Buster Keaton

Joseph Frank Keaton (4 octubre 1895 a 1 febrero 1966), [1] conocido profesionalmente como Buster Keaton , era un americano actor, comediante, director de cine, productor, guionista y ejecutante del truco. [2] Es mejor conocido por sus películas mudas, en las que su marca registrada era la comedia física con una expresión constantemente estoica y sin expresión que le valió el apodo de "La gran cara de piedra". [3] [4] El crítico Roger Ebert escribió sobre el "período extraordinario de Keaton de 1920 a 1929" cuando "trabajó sin interrupción" en una serie de películas que lo convirtieron en "el mejor actor y director de la historia del cine". [4]

Buster Keaton
Busterkeaton edit.jpg
Nació
Joseph Frank Keaton

( 04/10/1895 )4 de octubre de 1895
Piqua, Kansas , Estados Unidos
Fallecido1 de febrero de 1966 (01/02/1966)(70 años)
Woodland Hills, Los Ángeles , California , EE. UU.
Lugar de enterramientoParque Memorial Forest Lawn (Hollywood Hills)
Ocupación
  • Actor
  • cómico
  • director
  • productor
  • guionista
  • ejecutante del truco
Años activos1899–1966
Esposos)
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​
( m.  1921; div.  1932) ​

Mae Scriven
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( m.  1933; div.  1936) ​

​
( m.  1940) ​
Niños2
Padres)

Su carrera decayó cuando firmó con Metro-Goldwyn-Mayer y perdió su independencia artística. Su esposa se divorció de él y él descendió al alcoholismo. Se recuperó en la década de 1940, se volvió a casar y revivió su carrera como artista cómico de honor por el resto de su vida, ganando un Premio Honorífico de la Academia en 1959.

Muchas de las películas de Keaton de la década de 1920 siguen siendo muy apreciadas, como Sherlock Jr. (1924), The General (1926) y The Cameraman (1928). [5] El General es ampliamente visto como su obra maestra: Orson Welles la consideró "la mejor comedia jamás realizada ... y quizás la mejor película jamás realizada". [6] [7] [8] [9]

En 1996, Entertainment Weekly reconoció a Keaton como el séptimo mejor director de cine, [10] y en 1999 el American Film Institute lo clasificó como la 21ª estrella masculina más grande del cine clásico de Hollywood. [11]

Vida temprana en el vodevil

Keaton nació en una familia de vodevil en Piqua, Kansas , [12] la pequeña ciudad donde estaba su madre, Myra Keaton (de soltera Cutler), cuando se puso de parto. Fue nombrado Joseph para continuar una tradición por parte de su padre (fue sexto en una línea que lleva el nombre de Joseph Keaton) [1] y Frank para su abuelo materno, que desaprobaba la unión de sus padres. Más tarde, Keaton cambió su segundo nombre a Francis. [1] Su padre era Joseph Hallie "Joe" Keaton , propietario de un espectáculo itinerante con Harry Houdini llamado Mohawk Indian Medicine Company, o Keaton Houdini Medicine Show Company, que actuaba en el escenario y vendía medicamentos patentados . [ cita requerida ] [13]

Buster, de seis años, y sus padres Myra y Joe Keaton, en una foto publicitaria de su acto de vodevil.

Según una historia que se repite con frecuencia, que puede ser apócrifa, [14] Keaton adquirió el apodo de Buster a la edad de aproximadamente 18 meses. Un amigo actor llamado George Pardey estuvo presente un día cuando el joven Keaton se cayó por un largo tramo de escaleras sin lesionarse. Después de que el bebé se sentó y se sacudió la experiencia, Pardey comentó: "¡Es un cazador regular!" [15] Después de esto, el padre de Keaton comenzó a usar el apodo para referirse al joven. Keaton volvió a contar la anécdota lo largo de los años, incluso en una entrevista de 1964 con el CBC 's Telescopio . [16] En el recuento de Keaton, tenía seis meses cuando ocurrió el incidente, y Harry Houdini le dio el apodo. [15]

A la edad de tres años, Keaton comenzó a actuar con sus padres en The Three Keatons. Apareció por primera vez en el escenario en 1899 en Wilmington, Delaware . El acto fue principalmente un sketch de comedia. Myra tocaba el saxofón a un lado, mientras que Joe y Buster actuaban en el centro del escenario. El joven Keaton incitó a su padre al desobedecerlo, y el mayor Keaton respondió arrojándolo contra el escenario, al foso de la orquesta o incluso al público. El asa de una maleta estaba cosida en la ropa de Keaton para ayudar con el constante movimiento. El acto evolucionó a medida que Keaton aprendió a realizar caídas de truco de forma segura; Rara vez resultó herido o magullado en el escenario. Este estilo de comedia impactante dio lugar a acusaciones de abuso infantil y, en ocasiones, al arresto. Sin embargo, Buster siempre pudo demostrar a las autoridades que no tenía hematomas ni huesos rotos. Finalmente fue catalogado como "El niño pequeño que no puede ser dañado", y el acto general como "El acto más rudo que ha existido en la historia del escenario". [17] Décadas más tarde, Keaton dijo que su padre nunca lo lastimó y que las caídas y la comedia física eran una cuestión de ejecución técnica adecuada. En 1914, le dijo al Detroit News : "El secreto está en aterrizar flojo y frenar la caída con un pie o una mano. Es un truco. Empecé tan joven que aterrizar bien es una segunda naturaleza para mí. Varias veces habría me mataron si no hubiera podido aterrizar como un gato. Los imitadores de nuestro acto no duran mucho, porque no soportan el tratamiento ". [17]

