Lo que el viento se llevó (película)

Película de 1939 de Victor Fleming

Lo que el viento se llevó
Póster de prelanzamiento teatral
Dirigido por	Victor Fleming
Producido por	David O. Selznick
Guión por	Sidney Howard
Residencia en	Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell
Protagonizada	Clark Gable Vivien Leigh Leslie Howard Olivia de Havilland
Musica por	Max Steiner
Cinematografía	Ernest Haller
Editado por	Hal C. Kern James E. Newcom
producción empresas	Fotos de Selznick International Metro Goldwyn Mayer
Distribuido por	Loew's Inc. [1] [nb 1]
Fecha de lanzamiento	15 de diciembre de 1939 ( estreno en Atlanta ) ( 15/12/1939 )
Tiempo de ejecución	221 minutos 234-238 minutos (con obertura , intermedio , entrada y salida de música)
País	Estados Unidos
Idioma	inglés
Presupuesto	$ 3,85 millones
Taquilla	> $ 390 millones

Lo que el viento se llevó es una película romántica histórica épica estadounidense de 1939adaptada de la novela de 1936 de Margaret Mitchell . La película fue producida por David O. Selznick de Selznick International Pictures y dirigida por Victor Fleming . Ambientada en el sur de Estados Unidos con el telón de fondo de la Guerra Civil estadounidense y la era de la Reconstrucción , la película cuenta la historia de Scarlett O'Hara , la decidida hija de un propietario de una plantación de Georgia. Sigue su búsqueda romántica de Ashley Wilkes , que está casada con su prima, Melanie Hamilton y su posterior matrimonio con Rhett Butler . Los papeles principales son interpretados por Vivien Leigh (Scarlett), Clark Gable (Rhett), Leslie Howard (Ashley) y Olivia de Havilland (Melanie).

La producción fue difícil desde el principio. La filmación se retrasó dos años debido a la determinación de Selznick de asegurar a Gable para el papel de Rhett Butler, y la "búsqueda de Scarlett" llevó a 1.400 mujeres a ser entrevistadas para el papel. El guión original fue escrito por Sidney Howard y fue objeto de muchas revisiones por parte de varios escritores en un intento de reducirlo a una extensión adecuada. El director original, George Cukor , fue despedido poco después de que comenzara la filmación y fue reemplazado por Fleming, quien a su vez fue reemplazado brevemente por Sam Wood mientras Fleming se tomó un tiempo libre debido al agotamiento .

La película recibió críticas positivas tras su lanzamiento en diciembre de 1939, aunque algunos críticos encontraron que era demasiado larga. El reparto fue ampliamente elogiado y muchos críticos encontraron a Leigh especialmente adecuada para su papel de Scarlett. En la duodécima entrega de los Premios de la Academia , recibió diez Premios de la Academia (ocho competitivos, dos honorarios) de trece nominaciones, incluyendo premios a Mejor Película , Mejor Director (Fleming), Mejor Guión Adaptado (otorgado póstumamente a Sidney Howard), Mejor Actriz (Leigh). y Mejor Actriz de Reparto ( Hattie McDaniel, convirtiéndose en el primer afroamericano en ganar un Oscar). Estableció récords para el número total de premios y nominaciones en ese momento.

Lo que el viento se llevó fue inmensamente popular cuando se lanzó por primera vez. Se convirtió en la película más rentable realizada hasta ese momento y mantuvo el récord durante más de un cuarto de siglo. Cuando se ajusta a la inflación monetaria , sigue siendo la película más taquillera de la historia . Fue relanzado periódicamente a lo largo del siglo XX y se arraigó en la cultura popular. Aunque la película ha sido criticada como un negacionismo histórico que glorifica la esclavitud, se le atribuye haber provocado cambios en la forma en que los afroamericanos son representados cinematográficamente. La película está considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos ; se ha colocado en el top ten del American Film Institutelista de las 100 mejores películas estadounidenses desde su creación en 1998 . En 1989, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos lo seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Películas .

Trama

Scarlett y Rhett en el baile benéfico

En 1861, en vísperas de la Guerra Civil estadounidense , Scarlett O'Hara vive en Tara , la plantación de algodón de su familia en Georgia , con sus padres, dos hermanas y sus numerosos esclavos. Scarlett se entera de que su enamorado secreto Ashley Wilkes se casará con su prima , Melanie Hamilton . En una fiesta de compromiso al día siguiente en la casa de Ashley, la plantación cercana Twelve Oaks , Scarlett avanza hacia Ashley pero es rechazada; en cambio, llama la atención de otro invitado, Rhett Butler. La barbacoa se ve interrumpida por la noticia de la declaración de guerra y los hombres se apresuran a alistarse. En un intento por despertar los celos en Ashley, Scarlett se casa con el hermano menor de Melanie, Charles, antes de que él se vaya a pelear. Después de la muerte de Charles mientras servía en el Ejército de los Estados Confederados , la madre de Scarlett la envía a la casa de los Hamilton en Atlanta , donde crea una escena asistiendo a un bazar de caridad con su atuendo de luto y bailando un vals con Rhett, ahora un corredor de bloqueo de la Confederación .

La marea de la guerra se vuelve contra la Confederación después de la Batalla de Gettysburg , en la que muchos de los hombres de la ciudad de Scarlett mueren. Ocho meses después, mientras la ciudad es asediada por el Ejército de la Unión en la Campaña de Atlanta , Melanie da a luz con la ayuda de Scarlett y Rhett les ayuda a huir de la ciudad. Una vez fuera de la ciudad, Rhett decide irse a luchar, dejando que Scarlett regrese por su cuenta a Tara. A su regreso a casa, Scarlett encuentra a Tara abandonada, a excepción de su padre, sus hermanas y los antiguos esclavos Mammy y Pork. Scarlett se entera de que su madre acaba de morir de fiebre tifoideay su padre se ha vuelto loco. Con Tara saqueada por las tropas de la Unión y los campos desatendidos, Scarlett promete garantizar la supervivencia de ella y de su familia.

Mientras los O'Hara trabajan en los campos de algodón, el padre de Scarlett intenta ahuyentar a un mocoso de su tierra, pero es arrojado de su caballo y asesinado. Con la derrota de la Confederación, Ashley también regresa, pero descubre que es de poca ayuda en Tara. Cuando Scarlett le ruega que se escape con ella, él confiesa su deseo por ella y la besa apasionadamente, pero le dice que no puede dejar a Melanie. Incapaz de pagar los impuestos reconstruccionistas impuestos a Tara, Scarlett engaña al prometido de su hermana menor Suellen, el dueño de una tienda general adinerada y de mediana edad Frank Kennedy, para que se case con ella, diciendo que Suellen se cansó de esperar y se casó con otro pretendiente. Frank, Ashley, Rhett y varios otros cómplices hacen una redada nocturna en un barrio de chabolas.después de que Scarlett es atacada mientras conducía sola, resultando en la muerte de Frank. Poco después del funeral de Frank, Rhett le propone matrimonio a Scarlett y ella acepta.

Rhett y Scarlett tienen una hija a quien Rhett llama Bonnie Blue, pero Scarlett todavía suspira por Ashley y, disgustada por la ruina percibida de su figura, se niega a tener más hijos o compartir la cama con Rhett. Un día en el molino de Frank, Scarlett y Ashley son vistas abrazándose por la hermana de Ashley, India. Con una intensa aversión por Scarlett, India difunde rumores con entusiasmo. Más tarde esa noche, Rhett, habiendo escuchado los rumores, obliga a Scarlett a asistir a una fiesta de cumpleaños para Ashley. Melanie, sin embargo, apoya a Scarlett. Después de regresar a casa de la fiesta, Scarlett encuentra a Rhett borracho abajo, y discuten sobre Ashley. Rhett besa a Scarlett contra su voluntad y la viola .

Al día siguiente, Rhett se disculpa por su comportamiento y le ofrece a Scarlett el divorcio, que ella rechaza, diciendo que sería una vergüenza. Cuando Rhett regresa de un viaje prolongado a Londres, Scarlett le informa que está embarazada, pero se produce una discusión que hace que se caiga por un tramo de escaleras y sufra un aborto espontáneo.. Mientras se recupera, la tragedia golpea cuando Bonnie muere mientras intenta saltar una cerca con su pony. Scarlett y Rhett visitan a Melanie, quien ha sufrido complicaciones derivadas de un nuevo embarazo, en su lecho de muerte. Mientras Scarlett consuela a Ashley, Rhett se prepara para irse de Atlanta. Al darse cuenta de que era a él a quien amaba de verdad desde el principio, y no a Ashley, Scarlett le ruega a Rhett que se quede, pero él la rechaza y se aleja hacia la niebla de la mañana. Scarlett, angustiada, regresa a casa con Tara, prometiendo recuperar a Rhett algún día.

Transmitir

Plantación de tara

• Thomas Mitchell como Gerald O'Hara
• Barbara O'Neil como Ellen O'Hara (su esposa)
• Vivien Leigh como Scarlett O'Hara (hija)
• Evelyn Keyes como Suellen O'Hara (hija)
• Ann Rutherford como Carreen O'Hara (hija)
• George Reeves como Brent Tarleton (en realidad como Stuart) ^{[nb 2]}
• Fred Crane como Stuart Tarleton (en realidad como Brent) ^{[nb 2]}
• Hattie McDaniel como Mammy (sirvienta de la casa)
• Oscar Polk como Pork (sirviente de la casa)
• Butterfly McQueen como Prissy (sirvienta de la casa)
• Victor Jory como Jonas Wilkerson (supervisor de campo)
• Everett Brown como Big Sam (capataz de campo)

En doce robles

• Howard Hickman como John Wilkes
• Alicia Rhett como India Wilkes (su hija)
• Leslie Howard como Ashley Wilkes (su hijo)
• Olivia de Havilland como Melanie Hamilton (su prima)
• Rand Brooks como Charles Hamilton (hermano de Melanie)
• Carroll Nye como Frank Kennedy (invitado)
• Clark Gable como Rhett Butler (un visitante de Charleston)

En atlanta

• Laura Hope Crews como la tía Pittypat Hamilton
• Eddie Anderson como el tío Peter (su cochero)
• Harry Davenport como el Dr. Meade
• Leona Roberts como la Sra. Meade
• Jane Darwell como la Sra. Merriwether
• Ona Munson como Belle Watling

Funciones secundarias menores

• Paul Hurst como el desertor yanqui
• Cammie King como Bonnie Blue Butler
• JM Kerrigan como Johnny Gallagher
• Jackie Moran como Phil Meade
• Lillian Kemble-Cooper como enfermera de Bonnie en Londres
• Marcella Martin como Cathleen Calvert
• Mickey Kuhn como Beau Wilkes
• Irving Bacon como el cabo
• William Bakewell como el oficial montado
• Isabel Jewell como Emmy Slattery
• Eric Linden como el caso de amputación
• Ward Bond como Tom, el capitán de los Yankees
• Cliff Edwards como el soldado reminiscente
• Yakima Canutt como el renegado
• Louis Jean Heydt como el soldado hambriento que sostiene a Beau Wilkes
• Olin Howland como el empresario de alfombras
• Robert Elliott como el mayor de los Yankees
• Mary Anderson como Maybelle Merriwether

Tras la muerte de Olivia de Havilland, quien interpretó a Melanie Hamilton, en julio de 2020 a la edad de 104 años, el único miembro del reparto acreditado superviviente de la película es Mickey Kuhn, quien interpretó al hijo de Ashley y Melanie, Beau. ^{[3] [4]}

Producción

Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood se negaron a crear una película basada en ella, incluidos Louis B. Mayer e Irving Thalberg en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman en RKO Pictures y David O.Selznick de Imágenes de Selznick International . A Jack L. Warner de Warner Bros le gustó la historia, pero su estrella más grande Bette Davis no estaba interesada, y Darryl Zanuck de 20th Century-Fox no había ofrecido suficiente dinero. Sin embargo, Selznick cambió de opinión después de que su editor de historia Kay Browny su socio comercial John Hay Whitney lo instaron a comprar los derechos de la película. En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick compró los derechos por 50.000 dólares. ^{[5] [6] [7]}

