Get Carter es una película criminal británica de 1971escrita y dirigida por Mike Hodges en su debut como director y protagonizada por Michael Caine , Ian Hendry , Britt Ekland , John Osborne y Bryan Mosley . Basada enla novela de 1970 de Ted Lewis , Jack's Return Home , la película sigue al epónimo Jack Carter (Caine), un gángster londinenseque regresa a su ciudad natal en el noreste de Inglaterra.para enterarse de la supuesta muerte accidental de su hermano. Sospecha de un juego sucio, y con la venganza en su mente, investiga e interroga, recuperando el sentido de la ciudad y su elemento criminal endurecido.
Consigue Carter | |
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Dirigido por | Mike Hodges |
Producido por | Michael Klinger |
Guión por | Mike Hodges |
Residencia en | El regreso de Jack a casa por Ted Lewis |
Protagonizada | Michael Caine Ian Hendry John Osborne Britt Ekland |
Musica por | Roy Budd |
Cinematografía | Wolfgang Suschitzky |
Editado por | John Trumper |
Empresa de producción | |
Distribuido por | Distribuidores MGM-EMI |
Fecha de lanzamiento |
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Tiempo de ejecución | 112 minutos |
País | Reino Unido |
Idioma | inglés |
Presupuesto | 750 000 £ [1] [2] |
El productor Michael Klinger adquirió la novela de Lewis poco después de su publicación e hizo un trato con la enferma Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para financiar y lanzar la película, convirtiendo a Get Carter en el último proyecto aprobado por la división Borehamwood del estudio antes de su cierre. . La producción pasó de la novela a la película terminada en ocho meses, y la fotografía principal se llevó a cabo de julio a septiembre de 1970 en Newcastle upon Tyne , Gateshead y el condado de Durham y sus alrededores . Hodges y Caine tenían la intención de crear una representación más realista de la violencia y el comportamiento delictivo que la que se había visto anteriormente en las películas británicas: Caine, quien también se desempeñó como coproductor no acreditado, incorporó aspectos de conocidos criminales en su caracterización de Carter, mientras que Hodges dirigió investigación sobre el inframundo criminal de Newcastle (en particular, el asesinato del bandido manco ). El director de fotografía Wolfgang Suschitzky también trabajó con Hodges para dar a las escenas una sensación naturalista, basándose en gran medida en sus antecedentes en los documentales .
Get Carter obtuvo una ganancia respetable con su lanzamiento inicial en el Reino Unido. Atrajo críticas mixtas, y los críticos apreciaron a regañadientes los logros técnicos de la película mientras criticaban la compleja trama, la violencia y la amoralidad, en particular la aparente falta de remordimiento de Carter por sus acciones. [1] Los críticos estadounidenses fueron en general más entusiastas, pero la película languideció en el circuito de autocines , mientras que MGM centró sus recursos en producir Hit Man , una adaptación de la novela con temática de blaxploitation .
Después del lanzamiento de su video casero en 1993, Get Carter obtuvo un seguimiento de culto , y el respaldo de directores como Quentin Tarantino y Guy Ritchie llevó a que la película ganara una reevaluación crítica. [3] En 1999, Get Carter ocupó el puesto 16 en el BFI Top 100 películas británicas del siglo XX; cinco años después, una encuesta de críticos de cine británicos en la revista Total Film la eligió como la mejor película británica. [4] En 2000 se lanzó una nueva versión con el mismo título, mal recibida , con Sylvester Stallone interpretando a Jack Carter y Caine en un papel secundario.
Gráfico
El gángster Jack Carter, nacido en Newcastle, ha vivido en Londres durante años al servicio de los jefes del crimen organizado Gerald y Sid Fletcher. Jack está durmiendo con la novia de Gerald, Anna, y planea escapar con ella a Sudamérica , pero primero debe regresar a Newcastle y Gateshead para asistir al funeral de su hermano, Frank, quien murió en un supuesto accidente por conducir ebrio. Insatisfecho con la explicación oficial, Jack investiga por sí mismo. En el funeral, Jack conoce a su sobrina adolescente Doreen y a la evasiva amante de Frank, Margaret.
Jack va al hipódromo de Newcastle en busca de su antiguo conocido Albert Swift para obtener información sobre la muerte de su hermano, pero Swift lo evade. Jack se encuentra con otro antiguo socio, Eric Paice, que se niega a decirle a Jack quién lo está empleando como chofer. Siguiendo a Eric lo lleva a la casa de campo del jefe del crimen Cyril Kinnear. Jack se enfrenta a Kinnear pero aprende poco de él; también conoce a una glamorosa mujer borracha, Glenda. Cuando Jack se va, Eric le advierte sobre las relaciones dañinas entre Kinnear y los Fletchers. De vuelta en la ciudad, Jack es amenazado por secuaces que quieren que se vaya, pero él los rechaza, captura e interroga a uno para averiguar quién quiere que se vaya. Se le da el nombre de "Brumby".
Jack conoce a Cliff Brumby como un hombre de negocios con intereses mayoritarios en las salas de juegos locales junto al mar . Al visitar la casa de Brumby, Jack descubre que el hombre no sabe nada sobre él y, creyendo que ha sido una trampa, se va. A la mañana siguiente llegan dos de los colegas de Jack en Londres, Con McCarthy y Peter the Dutchman, enviados por los Fletcher para llevarlo de regreso, pero él escapa. Jack se encuentra con Margaret para hablar sobre Frank, pero los hombres de los Fletchers lo esperan y lo persiguen. Glenda lo rescata y lo lleva en su auto deportivo a encontrarse con Brumby en el nuevo desarrollo de su restaurante en la parte superior de un estacionamiento de varios pisos . Brumby identifica a Kinnear como el responsable de la muerte de Frank, y también explica que Kinnear está tratando de hacerse cargo de su negocio. Le ofrece a Jack 5.000 libras esterlinas para matar al jefe del crimen, a lo que se niega.
Jack tiene relaciones sexuales con Glenda en su piso, donde encuentra y ve una película pornográfica en la que Doreen se ve obligada a tener relaciones sexuales con Albert. Los otros participantes en la película son Glenda y Margaret. Jack se enfurece y empuja la cabeza de Glenda bajo el agua mientras se baña. Ella le dice que la película era de Kinnear, y que cree que Eric empujó a Doreen a la producción. Forzando a Glenda a entrar en el maletero de su coche, Jack se marcha a buscar a Albert.
