Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) , o simplemente Birdman , es una comedia negra estadounidense de 2014-película dramática dirigida por Alejandro G. Iñárritu . Fue escrito por Iñárritu, Nicolás Giacobone , Alexander Dinelaris, Jr. y Armando Bó . La película está protagonizada por Michael Keaton como Riggan Thomson, unactor de Hollywood descoloridomejor conocido por interpretar al superhéroe "Birdman", mientras lucha por montar unaadaptación de Broadway de un cuento corto de Raymond Carver . La película también cuenta con un elenco de apoyo de Zach Galifianakis ,Edward Norton , Andrea Riseborough , Amy Ryan , Emma Stone y Naomi Watts .
Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia) | |
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Dirigido por | Alejandro G. Iñárritu |
Producido por |
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Escrito por |
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Protagonizada | |
Musica por | Antonio Sánchez |
Cinematografía | Emmanuel Lubezki |
Editado por | |
producción empresas |
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Distribuido por | Fotos de Fox Searchlight |
Fecha de lanzamiento |
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Tiempo de ejecución | 119 minutos [1] |
País | Estados Unidos |
Idioma | inglés |
Presupuesto | $ 18 millones [2] [3] |
Taquilla | $ 103,2 millones [3] |
La película cubre el período de avances previos al estreno de la obra y, con una breve excepción, aparece como filmada en un solo plano , idea que tuvo Iñárritu desde la concepción de la película. Emmanuel Lubezki , quien ganó el premio de la Academia por su cinematografía en Birdman , creía que el tiempo de grabación necesario para el enfoque de toma larga adoptado en Birdman no podría haberse hecho con tecnología más antigua. La película fue filmada en la ciudad de Nueva York durante la primavera de 2013 con un presupuesto de $ 16,5 millones financiado conjuntamente por Fox Searchlight Pictures , New Regency Pictures y Worldview Entertainment . Se estrenó al año siguiente en agosto donde inauguró el 71 ° Festival Internacional de Cine de Venecia .
Birdman tuvo un estreno teatral limitado en los Estados Unidos el 17 de octubre de 2014, seguido de un estreno amplio el 14 de noviembre. Con una recaudación de más de $ 103 millones en todo el mundo, la película recibió elogios de la crítica, con elogios por las actuaciones del elenco (en particular las de Keaton, Stone y Norton), cinematografía, dirección y guión de Iñárritu. La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película , junto con el Mejor Director , el Mejor Guión Original y la Mejor Fotografía de un total de nueve nominaciones, empatando con The Grand Budapest Hotel como la película más nominada y premiada en la 87a ceremonia anual de premios de la Academia. con cuatro victorias por película. También ganó Elenco Sobresaliente en una Película en los 21st Screen Actors Guild Awards , así como Mejor Actor en un Musical o Comedia para Keaton y Mejor Guión en los 72nd Golden Globe Awards .
Gráfico
Riggan Thomson es un actor descolorido famoso por interpretar a un superhéroe llamado Birdman en una trilogía cinematográfica en la década de 1990. Está atormentado por la voz interna burlona y crítica de Birdman y con frecuencia se visualiza realizando hazañas de levitación y telequinesia . Riggan está tratando de recuperar el reconocimiento escribiendo, dirigiendo y protagonizando una adaptación de Broadway del cuento de Raymond Carver , "De qué hablamos cuando hablamos de amor ". Sin embargo, la voz de Birdman quiere que Riggan regrese al cine de gran éxito e insiste en que él es una parte esencial de la identidad de Riggan.
Jake, el mejor amigo y abogado de Riggan, está produciendo la obra, que coprotagoniza la novia de Riggan, Laura, y la debutante de Broadway Lesley. La hija de Riggan, Sam, un adicto a las drogas en recuperación con quien está tratando de volver a conectarse, trabaja como su asistente. El día antes de la primera vista previa, una lámpara cae sobre el desventurado coprotagonista de Riggan, Ralph. A sugerencia de Lesley, Riggan reemplaza a Ralph con su novio, el brillante pero volátil y ensimismado actor de métodos Mike Shiner. Los primeros avances son desastrosos: Mike rompe el carácter por el reemplazo de su ginebra con agua, intenta violar a Lesley durante una escena de sexo y afirma que la pistola de utilería no parece real. Riggan choca continuamente con Mike, culminando en una pelea después de que Riggan lee una entrevista del New York Times con Mike en la que le roba la razón personal de Riggan para hacer una obra de Raymond Carver. Jake persuade a Riggan para que continúe con la obra. Cuando Riggan reprende a Sam después de encontrarla consumiendo marihuana, ella lo reprende y lo regaña de manera insultante, diciéndole que es irrelevante y que la obra es para su propia vanidad.
Durante la vista previa final, Riggan se encierra accidentalmente afuera con su bata atascada en la puerta de escape de incendios. Se ve obligado a caminar por Times Square con sus calzoncillos blancos y entrar entre la audiencia para hacer la escena final. Un Sam preocupado está esperando en su camerino después del show. Ella piensa que la actuación fue muy inusual pero interesante. Ella le muestra que las imágenes de Times Square se están volviendo virales y explica cómo esto realmente lo ayuda.
Riggan va a un bar a tomar una copa y se acerca a Tabitha Dickinson, una crítica de teatro cínica y muy influyente. Ella promete "matar" su obra con una crítica despectiva sin siquiera haberla visto. En el camino de regreso, Riggan compra una pinta de whisky, la bebe y se desmaya en un porche. Al día siguiente, caminando hacia el teatro con una resaca severa, visualiza a Birdman tratando de convencerlo de que abandone la obra y haga una cuarta película de Birdman. Luego, Riggan se imagina volando por las calles de Manhattan antes de llegar al teatro.
En la noche del estreno, la obra va muy bien. En su camerino, un Riggan extrañamente tranquilo le confiesa a su ex esposa, Sylvia, que hace varios años intentó ahogarse en el océano después de que ella lo sorprendiera teniendo una aventura. También le habla de la voz de Birdman, que ella ignora. Después de que Sylvia se va, Riggan toma un arma real para la escena final en la que su personaje se suicida. En el clímax, Riggan se dispara en la cabeza en el escenario. La obra recibe una ovación de pie .
Riggan se despierta en un hospital; el intento de suicidio simplemente le voló la nariz, que ha sido reconstruida quirúrgicamente. Tabitha ha publicado una crítica entusiasta de la obra, calificando el intento de suicidio como justo lo que necesitaba el teatro estadounidense. Sam lo visita con flores y le toma una foto para compartir con el número vertiginoso de seguidores en la cuenta de Twitter que ha creado para él. Mientras ella sale para buscar un jarrón, Riggan entra al baño, se quita las vendas y deja al descubierto su nueva nariz hinchada y se despide de Birdman, que se ve sentado en el inodoro. Fascinado por los pájaros que vuelan fuera de su habitación, abre la ventana, los mira y luego sube a la cornisa. Sam regresa a una habitación vacía y corre frenéticamente hacia la ventana abierta, escaneando el suelo antes de mirar lentamente hacia el cielo y sonreír.
