La pintura neerlandesa temprana , tradicionalmente conocida como los primitivos flamencos , se refiere al trabajo de artistas activos en los Países Bajos de Borgoña y Habsburgo durante el período del Renacimiento del Norte de los siglos XV y XVI . Floreció especialmente en las ciudades de Brujas , Gante , Malinas , Lovaina , Tournai y Bruselas , todas en la actual Bélgica . El período comienza aproximadamente con Robert Campin y Jan van Eyck en la década de 1420 y dura al menos hasta la muerte de Gerard David.en 1523, [1] aunque muchos eruditos lo extienden hasta el comienzo de la revuelta holandesa en 1566 o 1568 ( las aclamadas encuestas de Max J. Friedländer pasan por Pieter Bruegel el Viejo ). La pintura neerlandesa temprana coincide con el Renacimiento italiano temprano y alto , pero el período temprano (hasta aproximadamente 1500) se considera una evolución artística independiente, separada del humanismo renacentista que caracterizó los desarrollos en Italia, aunque a partir de la década de 1490 como un número creciente de holandeses y otros pintores del norte viajaron a Italia, Renacimientolos ideales y estilos de pintura se incorporaron a la pintura del norte. Como resultado, los pintores neerlandeses tempranos a menudo se clasifican como pertenecientes tanto al Renacimiento del Norte como al Gótico Tardío o Internacional .
Los principales pintores holandeses incluyen a Campin, van Eyck, Rogier van der Weyden , Dieric Bouts , Petrus Christus , Hans Memling , Hugo van der Goes y Hieronymus Bosch . Estos artistas lograron avances significativos en la representación natural y el ilusionismo , y su trabajo generalmente presenta una iconografía compleja.. Sus temas suelen ser escenas religiosas o pequeños retratos, siendo relativamente raros la pintura narrativa o los temas mitológicos. El paisaje a menudo se describe ricamente, pero se relega como un detalle de fondo antes de principios del siglo XVI. Las obras pintadas son generalmente al óleo sobre tabla, ya sea como obra única o como retablos portátiles o fijos más complejos en forma de dípticos , trípticos o polípticos . El período también se destaca por su escultura, tapices , manuscritos iluminados , vidrieras y retablos tallados .
Las primeras generaciones de artistas estuvieron activas durante el apogeo de la influencia borgoñona en Europa, cuando los Países Bajos se convirtieron en el centro político y económico del norte de Europa, conocido por su artesanía y artículos de lujo. Con la ayuda del sistema de talleres, se vendieron paneles y una variedad de artesanías a príncipes o comerciantes extranjeros a través de contratos privados o puestos de mercado. La mayoría de las obras fueron destruidas durante las oleadas de iconoclastia de los siglos XVI y XVII; hoy solo sobreviven unos pocos miles de ejemplos.
El arte temprano del norte en general no fue bien considerado desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XIX, y los pintores y sus obras no fueron bien documentados hasta mediados del siglo XIX. Los historiadores del arte pasaron casi otro siglo determinando las atribuciones, estudiando la iconografía y estableciendo los contornos desnudos incluso de las vidas de los principales artistas; La atribución de algunas de las obras más significativas aún se debate. La beca de pintura neerlandesa temprana fue una de las principales actividades de la historia del arte de los siglos XIX y XX, y un foco principal de dos de los historiadores del arte más importantes del siglo XX: Max J. Friedländer ( De Van Eyck a Breugel y Early Pintura holandesa ) y Erwin Panofsky (Pintura neerlandesa temprana ).
Terminología y alcance [ editar ]
El término "arte neerlandés temprano" se aplica ampliamente a los pintores activos durante los siglos XV y XVI [1] en las áreas del norte de Europa controladas por los duques de Borgoña y más tarde por la dinastía Habsburgo . Estos artistas se convirtieron en una de las primeras fuerzas impulsoras del Renacimiento del Norte y del alejamiento del estilo gótico. En este contexto político e histórico-artístico, el norte sigue las tierras de Borgoña, que abarcan áreas que abarcan partes de la Francia moderna, Alemania, Bélgica y los Países Bajos. [2]
Los artistas holandeses han sido conocidos por una variedad de términos. "Gótico tardío" es una designación temprana que enfatiza la continuidad con el arte de la Edad Media . [3] A principios del siglo XX, a los artistas se les conocía en inglés como la " escuela de Gante-Brujas " o la "vieja escuela neerlandesa". "Primitivos flamencos" es un término histórico-artístico tradicional tomado de los flamands franceses primitifs [4] que se hizo popular después de la famosa exposición en Brujas en 1902 [5] [A] y sigue en uso hoy en día, especialmente en holandés y alemán. [3]En este contexto, "primitivo" no se refiere a una falta de sofisticación percibida, sino que identifica a los artistas como creadores de una nueva tradición en la pintura. Erwin Panofsky prefirió el término ars nova ("arte nuevo"), que vinculaba el movimiento con compositores musicales innovadores como Guillaume Dufay y Gilles Binchois , quienes fueron favorecidos por la corte borgoñona sobre los artistas adscritos a la fastuosa corte francesa. [6] Cuando los duques de Borgoña establecieron centros de poder en los Países Bajos, trajeron consigo una perspectiva más cosmopolita. [7] Según Otto Pächtun cambio simultáneo en el arte comenzó en algún momento entre 1406 y 1420 cuando se produjo una "revolución en la pintura"; surgió una "nueva belleza" en el arte, una que representaba el mundo visible más que el metafísico. [8]
En el siglo XIX, los artistas de los primeros Países Bajos fueron clasificados por nacionalidad, con Jan van Eyck identificado como alemán y van der Weyden (nacido como Roger de la Pasture) como francés. [9] A los estudiosos les preocupaba a veces si la génesis de la escuela estaba en Francia o en Alemania. [10] Estos argumentos y distinciones se disiparon después de la Primera Guerra Mundial, y siguiendo los pasos de Friedländer , Panofsky y Pächt, los estudiosos de lengua inglesa ahora describen casi universalmente el período como "pintura neerlandesa temprana", aunque muchos historiadores del arte ven el término flamenco. como más correcto. [9]
En el siglo XIV, cuando el arte gótico dio paso a la era del gótico internacional , se desarrollaron varias escuelas en el norte de Europa. El arte holandés temprano se originó en el arte cortesano francés y está especialmente ligado a la tradición y las convenciones de los manuscritos iluminados . Los historiadores del arte moderno ven que la era comenzó con los iluminadores de manuscritos del siglo XIV. Les siguieron pintores de paneles como Melchior Broederlam y Robert Campin , este último generalmente considerado el primer maestro de los primeros holandeses, bajo el cual van der Weyden sirvió su aprendizaje. [7] La iluminación alcanzó un pico en la región en las décadas posteriores a 1400, principalmente debido al patrocinio de Borgoña yCasa de los duques Valois-Anjou como Felipe el Temerario , Luis I de Anjou y Jean, duque de Berry . Este patrocinio continuó en los países bajos con los duques de Borgoña, Felipe el Bueno y su hijo Carlos el Temerario . [11] La demanda de manuscritos iluminados declinó hacia finales de siglo, quizás debido al costoso proceso de producción en comparación con la pintura sobre paneles. Sin embargo, la iluminación siguió siendo popular en el extremo del mercado de lujo, y los grabados , tanto grabados como xilografías , encontraron un nuevo mercado masivo, especialmente los de artistas como Martin Schongauer yAlberto Durero . [12]
Siguiendo las innovaciones de van Eyck, la primera generación de pintores holandeses enfatizó la luz y la sombra, elementos generalmente ausentes en los manuscritos iluminados del siglo XIV. [13] Las escenas bíblicas se representaron con más naturalismo, lo que hizo que su contenido fuera más accesible para los espectadores, mientras que los retratos individuales se volvieron más evocadores y vivos. [14] Johan Huizinga dijo que el arte de la época estaba destinado a integrarse completamente con la rutina diaria, para "llenar de belleza" la vida devocional en un mundo estrechamente ligado a la liturgia y los sacramentos. [15]Después de aproximadamente 1500, una serie de factores se volvieron contra el estilo nórdico generalizado, entre ellos el auge del arte italiano, cuyo atractivo comercial comenzó a rivalizar con el arte holandés en 1510, y lo superó unos diez años después. Dos eventos reflejan simbólica e históricamente este cambio: el transporte de una Virgen y un Niño de mármol de Miguel Ángel a Brujas en 1506, [12] y la llegada de los dibujos animados de tapiz de Rafael a Bruselas en 1517, que fueron ampliamente vistos en la ciudad. [16] Aunque la influencia del arte italiano pronto se extendió por todo el norte, a su vez se había inspirado en los pintores del norte del siglo XV, con la Madonna de Miguel Ángelbasado en un tipo desarrollado por Hans Memling . [12]
La pintura holandesa termina en el sentido más estricto con la muerte de Gerard David en 1523. Varios artistas de mediados y finales del siglo XVI mantuvieron muchas de las convenciones, y con frecuencia, pero no siempre, se asocian con la escuela. El estilo de estos pintores a menudo contrasta dramáticamente con el de la primera generación de artistas. [4] A principios del siglo XVI, los artistas comenzaron a explorar representaciones ilusionistas de tres dimensiones. [17]La pintura de principios del siglo XVI puede verse como una derivación directa de las innovaciones artísticas y la iconografía del siglo anterior, y algunos pintores, siguiendo los formatos y simbolismos tradicionales y establecidos del siglo anterior, continúan produciendo copias de obras pintadas previamente. Otros cayeron bajo la influencia del humanismo renacentista , volviéndose hacia ciclos narrativos seculares, ya que la imaginería bíblica se mezcló con temas mitológicos. [18] Una ruptura total con el estilo y el tema de mediados del siglo XV no se vio hasta el desarrollo del manierismo del norte.alrededor de 1590. Hubo una superposición considerable, y las innovaciones de principios a mediados del siglo XVI pueden vincularse al estilo manierista, incluido el retrato secular naturalista, la representación de la vida ordinaria (en oposición a la cortesana) y el desarrollo de paisajes elaborados y paisajes urbanos que eran más que vistas de fondo. [19]
Cronología [ editar ]
Los orígenes de la escuela neerlandesa temprana se encuentran en las pinturas en miniatura del período gótico tardío. [20] Esto se vio por primera vez en la iluminación de manuscritos, que después de 1380 transmitió nuevos niveles de realismo, perspectiva y habilidad en la reproducción del color, [21] alcanzando su punto máximo con los hermanos Limbourg y el artista holandés conocido como Hand G, a quien deja el más significativo de las Horas Turín-Milán se suelen atribuir. [22] Aunque su identidad no se ha establecido definitivamente, Hand G, quien contribuyó c. 1420, se cree que fue Jan van Eyck o su hermano Hubert . Según Georges Hulin de LooLas contribuciones de Hand G a las Horas de Turín-Milán "constituyen el grupo de pinturas más maravilloso que jamás haya decorado un libro y, para su época, la obra más asombrosa conocida en la historia del arte". [23]
