La pintura del Siglo de Oro holandés es la pintura del Siglo de Oro holandés , un período de la historia holandesa que abarca aproximadamente el siglo XVII, [1] durante y después de la última parte de la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648) por la independencia holandesa.
La nueva República Holandesa era la nación más próspera de Europa y lideró el comercio, la ciencia y el arte europeos. Las provincias del norte de Holanda que componían el nuevo estado habían sido tradicionalmente centros artísticos menos importantes que las ciudades de Flandes en el sur. Los trastornos y traslados de población a gran escala de la guerra, y la fuerte ruptura con las antiguas tradiciones culturales monárquicas y católicas, hicieron que el arte holandés tuviera que reinventarse. La pintura de temas religiosos declinó drásticamente, pero se desarrolló un gran mercado nuevo para muchos temas seculares.
Aunque la pintura holandesa de la Edad de Oro se incluye en el período europeo general de la pintura barroca y, a menudo, muestra muchas de sus características, la mayoría carece de la idealización y el amor por el esplendor típicos de gran parte del trabajo barroco, incluido el de la vecina Flandes . La mayoría de las obras, incluida aquella por la que el período es más conocido, refleja las tradiciones de realismo detallado heredadas de la pintura neerlandesa primitiva .
Una característica distintiva del período es la proliferación de distintos géneros de pinturas, [2] y la mayoría de los artistas producen la mayor parte de su trabajo dentro de uno de ellos. El desarrollo completo de esta especialización se ve desde finales de la década de 1620, y el período desde entonces hasta la invasión francesa de 1672 es el núcleo de la pintura del Siglo de Oro. Los artistas pasarían la mayor parte de sus carreras pintando solo retratos, escenas de género, paisajes, paisajes marinos y barcos, o naturalezas muertas y, a menudo, un subtipo particular dentro de estas categorías. Muchos de estos tipos de temas eran nuevos en la pintura occidental, y la forma en que los holandeses los pintaron en este período fue decisiva para su desarrollo futuro.
Tipos de pintura [ editar ]
Una característica distintiva del período, en comparación con la pintura europea anterior, fue el número limitado de pinturas religiosas. El calvinismo holandés prohibió las pinturas religiosas en las iglesias, y aunque los temas bíblicos eran aceptables en los hogares privados, se produjeron relativamente pocos. Las otras clases tradicionales de historia y pintura de retratos estuvieron presentes, pero el período es más notable por una gran variedad de otros géneros, subdivididos en numerosas categorías especializadas, como escenas de la vida campesina, paisajes, paisajes urbanos, paisajes con animales, paisajes marítimos. cuadros, cuadros de flores y naturalezas muertas de diversa índole. El desarrollo de muchos de estos tipos de pintura fue influenciado decisivamente por artistas holandeses del siglo XVII.
La teoría ampliamente aceptada de la " jerarquía de géneros " en la pintura, según la cual algunos tipos se consideraban más prestigiosos que otros, llevó a muchos pintores a querer producir pintura de historia. Sin embargo, este fue el más difícil de vender, como descubrió incluso Rembrandt. Muchos se vieron obligados a producir retratos o escenas de género, que se vendieron mucho más fácilmente. En orden descendente de estatus, las categorías en la jerarquía fueron:
- pintura de historia , incluidas alegorías y temas religiosos populares.
- Pintura de retrato , incluido el tronie
- pintura de género o escenas de la vida cotidiana
- paisaje , incluidos paisajes marinos, battlescenes, paisajes urbanos y ruinas (los paisajistas eran los " lacayos comunes en el Ejército del Arte" según Samuel van Hoogstraten . [3] )
- naturaleza muerta
Los holandeses se concentraron fuertemente en las categorías "inferiores", pero de ninguna manera rechazaron el concepto de jerarquía. [4] La mayoría de las pinturas eran relativamente pequeñas; el único tipo común de pinturas realmente grandes eran los retratos de grupo. La pintura directa sobre las paredes apenas existía; cuando era necesario decorar un espacio de pared en un edificio público, normalmente se usaba lienzos enmarcados ajustados. Para lograr la mayor precisión posible en una superficie dura, muchos pintores continuaron usando paneles de madera, algún tiempo después de que el resto de Europa Occidental los hubiera abandonado; algunas planchas de cobre usadas, generalmente planchas de reciclaje de grabado. A su vez, la cantidad de pinturas supervivientes de la Edad de Oro se redujo al ser pintadas con nuevas obras de artistas a lo largo de los siglos XVIII y XIX; las pobres generalmente eran más baratas que un lienzo, una camilla y un marco nuevos.
Hubo muy poca escultura holandesa durante el período; se encuentra principalmente en monumentos funerarios y adosada a edificios públicos, y las pequeñas esculturas para casas son un espacio notable, su lugar lo ocupa la platería y la cerámica . Los azulejos pintados de Delftware eran muy baratos y comunes, aunque raras veces de muy alta calidad, pero la plata, especialmente en el estilo auricular , lideraba Europa. Con esta excepción, los mejores esfuerzos artísticos se concentraron en la pintura y el grabado.
El mundo del arte [ editar ]
Los extranjeros comentaron las enormes cantidades de arte producido y las grandes ferias donde se vendieron muchas pinturas; se ha estimado aproximadamente que más de 1,3 millones de cuadros holandeses se pintaron solo en los 20 años posteriores a 1640. [5] El volumen de producción significó que los precios fueran bastante bajos, excepto para los artistas más conocidos; como en la mayoría de los períodos posteriores, hubo un fuerte gradiente de precios para los artistas más de moda. [6] Aquellos sin una sólida reputación contemporánea, o que habían pasado de moda, incluidos muchos que ahora se consideran entre los más grandes del período, como Vermeer , Frans Hals y Rembrandt.en sus últimos años, tuvo considerables problemas para ganarse la vida y murió pobre; muchos artistas tenían otros trabajos o abandonaban el arte por completo. [7] En particular, la invasión francesa de 1672 (el Rampjaar , o "año del desastre"), trajo una severa depresión al mercado del arte, que nunca regresó a niveles anteriores. [8]
La distribución de cuadros fue muy amplia: "sí, muchos tymes, blacksmithes, zapateros etts., Tendrán algún cuadro por su fragua y en su stalle. Tal es la noción, encierro y deleite general que tienen estos nativos del país por la pintura". informó un viajero inglés en 1640. [9] Prácticamente hubo por primera vez muchos marchantes de arte profesionales, varios también artistas importantes, como Vermeer y su padre, Jan van Goyen y Willem Kalf . El marchante de Rembrandt, Hendrick van Uylenburgh, y su hijo Gerrit estaban entre los más importantes. Los paisajes eran las obras sin encargar más fáciles de vender, y sus pintores eran los " lacayos comunesen el Ejército del Arte "según Samuel van Hoogstraten . [10]
La calidad técnica de los artistas holandeses era en general alta, y todavía seguían en su mayoría el antiguo sistema medieval de formación mediante el aprendizaje con un maestro. Por lo general, los talleres eran más pequeños que en Flandes o Italia, con solo uno o dos aprendices a la vez, el número a menudo está restringido por las regulaciones del gremio. La agitación de los primeros años de la República, con artistas desplazados del sur hacia el norte y la pérdida de los mercados tradicionales en la corte y la iglesia, llevó al resurgimiento de los gremios de artistas, a menudo todavía llamados Gremio de San Lucas . En muchos casos, estos involucraron a los artistas que se separaron de las agrupaciones medievales donde compartían un gremio con varios otros oficios, como la pintura de casas. Se establecieron varios gremios nuevos en el período: Amsterdam en 1579,Haarlem en 1590, y Gouda , Rotterdam , Utrecht y Delft entre 1609 y 1611. [11] Las autoridades de Leiden desconfiaban de los gremios y no los permitieron hasta 1648. [12]
Más adelante en el siglo, todos los involucrados empezaron a aclarar que la vieja idea de un gremio que controlaba tanto la formación como las ventas ya no funcionaba bien, y gradualmente los gremios fueron reemplazados por academias , a menudo solo preocupadas por la formación de artistas. La Haya , con la corte, fue un ejemplo temprano, donde los artistas se dividieron en dos grupos en 1656 con la fundación de la Confrerie Pictura . Con la obvia excepción de los retratos, muchas más pinturas holandesas se hicieron "especulativamente" sin una comisión específica que en otros países, una de las muchas formas en que el mercado del arte holandés mostró el futuro. [13]
Hubo muchas dinastías de artistas y muchos se casaron con las hijas de sus maestros u otros artistas. Muchos artistas provenían de familias acomodadas, que pagaban honorarios por sus aprendizajes y, a menudo, se casaban con propiedades. Rembrandt y Jan Steen estuvieron matriculados en la Universidad de Leiden por un tiempo. Varias ciudades tenían distintos estilos y especialidades por temas, pero Amsterdam era el centro artístico más grande, debido a su gran riqueza. [14] Ciudades como Haarlem y Utrecht fueron más importantes en la primera mitad del siglo, con Leiden y otras ciudades emergiendo después de 1648, y sobre todo Ámsterdam, que atrajo cada vez más a artistas del resto de los Países Bajos, así como aFlandes y Alemania. [15]
Los artistas holandeses estaban sorprendentemente menos preocupados por la teoría artística que los de muchas naciones, y menos dados a discutir su arte; parece que también había mucho menos interés en la teoría artística en los círculos intelectuales generales y entre el público en general de lo que era común en Italia en ese entonces. [16] Como casi todas las comisiones y ventas fueron privadas, y entre individuos burgueses cuyas cuentas no se han conservado, estas también están menos documentadas que en otros lugares. Pero el arte holandés fue una fuente de orgullo nacional y los principales biógrafos son fuentes de información cruciales. Estos son Karel van Mander (Het Schilderboeck, 1604), que cubre esencialmente el siglo anterior, y Arnold Houbraken (De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen - "El gran teatro de pintores holandeses", 1718–21). Ambos siguieron, y de hecho superaron, a Vasari al incluir un gran número de breves vidas de artistas, más de 500 en el caso de Houbraken, y ambos se consideran generalmente precisos en cuestiones fácticas.