Elenco
- Michael Keaton como Riggan Thomson
- Benjamin Kanes como Young Riggan / Birdman
- Zach Galifianakis como Jake
- Edward Norton como Mike Shiner
- Andrea Riseborough como Laura Alburn
- Amy Ryan como Sylvia Thomson
- Emma Stone como Sam Thomson
- Naomi Watts como Lesley Truman
- Lindsay Duncan como Tabitha Dickinson
- Merritt Wever como Annie
- Jeremy Shamos como Ralph
- Bill Camp como Crazy Man
- Damian Young como Gabriel
- Paula Pell como Lady in Bar
- Donna Lynne Champlin como Broadway Lady
- Jackie Hoffman como Mary Lady en el balcón
- Susan Blackwell como Mujer de intermedio
Producción
Desarrollo
El director de Birdman , Alejandro G. Iñárritu, concibió originalmente la película como una comedia filmada en un solo plano ambientada en un teatro. La elección original detrás del género de la película, que posteriormente fue readaptado para concentrarse en el giro final emocional de Riggan, vino del director que quería ver un cambio en su enfoque. Todas sus películas anteriores fueron dramas y, después de dirigir Biutiful , no quiso volver a abordar su nueva película de la misma manera trágica. [4] La decisión de hacer que la película apareciera como un solo plano provino de su comprensión de que "vivimos nuestras vidas sin edición". Al presentar la película como un plano continuo, pudo "sumergir al protagonista en una 'realidad ineludible' y llevarse al público con él". [5] Iñárritu compartió su idea con los guionistas / primos argentinos Nicolás Giacobone y Armando Bo , así como con el dramaturgo Alexander Dinelaris, Jr. , quienes habían trabajado con él en su película anterior. [6] [a] Su primera reacción fue decirle que la idea del disparo continuo no podía funcionar. [4] Según Dinelaris y Giacobone, personas "enormes" e "importantes" le dijeron que ni siquiera probara el proyecto por la misma razón. [6] El propio Iñárritu describió la técnica como "casi suicida", preocupándose de que pudiera distraer en lugar de sumergirla. [8] Dinelaris dijo más tarde que si realmente se hubieran detenido y considerado la idea, podrían haber convencido a Iñárritu de que no lo hiciera. [4]
Las experiencias personales y vocacionales de los cuatro coautores fueron fundamentales para escribir el guión. La exposición de Dinelaris a Broadway dio forma a las representaciones de los ensayos y eventos entre bastidores, aunque admitió haberlos exagerado. También sintió que su experiencia escribiendo largas escenas de diálogo ayudó, ya que las escenas de la película "eran realmente más como escenas de juego". [6] Las propias experiencias de Iñárritu influyeron en muchos de los temas de Birdman . "De lo que habla esta película, ya lo he pasado", recordó Iñárritu. "Lo he visto y experimentado todo; es lo que he estado viviendo durante los últimos años de mi vida". [4] Dinelaris describió este aspecto como "una mirada de risa a uno mismo", pero dijo que tenía que hacerse de manera cómica; de lo contrario, "habría sido la mirada más increíblemente absorta en sí mismo del tema". [4] Temas del cuento de Raymond Carver "De qué hablamos cuando hablamos de amor ", que Riggan adapta para el escenario de la historia, también influyeron en el guión. Iñárritu quería encontrar la conexión entre los temas de la historia de Riggan y los de Carver. [6] Debido a esto, era importante para el director que la historia de Carver fuera el tema de la obra representada en la película. Por lo tanto, Iñárritu afirmó que su deseo de utilizar el trabajo de Carver era "aterrador" porque los derechos de uso del material de Carver aún estaban sujetos a la posibilidad de ser rechazados durante el desarrollo de la película, pero no surgieron problemas. A la viuda de Carver, la escritora Tess Gallagher , le encantó el guión y permitió la adaptación, diciendo que Carver se reiría de la película. [4]
Si bien algunos aspectos de la película, el primer fotograma con Riggan, por ejemplo, no cambiaron desde la concepción de Birdman hasta el lanzamiento, [4] otros pasaron por varias iteraciones. Uno de ellos fue la secuencia en la que el alter ego Birdman toma el control total sobre los pensamientos de Riggan. Los escritores sabían que ocurriría en el punto más bajo de Riggan, por lo que en un momento planearon que sucediera después de que Riggan escuche la cobertura de prensa negativa inicial y destruya su camerino. En otra versión descartada, Riggan intenta ahogarse en Central Park y sale volando para salvarse. [6]
El final de la película también cambió, la versión final se escribió a la mitad de la filmación. [9] El original pretendía representar a Johnny Depp en el camerino de Riggan con un cartel de Piratas del Caribe en la parte de atrás. A Iñárritu le disgustó mucho este final, llamándolo "tan vergonzoso", y lo reescribió con Dinelaris y Giacobone después de que un nuevo final le llegara en un sueño. [9] [10] Iñárritu se mostró reacio a describir el final original, pero fue filtrado por Dinelaris. Dijo que el final original estaba ambientado en el teatro, en lugar del hospital, e involucró a Depp poniéndose la peluca de Riggan Thomson, y en la voz de Jack Sparrow , "... el cartel le pregunta a Depp, '¿Qué diablos estamos haciendo aquí, amigo? ? ', e iba a ser la sátira del bucle interminable de eso ". [11] El director y los coautores descartaron el final satírico y favorecieron el final nuevo, más ambiguo. [10] [11] [12]
El proyecto de co-escritura se aceleró gracias a la colaboración entre los cuatro co-escritores en Internet que trabajaban desde diferentes ubicaciones geográficas. Con Iñárritu en Los Ángeles , Giacobone y Bo en Buenos Aires , y Dinelaris en Nueva York, el guión se escribió principalmente a través de llamadas de Skype y correos electrónicos. [4] Aunque esto complicó el proceso de escritura, Dinelaris dijo que creía que las mejores ideas de Birdman provenían de las sesiones de Skype a las dos de la mañana, en las que él y Giacobone se estaban "riendo el uno al otro". La incorporación de la función de disparo único también afectó la escritura. Bo dijo: "Escribimos todo pensando en esta toma única, y muchas decisiones que en su mayoría se tomarían en la sala de edición se tomaron antes de la filmación". El enfoque de una sola vez significaba que las escenas no podían eliminarse ni reordenarse en la postproducción, por lo que los escritores debían estar "muy, muy seguros de lo que había en la página". [6] Como resultado, tomó aproximadamente un año y medio completar el borrador final. [13] Como resumió Dinelaris : "Tienes que ser un idiota para hacerlo todo de una vez. Tienes que ser un idiota para intentarlo. Se necesita una gran, mucha ignorancia para no prestar atención a las dificultades y Creo que vas a hacer esto. Birdman parece una buena idea ahora, pero [en el momento de la producción] no sabíamos cómo aterrizaríamos ". [6]
Fundición
Iñárritu eligió varios de los papeles principales antes de que se financiara la película. [2] Entre ellos estaba el papel principal. Al principio del desarrollo del guión, Iñárritu no tenía a Keaton en mente, [5] pero había cambiado de opinión al final: "Cuando terminé el guión, supe que Michael no era la elección ni la opción, él era el chico". [14] Iñárritu eligió a Keaton por su profundidad en una variedad de estilos de actuación: podía manejar las demandas del escenario, el trabajo de cerca, la comedia y la empatía "con una profundidad profunda para ambos". [15]
