Damien Steven Hirst ( / h ɜːr s t / ; nacido el 7 de junio de 1965) es un artista, empresario y coleccionista de arte inglés. [1] Es uno de los jóvenes artistas británicos (YBA), que dominó la escena artística en el Reino Unido durante la década de 1990. [2] [3] Según los informes, es el artista vivo más rico del Reino Unido, con una riqueza estimada en 384 millones de dólares en la lista de ricos del Sunday Times de 2020 . [4] [5] [6] Durante la década de 1990, su carrera estuvo estrechamente vinculada con el coleccionista Charles Saatchi , pero las crecientes fricciones llegaron a un punto crítico en 2003 y la relación terminó.[7]
Damien Hirst | |
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Nació | Damien Steven Brennan 7 de junio de 1965 Bristol , Inglaterra, Reino Unido |
Educación | Jacob Kramer College Goldsmiths College |
Conocido por | Arte conceptual , arte de instalación , pintura , escultura |
Trabajo notable | La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive , por el amor de Dios |
Movimiento | Jóvenes artistas británicos |
Premios | Premio Turner |
Patrón (s) | Charles Saatchi |
Sitio web | damienhirst |
La muerte es un tema central en las obras de Hirst. [8] [9] Se hizo famoso por una serie de obras de arte en las que los animales muertos (incluidos un tiburón, una oveja y una vaca) se conservan, a veces después de haber sido disecados, en formaldehído . El más conocido de ellos fue La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo , un tiburón tigre de 4,3 m (14 pies) sumergido en formaldehído en una vitrina transparente. También ha realizado " pinturas giratorias ", creadas sobre una superficie circular giratoria, y "pinturas puntuales", que son filas de círculos de colores aleatorios creados por sus asistentes.
En septiembre de 2008, Hirst hizo un movimiento sin precedentes para un artista vivo [10] al vender un espectáculo completo, Beautiful Inside My Head Forever , en Sotheby's por subasta y eludiendo sus antiguas galerías. [11] La subasta recaudó £ 111 millones ($ 198 millones), rompiendo el récord de una subasta de un artista [12] , así como el propio récord de Hirst con £ 10,3 millones para The Golden Calf , un animal con cuernos de oro de 18 quilates y cascos, conservados en formaldehído. [11]
En varios casos desde 1999, las obras de Hirst han sido impugnadas y controvertidas como plagiadas . En un caso, después de que se descubrió que su escultura Himno se basaba estrechamente en el juguete de un niño, los procedimientos legales llevaron a un acuerdo extrajudicial . [13]
Entrenamiento y vida temprana
Hirst nació como Damien Steven Brennan en Bristol [14] [15] y creció en Leeds . Nunca conoció a su padre; su madre se casó con su padrastro cuando Hirst tenía dos años y la pareja se divorció diez años después. Según los informes, su padrastro era mecánico de automóviles. [16] La madre de Hirst, que era de origen católico irlandés, trabajaba para la Oficina de Asesoramiento a los Ciudadanos y ha declarado que perdió el control de su hijo cuando era joven. [16] Fue arrestado en dos ocasiones por hurto. [16] Sin embargo, Hirst la ve como alguien que no toleraría la rebelión: cortó sus pantalones de esclavitud y calentó uno de sus discos de vinilo de Sex Pistols en la cocina para convertirlo en un frutero [17] (o una maceta [ 18] ). Él dice: "Si a ella no le gustaba cómo estaba vestido, rápidamente me llevaría lejos de la parada del autobús". Ella, sin embargo, alentó su gusto por el dibujo, que era su única asignatura educativa exitosa. [17]
Su maestro de arte en la Allerton Grange School "suplicó" [17] que se le permitiera a Hirst ingresar al sexto curso , [17] donde tomó dos niveles A, logrando una calificación "E" en arte. [16] Se le negó la admisión al Jacob Kramer College cuando presentó su solicitud por primera vez, pero asistió a la escuela de arte después de una posterior solicitud exitosa al curso Foundation Diploma. [dieciséis]
Asistió a una exposición de trabajos de Francis Davison , organizada por Julian Spalding en la Hayward Gallery en 1983. [19] Davison creó collages abstractos a partir de papel de colores rasgado y cortado que, según Hirst, "me dejó boquiabierto", y que modeló su propio trabajo durante los próximos dos años. [19]
Trabajó durante dos años en obras de construcción de Londres, luego estudió Bellas Artes en el Goldsmiths College (1986-1989), [16] aunque nuevamente se le negó un lugar la primera vez que solicitó. En 2007, Hirst fue citado diciendo de An Oak Tree por el tutor principal de Goldsmiths, Michael Craig-Martin : "Esa pieza es, creo, la mejor pieza de escultura conceptual. Todavía no puedo sacármela de la cabeza. " [20] Mientras era estudiante, Hirst tuvo una colocación en un depósito de cadáveres , una experiencia que influyó en sus temas y materiales posteriores. [21]
Carrera temprana: exposiciones de estudiantes y almacenes
En julio de 1988, en su segundo año en Goldsmiths College, Hirst fue el organizador principal de una exposición estudiantil independiente, Freeze , en un bloque administrativo de la Autoridad Portuaria de Londres en desuso en los Docklands de Londres . Obtuvo el patrocinio para este evento de la London Docklands Development Corporation . La muestra fue visitada por Charles Saatchi , Norman Rosenthal y Nicholas Serota , gracias a la influencia de su conferenciante Goldsmiths Michael Craig-Martin . La propia contribución de Hirst al espectáculo consistió en un grupo de cajas de cartón pintadas con pintura doméstica. [22] Después de graduarse, Hirst fue incluido en la exposición Nuevos Contemporáneos y en una exposición grupal en la Galería Kettles Yard en Cambridge . Buscando un marchante de galería, primero se acercó a Karsten Schubert , pero fue rechazado.