El artista alemán Joachim von Sandrart (1606–1688) había trabajado durante períodos en Holanda, y su Deutsche Akademie en el mismo formato abarca a muchos artistas holandeses que conocía. El maestro de Houbraken, y alumno de Rembrandt, fue Samuel van Hoogstraten (1627-1678), cuyo Zichtbare wereld e Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) contienen más información crítica que biográfica, y se encuentran entre los tratados de pintura más importantes del período. . Al igual que otras obras holandesas sobre la teoría del arte, exponen muchos lugares comunes de la teoría del Renacimiento y no reflejan por completo el arte holandés contemporáneo, y todavía se concentran a menudo en la pintura histórica. [17]
Pintura de historia [ editar ]
Esta categoría comprende no solo pinturas que representan eventos históricos del pasado, sino también pinturas que muestran escenas bíblicas, mitológicas, literarias y alegóricas . Los eventos históricos recientes esencialmente se salieron de la categoría y se trataron de manera realista, como la combinación adecuada de retratos con temas marinos, urbanos o paisajísticos. [18] Las grandes escenas dramáticas históricas o bíblicas se produjeron con menos frecuencia que en otros países, ya que no había un mercado local para el arte de la iglesia y pocas casas aristocráticas barrocas grandes para llenar. Más que eso, la población protestante de las principales ciudades había estado expuesta a algunos usos notablemente hipócritas de la alegoría manierista en la infructuosa propaganda de los Habsburgo durante elDutch Revolt , que había producido una fuerte reacción hacia el realismo y una desconfianza hacia la grandiosa retórica visual. [19] La pintura de historia era ahora un "arte minoritario", aunque hasta cierto punto esto fue corregido por un interés relativamente agudo en las versiones impresas de temas de historia. [20]
Más que en otros tipos de pintura, los pintores de historia holandeses continuaron estando influenciados por la pintura italiana. Grabados y copias de obras maestras italianas circularon y sugirieron ciertos esquemas de composición. La creciente habilidad holandesa en la representación de la luz se aplicó a estilos derivados de Italia, en particular el de Caravaggio . Algunos pintores holandeses también viajaron a Italia, aunque esto fue menos común que con sus contemporáneos flamencos, como puede verse en la membresía del club Bentvueghels en Roma. [13]
En la primera parte del siglo, muchos artistas manieristas del norte con estilos formados en el siglo anterior continuaron trabajando, hasta la década de 1630 en los casos de Abraham Bloemaert y Joachim Wtewael . [21] Muchas pinturas de historia eran de pequeña escala, con el pintor alemán (radicado en Roma) Adam Elsheimer con tanta influencia como Caravaggio (ambos murieron en 1610) en pintores holandeses como Pieter Lastman , el maestro de Rembrandt, y Jan y Jacob Pynas.. En comparación con la pintura de historia barroca de otros países, compartían el énfasis holandés en el realismo y la franqueza narrativa, y a veces se les conoce como los "Pre-Rembrandtistas", ya que las primeras pinturas de Rembrandt eran de este estilo. [22]
El caravaggismo de Utrecht describe a un grupo de artistas que produjeron tanto pintura de historia como escenas de género generalmente grandes en un estilo de influencia italiana, a menudo haciendo un uso intensivo del claroscuro . Utrecht, antes de la revuelta, la ciudad más importante del nuevo territorio holandés, era una ciudad holandesa inusual, todavía alrededor del 40% católica a mediados de siglo, aún más entre los grupos de élite, que incluían mucha nobleza rural y aristocracia con casas adosadas allí. . [23] Los artistas principales fueron Hendrick ter Brugghen , Gerard van Honthorst y Dirck van Baburen., y la escuela estuvo activa alrededor de 1630, aunque van Honthorst continuó hasta la década de 1650 como un exitoso pintor de la corte de las cortes inglesa, holandesa y danesa en un estilo más clásico. [24]
Rembrandt comenzó como pintor de historia antes de encontrar el éxito financiero como retratista, y nunca abandonó sus ambiciones en esta área. Gran parte de sus aguafuertes son de escenas religiosas narrativas, y la historia de su última comisión de historia, La conspiración de Claudius Civilis (1661) ilustra tanto su compromiso con la forma como las dificultades que tuvo para encontrar una audiencia. [25] Varios artistas, muchos de sus alumnos, intentaron con cierto éxito continuar con su estilo tan personal; Govaert Flinck fue el más exitoso. Gerard de Lairesse(1640-1711) fue otro de ellos, antes de caer bajo la fuerte influencia del clasicismo francés y convertirse en su principal proponente holandés como artista y teórico. [26]
La desnudez era, en efecto, el dominio exclusivo del pintor de historia, aunque muchos retratistas vestían sus desnudos ocasionales (casi siempre femeninos) con un título clásico, como lo hizo Rembrandt. A pesar de su sugestión desinhibida, los pintores de género rara vez revelaban más que un generoso escote o un estiramiento del muslo, generalmente cuando pintaban prostitutas o campesinos "italianos".
