Musica barroca

Estilo de la música artística occidental

Musica barroca
Clavicémbalo manual doble de Vital Julian Frey, según Jean-Claude Goujon (1749)
Origen cultural	Siglos XVI-XVIII, Europa
Otros temas
Instrumentos barrocos

Períodos, épocas y movimientos de la música clásica occidental
Periodo temprano
Época medieval C.  500–1400  • Ars antiqua C.  1170-1310  • Ars nova C.  1310-1377  • Ars subtilior C.  1360-1420 Era renacentista C.  1400-1600
Periodo de práctica común
Época barroca C.  1580-1750  • Barroco tardío C.  1680-1750 Música galant C.  1720-1770  • Empfindsamer Stil C.  1740-1780 Era clasica C.  1750-1820  • Escuela de Mannheim C.  1740-1780  • Sturm und Drang C.  Década de 1770  • Primera escuela vienesa C.  1780-1830 Era romantica C.  1800-1910
De finales del siglo 19 al 20th- y 21-siglos
Modernismo C.  1890–1975  • Impresionismo C.  1890-1930  • Expresionismo C.  1900-1930  • 2ª escuela vienesa C.  1900-1960  • Neoclasicismo C.  1920-1950  • Serialismo C.  1920-1975 Contemporáneo desde c.  1950  • Minimalismo desde c.  1960  • Posmodernismo desde c.  1960  • Posminimalismo desde c.  1980
v t mi

Música barroca ( UK : / b ə r ɒ k / o de Estados Unidos : / b ə r oʊ k / ) es un período o estilo de Western música de arte compuesta a partir de aproximadamente 1600 a 1750. ^[1] Esto era seguido la música Renaissance era , y fue seguida a su vez por la era Clásica , con el estilo galantmarcando la transición entre las épocas barroca y clásica. El período barroco se divide en tres fases principales: temprana, media y tardía. Traslapados en el tiempo, se fechan convencionalmente de 1580 a 1650, de 1630 a 1700 y de 1680 a 1750. La música barroca forma una parte importante del canon de la " música clásica " y ahora se estudia, interpreta y escucha ampliamente. El término " barroco " proviene de la palabra portuguesa barroco , que significa " perla deforme ". ^[2] Los compositores clave de la época barroca incluyen a Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Giuseppe Tartini , Heinrich Schütz , Jan Pieterszoon Sweelinck , Dieterich Buxtehude , y otros .

El período barroco vio la creación de la tonalidad de práctica común , un enfoque para escribir música en el que una canción o pieza está escrita en un tono particular ; este tipo de armonía se ha seguido utilizando ampliamente en la música clásica y popular occidental . Durante la era barroca, se esperaba que los músicos profesionales fueran improvisadores consumados tanto de líneas melódicas solistas como de partes de acompañamiento . Los conciertos barrocos solían ir acompañados de un grupo de bajo continuo (compuesto por instrumentistas que tocaban acordes, como clavecines y laúdes que improvisaban acordes de un bajo figurado).parte) mientras un grupo de instrumentos de bajo —viola , violonchelo , contrabajo— tocaba la línea de bajo . Una forma barroca característica fue la suite de baile . Si bien las piezas de una sala de baile se inspiraron en la música de baile real, las salas de baile se diseñaron exclusivamente para escuchar, no para acompañar a los bailarines.

Durante el período, los compositores experimentaron con encontrar un sonido más completo para cada parte instrumental (creando así la orquesta), ^[2] hicieron cambios en la notación musical (el desarrollo del bajo figurado como una forma rápida de anotar la progresión de acordes de una canción o pieza ) y desarrolló nuevas técnicas de ejecución instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció las formas mixtas vocales / instrumentales de la ópera , cantata y oratorio y las formas instrumentales del concierto solo y la sonata como géneros musicales. Polifónico denso y complejoLa música, en la que se interpretaron simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes (un ejemplo popular de esto es la fuga ), fue una parte importante de muchas obras corales e instrumentales barrocas. En general, la música barroca fue una herramienta de expresión y comunicación. ^[1]

Etimología

Johann Sebastian Bach , 1748

El término "barroco" es utilizado generalmente por los historiadores de la música para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos durante un período de aproximadamente 150 años. ^[1] Aunque durante mucho tiempo se pensó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña satírica y anónima del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau , impreso en el Mercure de France en mayo de 1734. El crítico insinuó que la novedad de esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de una melodía coherente, estaba llena de incesantes disonancias, cambiaba constantemente de tono y compás, y repasaba rápidamente todas las composiciones. dispositivo. ^[3]