Jack localiza a Albert, quien confiesa que le dijo a Brumby que Doreen era la hija de Frank. Brumby le mostró a Frank la película para incitarlo a llamar a la policía sobre Kinnear; Eric y dos de sus hombres arreglaron la muerte de Frank. Información extraída, Jack apuñala fatalmente a Albert. Jack es atacado por los gánsteres de Londres y Eric, quien ha informado a Fletcher del asunto de Jack y Anna. En el tiroteo que siguió, Jack mató a Peter a tiros. Cuando Eric y Con escapan, empujan el auto deportivo al río sin saber que Glenda está en el maletero. Al regresar al estacionamiento, Jack encuentra y golpea a Brumby, antes de arrojarlo a la muerte. Luego, publica la película en la brigada antivicio de Scotland Yard .
Jack secuestra a Margaret a punta de pistola. Telefonea a Kinnear en medio de una fiesta salvaje, le dice que tiene la película y hace un trato para que Kinnear le entregue a Eric a cambio de su silencio. Kinnear está de acuerdo, enviando a Eric a un lugar acordado; sin embargo, posteriormente telefonea a un sicario para deshacerse de Jack. Jack lleva a Margaret a los terrenos de la propiedad de Kinnear, la mata con una inyección fatal y deja su cuerpo allí. Luego llama a la policía para allanar la fiesta de Kinnear.
Jack persigue a Eric por la playa. Obliga a Eric a beber una botella llena de whisky como Eric le había hecho a Frank, luego lo golpea hasta matarlo con su escopeta. Habiendo vengado a su hermano muerto y a la abusada sexualmente Doreen, Jack camina a lo largo de la costa. Cuando va a lanzar su escopeta al mar, es asesinado a tiros desde la distancia por el asesino a sueldo de Kinnear, que había sido un compañero de viaje en el tren de Carter a Newcastle.
Elenco
Hubo presión de MGM para tener más estrellas estadounidenses de renombre en la película, lo que fue resistido con éxito por Hodges. Además de Telly Savalas , los nombres propuestos por Klinger y los ejecutivos del estudio fueron Joan Collins , y alguien a quien Hodges describió como "la actriz principal canadiense en la televisión Peyton Place ", que probablemente sea una referencia a Barbara Parkins . [2] La producción también utilizó una gran cantidad de extras, la mayoría de los cuales eran locales que estaban en escena cuando se estaba filmando. Otros se obtuvieron de la compañía de casting local Beverley Artistes, que envió a todos los inscritos a las audiciones, siendo una de ellas Deana Wilde, quien fue elegida como la cantante de pub. Varios de los actores de la compañía también estaban en tomas de fondo de la película, incluido el casino, las calles, los bares y la escena de la redada policial. [5]
- Michael Caine como Jack Carter. Hodges escribió el guión con Ian Hendry en mente para Carter, pero se enteró de que Michael Klinger ya había contratado a Caine para el papel. [6] Con el respaldo de un importante estudio, Klinger estaba ansioso por conseguir un gran nombre para el protagonista, y Caine era muy prominente en ese momento, habiendo protagonizado Alfie , The Italian Job y The Ipcress File . Hodges se sorprendió de que una estrella de la estatura de Caine quisiera interpretar a una persona tan desagradable como Carter. Dando sus razones para querer estar involucrado en la película, el actor dijo: "Una de las razones por las que quería hacer esa película era mi experiencia. En las películas inglesas, los gánsteres eran estúpidos o divertidos. Quería demostrar que no son ninguno de los dos. . Los gánsteres no son tontos, y ciertamente no son muy divertidos ". [7] Se identificó con Carter como un recuerdo de su educación de clase trabajadora , teniendo amigos y familiares que estuvieron involucrados en el crimen [8] y sintió que Carter representaba un camino que su vida podría haber tomado en diferentes circunstancias: "Carter es el muerto -Fin producto de mi propio entorno, de mi infancia; lo conozco bien. Es el fantasma de Michael Caine ”. [9] Hizo cambios sutiles en la descripción que hizo Hodges de Carter en el guión, eliminó las bromas y le dio un tono frío y duro; más cercano a la visión original de Lewis del personaje. [6] Caine estaba decidido a mostrar una forma de violencia más minimalista y realista, menos "pornográfica" que la que generalmente se mostraba en la pantalla. Las acciones violentas de Carter son moderadas, comerciales y repentinas, nunca usan 30 golpes cuando uno lo haría. [8] Aunque no se le acredita como tal en la película, Caine ha sido reconocido en retrospectiva como coproductor. [10] En una extraña coincidencia, el sustituto de Caine en la película era un hombre llamado Jack Carter. [6]
- Ian Hendry como Eric Paice. Hendry habían sido previamente fundido por el productor Klinger en Roman Polanski 's Repulsión , y fue Hodges primera opción para interpretar a Carter, pero en 1970 su carrera fue disminuyendo rápidamente. El alcoholismo de Hendry [11] y su mala condición física [12] fueron evidentes en el set de Newcastle, y su envidia por el éxito de Caine contemporáneo se vio exacerbada por su forma de beber. Hodges y Caine usaron su animosidad hacia Caine a su favor para crear tensión adicional en las escenas entre Carter y Paice. [13]
- John Osborne como Cyril Kinnear, el principal adversario de Jack. El famoso dramaturgo Osborne fue una elección inusual de actor; fue sugerido por el agente de Hodges. [14] El escritor disfrutó del cambio y lo vio como una forma de borrar la imagen en la mente del público de él como un joven enojado . [11] Osborne nunca antes había jugado juegos de cartas y practicó el póquer antes del rodaje para darle realismo a la escena del juego. La representación de Osborne contrastaba con la descripción en la novela de Lewis de Kinnear como un spiv inculto y corpulento , lo que le daba un comportamiento cortés y relajado, su expresión era tan relajada y tranquila que era difícil de entender para el grabador de sonido , pero Hodges Me gustó la "amenaza en esa tranquilidad". [15]
- Britt Ekland como Anna. Ekland fue elegida como la protagonista de la película, ya que era un símbolo sexual prominente de la época y ya habría sido familiar para el público estadounidense a través de su trabajo en The Night They Raided Minsky's y Stiletto . En consecuencia, su pequeño papel en la película fue exagerado en la publicidad. Ekland tenía miedo de convertirse en encasillado, ya que había jugado dos molls de gángsters ante Carter . [11] También se mostró reacia a participar porque no quería quitarse la ropa; sin embargo, tenía problemas financieros en ese momento como resultado de malas decisiones de inversión por parte de su contador. Más tarde se alegró de haber estado involucrada en el proyecto. [dieciséis]
- Bryan Mosley como Cliff Brumby. Los ejecutivos de MGM inicialmente querían a Telly Savalas para el papel del "gran hombre", pero quedaron impresionados por la actuación del actor de Coronation Street , Mosley, en escenas de lucha en Far from The Madding Crowd . [17] Un devoto católico romano , Mosley estaba preocupado por participar en una película tan violenta con representaciones de comportamiento criminal , consultando a su sacerdote sobre las implicaciones morales. [18]
- George Sewell como Con McCarty. Sewell fue el hombre que presentó a Barbara Windsor a Charlie Kray . Se crió en la clase trabajadora Hoxton y había llegado a actuar tarde cuando en 1959 se unió a Joan Littlewood 's Taller de Teatro . Un rostro muy conocido en la televisión británica en la década de 1960, sus rasgos pulidos con chorro de arena y su mirada furtiva y angustiada lo hicieron ideal para interpretar a personajes malvados o detectives testarudos. Parecía idealmente elegido como un colega gángster londinense de Carter. Después de Carter , Sewell se hizo más conocido por interpretar a policías que a villanos. [11] [19]
- Tony Beckley como Peter the Dutchman. Lewis describió a Peter como un homosexual misógino en su novela; estos elementos no fueron enfatizados en la película, aunque el personaje es extravagante y acampanado . Beckley había desarrollado una especialidad en interpretar a criminales sádicos, por lo que su papel en Carter era algo similar a su papel de "Camp Freddy" junto a Caine en The Italian Job . [14]
- Glynn Edwards como Albert Swift. Al igual que Sewell, Edwards era un aprendiz del Taller de teatro de Joan Littlewood que había llegado a la actuación a los treinta. Anteriormente había aparecido junto a Caine en Zulu y The Ipcress File . Después de la película, Edwards encontró trabajo como actor de personajes y apareció regularmente en el programa de televisión Minder . [20]
- Alun Armstrong como Keith. Este fue el debut de Armstrong en la pantalla. Los temas de Get Carter se hacen eco en cierta medida de los del papel más conocido de Armstrong 25 años después en el drama de la BBC Our Friends in the North . Escribió una carta a MGM cuando se enteró de que estaba haciendo la película en Newcastle, y fue invitado a conocer al director Mike Hodges, quien quería contratar actores locales. [21]
- Bernard Hepton como Thorpe. Hepton, nacido en Bradford, fue elegido por Hodges como el mensajero nervioso de Kinnear.