Keaton sabía sobre Birdman antes de que Iñárritu lo contactara. Estaba en plena producción de otro proyecto cuando se enteró de que Iñárritu estaba haciendo otra película. Keaton, fanático de su trabajo, voló a casa para averiguar más. [16] Iñárritu le envió el guión y lo discutieron durante la cena. Lo primero que Keaton le preguntó al director fue si se estaba burlando de él (con respecto a su papel en las películas de Batman de Tim Burton ), pero después de que Iñárritu le explicara el papel, sus tecnicismos y la producción de la película, Keaton accedió a interpretar a Riggan. [5]
Iñárritu calificó su decisión de elegir a Galifianakis como Jake como "una apuesta". Galifianakis cumplió con el criterio del director de ser adorable y divertido, pero Iñárritu también lo consideró sensible, lo que le valió el papel. [17] Emma Stone ya sabía que quería trabajar con Iñárritu antes de que le ofrecieran el papel de Sam. El guión que le dio Iñárritu y el resto del elenco venía con la foto Man on Wire , que mostraba a Philippe Petit cruzando las Torres Gemelas en la cuerda floja. Iñárritu le dijo al elenco: "Eso lo estamos haciendo". [10] [18]
Una vez que estos actores se comprometieron, Iñárritu buscó financiamiento. Primero invitó a Fox Searchlight Pictures a financiar el proyecto, pero rechazaron su oferta porque sintieron que el presupuesto que pedía era demasiado alto. [2] En un momento, Megan Ellison de Annapurna Pictures quiso participar en el proyecto, pero decidió no hacerlo porque, a diferencia de sus otras películas, no había estado involucrada desde el principio. [19] Iñárritu se acercó a Brad Weston, presidente de New Regency , quien aceptó la oferta. [20] Cuando la ejecutiva Claudia Lewis de Searchlight se enteró del trato, lo reconsideró y pidió ser incluida en el trato. Searchlight y New Regency habían trabajado juntos anteriormente para financiar 12 Years a Slave , y decidieron unirse para Birdman , financiando un presupuesto de $ 16,5 millones. [2]
Weston y Lewis desarrollaron una relación cercana con Iñárritu, editando el guión con él y cambiando a algunos de los actores. Cuando se unieron a la producción, Josh Brolin estaba listo para interpretar el papel de Mike Shiner, pero los financieros decidieron cambiarlo por Norton debido a conflictos de programación. [2]
Dijo que la experiencia de Norton como actor de teatro, combinada con su confianza en sí mismo, significaba que "en cierto modo, Edward tenía una especie de realidad mental", [17] pero Norton cree que fue él quien convenció a Iñárritu de que lo llevara. en. Norton era un fanático del trabajo del director y estaba impresionado con su capacidad para traspasar los límites de la realización cinematográfica. [21] Norton se enteró del proyecto de Iñárritu a través de un amigo. Una vez que recibió el guión, lo leyó de principio a fin hasta las 3:00 am. Norton dijo: "Me reí tanto que desperté a la gente". [22] Norton quería conocer a Iñárritu al día siguiente, y una vez que se conocieron, Norton le dijo que no podía elegir a alguien que fuera la "encarnación" de lo que apuntaba el guión. En cambio, el director necesitaba contratar a alguien "que tenga al menos un poco de auténtica profundidad de experiencia en este mundo". Iñárritu estuvo de acuerdo. [23]
Ryan, uno de los últimos actores en ser elegidos, [24] fue invitado porque Iñárritu la había visto en la obra Detroit . [25] Lindsay Duncan también tenía una vasta experiencia en el mundo del teatro y decidió aceptar la oferta de interpretar a la crítica debido a la calidad del guión. "Es delicioso por la escritura". [26] Pero al igual que el personaje de Shiner, a Iñárritu le resultó difícil elegir a Laura. Riseborough se reunió con él en una esquina para tomar una taza de té y, recordando el evento, dijo: "Le dije que me arrastraría por las brasas para trabajar con él". [27] Iñárritu describió a Laura como "un papel muy loco y peculiar", pero dijo, "cuando [Andrea Riseborough] lo hizo, supe que era ella, porque lo hizo bien en el tono y entendió quién era. - ella no estaba juzgando ". [17]
Ensayo y filmación
Una vez terminada la escritura, Iñárritu se puso en contacto con su amigo y director de fotografía Emmanuel Lubezki para discutir su idea para la película. [28] Después de leer el guión, Lubezki estaba preocupado de que Iñárritu le ofreciera el trabajo ya que Birdman "tenía todos los elementos de una película que yo no quería hacer en absoluto" - comedia, trabajo de estudio y tomas largas - pero cambió su mente después de una nueva discusión con el director. [29] La pareja había trabajado juntos en comerciales y un cortometraje en la antología To Each His Own Cinema , [30] pero no en ningún largometraje. Lubezki quería asegurarse de que esta era una decisión con la que Rodrigo Prieto , director de fotografía de los cuatro largometrajes de Iñárritu, se sentía cómodo, pero después de recibir su bendición, los dos se dirigieron a la preproducción. [29]
A Lubezki le preocupaba que no se hubiera rodado ninguna película de la forma en que lo imaginó Iñárritu, lo que significa que no habría material de referencia para buscar. Los dos decidieron que la única forma de aprender a filmarlo sería hacerlo ellos mismos, por lo que contrataron un almacén en Sony Studios, Los Ángeles, y construyeron un escenario proxy. [28] [31] La configuración fue mínima. Se utilizaron lonas y soportes en C para las paredes, mientras que la cinta y algunos muebles delimitaron las áreas. [28] [32] Usando una cámara y algunos suplentes, el dúo trabajó en la película para ver si era posible. [28] Al darse cuenta de que ningún teatro podía acomodar el intrincado trabajo de cámara que necesitaban, contrataron a Kaufman Astoria Studios en Nueva York. [33] Aún así, Iñárritu quería rodar en un teatro de Broadway, pero tendría que esperar hasta varias semanas después de los ensayos antes de conseguir el St. James Theatre . [34] Luego pasaron unos meses diseñando y haciendo "planos" de las tomas y bloqueando las escenas, usando los suplentes para leer y recorrer el guión. [29] La planificación fue precisa. Iñárritu dijo: "No había lugar para improvisar en absoluto. Cada movimiento, cada línea, cada puerta que se abre, absolutamente todo estaba ensayado". [31] Los actores comenzaron a ensayar una vez que se completó este trabajo preliminar: según Lubezki, hicieron las escenas con los actores "una vez que supimos cuál era el ritmo de las escenas". Describió el enfoque atípico "como una película al revés donde haces postproducción antes de la producción". [28]
Sé que Alejandro es muy inflexible en cuanto a mantener al conejo en el sombrero y no ser muy específico sobre cómo se filmó, pero diré que tomó mucho ensayo y fue muy específico ... No había el lujo de cortar lejos o editar alrededor de cualquier cosa. Sabías que cada escena se quedaba en la película y, como el teatro, esto era todo, esta era tu oportunidad de vivir esta escena.