El uso que hizo Jan van Eyck del aceite como medio fue un avance significativo que permitió a los artistas una manipulación mucho mayor de la pintura. El historiador de arte del siglo XVI Giorgio Vasari afirmó que van Eyck inventó el uso de pintura al óleo; una afirmación que, aunque exagerada, [7] indica hasta qué punto van Eyck ayudó a difundir la técnica. Van Eyck empleó un nuevo nivel de virtuosismo, principalmente al aprovechar el hecho de que el aceite se seca tan lentamente; esto le dio más tiempo y más margen para mezclar y mezclar capas de diferentes pigmentos, [24] y su técnica fue rápidamente adoptada y refinada por Robert Campin y Rogier van der Weyden. Estos tres artistas se consideran el primer rango y los más influyentes de la primera generación de pintores neerlandeses tempranos. Su influencia se sintió en el norte de Europa, desde Bohemia y Polonia en el este hasta Austria y Suabia en el sur. [25]
Varios artistas tradicionalmente asociados con el movimiento tenían orígenes que no eran ni holandeses ni flamencos en el sentido moderno. Van der Weyden nació como Roger de la Pasture en Tournai . [26] [27] El alemán Hans Memling y el estonio Michael Sittow trabajaron en los Países Bajos en un estilo totalmente holandés. Simon Marmion es a menudo considerado como un pintor de los primeros Países Bajos porque vino de Amiens , un área gobernada intermitentemente por la corte de Borgoña entre 1435 y 1471. [4] El ducado de Borgoña estaba en su apogeo, y las innovaciones hechas por los pintores neerlandeses fueron pronto reconocidos en todo el continente. [28]En el momento de la muerte de van Eyck, sus cuadros fueron buscados por mecenas adinerados de toda Europa. Las copias de sus obras circularon ampliamente, un hecho que contribuyó en gran medida a la difusión del estilo holandés en el centro y sur de Europa. [29] El arte centroeuropeo estaba entonces bajo la doble influencia de las innovaciones de Italia y del norte. A menudo, el intercambio de ideas entre los Países Bajos e Italia llevó al patrocinio de la nobleza como Matthias Corvinus , rey de Hungría , quien encargó manuscritos de ambas tradiciones. [30]
La primera generación estaba alfabetizada, bien educada y, en su mayoría, provenía de entornos de clase media. Van Eyck y van der Weyden ocupaban un lugar destacado en la corte de Borgoña, y van Eyck, en particular, asumía papeles para los que era necesaria la habilidad de leer latín; las inscripciones encontradas en sus paneles indican que tenía un buen conocimiento tanto del latín como del griego. [31] [B] Varios artistas tuvieron éxito financiero y fueron muy solicitados en los Países Bajos y por patrocinadores de toda Europa. [32] Muchos artistas, incluidos David y Bouts, podían permitirse donar grandes obras a las iglesias, monasterios y conventos de su elección. Van Eyck era ayuda de cámara en la corte de Borgoña y tenía fácil acceso a Felipe el Bueno. [32]Van der Weyden fue un inversor prudente en acciones y propiedades; Bouts tenía una mentalidad comercial y se casó con la heredera Catherine "Mettengelde" ("con el dinero"). [33] [34] Vrancke van der Stockt invirtió en tierras. [31]
La influencia de los primeros maestros holandeses llegó a artistas como Stefan Lochner y el pintor conocido como el Maestro de la vida de la Virgen , quienes, trabajando en la Colonia de mediados del siglo XV , se inspiraron en obras importadas de van der Weyden y Bouts. . [36] Surgieron culturas pictóricas nuevas y distintivas; Ulm , Nuremberg , Viena y Munich fueron los centros artísticos más importantes del Sacro Imperio Romano Germánico a principios del siglo XVI. Hubo un aumento en la demanda de grabado (utilizando grabados en madera o grabado en placa de cobre) y otras innovaciones tomadas de Francia y el sur de Italia. [25] Algunos pintores del siglo XVI tomaron prestado en gran medida las técnicas y estilos del siglo anterior. Incluso artistas progresistas como Jan Gossaert hicieron copias, como su reelaboración de Madonna in the Church de van Eyck . [37] Gerard David vinculó los estilos de Brujas y Amberes , viajando a menudo entre las ciudades. Se mudó a Amberes en 1505, cuando Quentin Matsys era el jefe del gremio de pintores locales , y los dos se hicieron amigos. [38]
En el siglo XVI, las innovaciones iconográficas y las técnicas pictóricas desarrolladas por van Eyck se habían convertido en estándar en todo el norte de Europa. Alberto Durero emuló la precisión de Van Eyck. [39] Los pintores disfrutaron de un nuevo nivel de respeto y estatus; los mecenas ya no se limitaban a encargar obras, sino que cortejaban a los artistas, patrocinaban sus viajes y los exponían a nuevas y variadas influencias. Hieronymus Bosch , activo a finales del siglo XV y principios del XVI, sigue siendo uno de los pintores holandeses más importantes y populares. [40]Era anómalo en el sentido de que en gran medida renunció a representaciones realistas de la naturaleza, la existencia humana y la perspectiva, mientras que su trabajo está casi completamente libre de influencias italianas. En cambio, sus obras más conocidas se caracterizan por elementos fantásticos que tienden a lo alucinatorio, extraídos en cierta medida de la visión del infierno en el díptico Crucifixión y juicio final de van Eyck . Bosch siguió a su propia musa, tendiendo en cambio hacia el moralismo y el pesimismo. Sus pinturas, especialmente los trípticos , se encuentran entre las más significativas y logradas de finales del período holandés [40] [41]
La Reforma trajo cambios en la perspectiva y la expresión artística a medida que las imágenes seculares y paisajísticas superaron a las escenas bíblicas. La imaginería sagrada se mostró de manera didáctica y moralista, con figuras religiosas marginadas y relegadas a un segundo plano. [42] Pieter Bruegel el Viejo , uno de los pocos que siguió el estilo de Bosch, es un puente importante entre los primeros artistas neerlandeses y sus sucesores. Su trabajo conserva muchas convenciones del siglo XV, pero su perspectiva y temas son claramente modernos. Los paisajes extensos pasaron a primer plano en pinturas que eran provisionalmente religiosas o mitológicas, y las escenas de su género eran complejas, con tintes de escepticismo religioso e incluso indicios de nacionalismo. [42][43]
Técnica y material [ editar ]
Campin, van Eyck y van der Weyden establecieron el naturalismo como el estilo dominante en la pintura del norte de Europa del siglo XV. Estos artistas buscaban mostrar el mundo como realmente era, [44] y representar a las personas de una manera que las hiciera parecer más humanas, con una mayor complejidad de emociones de lo que se había visto anteriormente. Esta primera generación de artistas neerlandeses tempranos estaba interesada en la reproducción precisa de objetos (según Panofsky pintaban "oro que parecía oro"), [45] prestando mucha atención a los fenómenos naturales como la luz, la sombra y el reflejo . Se movieron más allá de la perspectiva planay figuración perfilada de pintura anterior a favor de espacios pictóricos tridimensionales. La posición de los espectadores y cómo podrían relacionarse con la escena se volvió importante por primera vez; en el Retrato de Arnolfini , Van Eyck organiza la escena como si el espectador acabara de entrar en la habitación que contiene las dos figuras. [46] Los avances en la técnica permitieron representaciones mucho más ricas, luminosas y detalladas de personas, paisajes, interiores y objetos. [47]
Aunque el uso del aceite como agente aglutinante se remonta al siglo XII, las innovaciones en su manejo y manipulación definen la era. El temple al huevo fue el medio dominante hasta la década de 1430 y, si bien produce colores brillantes y claros, se seca rápidamente y es un medio difícil para lograr texturas naturalistas o sombras profundas. El aceite permite superficies lisas y translúcidas y se puede aplicar en una variedad de espesores, desde líneas finas hasta trazos gruesos y anchos. Se seca lentamente y se manipula fácilmente mientras aún está húmedo. Estas características permitieron más tiempo para agregar detalles sutiles [49] y habilitar mojado sobre mojadotécnicas. Las transiciones suaves de color son posibles porque partes de las capas intermedias de pintura se pueden limpiar o eliminar a medida que la pintura se seca. El aceite permite diferenciar entre grados de luz reflectante, desde sombras hasta rayos brillantes, [50] y representaciones minuciosas de efectos de luz mediante el uso de vidriados transparentes. [51] Esta nueva libertad para controlar los efectos de luz dio lugar a representaciones más precisas y realistas de las texturas de la superficie; van Eyck y van der Weyden suelen mostrar luz que cae sobre superficies como joyas, suelos de madera, textiles y objetos domésticos. [24] [52]
Las pinturas se hicieron con mayor frecuencia en madera, pero a veces en lienzos menos costosos. [C] La madera era generalmente de roble, a menudo importada de la región del Báltico, con preferencia por las tablas cortadas radialmente que tienen menos probabilidades de deformarse. Por lo general, se quitó la savia y se sazonó bien la tabla antes de usarla. [53] Los soportes de madera permiten la datación dendrocronológica , y el uso particular del roble báltico da pistas sobre la ubicación del artista. [54] Los paneles muestran generalmente un alto grado de artesanía. Lorne Campbell señala que la mayoría son "objetos bellamente hechos y acabados. Puede ser extremadamente difícil encontrar las uniones". [55]Los marcos de muchas pinturas fueron alterados, repintados o dorados en el siglo XVIII y principios del XIX, cuando era una práctica común romper piezas holandesas con bisagras para poder venderlas como piezas de género. Muchos paneles supervivientes están pintados en ambos lados o con el reverso con emblemas de la familia, blasones o bocetos de contornos auxiliares. En el caso de paneles individuales, las marcas en el reverso a menudo no tienen ninguna relación con el anverso y pueden ser adiciones posteriores, o como Campbell especula, "hechas para la diversión del artista". [53] Pintar cada lado de un panel era práctico ya que evitaba que la madera se deformara. [56] Por lo general, los marcos de las obras con bisagras se construían antes de trabajar en los paneles individuales. [55]
El aglutinante de pegamento se usaba a menudo como una alternativa económica al aceite. Se produjeron muchas obras utilizando este medio, pero pocas sobreviven hoy debido a la delicadeza de la tela de lino y la solubilidad del pegamento para pieles del que se deriva el aglutinante. [53] bien conocidos y relativamente bien conservado - aunque sustancialmente dañado - ejemplos incluyen Matsys Virgen y niño con los Santos Barbara y Catherine (c 1415-1425.) [57] y Bouts' Entombment (c 1440-1455.). [58] La pintura se aplicó generalmente con pinceles o, a veces, con palos finos o mangos de pincel. Los artistas a menudo suavizaban los contornos de las sombras con los dedos, a veces para borrar o reducir el esmalte . [55]
Gremios y talleres [ editar ]
En el siglo XV, la forma más habitual de que un mecenas encargara una pieza era visitar el taller de un maestro. Sólo un cierto número de maestros podía operar dentro de los límites de cualquier ciudad; estaban regulados por gremios de artesanos a los que debían afiliarse para poder operar y recibir comisiones. Los gremios protegían y regulaban la pintura, supervisaban la producción, el comercio de exportación y el suministro de materias primas; y mantuvieron conjuntos discretos de reglas para pintores de paneles, pintores de tela e iluminadores de libros. [59] Por ejemplo, las reglas establecen requisitos de ciudadanía más altos para los miniaturistas y les prohíben el uso de aceites. En general, los pintores de paneles disfrutaron del más alto nivel de protección, y los pintores de tela se ubicaron por debajo. [60]
