La historia del arte se centra en objetos hechos por humanos en forma visual con fines estéticos . Las artes visuales se pueden clasificar de diversas formas , como separando las bellas artes de las artes aplicadas ; centrándose de manera inclusiva en la creatividad humana; o enfocarse en diferentes medios como arquitectura , escultura , pintura , cine , fotografía y artes gráficas . En los últimos años, los avances tecnológicos han dado lugar a vídeo arte, arte digital , arte de acción , animación, televisión y videojuegos .
La historia del arte a menudo se cuenta como una cronología de obras maestras creadas durante cada civilización . Por lo tanto, puede enmarcarse como una historia de alta cultura , personificada por las Maravillas del Mundo . Por otro lado, las expresiones de arte vernáculo también pueden integrarse en narrativas históricas del arte, denominadas artes populares o artesanías . Cuanto más de cerca se relacione un historiador del arte con estas últimas formas de baja cultura , más probable es que identifique su trabajo como un examen de la cultura visual o la cultura material , o como una contribución a campos relacionados con la historia del arte, como la antropología o la arqueología. . En los últimos casos, los objetos de arte pueden denominarse artefactos arqueológicos .
Prehistoria
La concha del pseudodonte DUB1006-fL supuestamente grabada por Homo erectus data de hace 500.000 años, aunque se desconoce el significado y la intención detrás de estos grabados. [1] Se han hecho afirmaciones de arte, adornos y estructuras neandertales , que datan de alrededor de 130.000 antes del presente, y sugieren que los neandertales pueden haber sido capaces de pensamiento simbólico , [8] [9] pero ninguna de estas afirmaciones es ampliamente aceptada. [10]
Paleolítico
El arte humano seguro más antiguo que se ha encontrado data de la Edad de Piedra tardía durante el Paleolítico superior , posiblemente alrededor del 70.000 a. C., [7] pero con certeza de alrededor del 40.000 a. C., cuando las primeras obras creativas se hicieron con concha, piedra y pintura de Homo sapiens , utilizando el pensamiento simbólico. [11] Durante el Paleolítico superior (50.000–10.000 a. C.), los humanos practicaban la caza y la recolección y vivían en cuevas , donde se desarrolló la pintura rupestre . [12] Durante el período Neolítico (10,000-3,000 AC) comenzó la producción de artesanías .
La aparición de la capacidad creativa en estas sociedades primitivas ejemplifica una ventaja evolutivamente selectiva para los individuos artísticos. Dado que la supervivencia no depende de la producción de arte, los individuos productores de arte demostraron agencia sobre sus entornos en el sentido de que tenían tiempo libre para crear una vez completados sus deberes esenciales, como la caza y la recolección. [13] Estos artistas preliminares eran raros y "muy dotados" dentro de sus comunidades. [14] Indicaron avances en la cognición y comprensión del simbolismo. [14]
Sin embargo, los primeros artefactos humanos que muestran evidencia de mano de obra con un propósito artístico son objeto de cierto debate. Está claro que tal mano de obra existía hace 40.000 años en la era del Paleolítico superior , aunque es muy posible que comenzara antes.
Las manifestaciones artísticas del Paleolítico superior alcanzaron su punto máximo en el período Magdaleniense (± 15.000–8.000 a. C.). Esta oleada de efusiones creativas se conoce como la "revolución del Paleolítico superior" o la "explosión creativa". [15] El arte sobreviviente de este período incluye pequeñas tallas en piedra o hueso y pintura rupestre . Los primeros rastros de objetos hechos por humanos aparecieron en el sur de África , el Mediterráneo occidental , Europa central y oriental ( mar Adriático ), Siberia ( lago Baikal ), India y Australia. Estos primeros vestigios son generalmente de piedra labrada ( pedernal , obsidiana ), herramientas de madera o hueso . Para pintar en rojo , óxido de hierro se utilizó. El color, el patrón y la semejanza visual fueron componentes del arte paleolítico. Los patrones utilizados incluyeron líneas en zig-zag, entrecruzadas y paralelas. [14]
Se han encontrado pinturas rupestres en la región franco-cantábrica . Hay imágenes tanto abstractas como naturalistas . Las pinturas rupestres eran simbólicamente representativas de actividades que requerían participantes instruidos: se usaban como herramientas de enseñanza y muestran una mayor necesidad de comunicación y habilidades especializadas para los primeros humanos. [16] Se pintaron animales en las cuevas de Altamira , Trois Frères , Chauvet y Lascaux . La escultura está representada por las llamadas figurillas de Venus , figuras femeninas que pueden haber sido utilizadas en cultos de fertilidad , como la Venus de Willendorf . [17] Existe la teoría de que estas figuras pueden haber sido hechas por mujeres como expresiones de su propio cuerpo. [18] Otras obras representativas de este período son El Hombre de Brno , [19] y Venus de Brassempouy . [20]
Una función del arte paleolítico fue mágica, siendo utilizada en rituales. Los artistas del Paleolítico eran personas particulares, respetadas en la comunidad porque sus obras de arte estaban vinculadas con creencias religiosas. De esta manera, los artefactos eran símbolos de ciertas deidades o espíritus. [21]
Posiblemente el "dibujo de manos humanas más antiguo conocido", descubierto en la cueva Blombos en Sudáfrica . Se estima que tiene 73.000 años. [7]
Figura de hombre león o Löwenmensch ; C. 35.000-40.000 a. C. ( Auriñaciense - Paleolítico superior ); marfil de mamut; Museum Ulm (Alemania)
Caballo vogelherd ; C. 34.000-31.000 AC; marfil de mamut; longitud: 5 cm; Protohistoria y Arqueología Medieval, Universidad de Tübingen (Alemania) [22]
Pinturas rupestres de las cuevas de Lascaux ( Montignac, Dordoña , Francia)
Venus de Willendorf ; C. 26.000 a. C. ( período gravetiano ); piedra caliza con coloración ocre; Museo Naturhistorisches ( Viena , Austria)
Venus de Dolní Věstonice ; C. 26.000 a. C.; arcilla cocida; altura: 11,5 cm; Museo de Moravia ( Brno , República Checa ) [22]
Venus de Brassempouy ; C. 23.000 aC; marfil de mamut; altura: 3,5 cm; Museo Arqueológico Nacional de Francia ( Saint-Germain-en-Laye , Francia) [22]
Picadura de insecto lamiendo bisontes ; 15.000-13.000 a. C.; cornamenta ; Museo Nacional de Prehistoria ( Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil , Francia)
mesolítico
En la arqueología del Viejo Mundo, el Mesolítico ( griego : μέσος, mesos "medio"; λίθος, lithos "piedra") es el período comprendido entre el Paleolítico Superior y el Neolítico . El término epipaleolítico se usa a menudo como sinónimo, especialmente para fuera del norte de Europa , y para el período correspondiente en el Levante y el Cáucaso . El Mesolítico tiene diferentes períodos de tiempo en diferentes partes de Eurasia. Se refiere al período final de las culturas de cazadores-recolectores en Europa y Asia occidental, entre el final del Último Máximo Glacial y la Revolución Neolítica . En Europa se extiende aproximadamente entre el 15.000 y el 5.000 a.C., en el suroeste de Asia (el Cercano Oriente epipaleolítico ) aproximadamente entre el 20.000 y el 8.000 a.C. El término se usa menos para las áreas más al este, y para nada más allá de Eurasia y el norte de África.
Neolítico
El período neolítico comenzó alrededor del 10.000 a. C. El arte rupestre de la cuenca mediterránea ibérica, fechado entre el Mesolítico y el Neolítico, contenía pequeñas pinturas esquemáticas de figuras humanas, con notables ejemplos en El Cogul , Valltorta, Alpera y Minateda.
La pintura neolítica es similar a las pinturas que se encuentran en el norte de África ( Atlas , Sahara) y en el área de la actual Zimbabwe . La pintura neolítica suele ser esquemática, realizada con trazos básicos (hombres en forma de cruz y mujeres en forma triangular ). También hay pinturas rupestres en el río Pinturas en Argentina , especialmente la Cueva de las Manos . En el arte portátil , se produjo un estilo llamado cerámica Cardium , decorada con huellas de conchas marinas . Se utilizaron nuevos materiales en el arte, como el ámbar , el cristal y el jaspe . En este período aparecen los primeros vestigios de urbanismo, como los restos en Tell as-Sultan ( Jericó ), Jarmo ( Irak ) y Çatalhöyük ( Anatolia ). [23] En el sudeste de Europa aparecieron muchas culturas, como la cultura Cucuteni-Trypillia (de Rumania , República de Moldavia y Ucrania ) y la cultura Hamangia (de Rumania y Bulgaria ). Otras regiones con muchas culturas son China, siendo las más notables la cultura Yangshao y la cultura Longshan ; y Egipto , con las culturas Badarian , Naqada I , II y III .
Los materiales comunes de las esculturas neolíticas de Anatolia son el marfil, la piedra, la arcilla y el hueso. Muchos son antropomórficos , especialmente femeninos, siendo raros los zoomorfos . Las figurillas femeninas son gordas y delgadas. Se han descubierto tallas zoomorfas y antropomórficas en Siberia , Afganistán , Pakistán y China . [24]
El hombre de Urfa ; de la actual Turquía ; C. 9000 aC; piedra arenisca ; altura: 1,8 m; Museo de Arqueología y Mosaicos de Şanlıurfa ( Urfa , Turquía)
Fragmento de un cuenco; por la cultura Halaf de Mesopotamia ; 5600-5000 AC; cermaico; 8,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Tarro globular; por la cultura Dimini de Grecia; 5300-4800 AC; cerámico; altura: 25 cm (9 3 ⁄ 4 pulg .), diámetro en el borde: 12 cm (4 3 ⁄ 4 pulg.); Museo Arqueológico Nacional ( Atenas )
El pensador ; por la cultura Hamangia de Rumania; C. 5000 aC; terracota; altura: 11,5 cm (4 1 ⁄ 2 pulg.); Museo Nacional de Historia de Rumanía ( Bucarest )
Figura femenina; por la cultura Vinča de Serbia ; 4500-3500 AC; arcilla cocida con pintura; total: 16,1 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Figurilla de un hombre barbudo; por la cultura Naqada I de Egipto; 3800-3500 AC; brecha ; del Alto Egipto ; Musée des Confluences ( Lyon , Francia)
Vasija 'estilo llama'; del período Jōmon de Japón; C. 2750 AC; loza con decoración tallada y aplicada; altura: 61 cm, diámetro: 55,8 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Vasija de cerámica punteada, tipo semi-montaña; por la cultura Yangshao de China; 2700-2300 AC; Museo Provincial de Gansu ( Lanzhou , China)
Edad del metal
La última fase prehistórica es la Edad de los Metales (o sistema de las Tres Edades ), durante la cual el uso del cobre , bronce y hierro transformó las sociedades antiguas. Cuando los humanos podían fundir y forjar, los implementos de metal podían usarse para fabricar nuevas herramientas, armas y arte.
En el Calcolítico (Edad del Cobre) surgieron los megalitos . Los ejemplos incluyen el dolmen , el menhir y el cromlech inglés , como se puede ver en los complejos de Newgrange y Stonehenge . [25] En España , se formó la cultura Los Millares , que se caracterizó por la cultura Beaker . En Malta , se construyeron los complejos de templos formados por Ħaġar Qim , Mnajdra , Tarxien y Ġgantija . En las Islas Baleares se desarrollaron notables culturas megalíticas, con diferentes tipos de monumentos: la naveta , una tumba en forma de pirámide truncada , con una cámara funeraria alargada; la taula , dos piedras grandes, una colocada verticalmente y la otra horizontalmente una encima de la otra; y el talayot , una torre con cámara cubierta y cúpula falsa . [26]
En la Edad del Hierro , emergen en Europa las culturas de Hallstatt ( Austria ) y La Tène ( Suiza ). El primero se desarrolló entre los siglos VII y V a.C., caracterizado por la necropoleis con tumbas tumulares y una cámara funeraria de madera en forma de casa, a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. La cerámica era policromada , con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. La Tène se desarrolló entre los siglos V y IV a.C. y es más conocida como arte celta temprano . Produjo muchos objetos de hierro, como espadas y lanzas , que no han sobrevivido bien hasta la década de 2000 debido a la oxidación. [ cita requerida ]
La Edad del Bronce se refiere al período en el que el bronce era el mejor material disponible. El bronce se utilizó para escudos , fíbulas y otros objetos muy decorados , con diferentes etapas de evolución del estilo. La decoración fue influenciada por el arte griego , etrusco y escita . [27]
Antigüedad
En el primer período de la historia registrada, el arte coincidió con la escritura . Surgieron las grandes civilizaciones del Cercano Oriente : Egipto y Mesopotamia . A nivel mundial, durante este período aparecieron las primeras grandes ciudades cerca de los principales ríos: el Nilo , el Tigris y el Éufrates , el Indo y el Río Amarillo .
Uno de los grandes avances de este período fue la escritura, que se desarrolló a partir de la tradición de la comunicación mediante imágenes. La primera forma de escritura fueron los símbolos Jiahu del Neolítico de China , pero la primera escritura verdadera fue la escritura cuneiforme , que surgió en Mesopotamia c. 3500 a.C., escrito en tablillas de arcilla . Se basó en elementos pictográficos e ideográficos , mientras que los sumerios posteriores desarrollaron sílabas para escribir, reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio . En Egipto, la escritura jeroglífica también se desarrolló utilizando imágenes, que aparecen en obras de arte como la paleta de Narmer (3.100 a. C.). La civilización del valle del Indo esculpió sellos con textos breves y decorados con representaciones de animales y personas. Mientras tanto, los olmecas esculpían cabezas colosales y decoraban otras esculturas con sus propios jeroglíficos . En estos tiempos, la escritura era accesible solo para las élites.
Mesopotamia
El arte mesopotámico se desarrolló en el área entre los ríos Tigris y Éufrates en la actual Siria e Irak, donde desde el cuarto milenio antes de Cristo existieron muchas culturas diferentes como Sumer , Akkad , Amorite y Caldea . La arquitectura mesopotámica se caracterizó por el uso de ladrillos , dinteles y mosaicos de cono . Ejemplos notables son los zigurats , grandes templos en forma de pirámides escalonadas . La tumba era una cámara cubierta con una cúpula falsa , como en algunos ejemplos encontrados en Ur . También había palacios amurallados con una terraza en forma de zigurat, donde los jardines eran un elemento importante. Los Jardines Colgantes de Babilonia fueron una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo .
La escultura en relieve se desarrolló en madera y piedra . La escultura mostraba escenas religiosas, militares y de caza, incluidas figuras humanas y animales. En el período sumerio , se produjeron pequeñas estatuas de personas. Estas estatuas tenían una forma angular y fueron producidas a partir de piedra coloreada. Las figuras típicamente tenían la cabeza calva con las manos cruzadas sobre el pecho. En el período acadio , las estatuas representaban figuras con cabello largo y barba, como la estela de Naram-Sin . En el período amorreo (o neosumerio ), las estatuas representaban a los reyes de Gudea de Lagash , con sus mantos y turbantes en la cabeza y las manos en el pecho. Durante el gobierno babilónico , la estela de Hammurabi fue importante, ya que representaba al gran rey Hammurabi encima de una copia escrita de las leyes que introdujo. La escultura asiria destaca por su antropomorfismo del ganado y el genio alado , que se representa volando en muchos relieves que representan escenas de guerra y caza, como en el Obelisco Negro de Salmanasar III . [28]
Adorador masculino de pie, una de las doce estatuas del Tesoro de Tell Asmar ; 2900-2600 AC; yeso alabastro, concha, caliza negra y betún; 29,5 x 12,9 x 10 cm; Museo Metropolitano de Arte
Estatuas sumerias de adoradores (hombres y mujeres); 2800-2400 a. C. ( período dinástico temprano ); Museo Nacional de Irak ( Bagdad )
Adorno de cabeza de toro de lira; 2600-2350 AC; incrustaciones de bronce con concha y lapislázuli ; alto: 13,3 cm, ancho: 10,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
Un carnero en un matorral ; 2600-2400 a. C.; oro, cobre, concha, lapislázuli y piedra caliza ; altura: 45,7 cm (1 pie 6 pulg.); Museo Británico (Londres)
El estandarte de Ur ; 1600-1400 aC (el período dinástico temprano III); concha, piedra caliza roja y lapislázuli sobre madera; altura: 21,7 cm, longitud: 50,4 cm; descubierto en el cementerio real de Ur ( gobernación de Dhi Qar , Irak); Museo Británico
La estatua de Ebih-Il ; C. 2400 AC; yeso , esquisto , conchas y lapislázuli; altura: 52,5 cm; Louvre (París)
Sello de Hash-hamer, que muestra al rey entronizado Ur-Nammu , con impresión moderna; C. 2100 AC; diorita; altura: 5,3 cm; Museo Británico (Londres)
Relieve asirio con un genio alado con cubo y cono ; 713-706 BC; altura: 3,3 m, ancho: 2,1 m; Lumbrera
Egipto
Una de las primeras grandes civilizaciones surgió en Egipto , que tenía elaboradas y complejas obras de arte producidas por artistas y artesanos profesionales. El arte de Egipto era religioso y simbólico. Dado que la cultura tenía una estructura de poder y una jerarquía altamente centralizadas, se creó una gran cantidad de arte para honrar al faraón , incluidos grandes monumentos. El arte y la cultura egipcios enfatizaron el concepto religioso de inmortalidad. El arte egipcio posterior incluye arte copto y bizantino .
La arquitectura se caracteriza por estructuras monumentales, construidas con grandes bloques de piedra, dinteles y columnas macizas . Los monumentos funerarios incluían mastaba , tumbas de forma rectangular; pirámides , que incluían pirámides escalonadas ( Saqqarah ) o pirámides de lados lisos ( Giza ); y el hipogeo , tumbas subterráneas ( Valle de los Reyes ). Otros grandes edificios fueron el templo , que tendía a ser conjuntos monumentales precedidos por una avenida de esfinges y obeliscos . Los templos usaban pilones y muros trapezoidales con hypaethros y salones y santuarios hipóstilos . Los templos de Karnak , Luxor , Philae y Edfu son buenos ejemplos. Otro tipo de templo es el templo de roca , en forma de hipogeo , que se encuentra en Abu Simbel y Deir el-Bahari .
La pintura de la época egipcia utilizó una yuxtaposición de planos superpuestos. Las imágenes fueron representadas jerárquicamente, es decir, el faraón es más grande que los sujetos comunes o enemigos representados a su lado. Los egipcios pintaron el contorno de la cabeza y las extremidades de perfil, mientras que el torso, las manos y los ojos se pintaron de frente. Las artes aplicadas se desarrollaron en Egipto, en particular la artesanía en madera y metal . Hay magníficos ejemplos, como muebles de cedro con incrustaciones de ébano y marfil, que se pueden ver en las tumbas del Museo Egipcio . Otros ejemplos incluyen las piezas encontradas en la tumba de Tutankhamon , que son de gran valor artístico. [29]
Pectoral y collar de la princesa Sithathoriunet ; 1887–1813 a. C.; oro, cornalina , lapislázuli , turquesa , granate y feldespato ; altura de la pectoral: 4,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Estatua de retrato arrodillado de Amenemhat sosteniendo una estela con una inscripción; C. 1500 AC; caliza; Museo Egipcio de Berlín (Alemania)
Fresco que representa a los pájaros cazando Nebamun ; 1350 a. C.; pintar sobre yeso ; 98 veces; 83 cm; Museo Británico (Londres)
Alivio de la familia real: Akhenaton , Nefertiti y las tres hijas; 1352-1336 a. C.; piedra caliza pintada ; 25 × 20 cm; Museo Egipcio de Berlín
La Máscara de Tutankamón ; C. 1327 a . C .; oro, vidrio y piedras semipreciosas; altura: 54 cm; Museo Egipcio ( El Cairo )
El busto de Nefertiti ; 1352-1332 a. C.; piedra caliza pintada ; altura: 50 cm; Neues Museum ( Berlín , Alemania)
El bien conservado Templo de Isis de Filae (Egipto), uno de los templos mejor conservados del antiguo Egipto, 380 a.C.-117 d.C.
Ilustración de varios tipos de capiteles, dibujada por el egiptólogo Karl Richard Lepsius
la civilización del valle del Indo
Descubierta mucho después de las civilizaciones contemporáneas de Mesopotamia y Egipto , la civilización del valle del Indo o la civilización Harappa (c. 2400–1900 a. C.) ahora se reconoce como extraordinariamente avanzada, comparable en muchos aspectos con esas culturas.
En los sitios de excavación se han encontrado varias esculturas, sellos, vasijas de cerámica de bronce , joyas de oro y figurillas anatómicamente detalladas en terracota , bronce y esteatita. [30]
Varias figuras de oro, terracota y piedra de niñas en poses de baile revelan la presencia de alguna forma de danza. Estas figuras de terracota incluían vacas, osos, monos y perros. El animal representado en la mayoría de las focas en los sitios del período de madurez no se ha identificado claramente. Parte toro, parte cebra, con un cuerno majestuoso, ha sido fuente de especulaciones. Hasta ahora, no hay pruebas suficientes para sustentar las afirmaciones de que la imagen tenía un significado religioso o de culto, pero la prevalencia de la imagen plantea la cuestión de si los animales en las imágenes de la civilización son símbolos religiosos o no. [31]
Se han encontrado estatuillas realistas en el sitio de la civilización del valle del Indo. Uno de ellos es la famosa estatuilla de bronce de una bailarina de miembros delgados adornada con brazaletes, que se encuentra en Mohenjo-daro . Se han encontrado otras dos estatuillas realistas en Harappa en excavaciones estratificadas adecuadas, que muestran un tratamiento casi clásico de la forma humana: la estatuilla de un bailarín que parece ser un hombre y un torso masculino de jaspe rojo , ambos ahora en el Museo Nacional de Delhi. . El arqueólogo Sir John Marshall reaccionó con sorpresa cuando vio estas dos estatuillas de Harappa: [32]
Cuando los vi por primera vez, me resultó difícil creer que fueran prehistóricos; parecían alterar por completo todas las ideas establecidas sobre el arte y la cultura primitivos. Modelado como éste era desconocido en el mundo antiguo hasta la época helenística de Grecia, y pensé, por lo tanto, que seguramente se había cometido algún error; que estas figuras habían llegado a niveles unos 3000 años más antiguos que aquellos a los que pertenecían propiamente ... Ahora, en estas estatuillas, es precisamente esta verdad anatómica la que es tan sorprendente; eso nos hace preguntarnos si, en este asunto tan importante, los escultores de una época lejana en las orillas del Indo podrían haber anticipado el arte griego. [32]
Estas estatuillas siguen siendo controvertidas debido a sus técnicas avanzadas. Con respecto al torso de jaspe rojo, el descubridor, Vats , afirma una fecha de Harappa, pero Marshall consideró que esta estatuilla es probablemente histórica, que data del período Gupta , comparándola con el torso de Lohanipur mucho más tardío . [33] También se encontró una segunda estatuilla de piedra gris bastante similar de un hombre que bailaba a unos 150 metros de distancia en un estrato seguro de Harappa maduro. En general, el antropólogo Gregory Possehl tiende a considerar que estas estatuillas probablemente forman el pináculo del arte indio durante el período maduro de Harappa. [34]
Se han encontrado focas en Mohenjo-daro que representan una figura de pie sobre su cabeza y otra sentada con las piernas cruzadas en lo que algunos llaman una pose de yoga como la llamada Pashupati . Esta figura ha sido identificada de diversas formas. Sir John Marshall identificó un parecido con el dios hindú Shiva . [35] Si esto puede ser validado, sería evidencia de que algunos aspectos del hinduismo son anteriores a los primeros textos, el Veda . [ cita requerida ]
Vasija ceremonial; 2600-2450 AC; terracota con pintura negra; 49,53 x 25,4 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Sello de sello e impresión moderna: unicornio y quemador de incienso (?); 2600-1900 AC; esteatita quemada ; 3,8 x 3,8 x 1 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
El Sacerdote-Rey ; 2400-1900 a. C.; esteatita a fuego lento; altura: 17,5 cm; Museo Nacional de Pakistán ( Karachi )
Torso de baile masculino; 2400-1900 AC; caliza; altura: 9,9 cm; Museo Nacional ( Nueva Delhi , India)
China antigua
Durante la Edad del Bronce China (las dinastías Shang y Zhou ) las intercesiones de la corte y la comunicación con el mundo de los espíritus estaban a cargo de un chamán (posiblemente el propio rey). En la dinastía Shang (c. 1600-1050 a. C.), la deidad suprema era Shangdi , pero las familias aristocráticas preferían ponerse en contacto con los espíritus de sus antepasados. Prepararon elaborados banquetes de comida y bebida para ellos, calentados y servidos en vasijas rituales de bronce . Los vasos de bronce se utilizaron en rituales religiosos para cimentar la autoridad de Dhang, y cuando cayó la capital Shang, alrededor del 1050 a. C., sus conquistadores, los Zhou (c. 1050-156 a. C.), continuaron utilizando estos recipientes en rituales religiosos, pero principalmente como alimento. en lugar de beber. La corte Shang había sido acusada de embriaguez excesiva, y el Zhou, promoviendo el Tian imperial ("Cielo") como la principal fuerza espiritual, en lugar de antepasados, limitaba el vino en los ritos religiosos, a favor de la comida. El uso de bronces rituales continuó hasta principios de la dinastía Han (206 a. C.-220 d. C.).