- Petra Markham como Doreen Carter. Petra Markham era una actriz de teatro con experiencia de 24 años cuando le pidieron que interpretara el papel de la sobrina de Carter, de 16 años. Su aparición en solo cuatro escenas de la película significaba que podía equilibrar el trabajo cinematográfico con aparecer en la Corte Real y su papel en la serie de televisión Albert y Victoria . Luego pasó a interpretar a la desafortunada Rose Chapman en EastEnders . [22]
- Geraldine Moffat como Glenda. Moffatt era una actriz experimentada que se había formado en la Escuela de Teatro Bristol Old Vic . Atrajo la atención de Hodges no solo por su buena apariencia, sino también por su trabajo en las obras de televisión de Alun Owen , Stella y Doreen . [23]
- Dorothy White como Margaret. White tuvo una exitosa carrera como actriz de televisión y era particularmente conocida por Z-Cars , pero el papel de Margaret fue su primer papel cinematográfico acreditado (el único otro fue parte de la película Touch & Go de 1955 ). Anteriormente había trabajado con Mike Hodges en la obra de televisión Suspect . [23]
- Rosemarie Dunham como Edna, la casera de Carter. Aunque había aparecido en The Avengers y A Family at War en la televisión, este fue el debut cinematográfico de Dunham, nacido en Escocia .
- John Bindon como Sid Fletcher. Era hijo de un taxista de Londres que fue "descubierto" por Ken Loach en un pub. Cuando era joven, Bindon había entrado y salido de borstal , y pasó la mayor parte de su vida adulta asociándose con criminales, por lo que estaba idealmente preparado para interpretar a un jefe de la mafia , a pesar de ser joven y tener un conocimiento íntimo de ese mundo. A finales de la década de 1970, su carrera sufrió cuando se vio envuelto en acusaciones de crimen organizado en Fulham y fue absuelto de asesinato en Old Bailey . [24]
- Terence Rigby como Gerald Fletcher, uno de los hermanos capos del crimen de Londres. Rigby fue otro actor elegido por Hodges por su familiaridad con el drama policial televisivo. [25]
Mike Hodges reclutó a una banda de actores de personajes experimentados para interpretar los pequeños papeles secundarios. Godfrey Quigley fue elegido como Eddie, un colega de Frank Carter. Kevin Brennan aparece como Harry, el jugador de cartas. Ben Aris , que interpreta a uno de los arquitectos, había aparecido anteriormente en películas como si ... , The Charge of the Light Brigade y Hamlet . [25]
El personaje de Carl Howard del asesino, "J", solo se identifica por la inicial en su anillo, en su único papel cinematográfico, y un misterio apropiado rodea su identidad real. Su nombre no aparece en los créditos de algunos grabados. Mike Hodges explicó que Howard era un extra en su película de televisión Rumor , y el director le dio una línea para decir, pero otro extra fue acreditado incorrectamente. Hodges prometió que lo compensaría y lo elegiría como Carter , pero su nombre se perdió en algunas de las impresiones originales. Cuando los créditos de la película se imprimieron en Radio Times y TV Times , Howard también fue recortado. Hodges dijo en 2002 que "Carl y los créditos no parecen destinados el uno al otro". [26]
Producción
Desarrollo
A fines de la década de 1960, una relajación en la censura cinematográfica produjo un aumento de películas oscuras e intransigentes, con muchos directores que traspasaron los límites de la aceptabilidad. Get Carter fue una película que exploró esta libertad. [27] El proyecto pasó del concepto a la película terminada en solo 10 meses. [2]
En 1969, el productor Michael Klinger ideó planes para una película de gánsteres para capitalizar el interés público en el inframundo criminal británico después de las condenas de los Kray Twins . Klinger fue invitado a ver una primera copia de El hombre de violencia de Peter Walker (1969) y no quedó impresionado, y le dijo al director: "Voy a hacer una película de gánsteres, pero va a costar mucho más que esto y se va para ser mejor". [28] Después de buscar en muchas editoriales material para adaptarlo a una película, Klinger compró los derechos de la novela de Ted Lewis , Jack's Return Home . Andrew Spicer ha escrito que "él [Klinger] percibió su potencial para imbuir el thriller criminal británico con el realismo y la violencia de sus homólogos estadounidenses". [29]
Klinger fue contactado en 1969 por otro productor, Nat Cohen , para hacer películas para Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). [30] En problemas financieros y cerrando sus operaciones británicas, MGM estaba en proceso de cerrar sus estudios británicos en Borehamwood [31] y estaba buscando hacer películas de menor presupuesto para obtener ganancias. En ese momento, el amigo de Klinger, Robert Littman, había sido nombrado director de MGM Europe, por lo que Klinger le llevó su propuesta. [28] MGM acordó un presupuesto razonable pero inferior al promedio de 750.000 (existe cierta controversia sobre si esta cifra se refiere a dólares o libras) [2] para la producción. [32] A los pocos meses de haber aceptado el acuerdo, MGM se había retirado del Reino Unido. [28] Klinger había visto la película para televisión Suspect (1969) de Mike Hodges e inmediatamente decidió que era el candidato ideal para dirigir su nuevo proyecto. [28] Hodges también había trabajado anteriormente en el programa de actualidad World in Action , el programa artístico Tempo y una serie de televisión infantil de 1968, The Tyrant King , y todas estas experiencias pasadas informaron su enfoque de su debut cinematográfico. [33]
