| Música electrónica | |
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La música electrónica es música que emplea instrumentos musicales electrónicos , instrumentos digitales o tecnología musical basada en circuitos en su creación. Incluye tanto la música realizada por medios electrónicos como electromecánicos ( música electroacústica ). Los instrumentos electrónicos puros dependían completamente de la generación de sonido basada en circuitos, por ejemplo, utilizando dispositivos como un oscilador electrónico , theremin o sintetizador . Los instrumentos electromecánicos pueden tener partes mecánicas como cuerdas, martillos y elementos eléctricos, incluyendo pastillas magnéticas , amplificadores de potencia yAltavoces . Dichos dispositivos electromecánicos incluyen el telharmonium , el órgano Hammond , el piano eléctrico y la guitarra eléctrica . [1] [2]
Los primeros dispositivos musicales electrónicos se desarrollaron a finales del siglo XIX. Durante las décadas de 1920 y 1930, se introdujeron varios instrumentos electrónicos y se escribieron las primeras composiciones que los incluían. En la década de 1940, la cinta de audio magnética permitió a los músicos grabar sonidos y luego modificarlos cambiando la velocidad o la dirección de la cinta, lo que llevó al desarrollo de la música en cinta electroacústica en la década de 1940, en Egipto y Francia. Musique concrète , creada en París en 1948, se basó en la edición conjunta de fragmentos grabados de sonidos naturales e industriales. La música producida únicamente a partir de generadores electrónicos se produjo por primera vez en Alemania en 1953. La música electrónica también se creó en Japón y los Estados Unidos a partir de la década de 1950 y la composición algorítmicacon computadoras se demostró por primera vez en la misma década.
Durante la década de 1960, la música digital por computadora fue pionera, se produjo la innovación en la electrónica en vivo y los instrumentos musicales electrónicos japoneses comenzaron a influir en la industria de la música . A principios de la década de 1970, los sintetizadores Moog y las cajas de ritmos japonesas ayudaron a popularizar la música electrónica sintetizada. La década de 1970 también vio la música electrónica comenzar a tener una influencia significativa en la música popular , con la adopción de sintetizadores polifónicos , baterías electrónicas , cajas de ritmos y tocadiscos , a través de la aparición de géneros como disco , krautrock , new wave., synth-pop , hip hop y EDM . A principios de la década de 1980, los sintetizadores digitales producidos en masa , como el Yamaha DX7 , se hicieron populares y se desarrolló MIDI (Musical Instrument Digital Interface). En la misma década, con una mayor dependencia de los sintetizadores y la adopción de cajas de ritmos programables, la música popular electrónica pasó a primer plano. Durante la década de 1990, con la proliferación de tecnología musical cada vez más asequible, la producción de música electrónica se convirtió en una parte establecida de la cultura popular . [3] La música electrónica contemporánea incluye muchas variedades y abarca desde música artística experimentala formas populares como la música electrónica de baile . La música electrónica pop es más reconocible en su forma 4/4 y está más conectada con la corriente principal que las formas anteriores que eran populares en mercados especializados. [4]
Orígenes: finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX [ editar ]
A principios del siglo XX, la experimentación con la electrónica emergente condujo a los primeros instrumentos musicales electrónicos . [5] Estos inventos iniciales no se vendieron, sino que se utilizaron en demostraciones y representaciones públicas. Se presentó al público reproducciones de música existente en lugar de nuevas composiciones para los instrumentos. [6] Si bien algunos se consideraron novedades y produjeron tonos simples, el Telharmonium sintetizó el sonido de varios instrumentos orquestales con una precisión razonable. Logró un interés público viable y realizó avances comerciales en la transmisión de música a través de redes telefónicas . [7]
Los críticos de las convenciones musicales de la época vieron prometedores estos desarrollos. Ferruccio Busoni fomentó la composición de música microtonal permitida por los instrumentos electrónicos. Predijo el uso de máquinas en la música del futuro, escribiendo el influyente Sketch of a New Esthetic of Music (1907). [8] Futuristas como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo comenzaron a componer música con ruido acústico para evocar el sonido de la maquinaria . Ellos predijeron expansiones en el timbre permitidas por la electrónica en el influyente manifiesto The Art of Noises (1913). [9][10]
Primeras composiciones [ editar ]
Los desarrollos del tubo de vacío llevaron a instrumentos electrónicos que eran más pequeños, amplificados y más prácticos para el rendimiento. [11] En particular, el theremin , ondes Martenot y trautonium fueron producidos comercialmente a principios de la década de 1930. [12] [13]
Desde finales de la década de 1920, la creciente practicidad de los instrumentos electrónicos influyó en compositores como Joseph Schillinger para adoptarlos. Se usaban típicamente dentro de las orquestas , y la mayoría de los compositores escribieron partes para el theremin que de otro modo podrían interpretarse con instrumentos de cuerda . [12]
Los compositores de vanguardia criticaron el uso predominante de instrumentos electrónicos con fines convencionales. [12] Los instrumentos ofrecieron expansiones en los recursos de tono [14] que fueron explotados por defensores de la música microtonal como Charles Ives , Dimitrios Levidis , Olivier Messiaen y Edgard Varèse . [15] [16] [17] Además, Percy Grainger usó el theremin para abandonar por completo la tonalidad fija, [18] mientras que compositores rusos como Gavriil Popov lo trataron como una fuente de ruido en la música acústica . [19]
Grabando experimentos [ editar ]
Los avances en la tecnología de grabación temprana fueron paralelos a los de los instrumentos electrónicos. El primer medio de grabación y reproducción de audio se inventó a finales del siglo XIX con el fonógrafo mecánico . [20] Los tocadiscos se convirtieron en un elemento doméstico común y, en la década de 1920, los compositores los usaban para reproducir grabaciones breves en presentaciones. [21]
La introducción de la grabación eléctrica en 1925 fue seguida por una mayor experimentación con tocadiscos. Paul Hindemith y Ernst Toch compusieron varias piezas en 1930 superponiendo grabaciones de instrumentos y voces a velocidades ajustadas. Influenciado por estas técnicas, John Cage compuso Imaginary Landscape No. 1 en 1939 ajustando la velocidad de los tonos grabados. [22]
Al mismo tiempo, los compositores comenzaron a experimentar con la tecnología de sonido en película recientemente desarrollada . Las grabaciones se pueden unir para crear collages de sonido , como los de Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann y Dziga Vertov . Además, la tecnología permitió que el sonido se creara y modificara gráficamente . Estas técnicas se utilizaron para componer bandas sonoras para varias películas en Alemania y Rusia, además de las populares Dr. Jekyll y Mr. Hyde en Estados Unidos. Norman McLaren continuó los experimentos con sonido gráficodesde finales de la década de 1930. [23]
Desarrollo: 1940 a 1950 [ editar ]
Música de cinta electroacústica [ editar ]
La primera grabadora de cinta de audio práctica se presentó en 1935. [24] Se hicieron mejoras a la tecnología utilizando la técnica de polarización de CA , que mejoró significativamente la fidelidad de grabación. [25] [26] Ya en 1942, se estaban realizando grabaciones de prueba en estéreo . [27] Aunque estos desarrollos se limitaron inicialmente a Alemania, las grabadoras y cintas se llevaron a los Estados Unidos después del final de la Segunda Guerra Mundial. [28] Estas fueron la base para la primera grabadora de cinta producida comercialmente en 1948. [29]
En 1944, antes del uso de la cinta magnética con fines compositivos, el compositor egipcio Halim El-Dabh , cuando todavía era estudiante en El Cairo , usaba una incómoda grabadora de alambre para grabar los sonidos de una antigua ceremonia de zaar . Utilizando las instalaciones de los estudios de Middle East Radio, El-Dabh procesó el material grabado usando reverberación, eco, controles de voltaje y regrabación. Se cree que el resultado fue la primera composición musical en cinta. [30] El trabajo resultante se tituló La expresión de Zaar.y se presentó en 1944 en un evento de una galería de arte en El Cairo. Si bien sus experimentos iniciales en la composición basada en cintas no eran ampliamente conocidos fuera de Egipto en ese momento, El-Dabh también es conocido por su trabajo posterior en música electrónica en el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton a fines de la década de 1950. [31]
Musique concrète [ editar ]
Después de su trabajo con Studio d'Essai en Radiodiffusion Française (RDF), a principios de la década de 1940, a Pierre Schaeffer se le atribuye el origen de la teoría y la práctica de la música concrète. A finales de la década de 1940, Schaeffer llevó a cabo por primera vez experimentos de composición basada en sonidos utilizando tocadiscos de goma laca . En 1950, las técnicas de musique concrete se expandieron cuando se utilizaron máquinas de cinta magnética para explorar prácticas de manipulación de sonido como la variación de velocidad ( cambio de tono ) y el empalme de cinta ( Palombini 1993 , 14). [32]
El 5 de octubre de 1948, RDF transmitió Etude aux chemins de fer de Schaeffer . Este fue el primer " movimiento " de Cinq études de bruits , y marcó el comienzo de las realizaciones de estudio [33] y la musique concrète (o arte acousmático). Schaeffer empleó un torno de corte de disco , cuatro tocadiscos, un mezclador de cuatro canales, filtros, una cámara de eco y una unidad de grabación móvil. Poco después de esto, Pierre Henry comenzó a colaborar con Schaeffer, una asociación que tendría efectos profundos y duraderos en la dirección de la música electrónica. Otro asociado de Schaeffer, Edgard Varèse , comenzó a trabajar en Déserts, obra para orquesta de cámara y cinta. Las partes de la cinta se crearon en el estudio de Pierre Schaeffer y luego se revisaron en la Universidad de Columbia.