Casting

Foto publicitaria de Clark Gable y Vivien Leigh como Rhett y Scarlett

El casting de los dos papeles principales se convirtió en un esfuerzo complejo de dos años. Para el papel de Rhett Butler, Selznick quería a Clark Gable desde el principio, pero Gable tenía un contrato con MGM, que nunca lo prestó a otros estudios. ^[5] Se consideró a Gary Cooper , pero Samuel Goldwyn —con quien Cooper tenía contrato— se negó a prestarlo. ^[8] Warner ofreció un paquete de Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de Havilland para papeles principales a cambio de los derechos de distribución. ^[9]En ese momento, Selznick estaba decidido a conseguir Gable y, en agosto de 1938, finalmente llegó a un acuerdo con su suegro, el jefe de MGM Louis B. Mayer: MGM proporcionaría a Gable y $ 1,250,000 por la mitad del presupuesto de la película, y a cambio Selznick tendría que pagar el salario semanal de Gable; la mitad de las ganancias se destinarían a MGM, mientras que Loew's, Inc , la empresa matriz de MGM , lanzaría la película. ^{[5] [8]}

El acuerdo para lanzar a través de MGM significó retrasar el inicio de la producción hasta finales de 1938, cuando concluyó el acuerdo de distribución de Selznick con United Artists . ^[8] Selznick aprovechó la demora para continuar revisando el guión y, lo que es más importante, generar publicidad para la película buscando el papel de Scarlett . Selznick inició un casting a nivel nacional que entrevistó a 1.400 desconocidos. El esfuerzo costó $ 100,000 y resultó inútil para el objetivo principal de interpretar el papel, pero generó una publicidad "invaluable". ^{[5] Los} primeros favoritos incluyeron a Miriam Hopkins y Tallulah Bankhead., que Selznick consideró como posibilidades antes de la compra de los derechos cinematográficos; Joan Crawford , quien firmó con MGM, también fue considerada como una pareja potencial con Gable. Después de que se llegó a un acuerdo con MGM, Selznick mantuvo conversaciones con Norma Shearer, quien era la estrella femenina más importante de MGM en ese momento, pero se apartó de la consideración. Katharine Hepburn presionó mucho para el papel con el apoyo de su amigo, George Cukor, quien había sido contratado para dirigir, pero Selznick la vetó porque sintió que no era adecuada para el papel. ^{[8] [9] [10]}

Se tuvo en cuenta a muchas actrices famosas (o que pronto serán famosas), pero solo se hicieron pruebas de pantalla para Scarlett en treinta y una mujeres, incluidas Ardis Ankerson , Jean Arthur , Tallulah Bankhead , Diana Barrymore , Joan Bennett , Nancy Coleman , Frances Dee , Ellen Drew (como Terry Ray), Paulette Goddard , Susan Hayward (bajo su nombre real de Edythe Marrenner), Vivien Leigh , Anita Louise , Haila Stoddard , Margaret Tallichet , Lana Turner y Linda Watkins. ^[11] Aunque Margaret Mitchell se negó a nombrar públicamente su elección, la actriz que estuvo más cerca de ganar su aprobación fue Miriam Hopkins, quien sintió que era el tipo de actriz adecuado para interpretar a Scarlett como está escrito en el libro. Sin embargo, Hopkins tenía unos treinta y cinco años en ese momento y se le consideraba demasiado mayor para el papel. ^{[8] [9] [10]} Cuatro actrices, incluidas Jean Arthur y Joan Bennett, todavía estaban bajo consideración en diciembre de 1938; sin embargo, sólo dos finalistas, Paulette Goddard y Vivien Leigh, fueron probados en Technicolor , ambos el 20 de diciembre. ^[12] Goddard casi gana el papel, pero la controversia sobre su matrimonio con Charlie Chaplin hizo que Selznick cambiara de opinión.^[5]

Selznick había estado considerando en silencio a Vivien Leigh, una joven actriz inglesa que aún era poco conocida en Estados Unidos, para el papel de Scarlett desde febrero de 1938, cuando Selznick la vio en Fire Over England y A Yank at Oxford . El agente estadounidense de Leigh era el representante en Londres de la agencia de talentos Myron Selznick (encabezada por el hermano de David Selznick, uno de los propietarios de Selznick International), y ella había solicitado en febrero que su nombre se presentara para su consideración como Scarlett. En el verano de 1938, los Selznick estaban negociando con Alexander Korda , con quien Leigh tenía contrato, por sus servicios ese mismo año. ^[13]El hermano de Selznick hizo arreglos para que se encontraran por primera vez la noche del 10 de diciembre de 1938, cuando se filmó el incendio de Atlanta. En una carta a su esposa dos días después, Selznick admitió que Leigh era "el caballo oscuro de Scarlett", y después de una serie de pruebas de pantalla, su casting fue anunciado el 13 de enero de 1939. ^[14] Justo antes del rodaje de la película. , Selznick informó al columnista del periódico Ed Sullivan : "Los padres de Scarlett O'Hara eran franceses e irlandeses. De manera idéntica, los padres de la señorita Leigh son franceses e irlandeses". ^[15]

Un problema urgente para Selznick durante el reparto fue el persistente fracaso de Hollywood para retratar con precisión los acentos sureños . El estudio creía que si el acento no se representaba con precisión, podría resultar perjudicial para el éxito de la película. Selznick contrató a Susan Myrick (una experta en habla, modales y costumbres sureños que le recomendó Mitchell) y Will A. Price para entrenar a los actores sobre cómo hablar con acento sureño . Mitchell elogió el trabajo vocal del elenco, y señaló la falta de críticas cuando salió la película. ^{[16] [17]}

Guión

Del escritor original guión, Sidney Howard , historiador de cine Joanne Yeck escribe, "reducir las complejidades de Lo que el viento ' dimensiones épicas s era una tarea hercúlea ... y la primera comunicación de Howard era demasiado largo, y habría requerido al menos seis horas de película; ... [el productor] Selznick quería que Howard permaneciera en el set para hacer revisiones ... pero Howard se negó a dejar Nueva Inglaterra [y] como resultado, las revisiones fueron manejadas por una gran cantidad de escritores locales ". ^[18] Selznick despidió al director George Cukor tres semanas después de la filmación y buscó a Victor Fleming, quien dirigía El mago de Oz en ese momento. Fleming no estaba satisfecho con el guión, por lo que Selznick trajo al guionista Ben Hecht.para reescribir el guión completo en cinco días. Hecht volvió al borrador original de Howard y al final de la semana había logrado revisar toda la primera mitad del guión. Selznick se encargó de reescribir la segunda mitad él mismo, pero se retrasó, por lo que Howard volvió a trabajar en el guión durante una semana, reelaborando varias escenas clave en la segunda parte. ^[19]

David O.Selznick en 1940

"En el momento del estreno de la película en 1939, había dudas sobre quién debería recibir crédito en la pantalla", escribe Yeck. "Pero a pesar de la cantidad de escritores y cambios, el guión final se acercó notablemente a la versión de Howard. El hecho de que el nombre de Howard solo aparezca en los créditos puede haber sido tanto un gesto a su memoria como a su escritura, ya que en 1939 Sidney Howard murió a los 48 años en un accidente de tractor agrícola y antes del estreno de la película ". ^[18] Selznick, en un memorando escrito en octubre de 1939, discutió los créditos de escritura de la película: "[Tú] puedes decir francamente que de la cantidad comparativamente pequeña de material en la imagen que no es del libro, la mayoría es mía personalmente ,y las únicas líneas de diálogo originales que no son mías son algunas de Sidney Howard y algunas de Ben Hecht y un par más deJohn Van Druten . De improviso, dudo que haya diez palabras originales de [Oliver] Garrett en todo el guión. En cuanto a la construcción, este es aproximadamente un ochenta por ciento mío, y el resto se divide entre Jo Swerling y Sidney Howard, y Hecht contribuyó materialmente a la construcción de una secuencia ". ^[20]

Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams, "Al amanecer del domingo 20 de febrero de 1939, David Selznick ... y el director Victor Fleming despertaron a Hecht para informarle que estaba prestado por MGM y que debía venir con ellos de inmediato e ir a trabajar en Lo que el viento se llevó , que Selznick había comenzado a rodar cinco semanas antes. A Selznick le costaba 50.000 dólares cada día que la película estaba en espera esperando una reescritura final del guión y el tiempo era esencial. Hecht estaba trabajando en la película En el circo de los hermanos Marx . Recordando el episodio en una carta al amigo guionista Gene Fowler, dijo que no había leído la novela, pero Selznick y el director Fleming estaban ansiosos por que él la leyera. Actuaron escenas basadas en el guión original de Sidney Howard que debían reescribirse rápidamente. Hecht escribió: "Después de haber representado y discutido cada escena, me senté a la máquina de escribir y la escribí. Selznick y Fleming, ansiosos por continuar con su actuación, siguieron apresurándome. Trabajamos de esta manera durante siete días, poniendo de dieciocho a veinte horas al día. Selznick se negó a dejarnos almorzar, argumentando que la comida nos retrasaría. Él proporcionó plátanos y maní salado ... así, al séptimo día había completado, ileso, los primeros nueve carretes de Civil Épica de guerra ".

MacAdams escribe: "Es imposible determinar exactamente cuánto escribió Hecht ... En los créditos oficiales presentados ante el Screen Writers Guild , Sidney Howard obtuvo, por supuesto, el único crédito de la pantalla, pero se agregaron otros cuatro escritores ... Jo Swerling por contribuir al tratamiento, Oliver HP Garrett y Barbara Keon en la construcción del guión, y Hecht, en el diálogo ... " ^[21]

Filmando

Reproducir medios

La "quema" de Atlanta del tráiler de la película de relanzamiento de 1961

La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y terminó el 1 de julio, y el trabajo de postproducción continuó hasta el 11 de noviembre de 1939. El director George Cukor , con quien Selznick tenía una larga relación de trabajo y había pasado casi dos años en la preproducción de Lo que el viento se llevó , fue reemplazado después de menos de tres semanas de rodaje. ^{[9] [nb 3]} Selznick y Cukor ya habían estado en desacuerdo sobre el ritmo de filmación y el guión, ^{[9] [22]} pero otras explicaciones atribuyen la partida de Cukor a la incomodidad de Gable al trabajar con él. Emanuel Levy , biógrafo de Cukor, afirmó que Gable había trabajado en el circuito gay de Hollywood como estafador.y que Cukor sabía de su pasado, por lo que Gable usó su influencia para que lo despidieran. ^[24] Vivien Leigh y Olivia de Havilland se enteraron del despido de Cukor el día en que se filmó la escena del bazar de Atlanta, y la pareja fue a la oficina de Selznick con el traje completo y le imploró que cambiara de opinión. Victor Fleming , que dirigía El mago de Oz , fue llamado desde MGM para completar el cuadro, aunque Cukor continuó en privado como entrenador de Leigh y De Havilland. ^[19] Otro director de MGM, Sam Wood, trabajó durante dos semanas en mayo cuando Fleming abandonó temporalmente la producción debido al agotamiento. Aunque algunas de las escenas de Cukor se volvieron a filmar más tarde, Selznick estimó que "tres carretes sólidos" de su trabajo permanecían en la imagen. Al final de la fotografía principal, Cukor había realizado dieciocho días de filmación, Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro. ^[9]

El director de fotografía Lee Garmes comenzó la producción, pero el 11 de marzo de 1939, después de un mes de filmar metraje que Selznick y sus asociados consideraron "demasiado oscuro", fue reemplazado por Ernest Haller , que trabajaba con el director de fotografía de Technicolor Ray Rennahan . Garmes completó el primer tercio de la película, casi todo antes de que Melanie tuviera el bebé, pero no recibió crédito. ^[25] La mayor parte de la filmación se realizó en " los últimos cuarenta " de Selznick International y todas las escenas de locaciones fueron fotografiadas en California, principalmente en el condado de Los Ángeles o en el vecino condado de Ventura . ^[26]Tara, la casa de la plantación sureña ficticia, existía solo como una fachada de madera contrachapada y papel maché construida en el lote del estudio Selznick. ^[27] Para el incendio de Atlanta, se construyeron nuevas fachadas falsas frente a los muchos y viejos sets abandonados del lote de Selznick, y el propio Selznick manejó los controles de los explosivos que los incendiaron. ^[5] Las fuentes en ese momento estimaron los costos de producción en $ 3,85 millones, lo que la convierte en la segunda película más cara hecha hasta ese momento, y solo Ben-Hur (1925) ha costado más. ^{[28] [nb 4]}

Aunque la leyenda persiste en que la Oficina de Hays multó a Selznick con $ 5,000 por usar la palabra "maldito" en la línea de salida de Butler, de hecho, la junta de la Motion Picture Association aprobó una enmienda al Código de Producción el 1 de noviembre de 1939, que prohibió el uso de las palabras "infierno "o" maldita sea "excepto cuando su uso" será esencial y requerido para la representación, en el contexto histórico adecuado, de cualquier escena o diálogo basado en hechos históricos o folclore ... o una cita de una obra literaria, siempre que dicho uso no se permitirá que sea intrínsecamente objetable o que ofenda el buen gusto ". Con esa enmienda, la Administración del Código de Producción no tuvo más objeciones a la línea de cierre de Rhett. ^[30]

Música

"Tema de Tara" del tráiler de la película

Para componer la partitura, Selznick eligió a Max Steiner , con quien había trabajado en RKO Pictures a principios de la década de 1930. Warner Bros., que había contratado a Steiner en 1936, acordó prestárselo a Selznick. Steiner pasó doce semanas trabajando en la partitura, el período más largo que había pasado escribiendo una, y con dos horas y treinta y seis minutos también fue el más largo que había escrito. Se contrataron cinco orquestadores, entre ellos Hugo Friedhofer , Maurice de Packh, Bernard Kaun, Adolph Deutsch y Reginald Bassett.