Klinger se puso en contacto con Hodges el 27 de enero de 1970 con una copia de Jack's Return Home y lo contrató [34] para dirigir y adaptar el guión, pagándole una tarifa fija de 7.000 libras esterlinas por sus servicios. [35] El título provisional original de Hodges para la película era El nombre de Carter . [36] Steve Chibnall escribe: "su tratamiento retuvo la estructura esencial de la novela de Lewis con su fuerte impulso narrativo, pero introdujo algunos cambios menores en la caracterización y alteraciones más fundamentales en la narratología ". [36] Como Ted Lewis no había especificado dónde estaba ambientada su novela, Hodges se sintió libre de trasladar la historia [37] a un lugar con el que estuviera familiarizado, considerando Grimsby , Lowestoft , Hull y North Shields [2] antes de decidirse por Newcastle Upon Tyne. Hodges dijo que estaba influenciado en su escritura por las obras de Raymond Chandler y películas de serie B de Hollywood como Kiss Me Deadly , porque mostraban "cómo usar la historia del crimen como una autopsia de los males de la sociedad". [34] Sin embargo, no empleó una técnica tradicional de cine negro de usar una voz en off para exponer los sentimientos internos del personaje. [36] También prescindió de los flashbacks de la juventud de Carter que aparecen en la novela que explora su relación con su hermano Frank, simplificando la trama a una narrativa lineal que abarca un solo fin de semana. Como escribe Chibnall
La consecuencia inmediata fue la pérdida de la comprensión de las motivaciones de Carter que le proporcionaron sus recuerdos de la infancia y sus relaciones con el hermano Frank y el líder de la banda delincuente Albert Swift. También se perdió la historia de fondo de los tratos de Carter con Eric Paice durante su tiempo como gánsteres rivales en Londres, en particular, el trato violento de Eric a la amante de Carter, Audrey (Anna en el guión), cuyo recuerdo alimenta el odio de Carter. [36]
La importancia de la escopeta de dos cañones como arma elegida por Carter (que en la novela simboliza los lazos familiares y los recuerdos de Carter de tiempos más inocentes cazando con su hermano) se perdió en la adaptación cinematográfica.
El asesinato de Carter de Brumby [38] y su propio asesinato fueron más alteraciones de la novela, enfatizando los paralelos de la película con la tragedia de la venganza [36] y el papel de Carter como lo que Geoff Mayer llama "el agente moral [...] un" caballero "forzado para dispensar su propio sentido de la justicia en un mundo corrupto ". [32] Sin embargo, en su comentario en DVD, Hodges insinúa que no veía a Carter como moralmente más justificado que aquellos a los que mata, y su muerte tiene la intención de presentar sus acciones a la audiencia como moralmente fallidas e inútiles: "Quería que ser tratado exactamente de la misma manera que trató con otras personas. Eso es una especie de ética cristiana en cierto modo [...] Ese era un prerrequisito de la película para mí, que el asesino a sueldo debería ir [clic] y eso es todo ". [39]
Preproducción
Los lugares a lo largo de la costa este de Inglaterra habían sido explorados por Hodges y Klinger en la primavera de 1970, para encontrar un paisaje que sugiriera un "fondo duro y privado". [5] Newcastle fue seleccionado después de que la primera elección de Hodge, Hull, resultara inadecuada. [5] [36] Hodges investigó a fondo la escena del crimen local de Newcastle, adaptando el guión para hacer uso de los escenarios e incorporando elementos de su investigación en la historia. [34] Su experiencia en World in Action lo había acostumbrado a hacer películas basadas en una investigación rigurosa y esto informó su acercamiento a Get Carter . [2] [33] Uno de los primeros lugares que atrajo la atención de Hodge fue el estacionamiento de varios pisos de Trinity Square , que dominaba el centro de Gateshead. Para Hodges, el aparcamiento y los puentes de hierro fundido sobre el Tyne "parecían capturar la naturaleza del propio Jack Carter". [37] El aparcamiento simboliza uno de los temas más sutiles de la película, que es la destrucción de un antiguo paisaje urbano y su reconstrucción de acuerdo con el brutalismo moderno . [40] Hodges describió cómo vagando solo a través de la estructura superior, se dio cuenta de cómo los diferentes niveles podrían usarse para revelar al cazador, Carter, y al cazado, Brumby, simultáneamente pero sin ser consciente del otro, lo que aumenta el suspenso. [37] El centro comercial y el aparcamiento se cerraron a principios de 2008 y se demolieron a finales de 2010. [41]
La ubicación de la casa de Cyril Kinnear, Dryderdale Hall, cerca de Hamsterley, Bishop Auckland , proporcionó una conexión de la vida real con el crimen organizado. [44] Era la casa de campo recientemente desocupada del empresario de máquinas de frutas del noreste Vince Landa, que había huido del país en 1969 después del asesinato de su mano derecha Angus Sibbett, el llamado asesinato de un bandido manco . Muchos creían que el crimen era parte de un intento fallido de los gemelos Kray de hacerse con el control del inframundo de Newcastle. [45] Michael Klinger y el portavoz de publicidad de MGM descartaron el uso de la ubicación como mera coincidencia; sin embargo, Hodges era consciente del significado de la casa y la eligió deliberadamente. [34] Steve Chibnall escribe: "Resultó una ubicación perfecta, que infundía [ sic ] autenticidad y estaba llena de detalles útiles, como el papel tapiz de los indios y los vaqueros [...], el escudo africano y las lanzas cruzadas en la pared de la vivienda del señor del crimen". habitación". [46] También se hace referencia al caso Landa al comienzo de la película con una toma de un periódico con el titular "Gaming Wars". [47] También se utilizaron otras ubicaciones en Newcastle y Gateshead, Northumberland y el condado de Durham . [48] [49]
Rodaje