En 1950, Schaeffer dio el primer concierto público (no retransmitido) de musique concrète en la École Normale de Musique de Paris . "Schaeffer usó un sistema de megafonía , varios tocadiscos y mezcladores. La actuación no fue bien, ya que nunca antes se había hecho la creación de montajes en vivo con tocadiscos". [34] Más tarde ese mismo año, Pierre Henry colaboró con Schaeffer en Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de musique concrete. En París en 1951, en lo que se convertiría en una importante tendencia mundial, RTF estableció el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus , para sonidos y voces concretas.
En 1951, el trabajo de Schaeffer, el compositor y percusionista Pierre Henry y el ingeniero de sonido Jacques Poullin habían recibido reconocimiento oficial y el Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d 'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française se estableció en RTF en París, el antepasado de la ORTF . [35]
Elektronische Musik [ editar ]
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y luego durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica del WDR Colonia .
1954 vio el advenimiento de lo que ahora se considerarían auténticas composiciones eléctricas más acústicas: instrumentación acústica aumentada / acompañada por grabaciones de sonido manipulado o generado electrónicamente. Ese año se estrenaron tres obras importantes: Déserts de Varèse , para conjuntos de cámara y sonidos de cinta, y dos obras de Otto Luening y Vladimir Ussachevsky : Variaciones rapsódicas para la Sinfónica de Louisville y Poema en ciclos y campanas., tanto para orquesta como para cinta. Como había estado trabajando en el estudio de Schaeffer, la parte de la cinta del trabajo de Varèse contiene sonidos mucho más concretos que electrónicos. “Un grupo formado por instrumentos de viento, percusión y piano se alterna con los sonidos mutados de los ruidos de las fábricas y las sirenas y los motores de los barcos, provenientes de dos altavoces”. [36]
En el estreno alemán de Déserts en Hamburgo , que fue dirigido por Bruno Maderna , los controles de la cinta fueron operados por Karlheinz Stockhausen . [36] El título Déserts sugirió a Varèse no solo "todos los desiertos físicos (de arena, mar, nieve, del espacio exterior, de calles vacías), sino también los desiertos en la mente del hombre; no solo los aspectos desnudos de la naturaleza que sugieren desnudez, distanciamiento, atemporalidad, pero también ese remoto espacio interior que ningún telescopio puede alcanzar, donde el hombre está solo, un mundo de misterio y soledad esencial ". [37]
En Colonia, lo que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, se inauguró oficialmente en los estudios de radio de la NWDR en 1953, aunque había estado en las etapas de planificación ya en 1950 y las primeras composiciones se hicieron y transmitieron en 1951. . [38] la idea original de Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer, y Herbert Eimert (que se convirtió en su primer director), el estudio pronto se le unió Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig . En su tesis de 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache , Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música enteramente a partir de señales producidas electrónicamente; De este modo,elektronische Musik se diferenciaba claramente de la musique concrète francesa , que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas. [39]
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II , la primera pieza electrónica que se publicó como partitura. En 1955 comienzan a aparecer estudios más experimentales y electrónicos. Cabe destacar la creación del Studio di fonologia musicale di Radio Milano , un estudio en la NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi , y el estudio de Philips en Eindhoven , Países Bajos , que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960. .
"Con Stockhausen y Mauricio Kagel en residencia, se convirtió en un hervidero de avante-gardismo carismático [ sic ] durante todo el año" [40] en dos ocasiones combinando sonidos generados electrónicamente con orquestas relativamente convencionales, en Mixtur (1964) e Hymnen, Dritte Region mit Orchestre (1967). [41] Stockhausen declaró que sus oyentes le habían dicho que su música electrónica les dio una experiencia del "espacio exterior", sensaciones de volar o estar en un "mundo fantástico de sueños". [42] Más recientemente, Stockhausen se dedicó a producir música electrónica en su propio estudio en Kürten , siendo su último trabajo en el medioPulsos cósmicos (2007).
