La interpretación históricamente informada (también denominada interpretación de época , interpretación auténtica o HIP ) es un enfoque de la interpretación de la música clásica , cuyo objetivo es ser fiel al enfoque, la manera y el estilo de la era musical en la que se concibió originalmente una obra. .
Se basa en dos aspectos clave: la aplicación de los aspectos estilísticos y técnicos de la interpretación, conocida como práctica de la interpretación ; y el uso de instrumentos de época que pueden ser reproducciones de instrumentos históricos que estaban en uso en el momento de la composición original, y que generalmente tienen un timbre y temperamento diferente [1] de sus equivalentes modernos. Otra área de estudio, la de las expectativas cambiantes de los oyentes, se está investigando cada vez más. [2]
Dado que no existen grabaciones de sonido de música antes de finales del siglo XIX, la interpretación históricamente informada se deriva en gran medida del análisis musicológico de los textos . Los tratados históricos , los libros de tutores pedagógicos y las críticas de conciertos, así como la evidencia histórica adicional, se utilizan para comprender mejor la práctica escénica de una época histórica. Las grabaciones existentes (cilindros, discos y reproducción de rollos de piano) desde la década de 1890 en adelante han permitido a los estudiosos del romanticismo del siglo XIX obtener una comprensión única y detallada de este estilo, aunque no sin importantes preguntas pendientes. En todas las épocas, los intérpretes de HIP normalmente utilizarán ediciones académicas o de urtexto de una partitura musical como plantilla básica, al tiempo que aplicarán una variedad de prácticas estilísticas contemporáneas, que incluyen alteraciones rítmicas y ornamentación de muchos tipos. [1]
La actuación históricamente informada se desarrolló principalmente en varios países occidentales a mediados y finales del siglo XX, irónicamente una respuesta modernista a la ruptura modernista con las tradiciones de actuación anteriores. [3] Inicialmente preocupado por la interpretación de música medieval , renacentista y barroca , HIP ahora abarca música de las épocas clásica y romántica . HIP ha sido una parte crucial del movimiento de resurgimiento de la música antigua de los siglos XX y XXI, y ha comenzado a afectar el escenario teatral, por ejemplo en la producción de ópera barroca , donde también se utilizan enfoques históricamente informados de la actuación y la escenografía. [4] [1]
Algunos críticos cuestionan la metodología del movimiento HIP, argumentando que su selección de prácticas y estéticas son un producto del siglo XX y que, en última instancia, es imposible saber cómo sonaban las actuaciones de una época anterior. Obviamente, cuanto más antiguo es el estilo y el repertorio, mayor es la distancia cultural y la posibilidad de malinterpretar la evidencia. Por esta razón, ahora se prefiere el término "históricamente informado" a "auténtico", ya que reconoce las limitaciones de la comprensión académica, en lugar de implicar una precisión absoluta en la recreación del estilo de interpretación histórica, o peor, un tono moralizante. [5] [4]
Instrumentos tempranos
La elección de instrumentos musicales es una parte importante del principio de interpretación históricamente informada. Los instrumentos musicales han evolucionado con el tiempo, y los instrumentos que se usaban en períodos anteriores de la historia a menudo son bastante diferentes de sus equivalentes modernos. Muchos otros instrumentos han dejado de utilizarse y han sido reemplazados por nuevas herramientas para crear música. Por ejemplo, antes de la aparición del violín moderno , otros instrumentos de cuerda con arco, como el rabel o la viola, eran de uso común. [6] La existencia de instrumentos antiguos en las colecciones de los museos ha ayudado a los musicólogos a comprender cómo los diferentes diseños, afinaciones y tonos de los instrumentos pueden haber afectado la práctica de ejecución anterior. [7]