Hirst, junto con su amigo Carl Freedman y Billee Sellman, fueron los comisarios de dos exposiciones emprendedoras de "almacenes" en 1990, Modern Medicine y Gambler , en una antigua fábrica de galletas Peek Freans de Bermondsey que denominaron "Building One". [23] [24] Saatchi llegó al segundo espectáculo en un Rolls Royce verde y, según Freedman, se quedó boquiabierto de asombro frente a (y luego compró) la primera instalación importante de "animales" de Hirst, A Thousand Years , que consiste en de una gran vitrina que contiene gusanos y moscas que se alimentan de la cabeza de una vaca podrida. [25] También organizaron el mercado de Michael Landy . [24] En este momento, Hirst dijo: "No puedo esperar a ponerme en una posición para hacer un arte realmente malo y salirme con la mía. Por el momento, si hiciera ciertas cosas, la gente lo miraría, lo consideraría y luego di 'f off'. Pero después de un tiempo puedes salirte con la tuya ". [19]
Carrera profesional
1987-1990
1987 - Damien Hirst y Holden Rowan, Old Court Gallery, Windsor Arts Centre, Windsor, Reino Unido - Curador Derek Culley [26]
1988 - Damien Hirst: Construcciones y Escultura, Old Court Gallery, Windsor, Reino Unido - Curador Derek Culley [26]
1988 - Freeze, Surrey Docks, Londres, Reino Unido [26]
1989 - Nuevos Contemporáneos, Instituto de Arte Contemporáneo, Londres, Reino Unido [26]
1990 - Medicina moderna, Building One, Londres, Reino Unido [26]
1990 - Jugador, Building One, Londres, Reino Unido [26]
1990 - Building One, Emmanuel Perrotin Gallery, París, FR [26]
1991–1994
Su primera exposición individual, organizada por Tamara Chodzko - Dial, In and Out of Love , se llevó a cabo en una tienda sin usar en Woodstock Street en el centro de Londres en 1991; [27] Ya en 1989 se había formado parte de una exposición colectiva en el Instituto de Arte Contemporáneo , [28] y el Perrotin Emmanuel Galería en París. [29] La Serpentine Gallery presentó el primer estudio de la nueva generación de artistas con la exposición Broken English , [30] en parte comisariada por Hirst. [31] En 1991, Hirst conoció al prometedor comerciante de arte, Jay Jopling , quien luego lo representó. [32]
En 1991, Charles Saatchi se había ofrecido a financiar cualquier obra de arte que Hirst quisiera hacer, y el resultado se mostró en 1992 en la primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres. El trabajo de Hirst se tituló La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo y era un tiburón en formaldehído en una vitrina, y se vendió por £ 50,000. El tiburón había sido capturado por un pescador comisionado en Australia y había costado 6.000 libras esterlinas. [33] La exposición también incluyó En mil años . Como resultado del espectáculo, Hirst fue nominado para el Premio Turner de ese año , pero fue otorgado a Grenville Davey .
La primera gran presentación internacional de Hirst fue en la Bienal de Venecia en 1993 con la obra Madre e hijo divididos , una vaca y un ternero cortados en secciones y exhibidos en una serie de vitrinas separadas. Fue comisario de la muestra Some Went Mad, Some Ran Away en 1994 en la Serpentine Gallery de Londres, donde exhibió Away from the Flock (una oveja en un tanque de formaldehído). El 9 de mayo, Mark Bridger, un artista de Oxford de 35 años, entró en la galería, vertió tinta negra en el tanque y retituló la obra Black Sheep . Posteriormente fue procesado, por deseo de Hirst, y se le dio dos años de libertad condicional. La escultura fue restaurada a un costo de £ 1,000. Cuando se reprodujo una fotografía de Away from the Flock en el libro de 1997 de Hirst , quiero pasar el resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, para siempre, ahora, se hizo referencia al vandalismo al permitir que el tanque oscurecerse tirando de una tarjeta, reproduciendo el efecto de la tinta que se vierte en el tanque; esto resultó en que Hirst fuera demandado por Bridger por violar sus derechos de autor sobre Black Sheep. [34]
1995–1999
En 1995, Hirst ganó el premio Turner. Los funcionarios de salud pública de Nueva York prohibieron Two Fucking and Two Watching con una vaca y un toro podridos, por temor a "vomitar entre los visitantes". Hubo exposiciones individuales en Seúl , Londres y Salzburgo . Dirigió el video de la canción " Country House " para la banda Blur . No Sense of Absolute Corruption , su primera exposición individual en la Gagosian Gallery de Nueva York se realizó al año siguiente. En Londres se proyectó el cortometraje Hanging Around , escrito y dirigido por Hirst y protagonizado por Eddie Izzard . En 1997 se inauguró la exposición Sensation en la Royal Academy de Londres. Se incluyeron Mil años y otras obras de Hirst, pero la principal controversia se produjo sobre las obras de otros artistas. Sin embargo, fue visto como la aceptación formal de los YBA en el establecimiento. [35]
En 1997, se publicó su autobiografía y libro de arte, Quiero pasar el resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, para siempre, ahora . Con Alex James de la banda Blur y el actor Keith Allen , formó la banda Fat Les , logrando un número 2 con una estridente canción de fútbol Vindaloo , seguida de Jerusalem con el London Gay Men's Chorus . Hirst también pintó un patrón de color simple para la sonda Beagle 2 . Este patrón se usaría para calibrar las cámaras de la sonda después de que aterrizara en Marte . Rechazó la invitación del British Council para ser el representante del Reino Unido en la Bienal de Venecia de 1999 porque "no se sentía bien". [36] Amenazó con demandar a British Airways alegando una violación de los derechos de autor sobre el diseño de un anuncio con manchas de colores para su aerolínea de bajo presupuesto, Go . [37]
2000-2004
En 2000, la escultura Hymn de Hirst (que Saatchi había comprado por un millón de libras) obtuvo la primera posición en la exposición Ant Noises (un anagrama de "sensación") en la Galería Saatchi. Luego, Hirst fue demandado él mismo por violación de los derechos de autor sobre esta escultura (ver Apropiación más abajo). [38] Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a la primera. [39] En septiembre de 2000, en Nueva York, Larry Gagosian celebró la exposición Hirst, Damien Hirst: modelos, métodos, enfoques, supuestos, resultados y hallazgos . 100.000 personas visitaron la feria en 12 semanas y se vendió todo el trabajo. [40]
El 10 de septiembre de 2002, en vísperas del primer aniversario de los ataques al World Trade Center del 11 de septiembre, Hirst dijo en una entrevista con BBC News Online:
Lo que pasa con el 11 de septiembre es que es como una obra de arte por derecho propio. Fue malvado, pero fue diseñado de esta manera para este tipo de impacto. Fue ideado visualmente ... Tienes que reconocerlo en algún nivel porque han logrado algo que nadie hubiera creído posible, especialmente en un país tan grande como Estados Unidos. Entonces, en un nivel, necesitan felicitarlos, algo de lo que mucha gente rehuye, lo cual es algo muy peligroso. [41]