Keaton afirmó que se había divertido tanto que a veces se echaba a reír cuando su padre lo arrojaba por el escenario. Al darse cuenta de que esto hacía que la audiencia se riera menos, adoptó su famosa expresión inexpresiva al actuar. [18]

La ley chocó contra las leyes que prohíben a los niños intérpretes o ejecutantes en el vodevil. Según un biógrafo, Keaton fue obligado a ir a la escuela mientras actuaba en Nueva York, pero solo asistió una parte de un día. [19] A pesar de los líos con la ley y una desastrosa gira por los salones de música del Reino Unido, Keaton era una estrella en ascenso en el teatro. Afirmó que aprendió a leer y escribir tarde y que su madre le enseñó. Cuando tenía 21 años, el alcoholismo de su padre amenazó la reputación del acto familiar, [17] por lo que Keaton y su madre, Myra, se fueron a Nueva York, donde la carrera de Buster pasó rápidamente del vodevil al cine. [20]

Keaton servido en las fuerzas expedicionarias americanas en Francia con el ejército de Estados Unidos 's división de infantería 40a durante la Primera Guerra Mundial . Su unidad permaneció intacta y no se dividió para proporcionar reemplazos, como sucedió con algunas otras divisiones que llegaron tarde. Durante su tiempo en uniforme, sufrió una infección de oído que le afectó permanentemente la audición. [21] [22]

Película

Era del cine mudo

Póster de teatro para Convict 13 (1920)
"> Reproducir medios
REPRODUZCA un clip del comienzo de Cops (1922); tiempo de ejecución 00:01:42.

Keaton pasó los veranos de 1908-1916 "en la 'Actor's Colony' en el barrio Bluffton de Muskegon , junto con otros famosos vodevilianos". [23]

En febrero de 1917, conoció a Roscoe "Fatty" Arbuckle en los Talmadge Studios en la ciudad de Nueva York, donde Arbuckle tenía un contrato con Joseph M. Schenck . Joe Keaton desaprobaba las películas y Buster también tenía reservas sobre el medio. Durante su primer encuentro con Arbuckle, se le pidió que se lanzara y comenzara a actuar. Buster fue tan natural en su primera película, The Butcher Boy , que fue contratado en el acto. Al final del día, pidió prestada una de las cámaras para tener una idea de cómo funcionaba. Llevó la cámara a su habitación de hotel, donde la desmanteló y volvió a montar por la mañana. [24] Keaton afirmó más tarde que pronto fue el segundo director de Arbuckle y todo su departamento de mordazas. Apareció en un total de 14 pantalones cortos de Arbuckle, hasta 1920. Eran populares y, contrariamente a la reputación posterior de Keaton como "La Gran Cara de Piedra", a menudo sonreía e incluso se reía con ellos. Keaton y Arbuckle se hicieron amigos cercanos, y Keaton fue una de las pocas personas, junto con Charlie Chaplin , que defendió el personaje de Arbuckle durante las acusaciones de que era responsable de la muerte de la actriz Virginia Rappe . (Arbuckle fue finalmente absuelto, con una disculpa del jurado por la terrible experiencia que atravesó. [25] )

En 1920, se estrenó The Saphead , en la que Keaton tuvo su primer papel protagónico en un largometraje. Se basó en una obra de teatro exitosa, The New Henrietta , que ya había sido filmada una vez, bajo el título The Lamb , con Douglas Fairbanks como protagonista. Fairbanks recomendó a Keaton que asumiera el papel de la nueva versión cinco años después, ya que la película iba a tener un sesgo cómico.

Después del exitoso trabajo de Keaton con Arbuckle, Schenck le dio su propia unidad de producción, Buster Keaton Productions. Hizo una serie de comedias de dos carretes, entre ellas One Week (1920), The Playhouse (1921), Cops (1922) y The Electric House (1922). Keaton luego pasó a las funciones completas.

Keaton (centro) en 1923 con (desde la izquierda) los escritores Joe Mitchell, Clyde Bruckman , Jean Havez y Eddie Cline

Los escritores de Keaton incluyeron a Clyde Bruckman , Joseph Mitchell y Jean Havez , pero los chistes más ingeniosos fueron generalmente concebidos por el propio Keaton. Director de comedias Leo McCarey , recordando los días de rueda libre de hacer payasadas comedias, dijo: "Todos los que trató de robar el uno al otro de gagmen. Pero no tuvimos suerte con Keaton, porque pensaba hasta sus mejores gags a sí mismo y que no podría robar él ! " [26] Las ideas más aventureras requerían acrobacias peligrosas, realizadas por Keaton con gran riesgo físico. Durante la escena del tanque de agua del ferrocarril en Sherlock Jr. , Keaton se rompió el cuello cuando un torrente de agua cayó sobre él desde una torre de agua, pero no se dio cuenta hasta años después. Una escena de Steamboat Bill, Jr. requirió que Keaton se quedara quieto en un lugar en particular. Luego, la fachada de un edificio de dos pisos se derrumbó sobre Keaton. El personaje de Keaton salió ileso, debido a una única ventana abierta. El truco requería precisión, porque la casa de utilería pesaba dos toneladas y la ventana solo ofrecía unos pocos centímetros de espacio alrededor del cuerpo de Keaton. La secuencia proporcionó una de las imágenes más memorables de su carrera. [27]