Jean-Jacques Rousseau , que fue músico y compositor además de filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie : "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, el entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que ese término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos ". ^[4] Rousseau se refería al término filosófico baroco , en uso desde el siglo XIII para describir un tipo de argumento académico elaborado y, para algunos, innecesariamente complicado. ^{[5] [6]}

La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término "barroco" a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs se convirtió en el primero en aplicar sistemáticamente a la música las cinco características de la teoría del barroco de Heinrich Wölfflin . ^[7] Sin embargo, los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX, Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en Estados Unidos) y Suzanne hicieron intentos independientes. Clercx-Lejeune (en Bélgica) para utilizar el análisis técnico autónomo en lugar de abstracciones comparativas, para evitar la adaptación de teorías basadas en las artes plásticas.y literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron como resultado un desacuerdo apreciable sobre los límites de tiempo del período, especialmente en lo que respecta a cuándo comenzó. En inglés, el término adquirió vigencia solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang . ^[1]

Todavía en 1960, todavía había una disputa considerable en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, sobre si era significativo agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri , Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una sola rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. ^[1] Puede ser útil distinguir el barroco de los períodos anteriores (Renacimiento) y siguientes ( Clásica ) de la historia musical.

Historia

A lo largo de la era barroca, los nuevos desarrollos en la música se originaron en Italia, después de lo cual pasaron hasta 20 años antes de que fueran ampliamente adoptados en el resto de la práctica de la música clásica occidental . Por ejemplo, los compositores italianos cambiaron al estilo galant alrededor de 1730, mientras que compositores alemanes como Johann Sebastian Bach continuaron escribiendo en gran parte en estilo barroco hasta 1750. ^{[8] [9]}

Fases de la música barroca ^{[8] [9]}

Subperíodo	Comienzo	Final	En Italia	En otra parte
Barroco temprano	1580-1600	1630-1650	Gabrieli Monteverdi Frescobaldi	M. Praetorius Sweelinck O. Gibbons Schütz
Barroco medio	1630-1650	1680-1700	Carissimi Legrenzi	Lully Biber Buxtehude Purcell
Barroco tardío	1680-1700	1730-1750	Corelli Vivaldi Pergolesi	Telemann Rameau Handel J. S. Bach

Música barroca temprana (1580-1650)

Más información: Transición del Renacimiento al Barroco en la música instrumental

Claudio Monteverdi en 1640

La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de 'Bardi para discutir y orientar las tendencias de las artes, especialmente la música y el teatro . En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente griego antiguo ) que valoraba el discurso y la oración. ^{[10] En} consecuencia, rechazaron el uso de la polifonía (líneas melódicas múltiples e independientes) y la música instrumental por parte de sus contemporáneos, y discutieron los dispositivos de la música griega antigua como la monodia , que consistía en un canto en solitario acompañado de un kithara.(un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). ^[11] Las primeras realizaciones de estas ideas, incluyendo Jacopo Peri 's Dafne y L'Euridice , marcó el comienzo de la ópera, ^[12] , que fue un catalizador para la música barroca. ^[13]

En cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo cifrado (también conocido como bajo completo ) representa la importancia creciente de la armonía como base lineal de la polifonía. ^{[14] La} armonía es el resultado final del contrapunto , y el bajo figurado es una representación visual de esas armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Con el bajo calculado, los números, las alteraciones o los símbolos se colocaron sobre la línea de bajo que fue leída por los intérpretes de instrumentos de teclado , como los intérpretes de clavecín o los organistas de tubos (o laudistas).). Los números, alteraciones o símbolos indicaron al tecladista qué intervalos se van a tocar por encima de cada nota de bajo. El teclista improvisaba una voz de acorde para cada nota de bajo. ^{[15] Los} compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas , ^[16] y también emplearon el tritono , percibido como un intervalo inestable, ^[17] para crear disonancia (se usó en el acorde de séptima dominante y en el acorde disminuido ). También había existido un interés por la armonía entre ciertos compositores del Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo ; ^[18]Sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad (un enfoque en una clave musical que se convierte en la "nota de casa" de una pieza), más que a la modalidad , marca el paso del Renacimiento al Barroco. ^[19] Esto llevó a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podrían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza, una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad . ^{[ cita requerida ]}

Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo musical renacentista al barroco. Desarrolló dos estilos de composición individuales: la herencia de la polifonía renacentista ( prima pratica ) y la nueva técnica de bajo continuo del barroco ( seconda pratica ). Con bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía . El grupo de bajo continuo normalmente utilizaría uno o más teclistas y un laudista que tocaría la línea de bajo e improvisaría los acordes y varios instrumentos de bajo (p. Ej.,violín , violonchelo , contrabajo ) que tocaría la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea, entre otras, Monteverdi atrajo una atención considerable a este nuevo género. ^[20] Este estilo veneciano fue llevado fácilmente a Alemania por Heinrich Schütz , cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.