La partitura se caracteriza por dos temas de amor, uno para el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasión de Scarlett por Ashley, aunque en particular no hay un tema de amor de Scarlett y Rhett. Steiner se basó considerablemente en la música folk y patriótica, que incluía melodías de Stephen Foster como "Louisiana Belle", "Dolly Day", "Ringo De Banjo", " Beautiful Dreamer ", " Old Folks at Home " y "Katie Belle", que formó la base del tema de Scarlett; otras melodías que destacan son: "Marching through Georgia" de Henry Clay Work , " Dixie ", " Garryowen " y "La bandera azul de Bonnie". El tema que más se asocia con la película de hoy es la melodía que acompaña a Tara, la plantación de O'Hara; a principios de la década de 1940," Tara's Theme "formó la base musical de la canción" My Own True Love "de Mack David En total, hay noventa y nueve piezas musicales distintas que aparecen en la partitura.

Debido a la presión de completar a tiempo, Steiner recibió ayuda en la composición de Friedhofer, Deutsch y Heinz Roemheld , y además, se tomaron dos pistas breves, de Franz Waxman y William Axt, de partituras en la biblioteca de MGM. ^[31]

Liberar

Vista previa, estreno y lanzamiento inicial

El 9 de septiembre de 1939, Selznick, su esposa Irene , el inversionista John "Jock" Whitney y el editor de cine Hal Kern se dirigieron a Riverside, California para ver la película en el Fox Theatre . La película todavía era un montaje preliminar en esta etapa, faltaban títulos completos y carecía de efectos ópticos especiales. Funcionó durante cuatro horas y veinticinco minutos; más tarde se redujo a menos de cuatro horas para su correcta publicación. Una factura doble de Hawaiian Nights y Beau Gesteestaba jugando, pero después del primer largometraje se anunció que el teatro proyectaría una vista previa; Se informó a la audiencia que podían irse, pero que no serían readmitidos una vez que comenzara la película, ni se permitirían llamadas telefónicas una vez que el teatro estuviera cerrado. Cuando el título apareció en la pantalla, el público aplaudió y, una vez terminado, recibió una ovación de pie. ^{[9] [32]} En su biografía de Selznick, David Thomson escribió que la respuesta del público antes de que comenzara la película "fue el momento más grande de la vida [de Selznick], la mayor victoria y redención de todos sus fracasos", ^[33] Selznick describió las tarjetas de vista previa como "probablemente la imagen más asombrosa que jamás haya tenido". ^[34]Cuando la prensa le preguntó a Selznick a principios de septiembre cómo se sentía acerca de la película, dijo: "Al mediodía creo que es divino, a la medianoche creo que es pésimo. A veces pienso que es la mejor película jamás hecha. Pero si es sólo un gran foto, todavía estaré satisfecho ". ^[28]

El estreno de la película en Loew's Grand, Atlanta

Unas 300.000 personas acudieron a Atlanta para el estreno de la película en el Loew's Grand Theatre el 15 de diciembre de 1939. Fue el punto culminante de tres días de festividades organizadas por el alcalde William B. Hartsfield , que incluyeron un desfile de limusinas con estrellas de la película. , recepciones, miles de banderas confederadas y un baile de disfraces. Eurith D. Rivers , gobernadora de Georgia, declaró el 15 de diciembre feriado estatal. Se estima que trescientos mil residentes y visitantes de Atlanta se alinearon en las calles durante siete millas para ver la procesión de limusinas que traían estrellas desde el aeropuerto. Solo Leslie Howard y Victor Fleming optaron por no asistir: Howard había regresado a Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial., y Fleming se había peleado con Selznick y se negó a asistir a ninguno de los estrenos. ^{[28] [34]} Hattie McDaniel también estuvo ausente, ya que ella y los otros miembros negros del elenco no pudieron asistir al estreno debido a las leyes de Jim Crow de Georgia , que les impedían sentarse con sus colegas blancos. Al enterarse de que McDaniel había sido excluido del estreno, Clark Gable amenazó con boicotear el evento, pero McDaniel lo convenció de que asistiera. ^{[35] El} presidente Jimmy Carter lo recordó más tarde como "el evento más grande que ha ocurrido en el Sur en mi vida". ^[36]Siguieron los estrenos en Nueva York y Los Ángeles, a este último asistieron algunas de las actrices que habían sido consideradas para el papel de Scarlett, entre ellas Paulette Goddard, Norma Shearer y Joan Crawford. ^[34]

Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940, la película se proyectó únicamente en espectáculos itinerantes con entradas anticipadas en un número limitado de cines a precios superiores a 1 dólar, más del doble del precio de una película de estreno regular, y MGM recaudó un 70 por ciento sin precedentes de los ingresos de taquilla, a diferencia del típico 30-35 por ciento del período. Después de alcanzar la saturación como una gira, MGM revisó sus términos a un recorte del 50 por ciento y redujo a la mitad los precios, antes de que finalmente entrara en el lanzamiento general en 1941 a precios "populares". ^[37] Incluyendo sus costos de distribución y publicidad, el gasto total en la película fue tan alto como $ 7 millones. ^{[34] [38]}

Lanzamientos posteriores

Póster de relanzamiento de 1967

En 1942, Selznick liquidó su empresa por motivos fiscales y vendió su participación en Lo que el viento se llevó a su socio comercial, John Whitney, por 500.000 dólares. A su vez, Whitney se la vendió a MGM por 2,8 millones de dólares, por lo que el estudio era el propietario absoluto de la película. ^[38] MGM relanzó inmediatamente la película en la primavera de 1942, ^[19] y nuevamente en 1947 y 1954. ^[9] La reedición de 1954 fue la primera vez que la película se mostró en pantalla ancha , comprometiendo la proporción y el recorte originales de la Academia. la parte superior e inferior a una relación de aspecto de 1,75: 1. Al hacerlo, varias tomas se enmarcaron ópticamente y se cortaron en los negativos de la cámara de tres tiras, alterando para siempre cinco tomas en la película. ^[39]

Un estreno de la película en 1961 conmemoró el centenario del inicio de la Guerra Civil, y también incluyó un "estreno" de gala en el Gran Teatro de Loew. A ella asistieron Selznick y muchas otras estrellas de la película, incluidas Vivien Leigh y Olivia de Havilland; ^[40] Clark Gable había muerto el año anterior. ^[41] Para su relanzamiento en 1967, la película se amplió a 70 mm , ^[9] y se publicó con un póster actualizado con Gable, con su camisa blanca desgarrada, sosteniendo a Leigh contra un telón de fondo de llamas naranjas. ^[40]Hubo más relanzamientos en 1971, 1974 y 1989; para la reedición del cincuentenario en 1989, se le dio una restauración completa de audio y video. Fue estrenada en cines una vez más en los Estados Unidos, en 1998, por New Line Cinema, propiedad de Time Warner . ^{[42] [43]}

En 2013, se lanzó una restauración digital 4K en el Reino Unido para coincidir con el centenario de Vivien Leigh. ^[44] En 2014, se programaron proyecciones especiales durante un período de dos días en los cines de los Estados Unidos para coincidir con el 75 aniversario de la película. ^[45]

Televisión y medios domésticos

La película se estrenó en la televisión estadounidense en la cadena de cable HBO el 11 de junio de 1976 y se proyectó en el canal un total de catorce veces durante el resto del mes. ^{[46] [19] [47]} Otros canales de cable también transmitieron la película durante junio. ^[48] Hizo su debut televisivo en red en noviembre de ese año; NBC pagó $ 5 millones por una emisión única, y se emitió en dos partes en noches sucesivas. ^[19] Se convirtió en ese momento en el programa de televisión de mayor audiencia.jamás presentado en una sola red, visto por el 47.5 por ciento de los hogares muestreados en Estados Unidos, y el 65 por ciento de los televidentes, sigue siendo el récord de la película de mayor audiencia que se haya emitido en la televisión. ^{[19] [43]}

En 1978, CBS firmó un acuerdo por valor de $ 35 millones para transmitir la película veinte veces durante tantos años. ^[19] Turner Entertainment adquirió la biblioteca de películas de MGM en 1986, pero el acuerdo no incluía los derechos de televisión de Lo que el viento se llevó , que todavía estaba en manos de CBS. Se llegó a un acuerdo en el que se devolvieron los derechos a Turner Entertainment y se ampliaron los derechos de transmisión de CBS sobre El mago de Oz . ^[19] La película se utilizó para lanzar dos canales de cable propiedad de Turner Broadcasting System , Turner Network Television (1988) y Turner Classic Movies (1994). ^{[49] [50]}

La película debutó en videocasete en marzo de 1985, donde ocupó el segundo lugar en las listas de ventas, ^[19] y desde entonces ha sido lanzada en formatos de DVD y Blu-ray Disc . ^[40]

Recepción

Respuesta crítica

McDaniel, de Havilland y Leigh fueron elogiados por sus actuaciones.

Tras su lanzamiento, las revistas y los periódicos de consumo generalmente dieron excelentes críticas a Lo que el viento se llevó ; ^[9] sin embargo, aunque sus valores de producción, logros técnicos y escala de ambición fueron universalmente reconocidos, algunos críticos de la época encontraron que la película era demasiado larga y dramáticamente poco convincente. Frank S. Nugent para The New York Times resumió mejor el sentimiento general al reconocer que, si bien fue la producción cinematográfica más ambiciosa realizada hasta ese momento, probablemente no fue la mejor película jamás realizada, pero, sin embargo, encontró que era una película. "Historia interesante bellamente contada". ^[51] Franz Hoellering de The Nationopinó lo mismo: "El resultado es una película que es un acontecimiento importante en la historia de la industria, pero solo un logro menor en el arte cinematográfico. Hay momentos en que las dos categorías se encuentran en buenos términos, pero los largos períodos entre ellos están llenos de una eficacia meramente espectacular ". ^[52]

Si bien la película fue elogiada por su fidelidad a la novela, ^[51] este aspecto también se destacó como el factor principal que contribuyó a la prolongada duración. ^[53] John C. Flinn escribió para Variety que Selznick había "dejado demasiado adentro" y que, como entretenimiento, la película se habría beneficiado si se hubieran recortado las escenas repetidas y los diálogos de la última parte de la historia. ^[53] The Manchester Guardianconsideró que el único inconveniente serio de la película era que la historia carecía de la calidad épica para justificar la pérdida de tiempo y encontró la segunda mitad, que se centra en los "matrimonios irrelevantes" y las "disputas domésticas" de Scarlett, en su mayoría superfluas, y la única razón de su la inclusión había sido "simplemente porque Margaret Mitchell lo escribió de esa manera". The Guardian creía que si "la historia hubiera sido cortada y arreglada en el punto marcado por el intervalo, y si el drama personal se hubiera subordinado a un tratamiento cinematográfico del tema central: el colapso y la devastación del Viejo Sur" entonces Gone With the Wind podría haber sido una gran película ". ^[54]Asimismo, Hoellering también encontró que la segunda mitad de la película es más débil que la primera mitad: identificando la Guerra Civil como la fuerza motriz de la primera parte mientras que los personajes dominan en la segunda parte, concluyó que aquí es donde la falla principal de la imagen yacía, comentando que "los personajes por sí solos no son suficientes". A pesar de muchas escenas excelentes, consideró que el drama no era convincente y que se había descuidado el "desarrollo psicológico". ^[52]