La pertenencia a un gremio estaba muy restringida y el acceso era difícil para los recién llegados. Se esperaba que un maestro sirviera como aprendiz en su región y mostrara una prueba de ciudadanía, que podía obtenerse por nacimiento en la ciudad o por compra. [60] El aprendizaje duró de cuatro a cinco años, terminando con la producción de una " obra maestra " que demostró su habilidad como artesano, y el pago de una tarifa de entrada sustancial. El sistema era proteccionista a nivel local a través de los matices del sistema de tarifas. Aunque buscaba asegurar una alta calidad de miembros, era un organismo autónomo que tendía a favorecer a los solicitantes adinerados. [61] Las conexiones con el gremio a veces aparecen en pinturas, la más famosa en el Descenso de la Cruz de van der Weyden., en el que al cuerpo de Cristo se le da la forma de una t de una ballesta para reflejar su encargo para una capilla para el gremio de arqueros de Lovaina . [62]
Los talleres consistían típicamente en un hogar familiar para el maestro y alojamiento para los aprendices. [63] Los maestros generalmente acumulaban inventarios de paneles prepintados, así como patrones o diseños de contornos para la venta. [64] Con el primero, el maestro era responsable del diseño general de la pintura y normalmente pintaba las partes focales, como los rostros, las manos y las partes bordadas de la ropa de la figura. Los elementos más prosaicos quedarían en manos de los asistentes; en muchas obras es posible discernir cambios abruptos en el estilo, siendo un ejemplo más conocido el pasaje relativamente débil de Deesis en el díptico Crucifixión y Juicio Final de van Eyck . [sesenta y cinco]A menudo, el taller de un maestro se ocupaba tanto de la reproducción de copias de trabajos comprobados de éxito comercial como del diseño de nuevas composiciones derivadas de los encargos. [66] En este caso, el maestro normalmente produciría el dibujo subyacente o la composición general para ser pintada por los asistentes. Como resultado, muchas obras sobrevivientes que evidencian composiciones de primer nivel pero una ejecución sin inspiración se atribuyen a los miembros o seguidores del taller. [67]
Mecenazgo [ editar ]
En el siglo XV, el alcance y la influencia de los príncipes borgoñones hizo que las clases de comerciantes y banqueros de los Países Bajos estuvieran en ascenso. Desde principios hasta mediados de siglo se produjeron grandes aumentos en el comercio internacional y la riqueza nacional, lo que provocó un enorme aumento de la demanda de arte. Los artistas de la zona atrajeron el patrocinio de la costa báltica , las regiones del norte de Alemania y Polonia, la Península Ibérica , Italia y las poderosas familias de Inglaterra y Escocia. [69] Al principio, los maestros habían actuado como sus propios distribuidores, asistiendo a ferias donde también podían comprar marcos, paneles y pigmentos. [63] A mediados de siglo se produjo el desarrollo del concesionario de arte.como profesión; la actividad pasó a ser puramente comercial, dominada por la clase mercantil. [70]
Por lo general, las obras más pequeñas no se producían por encargo. Más a menudo, los maestros anticiparon los formatos e imágenes que serían más buscados y sus diseños fueron desarrollados por los miembros del taller. Los cuadros confeccionados se vendían en ferias que se celebraban con regularidad [71], o los compradores podían visitar los talleres, que solían estar agrupados en determinadas zonas de las principales ciudades. A los maestros se les permitió exhibirse en sus ventanas delanteras. Este fue el modo típico de los miles de paneles producidos para la clase media: funcionarios de la ciudad, clero, miembros de gremios, médicos y comerciantes. [72]
Las pinturas de tela menos costosas ( tüchlein ) eran más comunes en los hogares de clase media, y los registros muestran un gran interés en las pinturas de paneles religiosos de propiedad nacional. [72] Los miembros de la clase comercial normalmente encargaban paneles devocionales más pequeños, que contenían temas específicos. Las alteraciones variaron desde la adición de paneles individualizados a un patrón prefabricado, hasta la inclusión de un retrato de un donante. La adición de escudos de armas fue a menudo el único cambio, una adición que se ve en San Lucas dibujando a la Virgen de van der Weyden , que existe en varias variaciones. [73]
Muchos de los duques de Borgoña podían permitirse el lujo de ser extravagantes en su gusto. [70] Felipe el Bueno siguió el ejemplo dado anteriormente en Francia por sus tíos abuelos, incluido John, duque de Berry, convirtiéndose en un fuerte mecenas de las artes y encargando una gran cantidad de obras de arte. [74]La corte borgoñona fue vista como el árbitro del gusto y su apreciación a su vez impulsó la demanda de manuscritos iluminados, tapices con bordes de oro y copas con bordes de joyas de lujo y costosos. Su apetito por las mejores galas se filtró a través de su corte y los nobles hasta las personas que en su mayor parte encargaron artistas locales en Brujas y Gante en las décadas de 1440 y 1450. Si bien las pinturas de panel holandesas no tenían un valor intrínseco como, por ejemplo, los objetos en metales preciosos, se percibían como objetos preciosos y en el primer rango del arte europeo. Un documento de 1425 escrito por Felipe el Bueno explica que contrató a un pintor por el "excelente trabajo que hace en su oficio". [70] Jan van Eyck pintó la Anunciación.mientras estaba empleado por Philip, y Rogier van der Weyden se convirtió en el retratista del duque en la década de 1440. [74]
El gobierno de Borgoña creó una gran clase de cortesanos y funcionarios. Algunos ganaron un enorme poder y encargaron pinturas para mostrar su riqueza e influencia. [75] Los líderes cívicos también encargaron obras de artistas importantes, como Justicia de Bouts para el emperador Otto III , La justicia de Trajano y Herkinbald de van der Weyden y Justicia de Cambises de David . [76] Los encargos cívicos eran menos comunes y no eran tan lucrativos, pero dieron a conocer y aumentaron la reputación de un pintor, como con Memling, cuyo Retablo de San Juan para Sint-Janshospitaal de Brujas le trajo encargos cívicos adicionales. [77]
El rico patrocinio extranjero y el desarrollo del comercio internacional brindó a los maestros establecidos la oportunidad de organizar talleres con asistentes. [63] Aunque pintores de primer nivel como Petrus Christus y Hans Memling encontraron mecenas entre la nobleza local, se ocuparon específicamente de la gran población extranjera de Brujas. [60] Los pintores no solo exportaban bienes, sino también ellos mismos; los príncipes y la nobleza extranjeros, esforzándose por emular la opulencia de la corte borgoñona, contrataron pintores fuera de Brujas. [78] [D]
Iconografía [ editar ]
Las pinturas de la primera generación de artistas holandeses se caracterizan a menudo por el uso de simbolismos y referencias bíblicas. [80] Van Eyck fue pionero, y sus innovaciones fueron adoptadas y desarrolladas por van der Weyden, Memling y Christus. Cada uno empleó elementos iconográficos ricos y complejos para crear un mayor sentido de creencias e ideales espirituales contemporáneos. [81] Moralmente, las obras expresan una perspectiva aterradora, combinada con un respeto por la moderación y el estoicismo. Las pinturas sobre todo enfatizan lo espiritual sobre lo terrenal. Debido a que el culto a María estaba en su cúspide en ese momento, los elementos iconográficos relacionados con la Vida de María predominan enormemente. [82]
Craig Harbison describe la combinación de realismo y simbolismo como quizás "el aspecto más importante del arte flamenco temprano". [81] La primera generación de pintores holandeses estaba preocupada por hacer que los símbolos religiosos fueran más realistas. [81] Van Eyck incorporó una amplia variedad de elementos iconográficos, a menudo transmitiendo lo que él veía como una coexistencia de los mundos espiritual y material. La iconografía se incrustó discretamente en la obra; por lo general, las referencias comprenden detalles de fondo pequeños pero clave. [80] Los símbolos incrustados estaban destinados a fusionarse con las escenas y "fue una estrategia deliberada para crear una experiencia de revelación espiritual". [83]Las pinturas religiosas de Van Eyck en particular "siempre presentan al espectador una visión transfigurada de la realidad visible". [84] Para él, el día a día está armoniosamente impregnado de simbolismo, de modo que, según Harbison, "los datos descriptivos se reorganizaron ... para que no ilustraran la existencia terrenal sino lo que él consideraba una verdad sobrenatural". [84] Esta mezcla de lo terrenal y lo celestial evidencia la creencia de van Eyck de que la "verdad esencial de la doctrina cristiana" se puede encontrar en "el matrimonio de los mundos secular y sagrado, de la realidad y el símbolo". [85]Representa a Madonnas demasiado grandes, cuyo tamaño poco realista muestra la separación entre lo celestial y lo terrenal, pero las coloca en entornos cotidianos como iglesias, cámaras domésticas o sentadas con funcionarios de la corte. [85]
Sin embargo, las iglesias terrenales están muy decoradas con símbolos celestiales. Un trono celestial está claramente representado en algunas cámaras domésticas (por ejemplo, en la Virgen de Lucca ). Más difíciles de discernir son los escenarios de pinturas como Madonna of Chancellor Rolin , donde la ubicación es una fusión de lo terrenal y lo celestial. [86] La iconografía de Van Eyck está a menudo tan densa e intrincadamente estratificada que una obra debe verse varias veces antes de que se haga evidente incluso el significado más obvio de un elemento. Los símbolos a menudo se tejían sutilmente en las pinturas, de modo que solo se volvían evidentes después de verlos de cerca y repetidamente .mientras que gran parte de la iconografía refleja la idea de que, según John Ward, hay un "pasaje prometido del pecado y la muerte a la salvación y el renacimiento". [87]
Otros artistas emplearon el simbolismo de una manera más prosaica, a pesar de la gran influencia de van Eyck tanto en sus contemporáneos como en los artistas posteriores. Campin mostró una clara separación entre los reinos espiritual y terrenal; a diferencia de van Eyck, no empleó un programa de simbolismo oculto. Los símbolos de Campin no alteran el sentido de lo real; en sus pinturas, una escena doméstica no es más complicada que una que muestra iconografía religiosa, pero que el espectador reconocería y comprendería. [88]El simbolismo de Van der Weyden fue mucho más matizado que el de Campin, pero no tan denso como el de van Eyck. Según Harbison, van der Weyden incorporó sus símbolos con tanto cuidado, y de una manera tan exquisita, que "ni la unión mística que resulta en su obra, ni su propia realidad, parece susceptible de ser analizada, explicada o reconstruida racionalmente". . " [89] Su tratamiento de los detalles arquitectónicos, los nichos , el color y el espacio se presenta de una manera tan inexplicable que "los objetos o personas particulares que vemos ante nosotros se han convertido de repente, de manera discordante, en símbolos con verdad religiosa". [89]
Las pinturas y otros objetos preciosos sirvieron de ayuda importante en la vida religiosa de quienes podían permitírselo. La oración y la contemplación meditativa eran medios para alcanzar la salvación, mientras que los muy ricos también podían construir iglesias (o ampliar las existentes), o encargar obras de arte u otras piezas devocionales como un medio para garantizar la salvación en la otra vida. [93] Se produjo una gran cantidad de pinturas de la Virgen y el Niño, y los diseños originales se copiaron y exportaron ampliamente. Muchas de las pinturas se basaron en prototipos bizantinos de los siglos XII y XIII, de los cuales la Madonna de Cambrai es probablemente la más conocida. [94]De esta manera, las tradiciones de los siglos anteriores fueron absorbidas y re-desarrolladas como una tradición iconográfica claramente rica y compleja. [93]