Las texturas instrumentales idiomáticas se hicieron cada vez más prominentes. En particular, el estilo luthé , la ruptura irregular e impredecible de las progresiones de acordes, en contraste con el patrón regular de los acordes rotos, al que se hace referencia desde principios del siglo XX como estilo brisé , fue establecido como una textura constante en la música francesa por Robert Ballard. , ^{[21] [22]} en sus libros de laúd de 1611 y 1614, y de Ennemond Gaultier . ^[23] Esta figuración idiomática del laúd se transfirió más tarde al clavecín, por ejemplo, en la música para teclado de Louis Couperin y Jean-Henri D'Anglebert., y continuó siendo una influencia importante en la música para teclados a lo largo del siglo XVIII y principios del XIX (en, por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin ). ^[22]

Música barroca media (1630-1700)

El surgimiento de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo , personificada por Luis XIV de Francia. El estilo del palacio y el sistema de cortesía de costumbres y artes que fomentó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente patrocinio de la iglesia y el estado crearon la demanda de música pública organizada, ya que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara , que es música para un pequeño conjunto de instrumentistas. ^[24]

Jean-Baptiste Lully de Paul Mignard

Un ejemplo preeminente de un compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully . Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés y para evitar que otros hicieran representaciones de óperas. Completó 15 tragedias líricas y dejó inconclusa Achille et Polyxène . ^[25] Lully fue uno de los primeros ejemplos de director de orquesta ; ganaría el tiempo con un gran personal para mantener unidos a sus conjuntos.

Musicalmente, no estableció la norma dominada por las cuerdas para las orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la disposición de cinco partes característicamente francesa (violines, violas - en hautes-contratre, tamaños de cola y quintales - y violines bajos ) había Se ha utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, sí introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por flautas dulces, flautas y oboes, y el bajo por fagot. Con frecuencia se añadían trompetas y timbales para escenas heroicas. ^[25]

El período barroco medio en Italia se define por el surgimiento de los estilos vocales de cantata , oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estado de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente se había considerado preeminente. La monodia florida y coloratura del Barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas breves, delimitadas cadencialmente, a menudo basadas en patrones de danza estilizados extraídos de la sarabande o la courante.. Las armonías también pueden ser más simples que en la monodia barroca temprana, para mostrar expresión de una manera más ligera en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas. Las líneas de bajo acompañantes se integraron más con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que más tarde condujo al dispositivo de una anticipación de bajo inicial de la melodía del aria. Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo dispositivo formal de diferenciación del recitativo (una parte más hablada de la ópera) y el aria (una parte de la ópera que utiliza melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi , quienes fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano.Francesco Cavalli , quien fue principalmente un compositor de ópera. Los practicantes importantes posteriores de este estilo incluyen Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella . ^[26]

Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical —como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín— y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso . ^[27]Mientras que Lully estaba instalada en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y en interpretar su música en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el concerto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. La dinámica fue "escalonada", es decir, con una transición brusca de fuerte a suave y viceversa. Las secciones rápidas y las secciones lentas se yuxtaponen entre sí. Entre sus alumnos se encuentra Antonio Vivaldi , que luego compuso cientos de obras basadas en los principios del trío de sonatas y conciertos de Corelli . ^[27]

A diferencia de estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte, sino un músico de iglesia, que ocupaba los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus deberes como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y gerente comercial de la iglesia, mientras que su posición como organista incluía tocar para todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, a quienes también pagaba la iglesia. Completamente fuera de sus deberes oficiales en la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken , que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de óperas. ^[28]

Francia:

• Denis Gaultier ^[29]
• Jean-Henri d'Anglebert ^[30]
• Jacques Champion de Chambonnières ^[31]
• Louis Couperin ^[32]

Música barroca tardía (1680-1750)

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George Frideric Handel

Artículo principal: Barroco tardío (música)