Además de ser una herramienta de investigación, los instrumentos históricos tienen un papel activo en la práctica de la interpretación históricamente informada. Los instrumentistas modernos que tienen como objetivo recrear un sonido histórico a menudo utilizan reproducciones modernas de instrumentos de época (y ocasionalmente instrumentos originales) sobre la base de que esto ofrecerá una interpretación musical que se cree que es históricamente fiel a la obra original, como lo habría hecho el compositor original. lo oí. Por ejemplo, un conjunto de música moderna que presenta una interpretación de la música de Johann Sebastian Bach puede tocar reproducciones de violines barrocos en lugar de instrumentos modernos en un intento de crear el sonido de una orquesta barroca del siglo XVII . [7] [8]
Esto ha llevado al resurgimiento de instrumentos musicales que habían dejado de utilizarse por completo, y a una reconsideración del papel y la estructura de los instrumentos que también se utilizan en la práctica actual. [ investigación original? ]
Las orquestas y conjuntos que se destacan por el uso de instrumentos de época en sus actuaciones incluyen Taverner Consort and Players (dirigida por Andrew Parrott ), Academy of Ancient Music ( Christopher Hogwood ), Concentus Musicus Wien ( Nikolaus Harnoncourt ), The English Concert ( Trevor Pinnock ), la Hannover Band ( Roy Goodman ), los solistas barrocos ingleses (Sir John Eliot Gardiner ), Musica Antiqua Köln ( Reinhard Goebel ), Amsterdam Baroque Orchestra & Choir ( Ton Koopman ), Les Arts Florissants ( William Christie ), La Petite Bande ( Sigiswald Kuijken ), La Chapelle Royale ( Philippe Herreweghe ), [9] [10] [11] [12] la Orquesta Australiana de Brandeburgo ( Paul Dyer ) y la Freiburger Barockorchester ( Gottfried von der Goltz ). [13] A medida que el alcance de la interpretación históricamente informada se ha expandido para abarcar las obras de la era romántica , el sonido específico de los instrumentos del siglo XIX se ha reconocido cada vez más en el movimiento HIP, y las orquestas de instrumentos de época como la Orchestre Révolutionnaire et Romantique de Gardiner han emergió. [14]
Clave
Una variedad de instrumentos de teclado que alguna vez fueron obsoletos, como el clavicordio y el clavecín, han sido revividos, ya que tienen una importancia particular en la interpretación de la música antigua. Antes de la evolución de la orquesta sinfónica dirigida por un director , las orquestas renacentistas y barrocas se dirigían comúnmente desde el clavicémbalo; el director lideraría tocando el continuo , lo que proporcionaría una estructura armónica estable sobre la cual los otros instrumentistas embellecerían sus partes. [15] [16] Muchas obras religiosas de la época hicieron un uso similar del órgano de tubos , a menudo en combinación con un clavicémbalo. [17] Las interpretaciones históricamente informadas con frecuencia hacen uso de la interpretación en conjunto dirigida por el teclado.
Compositores como François Couperin , Domenico Scarlatti , Girolamo Frescobaldi y Johann Sebastian Bach escribieron para clavecín, clavicordio y órgano.
Entre los principales músicos modernos del clavicémbalo se encuentran Robert Hill , Igor Kipnis , Ton Koopman , Wanda Landowska , Gustav Leonhardt , Trevor Pinnock , Skip Sempé , Andreas Staier y Colin Tilney .
Fortepiano
Durante la segunda mitad del siglo XVIII, el clavecín fue reemplazado gradualmente por los primeros pianos. Cuando el clavicémbalo pasó de moda, muchos fueron destruidos; de hecho, el Conservatorio de París es conocido por haber utilizado clavecines para leña durante la Revolución Francesa y la época napoleónica. [18] Aunque los nombres eran originalmente intercambiables, ahora usamos ' fortepiano' para indicar el estilo de piano anterior y más pequeño, con el más familiar 'pianoforte' usado para describir los instrumentos más grandes que se acercan a los diseños modernos de alrededor de 1830. En los siglos XX y XXI Durante siglos, el fortepiano ha disfrutado de un resurgimiento como resultado de la tendencia a la interpretación históricamente informada, con las obras de Haydn, Mozart, Beethoven y Schubert ahora tocadas con frecuencia en fortepiano. [19] Cada vez más, los pianos de principios y mediados del siglo XIX de Pleyel , Érard , Streicher y otros se utilizan para recrear el paisaje sonoro de compositores románticos como Chopin, Liszt y Brahms.
Violín
Una gran cantidad de música para viola , tanto para el conjunto como para la interpretación en solitario, fue escrita por compositores de las épocas del Renacimiento y el Barroco , incluidos Diego Ortiz , Claudio Monteverdi , William Byrd , William Lawes , Henry Purcell , Monsieur de Sainte-Colombe , JS Bach. , Georg Philipp Telemann , Marin Marais , Antoine Forqueray y Carl Frederick Abel .