Gran parte de los elogios se reservaron para el elenco, y Vivien Leigh en particular fue destacada por su interpretación de Scarlett. Nugent la describió como el "eje de la imagen" y creía que estaba "tan perfectamente diseñada para el papel por el arte y la naturaleza que cualquier otra actriz en el papel sería inconcebible". ^[51] De manera similar, Hoellering la encontró "perfecta" en "apariencia y movimientos"; él sintió que ella actuaba mejor cuando se le permitió "acentuar la personalidad dividida que retrata" y pensó que era particularmente efectiva en momentos de caracterización como la mañana después de la escena de la violación marital. ^[52]Flinn también encontró que Leigh se adaptaba físicamente al papel y sintió que era la mejor en las escenas donde muestra coraje y determinación, como la fuga de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui. ^[53] Leigh ganó en la categoría de Mejor Actriz por su actuación en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1939 . ^[55] De la interpretación de Clark Gable como Rhett Butler, Flinn sintió que la caracterización estaba "tan cerca de la concepción de la señorita Mitchell — y de la audiencia — como podría imaginarse", ^[53] una opinión con la que Nugent estaba de acuerdo, ^[51] aunque Hoellering sintió que Gable no convenció del todo en las escenas finales, ya que Rhett abandona a Scarlett con disgusto. ^[52]De los otros miembros principales del reparto, tanto Hoellering como Flinn encontraron que Leslie Howard era "convincente" como la débil Ashley, con Flinn identificando a Olivia de Havilland como una "destacada" como Melanie; ^{[52] [53]} Nugent también quedó especialmente impresionado con la interpretación de De Havilland, y la describió como una "gema de caracterización amable, digna y tierna". ^[51] La actuación de Hattie McDaniel como Mammy fue elogiada por muchos críticos: Nugent creía que dio la mejor actuación en la película después de Vivien Leigh, ^[51] con Flinn colocándola en tercer lugar después de las actuaciones de Leigh y Gable. ^[53]

Premios de la Academia

En la duodécima edición de los Premios de la Academia , Lo que el viento se llevó estableció un récord de premios de la Academia y nominaciones, ganando en ocho de las categorías competitivas en las que fue nominada, de un total de trece nominaciones. Ganó por Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística y Mejor Edición, y recibió dos premios honoríficos más por su uso de equipo y color (también se convirtió en el primer color película para ganar la Mejor Película). ^{[56] [57]}

El récord de la película de ocho victorias competitivas se mantuvo hasta que Gigi (1958) ganó nueve, y su récord general de diez fue batido por Ben-Hur (1959) que ganó once. ^[58] Lo que el viento se llevó también ostentaba el récord de más nominaciones hasta que All About Eve (1950) consiguió catorce. ^[10] Fue la película sonora estadounidense más larga realizada hasta ese momento, y aún puede tener el récord del ganador más largo a la Mejor Película dependiendo de cómo se interprete. ^[59] El tiempo de duración de Lo que el viento se llevó es poco menos de 221 minutos, mientras que Lawrence de Arabia (1962) dura poco más de 222 minutos; sin embargo, incluida la obertura ,Música de intermedio , entrada y salida, Lo que el viento se llevó tiene una duración de 234 minutos (aunque algunas fuentes calculan su duración total en 238 minutos), mientras que Lawrence de Arabia llega un poco más breve a los 232 minutos con sus componentes adicionales. ^{[60] [61]}

Hattie McDaniel se convirtió en la primera afroamericana en ganar un Premio de la Academia, superando a su coprotagonista Olivia de Havilland, quien también fue nominada en la misma categoría, pero fue segregada racialmente de sus coprotagonistas en la ceremonia de premiación en Coconut Grove. ; ella y su acompañante fueron obligados a sentarse en una mesa separada al fondo de la habitación. ^[62] Mientras tanto, el guionista Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo del Oscar y Selznick recibió personalmente el Irving G. Thalberg Memorial Award por los logros de su carrera. ^{[10] [56]}

Premios de la Academia y nominaciones

Otorgar	Destinatario (s)	Resultado
Producción excepcional	David O.Selznick (para Selznick International Pictures )	Ganado
Mejor director	Victor Fleming	Ganado
Mejor actor	Clark Gable	Nominado
Mejor actriz	Vivien Leigh	Ganado
Mejor actriz de soporte	Olivia de Havilland	Nominado
	Hattie McDaniel	Ganado
Mejor guion	Sidney Howard	Ganado
Mejor dirección de arte	Lyle Wheeler	Ganado
Mejor Cinematografía - Color	Ernest Haller y Ray Rennahan	Ganado
Mejor montaje cinematográfico	Hal C. Kern y James E. Newcom	Ganado
Mejor puntaje original	Max Steiner	Nominado
Mejor grabación de sonido	Thomas T. Moulton (Departamento de sonido de Samuel Goldwyn Studio)	Nominado
Mejores efectos visuales	Jack Cosgrove , Fred Albin y Arthur Johns	Nominado
Premio especial	William Cameron Menzies Por logros sobresalientes en el uso del color para mejorar el estado de ánimo dramático en la producción de Lo que el viento se llevó .	Honorario
Premio al logro técnico	Don Musgrave y Selznick International Pictures por ser pioneros en el uso de equipos coordinados en la producción Lo que el viento se llevó .	Honorario

Reacciones de los afroamericanos

Hattie McDaniel, la primera ganadora del Oscar afroamericana

Los comentaristas negros criticaron la película por su descripción de los negros y como una glorificación de la esclavitud; lo han hecho desde el lanzamiento de la película, pero inicialmente los periódicos controlados por estadounidenses blancos no informaron sobre estas críticas. ^[63] Carlton Moss , un dramaturgo negro, observó en una carta abierta que mientras que El nacimiento de una nación fue un "ataque frontal a la historia estadounidense y al pueblo negro", Lo que el viento se llevóFue un "ataque por la espalda al mismo". Continuó caracterizándolo como una "petición nostálgica de simpatía por una causa aún viva de la reacción sureña". Moss también mencionó las caracterizaciones negras estereotipadas, como el "cerdo indolente y torpe", la "Prissy indolente y completamente irresponsable", la "aceptación radiante de la esclavitud" de Big Sam y Mammy con su "constante arenga y cariño en cada deseo de Scarlett ". ^[64]

Después de la victoria de Hattie McDaniel en el Oscar, Walter Francis White , líder de la Asociación Nacional para el Progreso de la Gente de Color , la acusó de ser un tío Tom . McDaniel respondió que ella "preferiría ganar setecientos dólares a la semana haciendo de sirvienta que siete dólares siendo uno"; Además, cuestionó la calificación de White para hablar en nombre de los negros, ya que era de piel clara y solo un octavo de negro. ^[62]

En general, la opinión de la comunidad negra estuvo dividida en el momento del estreno, y algunos calificaron la película de "arma de terror contra la América negra" y un insulto a las audiencias negras, y se llevaron a cabo manifestaciones en varias ciudades. ^[62] Aun así, algunos sectores de la comunidad negra reconocieron que los logros de McDaniel eran representativos de la progresión: algunos afroamericanos cruzaron las líneas de piquete y elogiaron la caracterización cálida e ingeniosa de McDaniel, y otros esperaban que el reconocimiento de la industria por su trabajo condujera a un aumento visibilidad en pantalla para otros actores negros. En su editorial de felicitación a McDaniel por ganar su Premio de la Academia, Opportunity: A Journal of Negro Life usó la película como recordatorio del "límite" puesto a la aspiración negra por viejos prejuicios.^[62][64] Malcolm X recordó más tarde que "cuando Butterfly McQueen entró en su acto, sentí ganas de arrastrarme debajo de la alfombra". ^{[sesenta y cinco]}

Respuesta de la audiencia

Tras su lanzamiento, Lo que el viento se llevó rompió récords de asistencia en todas partes. Solo en el Capitol Theatre de Nueva York, tuvo un promedio de once mil entradas por día a fines de diciembre, ^[37] y en los cuatro años posteriores a su lanzamiento había vendido aproximadamente sesenta millones de boletos en todo Estados Unidos, ventas equivalentes a poco menos de la mitad de la población. en ese momento . ^{[66] [67]} Repitió su éxito en el extranjero y fue un éxito sensacional durante el Blitz en Londres, inaugurado en abril de 1940 y jugando durante cuatro años. ^[68] Para cuando MGM lo retiró de la circulación, a fines de 1943, su distribución mundial había arrojado una renta bruta(la participación del estudio en la taquilla bruta) de $ 32 millones, lo que la convierte en la película más rentable jamás realizada hasta ese momento . ^{[10] [19]} Finalmente se estrenó en Japón en septiembre de 1952 y se convirtió en la película extranjera más taquillera allí. ^{[69] [70]}

Haga cola para ver Lo que el viento se llevó en Pensacola, Florida (1947)

A pesar de que ganó a sus inversores aproximadamente el doble que el anterior poseedor del récord, El nacimiento de una nación , ^{[71] [72]} las actuaciones de taquilla de las dos películas probablemente fueron mucho más cercanas. La mayor parte de las ganancias de Lo que el viento se llevó provino de su gira y compromisos de primera ejecución, donde el distribuidor recibió el 70 por ciento y el 50 por ciento de la taquilla bruta respectivamente, en lugar de su lanzamiento general, que en ese momento generalmente vio el la participación del distribuidor se fijó en 30-35 por ciento del bruto. ^[37] En el caso de El nacimiento de una nación, su distribuidor, Epoch, vendió muchos de sus territorios de distribución sobre la base de "derechos estatales", que generalmente representaban el 10 por ciento de la taquilla bruta, y las cuentas de Epoch son solo indicativas de sus propias ganancias de la película, y no los distribuidores locales. Carl E. Milliken , secretario de la Asociación de Productores y Distribuidores de Películas , estimó que El nacimiento de una nación había sido visto por cincuenta millones de personas en 1930. ^{[73] [74]}

Cuando fue relanzado en 1947, ganó un impresionante alquiler de $ 5 millones en los Estados Unidos y Canadá, y fue uno de los diez mejores lanzamientos del año. ^{[38] [71]} Reediciones exitosas en 1954 y 1961 le permitieron mantener su posición como la principal fuente de ingresos de la industria, a pesar de los fuertes desafíos de películas más recientes como Ben-Hur , ^[75] pero finalmente fue superada por The Sound. de Música en 1966. ^[76]

La reedición de 1967 fue inusual en el sentido de que MGM optó por mostrarlo en una gira, una decisión que lo convirtió en el relanzamiento más exitoso en la historia de la industria. Generó una recaudación bruta de $ 68 millones, lo que la convierte en la película más lucrativa de MGM después del Doctor Zhivago de la segunda mitad de la década. ^[77] MGM ganó un alquiler de $ 41 millones por el lanzamiento, ^[78] con la participación de Estados Unidos y Canadá que asciende a más de $ 30 millones, colocándose en segundo lugar sólo después de The Graduate para ese año. ^{[71] [78]} Incluyendo su alquiler de $ 6,7 millones de la reedición de 1961, ^[79] fue el cuarto país con mayores ingresos de la década en el mercado norteamericano, con solo The Sound of Music, The Graduate y Doctor Zhivago haciendo más para sus distribuidores. ^[71] Un nuevo relanzamiento en 1971 le permitió recuperar brevemente el disco de The Sound of Music , lo que elevó su alquiler bruto mundial total a alrededor de $ 116 millones a fines de 1971, más que triplicando sus ganancias desde su lanzamiento inicial. perdiendo el récord de nuevo al año siguiente ante El Padrino . ^{[43] [80]}

En todos los estrenos, se estima que Lo que el viento se llevó ha vendido más de 200 millones de entradas en los Estados Unidos y Canadá , ^[66] generando más entradas al teatro en ese territorio que cualquier otra película. ^[81] La película también tuvo un éxito fenomenal en Europa Occidental , generando aproximadamente 35 millones de boletos en el Reino Unido y más de 16 millones en Francia , convirtiéndose respectivamente en el mayor y el sexto mayor vendedor de boletos en esos mercados. ^{[82] [83] [84]} En total, Lo que el viento se llevó ha recaudado más de 390 millones de dólares a nivel mundial en taquilla; ^[85]en 2007, Turner Entertainment estimó el valor bruto equivalente a aproximadamente $ 3.3 mil millones cuando se ajustó por inflación a los precios actuales, ^[10] mientras que Guinness World Records llegó a una cifra de $ 3.44 mil millones en 2014, convirtiéndola en la película más exitosa en la historia del cine . ^[86]

La película sigue siendo inmensamente popular entre el público en el siglo XXI, habiendo sido votada como la película más popular en dos encuestas a nivel nacional de estadounidenses realizadas por Harris Interactive en 2008, y nuevamente en 2014. La firma de investigación de mercado encuestó a más de dos mil adultos estadounidenses, con el Resultados ponderados por edad, sexo, raza / etnia, educación, región e ingreso familiar, de modo que sus proporciones coincidieran con la composición de la población adulta. ^{[87] [88]}

Reevaluación crítica

Serie AFI 100 años ...