La devoción mariana creció a partir del siglo XIII, principalmente en torno a los conceptos de la Inmaculada Concepción y su Asunción al cielo . En una cultura que veneraba la posesión de reliquias como medio para acercar lo terrenal a lo divino, María no dejó reliquias corporales, asumiendo así una posición especial entre el cielo y la humanidad. [95] A principios del siglo XV, María había ganado en importancia dentro de la doctrina cristiana hasta el punto de que comúnmente se la consideraba la intercesora más accesible ante Dios. Se pensaba que el tiempo que cada persona tendría que sufrir en el limbo era proporcional a su demostración de devoción mientras estaba en la tierra. [96]La veneración de María alcanzó su punto máximo a principios del siglo XV, una época que vio una demanda incesante de obras que representaran su semejanza. Desde mediados del siglo XV, las representaciones holandesas de la vida de Cristo tendieron a centrarse en la iconografía del Varón de Dolores . [93]
Aquellos que podían permitirse los retratos de donantes encargados . Tal comisión se ejecutaba generalmente como parte de un tríptico, o más tarde como un díptico más asequible. Van der Weyden popularizó la tradición nórdica existente de retratos marianos de medio cuerpo . Estos se hicieron eco de los iconos bizantinos "obradores de milagros" entonces populares en Italia. El formato se hizo extremadamente popular en todo el norte, y sus innovaciones son un factor importante que contribuyó a la aparición del díptico mariano. [97]
Formatos [ editar ]
Aunque los artistas holandeses son principalmente conocidos por sus pinturas sobre paneles, su producción incluye una variedad de formatos, que incluyen manuscritos iluminados, esculturas, tapices, retablos tallados , vidrieras , objetos de bronce y tumbas talladas . [98] Según la historiadora del arte Susie Nash , a principios del siglo XVI, la región lideraba el campo en casi todos los aspectos de la cultura visual portátil, "con conocimientos especializados y técnicas de producción a un nivel tan alto que nadie más podía competir con ellos". [98] La corte de Borgoña favoreció la tapicería y el trabajo en metal., que están bien registrados en la documentación que se conserva, mientras que la demanda de pinturas sobre paneles es menos evidente [72] ; es posible que hayan sido menos adecuados para los tribunales itinerantes. Los tapices y los libros funcionaban como propaganda política y como un medio para mostrar la riqueza y el poder, mientras que los retratos eran menos favorecidos. Según Maryan Ainsworth , los encargados funcionaron para resaltar líneas de sucesión, como el retrato de Van der Weyden de Carlos el Temerario; o para los esponsales como en el caso del perdido Retrato de Isabel de Portugal de van Eyck . [99]
Se encargaron pinturas religiosas para palacios reales y ducales, para iglesias, hospitales y conventos, y para clérigos adinerados y donantes privados. Las ciudades y pueblos más ricos encargaron obras para sus edificios cívicos. [72] Los artistas a menudo trabajaban en más de un medio; Se cree que van Eyck y Petrus Christus contribuyeron a los manuscritos. Van der Weyden diseñó tapices, aunque pocos sobreviven. [100] [101] Los pintores holandeses fueron responsables de muchas innovaciones, incluido el avance del formato de díptico, las convenciones de los retratos de donantes , nuevas convenciones para los retratos marianos y, a través de obras como la Madonna del canciller Rolin de van Eyck y van der De WeydenSan Lucas Dibujando a la Virgen en la década de 1430, sentando las bases para el desarrollo de la pintura de paisajes como un género separado. [102]
Manuscrito iluminado [ editar ]
Antes de mediados del siglo XV, los libros iluminados se consideraban una forma de arte superior a la pintura sobre tabla, y sus cualidades ornamentales y lujosas reflejaban mejor la riqueza, el estatus y el gusto de sus propietarios. [103] Los manuscritos eran ideales como obsequios u ofrendas diplomáticas para conmemorar matrimonios dinásticos u otras ocasiones cortesanas importantes. [104] Desde el siglo XII, talleres especializados en monasterios (en libraires franceses ) produjeron libros de horas (colecciones de oraciones para decirlas en el horario canónico ), salterios, libros de oraciones e historias, así como libros de romance y poesía. A principios del siglo XV, los manuscritos góticos de París dominaban el mercado del norte de Europa. Su popularidad se debió en parte a la producción de miniaturas de una sola hoja más asequibles que podían insertarse en libros de horas no ilustrados. En ocasiones, se ofrecían en forma de series diseñadas para alentar a los clientes a "incluir tantas imágenes como pudieran permitirse", lo que las presentaba claramente como una prenda de moda, pero también como una forma de indulgencia . Las hojas individuales tenían otros usos en lugar de inserciones; podrían fijarse a las paredes como ayuda para la meditación y la oración privadas, [105] como se ve en el retrato de un hombre joven de 1450-60 en panel de Christus , ahora en elGalería Nacional , que muestra una pequeña hoja con texto al icono de Vera ilustrado con la cabeza de Cristo. [106] Los artistas franceses fueron superados en importancia desde mediados del siglo XV por maestros en Gante, Brujas y Utrecht . La producción inglesa, que alguna vez fue de la más alta calidad, había disminuido considerablemente y relativamente pocos manuscritos italianos fueron al norte de los Alpes. Sin embargo, los maestros franceses no renunciaron a su puesto fácilmente, e incluso en 1463 instaban a sus gremios a imponer sanciones a los artistas holandeses. [105]
La ornamentada Très Riches Heures du Duc de Berry de los hermanos Limbourg quizás marque tanto el comienzo como un punto culminante de la iluminación holandesa. Más tarde, el Maestro de la Leyenda de Santa Lucía exploró la misma mezcla de ilusionismo y realismo. [22] La carrera de los Limbourg terminó justo cuando comenzó la de van Eyck: en 1416 todos los hermanos (ninguno de los cuales había llegado a los 30) y su patrón Jean, el duque de Berry, estaban muertos, probablemente a causa de la peste . [22] Se cree que Van Eyck contribuyó con varias de las miniaturas más aclamadas de las Horas de Turín-Milán como el artista anónimo conocido como Hand G. [107]Varias ilustraciones de la época muestran un fuerte parecido estilístico con Gerard David, aunque no está claro si son de sus manos o de sus seguidores. [108]
Varios factores llevaron a la popularidad de los iluminadores holandeses. Primaria fue la tradición y la experiencia que se desarrolló en la región en los siglos posteriores a la reforma monástica del siglo XIV, basándose en el crecimiento en número y prominencia de monasterios, abadías e iglesias del siglo XII que ya habían producido un número significativo de textos litúrgicos. . [105] Hubo un fuerte aspecto político; el formulario tuvo muchos mecenas influyentes como Jean, duque de Berry y Felipe el Bueno, el último de los cuales reunió más de mil libros iluminados antes de su muerte. [109]Según Thomas Kren, la "biblioteca de Felipe era una expresión del hombre como príncipe cristiano y una encarnación del estado: su política y autoridad, su saber y piedad". [110] Debido a su patrocinio, la industria del manuscrito en las Tierras Bajas creció hasta dominar Europa durante varias generaciones. La tradición de coleccionar libros de Borgoña pasó al hijo de Felipe y su esposa, Carlos el Temerario y Margarita de York ; su nieta María de Borgoña y su esposo Maximiliano I ; ya su yerno, Eduardo IV , quien era un ávido coleccionista de manuscritos flamencos. Las bibliotecas dejadas por Felipe y Eduardo IV formaron el núcleo del que surgió la Biblioteca Real de Bélgicay la Biblioteca Real Inglesa . [111]
Los iluminadores holandeses tenían un importante mercado de exportación, diseñando muchas obras específicamente para el mercado inglés. Después de una disminución en el patrocinio interno después de la muerte de Carlos el Temerario en 1477, el mercado de exportación se volvió más importante. Los iluminadores respondieron a las diferencias de gusto produciendo obras más lujosas y decoradas de forma extravagante adaptadas a las élites extranjeras, como Eduardo IV de Inglaterra, Jacobo IV de Escocia y Leonor de Viseu . [112]
Hubo una superposición considerable entre la pintura de paneles y la iluminación; van Eyck, van der Weyden, Christus y otros pintores diseñaron miniaturas manuscritas. Además, los miniaturistas tomarían prestados motivos e ideas de pinturas sobre paneles; El trabajo de Campin se utilizó a menudo como fuente de esta manera, por ejemplo, en las "Horas de Raoul d'Ailly". [113] Las comisiones se compartían a menudo entre varios maestros, con la asistencia de pintores jóvenes o especialistas, especialmente con detalles como las decoraciones de los bordes, estas últimas a menudo realizadas por mujeres. [105] Los maestros rara vez firmaban su trabajo, lo que dificultaba la atribución; se pierden las identidades de algunos de los iluminadores más importantes. [110] [114]
Los artistas holandeses encontraron formas cada vez más inventivas de resaltar y diferenciar su trabajo de los manuscritos de los países vecinos; tales técnicas incluían el diseño de bordes de página elaborados e idear formas de relacionar la escala y el espacio. Exploraron la interacción entre los tres componentes esenciales de un manuscrito: borde, miniatura y texto. [115] Un ejemplo es el libro de horas de Nassau (c. 1467-1480) del Maestro de Viena de María de Borgoña , en el que los bordes están decorados con grandes flores e insectos ilusionistas. Estos elementos lograron su efecto al ser pintados ampliamente, como si estuvieran esparcidos por la superficie dorada de las miniaturas. Esta técnica fue continuada por, entre otros, el maestro flamenco de James IV de Escocia.(posiblemente Gerard Horenbout ), [116] conocido por su innovador diseño de página. Utilizando varios elementos ilusionistas, a menudo difumina la línea entre la miniatura y su borde, y con frecuencia utiliza ambos en sus esfuerzos por avanzar en la narrativa de sus escenas. [22]
A principios del siglo XIX, la colección de recortes holandeses de los siglos XV y XVI, como miniaturas o partes de álbumes, se puso de moda entre conocedores como William Young Ottley , lo que provocó la destrucción de muchos manuscritos. Los originales fueron muy buscados, un renacimiento que ayudó al redescubrimiento del arte holandés en la última parte del siglo. [117]
Tapiz [ editar ]
A mediados del siglo XV, el tapiz era uno de los productos artísticos más caros y preciados de Europa. La producción comercial proliferó en los Países Bajos y el norte de Francia desde principios del siglo XV, especialmente en las ciudades de Arras , Brujas y Tournai . La capacidad técnica percibida de estos artesanos fue tal que, en 1517, el Papa Julio II envió las caricaturas de Rafael a Bruselas para que las tejiera en tapices. [118] Tales tapices tejidos jugaron un papel político central como obsequios diplomáticos, especialmente en su formato más grande; Felipe el Bueno regaló varios a los participantes en el Congreso de Arras en 1435, [98]donde los pasillos estaban cubiertos de arriba a abajo y alrededor ( tout autour ) con tapices que mostraban escenas de la "Batalla y derrocamiento del pueblo de Lieja". [119] En la boda de Carlos el Temerario y Margarita de York, la sala "se colgó arriba con cortinas de lana, azul y blanco, y en los lados se tapizó con un rico tapiz tejido con la historia de Jason y el Toisón de Oro". Las habitaciones generalmente se colgaban del techo al piso con tapices y algunas habitaciones tenían el nombre de un conjunto de tapices, como una cámara que Felipe el Temerario nombró por un conjunto de tapices blancos con escenas de El romance de la rosa . [119]Durante aproximadamente dos siglos durante el período borgoñón, los maestros tejedores produjeron "innumerables series de tapices pesados con hilos de oro y plata, como el mundo nunca había visto". [120]
