Eugène Henri Paul Gauguin ( Reino Unido : / ɡ oʊ ɡ æ / , Estados Unidos : / ɡ oʊ ɡ æ / ; Francés: [ø.ʒɛn ɑ.ʁi pɔl ɡo.ɡɛ] ; 7 junio 1848 hasta 8 mayo 1903) fue un francés postimpresionista artista. No apreciado hasta después de su muerte, Gauguin ahora es reconocido por su uso experimental del color y el estilo sintetista que eran distintos del impresionismo . Hacia el final de su vida, pasó diez años en la Polinesia Francesa . Las pinturas de esta época representan personas opaisajes de esa región.
Paul Gauguin | |
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Nació | Eugène Henri Paul Gauguin 7 de junio de 1848 |
Fallecido | 8 de mayo de 1903 | (54 años)
Nacionalidad | francés |
Conocido por | Pintura, escultura, cerámica , grabado |
Movimiento | Posimpresionismo , primitivismo , sintetismo |
Esposos) | Mette-Sophie Gad ( m. 1873; separado 1894) |
Su trabajo fue influyente en la vanguardia francesa y en muchos artistas modernos, como Pablo Picasso y Henri Matisse , y es bien conocido por su relación con Vincent y Theo van Gogh . El arte de Gauguin se hizo popular después de su muerte, en parte gracias a los esfuerzos del marchante Ambroise Vollard , quien organizó exposiciones de su trabajo al final de su carrera y ayudó a organizar dos importantes exposiciones póstumas en París. [1] [2]
Gauguin fue una figura importante en el movimiento simbolista como pintor, escultor, grabador, ceramista y escritor. Su expresión del significado inherente de los sujetos en sus pinturas, bajo la influencia del estilo cloisonnista , allanó el camino para el primitivismo y el retorno a la pastoral . También fue un defensor influyente del grabado en madera y los grabados en madera como formas de arte. [3] [4]
Biografía
Historia familiar y vida temprana
Gauguin nació en París de Clovis Gauguin y Aline Chazal el 7 de junio de 1848. Su nacimiento coincidió con los levantamientos revolucionarios en toda Europa ese año. Su padre, un periodista liberal de 34 años, provenía de una familia de empresarios residentes en Orleans. [5] Se vio obligado a huir de Francia cuando las autoridades francesas suprimieron el periódico para el que escribía. [6] [7] La madre de Gauguin era la hija de 22 años de André Chazal, un grabador, y Flora Tristan , una autora y activista de los primeros movimientos socialistas. Su unión terminó cuando André agredió a su esposa Flora y fue sentenciado a prisión por intento de asesinato. [8]
La abuela materna de Paul Gauguin, Flora Tristan, era la hija ilegítima de Thérèse Laisnay y Don Mariano de Tristan Moscoso. Se desconocen los detalles de los antecedentes familiares de Thérèse; Don Mariano provenía de una aristocrática familia española de la ciudad peruana de Arequipa. Era un oficial de los Dragones . [9] Los miembros de la acaudalada familia Tristan Moscoso ocupaban posiciones poderosas en Perú. [10] Sin embargo, la inesperada muerte de Don Mariano sumió a su amante e hija Flora en la pobreza. [11] Cuando el matrimonio de Flora con André fracasó, solicitó y obtuvo un pequeño acuerdo monetario de los parientes peruanos de su padre. Navegó a Perú con la esperanza de ampliar su parte de la fortuna de la familia Tristan Moscoso. Esto nunca se materializó; pero publicó con éxito un diario de viaje popular de sus experiencias en el Perú que lanzó su carrera literaria en 1838. Una activa defensora de las primeras sociedades socialistas, la abuela materna de Gauguin ayudó a sentar las bases de los movimientos revolucionarios de 1848. Colocada bajo vigilancia por la policía francesa y sufriendo de exceso de trabajo, murió en 1844. [12] Su nieto Paul "idolatraba a su abuela y mantuvo copias de sus libros con él hasta el final de su vida". [13]
En 1850, Clovis Gauguin partió hacia Perú con su esposa Aline e hijos pequeños con la esperanza de continuar su carrera periodística bajo los auspicios de las relaciones sudamericanas de su esposa. [14] Murió de un ataque al corazón en el camino, y Aline llegó al Perú una viuda con los 18 meses de edad, Paul y su 2 1 / 2 hermana años de edad, Marie. La madre de Gauguin fue recibida por su tío abuelo paterno, cuyo yerno asumiría en breve la presidencia del Perú. [15] A los seis años, Paul disfrutó de una educación privilegiada, atendida por niñeras y sirvientes. Conservó un vivo recuerdo de ese período de su infancia que le infundió "impresiones imborrables del Perú que lo obsesionaron el resto de su vida". [16] [17]
La idílica infancia de Gauguin terminó abruptamente cuando los mentores de su familia cayeron del poder político durante los conflictos civiles peruanos en 1854. Aline regresó a Francia con sus hijos, dejando a Paul con su abuelo paterno, Guillaume Gauguin, en Orleans. Privada por el clan peruano Tristan Moscoso de una generosa anualidad organizada por su tío abuelo, Aline se instaló en París para trabajar como modista. [18]
Educación y primer empleo
Después de asistir a un par de escuelas locales, Gauguin fue enviado al prestigioso internado católico Petit Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin . [19] Pasó tres años en la escuela. A los catorce años ingresó en el Instituto Loriol de París, una escuela preparatoria naval, antes de regresar a Orleans para cursar su último año en el Lycée Jeanne D'Arc. Gauguin se inscribió como asistente de piloto en la marina mercante . Tres años más tarde, se unió a la marina francesa en la que sirvió durante dos años. [20] Su madre murió el 7 de julio de 1867, pero no se enteró durante varios meses hasta que una carta de su hermana Marie lo alcanzó en la India. [21] [22]
En 1871, Gauguin regresó a París, donde consiguió un trabajo como corredor de bolsa. Un amigo cercano de la familia, Gustave Arosa, le consiguió un trabajo en la Bolsa de París ; Gauguin tenía 23 años. Se convirtió en un exitoso hombre de negocios parisino y lo siguió siendo durante los siguientes 11 años. En 1879 ganaba 30.000 francos al año (unos 145.000 dólares en dólares estadounidenses de 2019) como corredor de bolsa, y lo mismo ganaba en sus negocios en el mercado del arte. [23] [24] Pero en 1882 la bolsa de valores de París colapsó y el mercado del arte se contrajo. Las ganancias de Gauguin se deterioraron drásticamente y finalmente decidió dedicarse a la pintura a tiempo completo. [25] [26]
Matrimonio
En 1873, se casó con una mujer danesa , Mette-Sophie Gad (1850-1920). Durante los siguientes diez años, tuvieron cinco hijos: Émile (1874-1955); Aline (1877–1897); Clovis (1879-1900); Jean René (1881-1961); y Paul Rollon (1883-1961). En 1884, Gauguin se había mudado con su familia a Copenhague , Dinamarca , donde siguió una carrera comercial como vendedor de lonas . No fue un éxito: no sabía hablar danés y los daneses no querían lonas francesas. Mette se convirtió en el principal sostén de la familia, dando lecciones de francés a los diplomáticos en formación. [27]
Su familia de clase media y su matrimonio se derrumbaron después de 11 años cuando Gauguin se vio obligado a pintar a tiempo completo. Regresó a París en 1885, después de que su esposa y su familia le pidieran que se fuera porque había renunciado a los valores que compartían. [ aclaración necesaria ] [28] [29] El último contacto físico de Gauguin con ellos fue en 1891, y Mette finalmente rompió con él de manera decisiva en 1894. [30] [31] [32] [33]
Primeras pinturas
En 1873, casi al mismo tiempo que se convirtió en corredor de bolsa, Gauguin comenzó a pintar en su tiempo libre. Su vida parisina se centró en el noveno distrito de París . Gauguin vivía en el número 15 de la rue la Bruyère. [34] [35] Cerca estaban los cafés frecuentados por los impresionistas. Gauguin también visitó galerías con frecuencia y compró obras de artistas emergentes. Hizo amistad con Camille Pissarro [36] y lo visitaba los domingos para pintar en su jardín. Pissarro le presentó a varios otros artistas. En 1877, Gauguin "se mudó a la baja y cruzó el río hacia las zonas urbanas más pobres y nuevas" de Vaugirard . Aquí, en el tercer piso del número 8 de la rue Carcel, tuvo la primera casa en la que tuvo un estudio . [35]
Su amigo íntimo Émile Schuffenecker , un ex corredor de bolsa que también aspiraba a convertirse en artista, vivía cerca. Gauguin mostró pinturas en exposiciones impresionistas celebradas en 1881 y 1882 (antes, una escultura de su hijo Émile había sido la única escultura en la 4ª Exposición Impresionista de 1879). Sus pinturas recibieron críticas desdeñosas, aunque varias de ellas, como Los jardines del mercado de Vaugirard , ahora gozan de gran prestigio. [37] [38]
En 1882, el mercado de valores colapsó y el mercado del arte se contrajo. Paul Durand-Ruel , el principal comerciante de arte de los impresionistas, se vio especialmente afectado por el accidente y durante un tiempo dejó de comprar cuadros de pintores como Gauguin. Las ganancias de Gauguin se contrajeron drásticamente y durante los siguientes dos años formuló lentamente sus planes para convertirse en un artista a tiempo completo. [36] Los dos veranos siguientes, pintó con Pissarro y ocasionalmente con Paul Cézanne .