* AFI's 100 Years ... 100 Movies - # 4

• 100 años de AFI ... 100 pasiones - # 2
• Los 100 años de AFI ... 100 héroes y villanos
  • Rhett Butler, Hero - Nominado
  • Scarlett O'Hara, Hero - Nominada
• 100 años de AFI ... 100 citas de películas :
  • " Francamente, querida, me importa un carajo ." - # 1
  • "¡Después de todo mañana es otro día!" - # 31
  • "Como Dios es mi testigo, nunca más volveré a tener hambre". - # 59
  • "Fiddle-dee-dee". - Nominado
  • "No sé nada sobre el nacimiento de bebés". - Nominado
• 100 años de bandas sonoras de películas de AFI - # 2
• 100 años de AFI ... 100 saludos - n. ° 43
• AFI's 100 Years ... 100 Movies (10th Anniversary Edition) - # 6
• 10 Top 10 de AFI - # 4 película épica

Instituto de Cine Americano ^[89]

Al revisar la película en la década de 1970, Arthur Schlesinger creía que las películas de Hollywood generalmente envejecen bien, revelando una profundidad o integridad inesperadas, pero en el caso de Lo que el viento se llevó, el tiempo no lo ha tratado con amabilidad. ^[90] Richard Schickel argumentó que una medida de la calidad de una película es preguntar qué puede recordar el espectador de ella, y la película fracasa en este sentido: las imágenes y los diálogos inolvidables simplemente no están presentes. ^[91] Stanley Kauffmann , del mismo modo, también encontró que la película era una experiencia en gran parte olvidable, afirmando que solo podía recordar dos escenas vívidamente. ^[92]Tanto Schickel como Schlesinger atribuyeron esto a que estaba "mal escrito", describiendo a su vez el diálogo como "florido" y con una sensibilidad de "postal". ^{[90] [91]} Schickel también cree que la película fracasa como arte popular, ya que tiene un valor de repetición limitado, un sentimiento con el que Kauffmann también está de acuerdo, afirmando que después de haberla visto dos veces espera "no volver a verla nunca: dos veces es dos veces tanto como las necesidades de toda la vida ". ^{[91] [92]} Tanto Schickel como Andrew SarrisIdentificar el principal defecto de la película es poseer la sensibilidad de un productor más que una artística: habiendo pasado por tantos directores y escritores, la película no tiene la sensación de haber sido "creada" o "dirigida", sino más bien de haber emergido "humeante de la cocina abarrotada ", donde la principal fuerza creativa era la obsesión del productor por hacer que la película fuera lo más literalmente fiel posible a la novela. ^{[91] [93]}

Sarris admite que, a pesar de sus defectos artísticos, la película tiene un mandato en todo el mundo como "el entretenimiento más querido jamás producido". ^[93] Judith Crist observa que, dejando de lado el kitsch, la película "sin duda sigue siendo la mejor y más duradera pieza de entretenimiento popular que ha salido de las líneas de montaje de Hollywood", producto de un showman con "gusto e inteligencia". ^[94] Schlesinger señala que la primera mitad de la película tiene un "barrido y vigor" que aspira a su tema épico, pero, al encontrar un acuerdo con las críticas contemporáneas de la película, las vidas personales se apoderan de la segunda mitad, y termina. perdiendo su tema en un sentimentalismo poco convincente.^[90] Kauffmann también encuentra interesantes paralelos conEl Padrino , que acababa de reemplazar a Lo que el viento se llevó como el más grosero en ese momento: ambos fueron producidos a partir de novelas más vendidas "ultraamericanas", ambos viven dentro de códigos de honor que son romantizados, y ambos en esencia ofrecen ofertas culturales fabricación o revisionismo. ^[92]

La percepción crítica de la película ha cambiado en los años intermedios, lo que dio lugar a que se clasificó 235o en Sight & Sound ' s prestigioso decenales encuesta de críticos en 2012, ^[95] y en 2015 sesenta y dos críticos de cine internacionales consultados por la BBC votaron es la 97ª mejor película estadounidense. ^[96]

Reconocimiento de la industria

La película ha aparecido en varias encuestas de la industria de alto perfil: en 1977 fue votada como la película más popular por el American Film Institute (AFI), en una encuesta de miembros de la organización; ^[9] La AFI también clasificó a la película en cuarto lugar en su lista de las " 100 mejores películas " en 1998, ^[97] y cayó al sexto lugar en la edición del décimo aniversario en 2007. ^{[98] Los} directores de cine la clasificaron en el puesto 322 en 2012. edición de la encuesta decenal Sight & Sound , ^[95] y en 2016 fue seleccionado como el noveno mejor "logro como director" en una encuesta de miembros del Directors Guild of America . ^[99]En 2014, ocupó el puesto decimoquinto en una extensa encuesta realizada por The Hollywood Reporter , que votó a todos los estudios, agencias, empresas de publicidad y productoras de la región de Hollywood . ^[100] Lo que el viento se llevó fue una de las primeras veinticinco películas seleccionadas para su conservación en el Registro Nacional de Películas por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1989 por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". ^{[101] [102]}

Análisis y controversia

Representación histórica

Lo que el viento se llevó ha sido criticado por haber perpetuado los mitos de la Guerra Civil y los estereotipos negros . ^[103] David Reynolds escribió que "las mujeres blancas son elegantes, sus hombres son nobles o al menos apuestos. Y, en el fondo, los esclavos negros son en su mayoría obedientes y contentos, claramente incapaces de una existencia independiente". Reynolds comparó Lo que el viento se llevó con El nacimiento de una nación y otras re-imaginaciones del sur durante la era de la segregación, en la que se retrata a los sureños blancos como defensores de los valores tradicionales y se ignora en gran medida el tema de la esclavitud. ^{[sesenta y cinco]}La película ha sido descrita como una "regresión" que promueve tanto el mito del violador negro como el papel honorable y defensivo del Ku Klux Klan durante la Reconstrucción, ^[104] y como una película de "propaganda social" que ofrece un " supremacista blanco ". vista del pasado. ^[103]

De 1972 a 1996, la Sociedad Histórica de Atlanta llevó a cabo una serie de exhibiciones Lo que el viento se llevó , entre ellas una exhibición de 1994 que se tituló "Territorios en disputa: Lo que el viento se llevó y los mitos del sur". Una de las preguntas que fue explorada por la exhibición fue "¿Cuán fieles a la vida eran los esclavos en GWTW?" Esta sección mostró que las experiencias de los esclavos fueron diversas y, como resultado, concluyó que la "oscuridad feliz" era un mito, al igual que la creencia de que todos los esclavos experimentaban violencia y brutalidad. ^[105]

W. Bryan Rommel Ruiz ha argumentado que a pesar de las inexactitudes fácticas en su descripción del período de la Reconstrucción, Lo que el viento se llevó refleja las interpretaciones contemporáneas que eran comunes a principios del siglo XX. Uno de esos puntos de vista se refleja en una breve escena en la que Mammy se defiende de un liberto lascivo : se puede escuchar a un político ofreciendo cuarenta acres y una mula a los esclavos emancipados a cambio de sus votos. Se considera que la inferencia significa que los libertos ignoran la política y no están preparados para la libertad, convirtiéndose sin saberlo en las herramientas de los funcionarios corruptos de la Reconstrucción. Mientras perpetuaba alguna Causa Perdidamitos, la película hace concesiones con respecto a los demás. Después del ataque a Scarlett en el barrio de chabolas, un grupo de hombres, incluido el marido de Scarlett, Frank, Rhett Butler y Ashley, asaltaron la ciudad; en la novela pertenecen al Ku Klux Klan, que representa el tropo común de proteger la virtud de la mujer blanca, pero los realizadores neutralizan conscientemente la presencia del Klan en la película simplemente refiriéndose a ella como una "reunión política". ^[106]

Thomas Cripps razona que, en algunos aspectos, la película socava los estereotipos raciales; ^[107] en particular, la película generó un mayor compromiso entre Hollywood y el público negro, ^[107] con docenas de películas haciendo pequeños gestos en reconocimiento de la tendencia emergente. ^[64] Sólo unas pocas semanas después de su lanzamiento inicial, un editor de historia de Warner escribió un memorando a Walter Wanger sobre Mississippi Belle , un guión que contenía los peores excesos de las películas de plantaciones, sugiriendo que Lo que el viento se llevó había hecho que la película fuera "improducible ". Más que cualquier película desde El nacimiento de una nación, desató una variedad de fuerzas sociales que presagiaron una alianza de liberales blancos y negros que alentaron la expectativa de que los negros algún día alcanzarían la igualdad. Según Cripps, la película finalmente se convirtió en un modelo para medir el cambio social. ^[64]

Reevaluación del siglo XXI

En el siglo XXI, las críticas a las descripciones de raza y esclavitud de la película llevaron a que se redujera su disponibilidad. En 2017, Lo que el viento se llevó fue retirado del programa en el Orpheum Theatre en Memphis, Tennessee , después de 34 años de presentaciones anuales. ^{[108] [109]} En un mitin político en febrero de 2020, el presidente Donald Trump criticó la ceremonia número 92 de los Premios de la Academia , afirmando que Lo que el viento se llevó y Sunset Boulevard (1950) merecían más el premio a la Mejor Película que el ganador de ese año. la película de Corea del Sur Parasite. Sus comentarios provocaron comentarios de los críticos y una reacción violenta de los expertos de todo el espectro político en las redes sociales . ^[110]

El 9 de junio de 2020, la película fue eliminada de HBO Max en medio de las protestas de George Floyd , así como en respuesta a un artículo de opinión escrito por el guionista John Ridley que se publicó en la edición de ese día del Los Angeles Times , que pedía la servicio de transmisión para eliminar temporalmente la película de su biblioteca de contenido. Escribió que "sigue dando cobertura a quienes afirman falsamente que aferrarse a la iconografía de la era de las plantaciones es una cuestión de 'herencia, no de odio'". ^{[111] [112] [113]}Un portavoz de HBO Max dijo que la película era "un producto de su época" y, como resultado, mostraba "prejuicios étnicos y raciales" que "estaban mal entonces y hoy". También se anunció que la película volvería al servicio de streaming en una fecha posterior, aunque incorporaría "una discusión de su contexto histórico y una denuncia de esas mismas representaciones, pero se presentará tal como se creó originalmente, porque para hacer de lo contrario, sería lo mismo que afirmar que estos prejuicios nunca existieron. Si queremos crear un futuro más justo, equitativo e inclusivo, primero debemos reconocer y comprender nuestra historia ". ^[114] La eliminación de la película provocó un debate sobre la corrección política yendo demasiado lejos, con críticos de cine e historiadores que critican a HBO por el potencialcensura . ^[115] Tras la eliminación de la película, alcanzó la cima de la lista de ventas de películas y televisión más vendidas de Amazon , y el quinto lugar en la lista de películas de iTunes Store de Apple . ^[116]

HBO Max volvió a poner la película a su servicio a finales de ese mes, con una nueva presentación de Jacqueline Stewart . ^[117] Stewart describió la película, en un artículo de opinión para CNN , como "un texto principal para examinar las expresiones de la supremacía blanca en la cultura popular", y dijo que "se debe precisamente a los patrones dolorosos y continuos de la injusticia racial y desprecio por las vidas negras que "Lo que el viento se llevó" debería permanecer en circulación y estar disponible para su visualización, análisis y discusión ". Describió la controversia como "una oportunidad para pensar en lo que pueden enseñarnos las películas clásicas". ^[118]

Representación de violación conyugal

Una de las escenas más notorias y condenadas de Lo que el viento se llevó es lo que ahora se define legalmente como " violación conyugal ". ^{[119] [120]} La escena comienza con Scarlett y Rhett al pie de la escalera, donde él comienza a besarla, negándose a que la luchadora Scarlett le diga "no"; ^{[121] [122]} Rhett vence su resistencia y la lleva escaleras arriba hasta el dormitorio, ^{[121] [122]} donde el público no tiene ninguna duda de que ella "obtendrá lo que le espera". ^[123] La siguiente escena, a la mañana siguiente, muestra a Scarlett brillando con una satisfacción sexual apenas reprimida; ^{[121] [122] [123]}Rhett se disculpa por su comportamiento y culpa a su forma de beber. ^[121] La escena ha sido acusada de combinar romance y violación haciéndolos indistinguibles entre sí, ^[121] y de reforzar una noción sobre el sexo forzado : que las mujeres lo disfrutan en secreto, y es una forma aceptable para que un hombre trate su esposa. ^[123]