Retratos [ editar ]
La pintura de retratos prosperó en los Países Bajos en el siglo XVII, ya que había una gran clase mercantil que estaba mucho más dispuesta a encargar retratos que sus equivalentes en otros países; un resumen de diversas estimaciones de la producción total llega a entre 750.000 y 1.100.000 retratos. [28] Rembrandt disfrutó de su mayor período de éxito financiero como joven retratista de Amsterdam, pero al igual que otros artistas, se aburrió bastante de pintar retratos de burgueses encargados: "los artistas viajan por este camino sin deleite", según van Mander. [29]
Mientras que la pintura de retratos holandesa evita la arrogancia y la retórica excesiva del retrato aristocrático barroco actual en el resto de la Europa del siglo XVII, la ropa sombría de los modelos masculinos y, en muchos casos, femeninos, y el sentimiento calvinista de que la inclusión de accesorios, posesiones u vistas de tierra en el fondo mostraría que el pecado del orgullo conduce a una uniformidad innegable en muchos retratos holandeses, a pesar de su calidad técnica. Incluso se suele evitar una pose de pie, ya que una de cuerpo entero también puede mostrar orgullo. Las poses no son demostrativas, especialmente para las mujeres, aunque a los niños se les puede permitir más libertad. El momento clásico para pintar un retrato fue en el matrimonio, cuando el nuevo esposo y la esposa ocupaban con frecuencia marcos separados en un par de pinturas. Los retratos posteriores de Rembrandt obligan por la fuerza de la caracterización,y a veces un elemento narrativo, pero incluso sus primeros retratos pueden ser desalentadoresen masa , como en la sala llena de 'starter Rembrandts' donados al Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
El otro gran retratista de la época es Frans Hals , cuya pincelada vívida y famosa y su capacidad para mostrar a los modelos con un aspecto relajado y alegre agrega emoción incluso a los sujetos más poco prometedores. La pose extremadamente "indiferente" de su retrato de Willem Heythuijsen es excepcional: "ningún otro retrato de este período es tan informal". [30] El modelo era un rico comerciante de textiles que ya había encargado el único retrato individual de tamaño natural de Hals diez años antes. En este trabajo mucho más pequeño para una cámara privada, usa ropa de montar. [31] Jan de Bray animó a sus modelos a posar disfrazados como figuras de la historia clásica, pero muchas de sus obras son de su propia familia. Thomas de Keyser ,Bartholomeus van der Helst , Ferdinand Bol y otros, incluidos muchos mencionados a continuación como pintores de historia o de género, hicieron todo lo posible para animar obras más convencionales. El retrato, menos afectado por la moda que otros tipos de pintura, siguió siendo la alternativa segura para los artistas holandeses.
Por lo poco que sabemos de los procedimientos de estudio de los artistas, parece que, como en otras partes de Europa, la cara probablemente fue dibujada y quizás pintada en una o dos sesiones iniciales. El número típico de sesiones adicionales no está claro: entre cero (para un Rembrandt de larga duración) y 50 aparecen documentados. La ropa se dejó en el estudio y bien podría ser pintada por asistentes o un maestro especialista traído, aunque, o porque, se consideraba una parte muy importante de la pintura. [32] Las mujeres casadas y nunca casadas se pueden distinguir por su vestimenta, destacando cuán pocas mujeres solteras fueron pintadas, excepto en grupos familiares. [33] Como en otros lugares, la precisión de la ropa que se muestra es variable: se usaba ropa a rayas y estampada, pero los artistas rara vez las muestran, lo que comprensiblemente evita el trabajo adicional. [34] Los cuellos de encaje y gorguera eran inevitables y presentaban un desafío formidable para los pintores empeñados en el realismo. Rembrandt desarrolló una forma más efectiva de pintar encajes estampados, colocándolos en anchas rayas blancas y luego pintando ligeramente en negro para mostrar el patrón. Otra forma de hacer esto fue pintar en blanco sobre una capa negra y raspar el blanco con el extremo del pincel para mostrar el patrón. [35]
A finales de siglo, hubo una moda para mostrar modelos con un vestido semi-elegante, iniciada en Inglaterra por van Dyck en la década de 1630, conocida como vestimenta "pintoresca" o "romana". [36] Los modelos aristocráticos y milicianos se permitieron más libertad que los burgueses con vestimentas brillantes y entornos expansivos, y las afiliaciones religiosas probablemente afectaron a muchas representaciones. A finales de siglo, los valores aristocráticos, o franceses, se estaban extendiendo entre los burgueses, y las representaciones tenían más libertad y exhibición.
Un tipo distintivo de pintura, que combina elementos del retrato, la historia y la pintura de género fue el tronie . Por lo general, se trataba de la mitad de la longitud de una sola figura que se concentraba en capturar un estado de ánimo o expresión inusual. Se suponía que la identidad real del modelo no era importante, pero podrían representar una figura histórica y estar vestidos con trajes exóticos o históricos. Jan Lievens y Rembrandt, muchos de cuyos autorretratos también son tronies (especialmente los grabados), fueron algunos de los que desarrollaron el género.
Los retratos de familia tendían, como en Flandes, a colocarse al aire libre en jardines, pero sin una vista amplia como más tarde en Inglaterra, y eran relativamente informales en cuanto a vestimenta y humor. Los retratos de grupo, en gran parte un invento holandés, eran populares entre el gran número de asociaciones cívicas que eran una parte notable de la vida holandesa, como los oficiales de la ciudad de schutterijo guardias de milicias, juntas de fideicomisarios y regentes de gremios y fundaciones benéficas y similares. Especialmente en la primera mitad del siglo, los retratos eran muy formales y rígidos en su composición. Los grupos solían estar sentados alrededor de una mesa, cada persona mirando al espectador. Se prestó mucha atención a los detalles finos de la ropa y, cuando correspondía, a los muebles y otros signos de la posición de una persona en la sociedad. Más adelante en el siglo, los grupos se volvieron más vivos y los colores más brillantes. Syndics of the Drapers 'Guild de Rembrandt es un tratamiento sutil de un grupo alrededor de una mesa.
Los científicos a menudo posan con instrumentos y objetos de su estudio a su alrededor. A veces, los médicos posaban juntos alrededor de un cadáver, lo que se denominaba "lección anatómica", siendo la más famosa la lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp de Rembrandt (1632, Mauritshuis , La Haya ). Los consejos de administración en sus retratos regentenstuk prefirieron una imagen de austeridad y humildad, posando con ropa oscura (que por su refinamiento atestiguaba su posición prominente en la sociedad), a menudo sentados alrededor de una mesa, con expresiones solemnes en sus rostros.
La mayoría de los retratos de grupos de milicias se encargaron en Haarlem y Amsterdam , y eran mucho más extravagantes y relajados o incluso bulliciosos que otros tipos de retratos, así como mucho más grandes. Los primeros ejemplos los mostraban cenando, pero los grupos posteriores mostraban que la mayoría de las figuras representaban una composición más dinámica. La famosa Compañía de Milicias del Capitán Frans Banning Cocq de Rembrandt, más conocida como la Guardia Nocturna (1642), fue un intento ambicioso y no del todo exitoso de mostrar a un grupo en acción, partiendo para una patrulla o desfile, también innovador al evitar lo típico formato amplio de tales obras.
El costo de los retratos de grupo solía ser compartido por los sujetos, a menudo no por igual. La cantidad pagada podría determinar el lugar de cada persona en la imagen, ya sea de la cabeza a los pies con el atuendo completo en primer plano o solo de cara al fondo del grupo. A veces, todos los miembros del grupo pagaban una suma igual, lo que probablemente daría lugar a disputas cuando algunos miembros obtuvieron un lugar más prominente en la imagen que otros. En Amsterdam, la mayoría de estas pinturas terminarían en posesión del ayuntamiento, y muchas están ahora expuestas en el Museo Histórico de Amsterdams ; no hay ejemplos significativos fuera de los Países Bajos.
Escenas de la vida cotidiana [ editar ]
Las pinturas de género muestran escenas en las que destacan figuras a las que no se les puede atribuir una identidad específica; no son retratos ni pretenden ser personajes históricos. Junto con la pintura de paisaje, el desarrollo y la enorme popularidad de la pintura de género es el rasgo más distintivo de la pintura holandesa en este período, aunque en este caso también fueron muy populares en la pintura flamenca. Muchas son figuras únicas, como La lechera de Vermeer ; otros pueden mostrar grupos grandes en alguna ocasión social o multitudes.
Había una gran cantidad de subtipos dentro del género: figuras individuales, familias campesinas, escenas de tabernas, fiestas de " alegre compañía ", mujeres trabajando en la casa, escenas de festividades de pueblos o ciudades (aunque estas eran aún más comunes en flamenco). pintura), escenas de mercado, escenas de barracones, escenas con caballos o animales de granja, en la nieve, a la luz de la luna y muchos más. De hecho, la mayoría de estos tenían términos específicos en holandés, pero no había un término holandés equivalente a "pintura de género"; hasta finales del siglo XVIII, los ingleses a menudo los llamaban "bromas". [38] Algunos artistas trabajaron principalmente dentro de uno de estos subtipos, especialmente después de aproximadamente 1625. [39] A lo largo del siglo, las pinturas de género tendieron a reducir su tamaño.