Keaton con Roscoe Arbuckle y Al St. John en alambique de Out West (1918)

Aparte de Steamboat Bill, Jr. (1928), los largometrajes más perdurables de Keaton incluyen Our Hospitality (1923), The Navigator (1924), Sherlock Jr. (1924), Seven Chances (1925), The Cameraman (1928), y El general (1926). The General , ambientada durante la Guerra Civil estadounidense , combinó la comedia física con el amor de Keaton por los trenes, incluida una épica persecución de locomotoras. Empleando lugares pintorescos, la historia de la película recreaba un incidente de guerra real . Aunque llegaría a ser considerado como el mayor logro de Keaton, la película recibió críticas mixtas en ese momento. Era demasiado dramático para algunos espectadores que esperaban una comedia ligera, y los críticos cuestionaron el juicio de Keaton al hacer una película de comedia sobre la Guerra Civil, aunque señalaron que tuvo "algunas risas". [28]

Fue una falla costosa, y Keaton nunca más se le confió el control total sobre sus películas. Su distribuidor, United Artists , insistió en un director de producción que supervisara los gastos e interfiriera con ciertos elementos de la historia. Keaton soportó este tratamiento por dos largometrajes más, y luego cambió su configuración independiente por un empleo en el estudio más grande de Hollywood, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La pérdida de independencia de Keaton como cineasta coincidió con la llegada de las películas sonoras (aunque estaba interesado en hacer la transición) y problemas personales crecientes, y su carrera en la era del sonido temprana se vio afectada como resultado. [29]

Era del sonido

Con Charlotte Greenwood en uno de sus primeros "talkies", Parlor, Bedroom and Bath (1931)

Keaton firmó con Metro-Goldwyn-Mayer en 1928, una decisión comercial que luego llamaría la peor de su vida. Se dio cuenta demasiado tarde de que el sistema de estudio que representaba MGM limitaría gravemente su aportación creativa. Por ejemplo, el estudio rechazó su solicitud de hacer su primer proyecto, Spite Marriage , como una película sonora y después de que el estudio se convirtió, se vio obligado a adherirse a guiones cargados de diálogos. Sin embargo, MGM permitió a Keaton alguna participación creativa en su última película muda originalmente desarrollada / escrita The Cameraman , 1928, que fue su primer proyecto bajo contrato con ellos, pero contrató a Edward Sedgwick como director oficial.

Keaton, Thelma Todd y Jimmy Durante en Habla con facilidad (1932)

Keaton se vio obligado a usar un doble de acción durante algunas de las escenas más peligrosas, algo que nunca había hecho en su apogeo, ya que MGM deseaba desesperadamente proteger su inversión. "Los especialistas no se ríen", había dicho Keaton. Algunas de sus películas más exitosas económicamente para el estudio se realizaron durante este período. MGM intentó unir al lacónico Keaton con el bullicioso Jimmy Durante en una serie de películas, The Passionate Plumber , Speak Easily y What! ¿No cerveza? [30] Este último sería el último largometraje protagonista de Keaton en su país de origen. Las películas resultaron populares. (Treinta años después, Keaton y Durante tuvieron un cameo en It's a Mad Mad Mad Mad World , aunque no en las mismas escenas).

En las primeras imágenes de Keaton con sonido, él y sus compañeros actores filmarían cada escena tres veces: una en inglés, una en español y una en francés o alemán . Los actores memorizarían fonéticamente los guiones en idiomas extranjeros, unas pocas líneas a la vez, y filmarían inmediatamente después. Esto se discute en el documental de TCM Buster Keaton: So Funny it Hurt , con Keaton quejándose de tener que filmar películas pésimas no solo una, sino tres veces.

Keaton estaba tan desmoralizado durante la producción de What! ¿No cerveza? que MGM lo despidió después de que se completó la filmación, a pesar de que la película fue un éxito rotundo. En 1934, Keaton aceptó una oferta para hacer una película independiente en París, Le Roi des Champs-Élysées . Durante este período, realizó otra película, en Inglaterra, The Invader (estrenada en Estados Unidos como An Old Spanish Custom en 1936). [30]

Imágenes educativas

Tras el regreso de Keaton a Hollywood en 1934, regresó a la pantalla en comedias de dos carretes para Educational Pictures . La mayoría de estas 16 películas son comedias visuales simples, con muchas de las bromas proporcionadas por el mismo Keaton, a menudo reciclando ideas de su acto de vodevil familiar y sus películas anteriores. [31] El punto culminante de la serie educativa es Grand Slam Opera (1936), que presenta a Buster en su propio guión como concursante de una hora amateur.