De mayor a menor, la familia de violines se compone de:
- contrabajo o violone
- violín bajo (aproximadamente del tamaño de un violonchelo )
- viol tenor (aproximadamente del tamaño de una guitarra )
- alto viol (aproximadamente del tamaño de una viola )
- viol agudo o descant (aproximadamente del tamaño de un violín ).
Entre los más destacados músicos modernos de viola se encuentran Paolo Pandolfo , Wieland Kuijken , Jordi Savall , John Hsu y Vittorio Ghielmi . Hay muchas consortes de viola modernas .
Grabadora
Grabadoras de varios tamaños (contrabajo, bajo, tenor, alto, soprano, sopranino y el aún más pequeño kleine sopranino o garklein) a menudo se tocan hoy en día en consortes de tamaño mixto. Handel y Telemann , entre otros, escribieron trabajos en solitario para la flauta dulce. Arnold Dolmetsch hizo mucho para revivir la flauta dulce como un instrumento de concierto serio, reconstruyendo una "consorte de flautas dulces (descant, agudos, tenor y bajo) todo en tono bajo y basado en originales históricos". [20]
Cantando
Al igual que con la técnica instrumental, el enfoque de la práctica interpretativa históricamente informada para cantantes ha sido moldeado por la investigación musicológica y el debate académico. En particular, hubo un debate en torno al uso de la técnica del vibrato en el apogeo del resurgimiento de la música antigua, y muchos defensores de HIP se propusieron eliminar el vibrato en favor del sonido "puro" del canto de tono directo. La diferencia de estilo puede demostrarse por el sonido de un chico agudo en contraste con el sonido de una cantante de gran ópera como María Callas . [21]
Ciertas técnicas vocales históricas han ganado popularidad, como el trillo , una repetición similar a un trémolo de una sola nota que se usó como efecto ornamental en la era del Barroco temprano. Sin embargo, la comprensión académica de estos dispositivos expresivos es a menudo subjetiva, ya que muchas técnicas vocales discutidas por los escritores de tratados en los siglos XVII y XVIII tienen diferentes significados, según el autor. A pesar de la moda del tono directo, muchos cantantes de música antigua prominentes utilizan una forma sutil y suave de vibrato para agregar expresión a su interpretación. [21] [22]
Algunos de los cantantes que han contribuido al movimiento escénico históricamente informado son Emma Kirkby , Max van Egmond , Julianne Baird , Nigel Rogers y David Thomas .
El resurgimiento del interés por la música antigua, particularmente en la polifonía sacra renacentista y la ópera barroca, ha impulsado un resurgimiento de la voz contratenor . Los cantantes masculinos de voz alta a menudo son elegidos con preferencia a las contraltos femeninas en las producciones de ópera de HIP, en parte como un sustituto de los cantantes de castrato . Se considera que Alfred Deller fue un pionero del renacimiento moderno del canto contratenor. [23] Entre los principales artistas contemporáneos se encuentran James Bowman , David Daniels , Derek Lee Ragin , Andreas Scholl , Michael Chance , Jakub Józef Orliński , Daniel Taylor , Brian Asawa , Yoshikazu Mera y Philippe Jaroussky .
Diseño
La práctica estándar relativa a la disposición de un grupo de intérpretes, por ejemplo en un coro o una orquesta, ha cambiado con el tiempo. La determinación de una distribución históricamente apropiada de cantantes e instrumentos en un escenario de actuación puede basarse en la investigación histórica. Además de la evidencia documental, los musicólogos también pueden recurrir a la evidencia iconográfica (pinturas y dibujos contemporáneos de músicos intérpretes) como fuente principal de información histórica. Las fuentes pictóricas pueden revelar diversas prácticas, como el tamaño de un conjunto; la posición de varios tipos de instrumentos; su posición en relación con un coro o un instrumento de teclado; la posición o ausencia de un director; si los artistas intérpretes o ejecutantes están sentados o de pie; y el espacio de actuación (como una sala de conciertos, una cámara de palacio, una casa doméstica, una iglesia o al aire libre, etc.). [1] El teórico alemán Johann Mattheson , en un tratado de 1739, afirma que los cantantes deben pararse frente a los instrumentistas. [24]
Se documentan tres diseños principales: [ cita requerida ]
- Círculo (Renacimiento)
- Coro en la parte delantera de los instrumentos (siglos XVII-XIX)
- Cantantes e instrumentos uno al lado del otro en el coro.