Aunque las pinturas de género brindan muchas ideas sobre la vida cotidiana de los ciudadanos de todas las clases del siglo XVII, su precisión no siempre puede darse por sentada. [40] Por lo general, muestran lo que los historiadores del arte denominan un "efecto de realidad" en lugar de una descripción realista real; el grado en que este es el caso varía entre artistas. Muchas pinturas que parecen representar solo escenas cotidianas en realidad ilustraron refranes y dichos holandeses o transmitieron un mensaje moralista, cuyo significado ahora puede ser necesario que los historiadores del arte descifren, aunque algunas son lo suficientemente claras. Muchos artistas, y sin duda compradores, ciertamente intentaron tener las cosas en ambos sentidos, disfrutando de la representación de hogares desordenados o escenas de burdeles, mientras brindaban una interpretación moral: las obras de Jan Steen, cuya otra profesión era la de posadero, son un ejemplo. El equilibrio entre estos elementos todavía es debatido por los historiadores del arte en la actualidad. [41]
Los títulos que se dan más tarde a las pinturas a menudo distinguen entre " tabernas " o " posadas " y " burdeles ", pero en la práctica estos eran muy a menudo los mismos establecimientos, ya que muchas tabernas tenían habitaciones arriba o detrás reservadas para fines sexuales: "Posada en frente "burdel detrás" era un proverbio holandés . [42]
El Steen de arriba es claramente un ejemplo , y aunque cada uno de sus componentes individuales está representado de manera realista, la escena general no es una descripción plausible de un momento real; típicamente de la pintura de género, es una situación que se representa y se satiriza. [43]
La tradición renacentista de los libros de emblemas recónditos se había convertido, en manos de los holandeses del siglo XVII, casi universalmente alfabetizados en la lengua vernácula, pero en su mayoría sin educación en los clásicos, en las obras popularistas y altamente moralistas de Jacob Cats , Roemer Visscher y otros, a menudo basados en refranes populares . Las ilustraciones de estos a menudo se citan directamente en pinturas, y desde principios del siglo XX, los historiadores del arte han adjuntado refranes, dichos y lemas a un gran número de obras de género. Otra fuente popular de significado son los juegos de palabras visuales que utilizan la gran cantidad de términos de la jerga holandesa en el área sexual: la vagina.podría estar representado por un laúd ( luit ) o media ( kous ), y el sexo por un pájaro ( vogelen ), entre muchas otras opciones, [44] y símbolos puramente visuales como zapatos, picos y jarras y jarras en su costado.
Los mismos pintores a menudo pintaban obras con un espíritu muy diferente al de las amas de casa u otras mujeres en reposo en el hogar o en el trabajo: superan enormemente en número a los tratamientos similares de los hombres. Los hombres de la clase trabajadora que realizan sus trabajos están notablemente ausentes del arte holandés de la Edad de Oro, con paisajes poblados por viajeros y holgazanes, pero rara vez cultivadores de la tierra. [45] A pesar de que la República Holandesa es la nación más importante en el comercio internacional de Europa, y la abundancia de pinturas marinas, las escenas de trabajadores portuarios y otras actividades comerciales son muy raras. [46] Este grupo de temas fue una invención holandesa, que refleja las preocupaciones culturales de la época, [47] y fue adoptado por artistas de otros países, especialmente Francia, en los dos siglos siguientes.
La tradición se desarrolló a partir del realismo y la detallada actividad de fondo de la pintura neerlandesa temprana, que Hieronymus Bosch y Pieter Bruegel el Viejo fueron de los primeros en convertir en sus temas principales, también haciendo uso de proverbios. Los pintores de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech , Frans Hals e Esaias van de Velde fueron pintores importantes a principios del período. Buytewech pintó " compañías alegres " de jóvenes elegantemente vestidos, con un significado moralista al acecho en los detalles.
Van de Velde también fue importante como paisajista, cuyas escenas incluían figuras poco glamorosas muy diferentes a las de sus pinturas de género, que generalmente se desarrollaban en fiestas en el jardín de casas de campo. Hals fue principalmente retratista, pero también pintó figuras de género del tamaño de un retrato al principio de su carrera. [49]
Una estancia en Haarlem del maestro flamenco de escenas de tabernas campesinas Adriaen Brouwer , de 1625 o 1626, le dio a Adriaen van Ostade el tema de toda su vida, aunque a menudo adoptó un enfoque más sentimental. Antes de Brouwer, normalmente se representaba a los campesinos al aire libre; por lo general los muestra en un interior sencillo y oscuro, aunque las de van Ostade a veces ocupan granjas ostentosamente decrépitas de enorme tamaño. [50]
Van Ostade tenía la misma probabilidad de pintar una sola figura como grupo, al igual que los Utrecht Caravaggisti en sus obras de género, y la figura única, o pequeños grupos de dos o tres se volvieron cada vez más comunes, especialmente aquellos que incluían mujeres y niños. La artista más destacada de la época, Judith Leyster (1609-1660), se especializó en estos, antes de que su marido, Jan Miense Molenaer , la convenciera de que abandonara la pintura. La escuela de fijnschilder de Leiden ("pintores finos") era famosa por sus pinturas pequeñas y muy acabadas, muchas de este tipo. Los artistas principales incluyeron a Gerard Dou , Gabriel Metsu , Frans van Mieris the Elder y más tarde a su hijo.Willem van Mieris , Godfried Schalcken y Adriaen van der Werff .
Esta última generación, cuyo trabajo ahora parece demasiado refinado en comparación con sus predecesores, también pintó retratos e historias, y fueron los pintores holandeses más respetados y premiados al final del período, cuyas obras fueron buscadas en toda Europa. [51] Las pinturas de género reflejaron la creciente prosperidad de la sociedad holandesa, y los escenarios se volvieron cada vez más cómodos, opulentos y cuidadosamente representados a medida que avanzaba el siglo. Artistas que no formaban parte del grupo de Leiden, cuyos temas comunes también eran grupos de género más íntimos, incluían a Nicolaes Maes , Gerard ter Borch y Pieter de Hooch , cuyo interés por la luz en las escenas de interior fue compartido con Jan Vermeer., durante mucho tiempo una figura muy oscura, pero ahora el pintor de género más respetado de todos.
El mudo Hendrick Avercamp pintó casi exclusivamente escenas invernales de multitudes vistas desde cierta distancia.
Pieter de Hooch , Patio de una casa en Delft , 1658, un estudio sobre la virtud doméstica, la textura y la complejidad espacial. La mujer es una sirvienta. [52]
Judith Leyster , Un niño y una niña con un gato y una anguila ; Se han sugerido varias referencias a proverbios o emblemas. [53]
Nicolaes Maes , El sirviente ocioso ; Los problemas de las criadas fueron el tema de varias de las obras de Maes. [54]
Paisajes y paisajes urbanos [ editar ]
La pintura de paisaje fue un género importante en el siglo XVII. Los paisajes flamencos (particularmente de Amberes ) del siglo XVI sirvieron por primera vez como ejemplo. Estos no habían sido particularmente realistas, habiendo sido pintados principalmente en el estudio, en parte por imaginación, y a menudo todavía usando la vista semi-aérea desde arriba típica de la pintura de paisaje holandesa anterior en la tradición del " paisaje mundial " de Joachim Patinir , Herri met de Bles y el primer Pieter Bruegel el Viejo. Se desarrolló un estilo de paisaje holandés más realista, visto desde el nivel del suelo, a menudo basado en dibujos hechos al aire libre, con horizontes más bajos que permitieron enfatizar las formaciones de nubes a menudo impresionantes que eran (y son) tan típicas en el clima de la región, y que arrojan una luz particular. Los temas favoritos eran las dunas a lo largo de la costa occidental del mar, ríos con sus amplias praderas contiguas donde pastaba el ganado, a menudo con la silueta de una ciudad en la distancia. También abundaban los paisajes invernales con canales y arroyos helados. El mar también era un tema favorito, ya que los Países Bajos dependían de él para el comercio, luchaban con él por nuevas tierras y luchaban en él con naciones rivales.