El uso práctico de los textiles resulta de su portabilidad; los tapices proporcionaban decoraciones interiores de fácil montaje adecuadas para ceremonias religiosas o cívicas. [121] Su valor se refleja en su posición en los inventarios contemporáneos, en los que normalmente se encuentran en la parte superior del registro y luego se clasifican de acuerdo con su material o color. El blanco y el oro fueron considerados de la más alta calidad. Carlos V de Francia tenía 57 tapices, de los cuales 16 eran blancos. Jean de Berry poseía 19, mientras que María de Borgoña , Isabel de Valois , Isabel de Baviera y Felipe el Bueno tenían colecciones sustanciales. [122]
La producción de tapices comenzó con el diseño. [123] Los diseños, o dibujos animados, se ejecutaban típicamente en papel o pergamino, montados por pintores calificados y luego enviados a tejedores, a menudo a gran distancia. Debido a que las caricaturas se pueden reutilizar, los artesanos a menudo trabajaban con material de origen que tenía décadas de antigüedad. Como tanto el papel como el pergamino son muy perecederos, pocas de las caricaturas originales sobreviven. [124] Una vez que se acordó un diseño, su producción podría distribuirse entre muchos tejedores. Los telares estaban activos en todas las principales ciudades flamencas, en la mayoría de las ciudades y en muchas de las aldeas. [123]
Los telares no estaban controlados por los gremios. Dependiendo de una mano de obra migrante, su actividad comercial estaba impulsada por empresarios, que por lo general eran pintores. El empresario ubicaría y contrataría patrocinadores, mantendría un stock de dibujos animados y proporcionaría materias primas como lana, seda y, a veces, oro y plata, que a menudo tenían que importarse. [125] El emprendedor estaba en contacto directo con el mecenas, y a menudo pasaban por los matices del diseño tanto en la caricatura como en las etapas finales. Este examen era a menudo un asunto difícil y requería una gestión delicada; en 1400 Isabeau de Baviera rechazó un conjunto completo de Colart de Laon [123] habiendo aprobado anteriormente los diseños, lo que provocó una considerable vergüenza de De Laon, y presumiblemente de su comisionado.[124]
Debido a que los tapices fueron diseñados principalmente por pintores, sus convenciones formales están estrechamente alineadas con las convenciones de la pintura sobre paneles. Esto es especialmente cierto con las generaciones posteriores de pintores del siglo XVI que produjeron panoramas del cielo y el infierno. Harbison describe cómo el detalle intrincado, denso y superpuesto del Jardín de las Delicias de Bosch se asemeja, "en su simbolismo preciso ... a un tapiz medieval". [126]
Trípticos y retablos [ editar ]
Los trípticos del norte [E] y los polípticos fueron populares en toda Europa desde finales del siglo XIV, y el pico de demanda se prolongó hasta principios del siglo XVI. Durante el siglo XV, fueron el formato de pintura sobre tabla del norte de mayor producción. Preocupados por temas religiosos, vienen en dos tipos amplios: obras devocionales privadas portátiles más pequeñas o retablos más grandes para entornos litúrgicos . [127] Los primeros ejemplos del norte son obras compuestas que incorporan grabado y pintura, generalmente con dos alas pintadas que podrían doblarse sobre un cuerpo central tallado. [F] [28]
Los polípticos fueron producidos por los maestros más consumados. Proporcionan un mayor margen de variación y un mayor número de posibles combinaciones de paneles interiores y exteriores que podrían verse a la vez. Que las obras con bisagras pudieran abrirse y cerrarse tenía un propósito práctico; en las fiestas religiosas, los paneles exteriores más prosaicos y cotidianos fueron reemplazados por los exuberantes paneles interiores. [129] El retablo de Gante , terminado en 1432, tenía diferentes configuraciones para los días laborables, domingos y festivos de la iglesia. [G] [129]
La primera generación de maestros holandeses tomó prestadas muchas costumbres de los retablos italianos de los siglos XIII y XIV. [130] Las convenciones para los trípticos italianos antes de 1400 eran bastante rígidas. En los paneles centrales, el terreno intermedio estaba poblado por miembros de la Sagrada Familia ; Las primeras obras, especialmente de las tradiciones sienesa o florentina, se caracterizaron abrumadoramente por imágenes de la Virgen entronizada sobre un fondo dorado. Las alas generalmente contienen una variedad de ángeles, donantes y santos, pero nunca hay contacto visual directo, y rara vez una conexión narrativa, con las figuras del panel central. [131]Los pintores holandeses adaptaron muchas de estas convenciones, pero las subvirtieron casi desde el principio. Van der Weyden fue especialmente innovador, como se evidencia en su Retablo de Miraflores de 1442-1445 y c. 1452 Tríptico de Braque . En estas pinturas, los miembros de la Sagrada Familia aparecen en las alas en lugar de solo los paneles centrales, mientras que este último se destaca por el paisaje continuo que conecta los tres paneles interiores. [132] Desde la década de 1490, Hieronymus Bosch pintó al menos 16 trípticos, [H] el mejor de los cuales subvirtió las convenciones existentes. El trabajo de Bosch continuó el movimiento hacia el secularismo y enfatizó el paisaje. Bosch también unificó las escenas de los paneles interiores. [127]
Los trípticos fueron encargados por patrocinadores alemanes a partir de la década de 1380, y la exportación a gran escala comenzó alrededor de 1400. [28] Pocos de estos primeros ejemplos sobreviven, [133] pero la demanda de retablos holandeses en toda Europa es evidente a partir de los muchos ejemplos que aún existen en iglesias de todo el continente. Till-Holger Borchert describe cómo otorgaron un "prestigio que, en la primera mitad del siglo XV, solo los talleres de los Países Bajos borgoñones fueron capaces de alcanzar". [134]En la década de 1390, los retablos holandeses se producían principalmente en Bruselas y Brujas. La popularidad de los retablos de Bruselas duró hasta aproximadamente 1530, cuando la producción de los talleres de Amberes creció en popularidad. Esto se debió en parte a que produjeron a un costo menor al asignar diferentes partes de los paneles entre los miembros del taller especializado, una práctica que Borchert describe como una forma temprana de división del trabajo . [134]
Las pinturas holandesas de paneles múltiples cayeron en desgracia y se consideraron anticuadas, ya que el manierismo de Amberes pasó a primer plano a mediados del siglo XVI. Posteriormente la iconoclastia de la Reforma los consideró ofensivos [135] y muchas obras en los Países Bajos fueron destruidas. Los ejemplos existentes se encuentran principalmente en iglesias y monasterios alemanes. [28] A medida que aumentaba la demanda de obras seculares, los trípticos a menudo se dividían y se vendían como obras individuales, especialmente si un panel o sección contenía una imagen que podía pasar como un retrato secular. A veces, un panel se recortaba solo a la figura, con el fondo sobrepintado para que "pareciera lo suficientemente como una pieza de género para colgar en una conocida colección de pinturas holandesas del siglo XVII".[135]
Dípticos [ editar ]
Los dípticos fueron muy populares en el norte de Europa desde mediados del siglo XV hasta principios del siglo XVI. Consistían en dos paneles de igual tamaño unidos por bisagras (o, con menos frecuencia, un marco fijo); [136] los paneles solían estar vinculados temáticamente. Los paneles con bisagras se podían abrir y cerrar como un libro, lo que permitía una vista tanto interior como exterior, mientras que la capacidad de cerrar las alas permitía proteger las imágenes interiores. [137] Originarios de las convenciones de los Libros de Horas , los dípticos funcionaban típicamente como retablos menos costosos y más portátiles. [138] Los dípticos se diferencian de los colgantes en que son alas conectadas físicamente y no simplemente dos pinturas colgadas una al lado de la otra. [139]Por lo general, eran de escala casi en miniatura, y algunos emulaban el "arte del tesoro" medieval: pequeñas piezas hechas de oro o marfil. La tracería que se ve en obras como La Virgen y el Niño de van der Weyden refleja la talla de marfil de la época. [140] El formato fue adaptado por van Eyck y van der Weyden por encargo de miembros de la Casa de Valois-Borgoña , [137] y refinado por Hugo van der Goes , Hans Memling y más tarde Jan van Scorel . [139]
Los dípticos holandeses tienden a ilustrar solo una pequeña gama de escenas religiosas. Existen numerosas representaciones de la Virgen y el Niño, [141] que reflejan la popularidad contemporánea de la Virgen como tema de devoción. [142] Los paneles interiores consistían principalmente en retratos de donantes, a menudo de esposos y sus esposas [139] , junto a santos o la Virgen y el Niño. [137] Casi siempre se mostraba al donante arrodillado de cuerpo entero o medio, con las manos juntas en oración. [137] La Virgen y el Niño siempre se colocan a la derecha, reflejando la reverencia cristiana por el lado derecho como el "lugar de honor" junto al divino. [143]
Su desarrollo y valor comercial se ha relacionado con un cambio en la actitud religiosa durante el siglo XIV, cuando una devoción más meditativa y solitaria, ejemplificada por el movimiento Devotio Moderna , creció en popularidad. Se fomentó la reflexión y la oración privadas y el díptico a pequeña escala se ajustaba a este propósito. Se hizo popular entre la clase media emergente y los monasterios más ricos de los Países Bajos y el norte de Alemania. [142] Ainsworth dice que independientemente del tamaño, ya sea un gran retablo o un pequeño díptico, la pintura holandesa es "una cuestión de pequeña escala y meticuloso detalle". El tamaño pequeño estaba destinado a atraer al espectador a un estado meditativo para la devoción personal y quizás la "experiencia de visiones milagrosas". [144]
El examen técnico de finales del siglo XX ha mostrado diferencias significativas en la técnica y el estilo entre los paneles de los dípticos individuales. Las inconsistencias técnicas pueden ser el resultado del sistema de talleres, en el que los asistentes solían completar los pasajes más prosaicos. Se puede ver un cambio de estilo entre los paneles, según el historiador John Hand, porque el panel divino generalmente se basaba en diseños generales vendidos en el mercado abierto, y el panel de donantes se agregaba después de que se encontraba un patrón. [145]
Sobreviven pocos dípticos intactos. Al igual que con los retablos, la mayoría se separaron posteriormente y se vendieron como cuadros únicos de "género". [135] En el sistema de talleres, algunos eran intercambiables, y las obras religiosas pueden haber sido emparejadas con paneles de donantes recién encargados. Más tarde se rompieron muchos dípticos, creando así dos obras vendibles a partir de una. Durante la Reforma, a menudo se eliminaron las escenas religiosas. [146]
Retrato [ editar ]
El retrato secular era una rareza en el arte europeo antes de 1430. El formato no existía como un género separado y solo se encontraba con poca frecuencia en el extremo más alto del mercado en retratos de compromiso o encargos de la familia real. [147] Si bien tales empresas pueden haber sido rentables, se consideraban una forma de arte inferior y la mayoría de los ejemplos anteriores al siglo XVI que sobrevivieron no se atribuyen. [99] Se estaban produciendo un gran número de paneles devocionales individuales que mostraban santos y figuras bíblicas, pero las representaciones de personajes históricos conocidos no comenzaron hasta principios de la década de 1430. Van Eyck fue el pionero; [148] su seminal 1432 Léal Souvenires uno de los primeros ejemplos que se conservan, emblemático del nuevo estilo en su realismo y aguda observación de los pequeños detalles de la apariencia de la modelo. [149] Su Retrato de Arnolfini está lleno de simbolismo, [150] al igual que la Virgen del Canciller Rolin , encargada como testimonio del poder, la influencia y la piedad de Rolin. [151]