- Emma Stone [35]
Los editores Douglas Crise y Stephen Mirrione participaron en el proyecto en esta etapa. Cuando Iñárritu le dijo a Mirrione que planeaba que Lubezki registrara las lecturas de la mesa y los ensayos, sugirió que los editaran inmediatamente para descubrir qué funcionaba y qué no funcionaba desde el principio. [36] La edición también permitió a los editores discutir cuestiones de ritmo con el director, [37] [38] como la posición de las transiciones noche-día y otros momentos de descanso en la película. [36] El diseñador de producción Kevin Thompson también estuvo presente y trazó un mapa de las escenas. [34] El trabajo de la cámara requería que muchos elementos del set se construyeran de cierta manera. Por ejemplo, el espejo de maquillaje y el escritorio de Riggan se construyeron para que la cámara viera su reflejo. [32] Thompson también tomó en consideración las necesidades del equipo, por ejemplo, diseñar las escaleras un poco más anchas para el tamaño de los pies del operador de Steadicam Chris Haarhoff. [39] Luego construyó una plantilla del set que construirían cuando estuvieran en Nueva York. [34] Los escritores también participaron en los ensayos, afinando el guión para "asegurarse de que la película fuera fluida y nunca se detuviera". [13]
Una vez que se resolvió la logística de las escenas y tuvieron el tiempo limitado, el equipo se dirigió a los estudios Kaufman para más ensayos, seguidos de la fotografía principal con sede exclusivamente en Nueva York durante la primavera de 2013. [40] Los estudios se utilizaron para filmar las áreas detrás del escenario de la película, incluido el camerino de Riggan y los pasillos del teatro. St. James Theatre se utilizó durante dos semanas; era el lugar de las escenas escénicas. [41] Los segmentos de la barra se rodaron en The Rum House en la calle 47, [42] y la calle 43 se utilizó para la secuencia de acción. [43] La película no se pudo rodar cronológicamente debido a la programación del teatro. [44] En todas las ubicaciones, incluido el estudio, las escenas estaban iluminadas con luz natural, [b] ya que Lubezki quería que la película "se viera lo más naturalista posible". Las escenas nocturnas fueron posibles de filmar de esta manera debido al brillo de Nueva York. [29] Lubezki descubrió que iluminar las escenas era la parte más difícil de su trabajo en la película. La iluminación no solo tenía que parecer realista, sino que también tenía que diseñarse de modo que los movimientos continuos de la cámara no proyectaran las sombras del equipo sobre los actores. [28]
Durante todo el rodaje, se utilizaron cámaras Arri Alexa ; Se usó una Alexa M para secuencias portátiles y se conectó una Alexa XT a la Steadicam . Sin embargo, ninguno de los dos utilizó matteboxes . El operador de Steadicam, Chris Haarhoff, explicó esta decisión: "No queríamos que esta gran cosa negra se deslizara en su línea de ojos. De esta manera podríamos acercarnos mucho y hacer que la luz pasara por la lente y llegara al rostro del actor". [39] Lubezki, que hacía todo el trabajo de cámara de mano [28] , había elegido la Alexa M porque la cámara era muy pequeña y le permitía entrar en espacios diminutos y cerca de los actores, [29] a veces filmando a dos pulgadas de distancia de Keaton. cara. [32] La cámara también permitió grabar durante un período tan largo - necesario para las tomas largas de la película - que Lubezki llegó a decir que la película habría sido imposible de hacer años antes. [29] Las cámaras se utilizaron con lentes Leica Summilux-C o Zeiss Master Primes. [39] Lubezki declaró que estos daban imágenes limpias, diciendo "Puedes tener todas estas luces en el marco y realmente no están causando un destello malo o cosas así". [29] En términos de tamaños, inicialmente probaron un 21 mm, pero esto no le dio a Iñárritu la "intimidad" que quería. En cambio, el equipo se dirigió a una Leica de 18 mm, que se utilizó para la mayor parte de la película. Solo cuando se necesitaba énfasis, cambiaban la lente a 14 mm, pero esto era raro. [39]
A pesar de toda la preparación, un día típico de rodaje comenzaría con ensayos. Por lo general, duraban la mayor parte de la mañana, después de lo cual seguían las fotografías. [44] La meticulosa sincronización de las escenas hizo que las tomas se cancelaran debido a los más mínimos contratiempos. Emma Stone, en una entrevista con Jimmy Fallon , recordó cómo una toma de seis minutos de la escena en la que Riggan se encuentra por primera vez con Mike se arruinó después de que ella dio la vuelta a una esquina demasiado rápido. [45] Las tomas también se repetían si el ritmo de una escena no le parecía bien a Iñárritu, o si él y Lubezki no estaban satisfechos con el encuadre de una toma. [28] A medida que avanzaba el rodaje, las líneas de diálogo también se eliminarían, dando a Iñárritu más opciones durante la postproducción. [36] Debido a esto, el número de tomas para una escena dada era alto, por lo general veinte para las escenas más cortas, [28] las tomas transcurrían sin problemas alrededor de la decimoquinta. [39] Chris Haarhoff lo describió como "un tipo de baile en el que, con suerte, todos intentarían alcanzar el pico en el mismo momento". Las ubicaciones a veces también imponían restricciones a las tomas; la secuencia en vivo de Times Square se filmó solo dos veces ya que no querían atraer la atención de los turistas. [28]
Siempre que se producía un rodaje, todos los involucrados estaban presionados, pero el elenco tuvo una experiencia positiva. Norton dijo que normalmente en la producción de películas la mitad de la gente puede "darse cuenta" debido a aspectos repetitivos, pero durante el rodaje de Birdman , "todo el mundo está al tanto, todo el asunto, y todos están en alfileres y agujas porque todos están confiando a otras cuarenta personas a no dejar caer la pelota ". Debido a esto, Stone dijo que el director pudo sacar lo mejor del elenco, diciendo que el proceso de Iñárritu "crea este tipo de furia en ti, y luego terminas dándote cuenta de que él sacó tanto de ti que tú no". ni siquiera sé que lo habías hecho ". [18] Naomi Watts comentó que la atmósfera "se sentía emblemática de cómo se siente en el escenario, al menos mis recuerdos de hace mucho tiempo". [46] Andrea Riseborough, por su parte, describió el proceso como "maravilloso", mencionando cómo era posible escuchar la filmación de una secuencia desde lejos antes de que llegara la cámara, y luego "la magia sucede contigo, y luego todo te deja , y todo está en silencio ". [35] Sin embargo, una vez que completaron con éxito una toma, fue obvio para todos los involucrados. Norton dijo: "Nunca, nunca he estado en un set donde cada día terminaba con una enorme y auténtica alegría por haberlo logrado. Estás esperando el grito de [Iñárritu], y todos estaban realmente emocionados". [21]
Música y banda sonora