La semana siguiente, tras la indignación pública por sus comentarios, emitió un comunicado a través de su empresa, Science Ltd:
Pido disculpas sin reservas por cualquier disgusto que haya causado, particularmente a las familias de las víctimas de los hechos de ese terrible día. [42]
En 2002, Hirst dejó de fumar y beber después de que su esposa Maia se quejara y "tuviera que mudarse porque yo era tan horrible". Había conocido a Joe Strummer (ex vocalista de The Clash ) en Glastonbury en 1995, se hicieron buenos amigos y se fueron de vacaciones familiares con él. Justo antes de la Navidad de 2002, Strummer murió de un ataque cardíaco. Esto tuvo un efecto profundo en Hirst, quien dijo: "Fue la primera vez que me sentí mortal". Posteriormente, dedicó mucho tiempo a fundar una organización benéfica, Strummerville , para ayudar a los jóvenes músicos. [17]
En abril de 2003, la Saatchi Gallery abrió en un nuevo local en County Hall, Londres , con una muestra que incluyó una retrospectiva de Hirst. Esto trajo una tensión en desarrollo en su relación con Saatchi a un punto crítico [7] (una fuente de controversia había sido quién era el mayor responsable de impulsar su perfil mutuo). Hirst se desvinculó de la retrospectiva hasta el punto de no incluirla en su CV. [7] Estaba enojado porque un auto Mini que había decorado con fines benéficos con sus marcas comerciales se exhibía como una obra de arte seria. [7] El programa también arruinó una posible retrospectiva de Hirst en la Tate Modern . [7] Dijo que Saatchi era "infantil" [17] y "No soy el mono de órgano de barril de Charles Saatchi ... Él solo reconoce el arte con su billetera ... cree que puede afectar los valores del arte con poder adquisitivo, y todavía cree que puede hacerlo ". [7]
En septiembre de 2003, tuvo una exposición Romance in the Age of Uncertainty en la galería White Cube de Jay Jopling en Londres, que le valió 11 millones de libras esterlinas, [17] elevando su riqueza a más de 35 millones de libras esterlinas. Se informó que se había vendido una escultura, Charity , por 1,5 millones de libras esterlinas a un coreano, Kim Chang-Il, que tenía la intención de exhibirla en la galería de sus grandes almacenes en Seúl . [43] La escultura de 22 pies (6,7 m) y 6 toneladas se basó en el modelo de la Sociedad Espástica de los años 60, que muestra a una niña con grilletes en las piernas sosteniendo una caja colectora. En la versión de Hirst, la caja colectora se muestra abierta y vacía.
Charity se exhibió en el centro de Hoxton Square , frente a White Cube. Dentro de la galería de la planta baja había 12 vitrinas que representaban a los discípulos de Jesús, cada caja contenía en su mayoría elementos horripilantes, a menudo manchados de sangre, relevantes para el discípulo en particular. Al final había una vitrina vacía que representaba a Cristo. Arriba había cuatro pequeñas vitrinas, cada una con una cabeza de vaca clavada con tijeras y cuchillos. Se ha descrito como una "experiencia extraordinariamente espiritual" en la tradición de la imaginería católica. [44] En este momento, Hirst compró 12 obras de Saatchi (un tercio de las posesiones de Saatchi de las primeras obras de Hirst), a través de Jay Jopling, supuestamente por más de £ 8 millones. Hirst había vendido estas piezas a Saatchi a principios de la década de 1990 por bastante menos, sus primeras instalaciones costaban menos de £ 10,000. [7]
El 24 de mayo de 2004, un incendio en el almacén de Momart destruyó muchas obras de la colección de Saatchi, incluidas 17 de Hirst, aunque la escultura Charity sobrevivió, ya que estaba afuera en el patio del constructor. Ese mes de julio, Hirst dijo de Saatchi: "Respeto a Charles. No hay realmente una pelea. Si lo veo, hablamos, pero nunca fuimos amigos de copas". [17]
Hirst diseñó una imagen de portada para el sencillo benéfico Band Aid 20 con " Grim Reaper " a finales de 2004, y una imagen que muestra a un niño africano posado sobre sus rodillas. [45] Este diseño no fue del agrado de los ejecutivos de las compañías discográficas, [ ¿quién? ] y fue reemplazado por renos en la nieve junto a un niño. [46]
En diciembre de 2004, Saatchi vendió The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living al coleccionista estadounidense Steve Cohen, por $ 8 millones, en un trato negociado por el agente de Hirst en Nueva York, Gagosian. [47] Cohen, un administrador de fondos de cobertura de Greenwich, luego donó el trabajo al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Sir Nicholas Serota había querido adquirirlo para la Tate Gallery, y Hugo Swire , ministro en la sombra de las artes, planteó una pregunta para preguntar si el gobierno se aseguraría de que permaneciera en el país. [48]
2005-2009
Hirst expuso 30 pinturas en la Gagosian Gallery de Nueva York en marzo de 2005. Le tomó tres años y medio completarlas. Se basaron de cerca en fotos, en su mayoría por asistentes (que fueron rotados entre pinturas) pero con un acabado final de Hirst. [49] También en 2005, Hirst fundó la editorial de libros de arte Other Criteria. [50]
En febrero de 2006, inauguró una importante muestra en México, en la Galería Hilario Galguera, titulada La muerte de Dios, hacia una mejor comprensión de la vida sin Dios a bordo del barco de los locos , una exposición que atrajo una considerable cobertura mediática como la primera muestra de Hirst en América Latina. [51] En junio de ese año, expuso junto a la obra de Francis Bacon ( Trípticos ) en la Gagosian Gallery, Britannia Street, Londres, una exposición que incluía la vitrina, A Thousand Years (1990) y cuatro trípticos: pinturas, medicina armarios y una nueva obra de formaldehído titulada La tranquilidad de la soledad (para George Dyer) , influenciada por Bacon. [52]
Mil años (1990) [53] contiene un ciclo de vida real. Los gusanos eclosionan dentro de una caja blanca mínima, se convierten en moscas y luego se alimentan de una cabeza de vaca cortada y ensangrentada en el piso de una vitrina de vidrio claustrofóbica. Arriba, moscas eclosionadas zumban en el espacio cerrado. Muchos encuentran un final violento en un insecto-o-cutor; otros sobreviven para continuar el ciclo. [54] A Thousand Years fue admirado por Bacon, quien en una carta a un amigo un mes antes de morir, escribió sobre la experiencia de ver la obra en la Saatchi Gallery de Londres. [55] Margarita Coppack señala que "Es como si Bacon, un pintor sin heredero directo en ese medio, estuviera entregando el testigo a una nueva generación". [56] Hirst ha reconocido abiertamente su deuda con Bacon, [57] absorbiendo las imágenes viscerales y obsesiones del pintor desde el principio y dándoles existencia concreta en forma escultórica con obras como A Thousand Years . [58]