Música electrónica japonesa [ editar ]
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El primer grupo de instrumentos musicales electrónicos en Japón, Yamaha Magna Organ fue construido en 1935. [43] sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, compositores japoneses como Minao Shibata conocían el desarrollo de instrumentos musicales electrónicos. A fines de la década de 1940, los compositores japoneses comenzaron a experimentar con música electrónica y el patrocinio institucional les permitió experimentar con equipos avanzados. Su infusión de música asiática en el género emergente eventualmente apoyaría la popularidad de Japón en el desarrollo de la tecnología musical varias décadas después. [44]
Tras la fundación de la empresa de electrónica Sony en 1946, los compositores Toru Takemitsu y Minao Shibata exploraron de forma independiente los posibles usos de la tecnología electrónica para producir música. [45] Takemitsu tenía ideas similares a la musique concrète , de las que no era consciente, mientras que Shibata previó el desarrollo de sintetizadores y predijo un cambio drástico en la música. [46] Sony comenzó a producir grabadoras de cinta magnética populares para uso público y gubernamental. [44] [47]
Sony ofreció acceso a la tecnología de audio emergente al colectivo de vanguardia Jikken Kōbō (Taller Experimental), fundado en 1950. La empresa contrató a Toru Takemitsu para hacer una demostración de sus grabadoras con composiciones e interpretaciones de música electrónica. [48] Las primeras cintas electrónicas del grupo fueron "Toraware no Onna" ("Mujer encarcelada") y "Pieza B", compuesta en 1951 por Kuniharu Akiyama. [49] Muchas de las piezas de cinta electroacústica que produjeron se utilizaron como música secundaria para radio , cine y teatro . También realizaron conciertos empleando una presentación de diapositivas sincronizada con una banda sonora grabada.[50]Los compositores fuera del Jikken Kōbō, como Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga y Shirō Fukai , también estaban experimentando con música en cinta radiofónica entre 1952 y 1953. [47]
Musique concrète fue introducido en Japón por Toshiro Mayuzumi , quien fue influenciado por un concierto de Pierre Schaeffer. A partir de 1952, compuso piezas musicales en cinta para una película de comedia, una transmisión de radio y un drama de radio. [49] [51] Sin embargo, el concepto de objeto sonoro de Schaeffer no fue influyente entre los compositores japoneses, que estaban interesados principalmente en superar las restricciones de la interpretación humana. [52] Esto llevó a varios músicos electroacústicos japoneses a hacer uso del serialismo y técnicas de doce tonos , [52] evidente en el dodecafónico de 1951 de Yoshirō Irino .pieza "Concerto da Camera", [51] en la organización de sonidos electrónicos en "X, Y, Z for Musique Concrète" de Mayuzumi, y más tarde en la música electrónica de Shibata de 1956. [53]
Modelando el estudio NWDR en Colonia, NHK estableció un estudio de música electrónica en Tokio en 1955, que se convirtió en una de las instalaciones de música electrónica más importantes del mundo. El NHK Studio estaba equipado con tecnologías tales como equipos de procesamiento de audio y generación de tonos, equipos de grabación y radiofónicos, ondes Martenot, Monochord y Melochord , osciladores de onda sinusoidal , grabadoras de cinta, moduladores de anillo , filtros de paso de banda y cuatro y ocho -mezcladores de canal . Los músicos asociados con el estudio incluyeron a Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagiy Toru Takemitsu. Las primeras composiciones electrónicas del estudio se completaron en 1955, incluidas las piezas de cinco minutos de Mayuzumi "Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number", "Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number" e "Invention for Square Wave and Sawtooth". Wave "producido utilizando las diversas capacidades de generación de tonos del estudio y la pieza estéreo de 20 minutos de Shibata " Musique Concrète for Stereophonic Broadcast ". [54] [55]
Música electrónica estadounidense [ editar ]
En los Estados Unidos, la música electrónica se estaba creando ya en 1939, cuando John Cage publicó Imaginary Landscape, No. 1 , utilizando dos tocadiscos de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano silenciado y platillos, pero sin medios electrónicos de producción. Cage compuso cinco "Paisajes imaginarios" más entre 1942 y 1952 (uno retirado), principalmente para conjuntos de percusión, aunque el número 4 es para doce radios y el número 5, escrito en 1952, utiliza 42 grabaciones y se realizará como un cinta. Según Otto Luening, Cage también realizó un William [ sic ] Mix en Donaueschingen en 1954, usando ocho altavoces, tres años después de su supuesta colaboración. [ aclaración necesaria ] Williams Mixfue un éxito en el Festival de Donaueschingen , donde causó "una fuerte impresión". [56]
El proyecto Music for Magnetic Tape fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor y Morton Feldman ), [57] y duró tres años hasta 1954. Cage escribió sobre esta colaboración: " En esta oscuridad social, por lo tanto, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff continúa presentando una luz brillante, por la razón que en los diversos puntos de notación, interpretación y audición, la acción es provocativa ". [58]
Cage completó Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con Music for Magnetic Tape Project. [59] El grupo no tenía una instalación permanente y tuvo que depender del tiempo prestado en estudios de sonido comerciales, incluido el estudio de Louis y Bebe Barron .
Centro Columbia-Princeton [ editar ]
En el mismo año, la Universidad de Columbia compró su primera grabadora, una máquina Ampex profesional , con el propósito de grabar conciertos. Vladimir Ussachevsky, que estaba en la facultad de música de la Universidad de Columbia, fue puesto a cargo del dispositivo y casi de inmediato comenzó a experimentar con él.
Herbert Russcol escribe: "Pronto se sintió intrigado por las nuevas sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y luego superponiéndolos entre sí". [60] Ussachevsky dijo más tarde: "De repente me di cuenta de que la grabadora podía tratarse como un instrumento de transformación del sonido". [60] El jueves 8 de mayo de 1952, Ussachevsky presentó varias demostraciones de efectos / música de cinta que creó en su Composers Forum, en el McMillin Theatre de la Universidad de Columbia. Estos incluyeron transposición, reverberación, experimento, composición y valse submarino.. En una entrevista, afirmó: "Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales". [60] Otto Luening, que había asistido a este concierto, comentó: "El equipo a su disposición consistía en una grabadora Ampex ... y un dispositivo simple en forma de caja diseñado por el brillante joven ingeniero, Peter Mauzey, para generar retroalimentación, una forma de reverberación mecánica. Otros equipos se tomaron prestados o se compraron con fondos personales ". [61]
Solo tres meses después, en agosto de 1952, Ussachevsky viajó a Bennington, Vermont, por invitación de Luening para presentar sus experimentos. Allí, los dos colaboraron en varias piezas. Luening describió el evento: "Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición de grabadora. Ambos fuimos improvisadores con fluidez y el medio encendió nuestra imaginación". [61] Tocaron algunas de las primeras piezas de manera informal en una fiesta, donde "varios compositores nos felicitaron casi solemnemente diciendo: 'Esto es' ('eso' significa la música del futuro)". [61]
La noticia llegó rápidamente a la ciudad de Nueva York. Oliver Daniel llamó por teléfono e invitó a la pareja a "producir un grupo de composiciones breves para el concierto de octubre patrocinado por American Composers Alliance y Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de Leopold Stokowski en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Después de algunas vacilaciones, acordamos ... Henry Cowell puso su casa y estudio en Woodstock, Nueva York, a nuestra disposición. Con el equipo prestado en la parte trasera del coche de Ussachevsky, dejamos Bennington para Woodstock y nos quedamos dos semanas ... en a finales de septiembre de 1952, el laboratorio ambulante llegó a la sala de estar de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones ". [61]
Dos meses después, el 28 de octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de Tape Music en Estados Unidos. El concierto incluyó Fantasy in Space (1952) de Luening - "una pieza virtuosa impresionista " [61] que utiliza grabaciones manipuladas de flauta - y Low Speed (1952), una "composición exótica que llevó la flauta muy por debajo de su rango natural". [61]Ambas piezas fueron creadas en la casa de Henry Cowell en Woodstock, Nueva York. Después de que varios conciertos causaron sensación en la ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening fueron invitados a una transmisión en vivo del Today Show de NBC para hacer una demostración de entrevista, la primera actuación electroacústica televisada. Luening describió el evento: "Improvisé algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky en ese momento las sometió a transformaciones electrónicas". [62]
La partitura de Forbidden Planet , de Louis y Bebe Barron , [63] se compuso en su totalidad utilizando circuitos electrónicos y grabadoras a medida en 1956 (pero sin sintetizadores en el sentido moderno de la palabra). [ aclaración necesaria ]
Australia [ editar ]
La primera computadora del mundo en reproducir música fue CSIRAC , que fue diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías musicales populares de principios de la década de 1950. En 1951 tocó públicamente el Coronel Bogey March , del que no existen grabaciones conocidas, solo la reconstrucción precisa. [64] Sin embargo, CSIRAC tocaba un repertorio estándar y no se usó para extender el pensamiento musical o la práctica de la composición. CSIRAC nunca se grabó, pero la música reproducida se reconstruyó con precisión. Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por computadora fueron reproducidas por la computadora Ferranti Mark 1 , una versión comercial de BabyMachine de la Universidad de Manchester en el otoño de 1951. [65] El programa musical fue escrito por Christopher Strachey .
De mediados a finales de la década de 1950 [ editar ]
El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerdas , el primer trabajo completo de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica . "... Hiller postuló que a una computadora se le pueden enseñar las reglas de un estilo particular y luego se le pide que componga en consecuencia". [66] Desarrollos posteriores incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories , quien desarrolló el influyente programa MUSIC I en 1957, uno de los primeros programas de computadora para reproducir música electrónica. Codificador de vozLa tecnología también fue un desarrollo importante en esta era temprana. En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge , la primera obra importante del estudio de Colonia , basada en un texto del Libro de Daniel . Un avance tecnológico importante de ese año fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott con subensamblaje de Robert Moog .
