñadores y se utiliza a menudo en la moda contemporánea, la joyería y los artículos de tocador. ^[79]

Pintura

• Detalle del tiempo , mural del techo del vestíbulo del Rockefeller Center ( Nueva York , NY ), del pintor español Josep Maria Sert (1941)

• Trabajadores clasificando el correo , un mural en la Aduana de EE. UU., Ciudad de Nueva York, por Reginald Marsh (1936)

• Arte en los trópicos , mural en el edificio federal William Jefferson Clinton , Washington, DC , de Rockwell Kent (1938)

No se reservó ninguna sección para pintar en la Exposición de 1925. La pintura Art Deco era por definición decorativa, diseñada para decorar una habitación o una obra de arquitectura, por lo que pocos pintores trabajaron exclusivamente en el estilo, pero dos pintores están estrechamente asociados con el Art Deco. Jean Dupas pintó murales Art Deco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 en París, y también pintó el cuadro sobre la chimenea en la exhibición Maison de la Collectioneur en la Exposición de 1925, que contó con muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores Art Deco. . Sus murales también se destacaron en la decoración del transatlántico francés SS Normandie . Su trabajo fue puramente decorativo, diseñado como fondo o acompañamiento de otros elementos de la decoración. ^[80]

La otra pintora estrechamente relacionada con el estilo es Tamara de Lempicka . Nacida en Polonia, emigró a París después de la Revolución Rusa . Estudió con Maurice Denis y André Lhote , y tomó prestados muchos elementos de sus estilos. Pintó retratos en un estilo Art Deco realista, dinámico y colorido. ^[81]

En la década de 1930 apareció en los Estados Unidos una nueva forma dramática de pintura Art Deco. Durante la Gran Depresión, se creó el Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras para dar trabajo a artistas desempleados. A muchos se les dio la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No se utilizó un estilo art déco específico en los murales; los artistas dedicados a pintar murales en edificios gubernamentales provenían de muchas escuelas diferentes, desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social ; entre ellos estaban Reginald Marsh , Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera. Los murales eran de estilo Art Deco porque todos eran decorativos y estaban relacionados con las actividades en el edificio o ciudad donde fueron pintados: Reginald Marsh y Rockwell Kent decoraron edificios postales de EE. UU. Y mostraron a los empleados postales en el trabajo, mientras que Diego Rivera representó a los trabajadores de las fábricas de automóviles para el Instituto de Artes de Detroit . El mural de Diego Rivera El hombre en la encrucijada (1933) para el Rockefeller Center presentaba un retrato no autorizado de Lenin . ^{[82] [83]} Cuando Rivera se negó a retirar a Lenin, la pintura fue destruida y el artista español Josep Maria Sert pintó un nuevo mural . ^{[84] [85] [86]}

Escultura

Escultura monumental y pública

• Estatua de aluminio de Ceres por John Storrs en lo alto del edificio de la Junta de Comercio de Chicago , Chicago , Illinois (1930)

• El Prometeo de bronce dorado en el Rockefeller Center ( Nueva York , NY ), de Paul Manship (1934), una estilizada actualización Art Deco de la escultura clásica (1936)

• Decoración del portal Wisdom por Lee Lawrie en el Rockefeller Center (1933)

• Lee Lawrie , 1936-1937, estatua de Atlas , frente al Rockefeller Center (instalado en 1937)

• Hombre que controla el comercio por Michael Lantz en el edificio de la Comisión Federal de Comercio , Washington, DC (1942)

• Mail Delivery East , de Edmond Amateis , una de las cuatro esculturas en bajorrelieve del edificio federal Nix , Filadelfia , Pensilvania (1937)

• Ralph Stackpole grupo escultórico 's sobre la puerta de la Bolsa de Valores de San Francisco , San Francisco , California (1930)

• Antena entre sabiduría y alegría por Eric Gill , fachada de BBC Broadcasting House , Londres , Reino Unido (1932)

• Cristo Redentor de Paul Landowski (1931), esteatita ,Montaña Corcovado , Río de Janeiro , Brasil

La escultura era una característica muy común e integral de la arquitectura Art Deco. En Francia, bajorrelieves alegóricos que representan la danza y la música de Antoine Bourdelle decoraron el primer hito Art Deco en París, el Théâtre des Champs-Élysées , en 1912. En 1925 se colocaron importantes obras escultóricas alrededor del sitio, los pabellones se decoraron con frisos escultóricos y varios pabellones dedicados a la escultura de estudio más pequeña. En la década de 1930, un gran grupo de destacados escultores realizó obras para la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne de 1937 en Chaillot. Alfred Janniot realizó las esculturas en relieve de la fachada del Palais de Tokyo. El Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, y la explanada frente al Palais de Chaillot, frente a la Torre Eiffel, estaba llena de nuevas estatuas de Charles Malfray , Henry Arnold y muchos otros. ^[87]

La escultura art decó pública era casi siempre representativa, generalmente de figuras heroicas o alegóricas relacionadas con el propósito del edificio o la habitación. Los temas generalmente fueron seleccionados por los patrocinadores, no por el artista. La escultura abstracta para decoración era extremadamente rara. ^{[88] [89]}

En los Estados Unidos, el escultor Art Deco más destacado para el arte público fue Paul Manship , quien actualizó temas y temas clásicos y mitológicos en un estilo Art Deco. Su obra más famosa fue la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York, una adaptación del siglo XX de un tema clásico. Lee Lawrie realizó otras obras importantes para el Rockefeller Center , incluida la fachada escultórica y la estatua del Atlas .

Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, muchos escultores recibieron el encargo de realizar trabajos para la decoración de edificios del gobierno federal, con fondos proporcionados por la WPA, o Works Progress Administration . Entre ellos se encontraba el escultor Sidney Biehler Waugh, quien creó imágenes estilizadas e idealizadas de los trabajadores y sus tareas para los edificios de oficinas del gobierno federal. ^[90] En San Francisco, Ralph Stackpole proporcionó una escultura para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de Valores de San Francisco . En Washington DC, Michael Lantz realizó obras para el edificio de la Comisión Federal de Comercio .

En Gran Bretaña, Eric Gill hizo las estatuas públicas de Deco para la BBC Broadcasting House , mientras que Ronald Atkinson decoró el vestíbulo del antiguo edificio Daily Express en Londres (1932).

Una de las esculturas Art Deco públicas más conocidas y sin duda la más grande es el Cristo Redentor del escultor francés Paul Landowski , completado entre 1922 y 1931, ubicado en la cima de una montaña con vista a Río de Janeiro , Brasil.

Escultura de estudio

• Tête (vista frontal y lateral), piedra caliza, de Joseph Csaky ( c.  1920 ) ( Museo Kröller-Müller , Otterlo , Países Bajos)

• El cazador de Pierre Le Faguays (década de 1920)

• Desnudo de bronce de una bailarina sobre un pedestal de ónix de Josef Lorenzl ( c.  1925 )

• Speed , un diseño para un adorno de radiador de Harriet Whitney Frishmuth (1925)

• The Flight of Europa , bronce con pan de oro, de Paul Manship (1925) ( Whitney Museum of American Art , Nueva York , NY )

• Tânără (Niña), bronce, marfil y ónix, de Demétre Chiparus ( c.  1925 )

• Dansatoare (bailarín), bronce y marfil, de Chiparus ( c.  1925 )

Muchas de las primeras esculturas Art Deco eran pequeñas, diseñadas para decorar salones. Un género de esta escultura se llamó la estatuilla criselefantina , nombrada así por un estilo de las antiguas estatuas de los templos griegos hechas de oro y marfil. A veces estaban hechos de bronce o, a veces, con materiales mucho más lujosos, como marfil, ónix , alabastro y pan de oro.

Uno de los escultores de salón Art Deco más conocidos fue Demétre Chiparus , nacido en Rumania , quien produjo pequeñas esculturas coloridas de bailarines. Otros escultores de salón notables fueron Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. ^[91] Otro escultor estadounidense importante en el formato de estudio fue Harriet Whitney Frishmuth , que había estudiado con Auguste Rodin en París.