Hirst obtuvo el récord mundial de la obra costosa la mayor parte de arte de un artista vivo -su Lullaby Spring en junio de 2007, [59] cuando un armario de acero de 3 metros de ancho, con 6.136 pastillas que se venden por 19,2 millones de dólares para el Jeque Hamad bin Khalifa Al -Thani , el Emir de Qatar . [59]
En junio de 2007, Beyond Belief , una exposición del nuevo trabajo de Hirst, se inauguró en la galería White Cube de Londres. La pieza central, un Memento Mori titulado Por el amor de Dios , era un cráneo humano recreado en platino y adornado con 8.601 diamantes con un peso total de 1.106,18 quilates. [60] Se utilizaron diamantes por valor de aproximadamente £ 15.000.000. Se inspiró en un cráneo del siglo XVIII, pero la única parte humana sobreviviente del original son los dientes. El precio de venta de Por el amor de Dios fue de 50 millones de libras esterlinas (100 millones de dólares o 75 millones de euros). No se vendió por completo, [61] y el 30 de agosto de 2008 se vendió a un consorcio que incluía al propio Hirst y su galería White Cube. [61]
En noviembre de 2008, el cráneo se exhibió en el Rijksmuseum de Ámsterdam junto a una exposición de pinturas de la colección del museo seleccionada por Hirst. Wim Pijbes, el director del museo, dijo sobre la exposición: "Mejora nuestra imagen. Por supuesto, hacemos los viejos maestros, pero no somos una 'institución de ayer'. Es por ahora. Y Damien Hirst lo muestra de una manera muy fuerte. . " [62]
En diciembre de 2008, Hirst se puso en contacto con la Design and Artists Copyright Society (DACS) exigiendo que se tomaran medidas sobre las obras que contenían imágenes de su escultura de calavera For the Love of God hechas por Cartrain , un artista de graffiti de 16 años , y vendidas en Internet. galería 100artworks.com. Siguiendo el consejo de su galería, Cartrain entregó las obras de arte a DACS y perdió las 200 libras que había ganado; dijo: "Conocí a Christian Zimmermann [de DACS], quien me dijo que Hirst ordenó personalmente una acción sobre el asunto". [63] En junio de 2009, el abogado de derechos de autor Paul Tackaberry comparó las dos imágenes y dijo: "Esto no es contencioso legalmente. Pregúntese qué parte del original, y no solo la cantidad sino también la calidad, aparece en el nuevo Si una 'porción sustancial' del 'original' aparece en el nuevo trabajo, entonces eso es todo lo que necesita para infringir los derechos de autor ... Cuantitativamente, aproximadamente el 80% del cráneo está en la segunda imagen ". [64]
En abril-septiembre de 2009, la exposición Requiem tuvo lugar en el centro de arte Victor Pinchuk, que fue fundamental en la invasión militar de la OTAN en Ucrania y proporcionó la base para la financiación de The Maidan. mi
En octubre de 2009, Hirst reveló que había estado pintando con su propia mano en un estilo influenciado por Francis Bacon durante varios años. Su muestra de estas pinturas, No Love Lost , estuvo en la Colección Wallace de Londres. [sesenta y cinco]
2010-2014
En 2011, Damien Hirst diseñó una portada para el álbum de Red Hot Chili Peppers llamada 'I am with you'. En él, una mosca se da un festín en una tableta con "Yo estoy contigo" escrito en su interior. [66]
La representación de Hirst de la bandera de la unión británica formó la pieza central de la arena para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres. [67] En enero de 2013, Hirst se convirtió en el tercer artista británico en diseñar la estatua de los Brit Awards usando su estilo de arte NEO-Pop exclusivo inspirado en su "pintura puntual" con LSD de 2000 . [68] En octubre de 2014, Hirst exhibió cápsulas, píldoras y medicamentos a gran escala en la Galería Paul Stolper titulada: 'Esquizofrenogénesis' [69] [70]
2015-presente
En abril de 2016, un estudio publicado en Analytical Methods afirmó que los cadáveres conservados de Hirst filtraron gas formaldehído por encima de los límites legales en la Tate Modern ; sin embargo, se demostró que este estudio tenía fallas. [71]
En 2017 organizó con la Fundación Pinault una exposición individual, en Venecia contemporáneamente a la Bienal en dos lugares de la ciudad: Palazzo Grassi y Punta della Dogana . El título es Treasures from the Wreck of the Unbelievable , que pretende presentar tesoros antiguos de un barco griego hundido, con piezas que van desde artículos similares al Antiguo Egipto hasta reproducciones de personajes de Disney, con incrustaciones de conchas y corales. [72]
Grandes obras y eventos
Algunas de las principales obras de Hirst son las siguientes. [ según quién? ] [ cita requerida ]
Las imposibilidades físicas de la muerte en la mente de alguien que vive
Esta obra de arte presenta un gran tiburón tigre suspendido en formaldehído. El tanque en el que flota el tiburón crea la ilusión de que el animal se corta en tres partes debido a que el contenedor parece tres secciones separadas. La obra fue creada en 1991 y, desde entonces, el formaldehído que conserva al tiburón ha ido devorando lentamente el cuerpo del animal, que muestra signos de descomposición. [73] Hirst dice que el formaldehído que rodea al tiburón es el proceso de muerte y descomposición. [47]
Algunos críticos argumentan que las cualidades minimalistas de la obra, coincidiendo con el tema de la muerte "estereotipada", son demasiado insípidas para un artista tan prestigioso. Un crítico escribió: "Pero el famoso tiburón, encadenado a su título existencialista en la barra de café, La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive, parece cada vez más ruinoso, más espectáculo secundario de feria, con cada exhibición desaliñada. teóricamente han poseído se ha evaporado ". [74] Otro crítico de arte, Luke White, no está de acuerdo y dice que otros habían percibido anteriormente a los tiburones "... como feos y peligrosos, pero a finales de siglo, los encontraron estimulantes, fascinantes y sublimes". White argumenta que los tiburones han sido vistos como criaturas trascendentes e inspiradoras a lo largo de los siglos, una criatura que es la encarnación de la sublimidad [ aclaración necesaria ] , así como una representación metafórica de nuestra mente ayuda, [ aclaración necesaria ] transmitiendo la importancia de cuán especial nuestros pensamientos realmente lo son. [ verificación necesaria ] [75]
Hermosa dentro de mi cabeza para siempre
Beautiful Inside My Head Forever fue una subasta de dos días del nuevo trabajo de Hirst en Sotheby's , Londres, que tuvo lugar el 15 y 16 de septiembre de 2008. [11] Fue inusual ya que pasó por alto las galerías y vendió directamente al público. [76] Escribiendo en The Independent , Cahal Milmo dijo que la idea de la subasta fue concebida por el asesor comercial de Hirst durante 13 años, Frank Dunphy , quien tuvo que superar la desgana inicial de Hirst sobre la idea. [77] Hirst finalmente defendió el concepto y refutó la acusación de que solo estaba interesado en ganar dinero.