Galería
El compositor renacentista Orlando de Lassus dirigiendo un conjunto de cámara
Un boceto de 1837 del diseño de un coro y una orquesta.
Un dibujo de un concierto de 1890 en Munich, Alemania.
Un coro con instrumentistas, de trazado histórico
Recuperación de prácticas de desempeño tempranas
Interpretación de la notación musical
Algunos elementos difíciles familiares son los siguientes:
- Los primeros compositores a menudo escribían utilizando los mismos símbolos que en la actualidad, pero con un significado diferente, a menudo dependiente del contexto. Por ejemplo, lo que está escrito como una apoggiatura a menudo se supone que sea más largo o más corto que la longitud anotada, [25] e incluso en partituras tan tardías como el siglo XIX hay desacuerdo sobre el significado (dinámico y / o agógico) de las horquillas. . [26]
- La notación puede ser parcial. Por ejemplo, las duraciones de las notas puede omitirse por completo, como en los preludios no medidos , piezas escritas sin ritmo o medidor de indicaciones. Incluso cuando la notación es completa, generalmente se requieren cambios no notados, como la configuración rítmica de pasajes, pausas entre secciones o arpegios adicionales de acordes. Los cortes y las repeticiones eran comunes.
- La música puede escribirse utilizando notaciones alternativas no modernas, como la tablatura . Algunas notaciones de tablaturas sólo están parcialmente decodificadas, como la notación [27] en el manuscrito de arpa [28] de Robert ap Huw .
- El tono de referencia de la música anterior generalmente no se puede interpretar como el mismo tono que se usa en la actualidad.
- Se utilizan varios sistemas de afinación ( temperamentos ). Los compositores siempre asumen que el jugador elegirá el temperamento y nunca lo indicarán en la partitura. [29]
- En la mayoría de la música de conjunto hasta principios del Barroco, los instrumentos musicales reales que se utilizarán no se indican en la partitura y deben ser elegidos total o parcialmente por los intérpretes. Un ejemplo bien discutido se puede encontrar en L'Orfeo de Monteverdi , donde las indicaciones sobre qué instrumentos utilizar son parciales y se limitan solo a las secciones críticas. [30]
- Los problemas de pronunciación, que impactan en los acentos musicales, se trasladan al latín de la iglesia , el idioma en el que se escribió una gran cantidad de música vocal antigua. La razón es que el latín se pronunciaba habitualmente utilizando los sonidos y patrones del habla de la lengua vernácula local .
Música mecánica
Se puede obtener cierta información sobre cómo sonaba la música en el pasado a partir de instrumentos mecánicos contemporáneos. Por ejemplo, el Museo Holandés Speelklok posee un órgano mecánico del siglo XVIII cuyo programa musical fue compuesto y supervisado por Joseph Haydn . [31]
Afinación y tono
Hasta la era moderna, se han utilizado diferentes referencias de afinación en diferentes lugares. El oboísta barroco Bruce Haynes ha investigado exhaustivamente los instrumentos de viento supervivientes e incluso ha documentado un caso de violinistas que tuvieron que volver a sintonizar en un tercio menor para tocar en iglesias vecinas. [32] [ página necesaria ]
Evidencia iconográfica
La investigación de los musicólogos a menudo se superpone con el trabajo de los historiadores del arte ; Al examinar pinturas y dibujos de músicos intérpretes contemporáneos de una era musical en particular, los académicos pueden inferir detalles sobre la práctica escénica del día. Además de mostrar el diseño de una orquesta o conjunto, una obra de arte puede revelar detalles sobre técnicas de ejecución contemporáneas, por ejemplo, la forma de sostener un arco o la embocadura de un músico de viento . Sin embargo, así como un historiador del arte debe evaluar una obra de arte, un estudioso de la musicología también debe evaluar la evidencia musical de una pintura o ilustración en su contexto histórico, teniendo en cuenta las posibles motivaciones culturales y políticas del artista y teniendo en cuenta la capacidad artística. licencia . Una imagen histórica de los músicos puede presentar un relato idealizado o incluso ficticio de los instrumentos musicales, y existe el riesgo de que pueda dar lugar a una interpretación históricamente mal informada. [1]
Asuntos