Pierre Le Paguays fue un destacado escultor de estudio Art Deco, cuyo trabajo se mostró en la Exposición de 1925. Trabajó con bronce, mármol, marfil, ónix, oro, alabastro y otros materiales preciosos. ^[92]

François Pompon fue un pionero de la escultura animalier estilizada moderna . No fue plenamente reconocido por sus logros artísticos hasta los 67 años en el Salón de Otoño de 1922 con la obra Ours blanc , también conocida como El oso blanco , ahora en el Musée d'Orsay de París. ^[93]

Paralelamente a estos escultores Art Deco, en París y Nueva York trabajaban escultores modernistas más vanguardistas y abstractos. Los más destacados fueron Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff y Pablo Gargallo . ^[94]

Artes gráficas

• Programa para los Ballets Rusos de Léon Bakst (1912)

• Peter Behrens , cartel de la exposición Deutscher Werkbund (1914)

• A Vanity Fair cubierta por Georges Lepape (1919)

• Interpretación de Harlem Jazz I de Winold Reiss (hacia 1920)

• Portada de Harper's Bazaar de Erté (1922)

• Póster del metro de Londres de Horace Taylor (1924)

• Póster del Moulin Rouge de Charles Gesmar (1925)

El estilo Art Deco apareció temprano en las artes gráficas, en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Apareció en París en los carteles y los diseños de vestuario de Léon Bakst para los Ballets Rusos, y en los catálogos de los diseñadores de moda Paul Poiret. ^[95] Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepape y las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton capturaron a la perfección la elegancia y sensualidad del estilo. En la década de 1920, la apariencia cambió; las modas destacadas eran más desenfadadas, deportivas y atrevidas, con las modelos femeninas habitualmente fumando cigarrillos. Revistas de moda estadounidenses como Vogue , Vanity Fair y Harper's Bazaarrápidamente tomó el nuevo estilo y lo popularizó en los Estados Unidos. También influyó en el trabajo de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent. En Alemania, el cartelista más famoso de la época fue Ludwig Hohlwein , quien creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cervezas y, al final de su carrera, para el Partido Nazi. ^[96]

Durante el período Art Nouveau, los carteles solían anunciar productos teatrales o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viajes, hechos para líneas de barcos de vapor y aerolíneas, se volvieron extremadamente populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920, para centrar la atención en el producto que se anunciaba. Las imágenes se volvieron más simples, precisas, más lineales, más dinámicas y, a menudo, se colocaron sobre un fondo de un solo color. En Francia, los diseñadores Art Deco populares incluyeron a Charles Loupot y Paul Colin , quienes se hicieron famosos por sus carteles de la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker.. Jean Carlu diseñó carteles para las películas, telenovelas y teatros de Charlie Chaplin; a finales de la década de 1930 emigró a Estados Unidos, donde, durante la Guerra Mundial, diseñó carteles para fomentar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se hizo famoso realizando carteles para el cantante Mistinguett y para Air France . Entre los diseñadores de carteles art déco franceses más conocidos se encontraba Cassandre , que hizo el célebre cartel del transatlántico SS Normandie en 1935. ^[96]

En la década de 1930, apareció un nuevo género de carteles en los Estados Unidos durante la Gran Depresión. El Federal Art Project contrató a artistas estadounidenses para crear carteles para promover el turismo y los eventos culturales.

Arquitectura

"Arquitectura Art Deco" vuelve a dirigir aquí. Para el libro de Patricia Bayer, consulte Arquitectura Art Deco: diseño, decoración y detalle de los años veinte y treinta .

Más información: Arquitectura Art Deco de la ciudad de Nueva York , Lista de arquitectura Art Deco y Lista de edificios Art Deco en Sydney

• Grandes almacenes La Samaritaine en París , Francia, de Henri Sauvage (1925–28)

• Ayuntamiento de Los Ángeles por John Parkinson , John C. Austin y Albert C. Martin Sr. (1928)

• Hotel Lido en Bulevardul Gheorghe Magheru en Bucarest , Rumania , por Ernest Doneaud (1930)

• El edificio ASIROM en Bulevardul Carol I en Bucarest, por Ion Ionescu, con algunos pequeños adornos del Renacimiento egipcio (primera mitad del siglo XX)

• Interior del Palacio de Bellas Artes (Palacio de Bellas Artes) en la Ciudad de México, México (1934)

• Entrada de la Villa Empain en Bruselas , Bélgica (1930-1934)

• Edificio de la Dieta Nacional en Tokio , Japón (1936)

• Estación de metro Mayakovskaya en Moscú , Rusia (1936)

El estilo arquitectónico del art deco hizo su debut en París en 1903–04, con la construcción de dos edificios de apartamentos en París, uno por Auguste Perret en la rue Benjamin Franklin y el otro en la rue Trétaigne por Henri Sauvage. Los dos jóvenes arquitectos utilizaron hormigón armado por primera vez en edificios residenciales de París; los nuevos edificios tenían líneas limpias, formas rectangulares y sin decoración en las fachadas; marcaron una clara ruptura con el estilo art nouveau . ^[97] Entre 1910 y 1913, Perret utilizó su experiencia en edificios de apartamentos de hormigón para construir el Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne . Entre 1925 y 1928 construyó la nueva fachada art deco de los grandes almacenes La Samaritaine en París.^[98]

Después de la Primera Guerra Mundial, comenzaron a aparecer edificios art deco de acero y hormigón armado en las grandes ciudades de Europa y Estados Unidos. En los Estados Unidos, el estilo se usó más comúnmente para edificios de oficinas, edificios gubernamentales, cines y estaciones de ferrocarril. A veces se combinaba con otros estilos; El Ayuntamiento de Los Ángeles combinó el Art Deco con un techo basado en el antiguo mausoleo griego de Halicarnaso , mientras que la estación de ferrocarril de Los Ángeles combinó Deco con la arquitectura de la misión española. Los elementos Art Deco también aparecieron en proyectos de ingeniería, incluidas las torres del puente Golden Gate y las torres de admisión de la presa Hoover.. En las décadas de 1920 y 1930 se convirtió en un estilo verdaderamente internacional, con ejemplos como el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México por Federico Mariscal  [ es ] , la estación de metro Mayakovskaya en Moscú y el Edificio de la Dieta Nacional en Tokio por Watanabe Fukuzo. ^{[ cita requerida ]}

El estilo Art Deco no se limitó a los edificios en tierra; el transatlántico SS Normandie , cuyo primer viaje fue en 1935, contó con un diseño Art Deco, incluido un comedor cuyo techo y decoración fueron hechos de vidrio por Lalique . ^[99]

"Catedrales del comercio"

• El edificio Fisher en Detroit , Michigan , por Joseph Nathaniel French (1928)

• Vestíbulo inferior del Guardian Building en Detroit por Wirt Rowland (1929)

• Vestíbulo de 450 Sutter Street en San Francisco , California , por Timothy Pflueger (1929)

• Vestíbulo del edificio Chrysler en la ciudad de Nueva York , NY , por William Van Alen (1930)

• Ascensor del edificio Chrysler (1930)

Las grandes vitrinas del diseño de interiores Art Deco fueron los vestíbulos de los edificios gubernamentales, teatros y, en particular, edificios de oficinas. Los interiores eran extremadamente coloridos y dinámicos, combinando esculturas, murales y diseños geométricos ornamentados en mármol, vidrio, cerámica y acero inoxidable. Un ejemplo temprano fue el Edificio Fisher en Detroit, de Joseph Nathaniel French ; el vestíbulo estaba muy decorado con esculturas y cerámica. The Guardian Building (originalmente el edificio Union Trust) en Detroit, por Wirt Rowland(1929), decorado con mármol rojo y negro y cerámicas de colores brillantes, resaltado por puertas y mostradores de ascensor de acero altamente pulido. La decoración escultórica instalada en las paredes ilustra las virtudes de la industria y el ahorro; el edificio se denominó inmediatamente "Catedral del Comercio". El edificio médico y dental llamado 450 Sutter Street en San Francisco por Timothy Pflueger se inspiró en la arquitectura maya , en una forma muy estilizada; usaba formas piramidales, y las paredes interiores estaban cubiertas por hileras de jeroglíficos muy estilizados. ^[100]