Van der Weyden desarrolló las convenciones del retrato del norte y tuvo una gran influencia en las siguientes generaciones de pintores. En lugar de simplemente seguir la meticulosa atención de van Eyck al detalle, van der Weyden creó representaciones más abstractas y sensuales. Fue muy buscado como retratista, pero hay similitudes notables en sus retratos, probablemente porque usó y reutilizó los mismos dibujos subyacentes, que cumplían con ideales comunes de rango y piedad. Luego, estos se adaptaron para mostrar las características faciales y las expresiones del modelo en particular. [152]
Petrus Christus colocó a su modelo en un entorno naturalista en lugar de un fondo plano y sin rasgos distintivos. Este enfoque fue en parte una reacción contra van der Weyden, quien, en su énfasis en las figuras escultóricas, utilizó espacios pictóricos muy superficiales. [154] En su Retrato de un hombre de 1462 , Dieric Bouts fue más allá al ubicar al hombre en una habitación completa con una ventana que da a un paisaje, [155] mientras que en el siglo XVI, el retrato de cuerpo entero se hizo popular en el norte. Este último formato prácticamente no se veía en el arte nórdico anterior, aunque tenía una tradición en Italia que se remonta a siglos, generalmente en frescos y manuscritos iluminados. [156]Los retratos de cuerpo entero se reservaban para las representaciones del escalón más alto de la sociedad y se asociaban con demostraciones principescas de poder. [157] De la segunda generación de pintores del norte, Hans Memling se convirtió en el principal retratista, recibiendo encargos de lugares tan lejanos como Italia. Fue muy influyente en los pintores posteriores y se le atribuye haber inspirado el posicionamiento de Leonardo de la Mona Lisa frente a una vista del paisaje. [158] Van Eyck y van der Weyden influyeron de manera similar en el artista francés Jean Fouquet y los alemanes Hans Pleydenwurff [159] y Martin Schongauer, entre otros. [160]
Los artistas holandeses se alejaron de la vista de perfil, popularizada durante el Quattrocento italiano , hacia la vista de tres cuartos menos formal pero más atractiva. En este ángulo, más de un lado de la cara es visible cuando el cuerpo de la niñera se gira hacia el espectador. Esta pose ofrece una mejor vista de la forma y las características de la cabeza y permite que la niñera mire hacia el espectador. [161] La mirada del modelo rara vez atrae al espectador. [162] El Retrato de un hombre de 1433 de Van Eyck es un ejemplo temprano, que muestra al propio artista mirando al espectador. [161] Aunque a menudo hay contacto visual directo entre el sujeto y el espectador, la mirada suele ser distante, distante y poco comunicativa, tal vez para reflejar la alta posición social del sujeto. Hay excepciones, por lo general en los retratos de novias o en el caso de posibles esponsales , cuando el objeto del trabajo es hacer que la modelo sea lo más atractiva posible. En estos casos, a menudo se mostraba a la niñera sonriendo, con una expresión atractiva y radiante diseñada para atraer a su destinatario. [163]
Alrededor de 1508, Alberto Durero describió la función del retrato como "preservar la apariencia de una persona después de su muerte". [164] [I] Los retratos eran objetos de estatus y servían para asegurar que el éxito personal del individuo se registrara y perduraría más allá de su vida. La mayoría de los retratos tendían a mostrar la realeza, la alta nobleza o los príncipes de la iglesia. La nueva afluencia en los Países Bajos borgoñones trajo una variedad más amplia de clientela, ya que los miembros de la clase media alta ahora podían permitirse encargar un retrato. [165]Como resultado, se sabe más sobre la apariencia y la vestimenta de la gente de la región que en cualquier otro momento desde el período romano tardío. Los retratos generalmente no requerían largas sesiones; Por lo general, se utilizó una serie de dibujos preparatorios para desarrollar el panel final. Muy pocos de estos dibujos sobreviven, una notable excepción es el estudio de van Eyck para su Retrato del cardenal Niccolò Albergati . [157]
Paisaje [ editar ]
El paisaje era una preocupación secundaria para los pintores holandeses antes de mediados de la década de 1460. Los entornos geográficos eran raros y, cuando aparecían, por lo general consistían en vislumbres a través de ventanas abiertas o arcadas . Rara vez se basaron en ubicaciones reales; [J] la configuración tendía a ser en gran parte imaginada, diseñada para adaptarse a la temática del panel. Debido a que la mayoría de las obras eran retratos de donantes, muy a menudo los paisajes eran mansos, controlados y servían simplemente para proporcionar un entorno armonioso para el espacio interior idealizado. En esto, los artistas del norte se quedaron a la zaga de sus contrapartes italianas que ya estaban colocando a sus modelos dentro de paisajes geográficamente identificables y descriptos de cerca. [166]Algunos de los paisajes del norte son muy detallados y notables por derecho propio, incluido el poco sentimental c. 1430 El díptico de la crucifixión y el juicio final y el ampliamente copiado de 1435-1440 San Lucas dibujando a la Virgen de van der Weyden . [102]
Es casi seguro que Van Eyck estuvo influenciado por los paisajes de Los trabajos de los meses que los hermanos Limbourg pintaron para las Très Riches Heures du Duc de Berry . La influencia se puede ver en las iluminaciones pintadas en las Horas de Turín-Milán , que muestran ricos paisajes en las diminutas escenas de bas de page . [167] Estos, según Pächt, deberían definirse como los primeros ejemplos de pintura de paisaje holandesa. [168] La tradición del paisaje en los manuscritos iluminados continuaría al menos durante el próximo siglo. Simon Bening "exploró un nuevo territorio en el género del paisaje", como se ve en varias de las hojas que pintó para el c. 1520 Breviario Grimani. [169]
Desde finales del siglo XV, varios pintores enfatizaron el paisaje en sus obras, un desarrollo impulsado en parte por el cambio de preferencia de la iconografía religiosa a los temas seculares. [19] Los pintores holandeses de segunda generación aplicaron la máxima de la representación natural de mediados del siglo XIV. Esto nació de la creciente afluencia de la clase media de la región, muchos de los cuales ahora habían viajado al sur y habían visto un campo notablemente diferente al de su tierra natal plana. Al mismo tiempo, la última parte del siglo vio el surgimiento de la especialización y varios maestros se centraron en detallar el paisaje, sobre todo Konrad Witz a mediados del siglo XV, y más tarde Joachim Patinir . [170]La mayoría de las innovaciones en este formato provienen de artistas que viven en las regiones holandesas de las tierras de Borgoña, sobre todo de Haarlem , Leiden y 's-Hertogenbosch . Los artistas importantes de estas áreas no reprodujeron servilmente el paisaje que tenían ante ellos, sino que adaptaron y modificaron de manera sutil sus paisajes para reforzar el énfasis y el significado del panel en el que estaban trabajando. [166]
Patinir desarrolló lo que ahora se llama el género del paisaje mundial , que está tipificado por figuras bíblicas o históricas dentro de un paisaje panorámico imaginado, generalmente montañas y tierras bajas, agua y edificios. Las pinturas de este tipo se caracterizan por un mirador elevado, con las figuras empequeñecidas por su entorno. [171] El formato fue adoptado, entre otros, por Gerard David y Pieter Bruegel el Viejo, y se hizo popular en Alemania, especialmente entre los pintores de la escuela del Danubio.. Las obras de Patinir son relativamente pequeñas y utilizan un formato horizontal; esto se convertiría en un estándar para los paisajes en el arte que ahora se llama formato "paisaje" en contextos ordinarios, pero en ese momento era una novedad considerable, ya que la gran mayoría de las pinturas sobre paneles anteriores a 1520 eran de formato vertical. [172] Las pinturas de paisajes del mundo conservan muchos de los elementos desarrollados a partir de mediados del siglo XV, pero están compuestas, en términos cinematográficos modernos, como un plano largo en lugar de un plano medio . La presencia humana siguió siendo central en lugar de servir como mera personal . Hieronymus Bosch adaptó elementos del estilo del paisaje mundial, con la influencia especialmente notable en sus pinturas de un solo panel. [173]
Los temas más populares de este tipo incluyen la Huida a Egipto y la difícil situación de ermitaños como los Santos Jerónimo y Antonio . Además de conectar el estilo con la era posterior de los descubrimientos , el papel de Amberes como un centro en auge tanto del comercio mundial como de la cartografía , y la visión del campo de los habitantes ricos de la ciudad, los historiadores del arte han explorado las pinturas como metáforas religiosas de la peregrinaje de la vida. [174]
Rogier van der Weyden, San Lucas dibujando a la Virgen , c. 1435-1440. Museo de Bellas Artes de Boston
Konrad Witz , La pesca milagrosa , 1444. Museo de Arte e Historia de Ginebra , Ginebra
Joachim Patinir , Paisaje con la Huida a Egipto , a finales del siglo XV. Museo Real de Bellas Artes de Amberes
Pieter Bruegel el Viejo , Paisaje con la Huida a Egipto , 1563
Relación con el Renacimiento italiano [ editar ]
Las progresiones en el arte del norte se desarrollaron casi simultáneamente con el Renacimiento italiano temprano . Sin embargo, las tradiciones filosóficas y artísticas del Mediterráneo no formaban parte de la herencia del norte, hasta el punto de que muchos elementos de la cultura latina fueron activamente menospreciados en el norte. [175] El papel del humanismo renacentista en el arte, por ejemplo, fue menos pronunciado en los Países Bajos que en Italia. Las tendencias religiosas locales tuvieron una fuerte influencia en el arte temprano del norte, como se puede ver en el tema, la composición y la forma de muchas obras de arte de finales del siglo XIII y principios del XIV. [142] La doctrina de los pintores del norte también se basó en elementos de la tradición gótica reciente, [175]y menos en la tradición clásica prevaleciente en Italia. [176]
Si bien las pinturas devocionales, especialmente los retablos, siguieron siendo dominantes en el arte holandés temprano, [175] el retrato secular se hizo cada vez más común tanto en el norte como en el sur de Europa a medida que los artistas se liberaron de la idea predominante de que el retrato debería restringirse a los santos y otras figuras religiosas. En Italia, este desarrollo estuvo ligado a los ideales del humanismo . [177]
Las influencias italianas en el arte holandés se manifiestan por primera vez a finales del siglo XV, cuando algunos de los pintores comenzaron a viajar hacia el sur. Esto también explica por qué varios artistas holandeses posteriores se asociaron con, en palabras del historiador del arte Rolf Toman, "aguilones pintorescos, columnas hinchadas en forma de barril, cartuchos divertidos, figuras 'retorcidas' y colores asombrosamente poco realistas: en realidad emplean [ ing] el lenguaje visual del manierismo ". [175] Los comerciantes ricos del norte podían permitirse comprar pinturas de los mejores artistas. Como resultado, los pintores se volvieron cada vez más conscientes de su estatus en la sociedad: firmaron sus obras con más frecuencia, pintaron retratos de sí mismos y se convirtieron en figuras conocidas por sus actividades artísticas. [31]