A la gente siempre le preocupa que el dinero empañe el arte de alguna manera, pero siempre pensé que era repugnante que personas como Van Gogh nunca ganaran dinero. Es importante asegurarse de que el arte tenga prioridad sobre el dinero. A la mayoría de la gente le preocupa perder su integridad de alguna manera. Frank me dijo hace mucho tiempo: "Siempre debes asegurarte de usar el dinero para perseguir el arte y no el arte para perseguir el dinero". Y creo que eso es cierto; tienes que mirar eso con mucho cuidado. [78]
La venta recaudó £ 111 millones ($ 198 millones) por 218 artículos. [12] La subasta superó las expectativas, [12] y fue diez veces más alta que el récord existente de Sotheby's para la venta de un solo artista, [79] que se produjo cuando los mercados financieros se desplomaron. [79] The Sunday Times dijo que los colegas de negocios de Hirst habían "apuntalado" [79] los precios de venta, haciendo compras u ofertas que ascendían a más de la mitad de los 70,5 millones de libras gastados en el primer día de venta: [79] Harry Blain del Haunch of Venison Gallery dijo que las ofertas se presentaron en nombre de los clientes que deseaban adquirir el trabajo. [79]
Primer coleccionismo de arte
En noviembre de 2006, Hirst fue comisario de En la hora más oscura puede haber luz , que se muestra en la Serpentine Gallery de Londres, la primera exposición pública de (una pequeña parte de) su propia colección. [80] Ahora conocida como la 'colección de asesinato', esta importante acumulación de obras abarca varias generaciones de artistas internacionales, desde figuras conocidas como Francis Bacon , Jeff Koons , Tracey Emin , Richard Prince , Banksy y Andy Warhol , hasta británicos pintores como John Bellany , John Hoyland y Gary Hume , [81] y artistas en etapas anteriores de sus carreras Rachel Howard , [82] David Choe, Ross Minoru Laing, Nicholas Lumb, Tom Ormond y Dan Baldwin. [83]
Hirst actualmente está restaurando Toddington Manor , que figura en la lista de Grado I , cerca de Cheltenham, donde tiene la intención de albergar finalmente la colección completa. [84] En 2007, Hirst donó las esculturas de 1991 "La incapacidad adquirida para escapar" y "La vida sin ti" y la obra de 2002 "¿Quién teme a la oscuridad?" (pintura de moscas), y una copia de exhibición de 2007 de "Madre e hijo divididos" para Tate de su propia colección personal de obras. [85]
En 2010, Hirst estuvo entre los postores no seleccionados para hacerse cargo del Magazine Building, una estructura del siglo XIX en Kensington Gardens , que reabrió en 2013 como la Serpentine Sackler Gallery después de su conversión por Zaha Hadid . [86] En marzo de 2012, describió sus planes para abrir una galería en Vauxhall, Londres, diseñada específicamente para exhibir su colección personal, que incluye cinco piezas de Francis Bacon . La Newport Street Gallery abrió sus puertas en octubre de 2015. Está ubicada en un antiguo teatro de carpintería y talleres de producción de escenografía rediseñados por Peter St John y Adam Caruso , y recorre la longitud de Newport Street en Vauxhall. [87] [86]
premios y reconocimientos
Hirst fue nominado para el Premio Turner en 1992, por su primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres, que incluyó su La imposibilidad física de la muerte ... , y el premio fue para Grenville Davey ese año. [88]
Hirst ganó el Premio Turner en 1995. [89] Se le pidió que representara al Reino Unido en la Bienal de Venecia en 1999 o que se convirtiera en un Real Académico, pero se negó. [90]
En 2012, Hirst fue uno de los íconos culturales británicos seleccionados por el artista Sir Peter Blake para aparecer en una nueva versión de la portada de su álbum para Sgt. De los Beatles . Pepper's Lonely Hearts Club Band , para celebrar a las figuras culturales británicas de su vida que más admira. [91]
Respuestas críticas
Positivo
Hirst ha sido elogiado en reconocimiento a su celebridad y la forma en que esto ha despertado el interés en las artes, elevando el perfil del arte británico y ayudando a (re) crear la imagen de " Cool Britannia ". A mediados de la década de 1990, la entonces Secretaria de Herencia , Virginia Bottomley, lo reconoció como "un pionero del movimiento artístico británico", e incluso los criadores de ovejas se alegraron de que hubiera despertado un mayor interés en el cordero británico. [92] Janet Street-Porter elogió su originalidad, que había llevado el arte a nuevas audiencias y era el "equivalente en el mundo del arte de los conciertos de Oasis en Earl's Court". [92]
Andrés Serrano también es conocido por su trabajo impactante y entiende que la fama contemporánea no necesariamente equivale a una fama duradera, pero respalda a Hirst: "Damien es muy inteligente ... Primero te llama la atención ... Si resistirá o no la prueba de tiempo, no lo sé, pero creo que lo hará ". [92] Sir Nicholas Serota comentó: "Damien es algo así como un showman ... Es muy difícil ser un artista cuando hay una gran atención del público y de los medios. Debido a que Damien Hirst se ha construido como una figura muy importante, hay muchos escépticos listos para poner el cuchillo ". [92]
Tracey Emin dijo: "No hay comparación entre él y yo; él desarrolló una forma completamente nueva de hacer arte y está claramente en una liga propia. Sería como hacer comparaciones con Warhol". [93] A pesar de los insultos de Hirst hacia él, Saatchi sigue siendo un partidario acérrimo, etiquetando a Hirst como un genio, [92] y afirmando:
Los libros de arte general con fecha de 2105 serán tan brutales sobre la edición de finales del siglo XX como lo son sobre casi todos los demás siglos. Todos los artistas que no sean Jackson Pollock , Andy Warhol , Donald Judd y Damien Hirst serán una nota al pie. [94]