En octubre de 1883, le escribió a Pissarro diciéndole que había decidido ganarse la vida pintando a toda costa y le pidió su ayuda, que Pissarro le brindó al principio. En enero siguiente, Gauguin se mudó con su familia a Rouen , donde podrían vivir más baratos y donde pensó que había discernido oportunidades cuando visitó a Pissarro allí el verano anterior. Sin embargo, la empresa no tuvo éxito y, a finales de año, Mette y los niños se trasladaron a Copenhague , seguido de Gauguin poco después en noviembre de 1884, trayendo consigo su colección de arte, que posteriormente permaneció en Copenhague. [39] [40]
La vida en Copenhague resultó igualmente difícil y su matrimonio se volvió tenso. A instancias de Mette, con el apoyo de su familia, Gauguin regresó a París al año siguiente. [41] [42]
Los jardines del mercado de Vaugirard , 1879, Smith College Museum of Art
Paisaje invernal de 1879, Museo de Bellas Artes de Budapest
Retrato de Madame Gauguin, c. 1880–81, Fundación EG Bührle , Zúrich
Jardín en Vaugirard (Familia del pintor en el jardín de la Rue Carcel), 1881, Ny Carlsberg Glyptotek , Copenhague
Francia 1885–1886
Gauguin regresó a París en junio de 1885, acompañado de su hijo Clovis de seis años. Los otros niños se quedaron con Mette en Copenhague, donde contaron con el apoyo de familiares y amigos, mientras que la propia Mette pudo conseguir trabajo como traductora y profesora de francés. Al principio, a Gauguin le resultó difícil volver a entrar en el mundo del arte en París y pasó su primer invierno en la pobreza real, obligado a aceptar una serie de trabajos serviles. Clovis finalmente se enfermó y fue enviado a un internado, y la hermana de Gauguin, Marie, proporcionó los fondos. [43] [44] Durante este primer año, Gauguin produjo muy poco arte. Expuso diecinueve pinturas y un relieve de madera en la octava (y última) exposición impresionista en mayo de 1886. [45]
La mayoría de estas pinturas eran obras anteriores de Rouen o Copenhague y no había nada realmente novedoso en las pocas nuevas, aunque sus Baigneuses à Dieppe ("Mujeres bañándose") introdujeron lo que se convertiría en un motivo recurrente, la mujer en las olas. Sin embargo, Félix Bracquemond compró uno de sus cuadros. Esta exposición también estableció a Georges Seurat como líder del movimiento de vanguardia en París. Gauguin rechazó despectivamente de Seurat neoimpresionista puntillista técnica y más tarde en el año rompió definitivamente con Pissarro, que a partir de ese momento era bastante antagonista hacia Gauguin. [46] [47]
Gauguin pasó el verano de 1886 en la colonia de artistas de Pont-Aven en Bretaña. Se sintió atraído en primer lugar porque era barato vivir allí. Sin embargo, tuvo un éxito inesperado con los jóvenes estudiantes de arte que acudían allí en verano. Su temperamento naturalmente pugilista (era tanto un boxeador como un esgrimista consumado) no era un impedimento en el balneario socialmente relajado. Fue recordado durante ese período tanto por su apariencia extravagante como por su arte. Entre estos nuevos asociados se encontraba Charles Laval , quien acompañaría a Gauguin al año siguiente a Panamá y Martinica . [48] [49]
Ese verano, realizó algunos dibujos al pastel de figuras desnudas a la manera de Pissarro y los de Degas exhibidos en la octava exposición impresionista de 1886. Pintó principalmente paisajes como La Bergère Bretonne ("La pastora bretona"), en el que la figura juega un papel subordinado. Su Jeunes Bretons au bain ("Los jóvenes bretones bañándose"), que presenta un tema al que volvía cada vez que visitaba Pont-Aven, está claramente en deuda con Degas por su diseño y su atrevido uso del color puro. Los ingenuos dibujos del ilustrador inglés Randolph Caldecott , utilizados para ilustrar una popular guía sobre Bretaña, habían cautivado la imaginación de los estudiantes artistas de vanguardia de Pont-Aven, ansiosos por liberarse del conservadurismo de sus academias, y de Gauguin. las imitaba conscientemente en sus bocetos de chicas bretonas. [50] Estos bocetos se transformaron más tarde en pinturas en su estudio de París. La más importante de ellas es Four Breton Women , que muestra una marcada desviación de su estilo impresionista anterior, además de incorporar algo de la ingenuidad de la ilustración de Caldecott, exagerando los rasgos hasta el punto de la caricatura. [49] [51]
Gauguin, junto con Émile Bernard , Charles Laval, Émile Schuffenecker y muchos otros, volvió a visitar Pont-Aven después de sus viajes por Panamá y Martinica. El uso audaz del color puro y la elección simbolista de los temas distinguen lo que ahora se llama la Escuela Pont-Aven . Decepcionado con el impresionismo , Gauguin sintió que la pintura europea tradicional se había vuelto demasiado imitativa y carecía de profundidad simbólica. Por el contrario, el arte de África y Asia le parecía lleno de simbolismo místico y vigor. En Europa estaba de moda en ese momento el arte de otras culturas, especialmente la de Japón ( japonismo ). Fue invitado a participar en la exposición de 1889 organizada por Les XX .
Mujeres bañándose , 1885, Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio
La Bergère Bretonne , 1886, Galería de Arte Laing
Chica bretona , 1886, Colección Burrell, Glasgow
Bañista bretón , 1886-1887, Art Institute of Chicago
Cloisonnismo y sintetismo
Bajo la influencia del arte popular y los grabados japoneses , la obra de Gauguin evolucionó hacia el cloisonnismo , un estilo al que el crítico Édouard Dujardin le dio su nombre para describir el método de pintar de Émile Bernard con áreas planas de color y contornos atrevidos, que le recordaban a Dujardin la época medieval técnica de esmaltado cloisonné . Gauguin apreciaba mucho el arte de Bernard y su atrevimiento con el empleo de un estilo que se adaptaba a Gauguin en su búsqueda por expresar la esencia de los objetos en su arte. [52]
En El Cristo amarillo de Gauguin (1889), a menudo citada como obra cloisonnista por excelencia, la imagen se redujo a áreas de color puro separadas por gruesos contornos negros. En tales obras, Gauguin prestó poca atención a la perspectiva clásica y eliminó audazmente las sutiles gradaciones de color, prescindiendo así de los dos principios más característicos de la pintura posrrenacentista . Su pintura evolucionó posteriormente hacia el sintetismo en el que no predominan ni la forma ni el color, pero cada uno tiene un papel igual.
El Cristo amarillo (Le Christ jaune) , 1889, Albright – Knox Art Gallery , Buffalo, NY
Bodegón con perfil de Laval ( Charles Laval ), 1886, Museo de Arte de Indianápolis
Martinica
En 1887, después de haber visitado Panamá , Gauguin pasó el tiempo de junio a noviembre cerca de Saint Pierre en la isla caribeña de Martinica , acompañado de su amigo el artista Charles Laval . Sus pensamientos y experiencias durante este tiempo se registran en sus cartas a su esposa Mette y su amigo artista Emile Schuffenecker. [53] Llegó a Martinica a través de Panamá, donde se encontraba arruinado y sin trabajo. En ese momento, Francia tenía una política de repatriación en la que si un ciudadano se arruinaba o se quedaba varado en una colonia francesa, el estado pagaba el viaje de regreso en bote. Al salir de Panamá, protegidos por la política de repatriación, Gauguin y Laval decidieron bajarse del barco en el puerto martiniqueño de St Pierre. Los estudiosos no están de acuerdo sobre si Gauguin decidió intencional o espontáneamente quedarse en la isla.
Al principio, la 'choza de negros' en la que vivían le sentaba bien, y disfrutaba viendo a la gente en sus actividades diarias. [54] Sin embargo, el clima en el verano era caluroso y la cabaña goteaba bajo la lluvia. Gauguin también sufrió disentería y fiebre de los pantanos . Mientras estuvo en Martinica, produjo entre 10 y 20 obras (12 es la estimación más común), viajó mucho y aparentemente entró en contacto con una pequeña comunidad de inmigrantes indios ; contacto que más tarde influiría en su arte mediante la incorporación de símbolos indios. Durante su estancia, el escritor Lafcadio Hearn también estuvo en la isla. [55] Su relato proporciona una comparación histórica para acompañar las imágenes de Gauguin.
Gauguin terminó 11 pinturas conocidas durante su estadía en Martinica, muchas de las cuales parecen derivar de su cabaña. Sus cartas a Schuffenecker expresan entusiasmo por la ubicación exótica y los nativos representados en sus pinturas. Gauguin afirmó que cuatro de sus cuadros en la isla eran mejores que el resto. [56] Las obras en su conjunto son escenas de figuras al aire libre de colores brillantes y vagamente pintadas. Aunque su tiempo en la isla fue corto, seguramente fue influyente. Recicló algunas de sus figuras y bocetos en pinturas posteriores, como el motivo de Among the Mangoes [57] que se replica en sus abanicos. Las poblaciones rurales e indígenas siguieron siendo un tema popular en la obra de Gauguin después de su salida de la isla.
Huttes sous les arbres, 1887, colección privada , Washington
Bord de Mer II, 1887, colección privada, París
En el estanque, 1887, Museo Van Gogh , Amsterdam
Conversation Tropiques (Négresses Causant) , 1887, colección privada, Dallas
Entre los mangos (La Cueillette des Fruits) , 1887, Museo Van Gogh , Amsterdam [57]
Vincent y Theo van Gogh
Las pinturas de Martinica de Gauguin se exhibieron en la galería de su comerciante de colores Arsène Poitier. Allí fueron vistos y admirados por Vincent van Gogh y su hermano comerciante de arte Theo , cuya firma Goupil & Cie tenía tratos con Portier. Theo compró tres de las pinturas de Gauguin por 900 francos y se las arregló para colgarlas en Goupil's, presentando así a Gauguin a clientes adinerados. Este arreglo con Goupil continuó después de la muerte de Theo en 1891. Al mismo tiempo, Vincent y Gauguin se hicieron amigos cercanos (por parte de Vincent equivalía a algo parecido a la adulación) y se correspondían en el arte, una correspondencia que fue fundamental para que Gauguin formulara su filosofía del arte . [58] [59]
En 1888, a instancias de Theo, Gauguin y Vincent pasaron nueve semanas pintando juntos en Vincent's Yellow House en Arles, en el sur de Francia. La relación de Gauguin con Vincent resultó tensa. Su relación se deterioró y finalmente Gauguin decidió irse. En la noche del 23 de diciembre de 1888, según un relato mucho posterior de Gauguin, Vincent se enfrentó a Gauguin con una navaja de afeitar . Más tarde, esa misma noche, se cortó la oreja izquierda. Envolvió el pañuelo cortado en papel de periódico y se lo entregó a una mujer que trabajaba en un burdel que Gauguin y Vincent habían visitado, y le pidió que "guardara este objeto con cuidado, en memoria mía". Vincent fue hospitalizado al día siguiente y Gauguin dejó Arles. [60] No volvieron a verse, pero siguieron manteniendo correspondencia, y en 1890 Gauguin llegó a proponer que formaran un estudio de artistas en Amberes . [61] Una jarra de autorretrato escultórico de 1889 en forma de cabeza parece hacer referencia a la traumática relación de Gauguin con Vincent.
Más tarde, Gauguin afirmó haber sido fundamental para influir en el desarrollo de Vincent van Gogh como pintor en Arles. Si bien Vincent experimentó brevemente con la teoría de Gauguin de "pintar desde la imaginación" en pinturas como Memory of the Garden en Etten , no le convenía y rápidamente volvió a pintar desde la naturaleza. [62] [63]
Edgar Degas
Aunque Gauguin hizo algunos de sus primeros pasos en el mundo del arte con Pissarro, Edgar Degas fue el artista contemporáneo más admirado de Gauguin y una gran influencia en su trabajo desde el principio, con sus figuras e interiores, así como un medallón tallado y pintado de cantante. Valérie Roumi. [64] Sentía una profunda reverencia por la dignidad y el tacto artísticos de Degas. [65] Fue la amistad más sana y duradera de Gauguin, que abarcó toda su carrera artística hasta su muerte.