Uno de los motivos más utilizados fue el taotie , un rostro estilizado dividido centralmente en 2 mitades casi en espejo, con fosas nasales, ojos, cejas, mandíbulas, mejillas y cuernos, rodeadas de patrones incisos. No se puede determinar si taotie representó criaturas reales, mitológicas o totalmente imaginarias.
Los enigmáticos bronces de Sanxingdui , cerca de Guanghan (en la provincia de Sichuan ), son evidencia de un misterioso sistema religioso de sacrificios diferente a cualquier otro lugar en la antigua China y bastante diferente del arte del contemporáneo Shang en Anyang . Las excavaciones en Sanxingdui desde 1986 han revelado 4 pozos que contienen artefactos de bronce , jade y oro . Se encontró una gran estatua de bronce de una figura humana que se encuentra sobre un pedestal decorado con abstractas cabezas de elefante. Además de la figura de pie, los primeros 2 pozos contenían más de 50 cabezas de bronce, algunas con tocados y 3 con una cubierta frontal de pan de oro .
Estatua de pie de un rey y líder chamán; C. 1200-1000 aC; probablemente bronce; altura total: 2,62 m; Museo Sanxingdui ( Guanghan , provincia de Sichuan , China)
Houmuwu ding , el bronce antiguo más grande jamás encontrado; 1300-1046 a. C.; bronce; Museo Nacional de China (Beijing)
Conjunto de altar; finales del siglo XI antes de Cristo; bronce; total (tabla): altura: 18,1 cm, ancho: 46,4 cm, profundidad: 89,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Uno de los guerreros del ejército de terracota , una famosa colección de esculturas de terracota que representan los ejércitos de Qin Shi Huang , el primer emperador de China.
griego
Incluso en la antigüedad, las artes de Grecia fueron reconocidas por otras culturas como preeminentes. El poeta latino Horacio , que escribió en la época del emperador romano Augusto (siglo I a.C. a siglo I d.C.), comentó que, aunque conquistada en el campo de batalla, "la Grecia cautiva venció a su conquistador salvaje y llevó las artes a la Roma rústica". El poder del arte griego radica en su representación de la figura humana y su enfoque en los seres humanos y los dioses antropomórficos como sujetos principales. Durante el período clásico (siglos V y IV a. C.), el realismo y el idealismo se equilibraron delicadamente. En comparación, el trabajo de las edades anteriores geométrica (siglos IX al VIII a. C.) y Arcaica (siglos VII al VI a. C.) a veces parece primitivo, pero estos artistas tenían diferentes objetivos: la representación naturalista no era necesariamente su objetivo. El amante del arte romano recopiló originales griegos antiguos, réplicas romanas del arte griego o pinturas y esculturas recién creadas en una variedad de estilos griegos, preservando así para la posteridad obras de arte que de otro modo se perderían. Pinturas murales y sobre paneles, esculturas y mosaicos decoraban espacios públicos y hogares privados acomodados. La imaginería griega también apareció en joyería romana, vasijas de oro, plata, bronce y terracota, e incluso en armas y pesas comerciales. Desde el Renacimiento , las artes de la antigua Grecia, transmitidas a través del Imperio Romano , han servido de base al arte occidental. [36]
Preclásico
Los artistas griegos y etruscos construyeron sobre los cimientos artísticos de Egipto, desarrollando aún más las artes de la escultura, la pintura, la arquitectura y la cerámica. El arte griego comenzó siendo más pequeño y simple que el arte egipcio, y la influencia del arte egipcio en los griegos comenzó en las islas Cícladas entre el 3300 y el 3200 a. C. Las estatuas de las Cícladas eran simples, carecían de rasgos faciales excepto la nariz.
El arpista , la obra de arte cicládica más emblemática ; 2750-2200 AC; mármol; altura: 29,5 cm; se dice que es de Keros (las Cícladas ); Museo Arqueológico Nacional ( Atenas )
Figurilla femenina de las Cícladas; 2700-2600 aC; mármol; altura: 37,1 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Jarra de cerámica con pico de Kamares ; 1850-1675 a. C.; cerámico; altura: 27 cm; de Phaistos ( Creta , Grecia); Museo Arqueológico de Heraklion (Grecia)
La máscara de Agamenón , la obra de arte micénica más emblemática ; 1675-1600 a. C.; oro; altura: 25 cm, ancho: 27 cm, peso: 169 g; Museo Arqueológico Nacional (Atenas)
El fresco minoico llamado Fresco del salto del toro ; 1675-1460 a. C.; yeso de cal; altura: 0,8 m, ancho: 1 m; del palacio de Knossos (Creta); Museo Arqueológico de Heraklion
Diosa serpiente minoica ; 1460-1410 a. C. (del período neopalacial minoico); faïence ; altura: 29,5 cm; del depósito del templo en Knossos; Museo Arqueológico de Heraklion
Tres figuras femeninas micénicas; 1400-1300 AC; terracota; alturas: 10,8 cm, 10,8 cm y 10,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Collar micénico; 1400-1050 AC; terracota dorada; diámetro de las rosetas: 2,7 cm, con variaciones de c. 0,1 cm, longitud del colgante 3,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
Geométrico
Después del colapso de la sociedad micénica , surgió un estilo de arte griego que ilustra claramente la ruptura en la cultura y el arte entre la Edad del Bronce y la Edad del Hierro subsiguiente . Los estilos protogeométrico (c. 1050–900 a. C.) y geométrico posterior (c. 900–700 a. C.) se caracterizan por su cruda sencillez de decoración, ya que los motivos florales y marinos más antiguos fueron reemplazados por patrones abstractos. En los nuevos estilos, el patrón se aplicó rigurosamente a la forma, cada elemento decorativo subordinado pero realzando el conjunto. Las superficies estaban adornadas con triángulos, líneas y semicírculos, y círculos concéntricos hechos con un pincel múltiple unido a una brújula. El patrón de meandro (clave griega) era popular, al igual que los tableros de damas, los diamantes, los galones y las estrellas. Las figuras geométricas, ya sean pintadas o esculpidas, se ajustan a una estética abstracta. Aunque tienen formas reconocibles, las personas y los animales se componen de una combinación de círculos, triángulos y rectángulos, en lugar de formas orgánicas y realistas. [37]
Krater con tapa coronada por una pequeña hidria ; 750-740 AC; terracota; altura: 114,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Krater; 750-735 AC; terracota; altura: 108,3 cm, diámetro: 72,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
Estatuilla de un caballo; 750-700 AC; bronce; total: 11,5 × 10 × 2,6 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
Estatuilla de un caballo; C. 740 AC; bronce; altura: 6,5 cm; Lumbrera
Clásico y helenístico
La figura humana siguió siendo la imagen más significativa de la escultura griega del período clásico (siglos V y IV a. C.). Los artistas se esforzaron por equilibrar la belleza corporal idealizada y la anatomía cada vez más realista, imitando la naturaleza al representar con precisión los ligamentos, la musculatura y las curvas de la forma humana. [38]
El ánfora del premio Euphiletos Pintor Panatenaico ; C. 530 AC; terracota pintada; altura: 62,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
El Bronce Artemision ; 460-450 AC; bronce; altura: 2,1 m; Museo Arqueológico Nacional ( Atenas )
El Partenón en la Acrópolis de Atenas , el templo griego dórico más emblemático construido en mármol y piedra caliza entre c. 460-406 aC, dedicado a la diosa Atenea [39]
Espejo con soporte en forma de mujer drapeada; mediados del siglo V antes de Cristo; bronce; altura: 40,41 cm; Museo Metropolitano de Arte
Calyx- krater ; 400-375 AC; cerámico; altura: 27,9 cm, diámetro: 28,6 cm; de Tebas (Grecia); Lumbrera
El relieve sepulcral de Thraseas y Euandria ; 375-350 AC; Mármol pentélico ; alto: 160 cm, ancho: 91 cm; Museo de Pérgamo ( Berlín )
Crátera voluta; 320-310 AC; cerámico; altura: 1,1 m; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Estatuilla de una mujer vestida; Siglo II a. C. terracota; altura: 29,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
Venus de Milo ; 130-100 a. C.; mármol; altura: 203 cm (80 pulgadas); Lumbrera
Laocoon y sus hijos ; principios del siglo I antes de Cristo; mármol; altura: 2,4 m; Museos Vaticanos ( Ciudad del Vaticano )
Mosaico que representa la Epifanía de Dionisio ; Siglo II d.C. de la Villa de Dioniso ( Dion, Grecia ); Museo Arqueológico de Dion
Ilustraciones de ejemplos de adornos y patrones griegos antiguos, dibujados en 1874
Fenicio
El arte fenicio carece de características singulares que lo distingan de sus contemporáneos. Esto se debe a que está muy influenciado por culturas artísticas extranjeras: principalmente Egipto , Grecia y Asiria . Los fenicios que fueron educados a orillas del Nilo y el Éufrates adquirieron una amplia experiencia artística y finalmente llegaron a crear su propio arte, que era una amalgama de modelos y perspectivas extranjeras. [40] En un artículo de The New York Times publicado el 5 de enero de 1879, el arte fenicio fue descrito por lo siguiente:
Entró en los trabajos de otros hombres y aprovechó la mayor parte de su herencia. La Esfinge de Egipto se volvió asiática y su nueva forma fue trasplantada a Nínive por un lado y a Grecia por el otro. Las rosetas y otros patrones de los babilónicos cilindros se introdujeron en la obra de Fenicia, y así pasaron a Occidente, mientras que el héroe de la antigua Caldea épica convirtió en el primer tirio Melkart , y luego el Hércules de la Hélade .
Las figurillas de Byblos , estatuillas fenicias de Byblos ; 19-18 siglo antes de Cristo; bronce, probablemente dorado; Museo Nacional de Beirut (Líbano)
Placa decorativa que representa una lucha entre un hombre y un grifo ; 900–800 a. C.; Marfiles de Nimrud ; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Máscara; Siglo IV aC; encontrado en una tumba en San Sperate ( Cerdeña , Italia); Museo Archeologico Nazionale di Cagliari ( Cagliari , Cerdeña, Italia)
Cuenta de la cara; mediados del siglo IV al III a. C. vidrio; altura: 2,7 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
etrusco
El arte etrusco fue producido por la civilización etrusca en el centro de Italia entre los siglos IX y II a. C. Desde alrededor del 600 a. C. estuvo fuertemente influenciado por el arte griego , que fue importado por los etruscos, pero siempre conservó características distintas. Particularmente fuertes en esta tradición fueron la escultura figurativa en terracota (especialmente a tamaño natural en sarcófagos o templos), pintura mural y metalurgia especialmente en bronce. Se produjeron joyas y gemas grabadas de alta calidad. [41]
La escultura etrusca en bronce fundido era famosa y se exportaba ampliamente, pero han sobrevivido relativamente pocos ejemplos grandes (el material era demasiado valioso y se recicló más tarde). En contraste con la terracota y el bronce, había relativamente poca escultura etrusca en piedra, a pesar de que los etruscos controlaban las fuentes de mármol fino, incluido el mármol de Carrara , que parece no haber sido explotado hasta los romanos .
La gran mayoría de las supervivencias vino de tumbas, que normalmente eran encajados con sarcófagos y objetos funerarios , y fragmentos de terracota de la escultura arquitectónica, sobre todo alrededor de los templos. Las tumbas han producido todas las pinturas murales al fresco , que muestran escenas de banquetes y algunos temas mitológicos narrativos.
El sarcófago de los esposos ; 530–520 a. C.; terracota ; 111 × 194, Al 69 cm; Lumbrera
Jarra de agua con Heracles y la Hidra ; C. 525 AC; cerámica de figuras negras ; altura: 44,5 cm, diámetro: 33,8 cm; Getty Villa ( California , Estados Unidos)
Apolo de Veyes ; C. 510 aC; terracota pintada; altura: 1,81 m; Museo Nacional Etrusco ( Roma )
Fresco con bailarines y músicos; C. 475 aC; fresco secco; altura (de la pared); 1,7 m; Tumba de los leopardos ( necrópolis de Monterozzi , Lacio , Italia)
Dacian
El arte dacio es el arte asociado con los pueblos conocidos como dacios o tracios del norte (getae) ; Los dacios crearon un estilo artístico en el que se pueden ver las influencias de los escitas y los griegos. Eran muy hábiles en el trabajo del oro y la plata y en la alfarería. La cerámica era blanca con adornos rojos con motivos florales, geométricos y animales estilizados. Se trabajaron decoraciones similares en metal, especialmente la figura de un caballo, que era común en las monedas dacias. [42] Hoy en día, una gran colección de obras maestras de Dacic se encuentra en el Museo Nacional de Historia de Rumania ( Bucarest ), una de las más famosas es el Casco de Coțofenești .
Los geto-dacios vivían en un territorio muy extenso, que se extendía desde los Balcanes hasta los Cárpatos del norte y desde el Mar Negro y el río Tyras hasta la llanura de Tisa , a veces incluso hasta el Danubio Medio . [43] Entre los siglos XV y XII, la cultura Dacian-Getae fue influenciada por los guerreros Tumulus - Urnfield de la Edad del Bronce . [44]
Pulsera; Siglos V-IV aC; oro; Museo Nacional de Historia de Rumania ( Bucarest , Rumania)
El casco de Coțofenești ; Siglo IV aC; oro; altura: 25,5 cm, diámetro: 22 cm; peso: 821,35 g; Museo de Historia Nacional de Rumania
Rhyton ; Siglo IV-III a. C. posiblemente hecho de oro y plata; Museo de Historia Nacional de Rumania
El casco de Peretu ; 310-290 AC; plata dorada; de Peretu ( condado de Teleorman , Rumania); Museo de Historia Nacional de Rumania
Ibérico prerromano
El arte ibérico prerromano hace referencia a los estilos desarrollados por los íberos desde la Edad del Bronce hasta la conquista romana . Por este motivo, a veces se le describe como "arte ibérico".
Casi todas las obras existentes de escultura ibérica reflejan visiblemente las influencias griegas y fenicias , y las influencias asirias , hititas y egipcias de las que derivaron; sin embargo, tienen su propio carácter único. Dentro de esta compleja herencia estilística, las obras individuales pueden ubicarse dentro de un espectro de influencias, algunas de derivación fenicia más obvia, y otras tan similares a las obras griegas que podrían haber sido importadas directamente de esa región. En general, el grado de influencia está correlacionado con la región de origen de la obra y, por lo tanto, se clasifican en grupos sobre esa base.
La Bicha de Balazote ; Siglo VI aC; tallado en dos bloques de piedra caliza ; altura: 73 cm; Museo Arqueológico Nacional de España (Madrid)
La Dama de Elche ; C. 450 aC; piedra caliza ; Museo Arqueológico Nacional de España
El León de Nueva Carteya ; Siglo IV aC; caliza; altura: 60 cm; Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba (España)
Figurilla de un hombre de pie; Siglo III-II a. C. bronce fundido altura: 6,8 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
hitita
El arte hitita fue producido por la civilización hitita en la antigua Anatolia , en la actual Turquía , y también se extendió a Siria durante el segundo milenio a. C. desde el siglo XIX hasta el siglo XII a. C. Este período se enmarca en la Edad del Bronce de Anatolia . Se caracteriza por una larga tradición de imágenes canonizadas y motivos reorganizados, sin dejar de ser reconocibles, por artistas para transmitir significado a una población mayoritariamente analfabeta:
Debido al vocabulario limitado de tipos figurativos [y motivos], la invención para el artista hitita generalmente era una cuestión de combinar y manipular las unidades para formar composiciones más complejas. [45]
Muchas de estas imágenes recurrentes giran en torno a la representación de deidades y prácticas rituales hititas . También hay un predominio de escenas de caza en relieve hitita y formas animales representativas. Gran parte del arte proviene de asentamientos como Alaca Höyük , o la capital hitita de Hattusa, cerca de la actual Boğazkale . Los estudiosos tienen dificultades para fechar una gran parte del arte hitita, citando el hecho de que hay una falta de inscripción y gran parte del material encontrado, especialmente de los sitios de enterramiento, se trasladó de sus ubicaciones originales y se distribuyó entre los museos durante el siglo XIX.
Taza para beber en forma de puño; 1400-1380 AC; plata; del centro de Turquía; Museo de Bellas Artes ( Boston , EE. UU.)
Vasija que termina en la parte delantera de un ciervo; C. Siglos XIV-XIII aC; plata con incrustaciones de oro; altura: 18 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Sello de Tarkasnawa , rey de Mira ; C. 1220 a. C.; plata; altura: 1 cm, diámetro: 4,2 cm; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Tres relieves del Museo de Arqueología de Adana (Turquía)
Bactriano
El Complejo Arqueológico Bactria-Margiana (también conocido como la civilización Oxus) es la designación arqueológica moderna para una civilización de la Edad del Bronce de Asia Central , que data de c. 2300-1700 a. C., en el actual norte de Afganistán , el este de Turkmenistán , el sur de Uzbekistán y el oeste de Tayikistán , centrado en la parte alta de Amu Darya (río Oxus). Sus sitios fueron descubiertos y nombrados por el arqueólogo soviético Viktor Sarianidi (1976). [ cita requerida ] Se descubrieron centros urbanos monumentales, palacios y edificios de culto, especialmente en Gonur-depe en Turkmenistán.
Se han encontrado materiales de BMAC en la civilización del valle del Indo , en la meseta iraní y en el golfo Pérsico . [46] Los hallazgos dentro de los sitios de BMAC proporcionan más evidencia de contactos comerciales y culturales. Incluyen un sello cilíndrico de tipo elamita y un sello de Harappa con un elefante y una escritura del Indo que se encuentran en Gonur-depe. [47] La relación entre Altyn-Depe y el valle del Indo parece haber sido particularmente fuerte. Entre los hallazgos había dos sellos de Harappa y objetos de marfil. El asentamiento de Harappa de Shortugai en el norte de Afganistán a orillas del Amu Darya probablemente sirvió como estación comercial. [48]
Un tipo famoso de obras de arte bactrianas son las "princesas bactrianas" (también conocidas como "damas Oxus"). Con grandes vestidos estilizados con mangas abullonadas, así como tocados que se fusionan con el cabello, encarnan a la diosa del ranking, personaje de la mitología centroasiática que juega un papel regulador, pacificando a las fuerzas indomables. Estas estatuillas están hechas combinando y ensamblando materiales de colores contrastantes. Los materiales preferidos son clorita (o piedras similares de color verde oscuro), una piedra caliza blanquecina o alabastro moteado o conchas marinas del Océano Índico . [49] Los diferentes elementos del cuerpo y el traje fueron tallados por separado y unidos, como en un rompecabezas, con espigas y pegamento.
Hacha con demonio y animales con cabeza de águila; finales del tercer milenio-principios del segundo milenio antes de Cristo; plata dorada ; longitud: 15 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Estatuilla de camello; finales del 3º y principios del 2º milenio antes de Cristo; aleación de cobre; 8,89 cm; Museo Metropolitano de Arte
Figura masculina monstruosa; finales del 3º y principios del 2º milenio antes de Cristo; clorita , calcita , oro y hierro; altura: 10,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
Figura femenina del tipo "Princesa bactriana"; 2500-1500 aC; clorita (vestido y tocado) y piedra caliza (cabeza, manos y pierna); altura: 13,33 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
céltico
El arte celta está asociado con los pueblos conocidos como celtas ; aquellos que hablaron las lenguas celtas en Europa desde la prehistoria hasta el período moderno. También se refiere al arte de los pueblos antiguos cuyo idioma es incierto, pero tienen similitudes culturales y estilísticas con hablantes de lenguas celtas.
El arte celta es un término difícil de definir, que abarca una enorme extensión de tiempo, geografía y culturas. Se ha defendido la continuidad artística en Europa desde la Edad del Bronce y, de hecho, desde el Neolítico anterior ; sin embargo, los arqueólogos generalmente usan "celta" para referirse a la cultura de la Edad del Hierro europea desde alrededor del 1000 a. C. en adelante, hasta la conquista por parte del Imperio Romano de la mayor parte del territorio en cuestión, y los historiadores del arte típicamente comienzan a hablar solo de "arte celta". desde el período de La Tène (aproximadamente los siglos V al I a.C.) en adelante. [50] El arte celta temprano es otro término utilizado para este período, que se extiende en Gran Bretaña hasta aproximadamente el 150 d. C. [51] El arte medieval temprano de Gran Bretaña e Irlanda, que produjo el Libro de Kells y otras obras maestras, y es lo que el "arte celta" evoca para gran parte del público en general en el mundo de habla inglesa, se llama arte insular en la historia del arte. . Esta es la parte más conocida, pero no la totalidad, del arte celta de la Alta Edad Media, que también incluye el arte picto de Escocia. [52]
El casco de Amfreville ; por la cultura de La Tène ; finales del siglo IV a. C.; bronce, hierro, pan de oro y esmalte; altura: 21,4 cm; Museo Arqueológico Nacional de Francia ( Saint-Germain-en-Laye , Francia)
Detalle del Battersea Shield ; Siglo IV al III a. C. aleación de cobre y emanel; altura: 77,5 cm; Museo Británico (Londres)
La cabeza de Mšecké Žehrovice ; 150-50 a. C.; marga ; altura: 23,4 cm, ancho: 17,4 cm; Museo Nacional de la República Checa ( Praga )
El espejo de Desborough ; 20 a. C.-20 d. C.; aleación de cobre; altura (con asa): 35 cm; Museo Británico
Aqueménida
El arte aqueménida incluye frisos en relieve, trabajos en metal, decoración de palacios, mampostería de ladrillo vidriado, artesanía fina (mampostería, carpintería, etc.) y jardinería. La mayoría de las supervivencias del arte de la corte son esculturas monumentales, sobre todo los relieves , capiteles de columnas persas con dos cabezas de animales y otras esculturas de Persépolis . [53]
Aunque los persas tomaron artistas, con sus estilos y técnicas, de todos los rincones de su imperio, produjeron no simplemente una combinación de estilos, sino una síntesis de un nuevo estilo persa único. [54] [55] Ciro el Grande, de hecho, tenía una extensa herencia iraní antigua a sus espaldas; el rico trabajo en oro aqueménida, que las inscripciones sugieren que pudo haber sido una especialidad de los medos , estaba, por ejemplo, en la tradición de sitios anteriores.