Escritor mordaza

Cuando la serie Educativa caducó en 1937, Keaton regresó a MGM como escritor de bromas, proporcionando material para las últimas tres películas de los hermanos Marx , At the Circus (1939), Go West (1940) y The Big Store (1941); estos no fueron tan artísticamente exitosos como las funciones anteriores de MGM de Marx.

Fotos de Columbia

En 1939, Columbia Pictures contrató a Keaton para protagonizar 10 comedias de dos carretes; la serie duró dos años y comprende su última serie como comediante protagonista. El director solía ser Jules White , cuyo énfasis en la payasada y la farsa hizo que la mayoría de estas películas se parecieran a los famosos cortometrajes de White Three Stooges . El favorito personal de Keaton fue el debut de la serie, Pest from the West , una nueva versión más corta y ajustada de la película de 1934 poco vista de Keaton, The Invader ; no fue dirigida por White sino por Del Lord , un director veterano de Mack Sennett . Los cinéfilos y expositores dieron la bienvenida a las comedias de Keaton en Columbia, lo que demuestra que el comediante no había perdido su atractivo. Sin embargo, la insistencia del director White en bromas bruscas y violentas dio como resultado que los cortos de Columbia fueran las comedias menos inventivas que hizo. La última entrada fue She's Oil Mine (1941), una reelaboración de dos carretes de la película de Keaton de 1932 The Passionate Plumber . Columbia y White querían fichar a Keaton por más cortometrajes, pero el comediante se negó y resolvió que nunca volvería a "hacer otra mala película de dos carretes". [32]

1940 y largometrajes

La vida personal de Keaton se había estabilizado con su matrimonio en 1940 con la bailarina de MGM Eleanor Norris , y ahora se estaba tomando la vida un poco más fácil, abandonando Columbia por el campo menos extenuante de los largometrajes. Reanudando su trabajo diario como escritor de bromas de MGM, proporcionó material para Red Skelton [33] y dio ayuda y consejos a Lucille Ball . [34]

Keaton aceptó varios papeles de personajes en las funciones "A" y "B". Realizó su último largometraje protagonista El Moderno Barba Azul (1946) en México; la película fue una producción de bajo presupuesto y es posible que no se haya visto en los Estados Unidos hasta su lanzamiento en VHS en la década de 1980, bajo el título Boom in the Moon .

Los críticos redescubrieron a Keaton en 1949 y los productores lo contrataron ocasionalmente para películas de mayor "prestigio". Tuvo cameos en películas como In the Good Old Summertime (1949), Sunset Boulevard (1950) y La vuelta al mundo en 80 días (1956). En In the Good Old Summertime , Keaton dirigió personalmente a las estrellas Judy Garland y Van Johnson en su primera escena juntos, donde se encuentran en la calle. Keaton inventó fragmentos de comedia en los que Johnson sigue tratando de disculparse con Garland, pero termina arruinando su peinado y rasgando su vestido.

Keaton también apareció en una rutina de comedia sobre dos músicos etapa ineptas en Charlie Chaplin 's Limelight (publicado en 1952), recordando el vodevil de The Playhouse . Con la excepción de Seeing Stars , una película de publicidad menor producida en 1922, Limelight fue la única vez en la que los dos aparecerían juntos en una película.

Televisión y redescubrimiento

Keaton se quedó atascado en las vías del tren en Knott's Berry Farm en 1956

En 1949, el comediante Ed Wynn invitó a Keaton a aparecer en su programa de variedades y comedia de CBS Television , The Ed Wynn Show , que fue televisado en vivo en la costa oeste. Se fabricaron kinescopios para la distribución de los programas a otras partes del país, ya que no hubo cable coaxial transcontinental hasta septiembre de 1951. La reacción fue lo suficientemente fuerte como para que una estación local de Los Ángeles ofreciera a Keaton su propio programa, también transmitido en vivo, en 1950.

Life with Buster Keaton (1951) fue un intento de recrear la primera serie en película, lo que permitió que el programa se transmitiera a nivel nacional. La serie se benefició de una compañía de actores veteranos, incluida Marcia Mae Jones como la ingenua, Iris Adrian , Dick Wessel , Fuzzy Knight , Dub Taylor , Philip Van Zandt y sus contemporáneos de la era del cine mudo Harold Goodwin , Hank Mann y el doble de acción Harvey Parry. . La esposa de Buster Keaton, Eleanor, también apareció en la serie (en particular, como Julieta en el Romeo de Buster en una pequeña viñeta de teatro). El largometraje teatral Las desventuras de Buster Keaton se diseñó a partir de la serie. Keaton dijo que él mismo canceló la serie filmada porque no pudo crear suficiente material nuevo para producir un nuevo programa cada semana.