Además de ser uno de sus primeros partidarios, incluida la compra del trabajo de Gauguin y persuadir al comerciante Paul Durand-Ruel para que hiciera lo mismo, nunca hubo un apoyo público para Gauguin más inquebrantable que el de Degas. [66] Gauguin también compró obras de Degas a principios y mediados de la década de 1870 y su predilección por los monotipos probablemente estuvo influenciada por los avances de Degas en el medio. [67]
La exposición Durand-Ruel de Gauguin en noviembre de 1893, que Degas organizó principalmente, recibió críticas mixtas. Entre los burlones estaban Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir y el ex amigo Pissarro. Degas, sin embargo, elogió su trabajo, comprando Te faaturuma
y admirando la exótica suntuosidad del folclore conjurado de Gauguin. [68] [69] [70] En agradecimiento, Gauguin le presentó a Degas La luna y la tierra , una de las pinturas expuestas que había atraído las críticas más hostiles. [71] El último lienzo de Gauguin Riders on the Beach (dos versiones) recuerda los cuadros de caballos de Degas que comenzó en la década de 1860, específicamente Racetrack y Before the Race , lo que demuestra su efecto perdurable en Gauguin. [72] Más tarde, Degas compró dos pinturas en la subasta de Gauguin de 1895 para recaudar fondos para su último viaje a Tahití. Se trataba de Vahine no te vi (Mujer con un mango) y la versión que pintó Gauguin de la Olimpia de Manet . [71] [73]Primera visita a Tahití
En 1890, Gauguin había concebido el proyecto de hacer de Tahití su próximo destino artístico. Una exitosa subasta de pinturas en París en el Hôtel Drouot en febrero de 1891, junto con otros eventos como un banquete y un concierto benéfico, proporcionaron los fondos necesarios. [74] La subasta había sido de gran ayuda por una reseña halagadora de Octave Mirbeau , cortejada por Gauguin a través de Camille Pissarro . [75] Después de visitar a su esposa e hijos en Copenhague, por lo que resultó ser la última vez, Gauguin zarpó hacia Tahití el 1 de abril de 1891, prometiendo regresar como un hombre rico y comenzar de nuevo. [76] Su intención declarada era escapar de la civilización europea y "todo lo que es artificial y convencional". [77] [78] Sin embargo, se cuidó de llevar consigo una colección de estímulos visuales en forma de fotografías, dibujos y grabados. [79] [a]
Pasó los primeros tres meses en Papeete , la capital de la colonia y ya muy influenciada por la cultura francesa y europea. Su biógrafa Belinda Thomson observa que debe haberse sentido decepcionado por su visión de un idilio primitivo. No podía permitirse el estilo de vida de búsqueda de placer en Papeete, y una de las primeras tentativas de hacer un retrato, Suzanne Bambridge , no fue del agrado. [81] Decidió instalar su estudio en Mataiea, Papeari , a unos 45 kilómetros (28 millas) de Papeete, instalándose en una choza de bambú de estilo nativo. Aquí ejecutó pinturas que representan la vida tahitiana como Fatata te Miti (Junto al mar) e Ia Orana Maria (Ave María) , esta última para convertirse en su pintura tahitiana más preciada. [82]
Muchas de sus mejores pinturas datan de este período. Se cree que su primer retrato de una modelo tahitiana es Vahine no te tiare ( Mujer con una flor ). La pintura destaca por el cuidado con el que delinea los rasgos polinesios . Envió la pintura a su mecenas George-Daniel de Monfreid , un amigo de Schuffenecker, que se convertiría en el devoto campeón de Gauguin en Tahití. A fines del verano de 1892, esta pintura se exhibía en la galería de Goupil en París. [83] La historiadora del arte Nancy Mowll Mathews cree que el encuentro de Gauguin con la sensualidad exótica en Tahití, tan evidente en la pintura, fue, con mucho, el aspecto más importante de su estancia allí. [84]
A Gauguin se le prestaron copias de Jacques-Antoine Moerenhout
1837 Voyage aux îles du Grand Océan y Edmond de Bovis 1855 État de la société tahitienne à l'arrivée des Européens , que contiene relatos completos de la cultura y religión olvidadas de Tahití. Gauguin estaba fascinado por los relatos de la sociedad Arioi y su dios 'Oro . Como estos relatos no contenían ilustraciones y los modelos tahitianos, en cualquier caso, habían desaparecido durante mucho tiempo, podía dar rienda suelta a su imaginación. Realizó una veintena de pinturas y una docena de tallas en madera durante el año siguiente. El primero de ellos fue Te aa no areois (La semilla del Areoi) , que representa a la esposa terrestre de Oro, Vairaumati, ahora en poder del Museo Metropolitano de Arte . Su cuaderno ilustrado de la época, Ancien Culte Mahorie , se conserva en el Louvre y se publicó en formato facsímil en 1951. [85] [86] [87]En total, Gauguin envió nueve de sus cuadros a Monfreid en París. Estos fueron finalmente exhibidos en Copenhague en una exposición conjunta con el fallecido Vincent van Gogh. Los informes de que habían sido bien recibidos (aunque de hecho solo se vendieron dos de los cuadros de Tahití y sus cuadros anteriores se compararon desfavorablemente con los de Van Gogh) fueron lo suficientemente alentadores para que Gauguin contemplara regresar con otros setenta que había completado. [88] [89] En cualquier caso, se había quedado sin fondos en gran medida, dependiendo de una subvención estatal para un pasaje gratuito a casa. Además, el médico local le diagnosticó algunos problemas de salud como problemas cardíacos, que Mathews sugiere que pueden haber sido los primeros signos de sífilis cardiovascular . [90]
Más tarde, Gauguin escribió un diario de viaje (publicado por primera vez en 1901) titulado Noa Noa
, originalmente concebido como comentario sobre sus pinturas y describiendo sus experiencias en Tahití. Los críticos modernos han sugerido que los contenidos del libro fueron en parte fantaseados y plagiados. [91] [92] En él revelaba que en ese momento había tomado a una niña de trece años como esposa nativa o vahine ( palabra tahitiana para "mujer"), matrimonio contraído en el transcurso de una sola tarde. Se trataba de Teha'amana , llamada Tehura en el diario de viaje, que estaba embarazada de él a finales del verano de 1892. [93] [94] [95] [96] Teha'amana fue el tema de varias de las pinturas de Gauguin, incluida Merahi metua no Tehamana y el célebre Spirit of the Dead Watching , así como un notable tallado en madera Tehura ahora en el Musée d'Orsay . [97] A fines de julio de 1893, Gauguin había decidido dejar Tahití y nunca volvería a ver a Teha'amana ni a su hijo, incluso después de regresar a la isla varios años después. [98]Página del cuaderno de Gauguin (fecha desconocida), Ancien Culte Mahorie . Lumbrera
Te aa no areois (La semilla del Areoi) , 1892, Museo de Arte Moderno
Spirit of the Dead Watching 1892, Galería de arte Albright – Knox , Buffalo, NY
Tehura (Teha'amana) , 1891–3, madera de pua policromada, Musée d'Orsay , París
Regreso a Francia
En agosto de 1893, Gauguin regresó a Francia, donde continuó ejecutando pinturas sobre temas tahitianos como Mahana no atua (Día del Dios) y Nave nave moe ( Fuente sagrada, dulces sueños) . [101] [98] Una exposición en la galería Durand-Ruel en noviembre de 1894 fue un éxito moderado, vendiendo a precios bastante elevados once de las cuarenta pinturas expuestas. Instaló un apartamento en el número 6 de la rue Vercingétorix, en el límite del distrito de Montparnasse , frecuentado por artistas, y comenzó a realizar un salón semanal . Él adoptó una personalidad exótica , se vistió con trajes polinesios y dirigió un asunto público con una joven todavía en su adolescencia, "mitad india, mitad malaya", conocida como Annah the Javanese
. [102] [103]A pesar del éxito moderado de su exposición de noviembre, posteriormente perdió el patrocinio de Durand-Ruel en circunstancias que no están claras. Mathews caracteriza esto como una tragedia para la carrera de Gauguin. Entre otras cosas, perdió la oportunidad de introducirse en el mercado estadounidense. [104] El comienzo de 1894 lo encontró preparando grabados en madera utilizando una técnica experimental para su diario de viaje propuesto Noa Noa . Regresó a Pont-Aven durante el verano. En febrero de 1895 intentó una subasta de sus cuadros en el Hôtel Drouot de París, similar a la de 1891, pero no fue un éxito. El marchante Ambroise Vollard , sin embargo, mostró sus pinturas en su galería en marzo de 1895, pero lamentablemente no llegaron a un acuerdo en esa fecha. [105]
Presentó una gran escultura de cerámica que llamó Oviri que había despedido el invierno anterior al salón de la Société Nationale des Beaux-Arts 1895 que se inauguró en abril. [99] Hay versiones contradictorias de cómo fue recibido: su biógrafo y colaborador de Noa Noa , el poeta simbolista Charles Morice
, sostuvo (1920) que la obra fue "literalmente expulsada" de la exposición, mientras que Vollard dijo (1937 ) que el trabajo fue admitido solo cuando Chaplet amenazó con retirar todo su propio trabajo. [106] En cualquier caso, Gauguin aprovechó la oportunidad para aumentar su exposición pública escribiendo una carta indignada sobre el estado de la cerámica moderna a Le Soir . [107]Para entonces, había quedado claro que él y su esposa Mette estaban irrevocablemente separados. Aunque había esperanzas de reconciliación, rápidamente se pelearon por cuestiones de dinero y ninguno de los dos visitó al otro. Gauguin inicialmente se negó a compartir parte de una herencia de 13.000 francos de su tío Isidoro, a la que había llegado poco después de regresar. Mette finalmente recibió 1.500 francos, pero ella estaba indignada y desde ese momento se mantuvo en contacto con él solo a través de Schuffenecker, lo que fue doblemente irritante para Gauguin, ya que su amigo conocía así el verdadero alcance de su traición. [108] [33]
A mediados de 1895, los intentos de recaudar fondos para el regreso de Gauguin a Tahití habían fracasado, y comenzó a aceptar caridad de amigos. En junio de 1895, Eugène Carrière organizó un pasaje barato de regreso a Tahití y Gauguin nunca volvió a ver Europa. [109]
Nave nave moe (manantial sagrado, dulces sueños) , 1894, Museo del Hermitage
Annah the Javanese , (1893), Colección privada [110]
Paul Gauguin, Alfons Mucha , Luděk Marold y Annah la javanesa en el estudio de Mucha, 1893
Nave Nave Fenua (Tierra encantadora) , xilografía de la serie Noa Noa , 1894, Galería de Arte de Ontario
Residencia en Tahití
Gauguin partió nuevamente hacia Tahití el 28 de junio de 1895. Thomson caracteriza su regreso como esencialmente negativo, su desilusión con la escena artística de París agravada por dos ataques contra él en el mismo número de Mercure de France ; [112] [113] uno de Emile Bernard , el otro de Camille Mauclair . Mathews comenta que su aislamiento en París se había vuelto tan amargo que no tuvo más remedio que intentar recuperar su lugar en la sociedad de Tahití. [114] [115]
Llegó en septiembre de 1895 y pasaría los siguientes seis años viviendo, en su mayor parte, una vida aparentemente cómoda como artista- colón cerca, o en ocasiones en, Papeete. Durante este tiempo pudo mantenerse a sí mismo con un flujo de ventas cada vez más constante y el apoyo de amigos y simpatizantes, aunque hubo un período de 1898-1899 en el que se sintió obligado a aceptar un trabajo de oficina en Papeete, del cual no hay mucho registro. Construyó una espaciosa casa de caña y paja en Puna'auia, en una zona próspera a diez millas al este de Papeete, habitada por familias adineradas, en la que instaló un gran estudio sin escatimar gastos. Jules Agostini, un conocido de Gauguin y un consumado fotógrafo aficionado, fotografió la casa en 1896. [116] [117] [118] Más tarde, una venta de terrenos lo obligó a construir uno nuevo en el mismo barrio. [119] [120]
Tenía un caballo y una trampa , por lo que estaba en condiciones de viajar diariamente a Papeete para participar en la vida social de la colonia si lo deseaba. Se suscribió al Mercure de France (de hecho, era accionista), por entonces la revista crítica más importante de Francia, y mantuvo una correspondencia activa con otros artistas, marchantes, críticos y patrocinadores en París. [121] Durante su año en Papeete y posteriormente, desempeñó un papel cada vez más importante en la política local, contribuyendo de manera abrasiva a una revista local opuesta al gobierno colonial, Les Guêpes (Las avispas) , que se había formado recientemente, y finalmente editó la suya propia. publicación mensual Le Sourire: Journal sérieux (La sonrisa: un periódico serio) , más tarde titulada simplemente Journal méchant (Un periódico malvado) . [122] Sobrevive una cierta cantidad de obras de arte y grabados en madera de su periódico. [123] En febrero de 1900 se convirtió en editor de Les Guêpes , por el que cobraba un sueldo, y continuó como editor hasta que dejó Tahití en septiembre de 1901. El periódico bajo su dirección se destacó por sus ataques difamatorios contra el gobernador y burocrático en general, pero de hecho no fue un defensor de las causas nativas, aunque percibido como tal, no obstante. [124] [125]