Las opiniones sobre cómo las motivaciones artísticas y académicas deben traducirse en interpretación musical varían. [33]
Aunque defiende la necesidad de intentar comprender las intenciones de un compositor en su contexto histórico, Ralph Kirkpatrick destaca el riesgo de utilizar el exoterismo histórico para ocultar la incompetencia técnica: "con demasiada frecuencia, la autenticidad histórica puede utilizarse como un medio de escape de cualquier observancia potencialmente inquietante de la estética". valores, y desde la asunción de una auténtica responsabilidad artística. La abdicación de valores estéticos y responsabilidades artísticas puede conferir cierta ilusión de sencillez a lo que nos ha presentado el paso de la historia blanqueado como huesos en las arenas del tiempo ". [34] [ página necesaria ]
La erudita de música antigua Beverly Jerold ha cuestionado la técnica de cuerdas de músicos históricamente informados, citando relatos de asistentes a conciertos de la era barroca que describen casi la práctica opuesta. [35] Se han dirigido críticas similares a vocalistas históricamente informados.
Algunos defensores del resurgimiento de la música antigua se han distanciado de la terminología de "interpretación auténtica". El director John Eliot Gardiner ha expresado la opinión de que el término puede ser "engañoso" y ha declarado: "Mi entusiasmo por los instrumentos de época no es anticuario o en busca de una autenticidad espuria e inalcanzable, sino simplemente como una alternativa refrescante a la norma. , cualidades monocromáticas de la orquesta sinfónica ". [36] [37]
Daniel Leech-Wilkinson admite que gran parte de la práctica de la HIP se basa en la invención: "La investigación histórica puede proporcionarnos instrumentos y, a veces, incluso información bastante detallada sobre cómo usarlos; pero la brecha entre esa evidencia y una interpretación sonora sigue siendo muy grande. es grandioso que sólo se pueda salvar mediante una gran cantidad de habilidad musical e invención. Exactamente cuánto se requiere puede olvidarse fácilmente, precisamente porque el ejercicio de la invención musical es tan automático para el intérprete ". [38] Leech Wilkinson concluye que los estilos de interpretación en la música antigua "tienen tanto que ver con el gusto actual como con la reproducción precisa". [39] Esto probablemente sea demasiado pesimista. Más recientemente, Andrew Snedden ha sugerido que las reconstrucciones de HIP están en un terreno más firme cuando se las aborda en contexto con una exégesis cultural de la época, examinando no solo cómo tocaban, sino por qué tocaban como lo hacían y qué significado cultural está incrustado en la música.
En la conclusión de su estudio de las grabaciones orquestales de principios del siglo XX, Robert Philip afirma que el concepto de "lo que suena de buen gusto ahora probablemente sonaba de buen gusto en períodos anteriores" es una suposición fundamental pero defectuosa detrás de gran parte del movimiento de interpretación histórica. Después de haber pasado todo el libro examinando el ritmo, el vibrato y el portamento, Philips afirma que la falacia de la suposición de buen gusto hace que los partidarios de la interpretación histórica seleccionen al azar lo que encuentran aceptable e ignoren la evidencia de la práctica de la interpretación que va en contra del gusto moderno. [40]
Recepción
En su libro, The Aesthetics of Music , el filósofo británico Roger Scruton escribió que "el efecto [de HIP] ha sido frecuentemente envolver el pasado en un fajo de erudición falsa, elevar la musicología sobre la música y confinar a Bach y sus contemporáneos a una distorsión del tiempo acústica. La sensación de cansancio que inducen tantas interpretaciones "auténticas" puede compararse con la atmósfera de un museo moderno ... [Las obras de los primeros compositores] están dispuestas detrás del cristal de la autenticidad, mirando con tristeza desde el otro lado de una pantalla infranqueable ". [41]
Varios académicos ven el movimiento HIP esencialmente como una invención del siglo XX. Peter Hill, al escribir sobre el periódico Early Music (uno de los principales periódicos sobre interpretación históricamente informada), señaló: "Todos los artículos de Early Music señalaron de diversas maneras el defecto (quizás fatal) en la posición de 'autenticidad'. Este es el intento entender el pasado en términos del pasado es, paradójicamente, un fenómeno absolutamente contemporáneo ". [42]