En Francia, el mejor ejemplo de un interior Art Deco durante el período fue el Palais de la Porte Dorée (1931) de Albert Laprade , Léon Jaussely y Léon Bazin . El edificio (ahora el Museo Nacional de la Inmigración, con un acuario en el sótano) fue construido para la Exposición Colonial de París de 1931, para celebrar la gente y los productos de las colonias francesas. La fachada exterior estaba completamente cubierta con esculturas, y el vestíbulo creaba una armonía Art Deco con un piso de parquet de madera en un patrón geométrico, un mural que representa a la gente de las colonias francesas; y una armoniosa composición de puertas verticales y balcones horizontales. ^[100]

Palacios de cine

• Teatro Egipcio de Grauman en Hollywood ( Los Ángeles ), California (1922)

• Gran vestíbulo de cuatro pisos del Paramount Theatre en Oakland , California (1932)

• Auditorio y escenario del Radio City Music Hall en la ciudad de Nueva York , NY (1932)

• Grand Rex en París , Francia (1932)

• Cine estatal de Gaumont en Londres , Reino Unido (1937)

• The Paramount en Shanghai , China (1933)

Muchos de los mejores ejemplos de Art Deco que se conservan son las salas de cine construidas en las décadas de 1920 y 1930. El período Art Deco coincidió con la conversión de las películas mudas al sonido, y las compañías cinematográficas construyeron enormes teatros en las principales ciudades para capturar a la gran audiencia que venía a ver películas. Los palacios de cine en la década de 1920 a menudo combinaban temas exóticos con estilo art deco; El Teatro Egipcio de Grauman en Hollywood (1922) se inspiró en las antiguas tumbas y pirámides egipcias , mientras que el Teatro Fox en Bakersfield, California adjuntó una torre en estilo Misión de California a una sala Art Deco. El más grande de todos es el Radio City Music Hall.en la ciudad de Nueva York, que se inauguró en 1932. Originalmente diseñado como teatro, se transformó rápidamente en una sala de cine, con capacidad para 6.015 personas. El diseño interior de Donald Deskey utilizó vidrio, aluminio, cromo y cuero para crear un colorido escape de la realidad. El Paramount Theatre en Oakland, California, de Timothy Pflueger, tenía una colorida fachada de cerámica, un vestíbulo de cuatro pisos de altura y salas de fumadores Art Deco independientes para caballeros y damas. Grandes palacios similares aparecieron en Europa. El Grand Rex de París (1932), con su imponente torre, fue el cine más grande de Europa. El cine estatal de Gaumonten Londres (1937) tenía una torre inspirada en el edificio Empire State, cubierta con baldosas de cerámica de color crema y un interior de estilo Art Déco-Renacimiento italiano. El Teatro Paramount en Shanghai , China (1933) fue construido originalmente como un salón de baile llamado La puerta de los 100 placeres ; se convirtió en una sala de cine después de la Revolución Comunista en 1949, y ahora es un salón de baile y discoteca. En la década de 1930, los arquitectos italianos construyeron un pequeño cine, el Cinema Impero, en Asmara, en lo que hoy es Eritrea . Hoy en día, muchas de las salas de cine se han subdividido en multicines, pero otras han sido restauradas y se utilizan como centros culturales en sus comunidades. ^[101]

Streamline Moderne

Artículo principal: Streamline Moderne

• La esquina redondeada de estilo náutico de BBC Broadcasting House en Londres , Reino Unido (1931)

• Edificio de París en el estilo Paquebot o transatlántico, 3 boulevard Victor, de Pierre Patout (1935)

• Auditorio Pan-Pacific en Los Ángeles , California (1936)

• La Marine Air Terminal en el aeropuerto de La Guardia (1937) fue la terminal de la ciudad de Nueva York para los vuelos de los hidroaviones Pan Am Clipper a Europa.

• La cantina del Hoover Building en Perivale en los suburbios de Londres, de Wallis, Gilbert and Partners (1938)

• Antiguo Instituto Nacional Belga de Radiodifusión en Ixelles ( Bruselas ), Bélgica (1938)

• El Ford Pavilion en la Feria Mundial de Nueva York de 1939

• Iglesia Streamline Moderne, Primera Iglesia de Liberación en Chicago , Illinois , por Walter T. Bailey (1939). Torres agregadas en 1948.

A finales de la década de 1930, se hizo común una nueva variedad de arquitectura Art Deco; se llamaba Streamline Moderne o simplemente Streamline, o, en Francia, el estilo Paqueboat o Ocean Liner. Los edificios del estilo tenían esquinas redondeadas y largas líneas horizontales; estaban construidas con hormigón armado y casi siempre eran blancas; ya veces tenían características náuticas, como barandillas que se parecían a las de un barco. La esquina redondeada no era del todo nueva; había aparecido en Berlín en 1923 en la Mossehaus de Erich Mendelsohn , y más tarde en el Hoover Building , un complejo industrial en el suburbio londinense de Perivale. En los Estados Unidos, se asoció más estrechamente con el transporte; Streamline moderne era poco común en edificios de oficinas, pero a menudo se usaba para estaciones de autobuses y terminales de aeropuertos, como la terminal del aeropuerto La Guardia en la ciudad de Nueva York que manejó los primeros vuelos transatlánticos, a través de los hidroaviones PanAm Clipper; y en arquitectura de carretera, como gasolineras y comedores. A fines de la década de 1930, se produjeron e instalaron una serie de comensales, siguiendo el modelo de los vagones de ferrocarril aerodinámicos, en ciudades de Nueva Inglaterra; aún quedan al menos dos ejemplos y ahora son edificios históricos registrados. ^[102]

Decoración y motivos

• Pantalla de chimenea de hierro, Rose Iron Works ( Cleveland , Ohio ) (1930)

• Puertas de ascensor del edificio Chrysler ( Nueva York , NY ), por William Van Alen (1927–30)

• Motivo del amanecer del Wisconsin Gas Building ( Milwaukee , Wisconsin ) (1930)

• Detalle de la fachada de mosaico del Teatro Paramount (Oakland, California) (1931)

La decoración en el período Art Deco pasó por varias fases distintas. Entre 1910 y 1920, cuando el Art Nouveau se agotó, los estilos de diseño vieron un retorno a la tradición, particularmente en la obra de Paul Iribe. En 1912, André Vera publicó un ensayo en la revista L'Art Décoratif pidiendo un retorno a la artesanía y los materiales de siglos anteriores, y utilizando un nuevo repertorio de formas tomadas de la naturaleza, particularmente cestas y guirnaldas de frutas y flores. Una segunda tendencia del Art Deco, también de 1910 a 1920, se inspiró en los colores vivos del movimiento artístico conocido como los fauvistas.y por los coloridos trajes y decorados de los Ballets Rusos. Este estilo se expresó a menudo con materiales exóticos como piel de tiburón, nácar, marfil, cuero teñido, madera lacada y pintada, e incrustaciones decorativas en muebles que enfatizaban su geometría. Este período del estilo alcanzó su punto culminante en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925. A finales de la década de 1920 y 1930, el estilo decorativo cambió, inspirado en nuevos materiales y tecnologías. Se volvió más elegante y menos ornamental. Los muebles, al igual que la arquitectura, comenzaron a tener bordes redondeados y a adquirir un aspecto pulido y aerodinámico, tomado del estilo moderno y aerodinámico. Nuevos materiales, como acero cromado, aluminio y baquelita , una forma temprana de plástico, comenzaron a aparecer en muebles y decoración. ^[103]

A lo largo del período Art Deco, y particularmente en la década de 1930, los motivos de la decoración expresaron la función del edificio. Los teatros estaban decorados con esculturas que ilustraban música, danza y emoción; las compañías eléctricas mostraban amaneceres, el edificio Chrysler mostraba ornamentos estilizados en el capó; Los frisos del Palais de la Porte Dorée en la Exposición Colonial de París de 1931 mostraban los rostros de las diferentes nacionalidades de las colonias francesas. El estilo Streamline hizo que pareciera que el edificio en sí estaba en movimiento. Los murales de la WPA de la década de 1930 presentaban a gente corriente; trabajadores de fábricas, trabajadores postales, familias y agricultores, en lugar de héroes clásicos. ^[104]