Durante el primer año, al menos, no produjo pinturas, informando a Monfreid que se proponía a partir de ahora concentrarse en la escultura. Pocas de sus tallas de madera de este período sobreviven, la mayoría de ellas recopiladas por Monfreid. Thomson cita a Oyez Hui Iesu (Cristo en la cruz) , un cilindro de madera de medio metro de altura con un curioso híbrido de motivos religiosos. El cilindro puede haberse inspirado en tallas simbólicas similares en Bretaña, como en Pleumeur-Bodou. , donde antiguos menhires han sido cristianizados por artesanos locales. [126] Cuando reanudó la pintura, fue para continuar su larga serie de desnudos sexualmente cargados en pinturas como Te tamari no atua (Hijo de Dios) y O Taiti (Nunca más ) . Thomson observa una progresión en la complejidad. [127] Mathews observa un retorno a la simbología cristiana que lo habría hecho querer a los colonos de la época, ahora ansiosos de preservar lo que quedaba de la cultura nativa haciendo hincapié en la universalidad de los principios religiosos. en Estas pinturas, Gauguin se dirigía a una audiencia entre sus compañeros colonos en Papeete, no a su antigua audiencia de vanguardia en París. [128] [129]
Su salud empeoró decididamente y fue hospitalizado varias veces por diversas dolencias. Mientras estaba en Francia, se rompió el tobillo en una pelea de borrachos en una visita a la playa de Concarneau . [130] La lesión, una fractura abierta , nunca sanó correctamente. Luego, las llagas dolorosas y debilitantes que restringían su movimiento comenzaron a brotar de arriba a abajo por sus piernas. Estos fueron tratados con arsénico. Gauguin culpó al clima tropical y describió las llagas como "eczema", pero sus biógrafos están de acuerdo en que esto debe haber sido el progreso de la sífilis. [90] [131] [b]
En abril de 1897, recibió la noticia de que su hija favorita, Aline, había muerto de neumonía. Este fue también el mes en el que se enteró de que tenía que desocupar su casa porque su terreno había sido vendido. Obtuvo un préstamo bancario para construir una casa de madera mucho más extravagante con hermosas vistas a las montañas y al mar. Pero se esforzó demasiado al hacerlo, y para fin de año se enfrentó a la perspectiva real de que su banco lo embargara. [133] La mala salud y las deudas urgentes lo llevaron al borde de la desesperación. A finales de año completó su monumental ¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? , que consideró su obra maestra y testamento artístico final (en una carta a Monfreid explicó que intentó suicidarse después de terminarla). [134] [135] [136] La pintura se exhibió en la galería de Vollard en noviembre del año siguiente, junto con ocho pinturas relacionadas temáticamente que había completado en julio. [137] Esta fue su primera gran exposición en París desde su exposición Durand-Ruel en 1893 y fue un éxito rotundo, los críticos elogiaron su nueva serenidad. ¿De dónde venimos? , sin embargo, recibió críticas mixtas y Vollard tuvo dificultades para venderlo. Finalmente lo vendió en 1901 por 2.500 francos (alrededor de $ 10,000 en dólares del año 2000) a Gabriel Frizeau
, de los cuales la comisión de Vollard fue quizás de hasta 500 francos.Georges Chaudet, el marchante de Gauguin en París, murió en el otoño de 1899. Vollard había estado comprando las pinturas de Gauguin a través de Chaudet y ahora llegó a un acuerdo con Gauguin directamente. [138] [139] El acuerdo proporcionó a Gauguin un anticipo mensual regular de 300 francos contra una compra garantizada de al menos 25 pinturas invisibles al año a 200 francos cada una, y además Vollard se comprometió a proporcionarle sus materiales de arte. Hubo algunos problemas iniciales en ambos lados, pero Gauguin finalmente pudo realizar su largamente acariciado plan de reasentamiento en las Islas Marquesas en busca de una sociedad aún más primitiva. Pasó sus últimos meses en Tahití viviendo con considerable comodidad, como lo atestigua la liberalidad con la que entretuvo a sus amigos en ese momento. [140] [141] [142]
Gauguin no pudo continuar su trabajo en cerámica en las islas por la sencilla razón de que no se disponía de arcilla adecuada. [143] Del mismo modo, sin acceso a una imprenta ( Le Sourire estaba hectografiado ), [144] se vio obligado a recurrir al proceso de monotipia en su obra gráfica. [145] Los ejemplares supervivientes de estas impresiones son bastante raros y tienen precios muy altos en la sala de venta. [146]
Durante este tiempo, Gauguin mantuvo una relación con Pahura (Pau'ura) a Tai, la hija de vecinos en Puna'auia. Gauguin comenzó esta relación cuando Pau'ura tenía catorce años y medio. [147] Fue padre de dos hijos con ella, de los cuales una hija murió en la infancia. El otro, un niño, se crió ella misma. Sus descendientes todavía habitaban Tahití en el momento de la biografía de Mathews. Pahura se negó a acompañar a Gauguin a las Marquesas lejos de su familia en Puna'auia (antes lo había dejado cuando él tomó trabajo en Papeete, a solo 10 millas de distancia). [148] Cuando el escritor inglés Willam Somerset Maugham la visitó en 1917, ella no pudo ofrecerle ningún recuerdo útil de Gauguin y lo reprendió por visitarla sin traer dinero de la familia de Gauguin. [149]
Oyez Hui Iesu (Cristo en la cruz) , frotamiento (impresión inversa) de un cilindro de madera de 1896, Museo de Bellas Artes de Boston.
Nevermore (O Taiti) , 1897, Courtauld Gallery , Londres
Eve (The Nightmare) , 1899-1900, monotipo, Museo J. Paul Getty
Islas Marquesas
Gauguin había nutrido su plan de establecerse en las Marquesas desde que vio una colección de cuencos y armas marquesanos intrincadamente tallados en Papeete durante sus primeros meses en Tahití. [150] Sin embargo, encontró una sociedad que, como en Tahití, había perdido su identidad cultural. De todos los grupos de islas del Pacífico, las Marquesas fueron las más afectadas por la importación de enfermedades occidentales (especialmente la tuberculosis ). [151] Una población del siglo XVIII de unas 80.000 personas se había reducido a solo 4.000. [152] Los misioneros católicos dominaron y, en su esfuerzo por controlar la borrachera y la promiscuidad, obligaron a todos los niños nativos a asistir a escuelas misioneras en la adolescencia. El dominio colonial francés fue impuesto por una gendarmería conocida por su malevolencia y estupidez, mientras que los comerciantes, tanto occidentales como chinos, explotaban a los nativos de manera espantosa. [153] [154]
Gauguin se instaló en Atuona en la isla de Hiva-Oa , llegando el 16 de septiembre de 1901. [c] Esta era la capital administrativa del grupo de islas, pero considerablemente menos desarrollada que Papeete, aunque había un servicio de vapor eficiente y regular entre los dos. Había un médico militar pero no un hospital. El médico fue trasladado a Papeete en febrero siguiente y, a partir de entonces, Gauguin tuvo que depender de los dos trabajadores sanitarios de la isla, el exiliado vietnamita Nguyen Van Cam (Ky Dong), que se había asentado en la isla pero no tenía formación médica formal, y el protestante. pastor Paul Vernier, quien había estudiado medicina además de teología. [155] [156] Ambos se convertirían en amigos cercanos. [157]
Compró una parcela de tierra en el centro de la ciudad a la misión católica, después de congraciarse con el obispo local asistiendo a misa con regularidad. Este obispo era monseñor Joseph Martin, inicialmente bien dispuesto hacia Gauguin porque sabía que Gauguin se había puesto del lado del partido católico en Tahití en su periodismo. [158]
Gauguin construyó una casa de dos pisos en su parcela, lo suficientemente resistente para sobrevivir a un ciclón posterior que arrasó con la mayoría de las demás viviendas de la ciudad. Fue ayudado en la tarea por los dos mejores carpinteros marqueses de la isla, uno de ellos llamado Tioka, tatuado de la cabeza a los pies al estilo tradicional marquesano (una tradición suprimida por los misioneros). Tioka era diácono en la congregación de Vernier y se convirtió en vecino de Gauguin después del ciclón cuando Gauguin le regaló una esquina de su parcela. La planta baja estaba al aire libre y se usaba para comer y vivir, mientras que la planta superior se usaba para dormir y como estudio. La puerta del último piso estaba decorada con un dintel tallado en madera policromada y jambas que aún se conservan en los museos. El dintel nombró a la casa como Maison du Jouir (es decir, Casa del Placer ), mientras que las jambas se hicieron eco de su anterior Soyez amoureuses vous serez heureuses (es decir, estar enamorado, serás feliz ) tallado en madera de 1889 . Las paredes estaban decoradas, entre otras cosas, con su preciada colección de cuarenta y cinco fotografías pornográficas que había comprado en Port Said a su salida de Francia. [159]
Al menos en los primeros días, hasta que Gauguin encontró una vahine , la casa atrajo multitudes agradecidas por las tardes de los nativos, que venían a mirar las fotos y divertirse la mitad de la noche. [160] Huelga decir que todo esto no agradó a Gauguin por el obispo, y menos aún cuando Gauguin erigió dos esculturas que colocó al pie de sus pasos satirizando al obispo y a una sirvienta que tenía fama de ser la amante del obispo, [161] y sin embargo menos aún cuando Gauguin atacó más tarde el impopular sistema escolar misionero. [162] La escultura del obispo, Père Paillard , se encuentra en la Galería Nacional de Arte, Washington, mientras que su pieza colgante Thérèse obtuvo un récord de $ 30,965,000 por una escultura de Gauguin en una subasta de Christie's en Nueva York en 2015. [163] [164] Estas estaban entre al menos ocho esculturas que adornaban la casa según un inventario póstumo, la mayoría de las cuales se han perdido hoy. Juntos representaron un ataque muy público a la hipocresía de la iglesia en materia sexual. [165] [166]
La financiación estatal para las escuelas misioneras había cesado como resultado del proyecto de ley de asociaciones de 1901 promulgado en todo el imperio francés. [151] [158] [167] Las escuelas continuaron con dificultad como instituciones privadas, pero estas dificultades se agravaron cuando Gauguin estableció que la asistencia a cualquier escuela dada era solo obligatoria dentro de un área de influencia de un radio de dos millas y media. Esto llevó a que numerosas hijas adolescentes fueran retiradas de las escuelas (Gauguin llamó a este proceso "rescate"). Tomó como vahine a una de esas niñas, Vaeoho (también llamada Marie-Rose), la hija de catorce años de una pareja nativa que vivía en un valle contiguo a seis millas de distancia. [168] Esto difícilmente puede haber sido una tarea agradable para ella, ya que las llagas de Gauguin eran para entonces extremadamente nocivas y requerían un tratamiento diario. [156] Sin embargo, vivió de buena gana con él y al año siguiente dio a luz una hija sana cuyos descendientes siguen viviendo en la isla. [169] [170]
En noviembre se había instalado en su nuevo hogar con Vaeoho, un cocinero (Kahui), otros dos sirvientes (sobrinos de Tioka), su perro, Pegau (un juego de sus iniciales PG ) y un gato. La casa en sí, aunque en el centro de la ciudad, estaba ubicada entre árboles y apartada de la vista. La fiesta cesó y comenzó un período de trabajo productivo, enviando veinte lienzos a Vollard el siguiente mes de abril. [171] Había pensado que encontraría nuevos motivos en las Marquesas, escribiendo a Monfreid: [172] [173]
Creo que en las Marquesas, donde es fácil encontrar modelos (algo que se está volviendo cada vez más difícil en Tahití), y con un nuevo país que explorar, con un tema nuevo y más salvaje en resumen, haré cosas hermosas. . Aquí mi imaginación ha comenzado a enfriarse, y luego, también, el público se ha acostumbrado tanto a Tahití. El mundo es tan estúpido que si uno le muestra lienzos que contienen elementos nuevos y terribles , Tahití se volverá comprensible y encantador. Mis fotos de Bretaña ahora son agua de rosas debido a Tahití; Tahití se convertirá en agua de colonia gracias a las Marquesas.