Las apariciones periódicas en televisión de Keaton durante las décadas de 1950 y 1960 ayudaron a reavivar el interés por sus películas mudas. Apareció en las primeras series de televisión de Faye Emerson's Wonderful Town . Siempre que un programa de televisión quería simular una comedia de película muda, Buster Keaton respondía a la llamada y participaba en series tan exitosas como The Ken Murray Show , You Asked for It , The Garry Moore Show y The Ed Sullivan Show . Ya bien entrado en los cincuenta, Keaton recreó con éxito sus viejas rutinas, incluida una maniobra en la que apoyó un pie sobre una mesa, luego balanceó el segundo pie junto a ella y mantuvo la posición incómoda en el aire por un momento antes de estrellarse contra el piso del escenario. . Garry Moore recordó: "Le pregunté (a Keaton) cómo hizo todas esas caídas y me dijo: 'Te lo mostraré'. Se abrió la chaqueta y estaba todo magullado. Así es como lo hizo, dolió, pero a uno le tenía que preocupar lo suficiente como para que no le importara ".

Keaton como viajero en el tiempo en el episodio de Twilight Zone de 1961 " Once Upon a Time "

Películas mudas revividas

En 1954, Buster y Eleanor Keaton conocieron al programador de cine Raymond Rohauer , con quien desarrollaron una sociedad comercial para volver a estrenar sus películas. El actor James Mason compró la casa de los Keaton y encontró numerosas latas de películas, entre las que se encontraba el clásico perdido de Keaton, The Boat . [35] Keaton tenía impresiones de las películas Three Ages , Sherlock Jr. , Steamboat Bill, Jr. y College (falta un carrete), y los cortos "The Boat" y " My Wife's Relations ", que luego Keaton y Rohauer transfirieron. a la película de acetato de celulosa debido al deterioro de la película de nitrato . [36]

Con Joe E. Brown en el episodio de la Ruta 66 de 1962 "Journey to Nineveh"

Desde 1950 hasta 1964, Keaton hizo alrededor de 70 apariciones como invitado en programas de variedades de televisión, incluidos los de Ed Sullivan y Garry Moore. [37] Keaton también encontró un trabajo estable como actor en comerciales de televisión para Colgate, Alka-Seltzer, US Steel, 7-Up, RCA Victor, Phillips 66, Milky Way, Ford Motors, Minute Rub y Budweiser, entre otros. [38] En una serie de comerciales de televisión mudos para Simon Pure Beer hechos en 1962 por Jim Mohr en Buffalo, Nueva York , Keaton revisó algunos de los chistes de sus días en el cine mudo. [39]

El 3 de abril de 1957, Ralph Edwards sorprendió a Keaton para el programa semanal de NBC This Is Your Life . El programa también promovió el lanzamiento de la película biográfica The Buster Keaton Story con Donald O'Connor . [40] En diciembre de 1958, Keaton fue una estrella invitada en el episodio "A Very Merry Christmas" de The Donna Reed Show en ABC. Regresó al programa en 1965 en el episodio "Ahora lo ves, ahora no". [41] En agosto de 1960, Keaton interpretó al Rey Sextimus el Silencioso mudo en la compañía de gira nacional del musical de Broadway Once Upon A Mattress . [42] en 1960, regresó a MGM por el tiempo final, jugando un domador en una adaptación 1960 de Mark Twain 's las aventuras de Huckleberry Finn . Gran parte de la película se rodó en locaciones en el río Sacramento , que se duplicó para el escenario del río Mississippi del libro de Twain. [43] En 1961, protagonizó el episodio " Once Upon a Time " de The Twilight Zone , que incluía secuencias tanto mudas como sonoras. Trabajó con el comediante Ernie Kovacs en un piloto de televisión titulado provisionalmente "Medicine Man", filmando escenas el 12 de enero de 1962, el día antes de que Kovacs muriera en un accidente automovilístico. "Medicine Man" se completó pero no se emitió. [44]

Mientras tanto, la carrera de Keaton en la pantalla grande continuó. Tuvo un cameo como Jimmy, apareciendo cerca del final de la película It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963). Jimmy ayuda al personaje de Spencer Tracy , el Capitán CG Culpepper, preparando el barco finalmente no utilizado de Culpepper para su fallida huida. (La versión restaurada de esa película, lanzada en 2013, contiene una escena en la que Jimmy y Culpeper hablan por teléfono. Perdido después de la exposición " roadshow " de la comedia épica, se descubrió el audio de esa escena y se combinó con imágenes fijas para recrear la escena.)

Keaton protagonizó cuatro películas para American International Pictures: Pajama Party de 1964 y Beach Blanket Bingo de 1965 , How to Stuff a Wild Bikini y Sergeant Deadhead . El director William Asher recordó:

Siempre amé a Buster Keaton… Me traía bits y rutinas. Él decía: "¿Qué tal esto?" y sería simplemente este maravilloso e inventivo material. [45]

En 1965, Keaton protagonizó el cortometraje The Railrodder para la National Film Board of Canada . Viajó de un extremo a otro de Canadá en un auto de mano motorizado, vistiendo su tradicional sombrero de pastel de cerdo y haciendo bromas similares a las de las películas que hizo 50 años antes. La película también se destaca por ser su última actuación en pantalla muda. [46] Él jugó un papel central en Samuel Beckett 's Film (1965), dirigida por Alan Schneider . También en 1965, viajó a Italia para interpretar un papel en Due Marines e un Generale , coprotagonizada por Franco Franchi y Ciccio Ingrassia .

En 1965 apareció en el especial de televisión de CBS A Salute to Stan Laurel , un tributo al comediante y amigo de Keaton que había muerto a principios de ese año.