Los maestros del norte fueron muy admirados en Italia. Según Friedländer, ejercieron una fuerte influencia sobre los artistas italianos del siglo XV, una opinión con la que Panofsky está de acuerdo. [178] Sin embargo, los pintores italianos comenzaron a ir más allá de las influencias holandesas en la década de 1460, ya que se concentraron en la composición con un mayor énfasis en la armonía de las partes que se unen - "esa elegante armonía y gracia ... que se llama belleza", evidente, por ejemplo, en Andrea Mantegna 's Entierro . [179] A principios del siglo XVI, la reputación de los maestros del norte era tal que había un comercio establecido de norte a sur en sus obras, aunque muchas de las pinturas u objetos enviados al sur eran de artistas menores y de menor calidad. [180]Las innovaciones introducidas en el norte y adoptadas en Italia incluyeron la colocación de figuras en interiores domésticos y la visualización de interiores desde múltiples puntos de vista, a través de aberturas como puertas o ventanas. [K] [181] El retablo de Portinari de Hugo van der Goes , en los Uffizi de Florencia , jugó un papel importante en la introducción de los pintores florentinos a las tendencias del norte, y artistas como Giovanni Bellini quedaron bajo la influencia de los pintores del norte que trabajaban en Italia. [182]
Memling fusionó con éxito los dos estilos, ejemplificado en su Virgen y el Niño con dos ángeles . Sin embargo, a mediados del siglo XVI, el arte holandés se consideraba tosco; Miguel Ángel afirmó que era atractivo sólo para "monjes y frailes". [183] En este punto, el arte del norte comenzó a caer casi completamente en desgracia en Italia. En el siglo XVII, cuando Brujas había perdido su prestigio y posición como la principal ciudad comercial europea (los ríos se llenaron de sedimentos y los puertos se vieron obligados a cerrar), los italianos dominaban el arte europeo. [184]
Destrucción y dispersión [ editar ]
Iconoclasia [ editar ]
Las imágenes religiosas fueron objeto de un escrutinio minucioso como real o potencialmente idólatras desde el comienzo de la Reforma Protestante en la década de 1520. Martín Lutero aceptó algunas imágenes, pero pocas pinturas de los primeros Países Bajos cumplían con sus criterios. Andreas Karlstadt , Huldrych Zwingli y John Calvin se oponían totalmente a las imágenes religiosas públicas, sobre todo en las iglesias, y el calvinismo pronto se convirtió en la fuerza dominante en el protestantismo holandés. A partir de 1520, estallaron estallidos de iconoclastia reformista en gran parte del norte de Europa. [186] Estos podrían ser oficiales y pacíficos, como en Inglaterra bajo los Tudor.y la Commonwealth inglesa , o no oficial y a menudo violenta, como en la Beeldenstorm o "Iconoclastic Fury" en 1566 en los Países Bajos. El 19 de agosto de 1566, esta ola de destrucción multitudinaria llegó a Gante, donde Marcus van Vaernewijck relató los hechos. Escribió que el retablo de Gante fue "despedazado y levantado, panel por panel, dentro de la torre para preservarlo de los alborotadores". [187] Amberes vio una destrucción muy completa en sus iglesias en 1566, [188] seguida de más pérdidas en el saqueo español de Amberes.en 1576, y un nuevo período de iconoclastia oficial en 1581, que ahora incluía edificios de la ciudad y gremios, cuando los calvinistas controlaban el ayuntamiento. [189]
Se destruyeron muchos miles de objetos y artefactos religiosos, incluidas pinturas, esculturas, retablos, vidrieras y crucifijos, [190] y la tasa de supervivencia de las obras de los principales artistas es baja; incluso Jan van Eyck solo tiene unas 24 obras existentes con seguridad atribuido a él. El número crece con los artistas posteriores, pero todavía hay anomalías; Petrus Christus es considerado un artista importante, pero se le da un número menor de obras que van Eyck. En general, las obras de finales del siglo XV exportadas al sur de Europa tienen una tasa de supervivencia mucho más alta. [191]
Muchas de las obras de arte de la época fueron encargadas por el clero para sus iglesias, [133] con especificaciones de formato físico y contenido pictórico que complementarían los esquemas arquitectónicos y de diseño existentes. Una idea de cómo podrían haber lucido esos interiores de iglesias se puede ver tanto en Madonna in the Church de van Eyck como en Exhumation of St Hubert de van der Weyden.. Según Nash, el panel de van der Weyden es una mirada profunda a la apariencia de las iglesias anteriores a la Reforma y la forma en que se colocaron las imágenes para que resonaran con otras pinturas u objetos. Nash continúa diciendo que, "cualquiera sería visto necesariamente en relación con otras imágenes, repitiendo, ampliando o diversificando los temas elegidos". Debido a que los iconoclastas apuntaron a iglesias y catedrales, se ha perdido información importante sobre la exhibición de obras individuales y, con ella, conocimientos sobre el significado de estas obras de arte en su propio tiempo. [190] Muchas otras obras se perdieron a causa de incendios o guerras; la desintegración del estado borgoñón de Valois convirtió a los Países Bajos en la cabina del piloto del conflicto europeo hasta 1945. La justicia de Trajano y Herkinbald de Van der Weydenel políptico es quizás la pérdida más significativa; según los registros, parece haber sido comparable en escala y ambición al Retablo de Gante . Fue destruido por la artillería francesa durante el bombardeo de Bruselas en 1695, y hoy se conoce solo por una copia de tapiz. [192]
Documentación [ editar ]
Ha habido desafíos importantes para los historiadores del arte a la hora de establecer los nombres de los maestros holandeses y atribuir obras específicas. El registro histórico es muy deficiente, de modo que las biografías de algunos de los principales artistas aún son esbozos, mientras que la atribución es un debate continuo y, a menudo, polémico. Incluso las atribuciones más ampliamente aceptadas son típicamente solo el resultado de décadas de investigación científica e histórica que se originó después del comienzo del siglo XX. [193] A algunos pintores, como Adriaen Isenbrandt y Ambrosius Benson de Brujas, que producían en masa paneles para venderlos en puestos de feria, se les han atribuido hasta 500 cuadros. [194]
Los caminos para la investigación se han visto limitados por muchos factores históricos. Muchos archivos fueron destruidos en las campañas de bombardeo de las dos guerras mundiales, y un gran número de obras de las que existen registros se han perdido o destruido. [193] El mantenimiento de registros en la región era inconsistente y, debido a las presiones de la demanda comercial, a menudo la exportación de obras de artistas importantes no se registraba adecuadamente. [114] La práctica de firmar y fechar obras fue rara hasta la década de 1420, [195] y aunque los inventarios de los coleccionistas pueden haber descrito detalladamente las obras, dieron poca importancia al registro del artista o taller que las produjo. [196]La documentación sobreviviente tiende a provenir de inventarios, testamentos, cuentas de pago, contratos de trabajo y registros y regulaciones del gremio. [197]
Debido a que la vida de Jan van Eyck está bien documentada en comparación con sus pintores contemporáneos, y debido a que fue claramente el innovador de la época, se le atribuyeron una gran cantidad de obras después de que los historiadores del arte comenzaran a investigar la época. Hoy en día, a Jan se le atribuyen entre 26 y 28 obras existentes. Este número reducido se deriva en parte de la identificación de otros pintores de mediados del siglo XV como van der Weyden, Christus y Memling, [198] mientras que Hubert, tan apreciado por los críticos de finales del siglo XIX, ahora está relegado a un segundo plano. figura sin obras que se le atribuyan definitivamente. Muchos de los primeros maestros holandeses no han sido identificados, y hoy en día se los conoce por "nombres de conveniencia", generalmente del formato "Maestro de ...". La práctica carece de un descriptor establecido en inglés,pero el " notname"El término se usa a menudo, un derivado de un término alemán. [L] La recopilación de un grupo de obras bajo un nombre no es a menudo polémico; un conjunto de obras con un nombre no asignado podría haber sido producido por varios artistas cuyas similitudes artísticas se pueden explicar por geografía, formación y respuesta a las influencias de la demanda del mercado. [114] Algunos artistas importantes que eran conocidos por seudónimos ahora se identifican, a veces de forma controvertida, como en el caso de Campin, que por lo general, pero no siempre, se asocia con el maestro de Flémalle. [199]
Muchos artistas norteños no identificados de finales del siglo XIV y principios del XV eran de primer orden, pero han sufrido negligencia académica porque no se han vinculado a ninguna persona histórica; como dice Nash, "mucho de lo que no se puede atribuir firmemente permanece menos estudiado". [114] Algunos historiadores del arte creen que esta situación ha fomentado una falta de precaución al conectar obras con personajes históricos, y que tales conexiones a menudo se basan en tenues evidencias circunstanciales. Las identidades de varios artistas de renombre se han fundado sobre la base de una única obra firmada, documentada o atribuida de otro modo, de la que se derivan otras atribuciones basadas en pruebas técnicas y proximidad geográfica. El llamado Maestro de la Leyenda de la Magdalena , que pudo haber sidoPieter van Coninxloo , es uno de los ejemplos más notables; [200] otros incluyen Hugo van der Goes, Campin, Stefan Lochner y Simon Marmion. [201]
La falta de escritos teóricos sobre arte y opiniones registradas de cualquiera de los principales artistas anteriores al siglo XVI presenta aún más dificultades en la atribución. Durero, en 1512, fue el primer artista de la época en establecer correctamente por escrito sus teorías del arte, seguido por Lucas de Heere en 1565 y Karel van Mander en 1604. Nash cree que una explicación más probable de la ausencia de escritos teóricos sobre El arte fuera de Italia es que los artistas del norte aún no tenían el lenguaje para describir sus valores estéticos, o no veían sentido en explicar por escrito lo que habían logrado en la pintura. Las apreciaciones sobrevivientes del arte holandés contemporáneo del siglo XV están escritas exclusivamente por italianos, entre los que se encuentran Cyriacus Ancona.en 1449, Bartolomeo Facio en 1456 y Giovanni Santi en 1482. [202]
Redescubrimiento [ editar ]
El dominio del manierismo del norte a mediados del siglo XVI se basó en una subversión de las convenciones del arte neerlandés temprano, que a su vez perdió el favor del público. Sin embargo, siguió siendo popular en algunas colecciones de arte real; María de Hungría y Felipe II de España buscaron pintores holandeses, compartiendo una preferencia por van der Weyden y Bosch. A principios del siglo XVII, ninguna colección de renombre estaba completa sin obras del norte de Europa de los siglos XV y XVI; Sin embargo, el énfasis tendió a estar en el Renacimiento del Norte en su conjunto, más hacia el alemán Alberto Durero, con mucho el artista norteño más coleccionable de la época. Giorgio Vasarien 1550 y Karel van Mander (c. 1604) colocaron las obras de arte de la época en el corazón del arte del Renacimiento del Norte. Ambos escritores jugaron un papel decisivo en la formación posterior de una opinión sobre los pintores de la región, con énfasis en van Eyck como innovador. [203]