Hay una serie de piezas de joyería muy finas o incrustaciones de metales preciosos, en su mayoría con animales, y el Tesoro de Oxus tiene una amplia selección de tipos. La élite cosía piezas pequeñas, típicamente en oro, a la ropa, y han sobrevivido varios torques de oro . [53]
Alivio de Persépolis ( Irán ) que representa a personas que llevan cuencos y ánforas
Friso de arqueros; C. 510 aC; ladrillos del Palacio de Darío en Susa ; Lumbrera
Brazalete de oro, parte del Tesoro de Oxus ; Del siglo V al IV a. C. oro; ancho: 11,6 cm; Museo Británico (Londres)
Capital de columna; Del siglo V al IV a. C. Roca; altura: 1,75 m; de Persépolis ; Museo Nacional de Irán ( Teherán )
Roma
El arte romano a veces se considera derivado de los precedentes griegos, pero también tiene sus propias características distintivas. La escultura romana es a menudo menos idealizada que los precedentes griegos, siendo muy realista. La arquitectura romana solía utilizar hormigón y se inventaron elementos como el arco de medio punto y la cúpula . Los objetos de lujo en trabajos en metal , grabados de gemas , tallas de marfil y vidrio se consideran a veces en términos modernos como formas menores de arte romano, [56] aunque esto no habría sido necesariamente el caso de los contemporáneos.
La obra de arte romana fue influenciada por la interacción del estado-nación con otras personas, como la antigua Judea . Un monumento importante es el Arco de Tito , que fue erigido por el emperador Tito . Las escenas de romanos saqueando el templo judío en Jerusalén están representadas en esculturas en bajo relieve alrededor del perímetro del arco.
La cerámica romana antigua no era un producto de lujo, sino una vasta producción de "artículos finos" en terra sigillata decorados con relieves que reflejaban el gusto más reciente y proporcionaban a un gran grupo de la sociedad objetos elegantes a un precio evidentemente asequible. Las monedas romanas fueron un importante medio de propaganda y han sobrevivido en cantidades enormes.
Estatuilla de bronce de un filósofo en un candelero; finales del siglo I antes de Cristo; bronce; total: 27,3 cm; peso: 2,9 kg; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Augusto de Prima Porta ; C. 20 aC; mármol blanco; altura: 2,06 m; Museos Vaticanos ( Ciudad del Vaticano )
Restauración de un fresco de un dormitorio de villa antigua; 50-40 aC; dimensiones de la habitación: 265,4 × 334 × 583,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Altar con guirnaldas ; C. 50 d. C.; mármol; altura: 99,5 cm, ancho: 61,5 cm, profundidad: 47 cm; Lumbrera
El alivio de los pretorianos ; C. 51–52; mármol; 163 × 134 × 28 cm; Louvre-Lens ( Lens , Francia)
Cráter de cáliz con relieves de doncellas y ménades danzantes; Siglo I d.C. Mármol pentélico ; altura: 80,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
Vista panorámica del Panteón (Roma), construido entre 113 y 125
Cabeza de una diosa con diadema ; Siglo I-II; mármol; altura: 23 cm; Museo Metropolitano de Arte
Sofá y reposapiés; Siglo I-II d.C. madera, hueso y vidrio; sofá: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
Sarcófago con Apolo , Minerva y las Musas ; C. 200 dC; de Via Appia ; Antikensammlung Berlín (Berlín)
Mosaico marino (panel central de tres paneles del suelo); 200-230; mosaico (teselas de piedra y vidrio); alto: 2.915 mm, ancho: 2.870 mm; Museo de Bellas Artes ( Boston , EE. UU.)
El Mosaico de Teseo ; 300–400; guijarros de mármol y piedra caliza; 4,1 × 4,2 m; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)
Olmeca
Los olmecas fueron la primera civilización importante conocida en Mesoamérica después de un desarrollo progresivo en Soconusco . Olmeca es la primera en ser elaborada como una civilización precolombina de Mesoamérica (c. 1200-400 aC) y se cree que estableció muchos de los patrones fundamentales evidenciados por las posteriores culturas indígenas americanas de México y América Central, en particular la Maya y los aztecas.
Vivían en las tierras bajas tropicales del centro-sur de México, en los actuales estados de Veracruz y Tabasco . Se ha especulado que los olmecas derivan en parte de los vecinos Mokaya o Mixe-Zoque . Los olmecas florecieron durante el período formativo de Mesoamérica , que data aproximadamente desde el 1500 a. C. hasta el 400 a. C. Las culturas pre-olmecas habían florecido en el área desde aproximadamente el 2500 a. C., pero hacia el 1600-1500 a. C., había surgido la cultura olmeca temprana, centrada en el sitio de San Lorenzo Tenochtitlán cerca de la costa en el sureste de Veracruz. [57] Fueron la primera civilización mesoamericana y sentaron muchas de las bases de las civilizaciones que siguieron.
La cultura olmeca se definió por primera vez como un estilo de arte, y este sigue siendo el sello distintivo de la cultura. [58] Trabajado en una gran cantidad de medios (jade, arcilla, basalto y piedra verde, entre otros), gran parte del arte olmeca, como The Wrestler , es naturalista. Otro arte expresa criaturas antropomórficas fantásticas , a menudo muy estilizadas, utilizando una iconografía que refleja un significado religioso. [59] Los motivos comunes incluyen bocas hacia abajo y una cabeza hendida, los cuales se ven en representaciones de hombres-jaguares . [58]
Colosal Cabeza N ° 1 de San Lorenzo , 1200 a 900 a. C., 2,9 metros (9 pies 6 pulgadas) de alto y 2,1 metros (6 pies 11 pulgadas) de ancho. Una persona histórica, probablemente un líder olmeca, está representada en esta escultura monumental encontrada en San Lorenzo (en Tabasco , México ), un centro olmeca principal.
Figurilla sentada; Siglos XII-IX a. C. cerámica pintada; altura: 34 cm, ancho: 31,8 cm, profundidad: 14,6 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Vasija con forma de pájaro; Siglos XII-IX a. C. cerámica con ocre rojo ; altura: 16,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
Hacha Kunz ; 1200–400 a. C.; cuarzo verde pulido ( aventurina ); altura: 29 cm, ancho: 13,5 cm; Museo Británico (Londres)
Medio este
Arabia preislámica
El arte de la Arabia preislámica está relacionado con el de las culturas vecinas. El Yemen preislámico produjo cabezas de alabastro estilizadas de gran encanto histórico y estético. La mayoría de las esculturas preislámicas están hechas de alabastro .
La arqueología ha revelado algunas de las primeras civilizaciones asentadas en Arabia Saudita : la civilización Dilmun en el este de la Península Arábiga, Thamud al norte del Hejaz y el reino de Kindah y la civilización Al-Magar en el centro de la Península Arábiga. Los primeros eventos conocidos en la historia árabe son las migraciones de la península a las áreas vecinas. [60] En la antigüedad, el papel de las sociedades de Arabia del Sur como Saba ( Sheba ) en la producción y el comercio de aromáticos no solo trajo riqueza a esos reinos, sino que también unió a la península arábiga en redes comerciales, lo que resultó en influencias artísticas de gran alcance.
Parece probable que antes del 4000 a. C. el clima árabe fuera algo más húmedo que en la actualidad, beneficiándose de un sistema de monzones que desde entonces se ha trasladado al sur. [ cita requerida ] A finales del cuarto milenio antes de Cristo, comenzaron a aparecer asentamientos permanentes y los habitantes se adaptaron a las condiciones emergentes más secas. En el suroeste de Arabia (el actual Yemen ), un clima más húmedo sostuvo varios reinos durante el segundo y el primer milenio antes de Cristo. El más famoso de ellos es Sheba , el reino de la reina bíblica de Sheba . Estas sociedades utilizaron una combinación del comercio de especias y los recursos naturales de la región, incluidos aromáticos como el incienso y la mirra, para construir reinos ricos. Marib , la Sabaean de capital, estaba bien posicionada para aprovechar el Mediterráneo, así como el comercio de Oriente Próximo, y en reinos al este, en lo que es hoy en día Omán , los vínculos comerciales con Mesopotamia , Persia y la India, incluso fuera posible. El área nunca formó parte de los imperios asirio o persa , e incluso el control babilónico del noroeste de Arabia parece haber sido relativamente de corta duración. Los intentos romanos posteriores de controlar el lucrativo comercio de la región fracasaron. Esta impenetrabilidad para los ejércitos extranjeros sin duda aumentó el poder de negociación de los antiguos gobernantes en el comercio de especias e incienso.
Aunque sujeto a influencias externas, el sur de Arabia conservó características particulares. La figura humana se basa típicamente en formas cuadradas fuertes, el fino modelado de los detalles contrasta con una simplicidad estilizada de la forma.
Estela de un hombre que lleva un tahalí ; Cuarto milenio antes de Cristo; arenisca; altura: 92 cm; de Al-'Ula ( Arabia Saudita ); en una exposición temporal en el Museo Nacional de Corea ( Seúl ), llamada Roads of Arabia: Archaeological Treasures of Saudi Arabia
Figura femenina de pie que lleva una correa y un collar; 3º-2º milenio antes de Cristo; arenisca y cuarcita ; altura: 27,5 cm, ancho: 14,3 cm, profundidad: 14,3 cm; de Mareb ( Yemen ); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Quemador de incienso; mediados del primer milenio antes de Cristo; bronce; alto: 27,6 cm, ancho: 23,7 cm; profundidad: 23,3 cm; del suroeste de Arabia; Museo Metropolitano de Arte
Cabeza de Arabia del Sur; 300-1 AC; alabastro; altura: 20,5 cm, longitud: 11 cm, profundidad: 8,5 cm; Lumbrera
Capitel decorado de un pilar del palacio real de Shabwa ; contexto estratigráfico: primera mitad del siglo III aC; Museo Nacional de Yemen ( Adén )
Estela funeraria; Siglos I-III d.C. alabastro; altura: 55 cm, ancho: 29 cm, profundidad: 8 cm; Lumbrera
Quemador de perfume con cabra montés; Siglo I-III d. C.; caliza; de Yemen ; altura: 30 cm, ancho: 24 cm, profundidad: 24 cm; Lumbrera
Estela funeraria figurativa de Bahrein; alrededor de los siglos II-III; el pabellón de Bahrein de la Expo 2015 ( Milán , Italia)
islámico
Algunas ramas del Islam prohíben las representaciones de personas y otros seres sintientes, ya que pueden usarse indebidamente como ídolos. Las ideas religiosas, por lo tanto, a menudo se representan a través de diseños geométricos y caligrafía . Sin embargo, hay muchas pinturas islámicas que muestran temas religiosos y escenas de historias comunes entre las tres religiones monoteístas abrahámicas del Islam , el cristianismo y el judaísmo .
La influencia de la cerámica china debe considerarse en el contexto más amplio de la considerable importancia de la cultura china en las artes islámicas en general. [61] La cerámica de İznik (que lleva el nombre de İznik , una ciudad de Turquía ) es uno de los tipos más conocidos de cerámica islámica. Su famosa combinación entre azul y blanco es el resultado de esa corte otomana de Estambul que valoraba mucho la porcelana china azul y blanca .
Página del manuscrito; 950–1000; papel, tinta, oro, acuarelas y cuero; alto: 55 cm, ancho: 38 cm; Colección Al-Sabah ( Kuwait )
Caja con una inscripción cúfica en la tapa ofreciendo deseos y la fecha; 966; marfil tallado y plata grabada; Lumbrera
Brasero; segunda mitad del siglo XIII; latón, fundido, cincelado, con incrustaciones de plata y compuesto negro; altura: 35,2 cm, ancho: 39,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Lámpara de mezquita; poco después de 1285; vidrio esmaltado y dorado; altura: 26,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
Mihrab (nicho de oración); 1354-1355; mosaico de azulejos cortados con vidriado policromado sobre cuerpo de pasta de piedra, embutido en mortero; 343,1 × 288,7 cm, peso: 2041,2 kg; de Isfahan ( Irán ); Museo Metropolitano de Arte
Miniatura persa del Mi'raj del Profeta del sultán Mohammed , que muestra nubes y ángeles de influencia china; 1539-1543; gouache y tinta sobre papel; altura: 28,7 cm; Biblioteca Británica (Londres)
Plato İznik ; siglo 16; pasta de piedra, policromada pintada con esmalte transparente; altura: 6 cm, diámetro: 27,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
Alfombra; siglo 17; algodón (urdimbre y trama) y lana (pelo), pelo anudado asimétricamente; largo: 247,65 cm, ancho: 142,87 cm; Museo Metropolitano de Arte
Américas
La historia del arte en las Américas comienza en la época precolombina con las culturas indígenas . Los historiadores del arte se han centrado particularmente en Mesoamérica durante esta era temprana, porque allí surgieron una serie de culturas estratificadas que erigieron una gran arquitectura y produjeron objetos de fina mano de obra que son comparables a las artes de Europa Occidental.
Preclásico
La tradición artística de los pueblos mesoamericanos comienza con los olmecas alrededor del 1400 a.C., durante la era Preclásica . Estas personas son más conocidas por hacer cabezas colosales, pero también por tallar jade , erigir arquitectura monumental, hacer esculturas a pequeña escala y diseñar pisos de mosaico. Dos de los sitios mejor estudiados artísticamente son San Lorenzo Tenochtitlán y La Venta . Después de la decadencia de la cultura olmeca, la civilización maya se hizo prominente en la región. A veces se describe un período de transición epi-olmeca , que es un híbrido de olmeca y maya. Un sitio epi-olmeca particularmente bien estudiado es La Mojarra , que incluye tallas jeroglíficas que han sido parcialmente descifradas.
Clásico
A finales de la era preclásica, que comenzó alrededor del 400 a. C., la cultura olmeca había declinado, pero tanto los pueblos de México central como los mayas estaban prosperando. Durante gran parte del período Clásico en el centro de México, la ciudad de Teotihuacán fue próspera, al igual que Xochicalco y El Tajín . Estos sitios contaban con una gran escultura y arquitectura. Otros pueblos del centro de México incluían a los mixtecos , los zapotecas y los habitantes del Valle de Oaxaca . El arte maya estuvo en su apogeo durante el período "Clásico", un nombre que refleja el de la antigüedad clásica europea, y que comenzó alrededor del año 200 d.C. Los principales sitios mayas de esta época incluyen Copán , donde se tallaron numerosas estelas, y Quiriguá, donde se encuentran las estelas más grandes de Mesoamérica junto con altares zoomorfos . Se desarrolló un complejo sistema de escritura y se produjeron grandes cantidades de manuscritos iluminados mayas en papel hecho de corteza de árbol . Muchos sitios "colapsaron" alrededor del año 1000 EC.
Posclásico
En el momento de la conquista española de Yucatán durante los siglos XVI y XVII, los mayas aún eran poderosos, pero muchas comunidades estaban rindiendo tributo a la sociedad azteca . Esta última cultura estaba prosperando e incluía artes como la escultura, la pintura y los mosaicos de plumas. Quizás la obra más conocida del arte azteca es la piedra del calendario , que se convirtió en símbolo nacional del estado de México . Durante la conquista española del Imperio Azteca , muchos de estos objetos artísticos fueron enviados a Europa, donde fueron colocados en gabinetes de curiosidades y luego redistribuidos a los museos de arte occidentales. El imperio azteca se basó en la ciudad de Tenochtitlan, que fue destruida en gran parte durante la época colonial. Lo que queda de él fue enterrado debajo de la Ciudad de México . Desde entonces, los arqueólogos han desenterrado algunos edificios, como los cimientos del Templo Mayor , pero se encuentran en malas condiciones.
Arte en las Américas
El arte en las Américas desde la conquista se caracteriza por una mezcla de tradiciones indígenas y extranjeras, incluidas las de los colonos europeos, africanos y asiáticos. Numerosas tradiciones indígenas prosperaron después de la conquista. Por ejemplo, los indios de las llanuras crearon trabajos con plumas , abalorios , recuentos de invierno , arte de libros de contabilidad y tipis en la era anterior a la reserva, y luego se asimilaron al mundo del arte moderno y contemporáneo a través de instituciones como la Escuela India de Santa Fe, que alentó a los estudiantes. para desarrollar un estilo nativo americano único. Muchas pinturas de esa escuela, ahora llamada Studio Style, se exhibieron en el Museo de Arte de Philbrook durante su anual indio que se llevó a cabo de 1946 a 1979.
azteca
Los aztecas, que surgieron de los más humildes comienzos como un grupo nómada de vagabundos "incivilizados", crearon el imperio más grande de la historia mesoamericana, que duró desde 1427/1428 hasta 1521. El tributo de los estados conquistados proporcionó los recursos económicos y artísticos para transformar su capital, Tenochtitlán (Antiguo Ciudad de México ) en una de las maravillas del mundo. Artistas de toda mesoamérica crearon impresionantes obras de arte para sus nuevos maestros, modelando delicados objetos dorados de adorno personal y formidables esculturas de dioses feroces.
Los aztecas entraron en el Valle de México (el área de la actual Ciudad de México ) en 1325 y en un siglo habían tomado el control de esta exuberante región rebosante de poderosas ciudades-estado. Su poder se basaba en una fe inquebrantable en la visión de su deidad protectora Huitzilopochtli , un dios de la guerra, y en su propia destreza militar incomparable.
La grandiosidad del estado azteca se reflejó en el comportamiento de la nobleza y los guerreros que se habían distinguido en la batalla. Su ropa finamente tejida y ricamente adornada se acentuaba con plumas de aves tropicales iridiscentes y joyas ornamentales hechas de oro, plata, piedras semipreciosas y conchas raras.
El arte azteca puede ser directo y dramático o sutil y delicado, dependiendo de la función de la obra. Las mejores piezas, desde esculturas monumentales hasta máscaras y joyas de oro, exhiben una artesanía y un refinamiento estéticos excepcionales. Esta misma sofisticación caracteriza a la poesía azteca, reconocida por su belleza lírica y profundidad espiritual. Las fiestas aztecas no estaban completas sin un intercambio competitivo de arte verbal entre los invitados nobles elegantemente vestidos.
La Máscara de Xiuhtecuhtli; 1400-1521; madera de cedrela, turquesa, resina de pino, nácar, caracola, cinabrio ; altura: 16,8 cm, ancho: 15,2 cm; Museo Británico (Londres)
La Máscara de Tezcatlipoca ; 1400-1521; turquesa, pirita , pino , lignito , hueso humano, piel de venado, caracola y agave ; alto: 19 cm, ancho: 13,9 cm, largo: 12,2 cm; Museo Británico
Serpiente de dos cabezas ; 1450-1521; madera de cedro ( Cedrela odorata ), turquesa , concha, rastros de dorado y 2 resinas se utilizan como adhesivo (resina de pino y resina de Bursera); altura: 20,3 cm, ancho: 43,3 cm, profundidad: 5,9 cm; Museo Británico
Página 12 del Codex Borbonicus , (en la plaza grande): Tezcatlipoca (noche y destino) y Quetzalcoatl (serpiente emplumada); antes de 1500; papel de fibra de líber; altura: 38 cm, longitud del manuscrito completo: 142 cm; Bibliothèque de l'Assemblée nationale (París)
Piedra del calendario azteca ; 1502-1521; basalto ; diámetro: 358 cm; grueso: 98 cm; descubierto el 17 de diciembre de 1790 durante las reparaciones en la Catedral de la Ciudad de México ; Museo Nacional de Antropología ( Ciudad de México )
Vasija efigie de Tlāloc ; 1440-1469; loza pintada; altura: 35 cm; Museo del Templo Mayor (Ciudad de México)
Figura femenina arrodillada; Siglo XV-principios del XVI; piedra pintada; total: 54,61 × 26,67 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Adornos de collar en forma de rana; Siglo XV-principios del XVI; oro; altura: 2,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
maya
El arte maya antiguo se refiere a las artes materiales de la civilización maya , una cultura mesoamericana oriental y sudoriental que tomó forma en el curso del Período Preclásico posterior (500 a. C. a 200 d. C.). Su mayor florecimiento artístico ocurrió durante los siete siglos del Período Clásico (c. 200 a 900 d.C.). El arte maya antiguo pasó luego por una fase posclásica extendida antes de que los trastornos del siglo XVI destruyeran la cultura cortesana y pusieran fin a la tradición artística maya. Existían muchos estilos regionales, que no siempre coincidían con los límites cambiantes de los sistemas políticos mayas. Los olmecas , teotihuacanos y toltecas han influido en el arte maya. Las formas de arte tradicionales han sobrevivido principalmente en el tejido y el diseño de casas campesinas.
Las obras de arte de jade se cuentan entre las obras de arte más maravillosas que nos han dejado los mayas. La mayoría de los elementos encontrados se remontan al período Clásico , pero se están descubriendo cada vez más artefactos que datan del Preclásico . Los más antiguos incluyen cuentas sencillas y sin adornos encontradas en entierros en Cuello ( Belice ) que datan de entre 1200 y 900 a. C. En ese momento, la talla de piedra ya estaba muy desarrollada entre los olmecas , quienes ya trabajaban jade antes que los mayas. En Mesoamérica , el jade se encuentra únicamente como jadeíta ; la nefrita , la otra variedad conocida como jade, no existe allí. Sin embargo, en esta área de Mesoamérica "jade" es un término colectivo para varias otras piedras verdes o azules. Los objetos de jade se colocaban en entierros, se usaban en rituales y, por supuesto, como joyas. Además de usarse para cuentas, que a menudo se ensartaban para hacer colgantes y collares muy ornamentados, también se usaban para carretes de orejas, bandas para brazos, pantorrillas y pies, cinturones, pectorales (joyas para el pecho) y para adornar prendas y tocados. .
El arte maya antiguo es conocido por su belleza estética y contenido narrativo. De todos los medios en los que trabajaron los artistas mayas, sus pinturas sobre cerámica se encuentran entre los más impresionantes por su sofisticación técnica y estética. Estas complejas escenas pictóricas acompañadas de textos jeroglíficos relatan eventos históricos del período Clásico y revelan la ideología religiosa sobre la cual los mayas construyeron una gran civilización.
Incensario sentado en forma de rey; Siglo cuarto; cerámico; alto: 80 cm, ancho: 31,1 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Placa de jade de un rey maya; 400-800 (período clásico); alto: 14 cm, ancho: 14 cm; encontrado en Teotihuacan ; Museo Británico (Londres)
Estatua que representa a un prisionero atado; 600-900 dC; caliza; de Toniná (México); Musée du quai Branly - Jacques Chirac (París)
Retrato de K'inich Janaab Pakal I; 615–683; estuco; altura: 43 cm; Museo Nacional de Antropología (Ciudad de México)
Jarrón estilo códice con escena mitológica; Siglo VII-VIII; cerámico; altura: 19 cm, diámetro: 11,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
Vasija con escena de trono; finales del siglo VII al VIII; cerámico; 21,59 cm; Museo Metropolitano de Arte
Uno de los dinteles de Yaxchilán, en el que se muestra un ritual de derramamiento de sangre realizado por el rey de Yaxchilán y su esposa, Lady K'ab'al Xook; 723–726; caliza; alto: 108 cm, ancho: 78 cm; Museo Británico
Alivio que muestra a Aj Chak Maax presentando cautivos ante el gobernante Itzamnaaj B'alam III de Yaxchilan ; 22 de agosto de 783; piedra caliza con trazas de pigmento; altura: 1,15 m; Museo de Arte Kimbell ( Fort Worth , Texas, EE. UU.)