Los segmentos musicales originales de la película son una partitura de batería compuesta íntegramente por actuaciones de percusión de jazz en solitario de Antonio Sánchez . La partitura se compensa con una serie de piezas de música clásica muy conocidas, como Mahler y Tchaikovsky . Iñárritu no consideró importante la elección particular de piezas clásicas. [47] No obstante, la elección de la música clásica estuvo fuertemente orientada a partituras altamente melódicas tomadas predominantemente del repertorio clásico del siglo XIX (Mahler, Tchaikovsky, Rachmaninov, Ravel). Iñárritu afirmó que los componentes clásicos provienen del mundo de la obra, citando la radio en la habitación de Riggan y el espectáculo en sí como dos fuentes de la música. [48] Los segmentos de música clásica también incluyeron dos composiciones del compositor estadounidense John Adams . Varias composiciones de jazz de Victor Hernández Stumpfhauser y Joan Valent contrarrestan la composición musical original de Sánchez. Sin embargo, las secciones de batería comprenden la mayor parte de la partitura y fueron compuestas por Sánchez. Iñárritu explicó la elección diciendo que ayudaron a estructurar las escenas, y que "La batería, para mí, fue una gran manera de encontrar el ritmo de la película ... En la comedia, el ritmo es el rey, y no tener las herramientas de edición para determinar el tiempo y el espacio, sabía que necesitaba algo que me ayudara a encontrar el ritmo interno de la película ". [49] [50]
Iñárritu se puso en contacto con su amigo y baterista de jazz Antonio Sánchez en enero de 2013, invitándolo a componer la banda sonora de la película. [51] Su reacción al escribir una banda sonora usando solo la batería fue similar a los pensamientos de Lubezki de filmar la película como una sola toma: "Fue una propuesta aterradora porque no tenía ningún punto de referencia sobre cómo lograr esto. No hay otra película que sé que tiene una puntuación como esta ". [52] Sánchez tampoco había trabajado en una película antes, [51] sin embargo, después de recibir el guión, compuso "temas rítmicos" para cada uno de los personajes. [53] Iñárritu buscaba el enfoque opuesto, sin embargo, prefiriendo la espontaneidad y la improvisación. [54] Sánchez luego esperó hasta que la producción se mudó a Nueva York antes de componer más, [53] donde visitó el set durante un par de días para tener una mejor idea de la película. [54] A continuación, una semana antes de la fotografía principal, él e Iñárritu fueron a un estudio para grabar algunas maquetas. [48] [55] Durante estas sesiones, el director primero le hablaba a través de la escena, luego, mientras Sánchez improvisaba, lo guiaba levantando la mano para indicar un evento, como un personaje abriendo una puerta, o describiendo el ritmo con palabras. sonidos. [55] [56] Grabaron alrededor de setenta demos, [53] que Iñárritu usó para informar el ritmo de las escenas en el set, [28] y una vez que se completó la filmación, las unió en el montaje preliminar. [55] Sánchez resumió el proceso diciendo: "La película se alimentaba de los tambores y los tambores se alimentaban de las imágenes". [54] La banda sonora oficial fue lanzada en CD (77 min) en octubre de 2014 y como LP (69 min) en abril de 2015. [57]
Cuando la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas publicó su lista para el Premio de la Academia a la Mejor Música Original en diciembre de 2014, Birdman no estaba en la lista. El día anterior, Sánchez recibió una nota del comité de premios explicando la decisión, citando la regla quince de las 87 Reglas de los Premios de la Academia, señalando "el hecho de que la película también contiene más de media hora de pistas musicales no originales (en su mayoría clásicas). que aparecen de manera muy destacada en numerosos momentos cruciales de la película, dificultaron que el comité aceptara su presentación ". Sánchez lanzó un llamamiento y, junto con Iñárritu y el vicepresidente ejecutivo de Fox Music , enviaron cartas a Charles Fox, presidente del comité ejecutivo de la rama musical de la Academia, pidiendo que el comité reconsidere su decisión. [58] Uno de los puntos que plantearon fue que el comité calculó incorrectamente la relación entre música clásica y original, que tras ser aclarada Sánchez pensó que estaba "en un terreno realmente sólido". [59] Una respuesta de Fox el 19 de diciembre, sin embargo, explicó que se llevó a cabo una reunión especial del comité de música, y aunque sus miembros tenían un "gran respeto" por la partitura y la consideraban "excelente", pensaban que la música clásica "También se utilizó como partitura", "contribuye igualmente a la eficacia de la película", y que la identidad musical de la película fue creada tanto por la batería como por la música clásica. Al final, no revocaron su decisión. [58] Sánchez dijo que él e Iñárritu no quedaron satisfechos con la explicación. [59]
Postproducción y efectos visuales
Birdman fue editado por Douglas Crise y Stephen Mirrione , quienes habían trabajado antes con el director en 21 Grams y Babel . Unir tomas fue, por supuesto, un componente crucial de la edición, pero Crise y Mirrione ya tenían experiencia en hacerlo. El director había incluido tomas que estaban unidas en películas anteriores, pero en estas, si los editores no pensaban que la costura funcionaba, tenían la capacidad de introducir cortes. Mirrione dijo que en Birdman Iñárritu había "soltado esa red de seguridad". [38] Debido a esto, los editores debían involucrarse en el proyecto desde el principio, [37] y durante la fotografía principal, Crise estaba en el set todos los días. (Mirrione estaba ocupada y no podía estar en Nueva York.) [36] Crise no estaba acostumbrado a estar en el set y dar retroalimentación, pero dijo que estaba feliz de que Iñárritu "lo sacara" de él, sabiendo que no tendrían mucho espacio para arreglar escenas más tarde, por lo que necesitaban hacerlo bien. [36] Para coser, además del director, Crise también discutió estrategias con Lubezki y Thompson, y las técnicas para pegar tomas juntas incluyeron panoramizar las paredes y los cuerpos de los actores. [60] Los editores estaban acostumbrados a poder ajustar el ritmo de una escena mediante el posicionamiento de cortes, por lo que sin esta herramienta se utilizó la música de Sánchez. El director le dio las grabaciones de Nueva York a Crise desde el principio para ayudar con el ritmo y le pidió que cortara la música de la película. Aún así, en términos del flujo de trabajo de edición, Crise lo describió como "bastante tradicional". Los editores cortaron la película juntos en Los Ángeles. [36] Unas semanas después de la filmación, estaban bastante avanzados en el corte y pasaron al modo de efectos visuales, donde afinaron las tomas. [44]
Siempre hablan de que cuando estás cortando una escena de baile, una coreógrafa no querría ningún corte porque está diseñando algo para ver todo el movimiento, y eso es lo que Alejandro estaba haciendo aquí.