Molly Haskell ha argumentado que, sin embargo, la mayoría de las mujeres no critican la escena y que, en general, es coherente con lo que las mujeres tienen en mente si fantasean con ser violadas . Sus fantasías giran en torno al amor y el romance más que al sexo forzado; supondrán que Scarlett no era una pareja sexual renuente y querían que Rhett tomara la iniciativa e insistiera en tener relaciones sexuales. ^[124]

Legado

Primer archivero de los Estados Unidos RDW Connor recibiendo la película Lo que el viento se llevó del senador Walter F. George de Georgia (a la izquierda) y el gerente de la División Este de Loew, Carter Barron, 1941

En la cultura popular

Lo que el viento se llevó y su producción han sido referenciados, satirizados, dramatizados y analizados explícitamente en numerosas ocasiones a través de una variedad de medios, desde obras contemporáneas como Second Fiddle, una película de 1939 que simula la "búsqueda de Scarlett", hasta programas de televisión actuales, como Los Simpson . ^{[103] [125] [126]} La guerra de Scarlett O'Hara (una dramatización televisiva de 1980 del casting de Scarlett), ^[127] Moonlight and Magnolias (una obra de 2007 de Ron Hutchinson que dramatiza la reescritura de cinco días de Ben Hecht del guión), ^[128] y "¡Se fue con el viento! " (un boceto de The Carol Burnett Showque parodió la película después de su debut televisivo en 1976) se encuentran entre los ejemplos más notables de su perdurable presencia en la cultura popular. ^[19] También fue el tema de un documental de 1988, The Making of a Legend: Gone with the Wind , que detalla la difícil historia de producción de la película. ^[129] En 1990, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello que mostraba a Clark Gable y Vivien Leigh abrazados en una escena de la película. ^[130] En 2003, Leigh y Gable (como Scarlett y Rhett) ocuparon el puesto 95 en la lista de VH1 de los "200 íconos más grandes de la cultura pop de todos los tiempos". ^[131]

Secuela

Después de la publicación de su novela, Margaret Mitchell se vio inundada de solicitudes para una secuela, pero afirmó no tener una idea de lo que les sucedió a Scarlett y Rhett y, como resultado, los había "abandonado a su destino final". Hasta su muerte en 1949, Mitchell continuó resistiendo la presión de escribir una secuela de Selznick y MGM. En 1975, su hermano, Stephens Mitchell (quien asumió el control de su patrimonio), autorizó una secuela que sería producida conjuntamente por MGM y Universal Studios con un presupuesto de $ 12 millones. Anne Edwards recibió el encargo de escribir la secuela como una novela que luego se adaptaría a un guión y se publicaría junto con el estreno de la película. Edwards envió un manuscrito de 775 páginas que se titulóTara, La continuación de Lo que el viento se llevó , ambientada entre 1872 y 1882 y centrada en el divorcio de Scarlett de Rhett; MGM no estaba satisfecho con la historia y el trato colapsó. ^[19]

La idea revivió en la década de 1990, cuando finalmente se produjo una secuela en 1994, en forma de miniserie de televisión . Scarlett se basó en la novela de Alexandra Ripley , en sí misma una secuela del libro de Mitchell. Los actores británicos Joanne Whalley y Timothy Dalton fueron elegidos como Scarlett y Rhett, y la serie sigue la reubicación de Scarlett en Irlanda después de que Rhett volviera a quedar embarazada. ^[132]

Ver también

• Lista de películas que presentan la esclavitud

Referencias

Notas explicativas

1. Loews era la empresa matriz de MGM. ^[2]
2. Los créditos al comienzo de la película contienen un error: George Reeves aparece "como Brent Tarleton", pero interpreta a Stuart, mientras que Fred Crane aparece "como Stuart Tarleton", pero interpreta a Brent. ^[1]
3. De una carta privada de la periodista y asesora técnica en el set Susan Myrick a Margaret Mitchell en febrero de 1939:

   George [Cukor] finalmente me lo contó todo. Odiaba [dejar la producción] mucho, dijo, pero no podía hacer otra cosa. En efecto, dijo que es un artesano honesto y que no puede hacer un trabajo a menos que sepa que es un buen trabajo y siente que el trabajo actual no es el adecuado. Durante días, me dijo que había mirado los juncos y sentía que estaba fallando ... la cosa no encajó como debería. Poco a poco se fue convenciendo de que el guión era el problema ... David [Selznick], él mismo, cree que ÉL está escribiendo el guión ... Y George ha tomado el guión continuamente día a día, comparando la versión de [Oliver] Garrett-Selznick con el [Sidney] Howard, gimió y trató de cambiar algunas partes al guión de Howard. Pero rara vez podía hacer mucho con la escena ...Así que George le dijo a David que no trabajaría más si el guión no era mejor y que quería recuperar el guión de Howard. David le dijo a George que era un director, no un autor y que él (David) era el productor y el juez de lo que es un buen guión ... George dijo que era un director y uno muy bueno y que no dejaría pasar su nombre. sobre una imagen pésima ... Y el torpe David dijo: "¡Está bien, lárgate!"^[22]

   Selznick ya había estado descontento con Cukor ("un lujo muy caro") por no ser más receptivo a la dirección de otras asignaciones de Selznick, a pesar de que Cukor había permanecido con salario desde principios de 1937. En un memorando confidencial escrito en septiembre de 1938, Selznick coqueteó con el idea de reemplazarlo con Victor Fleming. ^[20] Louis B. Mayer había estado tratando de reemplazar a Cukor con un director de MGM desde que comenzaron las negociaciones entre los dos estudios en mayo de 1938. En diciembre de 1938, Selznick escribió a su esposa sobre una llamada telefónica que tuvo con Mayer: "Durante el En la misma conversación, tu padre intentó sacar a George de Lo que el viento se llevó ". ^[23]
4. Time también informa que Hell's Angels (1930) —dirigida por Howard Hughes — costó más, pero luego se reveló que esto era incorrecto; Las cuentas de Hell's Angels muestran que costó 2,8 millones de dólares, pero Hughes lo publicitó diciendo que costaba 4 millones de dólares y lo vendió a los medios de comunicación como la película más cara jamás realizada hasta ese momento. ^[29]