Mobiliario

• Silla de Paul Follot (1912–14)

• Butaca de Louis Süe (1912) y biombo pintado de André Mare (1920)

• Tocador y silla de mármol y madera incrustada, lacada y dorada de Follot (1919-20)

• Armario de esquina de caoba con diseño de canasta de rosas de marfil con incrustaciones de Émile-Jacques Ruhlmann (1923)

• Armario de Ruhlmann (1926)

• Diseño de gabinete de Ruhlmann

• Mueble revestido con piel de tiburón o shagreen de André Groult (1925)

• Mobiliario de Gio Ponti (1927)

• Escritorio de un administrador, de Michel Roux-Spitz para el Salón de Artistas Decorativos de 1930

• Un sillón Art Deco (década de 1930)

• Mobiliario y alfombra Art Déco tardío de Jules Leleu (década de 1930)

• Una mesa de buffet estilo cascada

Los muebles franceses desde 1910 hasta principios de la década de 1920 fueron en gran parte una actualización de los estilos de muebles tradicionales franceses y los diseños art nouveau de Louis Majorelle , Charles Plumet y otros fabricantes. Los fabricantes de muebles franceses se sintieron amenazados por la creciente popularidad de los fabricantes y estilos alemanes, en particular el Biedermeier.estilo, que era simple y limpio. El diseñador francés Frantz Jourdain, presidente del Salón de Otoño de París, invitó a diseñadores de Múnich a participar en el Salón de 1910. Los diseñadores franceses vieron el nuevo estilo alemán y decidieron enfrentar el desafío alemán. Los diseñadores franceses decidieron presentar nuevos estilos franceses en el Salón de 1912. Las reglas del Salón indicaban que solo se permitirían estilos modernos. Todos los grandes diseñadores de muebles franceses participaron en el Salón: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare y Louis Suë participaron, presentando nuevas obras que actualizaron los estilos tradicionales franceses de Luis XVI y Luis Felipe con más angulares. rincones inspirados en el cubismo y colores más vivos inspirados en el fauvismo y los nabis. ^[105]

El pintor André Mare y el diseñador de muebles Louis Süe participaron en el Salón de 1912. Después de la guerra, los dos hombres se unieron para formar su propia empresa, formalmente llamada Compagnie des Arts Française., pero generalmente conocido simplemente como Suë y Mare. A diferencia de los destacados diseñadores art nouveau como Louis Majorelle, que diseñaron personalmente cada pieza, reunieron a un equipo de hábiles artesanos y produjeron diseños de interiores completos, incluidos muebles, cristalería, alfombras, cerámica, papel tapiz e iluminación. Su trabajo contó con colores brillantes y muebles y maderas nobles, como el ébano con incrustaciones de nácar, abulón y metal plateado para crear ramos de flores. Diseñaron todo, desde los interiores de los transatlánticos hasta los frascos de perfume para la etiqueta de Jean Patou . La firma prosperó a principios de la década de 1920, pero los dos hombres eran mejores artesanos que empresarios. La empresa se vendió en 1928 y ambos se marcharon. ^[106]

El diseñador de muebles más destacado en la Exposición de Artes Decorativas de 1925 fue Émile-Jacques Ruhlmann , de Alsacia. Primero expuso sus obras en el Salón de Otoño de 1913, luego tuvo su propio pabellón, la "Casa del rico coleccionista", en la Exposición de 1925. Usó solo los materiales más raros y costosos, incluidos el ébano , la caoba , el palo de rosa , el ambón y otras maderas exóticas, decorados con incrustaciones de marfil, concha de tortuga, nácar, pequeños pompones de seda decorados en las manijas de los cajones de los armarios. ^[107]Sus muebles se basaron en modelos del siglo XVIII, pero simplificados y remodelados. En todo su trabajo, la estructura interior de los muebles estaba completamente oculta. El marco, generalmente de roble, estaba completamente cubierto con una superposición de finas tiras de madera, luego cubierto por una segunda capa de tiras de maderas raras y caras. A continuación, se cubrió con una chapa y se pulió, de modo que la pieza parecía como si hubiera sido cortada de un solo bloque de madera. El contraste con la madera oscura lo proporcionaban incrustaciones de marfil y placas y manijas de las llaves de marfil. Según Ruhlmann, los sillones debían diseñarse de manera diferente según las funciones de las habitaciones donde aparecían; los sillones de la sala de estar estaban diseñados para ser acogedores, las sillas de oficina cómodas y las sillas de salón voluptuosas. Solo se hizo una pequeña cantidad de piezas de cada diseño de mobiliario,y el precio medio de una de sus camas o armarios era superior al precio medio de una casa.^[108]

Jules Leleu fue un diseñador de muebles tradicional que se mudó sin problemas al Art Deco en la década de 1920; diseñó los muebles para el comedor del Palacio del Elíseo y para las cabinas de primera clase del vapor Normandie . su estilo se caracterizó por el uso de ébano, madera de Macassar, nogal, con decoración de placas de marfil y nácar. Introdujo el estilo de los muebles art déco lacados a finales de la década de 1920 y, a finales de la década de 1930, introdujo muebles hechos de metal con paneles de vidrio ahumado. ^[109] En Italia, el diseñador Gio Ponti era famoso por sus diseños estilizados.

Los muebles costosos y exóticos de Ruhlmann y otros tradicionalistas enfurecieron a los modernistas, incluido el arquitecto Le Corbusier, lo que lo llevó a escribir una famosa serie de artículos denunciando el estilo artístico décoratif . Atacó los muebles hechos solo para los ricos y pidió a los diseñadores que crearan muebles hechos con materiales económicos y un estilo moderno, que la gente común pudiera pagar. Diseñó sus propias sillas, creadas para ser económicas y fabricadas en masa. ^[110]

En la década de 1930, los diseños de muebles se adaptaron a la forma, con superficies más suaves y formas curvas. Los maestros del estilo tardío incluyeron a Donald Deskey, uno de los diseñadores más influyentes; creó el interior del Radio City Music Hall. Utilizó una mezcla de materiales tradicionales y muy modernos, incluidos el aluminio, el cromo y la baquelita, una de las primeras formas de plástico. ^[111] El estilo Waterfall fue popular en las décadas de 1930 y 1940, la forma de mobiliario Art Deco más prevalente en ese momento. Las piezas eran típicamente de madera contrachapada terminada con chapa rubia y con bordes redondeados, parecidos a una cascada. ^[112]

Diseño

Artículo principal: Streamline Moderne

• Juego de escritorio Parker Duofold ( c. 1930)

• Cámara "Beau Brownie", diseño de Walter Dorwin Teague para Eastman Kodak (1930)

• Radio Philips Art Deco (1931)

• Sedán Chrysler Airflow , diseñado por Carl Breer (1934)

• Gran comedor del transatlántico SS Normandie de Pierre Patout (1935); bajorrelieves de Raymond Delamarre

• Bugatti Aérolithe (1936)

• Radio de mesa Philco ( c.  1937 )

• Aspiradora Electrolux (1937)

• Locomotora aerodinámica Hudson 4-6-4 limitada del siglo XX de Nueva York ( c.  1939 )

Streamline fue una variedad de Art Deco que surgió a mediados de la década de 1930. Fue influenciado por principios aerodinámicos modernos desarrollados para la aviación y balística para reducir la resistencia aerodinámica a altas velocidades. Los diseñadores aplicaron las formas de las balas a automóviles, trenes, barcos e incluso objetos que no estaban destinados a moverse, como refrigeradores , bombas de gas y edificios. ^[61] Uno de los primeros vehículos de producción en este estilo fue el Chrysler Airflow de 1933. No tuvo éxito comercialmente, pero la belleza y funcionalidad de su diseño sentó un precedente; significaba modernidad. Continuó utilizándose en el diseño de automóviles mucho después de la Segunda Guerra Mundial. ^{[113] [114] [115][116]}

Los nuevos materiales industriales comenzaron a influir en el diseño de automóviles y objetos domésticos. Estos incluían aluminio , cromo y baquelita , una forma temprana de plástico. La baquelita se podía moldear fácilmente en diferentes formas y pronto se utilizó en teléfonos, radios y otros aparatos.