En 1957, Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) y Tom Dissevelt lanzaron su álbum debut, Song Of The Second Moon , grabado en el estudio de Philips en los Países Bajos. [67] El público siguió interesado en los nuevos sonidos que se están creando en todo el mundo, como puede deducirse de la inclusión del Poème électronique de Varèse , que se escuchó con cuatrocientos altavoces en el Pabellón Philips de la Feria Mundial de Bruselas de 1958 . Ese mismo año, Mauricio Kagel , un compositor argentino , compuso Transición II. El trabajo se realizó en el estudio WDR en Colonia. Dos músicos tocaron en un piano, uno de la manera tradicional, el otro tocando las cuerdas, el marco y la caja. Otros dos artistas usaron cinta para unir la presentación de sonidos en vivo con el futuro de los materiales pregrabados de más adelante y su pasado de grabaciones realizadas anteriormente en la actuación.
En 1958, Columbia-Princeton desarrolló el sintetizador de sonido RCA Mark II , el primer sintetizador programable . [68] Compositores prominentes como Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel y Mario Davidovsky utilizaron el sintetizador RCA ampliamente en varias composiciones. [69] Uno de los compositores más influyentes asociados con los primeros años del estudio fue Halim El-Dabh de Egipto quien, [70] después de haber desarrollado la música en cinta electrónica más antigua conocida en 1944, [30]se hizo más famosa por Leiyla and the Poet , una serie de composiciones electrónicas de 1959 que se destacó por su inmersión y fusión perfecta de música electrónica y folk , en contraste con el enfoque más matemático utilizado por compositores seriales de la época como Babbitt. Leiyla and the Poet de El-Dabh , lanzado como parte del álbum Columbia-Princeton Electronic Music Center en 1961, sería citado como una fuerte influencia por varios músicos, desde Neil Rolnick , Charles Amirkhanian y Alice Shields hasta los músicos de rock Frank. Zappa yLa banda experimental de arte pop de la costa oeste . [71]
Tras la aparición de diferencias dentro del GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète), Pierre Henry, Philippe Arthuys y varios de sus colegas dimitieron en abril de 1958. Schaeffer creó un nuevo colectivo, llamado Groupe de Recherches Musicales (GRM) y se puso a trabajar reclutando nuevos miembros, incluidos Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani y Mireille Chamass-Kyrou. Las llegadas posteriores incluyeron a Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton y François Bayle . [72]
Expansión: 1960 [ editar ]
Fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para el mundo académico, sino también para los artistas independientes a medida que la tecnología de sintetizadores se hizo más accesible. En ese momento, se estableció y creció una fuerte comunidad de compositores y músicos que trabajaban con nuevos sonidos e instrumentos. 1960 fue testigo de la composición de las Gárgolas de Luening para violín y cinta, así como del estreno de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. Esta pieza existía en dos versiones: una para cinta de 4 canales y la otra para cinta con intérpretes humanos. "En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en el desarrollo lineal y el clímax dramático. Este nuevo enfoque, que él denominó 'forma de momento', se asemeja a las técnicas de 'empalme cinematográfico' del cine de principios del siglo XX ". [73]
El theremin había estado en uso desde la década de 1920, pero alcanzó cierto grado de reconocimiento popular a través de su uso en la banda sonora de películas de ciencia ficción en la década de 1950 (por ejemplo, la partitura clásica de Bernard Herrmann para El día que la tierra se detuvo ). [74]
En el Reino Unido, en este período, el BBC Radiophonic Workshop (establecido en 1958) saltó a la fama, gracias en gran medida a su trabajo en la serie de ciencia ficción de la BBC Doctor Who . Una de las artistas electrónicas británicas más influyentes de este período [75] fue la empleada de Workshop, Delia Derbyshire , que ahora es famosa por su realización electrónica en 1963 del icónico tema Doctor Who , compuesto por Ron Grainer .
En 1961, Josef Tal estableció el Centro de Música Electrónica en Israel en la Universidad Hebrea , y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro. [76] En la década de 1990, Tal llevó a cabo, junto con el Dr. Shlomo Markel, en cooperación con el Technion - Instituto de Tecnología de Israel , y VolkswagenStiftung un proyecto de investigación (Talmark) destinado al desarrollo de un novedoso sistema de notación musical para la música electrónica. [77]
Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador, su Composición para sintetizador (1961), que creó utilizando el sintetizador RCA en el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton.
Para Babbitt, el sintetizador RCA fue un sueño hecho realidad por tres razones. Primero, la capacidad de identificar y controlar cada elemento musical con precisión. En segundo lugar, el tiempo necesario para realizar sus elaboradas estructuras en serie se puso al alcance de la mano. En tercer lugar, la pregunta ya no era "¿Cuáles son los límites del actor humano?" sino más bien "¿Cuáles son los límites del oído humano?" [78]
Las colaboraciones también se produjeron en océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC). A su llegada, Varese se embarcó en una revisión de Déserts . Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel . [79]
La intensa actividad que tuvo lugar en CPEMC y en otros lugares inspiró el establecimiento del San Francisco Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick , con miembros adicionales Pauline Oliveros , Ramon Sender , Anthony Martin y Terry Riley . [80]
Posteriormente, el Centro se trasladó a Mills College , dirigido por Pauline Oliveros , donde hoy se conoce como Centro de Música Contemporánea. [81]
Simultáneamente en San Francisco, el compositor Stan Shaff y el diseñador de equipos Doug McEachern, presentaron el primer concierto "Audium" en el San Francisco State College (1962), seguido de una obra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1963), concebido como en tiempo, movimiento controlado del sonido en el espacio. Doce altavoces rodearon a la audiencia, cuatro altavoces estaban montados en una construcción giratoria similar a un móvil en la parte superior. [82] En una actuación del SFMOMA al año siguiente (1964), el crítico musical del San Francisco Chronicle , Alfred Frankenstein, comentó, "las posibilidades del continuo espacio-sonido rara vez se han explorado tan ampliamente". [82] En 1967, el primer Audium, se abrió un "continuo sonido-espacio", con presentaciones semanales hasta 1970. En 1975, gracias al capital inicial del National Endowment for the Arts , se abrió un nuevo Audium, diseñado de piso a techo para la composición y el desempeño de sonido espacial. [83] “Por el contrario, hay compositores que manipularon el espacio de sonido al ubicar varios altavoces en varios lugares en un espacio de actuación y luego cambiar o desplazar el sonido entre las fuentes. En este enfoque, la composición de la manipulación espacial depende de la ubicación de los altavoces y, por lo general, explota las propiedades acústicas del recinto. Los ejemplos incluyen Poeme Electronique de Varese (cinta musical interpretada en el Pabellón Philips de la Feria Mundial de 1958, Bruselas) y Stanley Schaff's [sic ]Instalación de Audium , actualmente activa en San Francisco ”. [84] A través de programas semanales (más de 4.500 en 40 años), Shaff "esculpe" el sonido, realizando obras espaciales ahora digitalizadas en vivo a través de 176 altavoces. [85]
Un ejemplo bien conocido del uso del sintetizador modular Moog de tamaño completo de Moog es el álbum Switched-On Bach de Wendy Carlos , que provocó una locura por la música de sintetizador.
En 1969, David Tudor trajo un sintetizador modular Moog y máquinas de cinta Ampex al Instituto Nacional de Diseño en Ahmedabad con el apoyo de la familia Sarabhai , formando la base del primer estudio de música electrónica de la India. Aquí, un grupo de compositores Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur y Atul Desai desarrollaron composiciones sonoras experimentales entre 1969 y 1973 [86]
Junto con el sintetizador modular Moog, otras marcas de este período incluyeron ARP y Buchla.
Pietro Grossi fue un pionero italiano de la composición por ordenador y la música en cinta, que experimentó por primera vez con técnicas electrónicas a principios de los sesenta. Grossi fue un violonchelista y compositor, nacido en Venecia en 1917. Fundó el S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) en 1963 para experimentar con el sonido y la composición electrónicos.