La fotografía principal tuvo lugar en el noreste entre el 17 de julio y el 15 de septiembre de 1970. [26] Hodges favoreció el uso de lentes de larga distancia focal (como había usado anteriormente en Rumor ) en muchas escenas para crear una sensación de documental naturalista, especialmente en la multitud. escenas. [33] La película se rodó en Metrocolor , [10] que era el nombre comercial de MGM para las películas procesadas en su laboratorio Eastmancolor . Este laboratorio de procesado de Kodak 's Negativo Eastman color , por lo que es muy probable que la película se rodó en esta población. [50] [51] Cuando se le pidió que comentara sobre lo que pretendía en el aspecto de la película, el director de fotografía Wolfgang Suschitzky dijo: "El trabajo de cámara en él [...] estuvo muy influenciado por Mike Hodges, que tiene muy buen ojo para las configuraciones y, por supuesto, consultó con su operador y conmigo mismo, pero influyó en todos nosotros, y gran parte de la buena apariencia se debe a él, lo confieso. Mi tarea principal era iluminar el lugar, muy moderadamente, y esperar el momento adecuado. luz del día y ajuste de la exposición en el objetivo ". [52] En la primera semana de rodaje en Newcastle, la ACTT convocó a la tripulación a una huelga de un día. [53] Siguiendo el consejo de Richard Lester , Hodges y su asistente de dirección se alojaron en un hotel separado del resto del elenco y el equipo, lo que le permitió tener un respiro de la producción una vez finalizado el día de rodaje. Klinger estuvo presente en el set durante gran parte del rodaje de la película. Sin embargo, Hodges dijo que encontró muy poca interferencia del productor. En un momento, Klinger y Caine preguntaron si Hodges podría trabajar en una "secuencia de persecución", pero él los persuadió de que haría demasiadas comparaciones con Bullitt [2] (una secuencia de persecución entre Carter y los gánsteres de Londres se menciona en el guión de rodaje ). [54] Hodges intentó ensayar la escena del hipódromo entre Caine y Hendry en su hotel la noche anterior al rodaje, pero "el estado de borrachera y resentimiento de Hendry obligó a Hodges a abandonar [el] intento". [55] Hodges describió a Caine como "un sueño completo con el que trabajar". [56] Caine solo perdió los estribos una vez en el set, durante el día muy tenso y emotivo de filmación en el piso de Glenda, cuando el tirador de enfoque arruinó su primera toma . Caine se disculpó de inmediato. [6]
La escena más complicada de rodar fue el juego de cartas de Kinnear. Hay cuatro conversaciones simultáneas, con mucha exposición de la trama y la introducción de dos personajes importantes, Kinnear y Glenda. La complejidad técnica se vio agravada por la variación en la luz que entraba por las ventanas y la entrega susurrada de Osborne [46] que dificultaba la colocación del micrófono. Hodges acercó la cámara y el brazo a Osborne a medida que avanzaba la escena. [14] Chibnall dice que Hodges lamentó no haber ensayado la escena más a fondo. [46]
Al filmar la escena en la que Carter arroja a Brumby a la muerte desde el estacionamiento de varios pisos, Hodges usó cuatro disparos: uno del par luchando en lo alto de las escaleras; uno desde el nivel más bajo de la escalera donde Caine arrojó a Bryan Moseley por el costado sobre colchones; un disparo de un muñeco cayendo; y uno del cuerpo de Brumby encima de un coche aplastado. [37]
La búsqueda culminante de Carter de Eric utilizó una combinación de dos ubicaciones separadas por 35 millas (56 km): Blyth Staithes y Blackhall Beach cerca de Blackhall Colliery . [57] [58] La escena de la persecución fue filmada al revés, con Hodges filmando la escena de la muerte de Eric primero debido al mal estado de Hendry, a Hodges le preocupaba que se quedara demasiado sin aliento para interpretar la escena de la muerte después de correr. Hodges eligió la playa por su atmósfera sombría y sombría, pero cuando regresó para filmar la escena la encontró bañada por un sol brillante, inadecuado para la conclusión sombría que esperaba. Esperó horas hasta que el sol comenzó a ponerse para capturar la luz nublada en sombras que se ve en la película. [59] La película muestra la playa negra con restos de carbón, arrojados allí por el sistema de transporte de la mina. El transportador, una vista común en la costa este de Durham, se conocía localmente como "El Vuelo". A principios de la década de 2000, se gastaron £ 10 millones en la eliminación de estos transportadores y las torres de hormigón, y en la limpieza de toneladas de residuos de carbón de las playas de East Durham. El programa de limpieza se conocía como "Cambio de rumbo". [60]
Postproducción y música
Klinger fue un productor práctico que permaneció presente durante el rodaje y la postproducción. Sugirió que Hodges usara a John Trumper como editor. Hodges dijo que él y Trumper discutían y estaban en desacuerdo constantemente, pero todavía pensaba que era un "editor brillante, brillante" y estaba "muy agradecido con él por [...] lo mucho que contribuyó". La edición de sonido y el doblaje fueron realizados por Jim Atkinson, a quien Hodges describió como "tan obsesivo con el trabajo". Le dio a Hodges múltiples posibilidades de cómo se podría doblar el sonido y exploró todos los ángulos. A Klinger le preocupaba que el director debut pudiera verse abrumado con demasiadas opciones, pero Hodges dijo que él y Atkinson se llevaban muy bien. [2]
La mayor parte de la música de la película fue compuesta por Roy Budd , un pianista y compositor de jazz, que había trabajado anteriormente en las bandas sonoras de Soldier Blue y Flight of the Doves . Aparte de su partitura, Budd también compuso tres canciones: "Looking For Someone", "Love Is A Four Letter Word" (con letra de Jack Fishman) y "Hallucinations". [10] El tema (también conocido como "Carter toma un tren"), la pieza más conocida de la película, fue interpretado por Budd y los otros miembros de su trío de jazz, Jeff Clyne ( contrabajo ) y Chris Karan ( percusión ), y se registró con un presupuesto de 450 libras esterlinas. Los músicos grabaron la banda sonora en vivo, directo a la imagen, acompañando la película. [61] Para ahorrar tiempo y dinero, Budd no usó sobregrabaciones, tocando simultáneamente un clavecín real , un piano eléctrico Wurlitzer y un piano de cola . [62] [63] Budd describió la experiencia como "incómoda, pero sonaba agradable". La melodía temática presenta los sonidos del viaje en tren del personaje de Londres a Newcastle.