Costa Rica y panamá
Consideradas durante mucho tiempo como un remanso de la cultura y la expresión estética, las sociedades dinámicas de Centroamérica ahora son reconocidas como contribuyentes robustos e innovadores a las artes de las Américas antiguas. Los pueblos de la Nicaragua precolombina , Costa Rica y Panamá desarrollaron sus propios estilos distintivos a pesar de que la región ha sido una encrucijada durante milenios. Sus pueblos no fueron subsumidos por influencias externas, sino que crearon, adoptaron y adaptaron todo tipo de ideas y tecnologías para satisfacer sus necesidades y temperamentos. Las tradiciones culturales idiosincrásicas de la región, las creencias religiosas y los sistemas sociopolíticos se reflejan en obras de arte únicas. Un principio espiritual fundamental era el chamanismo, cuyo principio central decretaba que en un estado de trance, transformado en la forma de un compañero espiritual, una persona podía entrar en el reino supranatural y acumular un poder especial para afectar los asuntos mundanos. Los artistas centroamericanos idearon formas ingeniosas de retratar esta transformación fusionando en una sola figura las características humanas y animales; el jaguar , la serpiente y el raport aviar (halcón, águila o buitre) eran las principales formas espirituales.
Colgante de pájaro; Siglo I-V; jadeíta ; altura: 6,7 cm, ancho: 1,9 cm, profundidad: 4,7 cm; de Costa Rica ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Pectoral; Siglo V-X; aleación de oro; total: 25,1 × 26,7 cm; de Sitio Conte ( Panamá ); Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Vasija con forma de caparazón de tortuga; Siglos XI-XIV; cerámica pintada; total: 22,9 × 29,2 cm; de Panamá; Museo de Arte de Cleveland
Colgante con 2 guerreros con cabeza de murciélago que portan lanzas; Siglo XI-XVI; oro; total: 7,62 cm (3 pulg.); de la provincia de Chiriquí ( Panamá ); Museo Metropolitano de Arte
Colombia
El oro , el metal perpetuamente brillante del estatus, la riqueza y el poder, inspiró a los españoles a explorar el mundo y fue un accesorio esencial de prestigio, autoridad e ideología religiosa entre los pueblos de América Central y Colombia.
En Colombia, el oro fue importante por su relación con la fuerza divina del sol. Formaba parte de una ideología compleja de oposiciones binarias universales: hombre-mujer, luz-oscuridad, la tierra y los mundos espirituales. Los adornos corporales de oro se fundieron en formas complejas, y su iconografía comunicaba la potencia social, política y espiritual a través de representaciones de poderosos chamanes-gobernantes, tótems de linaje y espíritus protectores supranaturales.
Colgante de figura de Yotoco con cabeza de animal; Siglo I-VII; oro; altura: 6,35 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Recipiente de lima quimbaya ; Siglo V-IX; oro; altura: 23 c; Museo Metropolitano de Arte
Figura masculina muisca ( tunjo ); Siglo X-mediados del XVI; oro; altura: 14,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
Colgante Tairona ; Siglo X-XVI; oro; altura: 14 cm; Museo Metropolitano de Arte
Regiones andinas
Las antiguas civilizaciones de Perú y Bolivia nutrieron tradiciones artísticas únicas, incluida una de las tradiciones de arte de fibra más estéticamente impresionantes del mundo, que se ve en artefactos, desde ropa hasta mortajas funerarias y adornos arquitectónicos. Los orígenes de la civilización andina se remontan antes del 3000 a. C. Aprovechando los entornos desafiantes, que incluían el desierto costero más seco del mundo, las tierras altas desoladas azotadas por el viento y las montañas formidables, los pueblos andinos precolombinos se destacaron en la agricultura, la pesca marina y la cría de animales. Hacia 1800 aC, los edificios rituales y cívicos elevados sobre enormes plataformas de adobe dominaban los asentamientos más grandes, particularmente en los valles de los ríos costeros. Dos de las primeras culturas importantes de esta tierra son la cultura Chavín y la cultura Paracas .
Los Moche controlaban los valles fluviales de la costa norte, mientras que los Nazca del sur de Perú dominaban los desiertos costeros y las montañas contiguas, heredando los avances tecnológicos, en agricultura y arquitectura, así como las tradiciones artísticas de los primeros habitantes de Paracas . Ambas culturas florecieron alrededor del 100 al 800 d. C. La cerámica Moche es una de las más variadas del mundo. El uso de la tecnología de moldes es evidente. Esto habría permitido la producción en masa de ciertas formas. Tras el declive de los Moche, surgieron dos grandes imperios coexistentes en la región de los Andes. En el norte, el Imperio Wari (o Huari). Los Wari son conocidos por su arquitectura de piedra y sus logros escultóricos, pero su mayor habilidad fue la cerámica. Los Wari produjeron magníficas cerámicas grandes, muchas de las cuales representaban imágenes del Dios del Bastón .
Los Chimú fueron precedidos por un estilo cerámico simple conocido como Sicán (700-900 dC) que se volvió cada vez más decorativo hasta que se volvió reconocible como Chimú a principios del segundo milenio. El Chimú produjo excelentes trabajos de retrato y decoración en metal, sobre todo en oro pero sobre todo en plata. Los chimú también se destacan por su trabajo con plumas, habiendo producido muchos estandartes y tocados hechos de una variedad de plumas tropicales que fueron moldeadas en diseños de aves y peces, los cuales fueron muy apreciados por los chimú.
La estela de Raimondi ; por la cultura Chavín ; Siglos V-III aC; granito; altura: 1,95 m; Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú ( Lima , Perú)
Fotografía aérea de una de las líneas de Nazca , tomada en julio de 2015. En esta foto aparece la línea denominada "El mono"
Manto ceremonial con representaciones de seres sobrenaturales; por la cultura Paracas ; 100 a. C.-100 d. C.; tejido de algodón liso bordado; alto: 12,8 cm, ancho: 12,9 cm; Museo de Arte de Lima ( Lima , Perú)
Vaso de retrato moche de un gobernante; por la cultura Moche ; 100 a. C.-500 d. C.; cerámica y pigmento; Instituto de Arte de Chicago (EE. UU.)
Figura antropomorfa; del imperio Wari ; Siglos VII-X; arcilla quemada; del Valle del Mantaro; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza )
Máscara funeraria; por la cultura Sicán ; 900-1100; oro, plata y cinabrio ; alto: 29,2, ancho: 49,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Cuchillo ceremonial ( tumi ); por la cultura Sicán; Siglo X-XIII; oro, turquesa, piedra verde y concha; altura: 33 cm (1 pie 1 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
Figuras de un hombre y una llama ; del imperio Inca ; 1400-1532; oro; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Amazonia y Caraibbes
El clima tropical de las islas del Caribe y la selva amazónica no es favorable para la preservación de artefactos hechos de madera y otros materiales. Lo que sobrevivió revela sociedades complejas cuya gente creó un arte rico en significado mitológico y espiritual.
Los taínos , que ocuparon las islas del Caribe cuando llegaron los españoles, eran agricultores cuya sociedad estaba centrada en jefes hereditarios llamados caciques . Sus pueblos incluían plazas ceremoniales de construcción impresionante en las que se jugaban juegos de pelota y se llevaban a cabo rituales religiosos, uniendo su cultura a la de los mayas de la península de Yucatán . Gran parte del arte taíno se asoció con los rituales chamánicos y la religión, incluido un ritual en el que un chamán o un cacique entra en un estado hipnótico al inhalar el polvo alucinógeno de cohoba . Las esculturas que representan al dios creador Yocahu a menudo representan una figura masculina desnuda en una posición en cuclillas con un plato ligeramente cóncavo en la parte superior de su cabeza, para sostener el polvo de cohoba . Otras figuras (siempre masculinas) se colocan rígidamente frontales, la exhibición ostentosa de sus genitales aparentemente a la importancia de la fertilidad. El propósito de estos rituales era la comunicación con los antepasados y el mundo espiritual. Los jefes y chamanes (a menudo la misma persona) a veces intercedían ante los seres espirituales desde un taburete esculpido, o duho .
Mientras tanto, la cultura Marajoara floreció en la isla de Marajó en la desembocadura del río Amazonas , en Brasil. Los arqueólogos han encontrado cerámica sofisticada en sus excavaciones en la isla. Estas piezas son grandes y elaboradamente pintadas y grabadas con representaciones de plantas y animales. Estos proporcionaron la primera evidencia de que había existido una sociedad compleja en Marajó. La evidencia de la construcción de montículos sugiere además que en esta isla se desarrollaron asentamientos bien poblados, complejos y sofisticados, ya que solo se creía que dichos asentamientos eran capaces de proyectos tan extensos como grandes movimientos de tierra. [64] La cerámica que hicieron está decorada con líneas abstractas y espirales, lo que sugiere que probablemente consumieron plantas alucinógenas. La cultura Marajoara produjo muchos tipos de recipientes, como urnas, frascos, botellas, tazas, cuencos, platos y platos.
Espátula; Siglos X-XV; hueso de manatí ; total: 19,1 × 3,2 × 11 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Figura de la deidad taína ( Zemi ); Siglos XV-XVI EC; madera y concha; probablemente de República Dominicana ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Vaso cilíndrico Marajoara ; 400–1000 CE; cerámica con engobe blanco cremoso bajo pintura marrón rojiza; altura: 38,5 cm; de la isla de Marajó (Brasil)
Vasija funeraria grande; 400-1400; cerámica con engobe blanco cremoso bajo pintura marrón rojiza; altura: 89 cm; de la isla de Marajó
Estados Unidos y canadá
El estilo de arte nativo americano más famoso de los Estados Unidos y Canadá es el de la costa noroeste , famoso por sus tótems y combinaciones de colores.
El arte de los haida , tlingit , heiltsuk , tsimshian y otras tribus más pequeñas que viven en las zonas costeras del estado de Washington , Oregón y Columbia Británica se caracteriza por un vocabulario estilístico extremadamente complejo expresado principalmente en el medio del tallado en madera. Los ejemplos famosos incluyen tótems , máscaras de transformación y canoas. Además de la artesanía en madera, la pintura bidimensional y las joyas grabadas en plata, oro y cobre se volvieron importantes después del contacto con los europeos.
Las culturas de Eastern Woodlands , o simplemente bosques, habitaron las regiones de América del Norte al este del río Mississippi al menos desde el 2500 a. C. Si bien había muchas culturas regionalmente distintas, el comercio entre ellas era común y compartían la práctica de enterrar a sus muertos en montículos de tierra, lo que ha conservado una gran cantidad de su arte. Debido a este rasgo, las culturas se conocen colectivamente como los constructores de montículos .
Tótem Kwakwaka'wakw en Ottawa (Canadá)
Cuenco Mogollon con diseño geométrico y antílope berrendo ; 1000-1150; loza de barro; diámetro: 31,2 cm, total: 12,5 × 32 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Figura de ballena Kwakwaka'wakw ; Siglo 19; madera de cedro , cuero, cordón de algodón, clavos y pigmentos; 60 × 72,4 × 206 cm; Museo de Brooklyn (Nueva York)
Máscara de transformación Thunderbird; Siglo 19; cedro, pigmento, cuero, clavos y plancha de metal; 121,9 × 180,3 × 38,1 cm; Museo de Brooklyn
Inuit
El arte inuit se refiere a las obras de arte producidas por los inuit , es decir, la gente del Ártico anteriormente conocida como esquimales , un término que ahora se considera ofensivo fuera de Alaska . Históricamente, su medio preferido era el marfil de morsa , pero desde el establecimiento de los mercados del sur para el arte inuit en 1945, los grabados y las obras figurativas talladas en piedra relativamente blanda como la esteatita , la serpentinita o la argilita también se han vuelto populares. La gama de colores es fría, siendo los más encontrados: negro, marrón, grises, blanco y gris azulado.
La Galería de Arte de Winnipeg tiene una gran colección pública de arte inuit contemporáneo. [65] En 2007, el Museo de Arte Inuit abrió en Toronto , [66] pero cerró debido a la falta de recursos en 2016. [67] Carvings Nunavut, propiedad de Inuk Lori Idlout, abrió en 2008 y ha crecido hasta tener el mayor colección privada en Nunavut. La galería de propiedad y operación de los inuit incluye una amplia selección de arte hecho por los inuit que tiene millones en inventario. [68]
Cabeza del viejo mar de Bering ; Siglo II-IV; marfil (morsa); altura: 6,35 cm (2 1 ⁄ 2 pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Mango de cuchillo Punuk ; Siglo XI-XII; marfil de morsa; altura: 3,8 cm, ancho: 14 cm; Museo Metropolitano de Arte
Máscara de Yupik con espíritu de foca o nutria marina; finales del siglo XIX; madera, pintura, cordón de tripa y plumas; Museo de Arte de Dallas ( Texas , EE. UU.)
Máscara de barco Yupik de un chamán; 1883; Museo Etnológico de Berlín (Alemania)
asiático
La civilización oriental incluye ampliamente a Asia, y también incluye una compleja tradición de creación artística. Un enfoque de la historia del arte oriental divide el campo por nación, con focos en el arte indio , el arte chino y el arte japonés . Debido al tamaño del continente, se puede ver claramente la distinción entre Asia oriental y Asia meridional en el contexto de las artes. En la mayor parte de Asia, la cerámica era una forma de arte predominante. La cerámica suele estar decorada con patrones geométricos o representaciones abstractas de animales, personas o plantas. Otras formas de arte muy extendidas fueron, y son, la escultura y la pintura.
Asia Central
El arte del Asia Central antigua y medieval refleja la rica historia de esta vasta área, hogar de una gran variedad de pueblos, religiones y formas de vida. Los restos artísticos de la región muestran una notable combinación de influencias que ejemplifican la naturaleza multicultural de la sociedad de Asia Central.
Desde finales del segundo milenio antes de Cristo hasta hace muy poco, las praderas de Asia Central, que se extienden desde el Mar Caspio hasta el centro de China y desde el sur de Rusia hasta el norte de India, han sido el hogar de pastores migratorios que practicaban economías mixtas al margen de sociedades sedentarias. El arte prehistórico de "estilo animal" de estos nómadas pastorales no solo demuestra sus mitologías zoomorfas y tradiciones chamánicas, sino también su fluidez en la incorporación de los símbolos de la sociedad sedentaria en sus propias obras de arte.
Asia Central siempre ha sido una encrucijada de intercambio cultural, el centro de la llamada Ruta de la Seda , ese complejo sistema de rutas comerciales que se extiende desde China hasta el Mediterráneo. Ya en la Edad del Bronce (tercer y segundo milenio antes de Cristo), los crecientes asentamientos formaban parte de una extensa red de comercio que unía Asia Central con el valle del Indo , Mesopotamia y Egipto. [69]
Estatuilla femenina, un ejemplo de una " princesa bactriana "; finales del 3º y principios del 2º milenio antes de Cristo; esteatita o clorita y alabastro ; 9 × 9,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Caracortada; 2200-1700 AC; clorita, calcita, hierro meteórico y concha; altura: 12 cm; Louvre [70]
Final (kulan); Siglos VI-V aC; bronce; 14,5 x 9 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Hebilla del cinturón; Siglos III-I antes de Cristo; oro; longitud: 7,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
Deva; Hadda, Afganistán , siglos IV a V d.C. estuco ; altura: 55 cm; Museo Guimet (París) [71]
Diosa y músico celestial, Cuevas de Kizil , siglo V; pigmentos sobre yeso; altura: 2,03 m; Museo de Arte Asiático ( Berlín , Alemania) [70]
Estatua del guerrero; Siglo VIII-X; de la región de Kosh-Agach ( Altai ); Ermita ( San Petersburgo , Rusia)
Suzani (ahorcamiento ceremonial); finales de 1700; algodón; 92 × 63; de Uzbekistán ; Museo de Arte de Indianápolis (EE. UU.)
indio
Los primeros budistas de la India desarrollaron símbolos relacionados con Buda . Los principales vestigios del arte budista comienzan en el período posterior a las Mauryans , en el norte de India kushan el arte , el arte greco-budista de Gandhara y, finalmente, el período "clásico" de Gupta arte . Además, estaba la escuela Andhra que apareció antes que la escuela Gandhara y que tenía su sede en el sur de la India. [72] Buena cantidad de escultura sobrevive de algunos sitios clave como Sanchi , Bharhut y Amaravati , algunos de los cuales permanecen in situ , y otros en museos de la India o de todo el mundo. Las estupas estaban rodeadas por cercas ceremoniales con cuatro toranas profusamente talladas o portales ornamentales que miraban hacia las direcciones cardinales. Son en piedra, aunque adoptan claramente formas desarrolladas en madera. Ellos y las paredes de la estupa en sí pueden estar fuertemente decorados con relieves, que ilustran principalmente la vida del Buda. Gradualmente se esculpieron figuras de tamaño natural, inicialmente en relieve profundo, pero luego independientes. [73] El arte Mathura fue el centro más importante en este desarrollo, que se aplicó al arte hindú y jainista, así como al budista. [74] Las fachadas e interiores de las salas de oración chaitya excavadas en la roca y las viharas monásticas han sobrevivido mejor que las estructuras independientes similares en otros lugares, que durante mucho tiempo fueron principalmente de madera. Las cuevas de Ajanta , Karle , Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores, como figuras icónicas de Buda y bodhisattvas , que no se encuentran antes del año 100 d.C. por lo menos.
La capital de los leones de Ashoka ; C. 250 AC; piedra arenisca ; altura: 2,15 m; Museo Sarnath (India)
Buda sentado; C. 475; arenisca; altura: 1,6 m; Museo Sarnath
Ídolo de Chaumukha ; C. 600; arenisca; 58,42 × 43,18 × 44,45 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Bodhisattva Padmapani ; 450–490; pigmentos sobre roca; altura: c. 1,2 m; Cuevas de Ajanta (India)
El templo Kandariya Mahadeva ( Khajuraho , Madhya Pradesh , India), c. 1030
Nataraja ; C. Siglo 11; aleación de cobre; altura: 68,3 cm, diámetro: 56,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
El Taj Mahal ( Agra , India), el ejemplo más conocido de arquitectura mogol , c. 1649
Retrato de Shah Jahan en el Trono del Pavo Real; Siglo 19; altura de la página: 37,2 cm, altura del cuadro: 16,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
Nepalés, butaneses y tibetanos
Durante más de mil años, los artistas tibetanos han desempeñado un papel clave en la vida cultural del Tíbet. Desde diseños para muebles pintados hasta elaborados murales en edificios religiosos, sus esfuerzos han permeado prácticamente todas las facetas de la vida en la meseta tibetana . La gran mayoría de las obras de arte supervivientes creadas antes de mediados del siglo XX están dedicadas a la representación de temas religiosos, siendo las formas principales thangka , pinturas de moquillo sobre tela, pinturas murales budistas tibetanas y pequeñas estatuas de bronce o grandes de arcilla. , estuco o madera. Fueron encargados por establecimientos religiosos o por personas piadosas para su uso dentro de la práctica del budismo tibetano y fueron fabricados en grandes talleres por monjes y artistas laicos, que en su mayoría son desconocidos.
El arte del Tíbet puede estudiarse en términos de las influencias que han contribuido a él a lo largo de los siglos, de otros estilos chinos , nepaleses , indios y sagrados . Se cree que muchos bronces en el Tíbet que sugieren la influencia de Pala fueron elaborados por escultores indios o traídos de la India. [75]
El arte de Bután es similar al arte del Tíbet . Ambos se basan en el budismo Vajrayana , con su panteón de seres divinos. Las principales órdenes del budismo en Bután son Drukpa Kagyu y Nyingma . El primero es una rama de la escuela Kagyu y es conocido por pinturas que documentan el linaje de los maestros budistas y los 70 Je Khenpo (líderes del establecimiento monástico de Bután). La orden Nyingma es conocida por las imágenes de Padmasambhava , a quien se le atribuye la introducción del budismo en Bután en el siglo VII. Según la leyenda, Padmasambhava escondió tesoros sagrados para que los futuros maestros budistas, especialmente Pema Lingpa , los encontraran. Los buscadores de tesoros ( tertön ) también son sujetos frecuentes del arte Nyingma.
Figurilla; Siglos XIV-XV; aleación de cobre dorado; altura: 13,5 cm, ancho: 9,8 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Altar; 1700-1899; metal, piedras y filigrana; longitud: 130,7 cm; Museo Británico (Londres)
Gorguera; siglo 18; plata y diversas piedras preciosas; total: 8,9 cm, la cadena: 13,7 cm; del Tíbet; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , EE. UU.)
Mandala de Buda de la medicina pintada con la diosa Prajnaparamita en el centro; Siglo 19; Museo de Arte Rubin (Nueva York)
chino
En Asia oriental, la pintura se deriva de la práctica de la caligrafía, y los retratos y paisajes se pintan sobre telas de seda. La mayoría de las pinturas representan paisajes o retratos. Las esculturas más espectaculares son los bronces rituales y las esculturas de bronce de Sanxingdui . Un ejemplo muy conocido de arte chino es el Ejército de Terracota , que representa a los ejércitos de Qin Shi Huang , el primer emperador de China. Es una forma de arte funerario enterrado con el emperador en 210–209 a. C., cuyo propósito era proteger al emperador en su otra vida.
El arte chino es una de las artes tradicionales continuas más antiguas del mundo y está marcado por un grado inusual de continuidad y conciencia de esa tradición, que carece de un equivalente al colapso occidental y la recuperación gradual de los estilos clásicos. Los medios que generalmente se han clasificado en Occidente desde el Renacimiento como artes decorativas son extremadamente importantes en el arte chino, y gran parte del mejor trabajo fue producido en grandes talleres o fábricas por artistas esencialmente desconocidos, especialmente en cerámica china . La variedad y calidad de los productos que decoraban los palacios y hogares chinos, y sus habitantes, es deslumbrante. Los materiales venían de toda China y mucho más allá: oro y plata, nácar , marfil y cuerno de rinoceronte, madera y laca , jade y piedra de jabón , seda y papel.
Estela votiva con Buda Shakyamuni ; con fecha de 542 ( dinastía Wei del Este ); caliza; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
Estatuillas de bailarines; Siglo VIII ( Imperio Tang ); cerámico; Museo Histórico de Berna (Suiza)
Wang Xizhi observando gansos ; por Qian Xuan ; 1235-antes de 1307; pergamino (tinta, color y oro sobre papel); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Caja cubierta con pabellón y figuras; 1300 (la dinastía Yuan ); laca tallada; Museo Nacional de Tokio (Tokio)
Los jarrones de David ; 1351 (la dinastía Yuan); porcelana, decoración azul cobalto bajo esmalte; altura: 63,8 cm; Museo Británico (Londres)
Frasco de peregrino decorado con melocotones y granadas, elaborado con la técnica del cloisonné ; 1ª mitad del siglo XVII (la dinastía Ming ); Museo Rietberg
Salón de oración por las buenas cosechas, el edificio principal del Templo del Cielo ( Beijing ), 1703-1790
Comienzo pacífico para el nuevo año ; por Ding Guanpeng ; 1748; tinta y color sobre papel; altura: 179,3 cm; Museo del Palacio Nacional ( Taipei , Taiwán )
japonés
El arte japonés cubre una amplia gama de estilos y medios artísticos, que incluyen cerámica antigua , escultura , pintura con tinta y caligrafía sobre seda y papel, pinturas ukiyo-e y grabados en madera , cerámica, origami y, más recientemente, manga ( dibujos animados y cómics japoneses modernos) junto con una miríada de otros tipos.