- Paul Gauguin, Carta LII a George Daniel de Monfreid, junio de 1901
De hecho, su obra de las Marquesas en su mayor parte sólo se puede distinguir de su obra de Tahití por los expertos o por sus fechas, [174] pinturas como Dos mujeres permanecen inciertas en su ubicación. [175] Para Anna Szech, lo que los distingue es su reposo y melancolía, aunque contiene elementos de inquietud. Así, en la segunda de las dos versiones de Cavaliers sur la Plage (Jinetes en la playa) , las nubes que se acumulan y los rompientes espumosos sugieren una tormenta inminente, mientras que las dos figuras distantes sobre caballos grises hacen eco de figuras similares en otras pinturas que se toman para simbolizar la muerte. [172]
Gauguin eligió pintar paisajes, naturalezas muertas y estudios de figuras en este momento, con la mirada puesta en la clientela de Vollard, evitando los temas primitivos y del paraíso perdido de sus pinturas de Tahití. [176] Pero hay un trío significativo de imágenes de este último período que sugieren preocupaciones más profundas. Los dos primeros son Jeune fille à l'éventail (Chica joven con abanico) y Le Sorcier d'Hiva Oa (Hombre de las Marquesas con capa roja) . El modelo de Jeune fille fue la pelirroja Tohotaua, hija de un cacique de una isla vecina. El retrato parece haber sido tomado de una fotografía que Vernier envió más tarde a Vollard . El modelo de Le sorcier pudo haber sido Haapuani, un bailarín consumado y un mago temido, amigo cercano de Gauguin y, según Danielsson, casado con Tohotau. [177] Szech señala que el color blanco de la vestimenta de Tohotau es un símbolo de poder y muerte en la cultura polinesia, el modelo cumpliendo con el deber de una cultura maohi en su conjunto amenazada de extinción. [172] Le Sorcier parece haber sido ejecutado al mismo tiempo y representa a un joven de pelo largo con una capa roja exótica. La naturaleza andrógina de la imagen ha atraído la atención crítica, dando lugar a especulaciones de que Gauguin pretendía representar a un māhū (es decir, una persona de tercer género ) en lugar de un taua o sacerdote. [174] [178] [179] La tercera imagen del trío es el misterioso y hermoso Contes barbares (Cuentos primitivos) con Tohotau nuevamente a la derecha. La figura de la izquierda es Jacob Meyer de Haan , un pintor amigo de Gauguin de sus días en Pont-Aven que había muerto unos años antes, mientras que la figura del medio es nuevamente andrógina, identificada por algunos como Haapuani. La pose de Buda y las flores de loto le sugieren a Elizabeth Childs que la imagen es una meditación sobre el ciclo perpetuo de la vida y la posibilidad de renacer. [176] Como estas pinturas llegaron a Vollard después de la repentina muerte de Gauguin, no se sabe nada sobre las intenciones de Gauguin en su ejecución. [180]
En marzo de 1902, el gobernador de la Polinesia Francesa, Édouard Petit
, llegó a las Marquesas para realizar una inspección. Estuvo acompañado por Édouard Charlier como jefe del sistema judicial. Charlier era un pintor aficionado que se había hecho amigo de Gauguin cuando llegó por primera vez como magistrado a Papeete en 1895. [181] Sin embargo, su relación se convirtió en enemistad cuando Charlier se negó a procesar a la entonces vahine Pau'ura de Gauguin por una serie de delitos triviales. presuntamente allanamiento de morada y robo, lo había cometido en Puna'auia mientras Gauguin trabajaba en Papeete. Gauguin había llegado incluso a publicar una carta abierta en la que atacaba a Charlier sobre el asunto de Les Guêpes . [182] [183] [184] Petit, presumiblemente advertido de antemano, se negó a ver a Gauguin para presentar las protestas de los colonos (Gauguin su portavoz) sobre el sistema de impuestos odioso, que vio la mayor parte de los ingresos de las Marquesas gastados en Papeete. Gauguin respondió en abril negándose a pagar sus impuestos y alentando a los colonos, comerciantes y plantadores a hacer lo mismo. [185]Aproximadamente al mismo tiempo, la salud de Gauguin comenzó a deteriorarse nuevamente, revisada por la misma constelación familiar de síntomas que involucran dolor en las piernas, palpitaciones cardíacas y debilidad general. El dolor en el tobillo lesionado se hizo insoportable y en julio se vio obligado a encargar una trampa a Papeete para poder moverse por la ciudad. [155] En septiembre, el dolor era tan extremo que recurrió a inyecciones de morfina . Sin embargo, estaba lo suficientemente preocupado por el hábito que estaba desarrollando como para entregar su jeringa a un vecino, confiando en cambio en el láudano . Su vista también comenzaba a fallarle, como lo atestiguan las gafas que usa en su último autorretrato conocido. Este fue en realidad un retrato comenzado por su amigo Ky Dong que él mismo completó, lo que explica su estilo inusual. [186] Muestra a un hombre cansado y anciano, pero no completamente derrotado. [187] Durante un tiempo pensó en regresar a Europa, a España, para recibir tratamiento. Monfreid le aconsejó: [188] [189]
Al regresar, correrá el riesgo de dañar ese proceso de incubación que está teniendo lugar en la apreciación del público por usted. En la actualidad eres un artista único y legendario, enviándonos desde los remotos mares del Sur obras desconcertantes e inimitables que son las creaciones definitivas de un gran hombre que, en cierto modo, ya se ha ido de este mundo. Tus enemigos, y como todos los que trastornan las mediocridades, tienes muchos enemigos, guardan silencio; pero no se atreven a atacarte, ni siquiera lo pienses. Estás tan lejos. No deberías volver ... Ya eres tan inexpugnable como todos los grandes muertos; ya perteneces a la historia del arte .
- George Daniel Monfreid, Carta a Paul Gauguin alrededor de octubre de 1902
En julio de 1902, Vaeoho, para entonces embarazada de siete meses, dejó Gauguin para regresar a su vecino valle de Hekeani para tener a su bebé entre familiares y amigos. Dio a luz en septiembre, pero no regresó. Posteriormente, Gauguin no tomó otra vahine . Fue en este momento que su disputa con el obispo Martin por las escuelas misioneras alcanzó su punto álgido. El gendarme local Désiré Charpillet, al principio amigo de Gauguin, escribió un informe al administrador del grupo de islas, que residía en la isla vecina de Nuku Hiva , criticando a Gauguin por alentar a los nativos a retirar a sus hijos de la escuela y alentar a los colonos a retener el pago de sus impuestos. Quiso la suerte que el puesto de administrador fuera ocupado recientemente por François Picquenot, un viejo amigo de Gauguin de Tahití y esencialmente simpatizante de él. Picquenot aconsejó a Charpillet que no tomara ninguna medida sobre el tema de las escuelas, ya que Gauguin tenía la ley de su lado, pero autorizó a Charpillet a confiscar los bienes de Gauguin en lugar del pago de impuestos si todo lo demás fallaba. [190] Posiblemente impulsado por la soledad y, en ocasiones, incapaz de pintar, Gauguin se dedicó a escribir. [191] [192]
En 1901, el manuscrito de Noa Noa que Gauguin había preparado junto con los grabados en madera durante su interludio en Francia se publicó finalmente con los poemas de Morice en forma de libro en la edición La Plume (el manuscrito en sí se encuentra ahora en el museo del Louvre). Secciones de él (incluido su relato de Teha'amana) se habían publicado previamente sin xilografías en 1897 en La Revue Blanche , mientras que él mismo había publicado extractos en Les Guêpes mientras era editor. Se planeó que la edición de La Plume incluyera sus grabados en madera, pero negó el permiso para imprimirlos en papel liso como deseaban los editores. [193] La verdad es que había perdido interés en la aventura con Morice y nunca vio una copia, rechazando una oferta de cien copias de cortesía. [194] Sin embargo, su publicación lo inspiró a considerar la posibilidad de escribir otros libros. [195] A principios del año (1902), había revisado un antiguo manuscrito de 1896-97 L'Esprit Moderne et le Catholicisme (El espíritu moderno y el catolicismo) sobre la Iglesia católica romana, añadiendo unas veinte páginas que contenían conocimientos extraídos de sus tratos con el obispo Martin. Envió este texto al obispo Martin, quien respondió enviándole una historia ilustrada de la iglesia. Gauguin devolvió el libro con comentarios críticos que luego publicó en sus recuerdos autobiográficos. [196] [197] Luego preparó un ensayo ingenioso y bien documentado Racontars de Rapin (Cuentos de un aficionado) sobre críticos y crítica de arte, que envió para su publicación a André Fontainas , crítico de arte del Mercure de France cuya reseña favorable de ¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? había hecho mucho para restaurar su reputación. Fontainas, sin embargo, respondió que no se atrevía a publicarlo. No se publicó posteriormente hasta 1951. [195] [198] [199] [200] [201]
El 27 de mayo de ese año, el servicio de vapor Croix du Sud naufragó frente al atolón de Apataki y durante un período de tres meses la isla se quedó sin correo ni suministros. [202] [203] Cuando se reanudó el servicio de correo, Gauguin escribió un ataque airado contra el gobernador Petit en una carta abierta, quejándose, entre otras cosas, por la forma en que habían sido abandonados después del naufragio. La carta fue publicada por L'Indepéndant , el periódico sucesor de Les Guêpes , ese noviembre en Papeete. De hecho, Petit había seguido una política independiente y pro-nativa, para decepción del Partido Católico Romano, y el periódico estaba preparando un ataque contra él. Gauguin también envió la carta al Mercure de France , que publicó una versión redactada después de su muerte. [198] Siguió esto con una carta privada al jefe de la gendarmería en Papeete, quejándose de los excesos de su propio gendarme local Charpillet al hacer que los prisioneros trabajaran para él. Danielsson señala que, si bien estas y otras quejas similares estaban bien fundadas, la motivación de todas fue la vanidad herida y la animosidad simple. Dio la casualidad de que el relativamente solidario Charpillet fue reemplazado ese diciembre por otro gendarme Jean-Paul Claverie de Tahití, mucho menos dispuesto a Gauguin y que de hecho lo había multado en sus primeros días de Mataiea por indecencia pública, habiéndolo sorprendido bañándose desnudo en una corriente local siguiendo las quejas de los misioneros allí. [204]