Citas

1. "Lo que el viento se llevó" . Catálogo de películas cinematográficas del American Film Institute . Instituto de Cine Americano . Archivado desde el original el 12 de agosto de 2020 . Consultado el 12 de enero de 2013 .
2. Gomery, Douglas; Pafort-Overduin, Clara (2011). Historia de la película: una encuesta (2ª ed.). Taylor y Francis . pag. 144 . ISBN 9781136835254.
3. Noland, Claire (8 de abril de 2014). "Mary Anderson muere a los 96 años; la actriz tuvo un papel en 'Lo que el viento se llevó ' " . Los Angeles Times . Archivado desde el original el 20 de mayo de 2019 . Consultado el 8 de abril de 2014 .
4. Staskiewicz, Keith (26 de julio de 2020). " La estrella de ' Lo que el viento se llevó', Olivia de Havilland, muere a los 104 años" . Entertainment Weekly . Archivado desde el original el 28 de julio de 2020 . Consultado el 26 de julio de 2020 .
5. Friedrich, Otto (1986). City of Nets: un retrato de Hollywood en la década de 1940 . Berkeley y Los Ángeles: University of California Press . pp.  17 -21. ISBN 978-0-520-20949-7.
6. "La compra del libro" . Exhibición en línea Lo que el viento se llevó . Universidad de Texas en Austin : Harry Ransom Center . Archivado desde el original el 2 de junio de 2014.
7. "La búsqueda de Scarlett: cronología" . Exhibición en línea Lo que el viento se llevó . Universidad de Texas en Austin : Harry Ransom Center . Archivado desde el original el 2 de junio de 2014.
8. Lambert, Gavin (febrero de 1973). "La realización de Lo que el viento se llevó, parte I" . The Atlantic Monthly . Archivado desde el original el 21 de mayo de 2013 . Consultado el 7 de marzo de 2013 .
9. "Lo que el viento se llevó (1939) - Notas" . Base de datos TCM . Películas clásicas de Turner . Archivado desde el original el 10 de marzo de 2016 . Consultado el 16 de enero de 2013 .
10. Miller, Frank; Stafford, Jeff. "Lo que el viento se llevó (1939) - Artículos" . Base de datos TCM . Películas clásicas de Turner . Archivado desde el original el 26 de septiembre de 2013.
11. "La búsqueda de Scarlett: niñas probadas para el papel de Scarlett" . Exhibición en línea Lo que el viento se llevó . Universidad de Texas en Austin : Harry Ransom Center . Archivado desde el original el 5 de enero de 2014.
12. Haver, Ronald (1980). El Hollywood de David O. Selznick . Nueva York: Alfred A. Knopf . ISBN 978-0-394-42595-5.
13. Pratt, William (1977). Fiebre escarlatina . Nueva York: Macmillan Publishers . págs. 73–74, 81–83. ISBN 978-0-02-598560-5.
14. Walker, Marianne (2011). Margaret Mitchell y John Marsh: La historia de amor detrás de lo que el viento se llevó . Editores de Peachtree. págs.  405–406 . ISBN 978-1-56145-617-8.
15. Selznick, David O. (7 de enero de 1939). "La búsqueda de Scarlett: Vivien Leigh - Carta de David O. Selznick a Ed Sullivan" . Exhibición en línea Lo que el viento se llevó . Universidad de Texas en Austin : Harry Ransom Center . Archivado desde el original el 28 de octubre de 2013.
16. Cella, Claire. "Fan Mail: Producir Lo que el viento se llevó" . Centro Harry Ransom . Archivado desde el original el 1 de agosto de 2020 . Consultado el 22 de junio de 2020 .
17. Crenshaw, Wayne (11 de noviembre de 2016). "Sin ella, la película 'Lo que el viento se llevó' no habría sonado tan sureña" . El Macon Telegraph . Archivado desde el original el 26 de julio de 2020 . Consultado el 28 de septiembre de 2019 .
18. Yeck, Joanne (1984). "Guionistas estadounidenses". Diccionario de biografía literaria . Gale .
19. Bartel, Pauline (1989). El libro completo de trivia Lo que el viento se llevó: la película y más . Taylor Trade Publishing . págs.  64 - 69 , 127 y 161 - 172 . ISBN 978-0-87833-619-7.
20. Selznick, David O. (1938-1939). Behlmer, Rudy (ed.). Memo de David O. Selznick: La creación de Lo que el viento se llevó y otros clásicos cinematográficos, como se revela en las cartas privadas, telegramas, memorandos y comentarios autobiográficos del productor . Nueva York: Modern Library (publicado en 2000). págs. 179–180 y 224–225. ISBN 978-0-375-75531-6.
21. MacAdams, William (1990). Ben Hecht . Nueva York: Barricade Books . págs. 199–201. ISBN 978-1-56980-028-7.
22. Myrick, Susan (1982). Columnas blancas en Hollywood: informes de los sets de GWTW . Macon, Georgia: Mercer University Press . págs.  126-127 . ISBN 978-0-86554-044-6.
23. Eyman, Scott (2005). León de Hollywood: la vida y la leyenda de Louis B. Mayer . Libros Robson . págs.  258-259 . ISBN 978-1-86105-892-8.
24. Capua, Miguel Ángel (2003). Vivien Leigh: una biografía . McFarland & Company . págs.  59 –61. ISBN 978-0-7864-1497-0.
25. Turner, Adrian (1989). Una celebración de Lo que el viento se llevó . Mundo del Dragón. pag. 114.
26. Molt, Cynthia Marylee (1990). Lo que el viento se llevó en la película: una referencia completa . Jefferson, Carolina del Norte: McFarland & Company . págs.  272-281 . ISBN 978-0-89950-439-1.
27. Puentes, hierba (1998). El rodaje de Lo que el viento se llevó . Prensa de la Universidad Mercer . PT4 . ISBN 978-0-86554-621-9.
28. "Cine: G con la W" . Tiempo . 25 de diciembre de 1939. págs.  9171, 762137–1, 00.html 1 - 9171, 762137–2, 00.html 2 y 9171, 762137–7, 00.html 7 . Archivado desde el original el 12 de noviembre de 2013 . Consultado el 6 de julio de 2011 .
29. Eyman, Scott (1997). La velocidad del sonido: Hollywood y la revolución del talkie, 1926-1930 . Simon y Schuster . pag. 253 . ISBN 978-0-684-81162-8.
30. Leff, Leonard J .; Simmons, Jerold L. (2001). La dama del kimono: Hollywood, censura y código de producción . Prensa de la Universidad de Kentucky . pag. 108 .
31. MacDonald, Laurence E. (1998). El arte invisible de la música cinematográfica: una historia completa . Prensa espantapájaros . págs.  52 - 53 . ISBN 978-1-880157-56-5.
32. Bell, Alison (25 de junio de 2010). "Las ciudades del Inland Empire fueron una vez 'In' con Hollywood para las vistas previas de películas" . Los Angeles Times . Archivado desde el original el 29 de diciembre de 2013 . Consultado el 25 de enero de 2013 .
33. Thomson, David (1992). Showman: La vida de David O. Selznick . Nueva York: Knopf . ISBN 978-0-394-56833-1.
34. Lambert, Gavin (marzo de 1973). "La realización de Lo que el viento se llevó, parte II" . The Atlantic Monthly . 265 (6). págs. 56–72. Archivado desde el original el 27 de noviembre de 2011.
35. Harris, Warren G. (2002). Clark Gable: una biografía . Libros de armonía . pag. 211.
36. Cravens, Hamilton (2009). Gran depresión: personas y perspectivas . Perspectivas en la historia social estadounidense. ABC-CLIO . pag. 221 . ISBN 978-1-59884-093-3.
37. Schatz, Thomas (1999) [1997]. Boom and Bust: cine estadounidense en la década de 1940 . Historia del cine americano. 6 . Prensa de la Universidad de California . págs.  65 - 66 . ISBN 978-0-520-22130-7.
38. Shearer, Lloyd (26 de octubre de 1947). "GWTW: saga supercolosal de una épica" . The New York Times . Archivado desde el original el 31 de mayo de 2013 . Consultado el 14 de julio de 2012 .
39. Haver, Ronald (1993). Lo que el viento se llevó, de David O. Selznick . Nueva York: Random House . págs. 84–85.
40. Brown, Ellen F .; Wiley, John, Jr. (2011). Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell: la odisea de un bestseller de Atlanta a Hollywood . Publicaciones de Taylor Trade . págs.  287 , 293 y 322 . ISBN 978-1-58979-527-3.
41. Olson, James Stuart (2000). Diccionario histórico de la década de 1950 . Grupo editorial Greenwood . pag. 108 . ISBN 978-0-313-30619-8.
42. Bloque, Alex Ben; Wilson, Lucy Autrey, eds. (2010). Blockbusting de George Lucas: una encuesta década por década de películas atemporales que incluyen secretos no contados de su éxito financiero y cultural . HarperCollins . pp.  220 -221. ISBN 978-0-06-177889-6.
43. Krämer, Peter (2005). El nuevo Hollywood: de Bonnie y Clyde a Star Wars . Atajos. 30 . Prensa Wallflower. pag. 46 . ISBN 978-1-904764-58-8.
44. Andrés, Geoff. "Lo que el viento se llevó" . Instituto de Cine Británico . Archivado desde el original el 1 de diciembre de 2013.
45. Fristoe, Roger. "Lo que el viento se llevó: 75 aniversario - Proyecciones y eventos" . Películas clásicas de Turner . Archivado desde el original el 29 de septiembre de 2014 . Consultado el 28 de septiembre de 2014 .
46. "La guía de HBO - junio de 1976" . El archivo de guías de HBO . Mayo de 1976. Archivado desde el original en junio de 2018 . Consultado el 10 de diciembre de 2020 .
47. "Espectadores 'GWTW' de HBO". Variedad . 28 de julio de 1976. p. 39.
48. " ' GWTW' vendido a Pay-Cable Pre-NBC Play". Variedad . 5 de mayo de 1976. p. 153.
49. Clark, Kenneth R. (29 de septiembre de 1988). "TNT monta en 'Lo que el viento se llevó ' " . Chicago Tribune . Archivado desde el original el 26 de mayo de 2013 . Consultado el 29 de enero de 2013 .
50. Robert, Osborne . "Robert Osborne en el 15º aniversario de TCM" . Películas clásicas de Turner . Archivado desde el original el 27 de mayo de 2013 . Consultado el 29 de enero de 2013 .
51. Nugent, Frank S. (20 de diciembre de 1939). "La pantalla en revisión; 'Lo que el viento se llevó' de David Selznick tiene su estreno tan esperado en Astor y Capitol, recordando la guerra civil y los días de las plantaciones del sur, visto como tratar el libro con gran fidelidad" . The New York Times . Archivado desde el original el 8 de marzo de 2016 . Consultado el 1 de febrero de 2013 .
52. Hoellering, Franz (1939). "Lo que el viento se llevó" . The Nation (publicado el 16 de diciembre de 2008). Archivado desde el original el 21 de mayo de 2014 . Consultado el 1 de febrero de 2013 .
53. Flinn, John C., Sr. (20 de diciembre de 1939). "Lo que el viento se llevó" . Variedad . Archivado desde el original el 14 de junio de 2013 . Consultado el 14 de junio de 2013 . URL alternativa archivada el 6 de noviembre de 2018 en Wayback Machine.
54. "Desde el archivo, 28 de mayo de 1940: Lo que el viento se llevó en la alegría" . The Manchester Guardian (publicado el 28 de mayo de 2010). 28 de mayo de 1940. Archivado desde el original el 20 de octubre de 2013 . Consultado el 1 de febrero de 2013 .
55. "Premios del círculo de críticos de cine de Nueva York - Premios de 1939" . Círculo de Críticos de Cine de Nueva York . Archivado desde el original el 2 de julio de 2015 . Consultado el 21 de julio de 2015 .
56. "Página de resultados - 1939 (12)" . Base de datos de los Premios de la Academia . Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas . Archivado desde el original el 15 de abril de 2013 . Consultado el 3 de febrero de 2013 .
57. Randall, David; Clark, Heather (24 de febrero de 2013). "Oscars - noche dorada del cine: guía de la última fanfarronada a la gran noche de Hollywood" . The Independent . Archivado desde el original el 26 de febrero de 2013 . Consultado el 7 de marzo de 2013 .
58. Cutler, David (22 de febrero de 2013). Goldsmith, Belinda; Zargham, Mohammad (eds.). "Factbox: hechos históricos clave sobre los premios de la Academia" . Reuters . Archivado desde el original el 26 de febrero de 2013 . Consultado el 7 de marzo de 2013 .
59. "Más allá de la página: citas famosas" . Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas . Archivado desde el original el 5 de septiembre de 2012 . Consultado el 8 de marzo de 2013 .
60. Dirks, Tim. "Premios de la Academia: Mejor película - Hechos y curiosidades" . Filmsite.org . Redes AMC . pag. 2. Archivado desde el original el 9 de enero de 2010 . Consultado el 7 de marzo de 2013 .
61. Kim, Wook (22 de febrero de 2013). "17 récords de Oscar inusuales - película más larga (tiempo de ejecución) para ganar un premio: 431 minutos" . Tiempo . Archivado desde el original el 27 de febrero de 2013 . Consultado el 7 de marzo de 2013 .
62. Haskell, Molly (2010). Francamente, querida: Lo que el viento se llevó de nuevo . Iconos de América. Prensa de la Universidad de Yale . págs.  213 - 214 . ISBN 978-0-300-16437-4.
63. Schuessler, Jennifer (14 de junio de 2020). "La larga batalla por 'Lo que el viento se llevó ' " . The New York Times . Archivado desde el original el 20 de junio de 2020 . Consultado el 20 de junio de 2020 .
64. Lupack, Barbara Tepa (2002). Adaptaciones literarias en el cine afroamericano: de Oscar Micheaux a Toni Morrison . Prensa de la Universidad de Rochester. págs.  209 –211. ISBN 978-1-58046-103-0.
65. Reynolds, David (2009). América, Imperio de la libertad: una nueva historia . Penguin Reino Unido . pp.  241 -242. ISBN 978-0-14-190856-4.
66. Young, John (5 de febrero de 2010). " ' Avatar' frente a 'Lo que el viento se llevó ' " . Entertainment Weekly . Archivado desde el original el 8 de marzo de 2015 . Consultado el 5 de febrero de 2013 .
67. "Acerca del censo de 1940" . Sitio web oficial del censo de 1940 . Administración Nacional de Archivos y Registros . Archivado desde el original el 5 de febrero de 2013 . Consultado el 5 de febrero de 2013 .
68. "Actividades cinematográficas de Londres". The New York Times . 25 de junio de 1944. X3.
69. " ' Viento,' 'Winchester' Top películas taquilleras en Japón" . Variedad . 8 de octubre de 1952. p. 14 . Consultado el 18 de enero de 2021 , a través de Archive.org .
70. "Ganadores extranjeros de todos los tiempos en Japón". Variedad . 7 de marzo de 1984. p. 89.
71. Finler, Joel Waldo (2003). La historia de Hollywood . Prensa Wallflower. págs.  47 , 356 –363. ISBN 978-1-903364-66-6.
72. "Negocio del espectáculo: viento récord" . Tiempo . 19 de febrero de 1940. Archivado desde el original el 2 de febrero de 2010 . Consultado el 19 de enero de 2013 .
73. Stokes, Melvyn (2008). El nacimiento de una nación de DW Griffith: una historia de la película más polémica de todos los tiempos . Prensa de la Universidad de Oxford . págs.  119 y 287 . ISBN 978-0-19-533678-8.
74. Grieveson, Lee (2004). Vigilancia del cine: películas y censura en Estados Unidos de principios del siglo XX . Prensa de la Universidad de California . pag. 308 . ISBN 978-0-520-23966-1.
75. Thomas, Bob (1 de agosto de 1963). "Las finanzas de la película ya no están ocultas al escrutinio". El robesoniano . Prensa asociada . pag. 10 .
76. Berkowitz, Edward D. (2010). Llamamiento masivo: la era formativa del cine, la radio y la televisión . Historias esenciales de Cambridge. Prensa de la Universidad de Cambridge . pag. 160 . ISBN 978-0-521-88908-7.
77. Hall, Sheldon; Neale, Stephen (2010). Épicas, espectáculos y éxitos de taquilla: una historia de Hollywood . Prensa de la Universidad Estatal de Wayne . pp.  181 - 182 . ISBN 978-0-8143-3008-1.
78. Thomas, Bob (6 de mayo de 1971). "Reediciones que juegan un papel importante en el marketing de películas hoy". The Register-Guard . Prensa asociada . pag. 9E .
79. Kay, Eddie Dorman (1990). Campeones de taquilla: Las películas más populares de los últimos 50 años . Publicación de valor de casa aleatoria . pag. 92. ISBN 978-0-517-69212-7.
80. Akhmatova, Anna (1973). "Lo que el viento se llevó". The Atlantic Monthly . 231 . pag. 2 . A finales de 1971, GWTW se erigió como la película de todos los tiempos que atrae dinero, con una recaudación de $ 116 millones y, con las reediciones de este año, debería seguir adelantándose al segundo lugar y al kaffee de todos los tiempos . espectáculo mit-schlag .
81. "Grosses nacionales - ajustado por la inflación del precio de las entradas" . Taquilla Mojo . Archivado desde el original el 12 de abril de 2014 . Consultado el 8 de febrero de 2013 .
82. "Lo que el viento se llevó en la lista de películas" . BBC News . 28 de noviembre de 2004. Archivado desde el original el 15 de junio de 2012 . Consultado el 9 de junio de 2011 .
83. "La lista de películas definitiva" . Instituto de Cine Británico . Archivado desde el original el 7 de noviembre de 2018 . Consultado el 9 de agosto de 2009 .
84. "Top 250 tous les temps en France (Reprises incluses)" . Taquilla de JP. Archivado desde el original el 31 de marzo de 2018 . Consultado el 2 de diciembre de 2017 .
85. "Lo que el viento se llevó" . Los números . Servicios de información de Nash. Archivado desde el original el 26 de marzo de 2014 . Consultado el 8 de febrero de 2013 .
86. "Película de taquilla más alta bruta - Inflación ajustada" . Récords mundiales Guinness . 2014. Archivado desde el original el 9 de febrero de 2015 . Consultado el 9 de febrero de 2015 .
87. Corso, Regina A. (21 de febrero de 2008). "Sinceramente, querida mía, la fuerza está con ellos como lo que el viento se llevó y Star Wars son las dos películas favoritas de todos los tiempos" (PDF) (Comunicado de prensa). Harris Interactive . Archivado desde el original (PDF) el 14 de junio de 2013 . Consultado el 9 de julio de 2017 .
88. Shannon-Missal, Larry (17 de diciembre de 2014). "Ido pero no olvidado: Lo que el viento se llevó sigue siendo la película favorita de Estados Unidos" (Comunicado de prensa). Harris Interactive . Archivado desde el original el 28 de diciembre de 2014 . Consultado el 9 de julio de 2017 .
89. "100 años de AFI ... Las listas completas" . Instituto de Cine Americano . Archivado desde el original el 26 de abril de 2014 . Consultado el 27 de febrero de 2013 .
90. Schlesinger, Arthur (marzo de 1973). "El tiempo, por desgracia, ha tratado cruelmente a lo que el viento se llevó" . The Atlantic Monthly . 231 (3). pag. 64. Archivado desde el original el 21 de mayo de 2013 . Consultado el 16 de febrero de 2013 .
91. Schickel, Richard (marzo de 1973). "Brillante, sentimental, risueño" . The Atlantic Monthly . 231 (3). pag. 71. Archivado desde el original el 21 de mayo de 2013 . Consultado el 16 de febrero de 2013 .
92. Kauffman, Stanley (marzo de 1973). "Lo romántico sigue siendo popular" . The Atlantic Monthly . 231 (3). pag. 61. Archivado desde el original el 21 de mayo de 2013 . Consultado el 16 de febrero de 2013 .
93. Sarris, Andrew (marzo de 1973). "Esta película de todas las películas" . The Atlantic Monthly . 231 (3). pag. 58. Archivado desde el original el 21 de mayo de 2013 . Consultado el 16 de febrero de 2013 .
94. Crist, Judith (marzo de 1973). "Gloriosos excesos" . The Atlantic Monthly . 231 (3). pag. 67. Archivado desde el original el 21 de mayo de 2013 . Consultado el 16 de febrero de 2013 .
95. "Votos para Lo que el viento se llevó (1939)" . Instituto de Cine Británico . 2012. Archivado desde el original el 17 de febrero de 2018 . Consultado el 16 de febrero de 2018 .
96. "Las 100 mejores películas estadounidenses" . BBC. 20 de julio de 2015. Archivado desde el original el 16 de septiembre de 2016 . Consultado el 21 de julio de 2015 .
97. "100 años de AFI ... 100 películas" . Instituto de Cine Americano . Junio ​​de 1998. Archivado desde el original el 13 de mayo de 2016 . Consultado el 27 de febrero de 2013 .
98. "100 años de AFI ... 100 películas (edición del décimo aniversario)" . Instituto de Cine Americano . 20 de junio de 2007. Archivado desde el original el 18 de agosto de 2015 . Consultado el 27 de febrero de 2013 .
99. "Las 80 películas mejor dirigidas" . Gremio de Directores de América . Primavera de 2016. Archivado desde el original el 3 de mayo de 2016 . Consultado el 4 de mayo de 2016 .
100. "Las 100 películas favoritas de Hollywood" . El reportero de Hollywood . 25 de junio de 2014. Archivado desde el original el 14 de septiembre de 2015 . Consultado el 13 de julio de 2014 .
101. "Junta Nacional de preservación de películas: Registro de películas - Listado completo del Registro de películas nacionales" . Biblioteca del Congreso . Archivado desde el original el 31 de octubre de 2016 . Consultado el 14 de diciembre de 2017 .
102. "Junta Nacional de preservación de películas: registro de películas - nominado" . Biblioteca del Congreso . Archivado desde el original el 16 de diciembre de 2017 . Consultado el 14 de diciembre de 2017 .
103. Vera, Hernán; Gordon, Andrew Mark (2003). Screen Saviors: Hollywood Fictions of Whiteness . Rowman y Littlefield . pag. viii y 102 . ISBN 978-0-8476-9947-6.
104. Seda, Catherine; Silk, Johnk (1990). Racismo y antirracismo en la cultura popular estadounidense: representaciones de afroamericanos en la ficción y el cine . Prensa de la Universidad de Manchester . pag. 141 . ISBN 978-0-7190-3070-3.
105. Dickey, Jennifer W. (2014). Un pequeño trozo de historia difícil: Lo que el viento se llevó y la política de la memoria . Prensa de la Universidad de Arkansas . pag. 66 . ISBN 978-1-55728-657-4.
106. Ruiz, W. Bryan Rommel (2010). La historia estadounidense va al cine: Hollywood y la experiencia estadounidense . Taylor y Francis . pag. 61 . ISBN 978-0-203-83373-5.
107. Smyth, JE (2006). Reconstruyendo el cine histórico estadounidense: de Cimarron a Citizen Kane . Prensa de la Universidad de Kentucky . pag. 164 . ISBN 978-0-8131-7147-0.
108. Savitsky, Sasha (28 de agosto de 2017). " Proyecciones de ' Lo que el viento se llevó' extraídas del teatro de Memphis por contenido racialmente 'insensible'" . Fox News . Archivado desde el original el 28 de agosto de 2017 . Consultado el 28 de agosto de 2017 .
109. Agencias y personal del tutor (29 de agosto de 2017). "Teatro en Memphis tira 'racialmente insensible' Lo que el viento se llevó" . The Guardian . Archivado desde el original el 29 de agosto de 2017 . Consultado el 29 de agosto de 2017 .
110. Cooper, Kori (17 de abril de 2020). "La respuesta de una feminista negra a la pregunta de Trump:" ¿Podemos dejarnos llevar por el viento, por favor? " " . Entropía . Consultado el 28 de noviembre de 2020 .
111. Ridley, John (8 de junio de 2020). "John Ridley: Por qué HBO Max debería eliminar 'Lo que el viento se llevó' por ahora" . Los Angeles Times . Archivado desde el original el 16 de junio de 2020 . Consultado el 10 de junio de 2020 .
112. Moreau, Jordan (9 de junio de 2020). "HBO Max elimina temporalmente 'Lo que el viento se llevó' de la biblioteca" . Variedad . Archivado desde el original el 12 de junio de 2020 . Consultado el 10 de junio de 2020 .
113. Vanacker, Rebecca (9 de junio de 2020). "HBO Max elimina silenciosamente lo que el viento se llevó" . ScreenRant . Archivado desde el original el 10 de junio de 2020 . Consultado el 9 de junio de 2020 .
114. Tapp, Tom (9 de junio de 2020). "HBO Max elimina 'Lo que el viento se llevó' de la plataforma de transmisión, dice que la película regresará con una" discusión de su contexto histórico " " . Fecha límite de Hollywood . Archivado desde el original el 10 de junio de 2020 . Consultado el 10 de junio de 2020 .
115. Gajanan, Mahita (12 de junio de 2020). "Lo que el viento se llevó no debe borrarse, argumentan los historiadores del cine. Pero no debe verse en el vacío" . Tiempo . Archivado desde el original el 17 de junio de 2020 . Consultado el 17 de junio de 2020 .
116. Spangler, Todd (10 de junio de 2020). " ' Lo que el viento se llevó' alcanza el n. ° 1 en la lista de los más vendidos de Amazon después de la película de HBO Max Drops" . Variedad . Archivado desde el original el 12 de junio de 2020 . Consultado el 12 de junio de 2020 .
117. Stewart, Jacqueline (29 de junio de 2020). " ' Lo que el viento se llevó' regresa a HBO Max con la introducción de un experto en cine afroamericano" . Edición matutina (entrevista). Entrevistado por Rachel Martin . NPR . Archivado desde el original el 6 de agosto de 2020 . Consultado el 2 de septiembre de 2020 .
118. Stewart, Jacqueline (25 de junio de 2020). "Por qué no podemos alejarnos de 'Lo que el viento se llevó ' " . CNN . Archivado desde el original el 2 de septiembre de 2020 . Consultado el 2 de septiembre de 2020 .
119. White, John; Haenni, Sabine, eds. (2009). Cincuenta películas estadounidenses clave . Guías clave de Routledge. Routledge . pag. 59 . ISBN 978-0-203-89113-1.
120. Hickok, Eugene W., Jr. (1991). Declaración de derechos: significado original y comprensión actual . Prensa de la Universidad de Virginia . pag. 103 . ISBN 978-0-8139-1336-0.
121. Paludi, Michele A. (2012). La psicología del amor . Psicología de la mujer. 2 . ABC-CLIO . pag. xxvi . ISBN 978-0-313-39315-0.
122. Allison, Julie A .; Wrightsman, Lawrence S. (1993). Violación: El crimen incomprendido (2 ed.). Publicaciones Sage . pag. 90 . ISBN 978-0-8039-3707-9.
123. Pagelow, Mildred Daley; Pagelow, Lloyd W. (1984). Violencia familiar . Estudios especiales Praeger. ABC-CLIO . pag. 420 . ISBN 978-0-275-91623-7.
124. Frus, Phyllis (2001). "Documentación de la violencia doméstica en películas estadounidenses". En Slocum, J. David (ed.). Violencia en el cine estadounidense . Lectores de películas Afi. Routledge . pag. 231 . ISBN 978-0-415-92810-6.
125. Nugent, Frank S. (1 de julio de 1939). "Second Fiddle (1939) The Screen; 'Second Fiddle', con Tyrone Power y Sonja Heine, se abre en el Roxy: informes sobre nuevas películas extranjeras" . The New York Times . Archivado desde el original el 8 de agosto de 2014 . Consultado el 19 de junio de 2014 .
126. Gómez-Galisteo, M. Carmen (2011). The Wind Is Never Gone: Secuelas, parodias y reescrituras de Lo que el viento se llevó . McFarland & Company . pag. 173. ISBN 978-0-7864-5927-8.
127. "La guerra de Scarlett O'Hara (1980)" . Allmovie . Rovi Corporation . Archivado desde el original el 22 de junio de 2013 . Consultado el 2 de marzo de 2013 .
128. Spencer, Charles (8 de octubre de 2007). "Luz de luna y magnolias: la comedia captura el nacimiento de una película clásica" . El Daily Telegraph . Archivado desde el original el 23 de marzo de 2014 . Consultado el 17 de enero de 2013 .
129. Thames, Stephanie. "La creación de una leyenda: Lo que el viento se llevó (1988) - Artículos" . Base de datos TCM . Películas clásicas de Turner . Archivado desde el original el 27 de mayo de 2013 . Consultado el 2 de marzo de 2013 .
130. McAllister, Bill (5 de marzo de 1990). "El servicio postal va a Hollywood, pone estrellas legendarias en el sello". The Daily Gazette . pag. B9 .
131. "Lista completa clasificada de los 200 íconos más grandes de la cultura pop" (Comunicado de prensa). VH1 . Archivado desde el original el 14 de enero de 2012 . Consultado el 4 de mayo de 2020 .
132. "Scarlett (1994)" . Allmovie . Rovi Corporation . Archivado desde el original el 4 de marzo de 2014 . Consultado el 3 de marzo de 2013 .