- Stephen Mirrione [37]
Los efectos visuales de la película fueron creados por el estudio Rodeo FX de Montreal . Pasaron cuatro meses trabajando en la película, [61] y según el supervisor de efectos visuales Ara Khanikian "los efectos visuales tocaron el 90% de los fotogramas de la película". [62] Gran parte del trabajo fue sutil. Por ejemplo, uniendo tomas o creando el fondo para las ventanas en la escena del hospital. [62] Muchas tomas de la película muestran espejos, y se dedicó mucho trabajo a eliminar los reflejos del equipo de estos. Para lograr esto, el estudio creó una pintura mate digital 2.5D del entorno reflejado. Luego rotoscopiaron las partes del espejo que no contenían a los actores en primer plano y sus reflejos, y los reemplazaron con el entorno digital. [62] [63] Algunas de las tomas originales capturaron manchas y suciedad en los espejos, por lo que el estudio desarrolló una forma de extraerlas para poder pegarlas nuevamente en la película. También se construyó una pintura mate para los lapsos de tiempo de la noche y el día en la película, creada mediante el movimiento de fósforos y la reproyección de tomas de los edificios que presenta, capturados en diferentes momentos del día, juntos. [62] Rodeo FX también ajustó el ritmo de las escenas. Iñárritu exigió un "ritmo y fluidez muy precisos" para la película, por lo que el estudio tuvo que volver a acelerar gran parte de ella con curvas de distorsión temporal para adaptarse al ritmo que deseaba el director. [62]
Sin embargo, a diferencia de algunos de los ajustes más pequeños, la secuencia de vuelo requirió una preparación extensa. Iñárritu pasó tres semanas con Halon Entertainment para previsualizar la secuencia. [64] En Nueva York, Lubezki luego usó la coreografía de la previsualización para filmar las placas de fondo de la secuencia, [62] usando una cámara grúa en un camión. [61] Cuando se filmaron, Lubezki había montado cuatro cámaras GoPro en la lente de la cámara de película para capturar el entorno de luz a su alrededor. Más tarde, en un escenario verde en Montreal, utilizando una técnica que había desarrollado en Gravity , Lubezki iluminó Keaton con paneles LED que mostraban imágenes de alto rango dinámico del metraje circundante de Nueva York. Luego, los paneles iluminaron de manera realista a Keaton. Khanikian describió el efecto del proceso diciendo: "En lugar de usar iluminación estándar en la pantalla verde, [obtuvimos] el rebote rojo adecuado de los ladrillos rojos y el mismo color del cielo reflejado en la cabeza de Michael. Funcionó muy bien. " Rodeo FX luego completó las tomas finales. [62] La secuencia fue la última pieza que los editores insertaron en la película. Mirrione comentó que antes de que terminara la secuencia, "solo habían imaginado cómo se iba a sentir", pero una vez que se completó, "llevó la película a este nivel de éxtasis que me dejó absolutamente alucinado". [36]
El diseño de sonido de la película estuvo a cargo de Martín Hernández, quien ha trabajado en todos los largometrajes del director. El sonido de producción que le dieron a su equipo fue "sorprendentemente perfecto y limpio", por lo que no necesitaron dedicar mucho tiempo a ordenarlo. [65] Sin embargo, la falta de cortes visuales en la película significó una desviación de la forma habitual en que Hernández editaba el sonido. "Normalmente, a Alejandro le gusta, como él lo llama, 'el choque de los sonidos'. La cámara cambia de ángulo dentro de la escena y hay un cambio de todo: fondos, textura, diálogo. Obviamente, eso no funcionaría en Birdman porque aquí , todo fluye ". [65] Además, el sonido de los objetos en la película necesitaba coordinarse con su posición en la pantalla, una tarea no trivial, ya que la cámara casi siempre estaba en movimiento. [65] Hernández también ayudó a cortar las pistas de Sánchez, seleccionando y editando momentos de las grabaciones de Nueva York contra la película. [66] Cuando se volvieron a grabar las pistas en Los Ángeles, para "tener distancia, cercanía y resonancia", el equipo utilizó treinta y dos micrófonos para cada toma. Hernández describió el trabajo como "loco". [65] Un gran desafío del trabajo sonoro de postproducción fue diseñar el sonido de la audiencia del teatro, particularmente en la escena en la que Mike está borracho y sale de su personaje. Iñárritu sabía cómo quería que respondiera la audiencia, pero averiguar el sonido de su reacción tomó cuatro meses de trabajo de cinco diseñadores de sonido. [66] Hernández dijo que pensaba, para una película en general, que la narrativa creada por el sonido "provoca más 'explosiones'" que la creada por las imágenes, y que en Birdman , "Alejandro tiene el sonido explotando a lo largo de la película". [66]
El intermedio digital lo completó un equipo de Technicolor dirigido por Steven Scott. Habían colaborado previamente con Lubezki en Gravity , [67] pero necesitaban acercarse a Birdman de manera diferente debido al enfoque de disparo continuo. Según Scott, "nunca antes habíamos hecho algo así". [68] La sincronización del color tenía que hacerse de tal manera que las transiciones entre entornos con corrección de color fueran invisibles, en contraste con una película habitual donde las transiciones coinciden con cortes visibles. Para hacer esto, el equipo insertó sus propios cortes cada vez que la cámara estaba estacionaria y en medio de panorámicas y otros movimientos de la cámara. Luego idearon una forma de corregir el color de los cortes estacionarios y convertir los cortes en movimiento en una forma de disolución, permitiéndoles "hacer todas estas correcciones de color independientes, locas y complicadas que fluirían orgánicamente de uno a otro". Insertar los disolventes requirió métodos de rotoscopia que el software que Scott y su equipo estaban usando no tenían, pero un acuerdo empresarial entre Technicolor y el desarrollador del software llevó a la creación de una herramienta que Scott necesitaba. Para la sincronización del color en sí, una de las prioridades del equipo era hacer que las caras fueran lo más dimensionales y legibles posible. Esto requería, entre otras cosas, que se resaltaran los rostros, pero el trabajo de cámara en movimiento significaba que los mates utilizados en este proceso tenían que ser animados a mano. Lubezki proporcionaría notas sobre las áreas que quería rastrear, luego el equipo llevaría a cabo las animaciones. De todo el proceso, Iñárritu comentó que "todos estaban fuera de su zona de confort", mientras que Scott dijo que fue el proyecto de DI más desafiante de su carrera. [69]
Análisis y temas