Los primeros pobladores de Japón, el pueblo Jōmon (c. 11.000–300 a. C.). Elaboraron recipientes de almacenamiento de cerámica profusamente decorados , figurillas de arcilla llamadas dogū . Japón ha sido objeto de repentinas invasiones de nuevas ideas seguidas de largos períodos de mínimo contacto con el mundo exterior. Con el tiempo, los japoneses desarrollaron la capacidad de absorber, imitar y finalmente asimilar aquellos elementos de la cultura extranjera que complementaban sus preferencias estéticas. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo . En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollaron formas de expresión indígenas, las artes seculares se volvieron cada vez más importantes; hasta finales del siglo XV, florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra de Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de trastornos políticos, sociales y económicos que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa , la religión organizada jugó un papel mucho menos importante en la vida de las personas, y las artes que sobrevivieron fueron principalmente seculares.
Fudo Myoo (Acala), rey del conocimiento místico; finales del siglo XII (período Fujiwara); madera de ciprés con restos de marco coloreado; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
Juego de adivinanzas de incienso; 1615–1868; laca ; total: 23 × 25,4 × 16,6 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
Túnica; principios de 1700; hilo metálico de seda y brocado; total: 139,7 × 133,3 cm; Museo de Arte de Cleveland
Cofre japonés con orla que muestra figuras en burros en un paisaje; 1750-1800; laca roja tallada sobre núcleo de madera con fornitura de metal y cerradura de jade; 30,64 × 30,16 × 12,7 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Tres bellezas del presente ; por Kitagawa Utamaro ; C. 1793; alto: 3,87 cm (15,23 pulgadas), ancho: 2,62 cm (10,31 pulgadas); Museo de Arte de Toledo ( Toledo , Ohio , EE. UU.)
Lámina; 1800; porcelana esmaltada sobre vidriado; diámetro: 48,3 cm, total: 5,7 cm; Museo de Arte de Cleveland
Inrō ; Siglo 19; madera, laca y oro; Museo Histórico de Berna (Suiza)
Abanico plegable pintado; por Yamamoto Baiitsu ; 1832; tinta y color sobre papel; Imagen: 17 × 47,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
coreano
Las artes coreanas incluyen tradiciones en caligrafía, música, pintura y cerámica, a menudo marcadas por el uso de formas naturales, decoración de superficies y colores o sonidos atrevidos.
Los primeros ejemplos de arte coreano consisten en obras de la Edad de Piedra que datan del 3000 a. C. Se trata principalmente de esculturas votivas y, más recientemente, petroglifos , que fueron redescubiertos. Este período temprano fue seguido por los estilos artísticos de varios reinos y dinastías coreanos. Los artistas coreanos a veces modificaron las tradiciones chinas con una preferencia nativa por la elegancia simple, la espontaneidad y el aprecio por la pureza de la naturaleza.
La dinastía Goryeo (918-1392) fue uno de los períodos más prolíficos para una amplia gama de disciplinas, especialmente la cerámica. El mercado del arte coreano se concentra en el distrito de Insadong de Seúl, donde más de 50 pequeñas galerías exhiben y ocasionales subastas de bellas artes. Las galerías se gestionan de forma cooperativa, son pequeñas y, a menudo, cuentan con exposiciones seleccionadas y finamente diseñadas. En cada ciudad hay galerías regionales más pequeñas, con artistas locales que se exhiben en medios tradicionales y contemporáneos. Las galerías de arte suelen tener una combinación de medios. Los intentos de llevar el arte conceptual occidental a un primer plano generalmente han tenido su mayor éxito fuera de Corea en Nueva York, San Francisco, Londres y París.
Estatua de Maitreya en meditación; Siglo VI-VII; bronce dorado; altura: 83,2 cm; Museo Nacional de Corea ( Seúl )
Luna de agua Kwanseumǔm; principios del siglo XIV; colgar pergamino, tinta y colores sobre seda; 1,14 x 0,55 m; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Familia de tigres; siglo 17; tinta y color sobre papel; alto: 584,20 mm, ancho: 371,47 mm; Museo de Arte de Denver ( Denver , Colorado , EE. UU.)
Buda Seokgamoni (Shakyamuni) predicando a la asamblea en la cima del buitre; 1755; sin montar, tinta y color sobre seda; aproximadamente 335,28 × 406,4 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Sudeste Asiatico
Las artes del sudeste asiático, una región que se extiende desde Birmania (también conocida como Myanmar) y la isla indonesia de Sumatra en el oeste hasta Papua Nueva Guinea y Filipinas en el este, es extraordinariamente rica y variada, debido en gran parte a las influencias culturales de India que llegó con la introducción del hinduismo y el budismo en los primeros siglos d.C. Aquí viven poblaciones de orígenes étnicos muy diversos, que hablan cientos de idiomas diferentes y existen en diferentes etapas de la evolución cultural. Con sólo unas pocas excepciones, estos pueblos han sido sometidos en el transcurso de sus largas historias a influencias culturales externas de diversa intensidad del mundo islámico , China y Occidente, así como de la India. Gran parte del arte del sudeste asiático es de naturaleza religiosa. La penetración de las influencias hindúes y budistas de la India ha sido especialmente profunda en los países continentales de Birmania , Tailandia , Camboya y Laos . Las influencias cristianas prevalecen en Filipinas y Timor-Leste . Las influencias chinas han sido más limitadas, excepto Vietnam , que estuvo bajo la hegemonía china desde el siglo II a.C. hasta el siglo X d.C.
Los primeros gobernantes del sudeste asiático construyeron templos estatales para establecer su legitimidad y dar expresión material a su poder y autoridad. Estos a menudo estaban decorados con esculturas en relieve de gran vitalidad y originalidad, que, sin embargo, siempre se ajustaban a las convenciones iconográficas establecidas para la representación de temas hindúes y budistas.
Los artistas del sudeste asiático se han destacado durante mucho tiempo en la pintura al fresco y la pintura sobre laca, especialmente en los países budistas del continente y en el Bali hindú . Frescos y generalmente pintados en las paredes interiores de las galerías que rodean los recintos del templo, mientras que la laca pintada se aplica principalmente a los objetos de madera: paneles, armarios, arcones, puertas y contraventanas. El tema de ambas formas de pintura generalmente se limita a representaciones de deidades hindúes; historias de las epopeyas hindúes, el Ramayana y el Mahabharata ; episodios de la vida del Buda histórico y relatos de sus vidas anteriores ( jatakas ); y otros temas hindúes y budistas.
Deidad sentada; finales del 9; piedra arenisca ; de Champa ( provincia de Quang Nam , complejo de templos de Dong-du'o'ng); Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza )
Frontón de Tollitama ; de Camboya; 976; arenisca rosada; 196 × 269 cm; Musée Guimet (París)
Estatua de una diosa; 1775-1825; madera, vidrio, pintura y dorado; altura: 41,2 cm, ancho: 18,5 cm, profundidad: 12,0 cm, peso: 1,5 kg; Rijksmuseum ( Amsterdam , Países Bajos )
Una página del manuscrito Phra Malai ; acuarela opaca y tinta sobre papel; cubiertas: papel dorado y lacado; C. 1860-1880; 13,97 × 68,26 × 6,35 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Kain sarong prada (paño de falda ceremonial); de Indramaya (Java, Indonesia); finales del siglo XIX; algodón, pan de oro , ligamento tafetán, batik (teñido resistente); Museo de Arte de Honolulu ( Hawái , EE. UU.)
Deidad imagen de Agusan ; Siglos IX-X; estatua de oro; de Filipinas ; Museo Field de Historia Natural (Chicago)
Estatua de la Virgen con el Niño; 1600; marfil con plata ; de Filipinas ; Catedral de Sevilla (España)
Wayang Kulit, también conocido como Wajang Koelit, es una forma de arte de teatro de marionetas que se encuentra en Java, Indonesia y otras partes del sudeste asiático.
África
El arte africano incluye tanto la escultura , tipificada por las piezas de bronce del pueblo de Benin , como el arte popular . Simultáneamente con la Edad Media europea, en el siglo XI d.C. se fundó en Gran Zimbabwe una nación que fabricaba gran arquitectura, esculturas de oro e intrincadas joyas . Al mismo tiempo, el pueblo yoruba de lo que hoy es Nigeria estaba fabricando esculturas impresionantes en bronce . Tal cultura creció y finalmente se transformó para convertirse en el Reino de Benin , donde se crearon elegantes colmillos de altar, cabezas de bronce, placas de bronce y arquitectura palaciega. El Reino de Benin fue terminado por los británicos en 1897, y ahora queda poco del arte de la cultura en Nigeria. Hoy en día, el lugar de arte más importante de África es la Bienal de Johannesburgo .
El África subsahariana se caracteriza por una alta densidad de culturas. Son notables los Dogon de Mali ; Edo , Yoruba , Igbo y la civilización Nok de Nigeria ; Personas Kuba y Luba de África Central ; Pueblo Ashanti de Ghana ; Gente zulú del sur de África ; y Fang de Guinea Ecuatorial (85%), Camerún y Gabón; la gente de la civilización Sao de Chad; Pueblo Kwele del este de Gabón, República del Congo y Camerún.
Las innumerables formas de arte africano son componentes de algunas de las tradiciones artísticas más vibrantes y receptivas del mundo y son parte integral de la vida de los africanos. Creadas para propósitos específicos, las obras de arte pueden revelar su importancia continua a través de transformaciones físicas que mejoran tanto su apariencia como su potencia. Muchas formas de arte africanas tradicionales se crean como conductos hacia el mundo espiritual y cambian de apariencia a medida que se agregan materiales para realzar su belleza y potencia. Cuanto más se usa y se bendice una obra, más abstracta se vuelve con la acumulación de materia de sacrificio y el desgaste de los detalles originales.
Figura sentada; por la cultura Nok ; Siglo V a. C. - siglo V d. C.; terracota; altura: 38 cm; Musée du quai Branly (París)
Jefe de un rey o dignatario; por el pueblo Yoruba ; Siglo XII al XV dC; terracota; descubierto en Ife (Nigeria); Museo Etnológico de Berlín (Alemania)
Figura sentada; siglo 13; terracota; altura: 29,9 cm; de Djenné-Djenno ( Malí ); Museo Metropolitano de Arte ( Nueva York )
Máscara de marfil de Benin que representa a Idia ; del Reino de Benin ; principios del siglo XVI; marfil con incrustaciones de hierro; altura: 23,8 cm, peso: 12,7 cm, profundidad: 8,3 cm; Museo Metropolitano de Arte
Placa con guerreros y asistentes; del Reino de Benin; Siglo XVI-XVII; latón; altura: 47,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
Silla Prestige; por la gente de Babanki ; C. 1800; madera; total: 80,7 × 53,3 × 44,5 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Reposacabezas; por la gente de Luba ; Siglo 19; madera; altura: 18,5 cm (7,2 pulgadas), ancho: 19 cm (7,4 pulgadas), grosor: 8 cm (3,1 pulgadas); Musée du quai Branly
Máscara; por la gente Fang ; C. 1895; madera teñida con caolín ; altura: 78 cm; Museo Etnológico de Berlín (Alemania)
Máscara; por la gente de Kwele ; principios del siglo 20; madera pintada; altura: 63 cm; Muséum d'Histoire naturelle de La Rochelle ( La Rochelle , Francia)
Máscara; por la gente de Yaka ; principios del siglo 20; madera, rafia y pigmentos de color; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
Máscara de búfalo; posiblemente por la gente Bwa ; principios y mediados del siglo XX; fibras y madera pintada; Museo de Arte de Cleveland
Una casa tradicional tata-somba en Benin
Oceanía
El Arte de Oceanía incluye las áreas geográficas de Micronesia , Polinesia , Australia, Nueva Zelanda y Melanesia . Un enfoque trata el área de manera temática, centrándose en la ascendencia , la guerra, el cuerpo, el género, el comercio, la religión y el turismo . Desafortunadamente, poco arte antiguo sobrevive de Oceanía. Los eruditos creen que esto se debe probablemente a que los artistas utilizaron materiales perecederos, como madera y plumas, que no sobrevivieron en el clima tropical, y no hay registros históricos que hagan referencia a la mayor parte de este material. La comprensión de las culturas artísticas de Oceanía comienza así con la documentación de la misma por occidentales, como el capitán James Cook , en el siglo XVIII. A principios del siglo XX, el artista francés Paul Gauguin pasó una cantidad significativa de tiempo en Tahití, viviendo con la gente local y haciendo arte moderno, un hecho que se ha entrelazado con la cultura visual de Tahití hasta el día de hoy. [ cita requerida ] El arte indígena de Australia a menudo se parece al arte moderno abstracto, pero tiene profundas raíces en la cultura local.
El arte de Oceanía es la última gran tradición de arte apreciada por el mundo en general. A pesar de ser una de las tradiciones de arte continuas más largas del mundo, que se remonta al menos a cincuenta milenios, permaneció relativamente desconocida hasta la segunda mitad del siglo XX.
Los materiales a menudo efímeros del arte aborigen de Australia hacen que sea difícil determinar la antigüedad de la mayoría de las formas de arte que se practican en la actualidad. Las formas más duraderas son la multitud de grabados y pinturas rupestres que se encuentran en todo el continente. En la escarpa de Arnhem Land, la evidencia sugiere que las pinturas se estaban haciendo hace cincuenta mil años, anterior a las pinturas rupestres del Paleolítico de Altamira y Lascaux en Europa.
Cabeza; Siglos IX-XI; basalto vesicular ; alto: 19,7 cm, ancho: 15,5 cm; de Hawaii ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Moais en Rano Raraku ( Isla de Pascua ). Los Moais sonfiguras humanas monolíticas talladas por el pueblo Rapa Nui en la Isla de Pascua entre los años 1250 y 1500 [76]
Taurapa ( Māori canoa codaste); finales del siglo XVIII y principios del XIX; madera y sheel; altura: 148 cm; Musée du quai Branly (París) [77]
Parte maorí de un cofre del tesoro; C. 1850; de Nueva Zelanda ; Musée du quai Branly (París)
Figura de Uli ; C. Siglo 19; madera pintada, caracol cauri, gorro de turborreactor y fibras de líber; de la provincia de Nueva Irlanda (Papua Nueva Guinea); Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
Escudo de batalla; Siglo XIX-principios del XX; madera, pasto y rafia ; de Kambrambo (región del Bajo Sepik, Papua Nueva Guinea); Museo Rietberg
Masi (tela de corteza); siglo 20; de Fiji ; Museo de Arte de Honolulu (Hawái, EE. UU.)
Casa club de hombres, 1907, de Palau , ahora en el Museo Etnológico de Berlín (Alemania)
Detalle de una casa de suministros ceremonial, de Papua Nueva Guinea , ahora en el Museo Etnológico de Berlín.
Collar; antes de 1909; vértebras de tiburón, concha (Cassis rufa), perlas de vidrio, fibra; diámetro: c. 35 cm; de Wuvulu (Papua Nueva Guinea); Museo de los Cinco Continentes ( Múnich , Alemania) [78]
Collar; antes de 1912; espinas de erizo de mar, fibra; diámetro: c. 30 centimetros; Museo Cinco Continentes [78]
Pintura de un ancestro totémico canguro; 1915; pintura sobre corteza; 92,5 × 35,5 × 5,5 cm; Ríos Alligator ( Arnhem Land , Australia ); Musée du quai Branly (París)
europeo
Medieval
Con el declive del Imperio Romano , comenzó la era medieval , que duró un milenio. Temprano el arte cristiano comienza el período, seguido por el arte bizantino , el arte anglosajón , Viking Art , el arte otoniano , arte románico y el arte gótico , con el arte islámico que domina el Mediterráneo oriental.
En el arte bizantino y gótico de la Edad Media , el dominio de la iglesia resultó en una gran cantidad de arte religioso. Se utilizó mucho oro en pinturas, que presentaban figuras en formas simplificadas.
bizantino
El arte bizantino se refiere al conjunto de productos artísticos griegos cristianos del Imperio Romano Oriental (Bizantino), [79] [80] así como a las naciones y estados que heredaron culturalmente del imperio. Aunque el propio imperio emergió del declive de Roma y duró hasta la caída de Constantinopla en 1453, [81] la fecha de inicio del período bizantino es bastante más clara en la historia del arte que en la política, aunque todavía imprecisa. Muchos estados ortodoxos orientales de Europa oriental, así como hasta cierto punto los estados musulmanes del Mediterráneo oriental , conservaron muchos aspectos de la cultura y el arte del imperio durante siglos después.
Los iconos (del griego εἰκών eikōn "imagen", "semejanza") son los elementos visuales más importantes en la práctica religiosa bizantina, fundamentales para el culto ortodoxo desde el final de la iconoclasia en el siglo IX. Consistentes en su formato para preservar el sentido del retrato y la familiaridad de las imágenes favoritas, no obstante se han transformado con el tiempo. Una característica inusual del arte bizantino son los fondos dorados. El vidrio transparente a menudo estaba respaldado con hojas de oro para crear un efecto rico y brillante.
Llevados por los patriarcas en las procesiones orientales, leídos por los monjes en cuevas apartadas y retenidos por los emperadores en ceremonias importantes, los libros sagrados, a menudo bellamente ilustrados, eran fundamentales para las creencias y los rituales bizantinos. Pocos manuscritos parecen haber sido producidos en el período bizantino temprano entre los siglos VI y VIII EC, pero hubo un florecimiento de libros pintados en el siglo IX, luego del final de la Iconoclasia.
Las joyas, usadas por hombres, mujeres y niños, eran una clara indicación del rango y la riqueza en la sociedad bizantina. Los estilos variaban desde trabajos en oro audaces y pesados con llamativos cabujones grandes hasta filigrana y granulación de oro extraordinariamente delicadas. Los adornos iban desde patrones decorativos hasta motivos florales y animales hasta una compleja iconografía cristiana. A menudo, se adjuntaban joyas a la vestimenta ceremonial que a menudo no requería limpieza. Una técnica popular de los siglos III al VII fue el opus interrasile o diatrita , en el que se perforaban finas láminas de oro delgadas, creando un efecto de encaje que es a la vez hermoso y económico, ya que reduce el peso del oro utilizado. En el siglo V, estimulado por el comercio con Oriente, se incorporaron piedras preciosas y semipreciosas de colores, pulidas en lugar de talladas. Los diseños decorativos se seleccionaron en trabajos con precio de oro, resaltados en niel oscuro (un sulfuro de plata que contrastaba con el oro y la plata) o, desde el siglo IX, representados en esmalte . [82]
Losa con relieve que representa la Natividad de Jesús ; Siglo IV-principios del V; mármol; Museo Bizantino y Cristiano ( Atenas )
Ábside de la iglesia de Santa Maria Maggiore en Roma , decorado en el siglo V con este glamoroso mosaico
Capital de la cesta de Hagia Sophia ( Estambul , Turquía)
Mosaicos en un techo y algunas paredes de la Basílica de San Vitale en Ravenna (Italia), c. 547 d.C.
La Pequeña Metrópolis de Atenas , construida en fechas desconocidas, entre el siglo IX y el XIII.
Leccionario del Evangelio; C. 1100; temple, oro y tinta sobre pergamino y encuadernación en cuero; total: 36,8 × 29,6 × 12,4 cm, folio: 35 × 26,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
Icono de la Trinidad del Nuevo Testamento; C. 1450; temple y oro sobre panel de madera (álamo); Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
Página de un manuscrito iluminado armenio ; 1637-1638; colores al temple, pintura dorada y pan de oro sobre pergamino; altura: 25,2 cm; Getty Center (Los Ángeles)
anglosajón
El arte anglosajón cubre el arte producido dentro del período anglosajón de la historia inglesa, comenzando con el estilo del período de migración que los anglosajones trajeron del continente en el siglo V y terminando en 1066 con la conquista normanda de una gran Estado-nación anglosajón cuyo arte sofisticado fue influyente en gran parte del norte de Europa. Los dos períodos de logros sobresalientes fueron los siglos VII y VIII, con la orfebrería y joyería de Sutton Hoo y una serie de magníficos manuscritos iluminados, y el período final después de aproximadamente 950, cuando hubo un renacimiento de la cultura inglesa después del final de la Invasiones vikingas . En el momento de la conquista, el paso al estilo románico está casi completo. Los importantes centros artísticos, en la medida en que pueden establecerse, se concentraron en los extremos de Inglaterra, en Northumbria , especialmente en el período temprano, y Wessex y Kent cerca de la costa sur.
Hebilla de Sutton Hoo ; 580–620; oro y niel; longitud: 13,1 cm; Museo Británico (Londres)
El casco de Sutton Hoo ; principios del siglo VII dC; aleación de cobre, hierro, oro y granate ; altura: 31,8 cm; Museo Británico
Broches de hombro de Sutton Hoo ; principios del siglo VII; oro, vidrio y granate ; longitud: 12,7 cm; Museo Británico
El Incipit de Mateo del Libro de Lindisfarne ; finales del siglo VII; tinta y pigmentos sobre vitela; 34 × 25 cm; Biblioteca Británica (Londres)
Arte vikingo
De Viking arte, también conocido comúnmente como los nórdicos arte, es un término ampliamente aceptado para el arte de Scandinavian Norsemen y de Viking asentamientos más lejos-particularmente en las Islas Británicas y Islandia -durante la Edad de Viking de los siglos 8 al 11 CE. El arte vikingo tiene muchos elementos de diseño en común con el arte celta , germánico , el románico posterior y el de Europa del Este, que comparten muchas influencias con cada una de estas tradiciones. [83]
Una de las piedras de Stora Hammars ; C. 750; caliza; altura: 3,7 m; Lärbro (Suecia)
Placa decorada con cabezas de monstruos enfrentadas; Siglo VIII-finales del IX; hueso de ballena; 22 × 18,3 × 0,8 cm; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Poste de cabeza de animal; C. 820; madera; altura: 51 cm; Museo de Barcos Vikingos ( Oslo , Noruega)
Terminal para un broche de anillo abierto; C. 950; plata, oro y niel; total: 5 × 3,7 × 3,6 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
románico
El románico fue el primer estilo paneuropeo que surgió después del Imperio Romano , abarcando desde mediados del siglo X hasta el XIII. El período vio un resurgimiento de estructuras de piedra monumentales con programas estructurales complejos.
Las iglesias románicas se caracterizan por una articulación rígida y una claridad geométrica, incorporadas en un conjunto volumétrico unificado. La arquitectura es austera pero animada por la escultura decorativa de capiteles y portales, así como interiores con frescos. Los patrones geométricos y foliados dan paso a una escultura figurativa cada vez más tridimensional.
Desde mediados del siglo XI hasta principios del XIII, las pinturas románicas fueron bidimensionales, definidas por contornos y geometría audaces y lineales, particularmente en el manejo de las cortinas; se enfatizó la simetría y la frontalidad. Prácticamente todas las iglesias occidentales fueron pintadas, pero probablemente solo unos pocos pintores de paredes eran monjes; en cambio, los artistas itinerantes llevaron a cabo la mayor parte de este trabajo. El bloqueo básico se realizó sobre yeso húmedo con colores tierra. Se empleó una paleta limitada, dominada por el blanco, el rojo, los ocres amarillos y el azul para lograr el máximo efecto visual, con colores densos formando un telón de fondo de bandas, una práctica que se originó en el arte clásico tardío como un intento de distinguir la tierra y el cielo.