Los transatlánticos también adoptaron un estilo Art Deco, conocido en francés como Style Paquebot , o "Ocean Liner Style". El ejemplo más famoso fue el SS Normandie , que realizó su primer viaje transatlántico en 1935. Fue diseñado especialmente para llevar a los estadounidenses adinerados de compras a París. Las cabañas y los salones presentaban los últimos muebles y decoración Art Deco. El Gran Salón del barco, que era el restaurante para pasajeros de primera clase, era más grande que el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles.. Estaba iluminado por luces eléctricas dentro de doce pilares de cristal Lalique; treinta y seis pilares a juego se alineaban en las paredes. Este fue uno de los primeros ejemplos de iluminación integrada directamente en la arquitectura. El estilo de los barcos pronto se adaptó a los edificios. Un ejemplo notable se encuentra en el paseo marítimo de San Francisco, donde el edificio del Museo Marítimo, construido como un baño público en 1937, se asemeja a un ferry, con barandillas de barco y esquinas redondeadas. La terminal de Star Ferry en Hong Kong también utilizó una variación del estilo. ^[35]

Textiles y moda

• Abundancia de diseño textil de André Mare , (1911) ( Museo Metropolitano de Arte , Nueva York , EE. UU.)

• Textiles con motivos de rosas diseñados por Mare ( c.  1919 ) (Museo Metropolitano de Arte)

• Patrón Rose Mousse para tapicería, algodón y seda (1920) (Museo Metropolitano de Arte)

• Diseño de pájaros de Les Ateliers de Martine de Paul Iribe (1918)

Los textiles eran una parte importante del estilo Art Deco, en forma de papel tapiz, tapicería y alfombras de colores.En la década de 1920, los diseñadores se inspiraron en los decorados de los Ballets Russes , los diseños de telas y vestuario de Léon Bakst y las creaciones de Wiener. Werkstätte . Los primeros diseños de interiores de André Mare presentaban guirnaldas de rosas y flores de colores brillantes y muy estilizadas, que decoraban las paredes, los pisos y los muebles. Los motivos florales estilizados también dominaron el trabajo de Raoul Dufy y Paul Poiret , y en los diseños de muebles de JE Ruhlmann. La alfombra floral fue reinventada en estilo Deco por Paul Poiret . ^[117]

El uso del estilo se mejoró en gran medida con la introducción del sistema de impresión basado en plantillas pochoir , que permitió a los diseñadores lograr líneas nítidas y colores muy vivos. Las formas Art Deco aparecieron en la ropa de Paul Poiret , Charles Worth y Jean Patou . Después de la Primera Guerra Mundial, las exportaciones de ropa y tejidos se convirtieron en una de las principales fuentes de divisas de Francia. ^[118]

El papel tapiz y los textiles del Art Déco tardío a veces presentaban escenas industriales estilizadas, paisajes urbanos, locomotoras y otros temas modernos, así como figuras femeninas estilizadas, colores metálicos y diseños geométricos. ^[118]

La moda cambió drásticamente durante el período Art Deco, gracias en particular a los diseñadores Paul Poiret y luego a Coco Chanel . Poiret introdujo una importante innovación en el diseño de moda, el concepto de drapeado , una desviación de la sastrería y la creación de patrones del pasado. ^[119] Diseñó ropa cortada a lo largo de líneas rectas y construida con motivos rectangulares. ^[119] Sus estilos ofrecían simplicidad estructural ^[119] Se abandonaron la apariencia encorsetada y los estilos formales del período anterior, y la moda se volvió más práctica y aerodinámica. con el uso de nuevos materiales, colores más brillantes y diseños impresos. ^[119] La diseñadora Coco Chanelcontinuó la transición, popularizando el estilo deportivo, casual chic. ^[120]

• Abrigo de noche de Paul Poiret , c.  1912 , seda y metal (Museo Metropolitano de Arte)

• Buceo Venus Annette Kellermann en Los Ángeles , California , c.  1920

• Cécile Sorel , en la Comédie-Française , 1920

• Desiree Lubovska con un vestido de Jean Patou , c.  1921

• Natacha Rambova con un vestido diseñado por Poiret, 1926

• Coco Chanel con blusa y pantalones de marinero (1928)

Joyas

• Pulsera Art Deco de oro, coral y jade (1925) ( Musée des Arts Décoratifs, París , Francia)

• Colgantes de vidrio moldeado sobre cordones de seda de René Lalique (1925-1930)

• Una hebilla de oro engastada con diamantes y ónix tallado, lapislázuli, jade y coral, de Boucheron (1925)

• Collar de esmeralda Mackay , esmeralda, diamante y platino, de Cartier (1930) ( Museo Nacional Smithsonian de Historia Natural , EE. UU.)

En las décadas de 1920 y 1930, diseñadores como René Lalique y Cartier intentaron reducir el dominio tradicional de los diamantes introduciendo piedras preciosas más coloridas, como pequeñas esmeraldas, rubíes y zafiros. También pusieron mayor énfasis en escenarios muy elaborados y elegantes, con materiales menos costosos como esmalte, vidrio, cuerno y marfil. Los diamantes mismos se cortaron en formas menos tradicionales; la Exposición de 1925 vio muchos diamantes cortados en forma de pequeñas varillas o cerillas. Los engastes de los diamantes también cambiaron; Cada vez más, los joyeros usaban platino en lugar de oro, ya que era fuerte y flexible, y podía colocar grupos de piedras. Los joyeros también comenzaron a utilizar materiales más oscuros, como esmaltes y ónix negro., que proporcionó un mayor contraste con los diamantes. ^[121]

Las joyas se volvieron mucho más coloridas y variadas en estilo. Cartier y la firma de Boucheron combinaron diamantes con otras coloridas piedras preciosas cortadas en forma de hojas, frutas o flores, para hacer broches, anillos, pendientes, clips y colgantes. Los temas del Lejano Oriente también se hicieron populares; placas de jade y coral se combinaron con platino y diamantes, y estuches de tocador, pitilleras y cajas de pólvora se decoraron con paisajes japoneses y chinos hechos con nácar, esmalte y laca. ^[121]

Las modas que cambiaban rápidamente en la ropa trajeron nuevos estilos de joyería. Los vestidos sin mangas de la década de 1920 significaban que los brazos necesitaban decoración, y los diseñadores crearon rápidamente brazaletes de oro, plata y platino con incrustaciones de lapislázuli, ónix, coral y otras piedras de colores; Otras pulseras estaban destinadas a la parte superior de los brazos, y a menudo se usaban varias al mismo tiempo. Los cortes de pelo cortos de las mujeres de los años veinte exigían elaborados diseños de aretes decorativos. Cuando las mujeres empezaron a fumar en público, los diseñadores crearon pitilleras y boquillas de marfil muy ornamentadas. La invención del reloj de pulsera antes de la Primera Guerra Mundial inspiró a los joyeros a crear relojes con una decoración extraordinaria, con incrustaciones de diamantes y chapados en esmalte, oro y plata. Los relojes colgantes, colgados de una cinta, también se pusieron de moda. ^[122]

Las casas de joyería establecidas de París en el período, Cartier, Chaumet , Georges Fouquet, Mauboussin y Van Cleef & Arpels crearon joyas y objetos de la nueva moda. La firma de Chaumet fabricaba pitilleras, mecheros, pastilleros y cuadernos de gran geometría, a base de piedras duras decoradas con jade , lapislázuli , diamantes y zafiros. A ellos se unieron muchos jóvenes diseñadores nuevos, cada uno con su propia idea de decoración. Raymond Templier diseñó piezas con patrones geométricos muy intrincados, incluidos aretes de plata que parecían rascacielos. Gerard Sandoztenía solo 18 años cuando comenzó a diseñar joyas en 1921; diseñó muchas piezas célebres basadas en el aspecto liso y pulido de la maquinaria moderna. El diseñador de vidrio René Lalique también entró en el campo, creando colgantes de frutas, flores, ranas, hadas o sirenas hechos de vidrio esculpido en colores brillantes, colgados de cordones de seda con borlas. ^[122] El joyero Paul Brandt contrastaba patrones rectangulares y triangulares y perlas incrustadas en líneas en placas de ónix. Jean Despres hizo collares de colores contrastantes combinando laca plateada y negra, u oro con lapislázuli. Muchos de sus diseños parecían piezas de máquinas muy pulidas. Jean DunandTambién se inspiró en la maquinaria moderna, combinada con rojos y negros brillantes que contrastan con el metal pulido. ^[122]