El director ha enfatizado y defendido las diversas ambigüedades incluidas intencionalmente en la película: "Al final de la película, [se] puede interpretar de tantas formas como butacas haya en el teatro". [70] Muchos aspectos de la teoría cinematográfica se debatieron en relación con la película mediante revisiones críticas que incluyeron, entre otros temas, (a) género cinematográfico ; (b) ambigüedades de la trama intencionadas y no resueltas ; y (c) la compleja interacción de la vida personal de Riggan con su vida profesional como actor . Una breve lista de las diversas formas de género cinematográfico asociadas con la película ha incluido que se la denomine alternativamente una película de humor negro, una película de salud mental, una película de realismo /
Los temas de padre e hija en la película, retratados a través de la relación de Riggan y Samantha, fueron las partes "más difíciles" e importantes de la película de representar para los coguionistas Dinelaris y Giacobone, ya que ambos tuvieron experiencias similares dentro de sus familias involucrando sus propias relaciones con sus hijas. Cuando se les preguntó a los guionistas sobre el significado del final ambiguo que el director se negó a comentar, afirmaron que cualquier final cómico estaba completamente descartado. Los escritores también afirmaron que las reflexiones sobre la conclusión de la película no se concentraron directamente en Riggan o el personaje de Birdman tanto como en las vidas de los personajes supervivientes retratados en la película, en particular la interpretación de la hija de Riggan, Samantha. [73]
Al señalar la atracción temática entre la locura de Riggan o los superpoderes reales, Travis LaCouter de First Things escribe que "la importancia de estos poderes, reales o imaginarios, es evidente: son para Riggan lo que está más allá de las etiquetas, el núcleo de su genio y, porque él ve recurrir a ellos como una venta, la fuente de su gran angustia ". LaCouter concluye que "la peculiar profundidad de esta película está en cómo desafía al espectador a considerar la magia cotidiana que tendemos a ignorar, reprimir o resentir". [74]
Los críticos Barbara Schweizerhof y Matthew Pejkovici ven el tema central de la película como una crítica satírica del realismo teatral contemporáneo, con Pejkovici comparándolo loablemente con la película 8½ (1963) de Fellini . Como afirma Pejkovici: "Al igual que Fellini de 1960 [sic] clásica 8½ , de Iñárritu Birdman es una película muy íntima sobre el malestar de un artista, sin embargo, es épica, innovadora y ambiciosa en el enfoque Iñárritu capta la batalla del artista entre la ambición, admiración, y la celebridad. con un alcance y una habilidad asombrosos en forma de formato de una sola toma, mientras su cámara recorre los pasillos detrás del escenario, a través del escenario, en las concurridas calles de Nueva York y viceversa de una manera impresionante ". [75]
Temáticamente, Richard Brody también lo comparó con Opening Night (1977) de John Cassavetes . [76] Brody dijo que los actores jugaron en "la especie de naturalismo moderno, sin excentricidad de gesto, exceso de expresión o precisión elevada y formalista, que es el casual de negocios del cine contemporáneo". [76] Caryn James, del Wall Street Journal , comparó la historia con la de Don Quijote (quien se cree un caballero), ya que el personaje principal cree que es un superhéroe (el equivalente a un caballero en el siglo XXI). [77] Esta relación también fue destacada por la literatura académica. [78]
Lanzamiento
Birdman fue seleccionada como la película de apertura del 71º Festival Internacional de Cine de Venecia junto con la nueva película de Mohsen Makhmalbaf . [79] Un estreno limitado comenzó en cuatro cines norteamericanos el 17 de octubre de 2014, [80] [81] seguido de un estreno nacional en 857 cines el 14 de noviembre de 2014 [82].
Taquilla
Birdman recaudó $ 42,3 millones en América del Norte y $ 60,9 millones en otros territorios, para un total mundial de $ 103,2 millones, frente a un presupuesto de alrededor de $ 17 millones. [3]
La película ganó $ 424,397 durante su apertura limitada en América del Norte en cuatro cines en Nueva York y Los Ángeles el fin de semana del 17 de octubre de 2014, un promedio por teatro de $ 106,099, lo que la convierte en la 18a ganadora de todos los tiempos (octava entre películas de acción en vivo). películas) y clasificación Nº 20. [83] En el segundo fin de semana del 24 de octubre de 2014, Birdman ampliaron a 50 teatros y ganó $ 1,38 millones, lo que se traduce en un $ 27,593 promedio por ir al teatro. [84] La película se expandió a nivel nacional a 857 cines en el fin de semana del 14 de noviembre de 2014, recaudando $ 2,471,471, con un promedio por teatro de $ 2,884, y ocupando el puesto número 10. En el mismo fin de semana, Birdman recaudó $ 11,6 millones. [85]
La película se estrenó en México el 13 de noviembre de 2014, recaudando $ 628,915 en su primer fin de semana, y se estrenó en el Reino Unido el 2 de enero de 2015, recaudando $ 2,337,407 durante el fin de semana. [86] En el Reino Unido, Australia e Italia, la película recaudó $ 7,6 millones, $ 3,97 millones y $ 1,97 millones, respectivamente. [87]
respuesta crítica
En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación de aprobación del 91%, basada en 351 reseñas, y una calificación promedio de 8.50 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Un emocionante salto adelante para el director Alejandro González Iñárritu, Birdman es un ambicioso escaparate técnico impulsado por una historia en capas y destacadas actuaciones de Michael Keaton y Edward Norton". [88] En Metacritic , la película recibió un puntaje promedio ponderado de 87 sobre 100, basado en 58 críticos, lo que indica "aclamación universal". [89] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación promedio de "A–" en una escala de A + a F. [90] En 2015, la película fue nombrada como una de las 50 mejores películas de la década hasta ahora por The Guardian . [91]
Margaret Pomeranz y David Stratton de At the Movies elogiaron la escritura, la dirección, las interpretaciones y la cinematografía de la película. Stratton también describió la implementación de la partitura de percusión como "realmente emocionante", mientras que Pomeranz resumió: "Está realmente bellamente escrita y asombrosamente interpretada y bellamente hecha". Ambos le dieron a la película cinco estrellas, lo que convirtió a Birdman en la única película que recibió tal calificación por parte de los presentadores en 2014. [92] [93] En The New York Times , Manohla Dargis comparó al personaje principal con Ícaro , [94] el Figura mitológica griega que se estrelló hasta morir después de volar demasiado cerca del sol. También observó una referencia a Susan Sontag 's contra la Interpretación en el espejo vestidor. [94]
Richard Kolker comparó la película con La cuerda de Alfred Hitchcock (1948) y El Arca rusa de Alexander Sokurov (2002). Kolker concluye que Birdman es "una película sobre la actuación, la identidad, la transformación y los efectos misteriosos de los superhéroes, (y) está filmada para crear la ilusión de haber sido realizada en una toma continua. Al igual que con Rope , las ediciones están ocultas y el El resultado es un deslizamiento rítmico por la vida de un actor en busca de sí mismo, una búsqueda condenada desde el principio ". [95]