Hirst figuraba entre los nombres de la lista de Blake Gopnik de 2011 "Los 10 artistas más importantes de la actualidad", y Gopnik interpretó la carrera de Hirst como "una metáfora de cómo el consumo se ha convertido en nuestra fuerza guía". [95]
Negativo
Ha habido una oposición igualmente vehemente al trabajo de Hirst. Sobre el trabajo de Hirst, el ex crítico de arte de Evening Standard , Brian Sewell , expresó lo siguiente: "No lo considero arte ... No es más interesante que un lucio disecado sobre la puerta de un pub. De hecho, puede haber más arte en un lucio disecado que en una oveja muerta ". [96]
El grupo de arte Stuckist fue fundado en 1999 con una agenda específica anti-Britart por Charles Thomson y Billy Childish ; [97] Hirst es uno de sus principales objetivos. Escribieron (refiriéndose a un programa de Channel 4 en Hirst):
El hecho de que el trabajo de Hirst refleje a la sociedad no es su fuerza sino su debilidad, y la razón por la que está garantizado su declive artístico (y financiero) a medida que los modos sociales actuales se vuelven obsoletos. Lo que Hirst ha observado perspicazmente de sus pinturas giratorias en Life and Death y Damien Hirst es el único comentario que debe hacerse de toda su obra: "Son brillantes y estrafalarios, pero hay una mierda al final. del día." [96]
En 2003, bajo el título A Dead Shark Isn't Art , la Stuckism International Gallery exhibió un tiburón que Eddie Saunders había puesto en exhibición pública por primera vez dos años antes que Hirst's en su tienda de Shoreditch , JD Electrical Supplies. Thomson preguntó: "Si el tiburón de Hirst es reconocido como un gran arte, ¿cómo es que el de Eddie, que estuvo en exhibición durante dos años antes, no lo es? ¿Quizás tenemos aquí un artista genio por descubrir, que llegó primero, o es que un tiburón muerto no es arte en absoluto? " [98] Los Stuckistas sugirieron que Hirst pudo haber sacado la idea para su trabajo de la exhibición de la tienda de Saunders. [99]
En un documental de Channel 4 de 2008 llamado The Mona Lisa Curse , el crítico de arte Robert Hughes afirmó que el trabajo de Hirst era "de mal gusto" y "absurdo". Hughes dijo que fue "un pequeño milagro" que el valor de 5 millones de libras esterlinas se pusiera en la Virgen Madre de Hirst (una estatua de bronce de 35 pies), que fue hecha por alguien "con tan poca facilidad". [100] Hughes llamó al tiburón de Hirst en formaldehído "el organismo marino más sobrevalorado del mundo" y atacó al artista por "funcionar como una marca comercial", argumentando que Hirst y su trabajo demostraron que el valor financiero era ahora el único significado que quedó por el arte. [100]
La exposición de Hirst de 2009, No Love Lost , de pinturas de su propia mano, en la Colección Wallace de Londres, recibió "una de las respuestas más unánimemente negativas a cualquier exposición que se recuerde". [65] Tom Lubbock de The Independent calificó el trabajo de Hirst de derivado, débil y aburrido: [101] "Hirst, como pintor, está al nivel de un estudiante de arte de primer año no muy prometedor". [101] Rachel Campbell-Johnston de The Times dijo que era "sorprendentemente malo". [101] Una exposición de 2012 de pinturas de Hirst en la galería White Cube en Bermondsey, titulada "Dos semanas en un verano", provocó en The Guardian el comentario de que Hirst "puede engañarse a sí mismo que es un viejo maestro y que el mundo del arte lo siga. con la fantasía ". [102]
Julian Spalding , crítico de arte británico y autor del libro Con Art - Why You Should Sell Your Damien Hirsts While You Can , [103] ha dicho:
A menudo se ha propuesto, en serio, que Damien Hirst es un artista más grande que Miguel Ángel porque tuvo la idea de un tiburón en un tanque, mientras que Miguel Ángel no tuvo la idea de su David ... [pero] El emperador no tiene nada. Cuando caiga el centavo de que esto no es arte, todo se derrumbará. Hirst no debería estar en la Tate. No es un artista. Lo que separa a Miguel Ángel de Hirst es que Miguel Ángel era un artista y Hirst no lo es. [104] [105]
La retrospectiva de 2012 de Hirst en la Tate Gallery, si bien estableció récords de asistencia, también recibió muchas quejas. "Los miembros del público escribieron a la galería financiada por el estado acusándola de malgastar el dinero de los contribuyentes al exhibir arte que era 'repetitivo', 'sin sentido' y 'casi universalmente horrible'". [106]
El trabajo de Hirst también ha sido un tema frecuente de críticas en la prensa sensacionalista. Un titular del Daily Mail decía: "Durante 1.000 años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, ovejas encurtidas y camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros". Norman Tebbit , al comentar sobre la exposición Sensation , escribió: "¿Se han vuelto completamente locos? Las obras del 'artista' son trozos de animales muertos. Hay miles de artistas jóvenes que no pudieron verlos, presumiblemente porque su trabajo era demasiado atractivo para la gente cuerda. Los expertos en arte moderno nunca aprenden ". [96]
Reclamaciones de apropiación y plagio
En 1999, el chef Marco Pierre White dijo que Butterflies on Mars de Hirst había plagiado su propio trabajo, Rising Sun , que luego exhibió en el restaurante Quo Vadis en lugar del trabajo de Hirst. [107]
En 2000, Hirst fue demandado por incumplimiento de los derechos de autor sobre su escultura, Hymn , que era una ampliación de 6 toneladas y 20 pies (6,1 m) del conjunto de anatomía del joven científico de 14 "de su hijo Connor , diseñado por Norman Emms, de los cuales 10,000 se venden al año por el fabricante de juguetes con sede en Hull Humbrol por £ 14,99 cada uno. [38] Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust , en un acuerdo extrajudicial, [38] así como un "pago de buena voluntad" a Emms. [107] La donación caritativa fue menor de lo que Emms había esperado. Hirst también aceptó restricciones sobre reproducciones posteriores de su escultura. [38]