Las primeras figuras importantes en el paso al realismo fueron Esaias van de Velde (1587-1630) y Hendrick Avercamp (1585-1634), ambos también mencionados anteriormente como pintores de género; en el caso de Avercamp, las mismas pinturas merecen mención en cada categoría. A partir de finales de la década de 1620 comenzó la "fase tonal" de la pintura de paisajes, cuando los artistas suavizaron o difuminaron sus contornos y se concentraron en un efecto atmosférico, con gran protagonismo dado al cielo, y las figuras humanas generalmente ausentes o pequeñas y distantes. Las composiciones basadas en una diagonal a lo largo del espacio de la imagen se hicieron populares y, a menudo, aparecía agua. Los artistas principales fueron Jan van Goyen (1596-1656), Salomon van Ruysdael (1602-1670), Pieter de Molyn(1595-1661), y en la pintura marina Simon de Vlieger (1601-1653), con una serie de figuras menores: un estudio reciente enumera más de 75 artistas que trabajaron a la manera de Van Goyen durante al menos un período, incluido Cuyp. [55]
A partir de la década de 1650 comienza la "fase clásica", conservando la calidad atmosférica, pero con composiciones más expresivas y contrastes de luz y color más fuertes. Las composiciones a menudo están ancladas por un solo "árbol heroico", molino de viento o torre, o barco en obras marinas. [56] El artista principal fue Jacob van Ruisdael (1628-1682), quien produjo una gran cantidad y variedad de obras, utilizando todos los temas típicos holandeses excepto el paisaje italianizante (abajo); en su lugar, produjo paisajes "nórdicos" de bosques de pinos de montaña oscuros y dramáticos con torrentes y cascadas. [57]
Su alumno fue Meindert Hobbema (1638-1709), más conocido por su atípica Avenue at Middelharnis (1689, Londres), una desviación de sus escenas habituales de molinos de agua y caminos a través de bosques. Otros dos artistas con estilos más personales, cuyo mejor trabajo incluía cuadros más grandes (de hasta un metro o más de ancho), fueron Aelbert Cuyp (1620-1691) y Philips Koninck (1619-1688). Cuyp tomó la luz dorada italiana y la usó en escenas nocturnas con un grupo de figuras en primer plano y detrás de ellas un río y un amplio paisaje. Las mejores obras de Koninck son las vistas panorámicas, como desde una colina, sobre amplias tierras de cultivo planas, con un cielo enorme.
Un tipo diferente de paisaje, producido a lo largo de las fases tonal y clásica, fue el paisaje romántico de estilo italiano, típicamente en entornos más montañosos que los que se encuentran en los Países Bajos, con luz dorada y, a veces, personal y ruinas mediterráneas pintorescas . No todos los artistas que se especializaron en estos habían visitado Italia. Jan Both (m. 1652), que había estado en Roma y trabajado con Claude Lorrain , fue un destacado desarrollador del subgénero, que influyó en el trabajo de muchos pintores de paisajes con escenarios holandeses, como Aelbert Cuyp. Otros artistas que trabajaron constantemente en el estilo fueron Nicolaes Berchem (1620-1683) y Adam Pijnacker.. Los paisajes de estilo italiano fueron populares como grabados, y durante el período se reprodujeron más pinturas de Berchem en grabados que las de cualquier otro artista. [58]
Varios otros artistas no encajan en ninguno de estos grupos, sobre todo Rembrandt, cuyos relativamente pocos paisajes pintados muestran diversas influencias, incluidos algunos de Hercules Seghers (c. 1589-c. 1638); Sus raros paisajes de grandes valles montañosos fueron un desarrollo muy personal de los estilos del siglo XVI. [59] Aert van der Neer (m. 1677) pintó escenas muy pequeñas de ríos por la noche o bajo el hielo y la nieve.
Los paisajes con animales en primer plano eran un subtipo distinto, y fueron pintados por Cuyp, Paulus Potter (1625-1654), Albert Jansz. Klomp (1625-1688), Adriaen van de Velde (1636-1672) y Karel Dujardin ( 1626-1678, animales de granja), con Philips Wouwerman pintando caballos y jinetes en varios escenarios. La vaca era un símbolo de prosperidad para los holandeses, hasta ahora pasado por alto en el arte, y aparte del caballo, con mucho, el animal más comúnmente mostrado; se utilizaron cabras para indicar Italia. El toro joven de Potter es un retrato enorme y famoso que Napoleón llevó a París (luego regresó), aunque los analistas de ganado han notado a partir de la descripción de las diversas partes de la anatomía que parece ser una combinación de estudios de seis animales diferentes de edades muy diferentes.
La arquitectura también fascinó a los holandeses, en particular a las iglesias. Al comienzo del período, la tradición principal eran los palacios fantasiosos y las vistas de la ciudad de la arquitectura manierista del norte inventada, que la pintura flamenca continuó desarrollando, y en Holanda estuvo representada por Dirck van Delen . Comenzó a aparecer un mayor realismo y se reprodujeron los exteriores e interiores de edificios reales, aunque no siempre fielmente. Durante el siglo, la comprensión de la interpretación adecuada de la perspectiva creció y se aplicó con entusiasmo. Varios artistas se especializaron en interiores de iglesias.
Pieter Jansz Saenredam , cuyo padre Jan Saenredam grabó sensuales diosas manieristas desnudas, pintó vistas despobladas de las iglesias góticas de la ciudad ahora encaladas. Su énfasis en la luz uniforme y la geometría, con poca representación de texturas superficiales, se pone de manifiesto al comparar sus obras con las de Emanuel de Witte , quien dejó en la gente suelos irregulares, contrastes de luz y el desorden de muebles de iglesia que quedaba en Iglesias calvinistas, todas generalmente ignoradas por Saenredam. Gerard Houckgeest , seguido por van Witte y Hendrick van Vliet , había complementado la vista tradicional a lo largo de un eje principal de la iglesia con vistas diagonales que agregaban drama e interés. [60]
Gerrit Berckheyde se especializó en vistas poco pobladas de las principales calles, plazas e importantes edificios públicos de la ciudad; Jan van der Heyden prefería escenas más íntimas de las calles más tranquilas de Ámsterdam, a menudo con árboles y canales. Eran vistas reales, pero no dudó en ajustarlas para lograr un efecto compositivo. [61]
Jacob van Ruisdael , Vista de Haarlem ; Ruisdael es una figura central, con temas más variados que muchos paisajistas.
Jan Ambos , c. 1650, paisaje italiano del tipo Ambos comienzan a pintar tras su regreso de Roma.
Allaert van Everdingen , c. 1660, paisaje nórdico del tipo que Van Eeverdingen comenzó a pintar tras su regreso de Noruega y Suecia.
Jan van Goyen , paisaje de dunas ; un ejemplo del estilo "tonal"
El gran mercado de Haarlem , 1696, de Gerrit Berckheyde .
Pintura marítima [ editar ]
La República Holandesa dependía del comercio marítimo por su riqueza excepcional, tuvo guerras navales con Gran Bretaña y otras naciones durante el período, y estuvo atravesada por ríos y canales. Por tanto, no es de extrañar que el género de la pintura marítima fuera enormemente popular y que los artistas holandeses lo llevaran a nuevas alturas en el período; al igual que con los paisajes, el paso de la vista artificial elevada típica de la pintura marina anterior fue un paso crucial. [62] Las imágenes de batallas navales contaban las historias de una marina holandesa en la cima de su gloria, aunque hoy en día suelen ser las escenas más tranquilas las que se estiman mucho. Los barcos están normalmente en el mar y las escenas de los muelles están sorprendentemente ausentes. [63]
La mayoría de las veces, incluso los barcos pequeños vuelan con el tricolor holandés , y muchos barcos pueden identificarse como navales o uno de los muchos otros barcos del gobierno. Muchas imágenes incluían un terreno, con un mirador de playa o puerto, o una vista a través de un estuario. Otros artistas se especializaron en escenas fluviales, desde los pequeños cuadros de Salomon van Ruysdael con barquitos y bancos de juncos hasta los grandes paisajes italianizantes de Aelbert Cuyp , donde el sol suele ponerse sobre un ancho río. El género, naturalmente, comparte mucho con la pintura de paisajes, y al desarrollar la representación del cielo, los dos fueron juntos; muchos paisajistas también pintaron escenas de playa y río. Los artistas incluyeron a Jan Porcellis , Simon de Vlieger ,Jan van de Cappelle , Hendrick Dubbels y Abraham Storck . Willem van de Velde el Viejo y su hijo son los principales maestros de las últimas décadas, tendiendo, como a principios de siglo, a hacer del barco el tema, mientras que en las obras tonales de décadas anteriores el énfasis había estado en el mar y El clima. Partieron hacia Londres en 1672, dejando al maestro de los mares gruesos, Ludolf Bakhuizen , nacido en Alemania , como artista principal. [64]
Naturaleza muerta [ editar ]
Los bodegones fueron una gran oportunidad para mostrar la habilidad de pintar texturas y superficies con gran detalle y con efectos de luz realistas. Alimentos de todo tipo colocados sobre una mesa, cubiertos de plata, patrones intrincados y sutiles pliegues en manteles y flores, todos desafiaron a los pintores.