Música de computadora [ editar ]
Las melodías musicales fueron generadas por primera vez por la computadora CSIRAC en Australia en 1950. Hubo informes de periódicos de Estados Unidos e Inglaterra (temprano y recientemente) que las computadoras pueden haber reproducido música antes, pero una investigación exhaustiva ha desmentido estas historias ya que no hay evidencia que respalde la informes de los periódicos (algunos de los cuales obviamente eran especulativos). Las investigaciones han demostrado que la gente especuló sobre las computadoras que reproducen música, posiblemente porque las computadoras hacen ruidos, [87] pero no hay evidencia de que realmente lo hicieran. [88] [89]
La primera computadora del mundo en reproducir música fue CSIRAC , que fue diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard en la década de 1950. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías musicales populares de principios de la década de 1950. En 1951 tocó públicamente la " Marcha del Coronel Bogey " [90] de la que no existen grabaciones conocidas. Sin embargo, CSIRAC tocaba el repertorio estándar y no se usó para extender el pensamiento musical o la práctica de la composición, que es la práctica actual de música por computadora.
La primera música que se interpretó en Inglaterra fue una interpretación del Himno Nacional Británico que fue programada por Christopher Strachey en el Ferranti Mark I, a fines de 1951. Más tarde ese año, una unidad de transmisión externa de la BBC grabó extractos breves de tres piezas. : el Himno Nacional, " Ba, Ba Black Sheep " y " In the Mood " y esto se reconoce como la primera grabación de una computadora para reproducir música. Esta grabación se puede escuchar en este sitio de la Universidad de Manchester . Investigadores de la Universidad de Canterbury , Christchurch rechazaron y restauraron esta grabación en 2016 y los resultados pueden escucharse en SoundCloud .[91] [92] [65]
A finales de los años cincuenta, sesenta y setenta también se desarrolló la síntesis de grandes ordenadores centrales. A partir de 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, que culminaron en MUSIC V , un lenguaje de síntesis digital directo [93]
Laurie Spiegel desarrolló el software de composición musical algorítmica " Music Mouse " (1986) para computadoras Macintosh , Amiga y Atari .
Electrónica en vivo [ editar ]
En Europa, en 1964, Karlheinz Stockhausen compuso Mikrophonie I para tam-tam , micrófonos de mano, filtros y potenciómetros, y Mixtur para orquesta, cuatro generadores de onda sinusoidal y cuatro moduladores de anillo . En 1965 compuso Mikrophonie II para coro, órgano Hammond y moduladores de anillo. [94]
En 1966-67, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar " flexión de circuitos ": la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito al azar, la creación de instrumentos electrónicos experimentales, la exploración de elementos sónicos principalmente del timbre y con menos consideración del tono. o ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria [ sic ] de John Cage . [95]
Instrumentos japoneses [ editar ]
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En la década de 1950, [96] [97] los instrumentos musicales electrónicos japoneses comenzaron a influir en la industria musical internacional . [98] [99] Ikutaro Kakehashi , quien fundó Ace Tone en 1960, desarrolló su propia versión de percusión electrónica que ya había sido popular en el órgano electrónico en el extranjero. [100] En NAMM 1964, lo reveló como el R-1 Rhythm Ace, un dispositivo de percusión operado manualmente que tocaba sonidos de batería electrónica manualmente mientras el usuario pulsaba botones, de manera similar a las modernas almohadillas de batería electrónica. [100] [101] [102]
En 1963, Korg lanzó el Donca-Matic DA-20 , una caja de ritmos electromecánica . [103] En 1965, Nippon Columbia patentó una caja de ritmos totalmente electrónica. [104] Korg lanzó la caja de ritmos electrónica Donca-Matic DC-11 en 1966, a la que siguieron con el Korg Mini Pops , que fue desarrollado como una opción para el órgano eléctrico Yamaha Electone . [103] Las series Stageman y Mini Pops de Korg se destacaron por los sonidos de "percusión metálica natural" y la incorporación de controles para " pausas y rellenos " de batería . [99]
En 1967, Ace fundador Tone Ikutaro Kakehashi patentó un generador de ritmo-patrón predefinido usando matriz de diodos circuito [105] similar a la Seeburg 's antes de Patente de Estados Unidos 3.358.068 presentada en 1964 (Ver Drum máquina # Historia ), que dio a conocer como el FR- 1 caja de ritmos Rhythm Ace el mismo año. [100] Ofrecía 16 patrones preestablecidos y cuatro botones para tocar manualmente cada sonido de instrumento ( platillo , claves , cencerro y bombo). Los patrones rítmicos también se podían conectar en cascada presionando varios botones rítmicos simultáneamente, y la posible combinación de patrones rítmicos era más de cien. [100] Las cajas de ritmos Rhythm Ace de Ace Tone se abrieron camino en la música popular desde finales de la década de 1960, seguidas por las cajas de ritmos Korg en la década de 1970. [99] Kakehashi más tarde dejó Ace Tone y fundó Roland Corporation en 1972, con los sintetizadores y cajas de ritmos de Roland volviéndose muy influyentes durante las siguientes décadas. [100] La compañía continuaría teniendo un gran impacto en la música popular y haría más para dar forma a la música electrónica popular que cualquier otra compañía.[102]
Turntablism tiene su origen en la invención de los tocadiscos de accionamiento directo . Los primeros giradiscos con transmisión por correa no eran adecuados para el giradiscos, ya que tenían un tiempo de arranque lento y eran propensos a desgastarse y romperse, ya que la correa se rompería por retroceso o rayado. [106] El primer plato giratorio de accionamiento directo fue inventado por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ), [107] con sede en Osaka , Japón . Eliminó las correas y, en cambio, empleó un motor para impulsar directamente un plato sobre el que descansa un disco de vinilo. [108] En 1969, Matsushita lo lanzó como SP-10 ,[108] el primer tocadiscos de accionamiento directo del mercado, [109] y el primero de su influyenteserie de tocadiscos Technics . [108] Fue sucedido por Technics SL-1100 y SL-1200 a principios de la década de 1970, y fueron ampliamente adoptados por los músicos de hip hop , [108] siendo el SL-1200 el tocadiscos más utilizado en la cultura del DJ durante varios años. décadas. [110]
Música dub jamaicana [ editar ]
En Jamaica , una forma de música electrónica popular surgió en la década de 1960, la música dub , arraigada en la cultura de los sistemas de sonido . La música Dub fue iniciada por ingenieros de estudio, como Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry y Scientist , produciendo música experimental influenciada por el reggae con tecnología de sonido electrónico, en estudios de grabación y en fiestas de sistemas de sonido. [111] Sus experimentos incluyeron formas de composición basada en cintas comparables a aspectos de la música concrète, un énfasis en estructuras rítmicas repetitivas (a menudo despojadas de sus elementos armónicos) comparable al minimalismo , la manipulación electrónica de la espacialidad, la manipulación electrónica sónica de materiales musicales pregrabados de los medios de comunicación, los DJ brindando sobre música pregrabada comparable a la electrónica en vivo música , [111] remezclar música, [112] turntablism , [113] y mezclar y rayar vinilo. [114]
A pesar del limitado equipo electrónico disponible para pioneros del doblaje como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente de vanguardia. [112] King Tubby, por ejemplo, era propietario de un sistema de sonido y técnico en electrónica, cuyo pequeño estudio en la sala del frente en el gueto de Waterhouse en el oeste de Kingston era un sitio clave para la creación de música dub. [115]
Finales de la década de 1960 y principios de la de 1980 [ editar ]
Auge de la música electrónica popular [ editar ]
A fines de la década de 1960, los músicos de pop y rock , incluidos los Beach Boys y los Beatles , comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el Mellotron , para complementar y definir su sonido. En su libro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes reconoce la grabación de 1966 de los Beatles " Tomorrow Never Knows " como la canción que "marcó el comienzo de una nueva era en el uso de la música electrónica en el rock y la música pop" debido a la incorporación de la cinta. bucles y sonidos de cinta invertidos y de velocidad manipulada. [116] También a finales de la década de 1960, el dúo musical Silver Applesy bandas de rock experimental como White Noise y los Estados Unidos de América , son considerados pioneros de los géneros de rock electrónico y electrónica por su trabajo en la fusión del rock psicodélico con osciladores y sintetizadores. [117] [118] [119]
" Popcorn " de Gershon Kingsley , compuesta en 1969, fue el primer éxito de baile electrónico internacional popularizado por Hot Butter en 1972 (lo que lleva a una ola de pop chicle en los años siguientes).