Durante los últimos siglos XI y XII, la gran época del monaquismo occidental, Europa experimentó un cambio económico, social y político sin precedentes, que condujo a una creciente riqueza entre los terratenientes, incluidos los monasterios. Había una demanda creciente de libros y la riqueza económica permitió que muchos manuscritos estuvieran ricamente iluminados .
Uno de los artefactos más destacados de la época es el Tapiz de Bayeux de 70 m de largo . [84] [85] [86] Representa los eventos que llevaron a la conquista normanda de Inglaterra con los protagonistas William, duque de Normandía y Harold, conde de Wessex, más tarde rey de Inglaterra , y que culminaron en la batalla de Hastings . Se cree que data del siglo XI. Cuenta la historia desde el punto de vista de los conquistadores normandos, pero ahora se acepta que fue hecha en Inglaterra muy probablemente por mujeres, aunque se desconoce el diseñador. Tiene su sede en Francia .
Abadía de Maria Laach (cerca de Andernach , Alemania), una de las iglesias románicas más emblemáticas
Interior de la Catedral de Durham ( Durham , Reino Unido ), 1093-1133
Miniatura de San Juan Evangelista ; antes de 1147; iluminación sobre pergamino; 35,5 cm; Avesnes-sur-Helpe (Francia)
La lapidación de San Esteban; 1160; fresco; altura: 1,3 m; Abadía de San Juan ( Val Müstair , Cantón de los Grisones , Suiza)
gótico
El arte gótico se desarrolló en el norte de Francia a partir del románico en el siglo XII d. C. y fue liderado por el desarrollo simultáneo de la arquitectura gótica . Se extendió por toda Europa occidental y gran parte del sur y centro de Europa , sin borrar nunca los estilos más clásicos de Italia. A finales del siglo XIV, se desarrolló el sofisticado estilo cortesano del gótico internacional , que continuó evolucionando hasta finales del siglo XV.
Las imponentes catedrales góticas, con sus programas escultóricos y vidrieras, personifican el estilo gótico. [87] Se diferencia del románico por sus bóvedas en forma de nervadura y el uso de ojivas . En lugar de gruesos muros románicos, los edificios góticos son delgados y altos. Las escaleras de caracol en las torres son específicas de la arquitectura gótica. [88]
La pintura gótica, en gran parte ejecutada al temple y, más tarde, al óleo sobre tabla, así como al fresco, y con una paleta cada vez más amplia de colores secundarios, se considera generalmente más "naturalista" que románica. Se destacó la humanidad de la narrativa religiosa y se individualizó el estado emocional de los personajes. [89] El aumento de la urbanidad de la economía medieval y el surgimiento de los clérigos y mecenas laicos vieron un cambio en la naturaleza del mercado del arte, que se puede ver en los desarrollos en la iluminación de manuscritos góticos . Los talleres emplearon especialistas para diferentes elementos de la página, como figuras o motivos marginales de vid. [90]
Parte del Portal Real; 1145-1155; caliza; Catedral de Chartres ( Chartres , Francia)
Ventanas del crucero norte; C. 1230-1235; Vitral; diámetro (rosetón): 10,2 m; Catedral de Chartres
Díptico francés con la coronación de la Virgen y el Juicio Final; 1260-1270; marfil de elefante con monturas de metal; total: 12,7 × 13 × 1,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
La página de Très Riches Heures du Duc de Berry representa el funeral de Raymond Diocrès; 1411-1416 y 1485-1486; temple sobre vitela ; alto: 29 cm, ancho: 21 cm; Museo Condé ( Chantilly, Francia )
La Dama y el Unicornio , título que se da a una serie de seis tapices tejidos en Flandes , este se llama À Mon Seul Désir ; finales del siglo XV; lana y seda; 377 × 473 cm; Musée de Cluny (París)
Estatua austriaca de la Virgen entronizada; 1490-1500; piedra caliza con yeso , pintada y dorada; 80,3 × 59,1 × 23,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
Entrada en Jerusalén ; C. 1500; cuadro; Museo de Bellas Artes de Lyon ( Lyon , Francia)
Travesías de estilo gótico flamígero del Hôtel de Sens (París), terminadas en 1507
Ruso y ucraniano
La historia arquitectónica de Rusia está condicionada por la Europa oriental ortodoxa : a diferencia de Occidente, pero de manera similar, aunque tenuemente, vinculada con las tradiciones de la antigüedad clásica (a través de Bizancio ). Ha experimentado de vez en cuando movimientos de occidentalización que culminaron en las reformas integrales de Pedro el Grande (hacia 1700). Desde tiempos prehistóricos, el material de la arquitectura vernácula rusa era la madera. Las iglesias bizantinas y la arquitectura de Kievan Rus se caracterizaron por cúpulas más amplias y planas sin un marco especial erigido sobre el tambor. En contraste con esta forma antigua, cada tambor de una iglesia rusa está coronado por una estructura especial de metal o madera, que está revestida con planchas de hierro o tejas. La arquitectura rusa utilizó la forma de cúpula no solo para iglesias sino también para otros edificios. Algunas características tomadas de los templos paganos eslavos son las galerías exteriores y la pluralidad de torres.
El uso y la fabricación de iconos entró en Kievan Rus después de su conversión al cristianismo ortodoxo del Imperio Romano de Oriente ( Bizantino ) en 988 CE. Como regla general, estos íconos seguían estrictamente modelos y fórmulas consagrados por el uso, algunos de los cuales se habían originado en Constantinopla. A medida que pasaba el tiempo, los rusos-notablemente Andrei Rublev y Dionisius -widened el vocabulario de tipos y estilos más allá de lo encontrado en otros lugares emblemáticos. Las tradiciones personales, improvisadoras y creativas del arte religioso de Europa occidental faltan en gran medida en Rusia antes del siglo XVII, cuando la pintura de Simon Ushakov se vio fuertemente influenciada por pinturas y grabados religiosos de la Europa protestante y católica.
Entrada de la Catedral de la Dormición desde el Kremlin de Moscú (Rusia)
Frente a un colgante de templo con dos pájaros flanqueando un árbol de la vida ; Siglo XI-XII; esmalte cloisonné y oro; total: 5,4 × 4,8 × 1,5 cm; hecho en Kiev ( Ucrania ); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Catedral de San Basilio desde la Plaza Roja ( Moscú ). Sus extraordinarias cúpulas en forma de cebolla , pintadas en colores brillantes, crean un horizonte memorable, haciendo de San Basilio un símbolo tanto de Moscú como de Rusia en su conjunto.
Santísima Trinidad, Hospitalidad de Abraham ; por Andrei Rublev ; C. 1411; temple sobre tabla; 1,1 × 1,4 m; Galería Tretyakov (Moscú)
Velo cáliz; siglo 16; seda, metalizado, algodón; 45,7 x 45,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
Bebedero de fraternidad (endova); 1560-1577; plata parcialmente dorada; alto: 15,2 cm, ancho: 26 cm; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Genealogía del estado de Moscovia ; por Simon Ushakov ; 1668; temple sobre madera; altura: 105 cm, ancho: 62 cm; Galería Tretyakov
Díptico ucraniano; 1736; marco plateado (oclaid), parcialmente dorado; total: 7,8 × 5,4 × 3,8 cm; Museo Metropolitano de Arte
Renacimiento
A partir del siglo XIII, Italia comenzó a experimentar un período de gran florecimiento artístico. Es difícil, si no inútil, identificar un solo ímpetu para los cambios que tuvieron lugar, pero una serie de factores contribuyeron: una nueva conciencia de la antigüedad y su carácter distintivo, prosperidad económica y un sentido coincidente de competencia entre mecenas y artistas, y una nueva conciencia del mundo natural y secular.
Los europeos medievales no percibieron una diferencia fundamental entre su propio tiempo y la antigüedad. La gente era en gran parte indiferente a los vestigios dispersos del pasado a su alrededor, porque los monumentos antiguos eran familiares hasta el punto de ser invisibles. Algunos de estos fueron vistos como "maravillas" debido a su tamaño o tallado fino, pero eso solo los hizo sospechar. Se dice que el Panteón de Roma, por ejemplo, fue construido por demonios y solo sobrevivió porque se convirtió en una iglesia.
La renovada atención al pasado a diferencia del presente y, lo que es más importante, el deseo de revivirlo, se produjo en una serie de oleadas. En el siglo XIII, el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Federico II (reinado de 1220-1250), que gobernaba el sur de Italia, trató de revivir las glorias de la Roma imperial, incluidas sus artes. El escultor Nicola Pisano aprendió su oficio en ese entorno antes de trasladarse al norte a la Toscana e inspirar a los escultores locales. En el siglo XIV, el poeta italiano Petrarca (1304-1374) postuló una ruptura definitiva entre la edad de oro de la antigüedad y su propia época de decadencia cultural. En el siglo XV, Leon Battista Alberti (1404–1472), en su tratado Sobre la pintura , escribió sobre los talentosos artistas de la antigüedad, en comparación con los cuales los pintores y escultores vivos "no eran en modo alguno inferiores". Este sentido de la distancia inspiró a los italianos a ver el pasado romano con ojos nuevos, a aprender de los logros de los antiguos. La competencia también fue un motivador crucial, ya que las ciudades, los gobernantes y los particulares se esforzaron por superarse unos a otros en su patrocinio de obras de arte públicas y privadas. [91]
Púlpito; de Nicola Pisano ; 1265-1268; mármol; altura: 4,6 m; Baptisterio de Pisa (Italia) [70]
El retrato de Arnolfini ; por Jan van Eyck ; 1434; óleo sobre tabla; 82,2 × 60 cm; Galería Nacional (Londres)
El Tempietto ( San Pietro in Montorio , Roma), de Donato Bramante , 1444-1514
Pietà ; de Miguel Ángel ; 1498–99; mármol; 517 cm x 199 cm; Basílica de San Pedro Ciudad del Vaticano
Mona Lisa ; de Leonardo da Vinci ; C. 1503-1506, quizás continuando hasta c. 1517; óleo sobre tabla de álamo; 77 cm x 53 cm; Lumbrera
El jardín de las delicias ; por Hieronymus Bosch ; C. 1504; óleo sobre tabla; 2,2 × 1,95 m - el panel central; Museo del Prado ( Madrid , España)
La escuela de Atenas ; por Rafael ; 1509-1510; fresco; 5,8 x 8,2 m; Palacio Apostólico ( Ciudad del Vaticano )
Lavabo o cuenco con una dama llamada Laura Bella; C. 1510; maiolica (loza vidriada con estaño); total: 6 × 27,3 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
El rinoceronte ; de Alberto Durero ; 1515; xilografía; 23,5 cm x 29,8 cm; Galería Nacional de Arte ( Washington, DC )
Los embajadores ; por Hans Holbein el Joven ; 1533; óleo sobre tabla; 2,07 × 2,09; Galería Nacional (Londres)
Cassone (pecho), con gadroonings ; mediados del siglo XVI; madera de coníferas de nogal, tallada y parcialmente dorada; altura: 73,6 cm, ancho: 1,7 m, profundidad: 63,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
Lavabo o plato ovalado con tema de Amadis de Galia; C. 1559-1564; mayólica; total: 6 × 67,3 × 52,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
Verano ; de Giuseppe Arcimboldo ; 1563; óleo sobre tabla; 67 × 50,8 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)
La Torre de Babel ; por Pieter Bruegel el Viejo ; 1563; óleo sobre tabla: 1,14 × 1,55 cm; Museo Kunsthistorisches
El castillo de Chenonceau (Francia), de Philibert de l'Orme , 1576
La Place des Vosges (París), y ejemplo de arquitectura de estilo Enrique IV , por Claude Chastillon , 1612
Barroco
El barroco apareció a finales del Renacimiento (siglo XVI), como reacción a los cánones clásicos en los dos siglos siguientes, el XVII y el XVIII. El siglo XVII fue un período de cambios volátiles. Los avances astronómicos y las invenciones científicas, como el telescopio y el microscopio, coincidieron con los avances en geografía, exploración, historia natural y filosofía. La agitación religiosa se sumó a la mezcla, ya que la Contrarreforma católica impugnó la creciente popularidad de la fe protestante. Durante las épocas del Renacimiento y el Barroco, el objetivo más importante de la pintura era proporcionar ejemplos morales al representar eventos instructivos de la literatura, la historia y la mitología. Estas obras se conocen como pinturas históricas. Los pintores de historia del siglo XVII estaban preocupados por expresar emociones en el momento más significativo de una historia. Este proceso implicó el uso de gestos y expresiones faciales para transmitir la "pasión del alma". Esto a menudo se combinaba con una preocupación por la claridad narrativa y la concentración dramática, especialmente en el caso de Nicolas Poussin . Así, los pintores intensificaron el impacto dramático de las escenas narrativas, como en El rapto de las sabinas de Poussin , en el que el horror y el miedo de las mujeres contrasta con la agresión y determinación de los hombres, dando como resultado imágenes de poder y terrible belleza. . [92]
En las artes decorativas y aplicadas , el barroco apareció primero en el área de la actual Italia y se extendió por toda Europa. Era un estilo de arquitectura, música, danza, pintura, escultura y otras artes muy ornamentado y, a menudo, extravagante. [93] Los principales motivos decorativos incluyen: cuernos de abundancia , festones , ángeles bebés , cabezas de león con un anillo de metal en la boca, rostros femeninos rodeados de guirnaldas, cartuchos , hojas de acanto , columnas clásicas , frontones y otros elementos de la arquitectura clásica esculpidos en algunas partes de muebles. [94]
Los cuatro continentes ; por Peter Paul Rubens ; C. 1615; óleo sobre lienzo; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)
El castillo de Maisons (Francia), de François Mansart , 1630–1651
La ronda de noche ; por Rembrandt ; 1642; óleo sobre lienzo; 363 × 437 cm; Rijksmuseum ( Amsterdam , Países Bajos )
El éxtasis de santa Teresa ; de Gian Lorenzo Bernini ; 1647-1652; mármol; altura: 3,5 m; Santa Maria della Vittoria (Roma)
Las Meninas ; de Diego Velázquez ; 1656-1657; óleo sobre lienzo; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado ( Madrid , España)
El patio de mármol y las fachadas del Palacio de Versalles ( Versalles , Francia), embellecidas por Louis Le Vau (1661-1668) y luego por Hardouin-Mansart en (1679-1681)
La Capilla Real, vista desde la Galería Real del Palacio de Versalles
El ' Busto de Luis XIV ; de Gian Lorenzo Bernini; 1665; mármol; 105 × 99 × 46 cm; Palacio de Versalles
El arte de pintar ; por Johannes Vermeer ; 1666-1668; óleo sobre lienzo; 1,3 x 1,1 m; Museo Kunsthistorisches
Mesa de muelle francesa; 1685-1690; madera tallada, yesada y dorada, con encimera de mármol; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Instituto de Arte de Chicago (EE. UU.) [95]
El retrato de Luis XIV ; por Hyacinthe Rigaud ; 1701; óleo sobre lienzo; 277 × 194 cm; Lumbrera
La fama del rey montando a Pegaso ; por Antoine Coysevox ; 1701-1702; Mármol de Carrara ; altura: 3,15 m, ancho: 2,91 m, profundidad: 1,28 m; Lumbrera
Rococó
La delicadeza, la alegría, la juventud y la sensualidad fueron los ideales de la pintura rococó francesa . La frivolidad era una virtud, y la pintura de retratos era cada vez más solicitada en una sociedad en la que una imagen encantadora era una parte esencial de la seducción. Principalmente un estilo de adorno de superficie, el rococó relegó la escultura y la pintura a roles secundarios y utilizó el dorado para compartimentar paredes, espejos y paneles ornamentales. Este estilo se extendió rápidamente por toda Europa y hasta la Turquía otomana y China, gracias a libros de adornos con cartelas (paneles curvilíneos, a menudo asimétricos), arabescos (formas sinuosas, parecidas a plantas entrelazadas) y trabajos de conchas, así como diseños para paredes. Paneles y chimeneas. [97] El rococó francés se desarrolló durante la Régence (1715-1723), cuando Luis XV (reinado entre 1715 y 1774) era un niño y el país estaba gobernado por Philippe d'Orléans . Surgió del estilo barroco más pesado de la corte de Luis XIV , incorporando elementos más ligeros, curvas más delicadas, asimetría y alegría. [98] En artes decorativas y arquitectura, se puede reconocer por su gran cantidad de curvas y volutas en forma de C , ligereza en color y peso, o trabajos en bajorrelieve de cintas, pergaminos, conchas, coronas de flores, pájaros y animales. [99] En Francia , ingresa a través del estilo conocido como Louis Quinze , aquí también se conoce como Pompadour. A diferencia del barroco, el rococó abandonó la simetría. [100] Este estilo se ve por primera vez en las artes decorativas y el diseño, pero por su auge alrededor de 1730 se había extendido a la pintura y la escultura. Pan y Venus reemplazaron a Apolo y Hércules en un renacimiento de dioses, diosas y héroes, y en contraste con la oscuridad a veces inquietante asociada con el estilo barroco, se utilizó una paleta de luz. Tres pintores franceses con los que el término rococó se asocia con mayor frecuencia son François Boucher , Jean-Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard . [98]
El término "rococó" proviene del francés rocaille , que significa "guijarro", en referencia a las imágenes orgánicas que decoran paredes y paneles, algunos interiores tienen un aspecto de cueva, como un salón ovalado en el Hôtel de Soubise de París. [101]
El interior del Hôtel de Soubise en París se encuentra entre los ejemplos más característicamente elegantes y refinados del estilo decorativo rococó. La casa es una de las mansiones urbanas del siglo XVIII más bellas de París. Fue construido para el Príncipe y la Princesa de Soubise en 1375 y remodelado en 1704 bajo las instrucciones de François de Rohan , Príncipe de Soubise. El edificio, que se divide en dos apartamentos, el del Príncipe en la planta baja y el de la Princesa en el piso superior, o piano nobile , cuenta en ambos pisos con salones ovalados que dan al jardín. Los salones fueron creados entre 1735 y 1739 por Germain Boffrand , alumno del arquitecto francés François Mansart . Boffrand suavizó las líneas del Salón Oval de la Princesse con curvas sinuosas, multiplicando el reflejo del espejo. Las paredes se funden en las bóvedas y los nichos irregulares para la escultura están separados por conchas de rocaille . La arquitectura, la escultura y la pintura se combinan para crear una atmósfera rica y armoniosa. Ocho lienzos de techo pintados por Charles-Joseph Natoire entre 1737 y 1739 ilustran la historia de Cupido y Psique . Antes de su regreso de Italia en 1730, Natoire había pasado varios años en Roma en la Académie de France, donde había estudiado las obras de Paolo Veronese , Antonio Correggio y, especialmente, Pietro da Cortona , pintor de frescos decorativos del siglo XVII. Su influencia es evidente en las composiciones suaves y elegantes, los efectos de iluminación y la forma en que las figuras se adaptan a las limitaciones de la decoración. La paleta de rosas, azules y verdes crea un encantador efecto arcadiano, que encapsula el rococó maduro. [96]
Los portugueses fueron los primeros europeos en comerciar directamente con las naciones de Asia oriental , poco después de encontrar una ruta directa alrededor de África en 1498. Gran Bretaña y Holanda siguieron su ejemplo poco más de un siglo después con la fundación de sus compañías de las Indias Orientales: desafíos protestantes a los portugueses. El poder y las porcelanas chinas, los textiles indios y las lacas japonesas inundaron los mercados de Amsterdam y Londres. Estos artículos fueron buscados como objetos de prestigio, simbólicos no solo de la riqueza personal sino también de la influencia de las naciones capaces de importarlos. La imaginación europea se vio alimentada por la percepción de Asia como un lugar de riqueza y lujo y, en consecuencia, los mecenas, desde emperadores hasta comerciantes, competían entre sí para adornar sus viviendas con productos asiáticos y decorarlos con estilos asiáticos. Donde los objetos asiáticos eran difíciles de obtener, los artesanos y pintores europeos intervinieron para llenar la brecha, creando una mezcla de formas rococó y auténticas figuras, motivos y técnicas asiáticos. La moda de la Chinoiserie era omnipresente: los interiores de inspiración asiática se extendieron por Europa desde Suecia hasta Sicilia y florecieron en las Américas desde Nueva Inglaterra hasta Nueva España ( México ), Brasil y Argentina . [102]
El asombroso interior de la Abadía de Wilhering ( Wilhering , Austria ). Este interior tiene un trampantojo en su techo, rodeado de estucos muy decorados.
Boiserie del Hôtel de Varengeville; C. 1736-1752; diversos materiales, incluido el roble tallado, pintado y dorado; alto: 5,58 m, ancho: 7,07 m, largo: 12,36 m; en el Metropolitan Museum of Art (Nueva York)
Conversación en un parque ; por Thomas Gainsborough ; 1746; óleo sobre lienzo; 73 × 68 cm; Lumbrera
Elevación de la pared con secretaire, de 'Schreibtische'; por Johann Georg Hertel; 1748-1770; grabando; 29,7 x 19,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
Cajonera; C. 1750; roble, marquetería de tulipwood, montajes de metal dorado y mármol; total: 88 x 156,5 x 69,9 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
Candelabro; por Jean Joseph de Saint-Germain; C. 1750; bronce dorado; total: 72,4 x 49,3 x 39,7 cm; Museo de Arte de Cleveland
Madame de Pompadour ; de François Boucher ; 1756; óleo sobre lienzo; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek ( Múnich , Alemania)
El Arca de la Alianza , del Libro de Cartuchos; de François Boucher; mediados del siglo XVIII; aguafuerte y grabado (copia inversa); hoja (recortada): 30 × 19,8 cm; Museo Metropolitano de Arte
Sopera cubierta (terrine du roi); 1756; porcelana de pasta blanda con decoración esmaltada y dorada; total: 24,2 cm, el contenedor: 15,9 x 22,6 x 16,5 cm; Museo de Arte de Cleveland
Ventilador con el jardín de la villa Chiswick; 1757; cabrito y marfil; 26,4 x 47,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
El columpio ; de Jean-Honoré Fragonard ; 1767-1768; óleo sobre lienzo; alto: 81 cm, ancho: 64 cm; Colección Wallace (Londres)
El peinado ; fabricado por la Manufactura de Porcelana de Ludwigsburg; C. 1770; porcelana de pasta dura; total: 12,4 × 9,8 × 7 cm; Museo Metropolitano de Arte
Neoclasicismo
El resurgimiento de los estilos clásicos en la segunda mitad del siglo XVIII fue de alguna manera una reacción contra la frivolidad y la decadencia percibidas del rococó. Fue estimulado por el redescubrimiento de los sitios antiguos de Pompeya y Herculano , que inspiraron una fascinación por la antigüedad griega y romana e influyeron en todas las artes, desde la pintura y la escultura hasta la arquitectura, la moda, la literatura y la música.