Arte en vidrio

• El pájaro de fuego de René Lalique (1922)

• Jarrón Parrot de Lalique (1922)

• Adorno de campana Victoire de Lalique (1928)

• Un jarrón Daum con uvas esculpidas (1925)

• Ventana para la oficina de una acería de Louis Majorelle (1928)

• Florero Daum (1930-1935)

• Vidrieras de la catedral de Amiens de Jean Gaudin (1932-1934)

Al igual que el período Art Nouveau anterior, el Art Deco fue un período excepcional para el vidrio fino y otros objetos decorativos, diseñados para adaptarse a su entorno arquitectónico. El productor más famoso de objetos de vidrio fue René Lalique, cuyas obras, desde jarrones hasta adornos para capotas de automóviles, se convirtieron en símbolos de la época. Había incursionado en el vidrio antes de la Primera Guerra Mundial, diseñando botellas para los perfumes de François Coty., pero no comenzó la producción seria de vidrio artístico hasta después de la Primera Guerra Mundial. En 1918, a la edad de 58 años, compró una gran obra de vidrio en Combs-la-Ville y comenzó a fabricar objetos de vidrio tanto artísticos como prácticos. Trató el vidrio como una forma de escultura y creó estatuillas, jarrones, cuencos, lámparas y adornos. Usó demi-cristal en lugar de cristal de plomo, que era más suave y más fácil de formar, aunque no tan brillante. A veces usaba vidrio de color, pero más a menudo usaba vidrio opalescente, donde una parte o la totalidad de la superficie exterior estaba teñida con un lavado. Lalique proporcionó los paneles de vidrio decorativos, las luces y los techos de vidrio iluminados para los transatlánticos SS  Île de France en 1927 y el SS Normandieen 1935, y para algunos de los coches cama de primera clase de los ferrocarriles franceses. En la Exposición de Artes Decorativas de 1925, tuvo su propio pabellón, diseñó un comedor con una mesa y un techo de vidrio a juego para el Pabellón de Sèvres, y diseñó una fuente de vidrio para el patio del Cours des Métier, una esbelta columna de vidrio que Chorreaba agua por los lados y se iluminaba por la noche. ^[123]

Otros fabricantes de vidrio Art Deco notables incluyeron a Marius-Ernest Sabino, que se especializó en figurillas, jarrones, cuencos y esculturas de vidrio de peces, desnudos y animales. Para estos, a menudo usaba un vidrio opalescente que podía cambiar de blanco a azul a ámbar, dependiendo de la luz. Sus jarrones y cuencos presentaban frisos moldeados de animales, desnudos o bustos de mujeres con frutas o flores. Su trabajo fue menos sutil pero más colorido que el de Lalique. ^[123]

Otros diseñadores de vidrio Deco notables incluyeron a Edmond Etling, quien también usó colores opalescentes brillantes, a menudo con patrones geométricos y desnudos esculpidos; Albert Simonet y Aristide Colotte y Maurice Marinot , conocido por sus esculturales botellas y jarrones profundamente grabados. La firma de Daum de la ciudad de Nancy , que había sido famosa por su vidrio Art Nouveau, produjo una línea de jarrones y esculturas de vidrio Deco, de formas sólidas, geométricas y gruesas. Obras multicolores más delicadas fueron realizadas por Gabriel Argy-Rousseau , quien produjo jarrones de delicados colores con mariposas y ninfas esculpidas, y Francois Decorchemont, cuyos jarrones estaban veteados y veteados. ^[123]

La Gran Depresión arruinó gran parte de la industria del vidrio decorativo, que dependía de clientes adinerados. Algunos artistas se dedicaron al diseño de vidrieras para iglesias. En 1937, la empresa de vidrio Steuben comenzó la práctica de encargar a artistas famosos la producción de cristalería. ^[123] Louis Majorelle , famoso por sus muebles Art Nouveau, diseñó una notable vidriera Art Deco que representaba a los trabajadores del acero para las oficinas de Aciéries de Longwy , una acería en Longwy , Francia.

La Catedral de Amiens tiene un raro ejemplo de vidrieras Art Deco en la Capilla del Sagrado Corazón, realizado en 1932-34 por el artista de vidrio de París Jean Gaudin basado en dibujos de Jacques Le Breton. ^[124]

Arte en metal

• Una parrilla con dos alas llamada Los faisanes , hecha por Paul Kiss y exhibida en la Exposición de Artes Decorativas e Industriales de 1925

• Parrilla de hierro y cobre llamada Oasis de Edgar Brandt, exhibida en la Exposición de París de 1925

• Espejo de mesa de Franz Hagenauer de Werkstätte Hagenauer Wien ( c.  1930 )

• Juego de cóctel de acero cromado de Norman Bel Geddes (1937)

Los artistas Art Deco produjeron una amplia variedad de objetos prácticos en el estilo Art Deco, hechos de materiales industriales desde el hierro forjado tradicional hasta el acero cromado. El artista estadounidense Norman Bel Geddes diseñó un conjunto de cócteles que se asemeja a un rascacielos de acero cromado. Raymond Subes diseñó una elegante rejilla metálica para la entrada del Palais de la Porte Dorée, la pieza central de la Exposición Colonial de París de 1931. El escultor francés Jean Dunand realizó magníficas puertas sobre el tema "La caza", cubiertas con pan de oro y pintura sobre yeso (1935). ^[125]

Animación

Las imágenes e imágenes Art Deco se utilizaron en múltiples películas animadas, incluidas Batman , Night Hood , All's Fair at the Fair , Merry Mannequins , Page Miss Glory , Fantasia y Sleeping Beauty . ^[126]

Arquitectura Art Deco en todo el mundo

La arquitectura Art Deco comenzó en Europa, pero en 1939 había ejemplos en las grandes ciudades de todos los continentes y en casi todos los países. Esta es una selección de edificios destacados de cada continente. (Para obtener una descripción completa de los edificios existentes por país, consulte la Lista de arquitectura Art Deco ).

África

Ver también: Lista de arquitectura Art Deco § África

• Edificio Fiat Tagliero en Asmara , Eritrea , de Giuseppe Pettazzi (1938) ^[127]

• Catedral de San Pedro en Rabat , Marruecos (1938)

• Estación de ferrocarril de Ressano García , Mozambique (1945)

La mayoría de los edificios Art Deco en África se construyeron durante el dominio colonial europeo y, a menudo, fueron diseñados por arquitectos italianos, franceses y portugueses.

Asia

Ver también: Lista de arquitectura Art Deco § Asia

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• Edificio Kologdam en Bandung , Indonesia (1920)

• Mansiones de Broadway en Shanghai , China (1934)

• Nuevo edificio de aseguramiento de la India en Mumbai , India (1936)

• Edificio de la Dieta Nacional en Tokio , Japón (1936)

• Estación de tren de Ankara en Ankara , Turquía (1937)

• Dare House en Chennai , India (1940)

Muchos edificios Art Deco en Asia fueron diseñados por arquitectos europeos. Pero en Filipinas, los arquitectos locales como Juan Nakpil , Juan Arellano y otros fueron preeminentes. Muchos puntos de referencia Art Deco en Asia fueron demolidos durante la gran expansión económica de Asia a fines del siglo XX, pero aún quedan algunos enclaves notables de la arquitectura, particularmente en Shanghai y Mumbai .

Australia y Nueva Zelanda

Consulte también: Lista de edificios Art Deco en Sydney , Lista de edificios Art Deco en Melbourne , Lista de edificios Art Deco en Tasmania , Lista de edificios Art Deco en Perth y Lista de arquitectura Art Deco § Oceanía

• The Grace Building en Sydney (1930-1931)

• Sound Shell en Napier, Nueva Zelanda (1931)

• Cámaras de Elmslea en Goulburn , Australia (1933)

• Anzac Memorial en Sydney (1934)

• Holyman House en Launceston, Tasmania , Australia (1936)

• Century Building en Melbourne (1939)

Melbourne y Sydney, Australia, tienen varios edificios Art Deco notables, incluido el Manchester Unity Building y la antigua sede de la policía de Russell Street en Melbourne, el Castlemaine Art Museum en Castlemaine , el centro de Victoria y el Grace Building , AWA Tower y Anzac Memorial en Sydney.