La última aparición en una película comercial de Keaton fue en A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1966), que se filmó en España en septiembre-noviembre de 1965. Asombró al elenco y al equipo al hacer muchas de sus propias acrobacias, aunque Thames Television dijo que su salud cada vez más enferma obligó al uso de un doble de acción para algunas escenas. Su última aparición en la película fue en The Scribe , una película de seguridad de 1966 producida en Toronto por las Asociaciones de Seguridad en la Construcción de Ontario: murió poco después de completarla. [47]

Uso de parodia

Gilbert Roland (izquierda) con Keaton en San Sebastián , España , agosto de 1930

Keaton comenzó a experimentar con la parodia durante sus años de vodevil, donde con mayor frecuencia sus actuaciones incluían impresiones y burlescos de los actos de otros artistas. La mayoría de estas parodias tenían como objetivo actos con los que Keaton había compartido el proyecto de ley. [48] Cuando Keaton traspuso su experiencia en el vodevil al cine, en muchas obras parodió melodramas. [48] Otros objetivos favoritos eran tramas, estructuras y dispositivos cinematográficos. [49]

Una de sus parodias más mordaces es The Frozen North (1922), una versión satírica de los melodramas occidentales de William S. Hart , como Hell's Hinges (1916) y The Narrow Trail (1917). Keaton parodió la fórmula cansada de la transformación melodramática de chico malo a chico bueno, a través de la cual pasó el personaje de Hart, conocido como "el bueno malo". [50] Lleva una versión pequeña del sombrero de campaña de Hart de la Guerra Hispanoamericana y un revólver de seis tiros en cada muslo, y durante la escena en la que dispara a la vecina y a su esposo, reacciona con gruesas lágrimas de glicerina, una marca registrada de Hart. [51] El público de la década de 1920 reconoció la parodia y pensó que la película era histéricamente divertida. Sin embargo, al propio Hart no le divirtieron las payasadas de Keaton, particularmente la escena del llanto, y no habló con Buster durante dos años después de haber visto la película. [52] Los intertítulos iniciales de la película le dan un tono fingido y serio, y están tomados de " The Shooting of Dan McGrew " de Robert W. Service . [52]

En The Playhouse (1921), parodió a su contemporáneo Thomas H. Ince , el productor de Hart, quien se complacía en sobre-acreditarse a sí mismo en sus producciones cinematográficas. El corto también presentó la impresión de un mono que probablemente se derivó del acto de un co-facturador (llamado Pedro el Grande ). [48] tres edades (1923), su primera película de largometraje, es una parodia de DW Griffith 's Intolerancia (1916), de la que se replica la estructura de pantalones cortos tres inter-corte. [48] Three Ages también incluyó parodias de historias bíblicas, como las de Sansón y Daniel . [50] Keaton dirigió la película, junto con Edward F. Cline .

Lenguaje corporal

Audio externo
audio icon Entrevista de PLAY con Buster Keaton ; tiempo de ejecución 00:37:58; Studs Terkel Radio Archive , 5 de septiembre de 1960.

El crítico de cine David Thomson describió más tarde el estilo de comedia de Keaton: "Buster claramente es un hombre inclinado a creer en las matemáticas y el absurdo ... como un número que siempre ha estado buscando la ecuación correcta. Mire su rostro, tan hermoso pero tan inhumano como una mariposa, y ves ese absoluto fracaso para identificar el sentimiento ". [53] Gilberto Pérez comentó sobre "el genio de Keaton como actor para mantener un rostro tan inexpresivo y, sin embargo, convertirlo, con inflexiones sutiles, tan vívidamente expresivo de la vida interior. Sus ojos grandes y profundos son el rasgo más elocuente; con solo una mirar fijamente, puede transmitir una amplia gama de emociones, desde el anhelo hasta la desconfianza, desde la perplejidad hasta la tristeza ". [54] El crítico Anthony Lane también señaló el lenguaje corporal de Keaton:

La postura tradicional de Buster requiere que permanezca erguido, lleno de espina dorsal, mirando hacia adelante ... [en El General ] se sube al techo de su locomotora y se inclina suavemente hacia adelante para escanear el terreno, con la brisa en su cabello y la aventura corriendo. hacia él en la siguiente curva. Es el ángulo que recuerdas: la figura perfectamente recta pero inclinada hacia adelante, como el espíritu del éxtasis en el capó de un Rolls-Royce ... [en Las tres edades ], conduce un automóvil de bajo grado sobre un bache en la carretera, y el coche simplemente se derrumba debajo de él. Vuelva a ejecutarlo en video y podrá ver a Buster montando el colapso como un surfista, colgando del volante, y descansando maravillosamente mientras se rompe la ola de escombros. [55]

El historiador de cine Jeffrey Vance escribió:

La comedia de Buster Keaton perdura no solo porque tenía un rostro que pertenece al Monte Rushmore, a la vez inquietantemente inamovible y clásicamente estadounidense, sino porque ese rostro estaba unido a uno de los actores y directores más talentosos que jamás haya aparecido en la pantalla. La comedia de Keaton, que se desarrolló a partir de la educación noqueadora del escenario de vodevil, es un torbellino de bromas divertidas, técnicamente precisas, hábilmente ejecutadas y sorprendentes, muy a menudo en un contexto de escenas y ubicaciones visualmente impresionantes, todo esto enmascarado detrás de su estoico e inquebrantable chapa. [56]