Su salud se deterioró aún más en diciembre hasta el punto de que apenas podía pintar. Comenzó una memoria autobiográfica que llamó Avant et après (Antes y después) (publicada en traducción en los Estados Unidos como Intimate Journals ), que completó durante los siguientes dos meses. [63] Se suponía que el título reflejaba sus experiencias antes y después de llegar a Tahití y como tributo a las memorias inéditas Pasado y futuro de su propia abuela . Sus memorias resultaron ser una colección fragmentada de observaciones sobre la vida en Polinesia, su propia vida y comentarios sobre literatura y pinturas. Incluyó en él ataques a temas tan diversos como la gendarmería local , el obispo Martín, su esposa Mette y los daneses en general, y concluyó con una descripción de su filosofía personal concibiendo la vida como una lucha existencial para reconciliar binarias opuestas. [205] [d] Mathews señala dos comentarios finales como destilación de su filosofía:
Nadie es bueno; nadie es malo; todos somos ambos, de la misma manera y de diferentes maneras. …
Es una cosa tan pequeña, la vida de un hombre, y sin embargo hay tiempo para hacer grandes cosas, fragmentos de la tarea común.- Paul Gauguin, Revistas íntimas , 1903 [208]
Envió el manuscrito a Fontainas para su edición, pero los derechos regresaron a Mette después de la muerte de Gauguin y no se publicó hasta 1918 (en una edición facsímil), apareciendo la traducción estadounidense en 1921. [209]
Muerte
A principios de 1903, Gauguin se embarcó en una campaña destinada a denunciar la incompetencia de los gendarmes de la isla, en particular Jean-Paul Claverie, por ponerse directamente del lado de los nativos en un caso relacionado con la supuesta embriaguez de un grupo de ellos. [210] Claverie, sin embargo, escapó a la censura. A principios de febrero, Gauguin escribió al administrador, François Picquenot, alegando corrupción de uno de los subordinados de Claverie. Picquenot investigó las acusaciones pero no pudo fundamentarlas. Claverie respondió presentando un cargo contra Gauguin por difamar a un gendarme. Posteriormente fue multado con 500 francos y sentenciado a tres meses de prisión por el magistrado local el 27 de marzo de 1903. Gauguin inmediatamente presentó una apelación en Papeete y se dedicó a recaudar fondos para viajar a Papeete para escuchar su apelación. [211]
En ese momento, Gauguin estaba muy débil y con mucho dolor, y recurrió una vez más al uso de morfina. Murió repentinamente en la mañana del 8 de mayo de 1903. [212] [213] [e]
Cavaliers sur la Plage [II] (Jinetes en la playa) , 1902, colección privada
Paisaje con un cerdo y un caballo (Hiva Oa) , 1903, Ateneum, Helsinki
Bodegón con aves exóticas , 1902, Museo Pushkin
Jeune fille à l'éventail (Joven con un abanico) , 1902, Museo Folkwang
Contes barbares (Cuentos primitivos) , 1902, Museo Folkwang
Anteriormente, había llamado a su pastor Paul Vernier, quejándose de desmayos. Habían charlado juntos y Vernier se había ido, creyéndolo en una condición estable. Sin embargo, el vecino de Gauguin, Tioka, lo encontró muerto a las 11 en punto, confirmando el hecho a la manera tradicional de las Marquesas al morderle la cabeza en un intento por revivirlo. Junto a su cama había una botella vacía de láudano , lo que ha dado lugar a especulaciones de que fue víctima de una sobredosis. [214] [215] Vernier creía que había muerto de un ataque cardíaco. [216]
Gauguin fue enterrado en el cementerio católico del Calvario (Cimetière Calvaire), Atuona , Hiva 'Oa, a las 2 de la tarde del día siguiente. En 1973, se colocó sobre su tumba un molde de bronce de su figura de Oviri , como había indicado que era su deseo. [217] Irónicamente, su vecino más cercano en el cementerio es el obispo Martin, su tumba coronada por una gran cruz blanca. Vernier escribió un relato de los últimos días y el entierro de Gauguin, reproducido en la edición de O'Brien de las cartas de Gauguin a Monfreid. [218]
La noticia de la muerte de Gauguin no llegó a Francia (a Monfreid) hasta el 23 de agosto de 1903. A falta de testamento, sus efectos menos valiosos se subastaron en Atuona, mientras que sus cartas, manuscritos y pinturas se subastaron en Papeete el 5 de septiembre de 1903. Mathews notes que esta rápida dispersión de sus efectos llevó a la pérdida de mucha información valiosa sobre sus últimos años. Thomson señala que el inventario de la subasta de sus efectos (algunos de los cuales fueron quemados como pornografía) reveló una vida que no era tan pobre o primitiva como le hubiera gustado mantener. [219] Mette Gauguin recibió a su debido tiempo el producto de la subasta, unos 4.000 francos. [220] Una de las pinturas subastadas en Papeete fue Maternité II , una versión más pequeña de Maternité I en el Museo del Hermitage. El original fue pintado en el momento en que su entonces vahine Pau'ura en Puna'auia dio a luz a su hijo Emile. No se sabe por qué pintó la copia más pequeña. Se vendió por 150 francos a un oficial naval francés, el comandante Cochin, quien dijo que el propio gobernador Petit había ofertado hasta 135 francos por el cuadro. Se vendió en Sotheby's por 39.208.000 dólares de los EE.UU. en 2004. [221]
El Centro Cultural Paul Gauguin en Atuona tiene una reconstrucción de la Maison du Jouir . La casa original permaneció vacía durante unos años, la puerta todavía llevaba el dintel tallado de Gauguin. Esta fue finalmente recuperada, cuatro de las cinco piezas que se conservan en el Musée D'Orsay y la quinta en el Museo Paul Gauguin de Tahití. [222]
En 2014, el examen forense de cuatro dientes encontrados en un frasco de vidrio en un pozo cerca de la casa de Gauguin cuestionó la creencia convencional de que Gauguin había padecido sífilis. El examen de ADN estableció que los dientes eran casi con certeza de Gauguin, pero no se encontraron rastros del mercurio que se usaba para tratar la sífilis en ese momento, lo que sugiere que Gauguin no padecía sífilis o que no estaba siendo tratado por ella. [223] [224] En 2007 , los arqueólogos encontraron cuatro molares podridos , que pueden haber sido de Gauguin, en el fondo de un pozo que él construyó en la isla de Hiva Oa, en las Islas Marquese. [225]
Niños
Gauguin sobrevivió a tres de sus hijos; su hija favorita Aline murió de neumonía, su hijo Clovis murió de una infección en la sangre después de una operación de cadera, [226] y una hija, cuyo nacimiento fue retratado en la pintura de Gauguin de 1896 Te tamari no atua , el hijo de la joven amante tahitiana de Gauguin, Pau 'ura, murió pocos días después de su nacimiento el día de Navidad de 1896. [227] Su hijo Émile Gauguin trabajó como ingeniero de construcción en los Estados Unidos y está enterrado en el Cementerio Histórico de Lemon Bay, en Florida. Otro hijo, Jean René , se convirtió en un escultor conocido y un socialista acérrimo. Murió el 21 de abril de 1961 en Copenhague. Pola (Paul Rollon) se convirtió en artista y crítico de arte y escribió un libro de memorias, My Father, Paul Gauguin (1937). Gauguin tuvo varios otros hijos con sus amantes: Germaine (nacida en 1891) con Juliette Huais (1866-1955); Émile Marae a Tai (nacido en 1899) con Pau'ura; y una hija (nacida en 1902) con Mari-Rose. Se especula que la artista belga Germaine Chardon era la hija de Gauguin. Emile Marae a Tai, analfabeto y criado en Tahití por Pau'ura, fue traído a Chicago en 1963 por la periodista francesa Josette Giraud y era un artista por derecho propio, sus descendientes aún vivían en Tahití en 2001. [226] [ 228]
Significado historico
El primitivismo fue un movimiento artístico de pintura y escultura de finales del siglo XIX, caracterizado por proporciones corporales exageradas, tótems de animales, diseños geométricos y fuertes contrastes. El primer artista en utilizar sistemáticamente estos efectos y lograr un gran éxito de público fue Paul Gauguin. [229] La élite cultural europea que descubrió el arte de África, Micronesia y los nativos americanos por primera vez quedó fascinada, intrigada y educada por la novedad, la locura y el poder absoluto encarnado en el arte de esos lugares lejanos. Como Pablo Picasso en los primeros días del siglo XX, Gauguin se inspiró y motivó con el poder puro y la sencillez del llamado arte primitivo de esas culturas extranjeras. [230]
Gauguin también es considerado un pintor postimpresionista . Sus pinturas audaces, coloridas y orientadas al diseño influyeron significativamente en el arte moderno . Los artistas y movimientos de principios del siglo XX inspirados en él incluyen a Vincent van Gogh , Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain , el fauvismo , el cubismo y el orfismo , entre otros. Más tarde influyó en Arthur Frank Mathews y en el movimiento American Arts and Crafts .
John Rewald , reconocido como una de las principales autoridades en el arte de finales del siglo XIX, escribió una serie de libros sobre el período posimpresionista, incluido Postimpresionismo: De Van Gogh a Gauguin (1956) y un ensayo, Paul Gauguin: Cartas a Ambroise. Vollard y André Fontainas (incluidos en Studies in Postimpressionism de Rewald , 1986), analizan los años de Gauguin en Tahití y las luchas de su supervivencia como se ve a través de la correspondencia con el marchante de arte Vollard y otros. [231]
Influencia en Picasso
Las exposiciones retrospectivas póstumas de Gauguin en el Salon d'Automne de París en 1903 y una aún mayor en 1906 tuvieron una impresionante y poderosa influencia en la vanguardia francesa y en particular en las pinturas de Pablo Picasso . En el otoño de 1906, Picasso realizó pinturas de mujeres desnudas de gran tamaño y figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por el arte primitivo . Las pinturas de Picasso de figuras masivas de 1906 fueron influenciadas directamente por la escultura, la pintura y la escritura de Gauguin también. El poder evocado por la obra de Gauguin condujo directamente a Les Demoiselles d'Avignon en 1907. [232]
Según el biógrafo de Gauguin, David Sweetman , Picasso ya en 1902 se convirtió en un fanático de la obra de Gauguin cuando conoció y se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio , en París. Durrio tenía a mano varias de las obras de Gauguin porque era amigo de Gauguin y un agente no remunerado de su trabajo. Durrio trató de ayudar a su amigo pobre en Tahití promocionando su obra en París. Después de conocerse, Durrio le presentó a Picasso el gres de Gauguin, ayudó a Picasso a hacer algunas piezas de cerámica y le dio a Picasso una primera edición La Plume de Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin. [233] Además de ver el trabajo de Gauguin en Durrio's, Picasso también vio el trabajo en la galería de Ambroise Vollard , donde tanto él como Gauguin estuvieron representados.