A finales de la década de 1960, el sintetizador Moog ocupó un lugar destacado en el sonido del rock progresivo emergente con bandas como Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer y Genesis haciéndolos parte de su sonido. El rock progresivo instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, permitiendo bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Neu! y Fausto para sortear la barrera del idioma. [120] Su " krautrock " de sintetizador pesado , junto con el trabajo de Brian Eno(durante un tiempo el teclista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior . [121]
El doblaje ambiental fue iniciado por King Tubby y otros artistas de sonido jamaicanos, utilizando electrónica ambiental inspirada en DJ , completa con interrupciones, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos . Presentaba técnicas de capas e incorporaba elementos de músicas del mundo , líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. [122] También se utilizaron técnicas como un retardo de eco prolongado. [123] Otros artistas notables dentro del género incluyen Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob y Transglobal Underground.. [124]
La música dub influyó en las técnicas musicales electrónicas adoptadas más tarde por la música hip hop , cuando el inmigrante jamaicano DJ Kool Herc a principios de la década de 1970 introdujo la cultura del sistema de sonido de Jamaica y las técnicas de la música dub en Estados Unidos. Una de esas técnicas que se hizo popular en la cultura hip hop fue tocar dos copias del mismo disco en dos tocadiscos en alternancia, ampliando la sección favorita de los b-dancers . [125] El tocadiscos eventualmente se convirtió en el instrumento musical electrónico más visible, y ocasionalmente el más virtuoso , en las décadas de 1980 y 1990. [113]
Rock electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, incluyendo Isao Tomita 's eléctrico Samurai: Encendido de la roca (1972), que contó con Moog entregas sintetizador de canciones de rock y pop contemporánea, [126] y Osamu Kitajima ' álbum de rock progresivo s Benzaiten ( 1974). [127] A mediados de la década de 1970 se vio el surgimiento de músicos de música de arte electrónico como Jean Michel Jarre , Vangelis , Tomita y Klaus Schulze, que tuvieron una influencia significativa en el desarrollo de la música new-age . [122] La alta tecnologíaEl atractivo de estas obras creó durante algunos años la tendencia de enumerar los equipos musicales electrónicos empleados en las carátulas de los álbumes, como un rasgo distintivo. La música electrónica comenzó a entrar regularmente en la programación de radio y en las listas de éxitos de ventas, como la banda francesa Space con su single de 1977 Magic Fly . [128]
En esta era, el sonido de músicos de rock como Mike Oldfield y The Alan Parsons Project (a quien se le atribuye la primera canción de rock con un vocoder digital en 1975, The Raven ) solía ser arreglado y mezclado con efectos electrónicos y / o música como bueno, que se hizo mucho más prominente a mediados de la década de 1980. Jeff Wayne logró un éxito duradero [129] con su versión musical de rock electrónico de 1978 de The War of the Worlds .
Las bandas sonoras de las películas también se benefician del sonido electrónico. En 1977, Gene Page grabó una versión disco del exitoso tema de John Williams de la película Close Encounters of the Third Kind de Steven Spielberg . La versión de la página alcanzó su punto máximo en el R & B carta en la posición # 30 en 1978. La puntuación de la película de 1978 El expreso de medianoche compuesta por el italiano sintetizador - pionero Giorgio Moroder ganó el Oscar a la mejor banda sonora en 1979 , tal como lo hizo de nuevo en 1981 en el marcador por Vangelis para Carros de fuego .
Después de la llegada del punk rock , surgió una forma de rock electrónico básico que utiliza cada vez más la nueva tecnología digital para reemplazar otros instrumentos. El dúo estadounidense Suicide , que surgió de la escena punk en Nueva York, utilizó cajas de ritmos y sintetizadores en un híbrido entre la electrónica y el punk en su álbum homónimo de 1977 . [130]
Las bandas pioneras del synth-pop que disfrutaron del éxito durante años incluyeron a Ultravox con su tema de 1977 "Hiroshima Mon Amour" en Ha! -Ha! -Ha! , [131] Yellow Magic Orchestra con su álbum homónimo (1978), The Buggles con su destacado single debut de 1979 Video Killed the Radio Star , [132] Gary Numan con su álbum debut en solitario The Pleasure Principle y el single Cars en 1979, [133] Orchestral Maneuvers in the Dark con su single de 1979 Electricity incluido en su álbum debut homónimo ,[134] Depeche Mode con su primer single Dreaming of Me grabado en 1980 y lanzado en 1981 álbum Speak & Spell , [135] A Flock of Seagulls con su single de 1981 Talking , [136] New Order with Ceremony [137] en 1981, y The Human League con su éxito de 1981 Don't You Want Me del álbum debut Dare . [138]
La definición de MIDI y el desarrollo del audio digital facilitaron mucho el desarrollo de sonidos puramente electrónicos, [139] con ingenieros de audio , productores y compositores explorando con frecuencia las posibilidades de prácticamente todos los nuevos modelos de equipos de sonido electrónicos lanzados por los fabricantes. El synth-pop a veces usaba sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, pero era más común que las bandas tuvieran uno o más teclistas en sus formaciones junto con guitarristas, bajistas y / o bateristas. Estos desarrollos llevaron al crecimiento del synth-pop, que luego fue adoptado por el New Romantic.movimiento, permitió que los sintetizadores dominaran la música pop y rock de principios de la década de 1980, hasta que el estilo comenzó a perder popularidad a mediados y finales de la década. [138] Junto con los pioneros exitosos antes mencionados, los actos clave incluyeron Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan y Eurythmics .
El synth-pop se extendió por todo el mundo, con éxitos internacionales para actos como Men Without Hats , Trans-X y Lime de Canadá, Telex de Bélgica, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda y Alphaville de Alemania, Yello de Suiza y Azul y Negro de España. Además, el sonido del sintetizador es una característica clave de Italo-disco .
Algunas bandas de synth-pop crearon estilos visuales futuristas de sí mismos para reforzar la idea de que los sonidos electrónicos estaban vinculados principalmente con la tecnología, como los estadounidenses Devo y los españoles Aviador Dro .
Los sintetizadores de teclado se volvieron tan comunes que incluso las bandas de heavy metal rock, un género a menudo considerado como opuesto en estética, sonido y estilo de vida al de los artistas pop electrónicos por los fanáticos de ambos lados, lograron el éxito mundial con temas como 1983 Jump [140] de Van. Halen y 1986 The Final Countdown [141] de Europa , que cuentan con sintetizadores de forma destacada.
Proliferación de instituciones de investigación de música electrónica [ editar ]
Elektronmusikstudion [ sv ] (EMS), anteriormente conocido como Música Electroacústica en Suecia, es el centro nacional sueco de música electrónica y arte sonoro . La organización de investigación comenzó en 1964 y tiene su sede en Estocolmo.
STEIM es un centro de investigación y desarrollo de nuevos instrumentos musicales en las artes escénicas electrónicas, ubicado en Ámsterdam, Países Bajos. STEIM existe desde 1969. Fue fundado por Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen [ nl ] , Reinbert de Leeuw y Konrad Boehmer. Este grupo de compositores holandeses había luchado por la reforma de las estructuras musicales feudales de Amsterdam; insistieron en el nombramiento de Bruno Maderna como director musical de la Concertgebouw Orchestra e hicieron cumplir las primeras financiaciones públicas para la música electrónica experimental e improvisada en Holanda.