La fase más original del neoclasicismo se puede asociar con la Revolución Francesa de 1789-1799, cuando artistas y arquitectos establecieron comparaciones abiertas entre su deseo de Liberté, Egalité et Fratenité y lo que entendían como los principios políticos de la Roma clásica y Grecia. [103] El estilo Imperio es representativo de la nueva sociedad francesa surgida de la revolución que marcó la pauta en todos los ámbitos de la vida, incluido el arte. Este estilo ha introducido el concepto de producción industrial en el arte decorativo. Otros estilos neoclásicos incluyen: Adam (inglés) y el federal (estadounidense). Los motivos ampliamente utilizados en el arte aplicado neoclásico son: frontones , hojas de acanto , palmetas , festones , cartuchos , trofeos e instrumentos musicales antiguos, grifos , quimeras , esfinges , cuernos de abundancia, cabezas de león con un anillo de metal en la boca y, en ocasiones, mujeres aladas. [104] La mayoría de ellos están tomados de objetos, interiores y arquitectura griegos , etruscos o romanos ; pero algunos de ellos, como el cartucho, son del Renacimiento .
El Panteón de París, construido en 1758-1790, por Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) y Jean-Baptiste Rondelet (1743-1829)
Château de Bagatelle de París, un pequeño castillo neoclásico , construido en 1777, por François-Joseph Bélanger
El Salón Doré de María Antonieta , en el Palacio de Versalles (Francia), un ejemplo de sala Luis XVI
El antiguo Capitolio ascendió en aproximadamente cien escalones. . . ; por Giovanni Battista Piranesi ; C. 1750; grabando; tamaño de toda la hoja: 33,5 × 49,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Sybil Temple , el primer museo de Izabela Czartoryska en Pulawy , construido en c. 1775, de Piotr Aigner ( Polonia )
El juicio de París ; por Angelica Kauffman ; C. 1781; óleo sobre lienzo, 100,9 × 80 cm; Museo del Ponce ( Puerto Rico )
Juramento de los Horacios ; por Jacques-Louis David ; 1784; óleo sobre lienzo; alto: 330 cm, ancho: 425 cm; Lumbrera
La muerte de Sócrates ; por Jacques-Louis David; 1787; óleo sobre lienzo; 129,5 cm x 196,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
Butaca (fauteuil) del Salon des Jeux de Luis XVI en Saint Cloud; 1788; nogal tallado y dorado, seda brocada dorada (no original); total: 100 × 74,9 × 65,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
Chica con paloma ; por Anna Rajecka ; 1789-1790; pastel sobre papel; 64 × 53 cm; Museo Nacional ( Varsovia , Polonia )
Puerta doble, con adornos griegos y romanos; de Pierre Rousseau ; 1790; óleo sobre tabla; enmarcado: 287 × 154 × 6 cm, sin enmarcar: 274 × 63 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
Taza de café con platillo; C. 1790; artículos de jaspe con decoración en relieve; diámetro: 13,6 cm; por la Wedgwood Factory (Inglaterra); Museo de Arte de Cleveland
Perseo con la cabeza de Medusa ; de Antonio Canova ; 1804–1806; mármol; altura: 242,6 cm, ancho: 191,8 cm, profundidad: 102,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
Venus Victrix ; de Antonio Canova ; 1805–1808; mármol; Galleria Borghese (Roma)
Reloj con Marte y Venus ; C. 1810; bronce dorado y pátina; altura: 90 cm; Lumbrera
Comedor del Centralhotel (Berlín), diseñado en 1881 por von der Hude & Hennicke
Arte occidental después de 1770
Muchos historiadores del arte sitúan los orígenes del arte moderno a finales del siglo XVIII, otros a mediados del siglo XIX. El historiador de arte H. Harvard Arnason afirmó que "se produjo una metamorfosis gradual en el transcurso de cien años". [105] Eventos como la era de la Ilustración , las revoluciones y las democracias en América y Francia , y la Revolución Industrial tuvieron efectos de gran alcance en la cultura occidental. Las personas, los productos básicos, las ideas y la información podían viajar entre países y continentes con una velocidad sin precedentes y estos cambios se reflejaron en las artes. La invención de la fotografía en la década de 1830 alteró aún más ciertos aspectos del arte, en particular la pintura. En los albores del siglo XIX, se completó un largo y gradual cambio de paradigma, desde el gótico, cuando los artistas eran vistos como artesanos al servicio de la iglesia y las monarquías, hasta la idea del arte por el arte, donde las ideas y visiones de el artista individual se tenía en alta estima, con el patrocinio de una población de clase media y alta urbana cada vez más alfabetizada, próspera y urbana que había estado emergiendo durante 200 años (particularmente en París y Londres). A fines del siglo XVIII, comenzó una dicotomía entre el neoclasicismo y el romanticismo que subdividió y continuó atravesando prácticamente todos los nuevos movimientos del arte moderno: "Al propagarse como olas, estos" ismos "desafían las fronteras nacionales, étnicas y cronológicas; nunca dominaron en ningún lugar durante mucho tiempo , compiten o se fusionan entre sí en patrones que cambian sin cesar ". [106]
El arte moderno se ha movido constantemente hacia influencias e intercambios internacionales, desde la exótica curiosidad del orientalismo , la influencia más profunda del japonismo , hasta las artes de Oceanía, África y las Américas. Por el contrario, el arte moderno se ha extendido cada vez más más allá de Europa occidental. En Rusia y Estados Unidos, las artes se estaban desarrollando a un grado que rivalizaba con los principales países europeos a finales del siglo XIX. Muchos de los principales movimientos aparecieron en América Latina, Australia y Asia también, y la geografía y la nacionalidad se volvieron cada vez más insignificantes con cada década que pasaba. En el siglo XX estaban surgiendo artistas importantes e influyentes en todo el mundo: por ejemplo, Foujita (Japón), Arshile Gorky (Armenia), Diego Rivera y Frida Kahlo (México), Wifredo Lam (Cuba), Edvard Munch (noruego), Roberto Matta ( Chileno), Mark Rothko (lituano-estadounidense), Fernando Botero Angulo (Colombia), Constantin Brâncuși y Victor Brauner (Rumanía). [107] [108] {{sfn | Ponente | 1965 | p =?} [109] [110]
Cenotafio de Newton, exterior de noche ; de Étienne-Louis Boullée ; 1784; tinta y aguada, 40,2 x 63,3 cm .; Bibliothèque Nationale, París
El perro ; Francisco de Goya ; California. 1819–1823; Mural al óleo sobre yeso, transferido a lienzo, 131,5 × 79,3 cm .; Museo del Prado, Madrid
Muerte sobre un caballo pálido ; JMW Turner ; C. 1830; óleo sobre lienzo, 60 × 76 cm .; Tate Britain, Londres
Toothless Man Laughing, Charles Philipon de Célébrités du Juste milieu ; Honoré Daumier ; 1832-1833; arcilla pintada, 6,12 de altura; Musée d'Orsay (París)
Naturaleza muerta con estatua de Júpiter Tonans ; de Louis Jacques Daguerre ; C. 1839; daguerrotipo
Siglo 19
Romanticismo (c. 1770-1860)
El romanticismo surgió a fines del siglo XVIII y floreció en la primera mitad del siglo XIX con manifestaciones significativas e internacionales en la música, la literatura, la poesía y la arquitectura, así como en las artes visuales. Una de las primeras expresiones del romanticismo fue en el jardín paisajista inglés , cuidadosamente diseñado para parecer natural y en dramático contraste con los jardines formales de la época. El concepto de jardín inglés "natural" se adoptó en toda Europa y América en las décadas siguientes. En arquitectura, los románticos recurrieron con frecuencia a fuentes alternativas distintas a los ejemplos griegos y romanos admirados por los neoclásicos. La arquitectura romántica a menudo revivió las formas góticas y otros estilos, como los exóticos modelos orientales. El Palacio de Westminster (Casas del Parlamento) de Londres es un ejemplo de arquitectura romántica que también se conoce como Renacimiento gótico . [111] En pintura, el romanticismo está ejemplificado por las pinturas de Francisco Goya en España, Eugène Delacroix y Théodore Géricault en Francia, William Blake , Henry Fuseli , Samuel Palmer y William Turner en Inglaterra, Caspar David Friedrich y Philipp Otto Runge en Alemania. Francesco Hayez en Italia, Johan Christian Claussen Dahl en Noruega y Thomas Cole en Estados Unidos. Ejemplos de escultores del período romántico incluyen Antoine-Louis Barye , Jean-Baptiste Carpeaux , Auguste Préault y Francois Rude . A medida que el romanticismo siguió su curso, algunos aspectos del movimiento evolucionaron hacia el simbolismo. [109] [112] [113]
"El neoclasicismo es un nuevo renacimiento de la antigüedad clásica ... mientras que el romanticismo no se refiere a un estilo específico sino a una actitud mental que puede revelarse de muchas maneras". [111] El romanticismo a menudo intenta dirigirse al espectador a través del corazón y la psique, evocando pasiones y emociones, a menudo reflexionando sobre la relación de la humanidad y su lugar en la naturaleza durante la revolución industrial; en contraste con la simetría, racional, "culto a la razón" [114] del neoclasicismo. [112] [109]
Jardín paisajista inglés en Stourhead, Inglaterra (diseñado hacia 1744-1765 / fotografiado en 1993) Henry Flitcroft (diseñador), Henry Hoare (propietario, planificador).
Paisaje con caza de jabalíes ; por Philippe Jacques de Loutherbourg ; C. 1780; óleo sobre lienzo; 144,1 × 155,6 cm; Museo de Bellas Artes de Houston (EE. UU.)
Newton ; por William Blake ; 1795; impresión en color, pluma y tinta, acuarela; 46 × 60 cm; Tate Britain (Londres)
El reverendo Robert Walker patinando en Duddingston Loch ; por Sir Henry Raeburn ; 1790; óleo sobre lienzo; 25in × 30in; Galería nacional de escocia ( Edimburgo )
Madame de Staël como Corinne en Cape Miseno ; por Elizabeth Vigée-Lebrun ; 1807-09; óleo sobre lienzo; 140 cm × 118 cm; Musée d'Art et d'Histoire (Ginebra) Suiza
Mañana ; por Philipp Otto Runge ; 1808; óleo sobre lienzo; 106 × 81 cm; Kunsthalle Hamburg ( Hamburgo , Alemania)
El 3 de mayo de 1808 ; de Francisco Goya; 1814; óleo sobre lienzo; 2,6 x 3,4 m; Museo del prado
Le tre Grazie (Las tres gracias); de Antonio Canova ; 1815-1817; mármol; 173 × 97,2 × 57 cm; Museo de Victoria y Alberto (Londres)
La balsa de la Medusa ; Théodore Géricault ; 1818–1819; óleo sobre lienzo; 491 × 716 cm; Lumbrera
El mar de hielo ; por Caspar David Friedrich ; 1823–1824; óleo sobre lienzo; 97 × 127 cm; Kunsthalle de Hamburgo
La muerte de Sardanápalo ; de Eugène Delacroix ; 1827; óleo sobre lienzo; 3,9 x 4,9 m; Lumbrera
El Valle de Dedham ; por John Constable ; 1828; óleo sobre lienzo; 145 cm × 122 cm; Galería Nacional de Escocia
El Monumento a Goethe ; por Carl Gustav Carus ; 1832; óleo sobre lienzo; 71 × 52,2 cm; Kunsthalle de Hamburgo
Python matando a un ñu ; por Antoine-Louis Barye ; 1834-1839; bronce; 21,6 × 29,2 × 24,1 cm; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Parlamento; por Sir Charles Barry y A. Welby Pugin ; comenzado en 1836; Londres
Casas del Parlamento de Orszaghaz ; por Imre Steindl ; Renacimiento gótico ; comenzado en 1885; Budapest
El curso del imperio: el estado salvaje ; por Thomas Cole ; 1836; óleo sobre lienzo; 100 × 161 cm; Sociedad Histórica de Nueva York (Ciudad de Nueva York)
Barco de esclavos (esclavistas que arrojan por la borda a los muertos y mueren, se acerca el tifón) ; por JMW Turner ; 1840; óleo sobre lienzo (90,8 × 122,6 cm.); Museo de Bellas Artes de Boston (Massachusetts, EE. UU.)
La destrucción de Sodoma y Gomorra ; por John Martin ; 1852; óleo sobre lienzo; 136,3 × 212,3 cm; Galería de arte Laing ( Newcastle upon Tyne , Inglaterra)
Ugolino y sus hijos ; de Jean-Baptiste Carpeaux ; 1857-1860; Mármol; 197,5 × 149,9 × 110,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Realismo (c. 1840-1880)
El realismo surgió a mediados del siglo XIX, c. 1840, y tuvo contrapartes en escultura, literatura y teatro, a menudo referido como naturalismo en literatura. En la pintura del siglo XIX, el término Realismo se refiere más al tema representado que al estilo o la técnica. Las pinturas realistas típicamente representan lugares y personas comunes que participan en actividades cotidianas, en contraposición a paisajes grandiosos e idealizados, dioses mitológicos, temas bíblicos y figuras y eventos históricos que a menudo habían dominado la pintura en la cultura occidental. Courbet dijo "No puedo pintar un ángel porque nunca he visto uno". [111] El realismo también fue en parte una reacción al trabajo a menudo dramático, exótico y emocionalmente cargado del romanticismo. El término realismo se aplica en relación con las imágenes idealizadas del neoclasicismo y las imágenes románticas del romanticismo. Artistas como Jean-Baptiste-Camille Corot y Honoré Daumier tenían asociaciones vagas con el realismo, al igual que los miembros de la Escuela de Barbizon , en particular Jean-François Millet , pero quizás Gustave Courbet fue la figura central del movimiento, identificándose a sí mismo como realista, defensor del realismo e influyente en artistas más jóvenes como Édouard Manet . Un aspecto significativo del realismo fue la práctica de pintar paisajes al aire libre y su posterior influencia en el impresionismo . Más allá de Francia, el realismo está ejemplificado por artistas como Wilhelm Leibl en Alemania, Ford Madox Brown en Inglaterra y Winslow Homer en los Estados Unidos. El historiador de arte HH Arnason escribió: "La secuencia cronológica del neoclasicismo, el romanticismo y el realismo es, por supuesto, sólo una conveniente estratificación de movimientos o tendencias tan inextricablemente vinculados entre sí y con los movimientos precedentes que es imposible decirlo. donde uno terminaba y otro comenzaba ", [115] y esto se vuelve aún más pertinente y complejo a medida que uno sigue todos los movimientos e" ismos "hasta finales del siglo XIX y principios del XX. [116] [117] [118] [118] [119]
Saint-André-en-Morvan ; por Jean-Baptiste-Camille Corot ; 1842; óleo sobre lienzo; 31 × 59 cm; Lumbrera
Piscina en el bosque ; de Théodore Rousseau ; principios de la década de 1850; óleo sobre lienzo; 39,4 × 57,4 cm; Museo de Bellas Artes ( Boston , EE. UU.)
El último de Inglaterra ; por Ford Madox Brown ; 1852–1855; óleo sobre tabla; alto: 82,5 cm, ancho: 75 cm; Museo y Galería de Arte de Birmingham (Inglaterra)
El Encuentro ("Bonjour, Monsieur Courbet") ; 1854; óleo sobre lienzo; Musée Fabre Montpellier
Transporte de tercera clase ; por Honorè Daumier; 1856–1858; óleo sobre tabla; 26 × 33,9 cm; Museo de Bellas Artes ( San Francisco , EE. UU.)
El bebedor de absenta ; por Édouard Manet ; 1859; óleo sobre lienzo; 18,05 x 10,56 mm; Ny Carlsberg Glyptotek ( Copenhague , Dinamarca)
La niña de los gansos ; por Jean-François Millet ; 1866-1867; óleo sobre lienzo; 45,7 × 55,9 cm; Museo de Arte Fuji de Tokio ( Hachiōji , Tokio , Japón)
Artistas dibujando en las Montañas Blancas ; por Winslow Homer ; 1868; óleo sobre tabla; 24,1 cm x 40,3 cm; Museo de Arte de Portland (Maine, EE. UU.)
La muerte de Cleopatra ; por Edmonia Lewis ; 1876; mármol; Museo Smithsonian de Arte Americano
Cuatro en mano en las estepas ; por Jozef Chelmonski ; 1881; óleo sobre lienzo; 275 cm × 660 cm Museo Nacional, Cracovia
Tres mujeres en la iglesia ; por Wilhelm Leibl ; 1882; óleo sobre madera de caoba ; altura: 113 cm, ancho: 77 cm; Kunsthalle de Hamburgo (Alemania)
Fiesta de las Trompetas ; por Aleksander Gierymski ; 1884; óleo sobre lienzo; 47 × 64,5 cm; Museo Nacional, Varsovia
A Negress ; por Anna Bilińska-Bohdanowicz ; 1884; óleo sobre lienzo; 63 × 48,5 cm; Museo Nacional (Varsovia)
Pescador con sus redes ; de Leon Wyczółkowski ; Década de 1890; aceite en cartulina; Museo de Gdansk (Polonia)
Impresionismo (c. 1860-1890)
El impresionismo surgió en Francia, bajo la influencia del realismo , la escuela de Barbizon y pintores en plein air como Eugène Boudin , Camille Corot , Charles-Francois Daubigny y Johan Barthold Jongkind . A partir de finales de la década de 1850, varios de los impresionistas habían hecho conocidos y amistades como estudiantes en París, sobre todo en la Académie Suisse gratuita y en el estudio de Charles Gleyre . Su trabajo progresivo era frecuentemente rechazado por los jurados conservadores de los prestigiosos Academia de Bellas Artes salones, un foro donde muchos artistas se volvió a establecer su reputación, y muchos de la joven artista se incluyeron en una gran publicidad, pero mucho ridiculizados Salón de los Rechazados en 1863. En 1874 formaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, independiente de la academia, y montaron la primera de varias exposiciones impresionistas en París, hasta 1886 cuando se celebró su octava y última exposición. Figuras importantes del movimiento fueron Frédéric Bazille , Gustave Caillebotte , Mary Cassatt , Paul Cézanne , Edgar Degas , Armand Guillaumin , Édouard Manet , Claude Monet , Berthe Morisot , Camille Pissarro , Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley . Aunque el impresionismo fue principalmente un movimiento de pintores, Degas y Renoir también produjeron esculturas y otros como Auguste Rodin y Medardo Rosso a veces se vinculan al impresionismo. En 1885, el impresionismo había alcanzado cierta prominencia y, sin embargo, una generación más joven ya estaba empujando los límites más allá del impresionismo. Artista de Rusia , Australia , América y América Latina pronto adoptó estilos impresionistas. Algunos de los impresionistas originales continuaron produciendo un trabajo significativo en las décadas de 1910 y 1920. [117] [120] [121]
Aunque no es algo sin precedentes, muchas de las técnicas utilizadas contrastaban con los métodos tradicionales. Las pinturas a menudo se completaban en horas o días con pintura húmeda aplicada a pintura húmeda (a diferencia de la pintura húmeda sobre seca, terminada en semanas y meses). En lugar de aplicar esmaltes y colores mezclados, los colores puros a menudo se aplicaban uno al lado del otro, en trazos gruesos, opacos y empastados ; fundiéndose en el ojo del espectador cuando se observa desde la distancia. El negro se usó con moderación, o no se usó en absoluto, y las líneas definitorias se reemplazaron con trazos de color matizados que formaban los sujetos, los contornos y las formas. El historiador de arte HW Janson dijo que "en lugar de aumentar la ilusión del espacio real, fortalece la unidad de la superficie pintada real". [111] Las pinturas impresionistas suelen representar paisajes, retratos, naturalezas muertas, escenas domésticas, ocio diario y vida nocturna, todo tratado de manera realista. Las composiciones a menudo se basaban en perspectivas inusuales, que parecían espontáneas y sinceras. Las pinturas generalmente carecían de significados didácticos, simbólicos o metafóricos, y rara vez abordaban los temas bíblicos, mitológicos e históricos que eran tan apreciados por las academias o el interés más oscuro y psicológico explorado por los simbolistas. Se examinaron los matices de luz, sombra, atmósfera y reflejos de colores de las superficies, a veces enfatizando los cambios de estos elementos en el tiempo. La pintura en sí fue el tema de la pintura. Era arte por el arte, una idea que había estado flotando durante algunas décadas, pero tal vez alcanzó un nuevo nivel y consistencia en el impresionismo. [122] [117] [120] [121]
Bailarines en rosa ; Edgar Degas ; 1867; óleo sobre lienzo; 59 × 74 cm; Museo Hill – Stead ( Farmington , Connecticut , EE. UU.)
Vista del Pueblo ; por Frédéric Bazille ; 1868; óleo sobre lienzo, 130 × 89 cm .; Musée Fabre ( Montpellier , Francia)
Soleil couchant à Ivry ; por Armand Guillaumin ; 1873; óleo sobre lienzo, 65 × 81,0 cm .; Musée d'Orsay , París
Pintura de Claude Monet en su estudio ; por Édouard Manet ; 1874; óleo sobre lienzo; 80 × 98 cm; Neue Pinakothek ( Múnich , Alemania)
El puente ferroviario de Argenteuil ; de Claude Monet ; 1874; óleo sobre lienzo; 60 × 80 cm; Musée d'Orsay (París)
Mademoiselle Boissière Knitting ; de Gustave Caillebotte ; 1877; óleo sobre lienzo; 65 × 80 cm; Museo de Bellas Artes ( Houston , EE. UU.)
Cuenco con manzanas ; de Paul Cézanne ; 1878-1879; óleo sobre lienzo; 45,5 × 55 cm; Colección Annenberg (Palm Springs, EE. UU.)
Día de verano: Lago en el Bois de Boulogne ; por Berthe Morisot ; 1879; óleo sobre lienzo; 45,7 × 75,2 cm; Galería Nacional (Londres)
Orillas del Sena en By ; por Alfred Sisley; California. 1880-1881; óleo sobre lienzo; 54,3 × 73,3 cm; Instituto de Arte Clark ( Williamstown , Massachusetts , EE. UU.)
Otoño, Lydia Cassatt ; Mary Cassatt ; 1880; óleo sobre lienzo; 92,5 x 65,5 cm; Petit Palais (París)
El Loge ; de Pierre-Auguste Renoir ; 1881; óleo sobre lienzo; 127 × 92 cm; Instituto de Arte Courtauld (Londres)
Un bar en el Folies-Bergère ; por Édouard Manet ; 1881-1882; óleo sobre lienzo, 96 × 130 cm .; Instituto de Arte Courtauld
Bordighera ; de Claude Monet ; 1884; óleo sobre lienzo, 81 × 65 cm .; Instituto de Arte de Chicago (EE. UU.)
Rue Saint-Honoré, dans l'après-midi. Effet de pluie ; de Camille Pissarro ; 1898; óleo sobre lienzo, 73,6 × 91,4 cm .; Instituto de Arte de Minneapolis (EE. UU.)