Con respecto al impacto de Gauguin en Picasso, John Richardson escribió:
La exposición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso más que nunca esclavizado por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares —por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más— podían combinarse en una síntesis que era de su tiempo pero atemporal. Un artista también podría confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, al conectar sus demonios con los dioses oscuros (no necesariamente los de Tahití) y aprovechar una nueva fuente de energía divina. Si en años posteriores Picasso restó importancia a su deuda con Gauguin, no hay duda de que entre 1905 y 1907 sintió un parentesco muy estrecho con este otro Paul, que se enorgullecía de los genes españoles heredados de su abuela peruana. ¿No se había firmado Picasso a sí mismo como 'Paul' en honor a Gauguin? [234]
Tanto David Sweetman como John Richardson señalan la escultura de Gauguin llamada Oviri (que literalmente significa `` salvaje ''), la espantosa figura fálica de la diosa tahitiana de la vida y la muerte que estaba destinada a la tumba de Gauguin, exhibida en la exposición retrospectiva de 1906 que incluso de manera más directa condujo a Les Demoiselles. Sweetman escribe: "La estatua de Gauguin, Oviri, que se exhibió de manera prominente en 1906, fue para estimular el interés de Picasso tanto en la escultura como en la cerámica, mientras que los grabados en madera reforzarían su interés en la impresión, aunque era el elemento primitivo en todos ellos. lo que más condicionó la dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en las seminales Les Demoiselles d'Avignon ". [235]
Según Richardson,
El interés de Picasso por el gres se vio estimulado aún más por los ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin de 1906 en el Salon d'Automne . La más inquietante de esas cerámicas (una que Picasso ya podría haber visto en Vollard's) fue la espantosa Oviri. Hasta 1987, cuando el Musée d'Orsay adquirió esta obra poco conocida (expuesta una sola vez desde 1906) nunca había sido reconocida como la obra maestra que es, y mucho menos reconocida por su relevancia para las obras previas a las Demoiselles. Aunque tiene poco menos de 30 pulgadas de alto, Oviri tiene una presencia impresionante, como corresponde a un monumento destinado a la tumba de Gauguin. Picasso quedó muy impresionado por Oviri. 50 años después, se alegró mucho cuando [Douglas] Cooper y yo le dijimos que habíamos encontrado esta escultura en una colección que también incluía el yeso original de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura ibérica ? El encogimiento de hombros de Picasso fue afirmativo a regañadientes. Siempre fue reacio a admitir el papel de Gauguin en ponerlo en el camino hacia el primitivismo. [236]
Técnica y estilo
La guía artística inicial de Gauguin fue de Pissarro, pero la relación dejó más una marca personal que estilística. Los maestros de Gauguin fueron Giotto , Rafael , Ingres , Eugène Delacroix , Manet , Degas y Cézanne. [237] [66] [72] [238] [239] Sus propias creencias, y en algunos casos la psicología detrás de su trabajo, también fueron influenciadas por el filósofo Arthur Schopenhauer y el poeta Stéphane Mallarmé . [240] [239]
Gauguin, como algunos de sus contemporáneos como Degas y Toulouse-Lautrec, empleó una técnica para pintar sobre lienzo conocida como peinture à l'essence . Para ello, se drena el aceite ( aglutinante ) de la pintura y el lodo restante de pigmento se mezcla con trementina. Es posible que haya utilizado una técnica similar para preparar sus monotipos, utilizando papel en lugar de metal, ya que absorbería el aceite dando a las imágenes finales la apariencia mate que deseaba. [241] También corrigió algunos de sus dibujos existentes con la ayuda de vidrio, copiando una imagen de abajo en la superficie del vidrio con acuarela o gouache para imprimir. Los grabados en madera de Gauguin no fueron menos innovadores, incluso para los artistas de vanguardia responsables del renacimiento del grabado en madera que estaba ocurriendo en ese momento. En lugar de cortar sus bloques con la intención de hacer una ilustración detallada, Gauguin inicialmente cinceló sus bloques de una manera similar a la escultura de madera, seguido de herramientas más finas para crear detalles y tonalidad dentro de sus contornos atrevidos. Muchas de sus herramientas y técnicas se consideraron experimentales. Esta metodología y uso del espacio corría paralela a su pintura de relieves decorativos planos. [242]
Comenzando en Martinica, Gauguin comenzó a usar colores análogos en las proximidades para lograr un efecto apagado. [243] Poco después de esto, también hizo sus avances en el color no representativo, creando lienzos que tenían una existencia independiente y una vitalidad propia. [244] Esta brecha entre la realidad superficial y él mismo disgustó a Pissarro y rápidamente llevó al final de su relación. [245] Sus figuras humanas en este momento también son un recordatorio de su historia de amor con los grabados japoneses, particularmente gravitando hacia la ingenuidad de sus figuras y la austeridad compositiva como una influencia en su manifiesto primitivo. [243] Por esa misma razón, Gauguin también se inspiró en el arte popular . Buscó la pura pureza emocional de sus sujetos transmitida de una manera sencilla, enfatizando las formas principales y las líneas verticales para definir claramente la forma y el contorno. [246] Gauguin también utilizó una decoración formal elaborada y colores en patrones de abstracción, intentando armonizar al hombre y la naturaleza. [247] Sus representaciones de los nativos en su entorno natural son con frecuencia evidentes de serenidad y una sostenibilidad autónoma. [248] Esto complementaba uno de los temas favoritos de Gauguin, que era la intrusión de lo sobrenatural en la vida cotidiana, llegando en un caso a recordar los relieves de las tumbas del antiguo Egipto con Su nombre es Vairaumati y Ta Matete . [249]
En una entrevista con L'Écho de Paris publicada el 15 de marzo de 1895, Gauguin explica que su enfoque táctico en desarrollo es alcanzar la sinestesia . [250] Afirma:
- Cada característica de mis pinturas se considera cuidadosamente y se calcula de antemano. Como en una composición musical, si quieres. Mi objeto simple, que tomo de la vida cotidiana o de la naturaleza, no es más que un pretexto, que me ayuda mediante una disposición definida de líneas y colores a crear sinfonías y armonías. En realidad, no tienen contrapartes en el sentido vulgar de esa palabra; no dan expresión directa a ninguna idea, su único propósito es estimular la imaginación —como lo hace la música sin la ayuda de ideas o imágenes— simplemente por esa misteriosa afinidad que existe entre ciertos arreglos de colores y líneas y nuestra mente. [251]
En una carta de 1888 a Schuffenecker, Gauguin explica el enorme paso que había dado en el impresionismo y que ahora estaba decidido a capturar el alma de la naturaleza, las antiguas verdades y el carácter de sus paisajes y habitantes. Gauguin escribió:
- No copie la naturaleza demasiado literalmente. El arte es una abstracción. Obtenlo de la naturaleza mientras sueñas en presencia de la naturaleza y piensa más en el acto de creación que en el resultado. [252]
Otros medios
Gauguin comenzó a realizar impresiones en 1889, destacadas por una serie de zincografías encargadas por Theo van Gogh conocidas como la Suite Volpini , que también apareció en la muestra Café des Arts de 1889. Gauguin no se vio obstaculizado por su inexperiencia en la impresión, e hizo varios opciones provocativas y poco ortodoxas, como una placa de zinc en lugar de piedra caliza ( litografía ), márgenes amplios y grandes hojas de papel amarillo para carteles. [253] [254] El resultado fue vívido hasta el punto de chillón, pero presagia sus experimentos más elaborados con la impresión en color y la intención de elevar las imágenes monocromáticas. Sus primeras obras maestras de la impresión fueron de la Suite Noa Noa de 1893-1894, donde fue uno de varios artistas que reinventaron la técnica del grabado en madera , llevándola a la era moderna. Comenzó la serie poco después de regresar de Tahití, ansioso por recuperar una posición de liderazgo dentro de la vanguardia y compartir imágenes basadas en su excursión a la Polinesia Francesa. Estos grabados en madera se mostraron en su fallida muestra de 1893 en Paul Durand-Ruel's, y la mayoría estaban directamente relacionadas con pinturas suyas en las que había revisado la composición original. Se volvieron a mostrar en una pequeña muestra en su estudio en 1894, donde obtuvo raros elogios de la crítica por sus excepcionales efectos pictóricos y escultóricos. La preferencia emergente de Gauguin por el grabado en madera no fue solo una extensión natural de sus relieves y esculturas en madera , sino que también pudo haber sido provocada por su importancia histórica para los artesanos medievales y los japoneses. [255]
Gauguin comenzó a hacer monotipos de acuarelas en 1894, probablemente superponiendo sus grabados en madera de Noa Noa , quizás incluso sirviendo como fuente de inspiración para ellos. Sus técnicas siguieron siendo innovadoras y era una técnica adecuada para él, ya que no requería equipos elaborados, como una imprenta. A pesar de ser a menudo una fuente de práctica para pinturas, esculturas o grabados en madera relacionados, su innovación monotípica ofrece una estética claramente etérea; imágenes fantasmales que pueden expresar su deseo de transmitir las verdades inmemoriales de la naturaleza. Su siguiente gran proyecto de xilografía y monotipo no fue hasta 1898–99, conocido como Vollard Suite . Completó esta emprendedora serie de 475 estampas a partir de una veintena de composiciones diferentes y las envió al marchante Ambroise Vollard , a pesar de no ceder a su pedido de obra vendible y conformada. Vollard estaba insatisfecho y no hizo ningún esfuerzo por venderlos. La serie de Gauguin está totalmente unificada con la estética en blanco y negro y puede haber tenido la intención de que las impresiones fueran similares a un conjunto de tarjetas de myriorama , en las que se pueden colocar en cualquier orden para crear múltiples paisajes panorámicos. [256] Esta actividad de ordenar y reorganizar fue similar a su propio proceso de reutilización de sus imágenes y motivos, así como una tendencia al simbolismo . [257] Imprimió la obra en papel japonés fino como un pañuelo y las múltiples pruebas de gris y negro podían colocarse una encima de la otra, mostrando cada transparencia de color para producir un rico efecto de claroscuro . [258]
En 1899 inició su experimento radical: dibujos de transferencia de aceite. Al igual que su técnica de monotipos de acuarela, era un híbrido de dibujo y grabado. Los traslados fueron la gran culminación de su búsqueda de una estética de sugerencia primordial, que parece reflejarse en sus resultados que hacen eco de calcos antiguos, frescos gastados y pinturas rupestres. El progreso técnico de Gauguin desde la monotipificación hasta las transferencias de aceite es bastante notable, avanzando desde pequeños bocetos a hojas ambiciosamente grandes y altamente acabadas. Con estas transferencias, creó profundidad y textura al imprimir varias capas en la misma hoja, comenzando con lápiz de grafito y tinta negra para delinear, antes de pasar al crayón azul para reforzar la línea y agregar sombreado. A menudo completaba la imagen con un lavado de aceituna aceitada o tinta marrón. La práctica consumió a Gauguin hasta su muerte, alimentando su imaginación y concepción de nuevos temas y temas para sus pinturas. Esta colección también se envió a Vollard, quien no quedó impresionado. Gauguin valoraba las transferencias de aceite por la forma en que transformaban la calidad de la línea trazada. Su proceso, de naturaleza casi alquímica, tenía elementos de azar por los que aparecían con regularidad marcas y texturas inesperadas, algo que le fascinaba. Al transformar un dibujo en una impresión, Gauguin tomó la decisión calculada de renunciar a la legibilidad para ganar misterio y abstracción. [259] [260]
Trabajó en madera a lo largo de su carrera, particularmente durante sus períodos más prolíficos, y es conocido por haber logrado resultados radicales en el tallado antes de hacerlo con la pintura. Incluso en sus primeras exposiciones, Gauguin solía incluir esculturas en madera en su exposición, a partir de las cuales construyó su reputación como conocedor de los llamados primitivos. Algunas de sus primeras tallas parecen estar influenciadas por el arte gótico y egipcio . [261] En correspondencia, también afirma su pasión por el arte camboyano y el colorido magistral de la alfombra persa y la alfombra oriental . [262]
Legado
La moda del trabajo de Gauguin comenzó poco después de su muerte. Muchas de sus pinturas posteriores fueron adquiridas por el coleccionista ruso Sergei Shchukin . [263] Una parte sustancial de su colección se exhibe en el Museo Pushkin y el Hermitage . Las pinturas de Gauguin rara vez se ofrecen a la venta, y sus precios alcanzan decenas de millones de dólares estadounidenses en la sala de venta cuando se ofrecen. Su Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás?) De 1892 se convirtió en la tercera obra de arte más cara del mundo cuando su propietaria, la familia de Rudolf Staechelin , la vendió de forma privada por 210 millones de dólares en septiembre de 2014. Se cree que el comprador son los Museos de Qatar. . [264]
- La vida de Gauguin inspiró la novela de W. Somerset Maugham La luna y seis peniques . Mario Vargas Llosa basó su novela de 2003 El camino al paraíso en la vida de Gauguin y la de su abuela Flora Tristan .