IRCAM en París se convirtió en un centro importante para la investigación musical por computadora y la realización y desarrollo del sistema informático Sogitec 4X , [142] que presentaba el entonces revolucionario procesamiento de señales digitales en tiempo real. Pierre Boulez 's Répons (1981) para 24 músicos y 6 solistas utilizaron el 4X para transformar y solistas de ruta para un sistema de altavoces.
Barry Vercoe describe una de sus experiencias con los primeros sonidos de la computadora:
en la sala de máquinas del IRCAM en 1989
En el IRCAM de París en 1982, el flautista Larry Beauregard había conectado su flauta al procesador de audio 4X de DiGiugno, lo que permitió el seguimiento del tono en tiempo real. En un Guggenheim en ese momento, extendí este concepto al seguimiento de partituras en tiempo real con acompañamiento sincronizado automático, y durante los dos años siguientes, Larry y yo dimos numerosas demostraciones de la computadora como músico de cámara, tocando sonatas de flauta de Handel , Boulez ' s Sonatine para flauta y piano y en 1984 mi propia Synapse IIpara flauta y computadora, la primera pieza compuesta expresamente para tal configuración. Un desafío importante fue encontrar las construcciones de software adecuadas para respaldar un acompañamiento altamente sensible y receptivo. Todo esto fue pre-MIDI, pero los resultados fueron impresionantes a pesar de que altas dosis de tempo rubato sorprenderían continuamente a mi intérprete sintético . En 1985 resolvimos el problema del tempo rubato incorporando el aprendizaje de los ensayos (cada vez que tocabas de esta forma la máquina mejoraba). Ahora también estábamos rastreando el violín, ya que nuestro brillante y joven flautista había contraído un cáncer fatal. Además, esta versión usó un nuevo estándar llamado MIDI, y aquí fui hábilmente asistido por el ex alumno Miller Puckette, cuyos conceptos iniciales para esta tarea luego expandió a un programa llamadoMAX . [144]
Sintetizadores de teclado [ editar ]
Lanzado en 1970 por Moog Music , el Mini-Moog fue uno de los primeros sintetizadores portátiles, relativamente asequibles y ampliamente disponibles. Una vez se convirtió en el sintetizador más utilizado en ese momento en la música de arte popular y electrónica. [145] Patrick Gleeson , tocando en vivo con Herbie Hancock a principios de la década de 1970, fue pionero en el uso de sintetizadores en un contexto de gira, donde estaban sujetos a tensiones para las que las primeras máquinas no estaban diseñadas. [146] [147]
En 1974, la WDR estudio en Colonia adquirió un 100 ccsme Synthi sintetizador, que un número de compositores utiliza para producir obras, incluyendo electrónicos notables Rolf Gehlhaar 's Fünf deutsche Tänze (1975), de Karlheinz Stockhausen Sirius (1975-1976), y John McGuire 's pulso Música III (1978). [148]
Gracias a la miniaturización de la electrónica en la década de 1970, a principios de la década de 1980, los sintetizadores de teclado se volvieron más livianos y asequibles, integrando en una sola unidad delgada toda la electrónica de síntesis de audio necesaria y el teclado estilo piano en sí, en marcado contraste con la voluminosa maquinaria y " cable spaguetty " empleado a lo largo de los años sesenta y setenta. Primero, con los sintetizadores analógicos, la tendencia siguió también con los sintetizadores y samplers digitales (ver más abajo).
Síntesis digital [ editar ]
En 1975, la empresa japonesa Yamaha obtuvo la licencia de los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia ( síntesis FM) de John Chowning , que había experimentado con ellos en la Universidad de Stanford desde 1971. [149] [150] Los ingenieros de Yamaha comenzaron a adaptar el algoritmo de Chowning para su uso en un sintetizador, agregando mejoras como el método de "escala de clave" para evitar la introducción de distorsión que normalmente ocurre en los sistemas analógicos durante la modulación de frecuencia . [151]
En 1980, Yamaha finalmente lanzó el primer sintetizador digital FM, el Yamaha GS-1, pero a un precio elevado. [152] En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital autónomo, el DX7 , que también usaba síntesis FM y se convertiría en uno de los sintetizadores más vendidos de todos los tiempos. [149] El DX7 era conocida por sus tonalidades brillantes reconocibles que se debe en parte a una Overachieving frecuencia de muestreo de 57 kHz. [153]
El Korg Poly-800 es un sintetizador lanzado por Korg en 1983. Su precio de lista inicial de $ 795 lo convirtió en el primer sintetizador totalmente programable que se vendió por menos de $ 1000. Tenía polifonía de 8 voces con un oscilador controlado digitalmente (DCO) por voz.
El Casio CZ-101 fue el primer y más vendido sintetizador de distorsión de fase en la línea Casio CZ . Lanzado en noviembre de 1984, fue uno de los primeros (si no el primero) sintetizadores polifónicos totalmente programables que estuvo disponible por menos de $ 500.
El Roland D-50 es un sintetizador digital producido por Roland y lanzado en abril de 1987. Sus características incluyen síntesis sustractiva , efectos integrados, un joystick para manipulación de datos y un diseño de diseño de estilo de síntesis analógica. El programador externo Roland PG-1000 (1987-1990) también se puede conectar al D-50 para una manipulación más compleja de sus sonidos.
Samplers [ editar ]
Un sampler es un instrumento musical electrónico o digital que utiliza grabaciones de sonido (o " muestras ") de sonidos de instrumentos reales (p. Ej., Un piano, violín o trompeta), extractos de canciones grabadas (p. Ej., Un riff de bajo de cinco segundos de una canción funk ) o sonidos encontrados (por ejemplo, sirenas y olas del océano). Las muestras son cargadas o registradas por el usuario o por un fabricante. A continuación, estos sonidos se reproducen mediante el propio programa sampler, un teclado MIDI , secuenciador u otro dispositivo de activación (por ejemplo, baterías electrónicas) para interpretar o componer música. Debido a que estas muestras generalmente se almacenan en la memoria digital, se puede acceder rápidamente a la información. Una sola muestra a menudo se puede cambiar de tono a diferentes tonos para producir escalas musicales y acordes .
Antes de los muestreadores basados en memoria de computadora, los músicos usaban teclados de reproducción de cinta, que almacenan grabaciones en cinta analógica. Cuando se presiona una tecla, el cabezal de la cinta entra en contacto con la cinta en movimiento y reproduce un sonido. El Mellotron fue el modelo más notable, utilizado por varios grupos a finales de la década de 1960 y la de 1970, pero tales sistemas eran caros y pesados debido a los múltiples mecanismos de cinta involucrados, y el rango del instrumento se limitaba a tres octavas en el más. Para cambiar los sonidos, se tuvo que instalar un nuevo conjunto de cintas en el instrumento. La aparición del muestreador digital hizo que el muestreo fuera mucho más práctico.
El primer muestreo digital se realizó en el sistema EMS Musys, desarrollado por Peter Grogono (software), David Cockerell (hardware e interfaz) y Peter Zinovieff (diseño y operación del sistema) en su London (Putney) Studio c. 1969.
El primer sintetizador de muestreo disponible comercialmente fue el Computer Music Melodian de Harry Mendell (1976).
Lanzado por primera vez en 1977-78, [154] el Synclavier I con síntesis de FM , licenciado nuevamente por Yamaha , [155] y vendido principalmente a universidades, demostró ser muy influyente tanto entre los compositores de música electrónica como entre los productores de música, incluido Mike Thorne , uno de los primeros en adoptar el mundo comercial, debido a su versatilidad, su tecnología de vanguardia y sonidos distintivos.