Se reconocieron varios tipos de temas: banketje eran "piezas de banquete", ontbijtjes más simples "piezas de desayuno". [65] Prácticamente todas las naturalezas muertas tenían un mensaje moralista, generalmente relativo a la brevedad de la vida - esto se conoce como el tema de las vanitas - implícito incluso en ausencia de un símbolo obvio como una calavera, o uno menos obvio como un medio pelado. limón (como la vida, dulce en apariencia pero amargo al gusto). [66] Las flores se marchitan y la comida se pudre, y la plata no sirve para el alma. Sin embargo, la fuerza de este mensaje parece menos poderosa en las piezas más elaboradas de la segunda mitad del siglo.
Inicialmente, los objetos mostrados casi siempre eran mundanos. Sin embargo, a partir de mediados de siglo, los pronkstillevens ("bodegones ostentosos"), que representaban objetos caros y exóticos y habían sido desarrollados como un subgénero en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht , se hicieron más populares. [67] Las primeras fases realista, tonal y clásica de la pintura de paisaje tenían contrapartes en la pintura de naturaleza muerta. [68] Willem Claeszoon Heda (1595-c. 1680) y Willem Kalf (1619-1693) lideraron el cambio al pronkstilleven , mientras que Pieter Claesz(m. 1660) prefirió pintar "ontbijt" ("piezas de desayuno") más simples o piezas explícitas de vanitas .
En todos estos pintores, los colores suelen ser muy apagados, dominando los marrones, especialmente a mediados de siglo. Esto es menos cierto en el caso de las obras de Jan Davidsz de Heem (1606-1684), una figura importante que pasó gran parte de su carrera en la frontera de Amberes . Aquí, sus exhibiciones comenzaron a extenderse hacia los lados para formar cuadros anchos y alargados, inusuales en el norte, aunque Heda a veces pintaba composiciones verticales más altas. Los pintores de bodegones eran especialmente propensos a formar dinastías, al parecer: había muchos De Heems y Bosschaerts, el hijo de Heda continuó con el estilo de su padre y Claesz fue el padre de Nicholaes Berchem.
Las pinturas de flores formaron un subgrupo con sus propios especialistas, y ocasionalmente fueron la especialidad de las pocas artistas mujeres, como Maria van Oosterwyck y Rachel Ruysch . [69] Los holandeses también lideraron el mundo en dibujos, grabados e ilustraciones de libros botánicos y científicos. A pesar del intenso realismo de las flores individuales, las pinturas se compusieron a partir de estudios individuales o incluso ilustraciones de libros, y las flores de muy diferentes estaciones se incluyeron de manera rutinaria en la misma composición, y las mismas flores reaparecen en diferentes obras, al igual que lo hacen las piezas de vajilla. También había una irrealidad fundamental en el hecho de que los ramos de flores en jarrones no eran en absoluto comunes en las casas en ese momento, incluso los muy ricos exhibían flores una por una en porta tulipanes delftware . [70]
La tradición holandesa fue iniciada en gran parte por Ambrosius Bosschaert (1573-1621), un pintor de flores de origen flamenco que se había establecido en el norte a principios del período y fundó una dinastía. Su cuñado Balthasar van der Ast (muerto en 1657) fue el pionero de los bodegones de conchas, además de pintar flores. Estas primeras obras estaban relativamente iluminadas, con los ramos de flores dispuestos de una manera relativamente simple. A partir de mediados de siglo, los arreglos que pueden llamarse barrocos, por lo general sobre un fondo oscuro, se hicieron más populares, ejemplificados por las obras de Willem van Aelst (1627-1683). Los pintores de Leiden , La Haya y Amsterdam sobresalieron particularmente en el género.
La caza muerta y los pájaros pintados vivos pero estudiados desde los muertos eran otro subgénero, al igual que los peces muertos, un elemento básico de la dieta holandesa; Abraham van Beijeren hizo muchos de estos. [71] Los holandeses eran menos propensos al estilo flamenco de combinar grandes elementos de naturaleza muerta con otros tipos de pintura (se los habría considerado orgullosos en los retratos) y el hábito flamenco de los pintores especializados que colaboran en los diferentes elementos de la misma obra. Pero esto sucedió a veces: Philips Wouwerman se usó ocasionalmente para agregar hombres y caballos para convertir un paisaje en una escena de caza o escaramuza, Berchem o Adriaen van de Velde para agregar personas o animales de granja.
Willem van Aelst , Naturaleza muerta con reloj (c. 1665), con el típico fondo oscuro.
Willem Claeszoon Heda , Mesa de desayuno con tarta de moras (1631); Heda era famoso por su representación de superficies reflectantes.
Jan Davidszoon de Heem , Vanitas (1629)
Jan Weenix , Naturaleza muerta con un pavo real muerto (1692), ambientada en los jardines de una gran casa de campo.
Tierras extranjeras [ editar ]
Para los artistas holandeses, Schilderboeck de Karel van Mander no solo fue una lista de biografías, sino también una fuente de consejos para artistas jóvenes. Rápidamente se convirtió en un trabajo estándar clásico para generaciones de jóvenes artistas holandeses y flamencos en el siglo XVII. El libro aconsejaba a los artistas viajar y ver los lugares de interés de Florencia y Roma, y después de 1604 muchos lo hicieron. Sin embargo, llama la atención que los artistas holandeses más importantes en todos los campos, figuras como Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen, Jacob van Ruisdael, entre otros, no hicieron el viaje. [13]
Muchos pintores holandeses (y flamencos) trabajaron en el extranjero o exportaron su trabajo; El grabado fue también un importante mercado de exportación, por el que Rembrandt se dio a conocer en toda Europa. El obsequio holandés a Carlos II de Inglaterra fue un obsequio diplomático que incluyó cuatro pinturas holandesas contemporáneas. La pintura inglesa dependía en gran medida de los pintores holandeses, con Sir Peter Lely seguido por Sir Godfrey Kneller , desarrollando el estilo de retrato inglés establecido por el flamenco Anthony van Dyck antes de la Guerra Civil Inglesa . Los pintores marinos van der Velde, padre e hijo, estuvieron entre varios artistas que abandonaron Holanda en la invasión francesa de 1672, que provocó un colapso en el mercado del arte. También se mudaron a Londres, y los inicios de la pintura de paisajes inglesa fueron establecidos por varios pintores holandeses menos distinguidos, como Hendrick Danckerts .
Los Bamboccianti fueron una colonia de artistas holandeses que introdujeron la escena del género en Italia. Jan Weenix y Melchior d'Hondecoeter especializados en animales y aves, vivos o muertos, y estaban en la demanda de casa de campo y la casa de campo de tiro- overdoors todo el norte de Europa.
Aunque el control holandés de la región productora de azúcar del noreste del Brasil holandés resultó breve (1630-54), el gobernador Johan Maurits van Nassau-Siegen invitó a artistas holandeses a pintar escenas que son valiosas para mostrar el paisaje y los pueblos del siglo XVII de la región. [72] Los dos artistas más conocidos fueron Frans Post , un paisajista y un pintor de bodegones, Albert Eckhout , que produjo pinturas etnográficas de la población de Brasil. Estos se exhibieron originalmente en el Gran Salón del Palacio de Vrijburg en Recife . [73] Había un mercado en Amsterdam para este tipo de pinturas, [74]y Post continuó produciendo escenas brasileñas durante años después de su regreso a los Países Bajos. Las Indias Orientales Holandesas se cubrieron mucho menos artísticamente.