Una de las voces más escépticas del movimiento de performance históricamente informado ha sido Richard Taruskin . Su tesis es que la práctica de desenterrar prácticas supuestamente informadas históricamente es en realidad una práctica del siglo XX influenciada por el modernismo y, en última instancia, nunca podemos saber cómo sonaba la música o cómo se tocaba en siglos anteriores. "Lo que estábamos acostumbrados a considerar como representaciones históricamente auténticas, comencé a ver, no representaba ningún prototipo histórico determinable ni ningún resurgimiento coherente de prácticas coetáneas con los repertorios que abordaban. Más bien, encarnaban una lista completa de deseos de los (istas) modernos valores, validados tanto en la academia como en el mercado mediante una lectura ecléctica y oportunista de la evidencia histórica ". [43] "Los intérpretes 'históricos' que tienen como objetivo 'llegar a la verdad' ... mediante el uso de instrumentos de época y revivir técnicas de ejecución perdidas en realidad escogen y eligen entre los productos de la historia. Y lo hacen de una manera que dice más sobre los valores de finales del siglo XX que sobre los de cualquier época anterior ".
En su libro The Imaginary Museum of Musical Works: An Essay in the Philosophy of Music , Lydia Goehr analiza los objetivos y las falacias tanto de los defensores como de los críticos del movimiento HIP. [44] Afirma que el propio movimiento HIP surgió durante la segunda mitad del siglo XIX como reacción a la forma en que las técnicas modernas se imponían a la música de épocas anteriores. Por lo tanto, los intérpretes se preocuparon por lograr una manera "auténtica" de interpretar la música, un ideal que tiene implicaciones para todos los involucrados con la música. Ella destila los argumentos de finales del siglo XX en dos puntos de vista, logrando fidelidad a las condiciones de ejecución o fidelidad a la obra musical. [44]
Ella resume sucintamente los argumentos de los críticos (por ejemplo, anacrónico, imputando selectivamente las ideas actuales de la interpretación en la música antigua), pero luego concluye que lo que el movimiento HIP tiene para ofrecer es una manera diferente de ver y escuchar la música: "Mantiene nuestra Los ojos abiertos a la posibilidad de producir música de nuevas formas bajo la regulación de nuevos ideales. Mantiene nuestros ojos abiertos a la naturaleza inherentemente crítica y revisable de nuestros conceptos regulativos. Lo más importante, nos ayuda a superar ese deseo profundamente arraigado de mantener el la más peligrosa de las creencias, que en cualquier momento tenemos nuestras prácticas absolutamente correctas ". [45]
Lo que está claro es que un enfoque estrictamente musicológico de la reconstrucción estilística es a la vez modernista en la cultura y poco auténtico como una actuación viva, un enfoque denominado "teatro mortal" por Peter Brook. [46] Los mejores intérpretes de HIP, si bien basan su estilo en datos históricos, ahora reconocen la lógica difusa de crear representaciones de repertorio histórico menos modernistas, pero personalmente comprometidas.
Ver también
- Autenticidad en el arte
- Tono de concierto
- Renacimiento de la música antigua
- Lista de conjuntos de música antigua
- Una voz por parte
- Sección de cuerdas
- Shakespeare en la pronunciación original
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Fuentes
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enlaces externos
- La página de inicio no oficial del contratenor
- Una guía de instrumentos medievales y renacentistas
- Artistas y grupos de instrumentos de época incluidos en The Open Music Project
- Dilemas al intentar presentar viejas obras de arte 'auténticamente'
- Inside Early Music: Conversations with Performers (libro de Bernard Sherman; Oxford University Press, 1997)
- Por qué nunca escuchaste realmente la Sonata "Moonlight" (la revista Slate cubre las diferencias entre las interpretaciones de piano auténticas y modernas
- Cantando música antigua, videos que discuten las fuentes de la época sobre el canto de los siglos XVI al XIX, así como grabaciones de demostración.