El tema fue lanzado como un sencillo de vinilo de 7 "por Pye Records en 1971, titulado simplemente Carter y respaldado con" Plaything ", otra pieza compuesta para la banda sonora. Las copias originales del disco son muy buscadas por los coleccionistas y se venden por alrededor de £ 100 . [64] las piezas de la banda sonora, incluyendo no utilizados en la película fue originalmente sólo disponible en su totalidad en Japón, donde fue lanzado el Odeon Records . [65] fue lanzado en el Reino Unido en 1998 por el sello Cinephile, una subsidiaria de Castle Communications . En 2012, el tema se incluyó en la compilación de Soul Jazz Records British TV, Film and Library Composers . [66]
La película incluye otra música que no está incluida en la banda sonora del LP. La música que se reproduce en la escena del club nocturno es una versión animada de la melodía de Willie Mitchell de 1969 "30-60-90" interpretada en vivo por Jack Hawkins Showband, que era la banda residente en el club nocturno Oxford Galleries. [67] La cantante de pub, interpretada por Denea Wilde, realiza una versión de How About You? de Burton Lane y Ralph Freed , [10] una canción más asociada con las glamorosas películas de Hollywood que con las trastiendas de los pubs de Newcastle. The Pelaw Hussars, una banda de jazz juvenil local y un grupo de majorette , también aparecen e interpretan dos temas, When The Saints Go Marching In y Auld Lang Syne . [10]
Lanzamiento
El estreno mundial de Get Carter se llevó a cabo en Los Ángeles el 3 de febrero de 1971. [10] La película finalmente se estrenó para su estreno general en el Reino Unido el 10 de marzo de 1971 y en los Estados Unidos el 18 de marzo, donde fue calificada como 'X' por violencia. y desnudez femenina, lo que significa que era solo para adultos. [68] Más tarde fue reclasificado como 'R' , lo que significa que los niños menores de 17 años tenían que estar acompañados por un adulto. [10] Una versión editada censurada fue lanzada en Alemania Occidental el 6 de agosto de 1971, con un tiempo de ejecución nueve minutos más corto que el original. Michael Klinger participó en la promoción de la película en el Reino Unido, utilizando la experiencia de su experiencia como distribuidor para llevar a cabo una sólida campaña publicitaria. Aparecieron carteles teaser de la película en la parte delantera de los autobuses de Londres, con el lema "Caine is Carter". [2]
El cartel quad británico original con ilustraciones de Arnaldo Putzu , al igual que muchos carteles de películas, tiene aspectos o imágenes que difieren de la versión final en pantalla. Se representa a Carter con una chaqueta de flores chillona, a diferencia del impermeable oscuro y el traje de mohair que usa en la película. Cuando se le preguntó en 2006, Putzu no podía recordar su razón artística para pintar la chaqueta floral, pero dijo que estaba pintando muchas flores en diseños en ese momento. [69] Chibnall describe las imágenes del flower power como "lo que parece un intento desesperado y equivocado de sugerir la modernidad de un género que en gran parte había caído en desgracia". [70] Sin embargo, al experto en carteles de películas Sim Branaghan le gustó su excentricidad y dijo que era "ese tipo de extravagancia que no obtendrías en estos días". [69] Jonny Trunk de Trunk Records, un aficionado desde hace mucho tiempo de la película y su historia, ha observado que el patrón floral de la chaqueta de Carter se toma del diseño distintivo de la almohada y la sábana a juego de la cama en la escena en la que Britt Ekland se retuerce. desnudo mientras habla por teléfono con Jack. El cartel también coloca la escopeta de Carter en las manos de Eric y presenta a un hombre y una mujer luchando que parecen pertenecer a una película diferente. [71] Existen tomas promocionales y obras de arte de carteles de la película que muestran a Carter sosteniendo una escopeta de acción de bombeo ; en la película terminada, la única escopeta utilizada por Carter es una escopeta de dos cañones, que Carter encuentra encima del guardarropa de su hermano Frank.
MGM vendió los derechos de distribución de la película en los Estados Unidos a su futura subsidiaria United Artists , que la promocionó mal, en medio de preocupaciones de que el diálogo de cockney en la escena de apertura sería ininteligible para el público estadounidense. El lanzamiento de la película se retrasó mientras que partes de la película se redujeron, sin grandes mejoras. [72] En el proceso de reducción de la apertura, se perdió la versión de la película con el diálogo original. Durante años, la versión mostrada en la televisión británica fue el corte estadounidense rebajado. [72] UA colocó la película en el circuito de autocine en declive , [1] donde se reproducía en la parte inferior de un cartel doble con Dirty Dingus Magee , un vehículo de Frank Sinatra . [73] [74] Michael Klinger se quejó en 1974 al presidente de UA Eric Pleskow sobre la promoción mediocre de Carter , y trató de que renunciara a los derechos estadounidenses de la película para que Klinger pudiera encontrar un mejor distribuidor. [75]
La película no encontró muchos problemas de censura, aunque la escena en la que Carter apuñala a Albert Swift causó preocupación en el censor John Trevelyan . [76] En Sudáfrica, el censor eliminó la escena de sexo telefónico de Britt Ekland, acortando su ya breve papel; su nombre todavía estaba en el cartel, dejando a los espectadores preguntándose por qué se anunciaba que aparecía. [77]
Un resurgimiento del interés público y crítico en la película en la década de 1990 llevó al British Film Institute a lanzar una nueva copia de la película en 1999. Trabajó con Hodges para restaurar la película, y Hodges obtuvo otro conjunto de negativos de la apertura original. que se encontraron en los archivos de la BBC. Luego, el equipo empalmó el segmento inicial en una impresión de alta calidad de la película. [72] La reedición se estrenó en el National Film Theatre [78] y se estrenó en general el 11 de junio de 1999, mostrándose en el Tyneside Cinema en Newcastle. [72]
Medios domésticos