Paisaje con ingenio azucarero, Frans Post
Paisaje con la casa de un trabajador, Frans Post
Guerrero indio brasileño, Albert Eckhout
Plátanos, goiaba y otras frutas, Albert Eckhout
Reputación posterior [ editar ]
El enorme éxito de la pintura holandesa del siglo XVII dominó el trabajo de las generaciones posteriores, y ningún pintor holandés del siglo XVIII —ni, posiblemente, uno del siglo XIX antes de Van Gogh— es bien conocido fuera de los Países Bajos. Ya al final del período, los artistas se quejaban de que los compradores estaban más interesados en los artistas muertos que en los vivos.
Aunque solo sea por las enormes cantidades producidas, la pintura holandesa del Siglo de Oro siempre ha formado una parte significativa de las colecciones de pinturas de los Antiguos Maestros , un término inventado en el siglo XVIII para describir a los artistas holandeses del Siglo de Oro. Tomando solo pinturas de Wouwerman en antiguas colecciones reales, hay más de 60 en Dresde y más de 50 en el Hermitage . [75] Pero la reputación del período ha mostrado muchos cambios y cambios de énfasis. Un factor casi constante ha sido la admiración por Rembrandt , especialmente desde el período romántico. Otros artistas han mostrado cambios drásticos en la fortuna crítica y el precio de mercado; al final del período, algunos de los fijnschilders activos de Leidentenía una reputación enorme, pero desde mediados del siglo XIX las obras realistas de varios géneros han sido mucho más apreciadas. [76]
Vermeer fue rescatado de la oscuridad casi total en el siglo XIX, momento en el que varias de sus obras se habían vuelto a atribuir a otras. Sin embargo, el hecho de que muchas de sus obras ya se encontraran en colecciones importantes, a menudo atribuidas a otros artistas, demuestra que la calidad de las pinturas individuales fue reconocida incluso si su obra colectiva era desconocida. [77] Otros artistas han seguido siendo rescatados de la masa de pintores poco conocidos: los bodegones tardíos y muy simples de Adriaen Coorte en la década de 1950, [78] y los paisajistas Jacobus Mancaden y Frans Post a principios de siglo. [79]
Las pinturas de género fueron populares durante mucho tiempo, pero poco consideradas. En 1780, Horace Walpole desaprobó que "inviten a la risa a divertirse con la más desagradable falta de delicadeza de los groseros". [80] Sir Joshua Reynolds , el líder inglés del arte académico del siglo XVIII , hizo varios comentarios reveladores sobre el arte holandés. Quedó impresionado por la calidad de La lechera de Vermeer (ilustrada al comienzo de este artículo) y la vivacidad de los retratos de Hals, lamentando no haber tenido la "paciencia" para terminarlos correctamente, y lamentó que Steen no hubiera nacido en Italia y formado por el Alto Renacimiento , por lo que su talento podría haberse aprovechado mejor. [81] En la época de Reynold, el aspecto moralista de la pintura de género ya no se entendía, ni siquiera en los Países Bajos; el ejemplo famoso es la llamada amonestación paterna , como se la conocía entonces, de Gerard ter Borch . Esto fue elogiado por Goethe y otros por la delicadeza de su descripción de un padre reprendiendo a su hija. De hecho, para la mayoría (pero no para todos) los eruditos modernos es una escena de proposiciones en un burdel: hay dos versiones (Berlín y Amsterdam) y no está claro si una "moneda reveladora" en la mano del hombre ha sido quitada o pintada. en cualquiera. [82]
En la segunda mitad del siglo XVIII, el realismo realista de la pintura holandesa era un " gusto Whig " en Inglaterra y en Francia asociado con el racionalismo de la Ilustración y las aspiraciones de reforma política. [83] En el siglo XIX, con un respeto casi universal por el realismo y el declive final de la jerarquía de géneros, los pintores contemporáneos comenzaron a tomar prestado de los pintores de género tanto su realismo como su uso de objetos con fines narrativos, y pintaron de manera similar. temas en sí mismos, con todos los géneros en los que los holandeses habían sido pioneros apareciendo en lienzos mucho más grandes (excepto las naturalezas muertas).
En la pintura de paisajes, los artistas italianizantes fueron los más influyentes y más respetados en el siglo XVIII, pero John Constable fue uno de los románticos que los denunciaron por artificialidad, prefiriendo los artistas tonales y clásicos. [58] De hecho, ambos grupos siguieron siendo influyentes y populares en el siglo XIX.
Ver también [ editar ]
- Arte de los Países Bajos
- Escuela de Delft (pintura)
- Escuela holandesa (pintura)
- Lista de pintores holandeses
- Lista de pintores del Siglo de Oro holandés
Notas [ editar ]
- ↑ En las historias generales, 1702 se toma a veces como el final de la Edad de Oro, una fecha que funciona razonablemente bien para la pintura. Slive, que evita el término (véase pág. 296), divide su libro en dos partes: 1600–1675 (294 páginas) y 1675–1800 (32 páginas).
- ↑ De manera confusa, un género particularde pintura se llama pintura de género , la pintura de algún tipo de escenas cotidianas con personas no identificadas. Pero, por ejemplo, la naturaleza muerta también es un género en la pintura.
- ↑ Fuchs, 104
- ↑ Franits, 2-3
- ↑ Lloyd, 15, citando a Jonathan Israel . Quizás solo el 1% sobrevive hoy en día, y "solo alrededor del 10% de estos eran de calidad real".
- ↑ Franits, 2
- ↑ Jan Steen era un posadero, Aelbert Cuyp fue una de las muchas cuyas esposas adineradas los persuadieron de que dejaran la pintura, aunque Karel Dujardin parece haber huido de la suya para continuar con su trabajo. Por el contrario, Jan van de Cappelle provenía de una familia muy adinerada y Joachim Wtewael era unmagnate del lino que se había hecho a sí mismo. Vea sus biografías en MacLaren. El artista pesquero Jacob Gillig también trabajó como carcelero en la prisión de Utrecht, convenientemente cerca del mercado de pescado. Archivado el 13 de agosto de 2018 en la Wayback Machine. Los bancarrotas incluyeron: Rembrandt, Frans Hals, Jan de Bray y muchos otros.
- ^ Franits, 217 y ss. en 1672 y sus efectos.
- ↑ Fuchs, 43; Franits, 2 llama a este "comentario frecuentemente citado" "indudablemente exagerado".
- ↑ Fuchs, 104
- ↑ Prak (2008), 151-153 o Prak (2003), 241
- ↑ Prak (2008), 153
- ↑ a b c Fuchs, 43
- ↑ El libro de Franits está organizado en gran parte por ciudad y período; Slive por categorías temáticas
- ↑ Franits, resumido en la p. 260
- ↑ Fuchs, 76
- ^ Ver Slive, 296-7 y en otros lugares
- ↑ Fuchs, 107
- ^ Fuchs, 62, RH Wilenski, Pintura holandesa , "Prólogo" págs. 27–43, 1945, Faber, Londres
- ↑ Fuchs, 62-3
- ↑ Slive, 13-14
- ↑ Fuchs, 62-69
- ↑ Franits, 65. Los artistas holandeses católicos del siglo XVII incluían a Abraham Bloemaert y Gerard van Honthorst de Utrecht, y Jan Steen, Paulus Bor , Jacob van Velsen y Vermeer, quien probablemente se convirtió en su matrimonio. [1] Jacob Jordaens fue uno de los artistas protestantes flamencos.
- ↑ Slive, 22-4
- ↑ Fuchs, 69-77
- ↑ Fuchs, 77-78
- ^ Árbol genealógico de Trip . Son famosos los diversos retratos de sus abuelos realizados por Rembrandt.
- ↑ Ekkart, 17 n. 1 (en la p. 228).
- ↑ Shawe-Taylor, 22-23, 32-33 sobre retratos, cita de 33
- ↑ Ekkart, 118
- ^ Ekkart, 130 y 114.