La recepción internacional de la película también fue muy elogiada. En Alemania, una calificación agregada de película en EPD Film le dio a la película una calificación de 3.4 sobre 5, basada en siete críticas. La crítica alemana Barbara Schweizerhof le dio a la película un 4 de 5 posibles estrellas, felicitando el virtuosismo satírico del director al hacer la película. En su reseña, Schweizerhof habló de la película como una invitación al espectador a volver a verla "una segunda y tercera vez", y elogió el logro técnico de representar una historia que representa "la corriente febril de la conciencia" de su personaje principal a lo largo de la película. . [96]
El trabajo de la cámara, que representa la mayor parte de la película como una toma continua, fue recibido con un gran reconocimiento por su ejecución y uso. La actuación fue ampliamente elogiada, particularmente Keaton, [97] [98] con Peter Debruge de Variety calificando la actuación como el "regreso del siglo". [99] Debruge describió la película como "una sátira consciente de sí mismo del mundo del espectáculo", y la llamó "un triunfo en todos los niveles creativos". [100] Robbie Collin de The Daily Telegraph calificó la película con 5/5 y elogió especialmente el uso de tomas largas por Emmanuel Lubezki , director de fotografía. [101] Richard Roeper le dio a la película una "A" y escribió que Keaton hizo un caso serio para una nominación al Premio de la Academia al Mejor Actor (que Keaton logró más tarde). [97]
Al escribir para The New Yorker , Richard Brody llamó a la película "Godardian", comparándola con Pierrot le Fou (1965), Every Man for Himself (1980), Alphaville (1965) y Germany Year 90 Nine Zero (1991), cuatro clásicos películas del director francés Jean-Luc Godard . [76] Sin embargo, sugirió que la película no alcanzó el mismo dominio cinematográfico, y agregó que "no es una buena idea que un cineasta se suba al ring con el Sr. Godard". [76] En sus comentarios críticos sobre la película, concluyó que la película "intercambia [d] en dicotomías fáciles y casuales de teatro versus cine y arte versus comercio" y "entrega [ed] una obra de drama completamente familiar y poco original" . [76] En otra reseña en The New Yorker que complementa por separado la reseña de Brody, Anthony Lane rechazó la sugerencia de la película de que los críticos cinematográficos están dispuestos a destruir películas, explicando: "Alguien podría haberle dicho a Iñárritu que los críticos, aunque a menudo significan, no son preventivos así, y que cualquiera que dijera, como Tabitha, 'Voy a destruir tu obra', antes de verla, no se quedaría mucho tiempo en el trabajo ". [102]
Algunas críticas fueron negativas. Richard Lawson, de Vanity Fair , calificó la película de "anticuada" y "engañosamente simple". [103] Scott Tobias, que escribe para The Dissolve , le dio a la película 1,5 estrellas. Él elogia la cinematografía de Lubezki por lograr "atrapar a los espectadores en una atmósfera de olla a presión mientras Riggan y sus jugadores luchan por mantenerse unidos", pero sugiere que Iñárritu es "incapaz de modulación", y que existe "una amargura hacia Birdman que Iñárritu no se puede convertir en ingenio ". [104]
Reconocimientos
En los 87 Premios de la Academia , Birdman ganó cuatro Premios de la Academia: Mejor Película , Mejor Director , Mejor Guión Original y Mejor Fotografía . Michael Keaton fue nominado a Mejor Actor , Edward Norton y Emma Stone fueron nominados en las categorías de Mejor Actuación de Reparto, y también recibió nominaciones por Edición de Sonido y Mezcla de Sonido. [105]
Keaton recibió su primer Globo de Oro , ganando como Mejor Actor en una Película - Musical o Comedia en la 72ª Entrega de los Globos de Oro . La película también ganó el Globo de Oro al Mejor Guión.
Diez listas principales
Birdman fue incluido en las listas de los diez mejores de muchos críticos. [106]
- 1 ° - Anne Thompson , Indiewire
- 1o - Garry Arnot, Perspectiva del cine
- Primero - Steve Persall, Tampa Bay Times
- 1 ° - Christy Lemire , RogerEbert.com
- 1 ° - Lisa Kennedy, Denver Post
- 1 ° - Kristopher Tapley, HitFix
- 1 ° - Steven Rea , el investigador de Filadelfia
- 1 ° - James Verniere, Boston Herald
- 2do - Bob Mondello , NPR
- 2do - Rafer Guzmán, Newsday
- 2do - Gregory Ellwood, HitFix
- 2do - Peter Travers , Rolling Stone
- 2do - Jocelyn Noveck, Associated Press
- 2do - Ann Hornaday, The Washington Post
- 2do - Bill Goodykoontz, República de Arizona
- 2do - Barbara Vancheri, Pittsburgh Post-Gazette
- 2do - Mick LaSalle y Leba Hertz, San Francisco Chronicle
- 2do - Jeffrey M. Anderson, examinador de San Francisco
- 3ro - Rene Rodríguez, Miami Herald
- 3º - Alci Rengifo, El corsario [107]
- 3 ° - Peter Debruge, Variedad
- 3 ° - Todd McCarthy , The Hollywood Reporter
- 3 ° - Christopher Orr , El Atlántico
- 3 ° - Betsy Sharkey, Los Angeles Times (empatado con The Grand Budapest Hotel )
- 4to - Gente
- 4to - Richard Roeper , Chicago Sun-Times
- 4 ° - Matthew Jacobs y Christopher Rosen, The Huffington Post
- 5 ° - Alison Willmore, BuzzFeed
- 6 ° - Lou Lumenick , New York Post
- 6to - Jessica Kiang, Indiewire
- 6º - David Ansen , The Village Voice [108]
- 6o - Peter Hartlaub, San Francisco Chronicle
- 7 - RogerEbert.com
- Séptimo - Jeff Baker, The Oregonian
- 7 ° - Glenn Kenny , RogerEbert.com
- 8 ° - Matt Mueller, Indiewire
- Noveno - Owen Gleiberman , BBC
- 9 - Chris Nashawaty, Entertainment Weekly
- 10 - Ty Burr , The Boston Globe
- 10 - Sasha Stone , premios diarios
- 10 - Richard Corliss , Time
- Top 10 (ordenados alfabéticamente) - David Denby , The New Yorker
- Top 10 (ordenados alfabéticamente) - Moira Macdonald, Seattle Times
- Top 10 (ordenados alfabéticamente) - Justin Lowe, Indiewire
- Top 10 (ordenados alfabéticamente) - Claudia Puig, USA Today
- Top 10 (ordenados alfabéticamente): Carrie Rickey , CarrieRickey.com
- Top 10 (en orden alfabético) - Stephen Whitty, The Star-Ledger
- Top 10 (en orden alfabético) - Joe Morgenstern , The Wall Street Journal
- Top 10 (ordenados alfabéticamente) - Joe Williams y Calvin Wilson, St. Louis Post-Dispatch
- Lo mejor de 2014 (enumerados alfabéticamente, no clasificados) - Manohla Dargis , The New York Times
Notas
- ↑ Dinelaris contribuyó con algunos de los primeros borradores, [7] Bo y Giacobone coescribieron la película.
- ^ Hubo una excepción, un 20K utilizado para simular la luz del día fuera de una ventana.
Referencias
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enlaces externos
- Birdman en IMDb
- Birdman en AllMovie
- Birdman en Box Office Mojo
- Birdman en Metacritic
- Birdman en Rotten Tomatoes