Chibnall ha establecido que la película se proyectó en LWT en 1976 y 1980 "en una versión bowdlerised " (que editó la escena de sexo telefónico de Britt Ekland) [77] y una vez en Westward Television y en Granada en agosto de 1981, pero no se proyectó. a nivel nacional y en su totalidad hasta una transmisión de la BBC posterior al hito en 1986. [79] Finalmente fue lanzado en los medios domésticos en 1993 por MGM / UA como parte de su "Colección Elite". Chibnall dice: "No había publicidad que sugiriera que había ocurrido un evento significativo. Fue simplemente una parte del largo proceso de explotación del catálogo anterior de MGM en el período previo a la Navidad". A pesar de ello, el estreno recibió una crítica de cinco estrellas en Empire , donde fue descrita como "una de las mejores películas británicas de los años 70". Notas Chibnall "No, sin embargo, encontrar un lugar en Empire ' cincuenta vídeos s alto del año". [79]
Warner Bros. reeditó la película en una edición especial en DVD en octubre de 2000 en su relación de aspecto original de 1.85: 1 . Los extras incluyen tres remolques; el tráiler internacional, una introducción de Michael Caine a la gente de Newcastle, y un tercero con Roy Budd interpretando el tema de apertura. Este formato también se utilizó en un conjunto de VHS de 2001 lanzado por Warner, que incluía Bullit y Shaft . También se incluyeron en el DVD comentarios de Caine, Hodges y Suschitzky, construidos a partir de entrevistas separadas con los tres. La banda sonora se presentó en 1.0 mono Dolby Digital . [80]
La película se incluyó en el DVD de 2008 "Movies That Matter - 70's Classics" con Deliverance y Dog Day Afternoon . [81] Está disponible en Warner Archive Collection como un DVD-R Made on Demand (MOD) o una descarga, con los mismos extras que la versión 2000, aunque con sólo dos avances y esta vez en una proporción de 16: 9 . [82]
Get Carter fue lanzado en Blu-ray Disc por Warner el 22 de abril de 2014; esta versión incluye los mismos extras que la edición especial del DVD, pero debido a un error de fabricación, las copias estadounidenses del disco utilizan la versión doblada estadounidense de la secuencia de apertura en lugar del audio original. Este cambio se trasladó a las ediciones británicas iniciales del disco, pero luego se revirtió debido a la reacción del público; Las ediciones británicas posteriores vendidas por medios como Amazon UK incluyen la pista de audio original. [83]
Recepción
respuesta crítica
Al describir la respuesta crítica inicial a la película, Steve Chibnall escribió "La difamación o indiferencia crítica inicial establece las condiciones en las que un culto puede florecer. Get Carter tuvo que conformarse con la ambivalencia". [84] Pensó que la postura general de los críticos británicos "era admirar el poder y el profesionalismo de la película mientras condenaba su amoralidad y violencia excesiva". [85] Geoff Mayer observó que "los críticos de la corriente principal en ese momento estaban consternados por la compleja trama de la película y la falta de remordimiento de Carter". [86] En Sight and Sound , Tom Milne dijo que la película estaba bien construida y tenía una buena caracterización, pero carecía del misterio y el carisma de las anteriores películas policiales estadounidenses que intentó emular. Encontró que las motivaciones de Carter eran inconsistentes, ya sea siendo un ángel vengador o un "auténtico antihéroe post-permisivo, deleitándose con el sadismo casual". [87] [88] En contraste, Nigel Andrews encontró que los personajes eran arquetipos clichés del inframundo criminal, como el "chófer homosexual, magnate hinchado, amante glamorosa", describiendo la película como "superficial". [89] Richard Weaver en Films and Filming elogió el realismo de la película, describiéndola como "crimen en su forma más flagrante", [87] [90] mientras que George Melly escribiendo en The Observer confesó haber disfrutado indirectamente de ella, pero lo admitió era "como una botella de ginebra pura tragada antes del desayuno. Es embriagador, está bien, pero no te servirá de nada". [91]
Steve Chibnall escribe que "Estados Unidos estaba bastante más acostumbrado a la narración dura" y que los críticos estaban "más preparados que la crítica británica para tratar a Get Carter como un trabajo serio", [92] Pauline Kael admirando su "calculada falta de alma" [93 ] y preguntándose si señalaba un "nuevo género de perversidad virtuosa". [94] La publicación estadounidense Box Office dio una revisión de aprobación cautelosa, describiendo la película como "desagradable, violenta y sexy a la vez". Predijo que "Debería complacer en el mercado de la acción, pero no le ganará ningún laurel a Caine, aunque su interpretación del antihéroe vicioso impresiona". [95] El revisor también opinó que "Una edición más ajustada ayudaría considerablemente". Roger Ebert fue menos reservado en sus elogios, escribiendo que "la película tiene un toque seguro". Señaló el "detalle proletario" de la película, que es "inusual en una película de detectives británica. Por lo general, obtenemos todo flash y nada de humanidad, muchos trucos de cámara sofisticados, pero ningún sentimiento por los estratos criminales de la sociedad". [96] Sobre la actuación de Caine escribió: "El personaje creado por Caine es particularmente interesante. Es duro y despiadado, pero muy callado y cargado de una terrible ironía". Judith Crist, de la revista New York , dio una crítica entusiasta, diciendo "Michael Caine es magnífico, suave y sexy" y describiendo la película como "un zinger duro, mezquino y satisfactorio de la vieja escuela hard-tec hecha en términos francos y contemporáneos". [97] Variety también elogió la película, diciendo que "no solo mantiene el interés, sino que transmite con un arte, moderación y claridad poco comunes los muchos giros brutales, sórdidos y jugosos de la trama". [98] Sin embargo, Jay Cocks escribiendo en Time fue despectivo, calificando la película como "un negocio obstinadamente desagradable" y comparándola desfavorablemente con Point Blank . [99] La película apareció en varias listas de críticos estadounidenses de las mejores películas del año. [75]
En el obituario de Michael Klinger de The Guardian en 1989, Derek Malcolm recordaba la película como "uno de los thrillers británicos más formidables de su tiempo". [100]
En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 84% según 32 reseñas. [101] En 2003 Steve Chibnall observó un gran desequilibrio de género en la votación de la película hasta abril de 2002, con menos del 6% de los votos emitidos (donde los votantes dieron su género) por mujeres (53 de 947). También notó un aumento sustancial de mujeres que votaron por la película en los ocho meses previos a abril de 2002 [85].