El trabajo de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach y sus contemporáneos, incluidos Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann y otros, llevaron la era barroca a su clímax. ^[33]

• también conocido como Alto Barroco

Inicio

Italia:

• Alessandro Scarlatti ( Escuela napolitana , misa napolitana )
• Arcangelo Corelli ( Trio sonata , Concerto grosso , La Folia )
• Giuseppe Torelli ( Concierto solista )

Francia:

• François Couperin
• André Campra

Adopción más amplia

Italia:

• Giovanni Bononcini
• Antonio Vivaldi
• Tomaso Albinoni
• Benedetto Marcello
• Francesco Geminiani
• Pietro Locatelli
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicola Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

Proliferación:

• Erdmann Neumeister
• Estienne Roger , L'estro armonico
• Visitando Italia, por ejemplo, Johann Kuhnau , Johann David Heinichen , Gottfried Heinrich Stölzel
• Italianos en el extranjero, por ejemplo, Domenico Scarlatti , Antonio Caldara , Antonio Lotti , Pietro Torri

Francia:

• Jean-Philippe Rameau
• Joseph Bodin de Boismortier
• Francés en el extranjero: por ejemplo, Louis Marchand

Europa central :

• Johann Georg Pisendel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
• Johann Friedrich Fasch
• Jan Dismas Zelenka
• Johann Joseph Fux
• Christoph Graupner
• Johann David Heinichen
• Sylvius Leopold Weiss
• Alemanes en el extranjero, por ejemplo, George Frideric Handel , Johann Adolf Scheibe

Transición a la era clásica

Música galant :

• Johann Mattheson
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolph Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Hijos y alumnos mayores de Bach :

• Wilhelm Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach ( empfindsamer Stil )
• Johann Gottlieb Goldberg ^[34]

Escuela de Mannheim :

• Johann Stamitz

Cronología de los compositores

Véase también: Lista de compositores barrocos

Instrumentos

Artículo principal: instrumentos barrocos

Ver también: Lista de instrumentos del período

Cadenas

Instrumentos barrocos, que incluyen un cítrico , un violonchelo de cinco o seis cuerdas con trastes, un violín y dos laúdes.

Partitura individual para arpa del siglo XVII. ^[35]

• Flautín violín
• Violín
• Violín
• Viola
• Viola d'amore
• Viola pomposa
• Violín tenor
• Violonchelo
• Violone
• Violín bajo
• Contrabajo
• Laúd
• Theorbo
• Archlute
• Mandora
• Bandora
• Angélique
• Mandolina
• Lirio
• Guitarra
• Arpa
• Hurdy-gurdy

Vientos de madera

• Flauta barroca
• Chalumeau
• Cortol (también conocido como Cortholt, Curtall, familia Oboe )
• Dulciano
• Musette de cour
• Oboe barroco
• Rackett
• Grabadora
• Fagot

Latón

• Cornett
• Cuerno natural
• Trompeta barroca
• Tromba da tirarsi (también llamado tromba spezzata )
• Trompeta plana
• Serpiente
• Sackbut (nombre en inglés del siglo XVI y principios del XVII para FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: trombone ; MHG: busaun , busîne , busune / DE (desde principios del siglo XVII) Posaune )
• Trombón (nombre en inglés del mismo instrumento, de principios del siglo XVIII)

Teclados

• Clavicordio
• Piano tangente
• Fortepiano  - una versión temprana del piano inventado ca. 1700, pero no se hizo popular durante la época barroca.
• Clave
• Organo

Percusión

• Tímpanos
• Pandereta
• Castañuelas

Estilos y formas

Suite de baile

Ver también: Suite (música) § Suite de baile

La actuación de un gran conjunto instrumental en el fastuoso Teatro Argentina , como lo describe Panini (1747)

Una característica de la forma barroca fue la suite de baile . Algunas suites de baile de Bach se denominan partitas , aunque este término también se utiliza para otras colecciones de piezas. Si bien las piezas de una sala de baile se inspiraron en la música de baile real, las salas de baile se diseñaron para escuchar, no para acompañar a los bailarines. Los compositores utilizaron una variedad de diferentes movimientos de baile en sus salas de baile. Una suite de baile a menudo consta de los siguientes movimientos :