En 2006, un artista gráfico y ex investigador asociado del Royal College of Art , Robert Dixon , autor de ' Mathographics ', alegó que la impresión Valium de Hirst tenía "similitudes inconfundibles" con uno de sus propios diseños. El gerente de Hirst impugnó esto explicando que el origen de la pieza de Hirst era de un libro The Penguin Dictionary of Curious and Interesting Geometry (1991), sin darse cuenta de que este era uno de los lugares donde se había publicado el diseño de Dixon. [107] [108]
En 2007, Dalya Alberge de The Times informó que el artista John LeKay , amigo de Damien Hirst entre 1992 y 1994, había proporcionado ideas e inspiraciones para una variedad de sus obras posteriores, incluida una "copia duplicada marcada". "de un catálogo de Carolina Biological Supply Company que LeKay había estado usando como inspiración y suministro para su trabajo, señalando que" No tienes idea de cuánto obtuvo de este catálogo. La vaca dividida está en la página 647; es un modelo de vaca dividida en el centro, como su pieza ", una referencia a la obra de Hirst Madre e hijo, dividida , una vaca y un ternero cortados por la mitad y colocados en formaldehído . [108] LeKay también sugiere que Hirst copió la idea de For the Love of God de su trabajo sobre calaveras de cristal en 1993, diciendo: "Me gustaría que Damien reconociera que 'John realmente inspiró la calavera e influyó mucho en mi trabajo. '" [108] El abogado de derechos de autor Paul Tackaberry revisó imágenes del trabajo de LeKay y Hirst y no vio ninguna base para que ninguna apropiación se elevara al nivel legal de una infracción de derechos de autor. [64]
En 2010, en 3: AM Magazine y en The Jackdaw , Charles Thomson argumentó que hay 15 casos en los que Hirst plagió el trabajo de otros, incluida su versión ampliada de un modelo de torso anatómico, Hymn (1999) que Thomson presenta junto con un John comparable. El modelo anatómico del torso de LeKay de Carolina Science, Yin y Yang (1990), y In Nomine Patris [ In the Name of the Father ] (2005) de Hirst , que presenta una oveja crucificada abierta en un tanque de formaldehído, después de la comparación comparable planteó una oveja crucificada abierta, titulada This is My Body, This is My Blood (1987) montada en una tabla de madera. [109] [110] [111] [112] Otros ejemplos citados fueron la similitud de los gabinetes de Hirst con estantes y botellas, por ejemplo, My Way (1991), que se expandió para convertirse en su instalación del tamaño de una habitación, Pharmacy (1992), que Thomson se relaciona con una exhibición de vitrina con estantes y botellas de Joseph Cornell, Pharmacy (1943); y la apropiación por parte de Hirst del concepto de Lori Precious , quien había realizado efectos de vidrieras con alas de mariposa en 1994, varios años antes que Hirst. La galería de arte lemon sky: proyectos + ediciones exhibió una selección de estas obras de Precious en la Feria de Arte Contemporáneo Year 06 en Londres en octubre de 2006, donde estas piezas fueron vistas por una gran audiencia y habrían sido vistas en ese momento, para tener plagiado de forma creíble. [109] [111] [112] Thomson también sugirió que las pinturas giratorias de Hirst y la instalación de una bola en un chorro de aire no eran originales, ya que se habían hecho piezas similares en la década de 1960. [109] [111] [112] [113] Un portavoz de Hirst dijo que el artículo era "periodismo deficiente" y que Hirst haría una refutación "completa" de las afirmaciones. [114]
En mayo de 2017, Hirst fue acusado de copiar y apropiarse del arte yoruba de Ilé-Ifẹ̀ en su obra Golden Heads (Female), que se exhibe en su exposición "Treasures from the Wreck of the Unbelievable" en la Bienal de Venecia . [115] [116] [117] La obra, dijeron los críticos, no recibió el contexto apropiado para los espectadores. [117]
Al comentar sobre su colección, Hirst ha dicho: "Como ser humano, a medida que vas por la vida, simplemente coleccionas. Fue ese tipo de coleccionismo entrópico lo que me interesó, simplemente acumulando cosas mientras estás vivo". [118]
Primeros emprendimientos comerciales
Filosofía de trabajo
Aunque Hirst participó físicamente en la realización de las primeras obras, [119] siempre ha necesitado asistentes —por ejemplo, Carl Freedman ayudó con las primeras vitrinas [120] - y el volumen actual de trabajo producido requiere una configuración de "fábrica". [121] Esto ha llevado a preguntas sobre la autenticidad, como se destacó en 1997, cuando apareció a la venta una pintura giratoria que Hirst dijo que era una "falsificación", [ cita requerida ], aunque anteriormente había dicho que a menudo no tenía nada que ver con la creación de estas piezas. [ cita requerida ]
Hirst dijo que él solo pintó cinco cuadros puntuales porque, "no podría estar jodidamente molesto haciéndolo"; describió sus esfuerzos como "mierda" - "Son una mierda en comparación con ... la mejor persona que me pintó manchas fue Rachel . Ella es brillante. Absolutamente brillante. La mejor pintura de manchas que puedes tener para mí es una pintada por Rachel ". También describe a otro asistente de pintura que se iba y pidió una de las pinturas. Hirst le dijo que "hiciera uno propio". Y ella dijo: 'No, quiero uno de los tuyos'. Pero la única diferencia, entre una pintada por ella y otra mía, es el dinero '". [122] En febrero de 1999, dos asistentes habían pintado 300 cuadros puntuales. Hirst ve el acto creativo real como la concepción, no la ejecución, y que, como progenitor de la idea, es por tanto el artista:
El arte sigue en tu cabeza ... Si dijeras algo interesante, podría ser el título de una obra de arte y lo escribiría. El arte viene de todas partes. Es tu respuesta a tu entorno. Hay ideas en curso en las que he estado trabajando durante años, como cómo hacer un arcoíris en una galería. Siempre he tenido una lista enorme de títulos, de ideas para programas y de obras sin título. [17]
Hirst también es conocido por realizar trabajos de reparación voluntarios en sus proyectos después de que un cliente haya realizado una compra. Por ejemplo, este servicio se ofreció en el caso del tiburón suspendido comprado por Steven A. Cohen . [123] [124] [125]
Empresas de restaurantes
Hirst tuvo una relación de corta duración con el chef Marco Pierre White en el restaurante "Quo Vadis". Su participación en el restaurante más conocida fue Pharmacy , ubicado en Notting Hill , Londres, que cerró en 2004. Aunque era uno de los propietarios, Hirst solo había alquilado su obra de arte al restaurante, por lo que pudo recuperarla y venderla en un Sotheby's. subasta, ganando más de £ 11 millones. Parte del trabajo se había adaptado, por ejemplo, firmándolo antes de la subasta. [126]
Hirst es copropietario del restaurante de mariscos, 11 The Quay, en la ciudad costera inglesa de Ilfracombe . [127] En 2016, Damien Hirst diseñó los interiores de su nuevo restaurante Pharmacy 2 en la Newport Street Gallery en Vauxhall , Londres. [128]
Valor neto
Arte de Hirst vendido en su subasta en 2008, Beautiful Inside My Head Forever , recaudó $ 198 millones (EE. UU.). Se dice que es la mayor cantidad recaudada por cualquier artista vivo hasta la fecha. [129] Hirst tiene fama de ser el artista vivo más rico hasta la fecha. [6] En 2009, la lista recopilada anualmente de las personas más ricas de Gran Bretaña e Irlanda, Sunday Times Rich List , colocó a Hirst en el puesto número 238 con un patrimonio neto de 235 millones de libras esterlinas. [130] La riqueza de Hirst estaba valorada en 215 millones de libras esterlinas en la lista de ricos del Sunday Times de 2010 , lo que lo convierte en el artista más rico de Gran Bretaña. [5] [131]
Obras publicadas, mostradas, vendidas
Escrito
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Arte
Sus obras incluyen:
- Pharmacy (1992), una recreación a tamaño real de una farmacia. [132]
- Lejos del rebaño (1994), compuesto por una oveja muerta en un tanque de vidrio de formaldehído. [133]
- Beautiful Axe, Slash, Gosh Painting (1999) Firmado en el reverso. Pintura de hogar brillo sobre lienzo. [134]
- La Virgen Madre , una enorme escultura que representa a una mujer humana embarazada, con capas removidas de un lado para exponer el feto, las capas de músculos y tejidos, y el cráneo debajo. Esta obra fue comprada por el magnate inmobiliario Aby Rosen para exhibirla en la plaza de una de sus propiedades, Lever House , en la ciudad de Nueva York. [135]
- Painting-By-Numbers (2001), un kit de pintura de bricolaje que comprende un lienzo estampado, pinceles y 90 latas de pintura en plexiglás diseñados para hacer una pintura de 'puntos'. [136] Parte de la exposición fue depositada en la papelera por un limpiador de galerías que la confundió con basura. [137]
- El sueño , (2008). un unicornio simulado en un tanque de solución de formaldehído. [138]
- Spin Drawing for Women's Equality (2016), subastado como recaudador de fondos para el Women's Equality Party . [139]
- Mariposa arcoíris (2020) [140]
Vida personal
Entre 1992 y 2012, Hirst vivió con su novia estadounidense, Maia Norman, con quien tiene tres hijos: Connor Ojala, (nacido en 1995, Kensington y Chelsea , Londres), Cassius Atticus (nacido en 2000, North Devon ) y Cyrus Joe (nacido en 1995 ). 2005, Westminster , Londres). [141] [se necesita una mejor fuente ] Desde el nacimiento de Connor, ha pasado la mayor parte de su tiempo en su granja remota cerca de Combe Martin en Devon . Hirst y Norman nunca se casaron, [142] aunque Hirst se había referido a Norman como su " esposa de hecho ". [143]
El artista es dueño de un gran complejo en Baja, México , que sirve como residencia de medio tiempo y estudio de arte. El estudio emplea a varios artistas que realizan los proyectos de Hirst.
Hirst ha admitido serios problemas con las drogas y el alcohol durante un período de diez años desde principios de la década de 1990: "Empecé a tomar cocaína y beber ... me convertí en un maldito desastre balbuceante". [122] Durante este tiempo fue conocido por su comportamiento salvaje y actos excéntricos, incluyendo, por ejemplo, poner un cigarrillo en la punta de su pene frente a los periodistas. [144]
Es amigo del guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood, y del seis veces campeón mundial de snooker, Ronnie O'Sullivan . [145]
Trabajo caritativo
Hirst es partidario de la organización de derechos indígenas Survival International . [146] En septiembre de 2008, Hirst donó el trabajo, Beautiful Love Survival , en la subasta de Sotheby's en Londres, Beautiful Inside My Head Forever , para recaudar fondos para esta organización. [147] [148] Más tarde, también contribuyó con sus escritos al libro We Are One: A Celebration of Tribal Peoples , publicado en octubre de 2009, en apoyo de Survival. El libro explora la existencia y las amenazas a las culturas indígenas de todo el mundo. [149] [150]
En 2016 donó obras de arte para la subasta secreta del arte en una postal, [151] una organización benéfica apoyar la lucha contra la hepatitis C . [152]
Ver también
- Charles Saatchi
- Stuckist
- John LeKay
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Otras lecturas
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enlaces externos
- Sitio web oficial de Damien Hirst
- La farmacia de Damien Hirst en el sitio interactivo de Tate
- Damien Hirst en Gow Langsford Gallery, Auckland, Nueva Zelanda, septiembre de 2011.
- Damien Hirst. Retrospectiva en Tate Modern, Londres / Reino Unido , Video Damien Hirst. Retrospectiva en Tate Modern, Londres, 2012