Taquilla
Get Carter fue un éxito financiero y, según Steve Chibnall, su recaudación de taquilla fue "muy respetable". En su primera semana en el cine ABC2 en Shaftesbury Avenue , Londres, rompió el récord de la casa, llevándose 8.188 libras esterlinas. Superó a Up Pompeii , que se mostraba en el ABC1 más grande. También tuvo un gran rendimiento cuando se trasladó a ABC en Edgware y Fulham Road . Sobre su estreno general en el norte de Inglaterra, Chibnall señala que tuvo una "primera semana muy fuerte", antes de que una ola de calor fuera de temporada dañara la asistencia al cine. Chibnall escribe que "Curiosamente, aunque ahora se piensa que el tono deprimente y poco sentimental [de la película] expresa el estado de ánimo de su época, el público del cine de masas prefirió Love Story (Arthur Hiller 1970), que siguió siendo la película más popular en Gran Bretaña en Get Carter ' s operar". [92] Fue la sexta película de "estreno general" más popular en la taquilla británica en 1971. [102]
Reconocimientos
En el momento de su estreno, el único reconocimiento que recibió la película fue una nominación a los premios BAFTA de 1972 para Ian Hendry como Mejor Actor de Reparto . [86] En 1999, Get Carter ocupó el puesto 16 en el BFI Top 100 películas británicas del siglo XX; cinco años después, una encuesta de críticos de cine británicos en la revista Total Film la eligió como la mejor película británica de todos los tiempos. [4] En 2008, la película se colocó en el 225 de Empire ' 500 mejores películas de la lista de todos los tiempos, que fue seleccionada por más de 10.000 s Empire lectores, 150 directores de cine y 50 críticos de cine. [103] En octubre de 2010, los críticos del periódico The Guardian colocaron la película en su lista de "Mejores películas de todos los tiempos", colocándola en el número 7 de las 25 mejores películas sobre crímenes. [104] En la encuesta adjunta realizada entre los lectores de The Guardian , se votó en quinto lugar. [105] En 2011, Time Out London colocó a la película en el puesto 32 de su lista de las 100 mejores películas británicas , que fue seleccionada por un panel de 150 expertos de la industria cinematográfica. [106]
Remakes
Otra película basada en el libro de Lewis, Hit Man , dirigida por George Armitage y protagonizada por Bernie Casey y Pam Grier , [1] se estrenó en 1972, tomando algunos detalles y tratamientos de la trama, como un francotirador que dispara a Carter en una playa rocosa, de Película de Hodges. [107]
Warner Bros., que posee los derechos de la biblioteca MGM anterior a 1986, produjo una nueva versión de Get Carter en 2000 con el mismo título , con Sylvester Stallone como Jack Carter. Al igual que con Hit Man , la película acreditó a Jack's Return Home de Ted Lewis como su fuente, no a la película de Hodges, y nuevamente contiene escenas que se tomaron directamente del original, como el viaje en tren de apertura. [108] Michael Caine aparece como Cliff Brumby en lo que Elvis Mitchell describió como "un papel que aumentará el respeto por el original", especulando que "tal vez esa era su intención". [108] Mickey Rourke interpreta al villano Cyrus Paice. El remake fue comparado desfavorablemente con el original por la mayoría de los revisores. [109] [110] La opinión de consenso de los críticos de Rotten Tomatoes fue que se trataba de "una nueva versión que no se acerca al estándar del original, Get Carter probablemente dejará a los espectadores confundidos e insatisfechos. Además, las críticas son mixtas sobre la actuación de Stallone ". [111] Fue tan mal recibido en su estreno en Estados Unidos que Warner Bros. decidió no darle un estreno en cines en el Reino Unido, anticipando que la película sería atacada salvajemente por críticos y fanáticos británicos. [112] Elvis Mitchell en The New York Times escribió "está tan mínimamente tramado que no solo carece de subtexto o contexto, sino que también puede ser la primera película del mundo sin siquiera un texto ". [108] Mike Hodges dijo en 2003 que todavía no había visto el remake, pero un amigo le informó que era "indescriptible". Su hijo le trajo un DVD de la película de Hong Kong e intentó verlo, pero el formato de la región era incompatible "así que lo tiramos a la basura". [35] La película fue votada como el peor remake de todos los tiempos en 2004 por los usuarios del sitio web británico de alquiler de DVD ScreenSelect (precursor de Lovefilm ). [113]
Legado
Tom Cox escribe que muchos cineastas británicos "le han robado a Hodges sin igualar la patada fría y realista" de Carter . [56] Películas como The Long Good Friday , Face and Lock, Stock y Two Smoking Barrels toman prestados del plano de Carter . La película de Steven Soderbergh de 1999 The Limey es un homenaje a Carter y otras películas de gánsteres británicos, y contiene elementos de la trama y temas similares de venganza, familia y corrupción. Soderbergh dijo que imaginó The Limey como " Get Carter hecho por Alain Resnais ". [114] La película de Shane Meadows , Dead Man's Shoes, también ha sido comparada con Get Carter , siendo igualmente una historia de gángsters de venganza ambientada en una ciudad inglesa de provincias. [115] [116] Los largometrajes detrás de escena que acompañan a los DVD de Life on Mars citan repetidamente a Get Carter . Los diseñadores de escenarios y los dueños de propiedades de la serie afirman que, si bien la audiencia y los críticos pueden comparar la serie con The Sweeney , Get Carter fue su guía visual y la fuente del aspecto de la serie.
La música de la película también disfrutó de su propio resurgimiento en popularidad, ya que aprovechó el interés de los noventa por las bandas sonoras de películas antiguas. Portishead 's Adrian Utley explicó que se encontraron con la música a Get Carter inspirador como 'se realiza de forma rápida y barata con sólo unos pocos instrumentos, y tuvo que ser intensamente creativa para disimular sus limitaciones'. [61] El álbum Dare de Human League contiene una pista que cubre el tema Get Carter , aunque fue solo una versión del leit motiv que abre y cierra la película en contraposición a la pieza de jazz que acompaña al viaje en tren. Stereolab también cubre el tema de Roy Budd en su álbum Aluminium Tunes , aunque llaman a su versión "Get Carter", en contraposición a su propio título, "Main Theme (Carter Takes A Train)". Esta versión de Stereolab se utilizó posteriormente como muestra en la canción "Got Carter" de 76. La banda de rock finlandesa Laika & the Cosmonauts cubren el tema de la película en su álbum de 1995 The Amazing Colossal Band . BB Davis y el Orchidstra Rojo lanzó una versión del tema del título de la película en 1999. Jah Wobble produjo un doblaje versión de la melodía del tema en 2009. [117] [118] Wobble habían sido durante mucho tiempo un fan de la línea de bajo de la pista, diciendo en una entrevista de 2004 con The Independent que "Hay algunas líneas de bajo que contienen todo el misterio de la creación dentro de ellas". [119]
Ver también
- BFI Top 100 películas británicas
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Hodges: "El hombre de sonido se me acerca y me dice:" John está demasiado callado ". Y yo dije:" Ha venido a mí así y así es como lo quiero ". Así que si miras esa escena, me acerco cada vez más. con la cámara para capturar esa tranquilidad. John fue genial, había mucha amenaza en esa tranquilidad. Se convirtió en un gran villano ".
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Después de leer el guión, el sacerdote regresó con su conclusión; "¡Me quedé bastante asombrado cuando dijo que era una obra de moral bastante buena ! El tono de la pieza, aunque violento, no toleraba tales acciones, de hecho incluso las condenaba. Me sentí aliviado y en paz con la decisión de seguir adelante".
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Este es un arreglo del tema de Roy Budd de la película de gángsters británica de 1971, arreglado para la orquesta Chinese Dub de Wobble. Esta es una Gran Bretaña moderna, muy alejada del monocromo de Mike Hodges, donde las tablas suenan como tranvías y los graves profundos de Wobble retumban debajo, mientras que la melodía se lleva a cabo en serengi.
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- Bibliografía
- Steve Chibnall: Consigue a Carter . Guías de cine británico n. ° 6. IB Tauro, 2003, ISBN 978-1-86064-910-3 .
Otras lecturas
- Steve Chibnall y Robert Murphy: British Crime Cinema , Routledge, 1999, ISBN 978-0-415-16870-0
- Steven Paul Davies: Get Carter y más allá: El cine de Mike Hodges , Batsford, 2003, ISBN 0-7134-8790-9
- Douglas Keesey: Neo-Noir: Cine negro contemporáneo de Chinatown a The Dark Knight Kamera Books, 2010, ISBN 978-1-84243-311-9
enlaces externos
- Obtenga Carter en el catálogo de largometrajes de AFI
- Consigue Carter en AllMovie
- Obtenga Carter en IMDb