Varias ciudades de Nueva Zelanda, incluidas Napier y Hastings, fueron reconstruidas en estilo Art Deco después del terremoto de Hawke's Bay de 1931 , y muchos de los edificios han sido protegidos y restaurados. Napier ha sido nominado para el estatus de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO , el primer sitio cultural en Nueva Zelanda en ser nominado. ^{[128] [129]} Wellington ha conservado un número considerable de edificios Art Deco. ^[130]

América del Norte

Ver también: Lista de arquitectura Art Deco § América del Norte , Lista de arquitectura Art Deco § Estados Unidos y Art Deco en los Estados Unidos

• El edificio de precios en la ciudad de Quebec , Canadá (1930)

• Ayuntamiento de Vancouver en Vancouver, Columbia Británica , Canadá (1935)

• Interior del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, México (1934)

• Edificio El Moro en la Ciudad de México (1936)

• El edificio Verizon en la ciudad de Nueva York , NY , EE. UU. (1923–27)

• Bullocks Wilshire en Los Ángeles , California , EE. UU. (1929)

• Capitolio del estado de Luisiana en Baton Rouge, Luisiana , EE. UU. (1930–32)

• Buffalo City Hall en Buffalo, Nueva York , EE. UU. (1931)

• Palacio de justicia del condado de Jefferson en Beaumont, Texas , EE. UU. (1931)

• Edificio Niagara Mohawk en Syracuse, NY , EE. UU. (1932)

• Terminal de la Unión de Cincinnati en Cincinnati , Ohio , EE. UU. (1933)

En Canadá, las estructuras Art Deco supervivientes se encuentran principalmente en las principales ciudades; Montreal , Toronto , Hamilton, Ontario y Vancouver . Van desde edificios públicos como el Ayuntamiento de Vancouver hasta edificios comerciales ( College Park ) y obras públicas ( Planta de tratamiento de agua RC Harris ).

En México, el ejemplo Art Deco más imponente es el interior del Palacio de Bellas Artes , terminado en 1934 con su elaborada decoración y murales. En el barrio Condesa se pueden encontrar ejemplos de arquitectura residencial Art Deco , muchos diseñados por Francisco J. Serrano .

En los Estados Unidos, los edificios Art Deco se encuentran de costa a costa, en las principales ciudades. Fue más utilizado para edificios de oficinas, estaciones de tren, terminales de aeropuerto y cines; los edificios residenciales son raros. Durante las décadas de 1920 y 1930, los arquitectos del suroeste de los Estados Unidos , particularmente en el estado estadounidense de Nuevo México , combinaron el renacimiento de Pueblo con Art Deco para crear Pueblo Deco , como se ve en el Teatro KiMo en Albuquerque . En la década de 1930, el estilo aerodinámico más austero se hizo popular. Muchos edificios fueron demolidos entre 1945 y finales de la década de 1960, pero luego comenzaron los esfuerzos para proteger los mejores ejemplos. La ciudad de Miami Beach estableció elMiami Beach Architectural District para preservar la colorida colección de edificios Art Deco que se encuentran allí.

Centroamérica y el Caribe

Ver también: Lista de arquitectura Art Deco § Centroamérica / Caribe

• El Edificio Bacardí en La Habana , Cuba (1930)

• El Hotel Nacional de Cuba en La Habana (1930)

• Un edificio Art Deco ruinoso en La Habana

• La Plaza del Mercado de Ponce en Ponce , Puerto Rico (1941)

Plano típico del Edificio López Serrano

Los edificios Art Deco se pueden encontrar en toda Centroamérica. En Cuba se encuentra una colección particularmente rica , construida en gran parte para la gran cantidad de turistas que llegaron a la isla desde Estados Unidos. Uno de esos edificios es el López Serrano construido entre 1929 y 1932 en el Vedado de La Habana .

Europa

Ver también: Art Deco en París , Art Deco en Bruselas y Lista de arquitectura Art Deco § Europa

• Théâtre des Champs-Élysées en París , Francia (1910–13)

• Estación central de Helsinki en Helsinki , Finlandia (1919)

• Basílica Nacional del Sagrado Corazón en Koekelberg ( Bruselas ), Bélgica (1919-1969)

• La Mossehaus con elementos Art Deco de Erich Mendelsohn en Berlín , Alemania (1921–23)

• Teatro Éden en Lisboa , Portugal (1931)

• Edificio Daily Express en Manchester , Reino Unido (1936-1939)

• Palais de Tokyo , Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris , Francia (1937)

• Estación Mayakovskaya en Moscú , Rusia (1938)

• Teatro Rivoli de Oporto , Portugal (1937)

El estilo arquitectónico apareció por primera vez en París con el Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) de Auguste Perret, pero luego se extendió rápidamente por Europa, hasta que se pudieron encontrar ejemplos en casi todas las grandes ciudades, desde Londres hasta Moscú. En Alemania, dos variaciones del Art Deco florecieron en las décadas de 1920 y 1930: el estilo Neue Sachlichkeit y la arquitectura expresionista . Ejemplos notables incluyen el teatro Mossehaus y Schaubühne de Erich Mendelsohn en Berlín , el Chilehaus de Fritz Höger en Hamburgo y su Kirche am Hohenzollernplatz en Berlín, la Torre Anzeiger en Hannover y la Torre Borsig en Berlín. ^[131]

Uno de los edificios Art Deco más grandes de Europa occidental es la Basílica Nacional del Sagrado Corazón en Koekelberg , Bruselas. En 1925, el arquitecto Albert van Huffel ganó el Gran Premio de Arquitectura con su maqueta de la basílica en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de París. ^[132]

España y Portugal tienen algunos ejemplos sorprendentes de edificios Art Deco, en particular salas de cine. Ejemplos en Portugal son el Teatro Capitólio (1931) y el Cine-Teatro Éden (1937) en Lisboa , el Teatro Rivoli (1937) y el Coliseu (1941) en Oporto y el Teatro Rosa Damasceno (1937) en Santarém . Un ejemplo en España es el Cine Rialto de Valencia (1939).

Durante la década de 1930, el Art Deco tuvo un efecto notable en el diseño de casas en el Reino Unido, ^[59] así como en el diseño de varios edificios públicos. ^[77] Fachadas rectas de casas blancas que se elevan hasta techos planos, marcos de puertas marcadamente geométricos y ventanas altas, así como ventanas de esquina de metal con curvas convexas, eran características de ese período. ^{[78] [133] [134]}

El metro de Londres es famoso por muchos ejemplos de arquitectura Art Deco, ^[135] y hay varios edificios de estilo situados a lo largo de la Milla de Oro en Brentford. También en el oeste de Londres se encuentra el edificio Hoover, que se construyó originalmente para The Hoover Company y se convirtió en una supertienda a principios de la década de 1990.