- El actor Anthony Quinn interpretó a Gauguin en la película biográfica de Van Gogh Lust for Life de 1956 y ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto por su interpretación. Oscar Isaac interpretó a Gauguin en la película biográfica posterior de Van Gogh At Eternity's Gate . Wladimir Yordanoff interpretó a Gauguin en la película Vincent & Theo de 1990 .
- Gauguin también es objeto de al menos dos óperas: Federico Elizalde 's Paul Gauguin (1943); y Gauguin (una vida sintética) de Michael Smetanin y Alison Croggon . Déodat de Séverac escribió su Elegía para piano en memoria de Gauguin.
- La película de producción danesa Oviri (1986) es una película biográfica. Con Gauguin interpretado por Donald Sutherland , la película sigue al pintor desde que regresa a París en 1893 después de una estadía de dos años en Tahití y debe enfrentarse a su esposa, sus hijos y su ex amante. Termina cuando regresa a Tahití dos años después. Casualmente, el hijo de Sutherland, Kiefer Sutherland, interpretó a un Gauguin más joven en una película menos centrada y mucho menos históricamente precisa Paradise Found (2003). Varias otras películas independientes han explorado diferentes aspectos de la agitada vida de Gauguin.
- Su biografía se muestra en la película francesa de 2017 Gauguin: Voyage to Tahiti retratando su vida durante sus años en Tahití.
El Museo Gauguin de estilo japonés, frente a los Jardines Botánicos de Papeari en Papeari, Tahití, contiene algunas exhibiciones, documentos, fotografías, reproducciones y bocetos originales y grabados en bloque de Gauguin y Tahitianos. En 2003, se inauguró el Centro Cultural Paul Gauguin en Atuona en las Islas Marquesas .
En 2014 se descubrió en Italia el cuadro Fruits on a Table (1889), con un valor estimado de entre 10 y 30 millones de euros (entre 8,3 y 24,8 millones de libras), que había sido robado en Londres en 1970. La pintura, junto con una obra de Pierre Bonnard , había sido comprada por un empleado de Fiat en 1975, en una venta de propiedad perdida en un ferrocarril, por 45.000 liras (alrededor de £ 32). [265]
Galería
Para obtener una lista completa de pinturas de Gauguin, consulte Lista de pinturas de Paul Gauguin .
Naturaleza muerta con frutas y limones (c. 1880)
El porquero, Bretaña (1888)
Les Alyscamps (1888)
Visión después del sermón (Jacob luchando con el ángel) (1888)
Café nocturno en Arles, (Mme Ginoux) (1888)
Naturaleza muerta con xilografía japonesa (1889)
Mujeres tahitianas en la playa (1891)
Tierra encantadora (Te Nave Nave Fenua) (1892)
Arii Matamoe (El final real) (1892)
La luna y la tierra (Hina tefatou) (1893)
Molino de agua en Pont-Aven (1894)
La siesta del mediodía (1894)
Maternidad (1899)
Dos mujeres tahitianas (1899)
Dos mujeres (1901 o 1902)
Autorretratos:
Autorretrato, 1875-1877, Fogg Museum , Cambridge, Massachusetts
Autorretrato, 1885, Museo de Arte Kimbell , Fort Worth, Texas
Autorretrato, 1888, Museo Van Gogh , Amsterdam
Autorretrato con halo y serpiente , 1889, Galería Nacional de Arte , Washington, DC
Cristo en el Huerto de los Olivos (autorretrato de Gauguin) 1889, Norton Museum of Art
Jarra en forma de cabeza, Autorretrato , 1889. Kunstindustrimuseet , Copenhague
Autorretrato, 1889-1890, Musée d'Orsay , París
Autorretrato , 1893, Musée d'Orsay
Autorretrato , c. 1893, Instituto de Artes de Detroit
Autorretrato, 1896, Museo de Arte de São Paulo
Autorretrato (para mi amigo Daniel) , 1896, Musée d'Orsay
Ver también
- Frederick Delius (cliente y amigo)
- Exposición de Paul Gauguin en Les XX, 1889
Notas
- ↑ Describió su colección en una carta a Odilon Redon como "un pequeño mundo de amigos". Incluían la litografía La Mort de Redon,así como fotografías de temas como el friso de un templo en Borobudur y un fresco egipcio de una tumba de la dinastía XVIII en Tebas . [80]
- ↑ No hay evidencia directa de que Gauguin sufriera de sífilis y ninguna de que haya infectado a ninguno de sus amantes, como a veces se afirma. [132]
- ↑ Danielsson (1965, p. 235) señala que el día antes de que su barco llegara a laisla de Nuku Hiva , escenario delcélebre Typee de Herman Melville unos 60 años antes, defendiendo exactamente el tipo de sociedad primitiva que anhelaba Gauguin. Sin embargo, Gauguin aparentemente desconocía el libro de Melville.
- ↑ En su libro de 2008 Revelation of Modernism: Responses to Cultural Crises in Fin-de-Siècle Painting , Albert Boime argumentó que Gauguin fue influenciado por el autor de ocultismo francés Eliphas Levi y desarrolla la tesis de que el primitivismo de Gauguin demostró ser inseparable de sus prejuicios étnicos y en realidad Contribuyó al rechazo antimodernista del modernismo, convirtiéndolo en un arma ideológica de nuevo la democracia. [206] [207]
- ↑ Gloria Groom, en el catálogo de la exposición de la National Gallery of Art de 1988 (p. 387), afirma que a fines de abril el tribunal de Papeete multó a Gauguin con 500 francos y lo condenó a un mes de prisión, citando a Charles Chassé, "Les Démêlés de Gauguin avec les gendarmes et l'évêque des îles Marquises, Mercure de France , 288 (15 de noviembre de 1938), 62–75.
Referencias y fuentes
- Referencias
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- ^ Bowness 1971 , p. 3, su padre, Clovis Gauguin, era un periodista de 34 años, que trabajaba para un periódico liberal que pronto sería suprimido.
- ^ Bowness 1971 , p. 3-4, Como muchos otros intelectuales europeos, Clovis se vio obligado por el fracaso de las revoluciones de 1848 a mirar hacia el nuevo mundo [hemisferio occidental]. No había futuro para un periodista liberal en la Francia de Napoleón III .
- ^ Bowness 1971 , p. 3, ... Thérèse Laisnay, de cuyos antecedentes nada se sabe ... si era una aristócrata o una aventurera, es imposible decir ...
- ^ Bowness 1971 , p. 3, La familia Tristan Moscoso pertenecía a la antigua nobleza aragonesa, y estuvo entre los primeros pobladores españoles en Perú, donde se habían vuelto poderosos y extremadamente ricos.
- ^ Bowness 1971 , p. 3. Se trasladaron a París donde nació Flora en 1803: la relación fue estable, pero Don Mariano murió repentinamente antes de decidirse a casarse con su amante. Esto catapultó a [Thérèse] del lujo a la miseria, y el resto de su miserable vida la pasó abogando por las reclamaciones para ella y su hija.
- ^ Bowness 1971 , p. 3, Seguida por espías de la policía, viajó por Francia dirigiéndose a las reuniones del proletariado urbano al que llamó a unir. Físicamente agotada por tales actividades, se derrumbó y murió en Burdeos en noviembre de 1844, menos de cuatro años antes de la revolución de 1848 a la que había hecho una contribución tan importante.
- ^ Bowness 1971 , p. 3.
- ^ Bowness 1971 , p. 4, ... impresionado con las conexiones sudamericanas de su esposa, decidió emigrar a Perú y comenzar un periódico allí ...
- ^ Bowness 1971 , p. 4,… Aline fue bien recibida por el hermano menor de su abuelo español, Don Pio Tristan Moscoso. Su posición en la sociedad peruana está indicada por el hecho de que, solo unos meses después de la llegada de Aline, el yerno de Don Pío, Echenique, asumió la presidencia del Perú.
- ^ Bowness 1971 , p. 4, Aline y sus dos hijos pequeños se encontraron en un paraíso tropical donde se satisfacían todas las necesidades materiales y se complacían todos los sentidos ... Aline y sus dos hijos fueron atendidos por una niñera negra y un criado chino; y la diversidad racial del Perú fue igualada por una rica extravagancia en la vestimenta y por los edificios pintados de colores brillantes en todas partes de la ciudad.
- ^ Bowness 1971 , p. 4, tengo una memoria visual notable, y recuerdo ese período, nuestra casa y muchos eventos ...
- ^ Bowness 1971 , p. 4,… [C] ue la guerra civil en Perú resultó en que la familia de Don Pio perdiera el poder político. "Y" [Aline regresó] a Francia anticipando la muerte del abuelo Gauguin, la vida con el hermano soltero de Clovis en Orleans, un pequeño legado de los Gauguin y un gran anualidad de Don Pio, que [el clan Tristan Moscoso] impidió que Aline recibiera. Finalmente se estableció como modista en París….
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Con el artista Emile Bernard, Gauguin inventó un método para representar el espacio pictórico que utiliza grandes parches de color plano y línea gruesa; estas técnicas influyeron en los artistas de principios del siglo XX. Las obras de Gauguin incluyen Vision after the Sermon: Jacob Wrestling with the Angel (1888), Mahana no atua (El día de Dios) (1814) y Savage Tales (1902).
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enlaces externos
- Paul Gauguin en el Museo de Arte Moderno
- Gauguin no es solo Genius o Monster, reseña de la exposición del NY Times
- Pinturas, esculturas y obras gráficas de Gauguin en el Instituto de Arte de Chicago
- Obras de Paul Gauguin en Project Gutenberg
- Obras de Paul Gauguin o sobre ellas en Internet Archive
- Los gatos de Gauguin en el arte
- The Private Collection of Edgar Degas , texto completamente digitalizado de las bibliotecas del Museo Metropolitano de Arte (ver ensayo: Degas y Gauguin p. 221-234)
- Paul Gauguin en colecciones públicas estadounidenses, en el sitio web del censo francés de esculturas
- Diarios íntimos de Gauguin, 1936 - en archivo
- Gauguin - A Dangerous Life - documental emitido por BBC Four en diciembre de 2019
- www.Gauguin.org