Lectura adicional

• Bridges, Herb (1999). Lo que el viento se llevó: estreno de tres días en Atlanta . Prensa de la Universidad Mercer . ISBN 978-0-86554-672-1.
• Cameron, Judy; Christman, Paul J. (1989). El arte de lo que el viento se llevó: la creación de una leyenda . Prentice Hall . ISBN 978-0-13-046740-9.
• Harmetz, Aljean (1996). En el camino a Tara: la creación de Lo que el viento se llevó . Nueva York: Harry N. Abrams . ISBN 978-0-8109-3684-3.
• Lambert, Gavin (1973). GWTW: La creación de Lo que el viento se llevó . Nueva York: Little, Brown and Company . ISBN 978-0-316-51284-8.
• Vertrees, Alan David (1997). La visión de Selznick: Lo que el viento se llevó y el cine de Hollywood . Prensa de la Universidad de Texas . ISBN 978-0-292-78729-2.

Enlaces externos

Wikimedia Commons tiene medios relacionados con Lo que el viento se llevó (película) .

Wikiquote tiene citas relacionadas con: Lo que el viento se llevó (película)

• Lo que el viento se llevó en IMDb
• Lo que el viento se llevó en la base de datos de películas de TCM
• Lo que el viento se llevó en TCM Mediaroom
• Lo que el viento se llevó en Rotten Tomatoes
• William Hartsfield y Russell Bellman estrenan películas en el Atlanta History Center .
• Producción de la exposición web Lo que el viento se llevó en el Harry Ransom Center
• Serie de artículos Lo que el viento se llevó en The Atlantic