• Obertura  - La suite barroca a menudo comenzaba con una obertura francesa ("Ouverture" en francés), un movimiento lento que fue seguido por una sucesión de bailes de diferentes tipos, principalmente los cuatro siguientes:
• Allemande  : a menudo, el primer baile de una suite instrumental , el allemande fue un baile muy popular que tuvo sus orígenes en la era del Renacimiento alemán . El allemande se tocaba a un ritmo moderado y podía comenzar en cualquier tiempo del compás. ^[36]
• Courante  : el segundo baile es el courante, un baile francés animado en triple metro . La versión italiana se llama corrente. ^{[ cita requerida ]}
• Sarabande  : la sarabande, una danza española, es la tercera de las cuatro danzas básicas, y es una de las danzas barrocas más lentas. También está en triple métrica y puede comenzar en cualquier tiempo del compás, aunque hay un énfasis en el segundo tiempo, creando el característico ritmo yámbico de la sarabanda. ^[36]
• Gigue  - La gigue es una danza barroca alegre y animada en métrica compuesta, típicamente el movimiento final de una suite instrumental, y el cuarto de sus tipos básicos de danza. La gigue puede comenzar en cualquier tiempo de la barra y se reconoce fácilmente por su sensación rítmica. La gigue se originó en las Islas Británicas . Su contraparte en la música folclórica es el jig . ^[36]

Estos cuatro tipos de danza (allemande, courante, sarabande y gigue) constituyen la mayoría de las suites del siglo XVII; Las suites posteriores interpolan una o más danzas adicionales entre la sarabande y la gigue:

• Gavotte  : el gavotte se puede identificar por una variedad de características; Está dentro⁴
  ₄tiempo y siempre comienza en el tercer tiempo del compás, aunque esto puede sonar como el primer tiempo en algunos casos, ya que el primer y tercer tiempo son los tiempos fuertes en el tiempo cuádruple. La gavota se toca a un tempo moderado, aunque en algunos casos puede tocarse más rápido. ^{[ cita requerida ]}
• Bourrée  - La bourrée es similar a la gavotte ya que está en²
  ₂tiempo, aunque comienza en la segunda mitad del último tiempo del compás, creando una sensación diferente al baile. El bourrée se toca comúnmente a un tempo moderado, aunque para algunos compositores, como Handel, se puede tomar a un tempo mucho más rápido. ^[2]
• Minueto  - El minueto es quizás el más conocido de los bailes barrocos en triple metro. Puede comenzar en cualquier tiempo de la barra. En algunas suites puede haber un Minuet I y II, tocado en sucesión, con el Minuet I repetido. ^{[ cita requerida ]}
• Passepied  : el passepied es un baile rápido en forma binaria y triple metro que se originó como un baile de la corte en Bretaña . ^[37] Se pueden encontrar ejemplos en suites posteriores como las de Bach y Handel. ^{[ cita requerida ]}
• Rigaudon  - El rigaudon es una danza francesa animada en métrica doble, similar a la bourrée, pero rítmicamente más simple. Se originó como una familia de danzas folclóricas del sur de Francia estrechamente relacionadas, tradicionalmente asociadas con las provincias de Vavarais, Languedoc , Dauphiné y Provenza . ^[38]

Además, hay muchas otras formas de baile, así como otras piezas que podrían incluirse en una suite, como Polonaise , Loure , Scherzo , Air , etc.

Otras características

• Preludio  : una suite puede comenzar con un preludio, una pieza lenta escrita en un estilo improvisado. Algunos preludios barrocos no fueron escritos completamente; en cambio, se indicó una secuencia de acordes, con la expectativa de que el instrumentista pudiera improvisar una parte melódica utilizando el marco armónico indicado. El preludio no se basó en un tipo de baile.
• Entrada  : a veces, una entrada se compone como parte de una suite; pero allí es música puramente instrumental y no se realiza ninguna danza. Es una introducción, una pieza en forma de marcha que se toca durante la entrada de un grupo de baile o antes de un ballet. Por lo general en⁴
  ₄hora. Está relacionado con la 'intrada' italiana.
• Bajo continuo  : una especie de acompañamiento continuo anotado con un nuevo sistema de notación musical, bajo figurado , generalmente para uno o más instrumentos de bajo sostenidos (p. Ej., Violonchelo ) y uno o más instrumentos que tocan acordes (p. Ej., Instrumentos de teclado como clavicémbalo , flauta órgano o laúd )
• El concierto (una pieza solista con acompañamiento orquestal) y el concerto grosso
• Monody  - una consecuencia de la canción ^{[ cita requerida ]}
• Homofonía  : música con una sola voz melódica y acompañamiento de acordes rítmicamente similares (y subordinados) (esto y la monodía se contrastan con la textura típica del Renacimiento , la polifonía ) ^[39]
• Formas musicales dramáticas como la ópera, dramma per musica ^[40]
• Formas instrumentales-vocales combinadas, como el oratorio y la cantata , ^{[40] en} las que se utilizaron cantantes y orquesta.
• Nuevas técnicas instrumentales, como trémolo y pizzicato ^[40]
• El aria da capo "disfrutó de seguridad". ^{[ cita requerida ]}
• El aria de ritornello : breves interrupciones instrumentales repetidas de pasajes vocales. ^[41]
• El estilo concertato : contraste de sonido entre grupos de instrumentos. ^[42]
• Amplia ornamentación , ^[43] que típicamente se improvisada por cantantes e instrumentistas (por ejemplo, trinos , mordentes , etc.)