Los pintores holandeses fueron olvidados en gran parte en el siglo XVIII. Cuando el Musée du Louvre se convirtió en una galería de arte durante la Revolución Francesa , El matrimonio en Caná de Gerard David, entonces atribuido a van Eyck, fue la única obra de arte holandesa que se exhibió allí. Se agregaron más paneles grandes a la colección después de que los franceses conquistaron los Países Bajos . [M] Estas obras tuvieron un profundo efecto en el crítico literario y filósofo alemán Karl Schlegel , quien después de una visita en 1803 escribió un análisis del arte holandés y se lo envió a Ludwig Tieck , quien hizo publicar la pieza en 1805. [204]
En 1821 Johanna Schopenhauer se interesó por la obra de Jan van Eyck y sus seguidores, habiendo visto pinturas tempranas de Holanda y Flandes en la colección de los hermanos Sulpiz y Melchior Boisserée en Heidelberg. [N] Schopenhauer hizo una investigación de archivo primaria porque había muy pocos registros históricos de los maestros, aparte de los documentos legales oficiales. [205] Publicó Johann van Eyck und seine Nachfolger en 1822, el mismo año en que Gustav Friedrich Waagen publicó el primer trabajo académico moderno sobre la pintura neerlandesa temprana, Ueber Hubert van Eyck und Johann van Eyck ; [206]El trabajo de Waagen se basó en los análisis anteriores de Schlegel y Schopenhauer. Waagen se convirtió en director de la Gemäldegalerie en Berlín, acumulando una colección de arte holandés, que incluía la mayoría de los paneles de Gante , varios trípticos de van der Weyden y un retablo de Bouts. Sometiendo las obras a un análisis y examen meticuloso en el curso de la adquisición, basado en las características distintivas de los artistas individuales, estableció un sistema de clasificación académico temprano. [204]
En 1830, la Revolución Belga separó a Bélgica de los Países Bajos de hoy; A medida que el estado recién creado buscaba establecer una identidad cultural, la reputación de Memling llegó a igualar la de van Eyck en el siglo XIX. Memling era visto técnicamente como la pareja del maestro mayor y poseía una resonancia emocional más profunda. [207] Cuando en 1848 la colección del príncipe Luis de Oettingen-Wallerstein en Schloss Wallerstein se vio obligada a salir al mercado, su primo el príncipe Alberto organizó una visita en el Palacio de Kensington ; Aunque Waagen compiló un catálogo de obras atribuidas a la Escuela de Colonia, Jan van Eyck y van der Weyden, no hubo otros compradores, por lo que Albert las compró él mismo. [208][209] En un período en el que la National Gallery de Londresbuscaba aumentar su prestigio, [210] Charles Eastlake compró elpanel The Magdalen Reading de Rogier van der Weydenen 1860 de la colección "pequeña pero selecta" de Edmond Beaucousin de primeras pinturas neerlandesas. [211]
El arte holandés se hizo popular entre los visitantes de los museos a fines del siglo XIX. A principios del siglo XX, van Eyck y Memling eran los más respetados, con van der Weyden y Christus poco más que notas a pie de página. Más tarde, se descubrió que muchas de las obras atribuidas a Memling eran de van der Weyden o de su taller. En 1902, Brujas acogió la primera exposición de arte holandés con 35.000 visitantes, un evento que supuso un "punto de inflexión en la apreciación del arte neerlandés primitivo". [212] Por varias razones, la principal de las cuales fue la dificultad de asegurar pinturas para la exposición, solo se exhibieron algunos de los paneles de van Eyck y van der Weyden, mientras que se mostraron casi 40 de las piezas de Memling. Sin embargo, van Eyck y van der Weyden, hasta cierto punto, fueron considerados el primer rango de artistas holandeses. [213]
La exposición de Brujas renovó el interés en el período e inició la erudición que florecería en el siglo XX. Johan Huizinga fue el primer historiador en situar el arte holandés de lleno en el período borgoñón, fuera de las fronteras nacionalistas, sugiriendo en su libro The Waning of the Middle Ages , publicado en 1919, que el florecimiento de la escuela a principios del siglo XV resultó totalmente de los gustos establecidos por la corte de Borgoña. [214]Otro visitante de la exposición, Georges Hulin de Loo, publicó un catálogo crítico independiente destacando la gran cantidad de errores en el catálogo oficial, que había utilizado atribuciones y descripciones de los propietarios. Él y Max Friedländer, que visitaron y escribieron una reseña de la exposición de Brujas, se convirtieron en destacados académicos en el campo. [215]
Becas y conservación [ editar ]
La investigación temprana más significativa del arte de los primeros Países Bajos se produjo en la década de 1920, en la pionera Meisterwerke der Niederländischen Malerei des 15. und 16. Jahrhunderts del historiador de arte alemán Max Jakob Friedländer . Friedländer se centró en los detalles biográficos de los pintores, estableciendo atribuciones y examinando sus obras principales. La empresa resultó extremadamente difícil, dado el escaso registro histórico de incluso los artistas más importantes. Compañero alemán Erwin PanofskyEl análisis de los años cincuenta y sesenta siguió y en muchos sentidos desafió el trabajo de Friedländer. Escribiendo en los Estados Unidos, Panofsky hizo que el trabajo de los historiadores del arte alemanes fuera accesible al mundo de habla inglesa por primera vez. Efectivamente legitimó el arte holandés como campo de estudio y elevó su estatus a algo similar al del renacimiento italiano temprano . [216]
Panofsky fue uno de los primeros historiadores del arte en abandonar el formalismo . [217] Se basó en los intentos de atribución de Friedländer, pero se centró más en la historia social y la iconografía religiosa. [92]Panofsky desarrolló la terminología con la que generalmente se describen las pinturas holandesas y realizó avances significativos en la identificación del rico simbolismo religioso, especialmente de los retablos mayores. Panofsky fue el primer estudioso en conectar el trabajo de los pintores e iluminadores holandeses, notando la considerable superposición. Consideró que el estudio de los manuscritos era parte integral del estudio de los paneles, aunque al final llegó a ver la iluminación como menos significativa que la pintura sobre paneles, como un preludio del trabajo verdaderamente significativo de los artistas del norte de los siglos XV y XVI. [218]
Otto Pächt y Friedrich Winkler continuaron y desarrollaron el trabajo de Panofsky. Fueron clave para identificar fuentes de iconografía y atribuir atribuciones, o al menos diferenciar maestros anónimos con nombres de conveniencia. [218] La escasez de documentación existente ha hecho que la atribución sea especialmente difícil, un problema agravado por el sistema de talleres. No fue hasta finales de la década de 1950, después de la investigación de Friedländer, Panofsky y Meyer Schapiro , que se establecieron las atribuciones generalmente aceptadas en la actualidad. [200] [O]
La investigación más reciente de historiadores del arte como Lorne Campbell se basa en la fotografía de rayos X e infrarrojos para desarrollar una comprensión de las técnicas y materiales utilizados por los pintores. [220] La conservación del Retablo de Gante a mediados de la década de 1950 fue pionera en metodologías y estudios técnicos. El examen de las capas de pintura y las capas base se aplicó más tarde a otras obras holandesas, lo que permitió atribuciones más precisas. El trabajo de Van Eyck, por ejemplo, generalmente muestra dibujos subyacentes a diferencia del trabajo de Christus. Estos descubrimientos también apuntan a las relaciones entre los maestros de primer rango y los de las generaciones siguientes, y los dibujos subyacentes de Memling muestran claramente la influencia de van der Weyden. [67]
La beca desde la década de 1970 ha tendido a alejarse de un estudio puro de la iconografía, en lugar de enfatizar la relación de las pinturas y los artistas con la historia social de su tiempo. [220] Según Craig Harbison , "la historia social se estaba volviendo cada vez más importante. Panofsky nunca había hablado realmente sobre qué tipo de personas eran". [221]Harbison ve las obras como objetos de devoción con una "mentalidad de libro de oraciones" disponible para los burgueses de clase media que tenían los medios y la inclinación para encargar objetos devocionales. La investigación más reciente se está alejando del enfoque en la iconografía religiosa; en cambio, investiga cómo se supone que un espectador experimente una pieza, como ocurre con las pinturas de donantes que pretendían suscitar el sentimiento de una visión religiosa. James Marrow cree que los pintores querían evocar respuestas específicas, que a menudo se insinúan en las emociones de las figuras en las pinturas. [222]
Notas [ editar ]
- ↑ El arte flamenco y el holandés solo se distinguieron entre sí desde principios del siglo XVII. Véase Spronk (1997), 7.
- ↑ Van Eyck usó elementos del alfabeto griego en su firma, y variospintoresde Gante enseñaron a los miembros de sus talleres a leer y escribir.
- ↑ Según los registros contemporáneos, se estima que alrededor de un tercio fueron pintados sobre lienzo, pero como estos eran mucho menos duraderos, la mayoría de las obras existentes están en paneles de madera. Véase Ridderbos (2005), pág. 297.
- ↑ El duque de Urbino contrató a Joos van Gent en c. 1473, e Isabel I de Castilla , que poseía una colección de 300 pinturas, contrató a Michael Sittow y Juan de Flandes ("Juan de Flandes") a su servicio. Véase Ainsworth (1998a), 25-26.
- ^ La palabra tríptico no existió durante la época; las obras fueron conocidas como "pinturas con puertas". Véase Jacobs (2011), 8.
- ↑ En los retablos del siglo XIV, la "naturaleza del tema" era más importante; en general, cuanto más sagrado es el tema, más decorativo y elaborado es su tratamiento. Ver Huizinga (2009), 22.
- ^ La obra consta de 12 paneles pintados exteriores y 14 interiores, y las diferentes combinaciones posibles de paneles produjeron diferentes significados previstos. Véase Toman (2011), 319.
- ↑ De los cuales tres están documentados pero perdidos, ocho sobreviven completamente intactos y cinco existen en fragmentos. Véase Jacobs (2000), 1010.
- ↑ El padre de Durero, orfebre, pasó un tiempo como jornalero en los Países Bajos y se reunió, según su hijo, con "los grandes artistas". El propio Durero viajó allí entre 1520 y 1521 y visitó Brujas, Gante y Bruselas, entre otros lugares. Véase Borchert (2011), 83.
- ↑ El Proyecto milagroso de peces de 1444 de Konrad Witz se acredita como el retrato fiel más antiguo existente en la historia del arte europeo de un paisaje basado en la observación de características topográficas reales. Véase Borchert (2011), 58.
- ^ Descrito por Panofsky como "el interior visto a través de una galería triple". Véase Panofsky (1969), 142.
- ^ Normalmente, los seudónimos se aplican después de que se establecen elementos comunes entre un grupo de obras. Los historiadores del arte consideran las similitudes de tema, estilo, iconografía, fuente bíblica y ubicación física antes de atribuir el trabajo a un individuo o taller, luego asignan un nombre genérico.
- ↑ Los paneles centrales del Retablo de Gante , La Virgen y el Niño de van Eyck con Canon van der Paele y el Tríptico Morel de Memling
- ↑ La colección Boisserée fue adquirida en 1827, por consejo de Johann Georg von Dillis , para formar parte del núcleo de la Alte Pinakothek , Munich. Ver Ridderbos (2005), 86.
- ↑ En las décadas de 1960 y 1970, Lotte Brand Philip y Elisabeth Dhanens se basaron en el trabajo de Panofsky y resolvieron muchos de los problemas con los que Panofsky había luchado, especialmente en relación con la identificación de las fuentes de la iconografía y la atribución de obras de principios a mediados del siglo XV. .
Referencias [ editar ]
Citas [ editar ]
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Enlaces externos [ editar ]
- Pintura neerlandesa temprana en el Museo Metropolitano de Arte , Nueva York.
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