Keaton ha inspirado un estudio académico completo. [57]

Keaton con Natalie Talmadge y Joseph en 1922

El 31 de mayo de 1921, Keaton se casó con Natalie Talmadge , hermana de las actrices Norma Talmadge y Constance Talmadge . Ella co-protagonizó con él en Our Hospitality . La pareja tuvo hijos Joseph, llamado James [58] (2 de junio de 1922 - 14 de febrero de 2007), [59] y Robert (3 de febrero de 1924 - 19 de julio de 2009), [60] ambos de los cuales más tarde tomaron el apellido Talmadge. [61]

Tras el nacimiento de Robert, la relación empezó a resentirse. [14] Talmadge decidió no tener más hijos, y esto llevó a que la pareja se quedara en dormitorios separados. Su extravagancia financiera fue otro factor en la ruptura del matrimonio, ya que gastaría hasta un tercio de su salario en ropa. Keaton salió con la actriz Dorothy Sebastian a partir de la década de 1920 y con Kathleen Key [62] a principios de la de 1930. Después de intentos de reconciliación, Talmadge se divorció de él en 1932, tomando toda su fortuna [ cita requerida ] y negándose a permitir cualquier contacto entre él y sus hijos. [ cita requerida ] Keaton se reunió con ellos aproximadamente una década después, cuando su hijo mayor cumplió 18 años. [ cita requerida ]

Con el fracaso de su matrimonio y la pérdida de su independencia como cineasta, Keaton cayó en un período de alcoholismo. [14] En 1926, gastó $ 300,000 para construir una casa de 10,000 pies cuadrados (930 m 2 ) en Beverly Hills diseñada por el arquitecto Gene Verge Sr. , que luego fue propiedad de James Mason y Cary Grant . [63]

Keaton fue institucionalizado brevemente, según el documental de Turner Classic Movies So Funny it Hurt . Se escapó de una camisa de fuerza con trucos aprendidos de Harry Houdini . En 1933, se casó con su enfermera Mae Scriven durante una borrachera alcohólica de la que luego afirmó no recordar nada. Scriven afirmó que no conocía el nombre real de Keaton hasta después del matrimonio. Solicitó el divorcio en 1935 después de encontrar a Keaton con Leah Clampitt Sewell, la esposa del millonario Barton Sewell , [64] en un hotel en Santa Bárbara. Se divorciaron en 1936 [65] con un gran coste económico para Keaton. [66]

Keaton con su tercera esposa Eleanor en 1965

Keaton recibió grandes cantidades de alcohol y terapia de aversión. Dejó de beber durante cinco años. [67]

El 29 de mayo de 1940, Keaton se casó con Eleanor Norris (1918-1998), que era 23 años menor que él. A ella se le atribuye haber salvado su vida y su carrera. [68] El matrimonio duró hasta su muerte. Entre 1947 y 1954, la pareja apareció regularmente en el Cirque Medrano de París como un acto doble. Llegó a conocer tan bien sus rutinas que a menudo participaba en ellas en avivamientos televisivos.

La tumba de Keaton en Forest Lawn Memorial Park (Hollywood Hills)

Keaton murió de cáncer de pulmón el 1 de febrero de 1966, a los 70 años, en Woodland Hills, California . [69] A pesar de que le diagnosticaron cáncer en enero de 1966, nunca le dijeron que tenía una enfermedad terminal. Keaton pensó que se estaba recuperando de un caso grave de bronquitis . Confinado en un hospital durante sus últimos días, Keaton estaba inquieto y caminaba por la habitación sin cesar, deseando volver a casa. En un documental de la televisión británica sobre su carrera, su viuda Eleanor le dijo a los productores de Thames Television que Keaton se había levantado de la cama y se movía, e incluso jugaba a las cartas con amigos que vinieron a visitarlo el día antes de su muerte. [70] Fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Hollywood Hills , California .

La estrella de Keaton en el Paseo de la Fama de Hollywood

Keaton recibió un Premio Honorífico de la Academia de 1959 en los 32 Premios de la Academia , celebrados en abril de 1960. [71] Keaton tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood : 6619 Hollywood Boulevard (para películas cinematográficas); y 6225 Hollywood Boulevard (para televisión).

Seis de sus películas han sido incluidas en el Registro Nacional de Cine, lo que lo convierte en uno de los cineastas más honrados de esa prestigiosa lista: One Week (1920) , Cops ( 1922) , Sherlock Jr. (1924) , The General (1926) , Steamboat Bill Jr. y The Cameraman (ambos de 1928) [1]

Se estrenó una biografía cinematográfica de 1957, The Buster Keaton Story , protagonizada por Donald O'Connor como Keaton. [33] El guión, de Sidney Sheldon , quien también dirigió la película, se basó libremente en la vida de Keaton, pero contenía muchos errores fácticos y fusionó a sus tres esposas en un solo personaje. [72] Un documental de 1987, Buster Keaton: A Hard Act to Follow , dirigido por Kevin Brownlow y David Gill , ganó dos premios Emmy . [73]

La Sociedad Internacional Buster Keaton se fundó el 4 de octubre de 1992: cumpleaños de Keaton. Dedicados a atraer una mayor atención pública a la vida y el trabajo de Keaton, la membresía incluye a muchas personas de la industria de la televisión y el cine: actores, productores, autores, artistas, novelistas gráficos, músicos y diseñadores, así como aquellos que simplemente admiran la magia de Buster Keaton. El apodo de la Sociedad, los "Damfinos", toma su nombre de un barco en la comedia de Keaton de 1921, El barco .