Géneros

Vocal

• Ópera
  • Singspiel
  • Ópera balada
  • Semi-ópera
  • Zarzuela
  • Intermezzo
  • Opera buffa
  • Ópera seria
  • Ópera cómica
  • Ópera-ballet
  • Tragédie en musique
• Ballet de cour
• Mascarada
• Oratorio
• Pasion (musica)
• Cantata
• Misa (música)
• Himno
• Canción funeral
• Coral

Instrumental

• Composición coral
• Concierto
• Concerto grosso
• Fuga
• Suite
  • Allemande
  • Courante
  • Sarabande
  • Gigue
  • Gavota
  • Minué
• Sonata
  • Sonata da camera
  • Sonata da chiesa
  • Trio sonata
• Partita
• Canción
• Sinfonía
• Fantasía
• Ricercar
• Tocata
• Preludio
• Chacona
• Pasacalle
• Preludio coral
• Stylus fantasticus

Notas

1. Palisca, 2001 .error sfn: sin destino: CITEREFPalisca2001 ( ayuda )
2. Mackay y Romanec 2007 .
3. Palisca 1989 , págs. 7-8.
4. Encyclopedie ; Lettre sur la Musique Francaise bajo la dirección de Denis Diderot
5. Antoine Arnauld, Pierre Nicole, La logique ou l'art de penser , Tercera parte, capítulo VI (1662) (en francés)
6. "BARROCO: Etymologie de BARROQUE" . www.cnrtl.fr . Consultado el 4 de enero de 2019 .
7. Sachs , 1919 , págs. 7-15.
8. Bukofzer , 1947 , págs. 17 y siguientes.
9. Bukofzer 2013 , "Las fases de la música barroca" págs. 26-29 .
10. Nuti 2007 , p. 14.
11. Wallechinsky 2007 , p. 445.
12. Chua 2001 , p. 26.
13. Wainwright y Holman 2005 , p. 4.
14. Clarke 1898 , págs. 147–48.
15. Haagmans , 1916 , pág. vi.
16. York 1909 , p. 109.
17. Donington 1974 , p. 156.
18. Watkins 1991 , p. 103.
19. Norton 1984 , p. 24.
20. Carter y Chew 2013 .
21. Rollin y Ledbetter 2001 .
22. Ledbetter, 2001 .
23. Rollin 2001a .
24. Sadie, 2013 .
25. La Gorce, 2001 .
26. Bukofzer , 1947 , págs. 118-21.
27. Talbot 2001a .
28. Snyder 2001 .
29. Rollin 2001b .
30. Ledbetter y Harris 2014 .
31. Fuller 2001 .
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Lectura adicional

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• Schulenberg, David. Música del Barroco . Nueva York: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9 
• Stauffer, George B. El mundo de la música barroca Nuevas perspectivas . Bloomington: Indiana University Press, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5 
• Strunk, Oliver. Lecturas de origen en la historia de la música. De la Antigüedad clásica a la época romántica . Londres: Faber y Faber, 1952.

Enlaces externos

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con la música barroca .

• Sala de clavecín de Handel: grabaciones gratuitas de música para clavecín de la época barroca
• Cronología de la música renacentista y barroca : compositores
• Fundación Orpheon en Viena, Austria
• Partituras gratuitas de varios compositores barrocos en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
• Música, afecto y fuego : tesis sobre la teoría del afecto con el fuego como tema especial
• Répertoire International des Sources Musicales (RISM) , una base de datos de búsqueda gratuita de ubicaciones en todo el mundo para manuscritos de música hasta c. 1800

1. https://www.baroque.org/baroque