Bucarest, RumaniaBucarest, una vez conocida como el "Pequeño París" del siglo XIX, se embarca en una nueva aventura después de la Primera Guerra Mundial, junto con las nuevas tendencias y el progreso de la tecnología, redirigiendo así su inspiración hacia un horizonte más lejano, la ciudad de Nueva York. La década de 1930 trae una nueva moda traída por una nueva generación que resuena en el cine, el teatro, los estilos de baile, el arte y la arquitectura. Bucarest durante la década de 1930 estuvo marcada por más y más arquitectura art deco, desde los bulevares más grandes como la calle Magheru hasta las casas privadas y los barrios más pequeños. Uno de los primeros hitos de la Bucarest moderna se considera el Palacio de los Teléfonos, que sería el primer rascacielos de la ciudad. Fue el edificio más alto entre 1933 y 1970, con una altura de 52,5 m.Los arquitectos fueron Louis Weeks y Edmond Van Saanen y el ingeniero Walter Troy. Los monumentos art decó son una parte crucial de todo el carácter de Bucarest, ya que describen y marcan un período importante de la historia, la vida interbélica (WW1-WW2). Lamentablemente, la mayoría de los edificios de esos años son propensos a sufrir catástrofes, estando Bucarest en peligro de sufrir otro terremoto, muy común en su región geográfica. Es realmente importante proteger el patrimonio art déco en Bucarest y preservar otra gran y esencial capital art déco de Europa.Bucarest está en peligro de sufrir otro terremoto, muy común en su región geográfica. Es realmente importante proteger el patrimonio art déco en Bucarest y preservar otra gran y esencial capital art déco de Europa.Bucarest está en peligro de sufrir otro terremoto, muy común en su región geográfica. Es realmente importante proteger el patrimonio art déco en Bucarest y preservar otra gran y esencial capital art déco de Europa.^[136]

India

Ver también: Art Deco en Mumbai

El Instituto Indio de Arquitectos, fundado en Mumbai en 1929, desempeñó un papel destacado en la propagación del movimiento Art Deco. En noviembre de 1937, este instituto organizó la 'Exposición de la casa ideal' celebrada en el Ayuntamiento de Mumbai, que duró 12 días y atrajo a unos cien mil visitantes. Como resultado, fue declarado un éxito por la 'Revista del Instituto Indio de Arquitectos'. Las exhibiciones mostraron los arreglos 'ideales', o mejor descritos como los más 'modernos' para varias partes de la casa, prestando atención al detalle para evitar errores arquitectónicos y presentar los modelos más eficientes y bien pensados. La exposición se centró en varios elementos de un hogar que van desde muebles,elementos de decoración de interiores, así como radios y refrigeradores utilizando materiales y métodos nuevos y científicamente relevantes.^[137] Guiados por su deseo de emular a Occidente, los arquitectos indios estaban fascinados por la modernidad industrial que ofrecía el Art Deco. ^[137] Las élites occidentales fueron las primeras en experimentar con las facetas tecnológicamente avanzadas del Art Deco, y los arquitectos comenzaron el proceso de transformación a principios de la década de 1930. ^[137]

La expansión del comercio portuario de Mumbai en la década de 1930 resultó en el crecimiento de la población de clase media educada. También vio un aumento de personas que emigraron a Mumbai en busca de oportunidades laborales. Esto llevó a la urgente necesidad de nuevos desarrollos a través de planes de recuperación de terrenos y la construcción de nuevos edificios públicos y residenciales. ^[138] Paralelamente, el clima político cambiante en el país y la calidad aspiracional de la estética Art Deco llevaron a una aceptación incondicional del estilo del edificio en el desarrollo de la ciudad. La mayoría de los edificios de este período se pueden ver repartidos por los barrios de la ciudad en áreas como Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra y Chembur. ^{[139] [140]}

América del Sur

Ver también: Lista de arquitectura Art Deco § América del Sur

• Ascensor Lacerda en Salvador, Bahía , Brasil (1930)

• Edificio Kavanagh en Buenos Aires , Argentina (1934-1936)

• Viaduto do Chá en São Paulo , Brasil (1938)

• Estadio Pacaembu de São Paulo (1940)

• Estación Central do Brasil en Río de Janeiro , Brasil (1943)

• Edificio Altino Arantes en São Paulo (1947)

• Palacio Municipal y fuente en Laprida (Buenos Aires)

• El mercado del Abasto en Buenos Aires ( c.  1945 )

El Art Deco en América del Sur está especialmente presente en países que recibieron una gran ola de inmigración en la primera mitad del siglo XX, con obras destacadas en sus ciudades más ricas, como São Paulo y Río de Janeiro en Brasil y Buenos Aires en Argentina. El edificio Kavanagh en Buenos Aires (1934), de Sánchez, Lagos y de la Torre, era la estructura de hormigón armado más alto cuando se completó, y es un ejemplo notable del estilo Art Deco tardío.

Conservación y Neo Art Deco

• El distrito arquitectónico de Miami Beach en Miami , Florida , protege los edificios históricos Art Deco

• The U-Drop Inn , una gasolinera y restaurante al borde de la carretera en la US Highway 66 en Shamrock, Texas (1936), ahora un monumento histórico

• Barrio Art Deco en La Habana , Cuba

• Smith Center for the Performing Arts en Las Vegas , Nevada , un edificio neo-Art Deco (2012)

En muchas ciudades, se han realizado esfuerzos para proteger los edificios Art Deco restantes. En muchas ciudades de los Estados Unidos, las históricas salas de cine art déco se han conservado y convertido en centros culturales. Incluso se han conservado edificios art decó más modestos como parte del patrimonio arquitectónico de Estados Unidos; un café art deco y una gasolinera a lo largo de la Ruta 66 en Shamrock, Texas, es un monumento histórico. El Distrito Arquitectónico de Miami Beach protege varios cientos de edificios antiguos y requiere que los edificios nuevos cumplan con el estilo. En La Habana , Cuba, muchos edificios Art Deco se han deteriorado gravemente. Se están realizando esfuerzos para devolver los edificios a su color y apariencia originales.

En el siglo XXI, las variantes modernas del Art Deco, llamadas Neo Art Deco (o Neo-Art Deco), han aparecido en algunas ciudades estadounidenses, inspiradas en los edificios clásicos Art Deco de las décadas de 1920 y 1930. ^{[141] Los} ejemplos incluyen la Torre NBC en Chicago, inspirada en 30 Rockefeller Plaza en la ciudad de Nueva York; y Smith Center for the Performing Arts en Las Vegas, Nevada, que incluye elementos art deco de la presa Hoover Dam , a cincuenta millas de distancia. ^{[141] [142] [143] [144]}

Galería

• "Lámpara de rascacielos" diseñada por Arnaldo dell'Ira , 1929

• Pilón de Guardianes del Tráfico en Hope Memorial Bridge en Cleveland (1932)

• Auditorio Municipal de Kansas City , Missouri: Hoit Price & Barnes, y Gentry, Voskamp & Neville, 1935

• Póster de la Administración de Progreso de Obras de Estados Unidos , John Wagner, artista, ca. 1940

• Antiguo Teatro Eden, ahora Aparthotel Vip Eden en Lisboa , Portugal : Cassiano Branco y Carlo Florencio Dias, 1931

• 1937 Cord modelo de automóvil 812, diseñado en 1935 por Gordon M. Buehrig y su personal

• Palacio de Bellas Artes , Ciudad de México, Federico Mariscal, terminado en 1934

• Sala de fumadores para mujeres en el Paramount Theatre, Oakland . Timothy L. Pflueger , arquitecto, 1931

• Sello postal estadounidense que conmemora la Feria Mundial de Nueva York de 1939, 1939

• Henryk Kuna , Rytm ("Ritmo"), en el parque Skaryszewski, Varsovia , Polonia, 1925

• Teatro Snowdon en desuso , Montreal, Quebec , Canadá. Inaugurado en 1937, cerrado en 1984. Daniel J. Crighton, arquitecto

• Union Terminal en Cincinnati , Ohio; Paul Philippe Cret , Alfred T. Fellheimer , Steward Wagner, Roland Wank , 1933

• Vestíbulo, Empire State Building , Nueva York. William F. Lamb , inaugurado en 1931

• Póster del Proyecto de Arte Federal que promueve el consumo de leche en Cleveland, 1940

• Dibujo interior, los grandes almacenes Eaton's College Street , Toronto, Ontario, Canadá

• Edificio Niagara Mohawk , Syracuse, Nueva York . Melvin L. King y Bley & Lyman, arquitectos, completaron 1932

Ver también

Ver también: las categorías de arquitectura Art Deco , barcos Art Deco , esculturas y monumentos conmemorativos Art Deco , arquitectos Art Deco , artistas Art Deco , diseñadores Art Deco , y escultores Art Deco

• Art Deco en París
• Joyas Art Deco (1925-1939)
• Locos años veinte
• 1920 en la moda occidental
• Années folles
• 1933 Chicago World's Fair Century of Progress
• 1936 Fair Park construido para la Exposición del Centenario de Texas
• Sellos Art Deco
• Arquitectura Pueblo Deco

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Enlaces externos

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