- ^ Ekkart (ensayo de Marike de Winkel), 68-69
- ^ Ekkart (ensayo de Marike de Winkel), 66-68
- ↑ Ekkart (ensayo de Marike de Winkel), 73
- ^ Ekkart (ensayo de Marike de Winkel), 69-71
- ^ Ekkart (ensayo de Marike de Winkel), 72-73
- ↑ Otra versión en Apsley House , con una composición diferente, pero usando la mayoría de los mismos objetos moralizantes, es analizada por Franits, 206-9.
- ↑ Fuchs, 42 y Slive, 123
- ↑ Slive, 123
- ↑ Franits, 1, menciona el vestuario en las obras de Utrecht Caravagggisti y los escenarios arquitectónicos, como especialmente propensos a abandonar la representación precisa.
- ^ Franits, 4-6 resume el debate, para el que Svetlana Alpers ' El arte de describir (1983) es una obra importante (ver aunque breve comentario de Slive en la pág. 344). Ver también Franits, 20-21 sobre pinturas que los individuos contemporáneos entienden de manera diferente, y su p.24
- ^ Sobre la crítica de arte de Diderot. Mira Friedman, pág. 36 Archivado el 21 de julio de 2011 en la Wayback Machine.
- ↑ Fuchs, 39-42, analiza dos escenas comparables de Steen y Dou, y p. 46.
- ^ Fuchs, págs.54, 44, 45.
- ↑ Slive, 191
- ^ Slive, 1
- ↑ Explorado extensamente por Schama en su Capítulo 6. Ver también el análisis de La lechera (Vermeer) , reivindicado por diferentes historiadores del arte para cada tradición.
- ↑ Franits, 180-182, aunque extrañamente parece descartar la posibilidad de que la pareja esté casada. Casado o no, el cazador claramente espera un regreso de su don de (juegos de palabras) pájaros, aunque el zapato abierto y la pistola en el suelo, apuntando en diferentes direcciones, sugieren que puede estar decepcionado. Metsu usó perros opuestos varias veces y puede haber inventado el motivo, que fue copiado por artistas victorianos. Una estatua de Cupido preside la escena.
- ↑ Franits, 24-27
- ^ Franits, 34-43. Es de suponer que se trata de casas abandonadas por la nobleza católica que había huido al sur en la Guerra de los Ochenta Años. Su autorretrato lo muestra, igualmente inverosímil, trabajando en un entorno así.
- ↑ Fuchs, 80
- ^ Franits, 164-6.
- ↑ MacLaren, 227
- ^ Franits, 152-6. Schama, 455-460 analiza la preocupación general por las sirvientas, "las mujeres más peligrosas de todas" (p. 455). Ver también Franits, 118-119 y 166 sobre sirvientes.
- ↑ Slive, 189 - El estudio es de H.-U. Beck (1991)
- ↑ Slive, 190 (cita), 195-202
- ↑ Derivado de obras de Allart van Everdingen quien, a diferencia de Ruysdael, había visitado Noruega en 1644. Slive, 203
- ↑ a b Slive, 225
- ↑ Rembrandt poseía siete Seghers; después de un incendio reciente, ahora se cree que solo sobrevivieron 11; no está claro cuántos de los restos de Rembrandt quedan.
- ↑ Slive, 268-273.
- ^ Slive, 273-6
- ↑ Slive, 213-216.
- ↑ Franits, 1
- ↑ Slive, 213-224.
- ↑ MacLaren, 79
- ^ Slive, 279-281. Fuchs, 109
- ^ Pronkstilleven en: Diccionario Oxford de términos artísticos
- ↑ Fuchs, 113-6
- ↑ y sólo algunos otros, véanse Slive, 128, 320-321 e index, y Schama, 414. La artista destacada de la época fue Judith Leyster.
- ↑ Fuchs, 111-112. Slive, 279-281, también cubre floraciones no estacionales y recurrentes.
- ^ Slive, 287-291
- ^ Rüdger Joppien. "La visión holandesa de Brasil: Johan Maurits y sus artistas", en Johan Maurits van Nassau-Siegen, 1604-1679: Un príncipe humanista en Europa y Brasil , ed. Ernst van den Boogaart y col. 297-376. La Haya: Johan Maurits van Nassau Stichting, 1979.
- ^ van Groesen, Atlántico de Amsterdam , págs. 171-72. Con el reemplazo portugués de los holandeses, Maurits le dio las pinturas del Palacio de Vrijburg a Federico III de Dinamarca.
- ^ Michiel van Groesen, Atlántico de Amsterdam: cultura impresa y la fabricación del Brasil holandés . Filadelfia: University of Pennsylvania Press 2017, págs. 150-51.
- ^ Slive, 212
- ^ Ver Reitlinger, 11-15, 23-4 y passim , y listados de artistas individuales
- ^ Ver Reitlinger, 483-4 y passim
- ↑ Slive, 319
- ↑ Slive, 191-2
- ^ "Anuncio" o prefacio al vol. 4 de la segunda edición de Anecdotes of Painting in England , basada enlos cuadernos de George Vertue , página ix, 1782, J. Dodwell, Londres, Internet Archive
- ↑ Slive, 144 (Vermeer), 41-2 (Hals), 173 (Steen)
- ↑ Slive, 158-160 (cita de moneda) y Fuchs, 147-8, que usa el título Brothel Scene . Franits, 146-7, citando a Alison Kettering, dice que hay "vaguedad deliberada" en cuanto al tema, y todavía usa el título Paternal Admonition .
- ↑ Reitlinger, I, 15/11. Cita p.13
Referencias [ editar ]
| Historia de la pintura holandesa y flamenca | |
| Netherlandish temprano (1400-1523) | |
| Pintura renacentista (1520-1580) | |
| Manierismo del Norte (1580-1615) | |
| Pintura holandesa de la "Edad de Oro" (1615-1702) | |
| Pintura barroca flamenca (1608-1700) | |
| Lista de pintores holandeses | |
| Lista de pintores flamencos | |
- "Ekkart": Rudi Ekkart y Quentin Buvelot (eds), Retratos holandeses, The Age of Rembrandt y Frans Hals , Mauritshuis / National Gallery / Waanders Publishers, Zwolle, 2007, ISBN 978-1-85709-362-9
- Franits, Wayne, Pintura de género holandesa del siglo XVII , Yale UP, 2004, ISBN 0-300-10237-2
- Fuchs, RH, pintura holandesa , Thames and Hudson, Londres, 1978, ISBN 0-500-20167-6
- Ingamells, John, The Wallace Collection, Catalogue of Pictures, Vol IV, Dutch and Flemish , Wallace Collection, 1992, ISBN 0-900785-37-3
- Lloyd, Christopher , Enchanting the Eye, Pinturas holandesas de la Edad de Oro , Publicaciones de la colección real, 2004, ISBN 1-902163-90-7
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- Prak, Maarten, (2003) "Los gremios y el desarrollo del mercado del arte durante la Edad de Oro holandesa". En: Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art , vol. 30, no. 3/4. (2003), págs. 236-251. La versión ampliada es Prak (2008)
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- Reitlinger, Gerald ; The Economics of Taste, Vol I: The Rise and Fall of Picture Prices 1760-1960, Barrie y Rockliffe, Londres, 1961
- Schama, Simon , La vergüenza de las riquezas: una interpretación de la cultura holandesa en la Edad de Oro , 1987
- Shawe-Taylor, Desmond y Scott, Jennifer, Bruegel a Rubens, Maestros de la pintura flamenca , Royal Collection Publications, Londres, 2008, ISBN 978-1-905686-00-1
- Slive, Seymour , pintura holandesa, 1600-1800 , Yale UP, 1995, ISBN 0-300-07451-4
Lectura adicional [ editar ]
- Alpers, Svetlana . El arte de describir: arte holandés en el siglo XVII , Chicago: University of Chicago Press, 1983, ( revisión de Ernst Gombrich )
- Franits, Wayne E., Pintura de género holandesa del siglo XVII: su evolución estilística y temática , 2018, Yale University Press
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Enlaces externos [ editar ]
 | Wikimedia Commons tiene medios relacionados con las pinturas holandesas del Siglo de Oro . |
- Pintura en el Siglo de Oro holandés - Galería Nacional de Arte
- Una breve descripción del mercado del arte holandés en el siglo XVII
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