Keaton disfrazado con su característico sombrero de pastel de cerdo , c. 1939

En 1994, el caricaturista Al Hirschfeld escribió una serie de estrellas del cine mudo para la oficina de correos de los Estados Unidos , incluidos Rudolph Valentino y Keaton. [74] Hirschfeld dijo que las estrellas de cine modernas eran más difíciles de representar, que los comediantes del cine mudo como Laurel y Hardy y Keaton "parecían sus caricaturas". [75]

En su ensayo Film-arte, film-antiartístico , el artista Salvador Dalí declaró que las obras de Keaton son excelentes ejemplos de cine "antiartístico", calificándolas de "poesía pura". En 1925, Dalí produjo un collage titulado The Marriage of Buster Keaton con una imagen del comediante en una pose sentada, mirando al frente con su característico sombrero canotier descansando en su regazo. [76]

El crítico de cine Roger Ebert declaró: "El más grande de los payasos mudos es Buster Keaton, no solo por lo que hizo, sino por cómo lo hizo. Harold Lloyd nos hizo reír tanto, Charlie Chaplin nos conmovió más profundamente, pero no uno tenía más coraje que Buster ". [77]

En su presentación para The General , el cineasta Orson Welles elogió a Buster Keaton como "el más grande de todos los payasos en la historia del cine ... un artista supremo, y creo que una de las personas más hermosas que jamás se haya fotografiado".

El cineasta Mel Brooks ha reconocido a Buster Keaton como una gran influencia, diciendo: "Le debo mucho (a Buster) en dos niveles: uno por ser un gran maestro para mí como cineasta y el otro como un ser humano que ve esto persona talentosa que hace estas cosas asombrosas. Me hizo creer en la fantasía ". También admitió haber tomado prestada la idea de la escena del vestuario en The Cameraman para su propia película Silent Movie . [78]

El actor e intérprete de dobles Johnny Knoxville cita a Keaton como inspiración cuando se le ocurren ideas para los proyectos de Jackass . Recreó un famoso truco de Keaton para el final de Jackass Number Two . [79]

El comediante Richard Lewis declaró que Keaton fue su principal inspiración y habló de tener una estrecha amistad con la viuda de Keaton, Eleanor. Lewis se sintió particularmente conmovido por el hecho de que Eleanor dijo que sus ojos se parecían a los de Keaton. [80]

En 2012, Kino Lorber lanzó The Ultimate Buster Keaton Collection , una caja de 14 discos Blu-ray con el trabajo de Keaton, que incluye 11 de sus películas. [81]

El 16 de junio de 2018, la International Buster Keaton Society colocó una placa de cuatro pies en honor a Keaton y Charles Chaplin en la esquina del bloque compartido (1021 Lillian Ave) donde cada uno había hecho muchas de sus comedias mudas en Hollywood. [82] En honor al evento, la ciudad de Los Ángeles declaró la fecha como "Día de Buster Keaton". [83]

En 2018, el cineasta Peter Bogdanovich lanzó The Great Buster , un documental sobre la vida, la carrera y el legado de Keaton.

Sombreros de pastel de cerdo

Keaton diseñó y modificó sus propios sombreros de pastel de cerdo durante su carrera. En 1964, le dijo a un entrevistador que al hacer "este pastel de cerdo en particular", "comenzó con un buen Stetson y lo cortó", endureciendo el borde con agua azucarada. [84] Los sombreros a menudo se destruían durante las alocadas payasadas cinematográficas de Keaton; algunos fueron regalados y otros fueron arrebatados por cazadores de recuerdos. Keaton dijo que tenía suerte si usaba solo seis sombreros para hacer una película. Keaton estimó que él y su esposa Eleanor hicieron miles de sombreros durante su carrera. Keaton observó que durante su período de silencio, ese sombrero le costó alrededor de dos dólares (~ $ 25-30 en dólares de 2018); en el momento de su entrevista, dijo, costaban casi $ 13 (~ $ 105 en dólares de 2018). [84]

  • Charlie Chaplin
  • Harold Lloyd

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  • Buster Keaton en TCM Movie Database Edit this at Wikidata
  • Buster Keaton en Rotten Tomatoes
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  • Museo Buster Keaton
  • Buster Keaton y la conexión Muskegon
  • Buster Keaton en cinco sencillos clips
  • Galerías de fotos de Buster Keaton (incluye imágenes raras de BK sonriendo y riendo)
  • Buster Keaton como intérprete infantil (Univ. De Washington / colección Sayre)
  • Silent Shorts de Buster Keaton (1920-1923) de James L. Neibaur y Terri Niemi