El primer sintetizador de muestreo digital polifónico fue el Fairlight CMI de producción australiana , disponible por primera vez en 1979. Estos primeros sintetizadores de muestreo utilizaban síntesis de tabla de ondas basada en muestras . [156]
Nacimiento de MIDI [ editar ]
En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz que los nuevos instrumentos pudieran usar para comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y computadoras. Este estándar se denominó Interfaz digital de instrumentos musicales ( MIDI ) y fue el resultado de una colaboración entre los principales fabricantes, inicialmente Sequential Circuits , Oberheim , Roland y, más tarde, otros participantes que incluían a Yamaha , Korg y Kawai . [157] Un artículo fue escrito por Dave Smith de Sequential Circuits y propuesto a la Audio Engineering Society. en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.
La tecnología MIDI permite una sola pulsación de tecla, controlar el movimiento de la rueda, el movimiento del pedal o el comando de una microcomputadora para activar cada dispositivo en el estudio de forma remota y en sincronía, con cada dispositivo respondiendo de acuerdo con las condiciones predeterminadas por el compositor.
Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control poderoso de instrumentos sofisticados fuera fácilmente asequible para muchos estudios e individuos. Los sonidos acústicos se reintegraron en los estudios a través del muestreo y los instrumentos basados en ROM muestreados.
Miller Puckette desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (después de Max Mathews ) y luego lo transfirió a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode ) [158] para control MIDI en tiempo real, brindando disponibilidad de composición algorítmica a la mayoría de los compositores con modesto fondo de programación informática.
Secuenciadores y cajas de ritmos [ editar ]
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Los primeros años de la década de 1980 vieron el surgimiento de los sintetizadores de bajo , siendo el más influyente el Roland TB-303 , un sintetizador y secuenciador de bajo lanzado a finales de 1981 que más tarde se convirtió en un elemento fijo de la música electrónica de baile , [159] particularmente el acid house . [160] Uno de los primeros en usarlo fue Charanjit Singh en 1982, aunque no se popularizaría hasta " Acid Tracks " de Phuture en 1987. [160] Los secuenciadores de música comenzaron a usarse a mediados del siglo XX, y Tomita álbumes a mediados de la década de 1970 son ejemplos posteriores. [126] En 1978, Yellow Magic Orchestra estaba usando tecnología basada en computadora junto con un sintetizador para producir música popular, [161] haciendo su uso temprano del secuenciador Roland MC-8 Microcomposer basado en microprocesador . [162] [163] [ verificación fallida ]
Las cajas de ritmos , también conocidas como cajas de ritmos, también comenzaron a usarse a finales de la década de 1950, siendo un ejemplo posterior el álbum de rock progresivo de Osamu Kitajima Benzaiten (1974), que usaba una caja de ritmos junto con baterías electrónicas y un sintetizador. [127] En 1977, " Hiroshima Mon Amour " de Ultravox fue uno de los primeros sencillos en usar la percusión similar a un metrónomo de una caja de ritmos Roland TR-77 . [131] En 1980, Roland Corporation lanzó el TR-808 , uno de los primeros y más popularescajas de ritmos . La primera banda en usarlo fue Yellow Magic Orchestra en 1980, y luego ganaría gran popularidad con el lanzamiento de " Sexual Healing " de Marvin Gaye y " Planet Rock " de Afrika Bambaataa en 1982. [164] The TR- 808 fue una herramienta fundamental en la escena techno de Detroit de finales de la década de 1980, y fue la caja de ritmos elegida por Derrick May y Juan Atkins . [165]
Chiptunes [ editar ]
El característico sonido de baja fidelidad de la música con chips fue inicialmente el resultado de las limitaciones técnicas de los primeros chips de sonido de las computadoras y las tarjetas de sonido ; sin embargo, desde entonces el sonido se ha vuelto buscado por derecho propio.
Los chips de sonido populares y baratos de las primeras computadoras domésticas de la década de 1980 incluyen el SID de las series Commodore 64 y General Instrument AY y clones (como el Yamaha YM2149) utilizados en ZX Spectrum , Amstrad CPC , compatibles con MSX y modelos Atari ST , entre otros. .
Desde finales de los 80 hasta los 90 [ editar ]
Auge de la música dance [ editar ]
El synth-pop continuó hasta finales de la década de 1980, con un formato que se acercó más a la música de baile, incluyendo el trabajo de actos como los dúos británicos Pet Shop Boys , Erasure y The Communards , logrando el éxito durante gran parte de la década de 1990.
La tendencia ha continuado hasta el día de hoy con clubes nocturnos modernos en todo el mundo que reproducen regularmente música electrónica de baile (EDM). Hoy en día, la música electrónica de baile tiene estaciones de radio, [166] sitios web, [167] y publicaciones como Mixmag dedicadas únicamente al género. Además, el género ha encontrado un significado comercial y cultural en los Estados Unidos y América del Norte, gracias al enormemente popular sonido house / EDM de big room que se ha incorporado a la música pop estadounidense [168] y el auge de raves comerciales a gran escala como como Electric Daisy Carnival , Tomorrowland y Ultra Music Festival .
Avances [ editar ]
Otros desarrollos recientes incluyeron la composición de Tod Machover (MIT e IRCAM) Begin Again Again para " hypercello ", un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del violonchelista. Max Mathews desarrolló el programa "Conductor" para el control de tempo, dinámica y timbre en tiempo real de una partitura electrónica de entrada previa. Morton Subotnick lanzó un CD-ROM multimedia Todos mis colibríes tienen coartadas .
Décadas de 2000 y 2010 [ editar ]
A medida que la tecnología informática se ha vuelto más accesible y el software musical ha avanzado, ahora es posible interactuar con la tecnología de producción musical utilizando medios que no guardan relación con las prácticas tradicionales de interpretación musical : [169] por ejemplo, interpretación en computadora portátil ( laptronica ), [170] codificación en vivo [171] y Algorave . En general, el término Live PA se refiere a cualquier interpretación en vivo de música electrónica, ya sea con computadoras portátiles, sintetizadores u otros dispositivos.
A partir del año 2000, surgieron varios entornos de estudio virtual basados en software, y productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live encontraron un atractivo popular. [172] Estas herramientas proporcionan alternativas viables y rentables a los típicos estudios de producción basados en hardware, y gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , ahora es posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil. Estos avances han democratizado la creación musical [173].conduciendo a un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet. Los instrumentos basados en software y las unidades de efectos (los llamados "complementos") se pueden incorporar en un estudio basado en computadora utilizando la plataforma VST. Algunos de estos instrumentos son réplicas más o menos exactas de hardware existente (como el Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 o Korg M1). En muchos casos, estos instrumentos basados en software son indistinguibles acústicamente de su contraparte física. [ aclaración necesaria ] [ cita requerida ]
Flexión de circuito [ editar ]
La flexión de circuitos es la modificación de juguetes y sintetizadores que funcionan con baterías para crear nuevos efectos de sonido no deseados. Fue iniciado por Reed Ghazala en la década de 1960 y Reed acuñó el nombre de "flexión de circuitos" en 1992. [174]
Renacimiento del sintetizador modular [ editar ]
Siguiendo la cultura de la flexión de circuitos, los músicos también comenzaron a construir sus propios sintetizadores modulares, lo que generó un interés renovado por los diseños de principios de la década de 1960. Eurorack se convirtió en un sistema popular.
Ver también [ editar ]
- Claviolina
- Saco electrónico
- Lista de géneros de música electrónica
- Nuevas interfaces para la expresión musical
- Ondiolina
- Escultura sonora
- Música espectral
- Música de seguimiento
- Cronología de los géneros de música electrónica
- Música electrónica en vivo
- Lista de festivales de música electrónica
- Música electrónica en vivo
- Instalación de sonido
- Audium (teatro)
Notas al pie [ editar ]
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...の販売,設置をおこなってきましたが
,
[ 2007 年]
ク ロ ダ オ ル ガ ン 株式会社 廃 業 ...
[
En inglés
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Kuroda Organ Co., Ltd. (fundada en 1955, disuelta en 2007) ha estado vendiendo e instalando su propio Kurodatone fabricado ... durante aproximadamente 50 años de historia, pero
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