Nenúfares, Mañana ; de Claude Monet ; California. 1914–24; óleo sobre lienzo, 2.000 × 12.750 mm; Musée de l'Orangerie (París)
Simbolismo (c. 1860-1915)
El simbolismo surgió en Francia y Bélgica en el tercer cuarto del siglo XIX y se extendió por Europa en la década de 1870, y más tarde a América en menor medida. Evolucionó a partir del romanticismo sin un punto de demarcación claro o definitorio, aunque la poesía, la literatura y específicamente la publicación de Les Fleurs du mal ( Las flores del mal ) de Charles Baudelaire en 1857 fueron importantes en el desarrollo del simbolismo. Tuvo expresión internacional en poesía, literatura, teatro y música. En arquitectura, las artes aplicadas y el simbolismo de las artes decorativas coincidían estrechamente con el Art Nouveau y se superponían . El simbolismo a menudo está indisolublemente ligado a otros movimientos artísticos contemporáneos, emergiendo y encontrando expresión en otros estilos como el posimpresionismo , Les Nabis , el movimiento decadente , el fin de siglo , el art nouveau , la secesión de Munich , la secesión de Viena , el expresionismo y incluso los prerrafaelitas , que se habían formado antes y también influyeron en el simbolismo. Artistas tan diversos como James McNeill Whistler , Eugène Carrière , Ferdinand Hodler , Fernand Khnopff , Giovanni Segantini , Lucien Lévy-Dhurmer , Jean Delville y James Ensor tenían distintos grados de asociación con el simbolismo. El historiador de arte Robert L. Delevoy escribió "El simbolismo era menos una escuela que la atmósfera de un período". [123] Rápidamente comenzó a desvanecerse con el inicio del fauvismo , cubismo , futurismo y se había disipado en gran medida con el estallido de la Primera Guerra Mundial, sin embargo, encontró cierto desarrollo sostenido y relevancia en la escuela metafísica , que a su vez tuvo una profunda influencia en el surrealismo. [123] [122] [124]
Los sujetos, los temas y los significados del arte simbolista son frecuentemente velados y oscuros, pero en el mejor de los casos logran resonar profundamente en los niveles psicológicos o emocionales. Los sujetos a menudo se presentan como metáforas o alegorías , con el objetivo de evocar emociones e ideas altamente subjetivas, personales e introspectivas en el espectador, sin definir claramente ni abordar directamente el tema. El poeta Stéphane Mallarmé escribió "no representar la cosa sino el efecto que produce" [125] y "Nombrar un objeto es suprimir tres cuartas partes del placer del poema que se hace entender poco a poco". [124] El pintor inglés George Frederic Watts afirmó "Pinto ideas, no cosas". [123] [122] [124]
La paloma mensajera ; de Pierre Puvis de Chavannes ; 1871; óleo sobre lienzo; 136,7 x 86,5 cm; Musée d'Orsay (París)
Pornocrates ; por Félicien Rops ; 1878; acuarela, gouache y pastel; 75 × 48 cm; Musée Félicien Rops ( Namur , Bélgica)
Entführung [Secuestro]; por Max Klinger ; 1891; aguafuerte y aguatinta ; 11,9 × 26,9 cm; Albertina ( Viena , Austria )
Quimera ; por Odilon Redon ; 1883; carboncillo y tiza negra sobre papel; 50,4 × 34 cm; Museo Kröller-Müller ( Otterlo , Países Bajos )
Andromeda (título anterior Danaid ); de Auguste Rodin ; 1886; mármol; 29 × 32 × 20 cm; Museo Nacional de Bellas Artes ( Buenos Aires , Argentina )
Isla de los Muertos (quinta versión); por Arnold Böcklin ; 1886; óleo sobre tabla (80,7 x 150 cm.); Museo der bildenden Künste (Leipzig)
Oh sepulcro, ¿dónde está tu victoria ? Jan Toorop ; 1892; lápiz y tiza; 60,4 × 75,3 cm; Rijksmuseum (Ámsterdam)
El pecado ; por Franz von Stuck ; 1893; óleo sobre lienzo; 94,5 x 59,5 cm; Neue Pinakothek ( Múnich , Alemania)
Amor y dolor ; por Edvard Munch ; 1894; óleo sobre lienzo; 100 × 110 cm; Museo Munch ( Oslo , Noruega )
The Race Track ( Muerte sobre un caballo pálido ); por Albert Pinkham Ryder ; de 1896 a 1908; óleo sobre lienzo; 70,5 x 90 cm; Museo de Arte de Cleveland (EE. UU.)
¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos? ; por Paul Gauguin ; 1897; óleo sobre lienzo; 141 × 376 cm; Museo de Bellas Artes ( Boston , EE. UU.)
Medusa ; por Fernand Khnopff ; 1900; bronce, base de mármol; Museo Fin de Siècle (parte de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , en Bruselas )
La dama del caballo ; por Alfred Kubin ; 1901; bolígrafo, tinta, aguada y spray; 39,7 × 31 cm
El demonio abatido ; por Mikhail Vrubel ; 1902; Galería estatal Tretyakov (Moscú)
Dorelia con un vestido negro ; por Gwen John ; 1903-04; Tate Britain (Londres)
Las tres edades de la mujer ; de Gustav Klimt ; 1905; óleo sobre lienzo; 180 × 180 cm; Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea (Roma)
Movimiento de artes y oficios (c. 1860-1915)
El movimiento Arts and Crafts trabajó principalmente en arquitectura y artes decorativas, donde promovió la artesanía tradicional, el uso de materiales disponibles localmente y la integridad en la forma en que se hacían las cosas. Comenzó a fines del siglo XIX en Gran Bretaña , cuando escritores como John Ruskin y William Morris rechazaron la producción en masa y los artículos hechos a máquina, a menudo de mala calidad, que se encontraban en muchos hogares y tiendas. Morris , en particular, creía en la importancia del artesano individual y abogó por un regreso al artesano manual, que, argumentó, no solo produciría mejores muebles, cerámica, textiles y otros artículos, sino que también ayudaría a las personas a liderar mejor. , vidas más satisfactorias. La producción en masa, sostuvo, fue responsable de la caída de los valores. Muchos diseñadores de Arts and Crafts se inspiraron en la influencia de la artesanía medieval, y sus objetos e interiores explotaron las cualidades distintivas de los materiales naturales, desde el roble con hermosos acabados hasta los tapices tejidos a mano. Otros, sin embargo, buscaron inspiración más lejos, incorporando colores vivos inspirados en el arte islámico o motivos del antiguo Egipto en su trabajo. Nudos, remolinos, cruces celtas y entrelac (diseños entrelazados) inspirados en el antiguo arte celta que aparecen en el trabajo de muchos diseñadores de artes y oficios, en particular Archibald Knox , especialmente en trabajos en metal.
Ampliamente exhibido en Europa, la simplicidad del estilo Arts and Crafts inspiró a artistas como Carl Larsson y su esposa, Karin Bergöö Larsson , diseñadores como Henry van de Velde y estilos como Art Nouveau , el grupo holandés De Stijl , Vienna Secession y, finalmente, la Bauhaus. estilo. Nikolaus Pevsner consideró el estilo como un preludio del Modernismo , que usaba formas simples sin ornamentación. [126] La Secesión de Viena alentó en parte a los artistas y escritores de Europa Central bajo el dominio de los Habsburgo a volver a sus raíces nacionales y populares. En Polonia, lo que dio lugar al florecimiento de "Młoda Polska" ( Polonia joven ), cuyos exponentes señalado incluido Jacek Malczewski , Ene Stanisławski , José Mehoffer , Józef Pankiewicz , Leon Wyczółkowski , Olga Boznańska , Stanisław , Wojciech Gerson y Wojciech Kossak . [127]
Chica en banco de jardín ; de Olga Boznańska ; 1896; óleo sobre cartón; 65,5 cm x 42,5 cm; Museo Nacional de Polonia ( Varsovia )
El pozo del fin del mundo; por William Morris y Edward Burne-Jones ; 1896; ilustraciones: xilografías; uno de los ocho ejemplares encuadernados en vitela; 28,9 × 21 × 5,1 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Villa pod Jedlami ; diseñado por Stanisław Witkiewicz ; Década de 1890; madera y vidrio; Estilo Zakopane Zakopane (Polonia)
Autorretrato ; de Stanisław Wyspiański ; 1902; pastel sobre papel; 37,5 cm x 36,8 cm; Museo Nacional de Polonia
Extensión de archivo Nietzsche ; por Henry van de Velde ; 1903; Weimar (Alemania)
Escritorio abatible; por Gustav Stickley ; C. 1903; roble con herrajes de cobre; 130,8 × 65,4 × 27,6 cm; Museo de Brooklyn
Azalea ; por Carl Larsson ; 1906; Galería Thiel ( Suecia )
Sol en mayo ; de Józef Mehoffer ; 1911; óleo sobre lienzo; 95 cm × 78 cm; Museo Nacional de Polonia
Posimpresionismo (c. 1885-1905)
El posimpresionismo es un término bastante impreciso que se aplica a una generación diversa de artistas. En su sentido más estricto, pertenece a cuatro artistas muy influyentes: Paul Cézanne , [128] [129] Paul Gauguin , [130] [131] Georges Seurat , [132] [133] y Vincent van Gogh . [134] [135] Cada uno pasó por una fase impresionista, pero finalmente emergió con cuatro estilos muy originales pero diferentes. Colectivamente, su trabajo anticipó, y a menudo influyó directamente, gran parte del arte de vanguardia que apareció antes de la Primera Guerra Mundial, incluido el fauvismo, el cubismo, el expresionismo y la abstracción temprana. Cézanne (particularmente influyente en el cubismo) y Van Gogh trabajaron en relativo aislamiento, lejos de París, en puntos críticos de sus carreras, mientras que Seurat y Gauguin trabajaron en grupos, de manera más colaborativa, en puntos clave de su desarrollo. Otro artista importante de la época es Toulouse-Lautrec , un pintor influyente además de artista gráfico. [136] [137] En un sentido más amplio, el postimpresionismo incluye una generación de artistas predominantemente franceses y belgas que trabajaron en una variedad de estilos y grupos. La mayoría habían caído bajo el dominio del impresionismo en algún momento, pero empujaron su trabajo más allá de él hacia una serie de facciones ya a mediados de la década de 1880, a veces como un desarrollo lógico del impresionismo, otras veces como una reacción contra él. Los postimpresionistas típicamente representaban temas impresionistas, pero la obra, particularmente el sintetismo, a menudo contenía simbolismo, espiritualismo y atmósferas de mal humor que rara vez aparecían en el impresionismo. Colores antinaturales, patrones, llanuras planas, perspectivas extrañas y puntos de vista llevados al extremo, todos movieron el centro del modernismo un paso más cerca de la abstracción con un estándar para la experimentación. [115] [138] [139]
El neoimpresionismo ( divisionismo o puntillismo , c. 1884-1894) exploró la luz y el color basándose en teorías científicas del color, creando mosaicos de pinceladas en colores puros, a veces trazados en patrones rítmicos con líneas influenciadas por el Art Nouveau . Los artistas principales fueron Georges Seurat y Paul Signac , otros incluyen Henri-Edmond Cross , Maximilien Luce , Albert Dubois-Pillet y, durante un período, Pissarro y Van Gogh . Influyó en el fauvismo y los elementos del estilo aparecieron en el expresionismo, el cubismo y la abstracción temprana. Sintetismo ( Cloisonnismo c. 1888-1903) El cloisonnismo fue concebido por Émile Bernard e inmediatamente adoptado y desarrollado por Paul Gauguin y otros mientras estaban en una colonia de artistas en Pont-Aven (Bretaña, Francia). El estilo se asemejaba al esmalte cloisonné o las vidrieras , con colores planos y atrevidos delineados en colores negros u oscuros. El sintetismo, ejemplificado en el trabajo de Gauguin y Paul Sérusier , es un término un poco más amplio con menos énfasis en los contornos oscuros y las cualidades cloisonné. Otros artistas incluyen a Cuno Amiet , Louis Anquetin , Charles Filiger , Jacob Meyer de Haan , Charles Laval y Armand Seguin . Su trabajo influyó mucho en el fauvismo y el expresionismo. Les Nabis (c. 1890-1905: hebreo para profetas o illuminati) fue un movimiento más amplio en Francia y Bélgica que eclécticamente se basó en elementos progresistas en sintetismo, neoimpresionismo, simbolismo y Art Nouveau. Quizás más influyentes que el arte fueron las numerosas teorías, los manifiestos y el contagioso entusiasmo por las vanguardias, que marcaron la pauta para la proliferación de movimientos e "ismos" en el primer cuarto del siglo XX. La Revue Blanche publicó a menudo Les Nabis y contenido simbolista. La obra de Édouard Vuillard , [140] [141] y Pierre Bonnard , [142] [143] ca. 1890-1910 es un ejemplo de Les Nabis, aunque ambos evolucionaron en sus estilos y produjeron un trabajo significativo en la década de 1940. Otros artistas incluyen a Maurice Denis , Maxime Dethomas , Meyer de Haan , Henri-Gabriel Ibels , Georges Lacombe , Aristide Maillol , Paul Ranson , Ker-Xavier Roussel , Armand Séguin , Paul Sérusier , Félix Vallotton , Jan Verkade y otros. [115] [138] [139]
Modelos ( Les Poseuses ); por Georges Seurat ; 1886–1888; óleo sobre lienzo; 200 × 249,9 cm; Fundación Barnes ( Filadelfia , EE. UU.)
Sunset, Herblay, Opus 206 ; por Paul Signac ; 1889; óleo sobre lienzo, 57 × 90 mm .; Galería de Arte y Museo Kelvingrove, Glasgow, Escocia
Mont Sainte-Victoire ; por Paul Cezanne ; 1904-06; óleo sobre lienzo, 65 × 81 cm .; Museo de Arte de Filadelfia
La noche estrellada ; por Vincent van Gogh ; 1889; óleo sobre lienzo; altura: 73,7 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
Paisaje en Le Pouldu ; por Paul Sérusier ; 1890; óleo sobre lienzo, 74 × 92 cm; Museo de Bellas Artes de Houston
Ia Orana Maria ( Te saludamos, María ); por Paul Gauguin ; 1891; óleo sobre lienzo, 114 × 89 cm .; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Los árboles verdes 'o' Las hayas de Kerduel ; por Maurice Denis ; 1893; óleo sobre lienzo, 46 × 43 cm .; Musée d'Orsay, París, Francia
Figuras en la calle ; de Pierre Bonnard ; California. 1894; óleo sobre papel, 24 × 25,5 cm .; Colección privada
Madame Vuillard Cousant o anciana examinando su costura ; de Edouard Vuillard ; 1893; óleo sobre tabla, 29,2 × 27,9 cm .; Colección particular, París
El mediterráneo ; por Aristide Maillol ; 1902-03; bronce, 104 cm. elevado; Museo Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Países Bajos.
Principios del siglo 20
La historia del arte del siglo XX es una narrativa de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno derribado sucesivamente por el siguiente. Los movimientos artísticos del fauvismo , el expresionismo , el cubismo , el arte abstracto , el dadaísmo y el surrealismo llevaron a nuevas exploraciones de nuevos estilos creativos y formas de expresión. La creciente interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como la influencia de Pablo Picasso por la escultura ibérica , la escultura africana y el primitivismo . El japonismo y los grabados en madera japoneses (que a su vez habían sido influenciados por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y los desarrollos artísticos posteriores. El influyente ejemplo establecido por el interés de Paul Gauguin por el arte oceánico y la repentina popularidad entre los cognoscenti en el París de principios del siglo XX de las esculturas fetiches africanas recién descubiertas y otras obras de culturas no europeas fueron retomadas por Picasso, Henri Matisse y muchos otros. de sus colegas. Más tarde, en el siglo XX, el arte pop y el expresionismo abstracto cobraron protagonismo.
Aparador del Renacimiento ruso; por Dimitri Petrovitch Soukhov ; 1903; Musée d'Orsay (París)
La Casa Assan de Bucarest ( Rumania ), 1906-1914, construida según el diseño del arquitecto Ion D. Berindey , en estilo neoclásico francés
Retrato de Adele Bloch-Bauer I , unaobra maestra del Art Nouveau ; de Gustav Klimt ; 1907; óleo, plata y oro sobre lienzo; 140 × 140 cm; Neue Galerie Nueva York
El beso ; por Constantin Brâncuși ; 1907; Roca; altura: 28 cm; Museo de Arte Craiova (Rumanía)
El sueño ; por Henri Rousseau ; 1910; óleo sobre lienzo; 204,5 × 298,5 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
Cabeza femenina; de Amedeo Modigliani ; 1912; piedra caliza ; altura: 68,3 cm, ancho: 15,9 cm, profundidad: 24,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
El violinista ; por Marc Chagall ; 1912-1913; aceite sobre mantel a cuadros; 1,88 x 1,58 m; Stedelijk Museum Amsterdam (Países Bajos)
Casa de estilo barroco en Bucarest, construida en 1920
Art Nouveau (c. 1890-1915)
El Art Nouveau es un estilo internacional de arte, arquitectura y arte aplicado , especialmente las artes decorativas , que se caracteriza por sus dos principales fuentes de inspiración: el uso de ornamentos en forma de plantas (curvas sinuosas); y estilos de arte histórico (como gótico , celta , bizantino , rococó y barroco ), especialmente el arte japonés .
El culto a la naturaleza, con sus curvas sinuosas y zarcillos de hiedra que casi parecen echar raíces en un mueble o artes decorativas, fue un tema popular para el Art Nouveau. Fue a través de este medio que las mujeres fueron retratadas con mayor frecuencia como objetos estilizados en lugar de personas. Mediante el uso de la naturaleza como idioma, los diseñadores esperaban incorporar todos los aspectos de la vida en un solo objeto o interior: se traía el exterior al interior y se exploraba la relación humana con el medio ambiente.
En España, Italia, Rusia y Estados Unidos, los artistas y diseñadores se sumaron a las novedosas y fascinantes interpretaciones del Art Nouveau. Cada cultura se basó en diferentes fuentes de inspiración, incluidas el gótico , el celta , el bizantino , el rococó y el barroco . Si bien las influencias históricas estuvieron presentes, no podrían justificarse a menos que se abordaran con innovación en lugar de tradición. La representación de la mujer en el arte a principios de siglo destaca otro desafío importante para las sociedades contemporáneas. En muchos casos, las mujeres fueron representadas como figuras de fantasía, interactuando con la naturaleza, unidas a ella. Por el contrario, el realismo descarnado de las pinturas de Henri de Toulouse-Lautrec demostró que las mujeres pueden ser retratadas como personas genuinas involucradas en aspectos mundanos de su vida diaria. [144]
Las primeras influencias del Art Nouveau comenzaron a surgir en Inglaterra entre figuras como John Ruskin , la Hermandad Prerrafaelita , Edward Burne-Jones , William Morris y el Movimiento de Artes y Oficios , que coincidió con algunos aspectos de las sensibilidades simbolistas en Francia y Bélgica en ese momento. El Art Nouveau está estrechamente relacionado y entremezclado con el simbolismo. El término Art Nouveau se aplica con mayor frecuencia a la arquitectura, la artesanía y las artes decorativas, mientras que el simbolismo se usa más comúnmente para las bellas artes como la pintura y la escultura, así como para la poesía y la literatura; sin embargo, no hay líneas definitorias entre los dos. El Art Nouveau fue un movimiento internacional que se extendió por Europa y América del Norte y alcanzó su punto máximo alrededor de 1890-1905. Quizás encontró sus mayores expresiones en la arquitectura, influenciado por el teórico e historiador Eugène Viollet-le-Duc , y visto en la obra de Victor Horta , Hector Guimard , Louis Sullivan y Antoni Gaudí . Sin embargo, aparecieron ejemplos extraordinarios del estilo en el diseño de interiores, muebles, papel tapiz, textiles, mosaicos, cerámica, metalurgia, joyería, vidrio artístico, vidrieras y otras artes decorativas y aplicadas producidas por Charles Rennie Mackintosh , Peter Carl Fabergé , Émile Gallé. , René Lalique , Louis Comfort Tiffany y muchos otros. El arte japonés, particularmente los grabados en madera , con conceptos de diseño que eran nuevos para los europeos, comenzó a aparecer y encontró un público receptivo allí, donde artistas gráficos como Aubrey Beardsley , Jules Chéret , Walter Crane , Eugène Grasset , Alphonse Mucha y Henri de Toulouse- Lautrec diseñó carteles innovadores, publicidad, modas, encuadernación de libros, frontispicios e ilustraciones. [145] [146]
El Art Nouveau a menudo abandona las formas geométricas y los ángulos en favor de líneas arabescas que sugieren vegetación, enredaderas sinuosas y otros elementos de la naturaleza. Muchos artesanos buscaron romper la división entre las bellas artes, las artes aplicadas y las artes decorativas y fusionarlas todas en todos los aspectos de la vida diaria. El artista individual con frecuencia se movía de un lado a otro entre varias disciplinas y trabajó en varios medios. No era inusual que los arquitectos produjeran los muebles y otros muebles para las casas y los edificios que diseñaron, que los pintores diseñaran carteles publicitarios e ilustraciones de libros, o que los joyeros produjeran vidrio artístico y vidrieras. [145] [146]
The Climax , ilustración para Salomé de Oscar Wilde; por Aubrey Vincent Beardsley ; 1893; impresión de bloque de líneas; 34 × 27 cm; colección privada [147]
Divan Japonais ; de Henri de Toulouse-Lautrec ; C. 1893–1894; litografía; 81 × 62,3 cm; Museo de Bellas Artes ( Boston , EE. UU.)
Loie Fuller Dancing ; por Pierre Roche ; 1894 (bronce, 1901); Musée des Arts Décoratifs (París)
Puerta del Castel Béranger (un edificio de apartamentos); por Hector Guimard ; 1895–1898; París
Hôtel Solvay ; de Victor Horta ; 1895–1898; Bruselas ( Bélgica )
masque ; por Louis Welden Hawkins ; 1895-1905; tiza negra y lápiz sobre papel marrón claro; 43,2 × 23,8 cm; Museo de Bellas Artes ( Houston , EE. UU.)
Jarrón; de Émile Gallé ; 1896; vidrio; altura: 17,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Galletas Lefèvre-Utile , publicidad; de Alfons Mucha ; 1897; litografía; 62 × 43,5 cm; Colección privada
El broche de la libélula ; de René Lalique ; C. 1897–1898; oro, esmalte vítreo , crisoprasa , calcedonia , piedra lunar y diamante; alto: 23 cm, ancho: 26,5 cm; Museo Calouste Gulbenkian ( Lisboa , Portugal)
Vitrina de armario; de Gustave Serrurier-Bovy ; 1899; madera de narra roja, fresno, cobre, esmalte y vidrio; altura: 248,9 cm, ancho: 213,4 cm, profundidad: 63,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
Le Jeu de l'echarpe (Bailarina con pañuelo); por Agathon Leonard; antes de 1901; bronce dorado; Hessisches Landesmuseum Darmstadt ( Darmstadt , Alemania)
Adorno para el pelo; de René Lalique ; C. 1902; oro, esmeraldas y diamantes; Musée d'Orsay (París)
La Casa Batlló ; de Antoni Gaudí; Barcelona
Gabinete; Eugene Vallin en colaboración con Victor Prouvé ; C. 1903-1906; probablemente hecho de caoba; Musée de l'École de Nancy ( Nancy , Francia)
Balcón con un relieve debajo, en la fachada del Hôtel Brion de Estrasburgo (Francia), terminado en 1904
La parte superior de una estufa de azulejos del Museo George Severeanu ( Bucarest , Rumania )
Fauvismo (c. 1898-1908)
El fauvismo surgió del posimpresionismo y se convirtió gradualmente en el primer gran movimiento del siglo XX. Su génesis fue en 1895 cuando Henri Matisse , la figura más antigua y central, ingresó al estudio de Gustave Moreau en la Ecole des Beaux-Arts . Allí conoció a Georges Rouault , Charles Camoin , Henri Manguin y Albert Marquet . Marquet dijo: "Ya en 1898 Matisse y yo estábamos trabajando en lo que luego se llamaría la manera fauve. Las primeras exposiciones en los Indepéndants en las que fuimos, creo, los únicos en pintar en tonos puros, se remontan a 1901 . " [148] En 1902-03, el círculo de artistas de ideas afines había crecido hasta incluir a Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy , Othon Friesz , Jean Metzinger , Jean Puy , Louis Valtat , Kees van Dongen y Maurice de Vlaminck . Durante este período se llevaron a cabo en París una serie de exposiciones retrospectivas influyentes: Seurat (1900, 1905), Van Gogh (1901, 1905), Toulouse-Lautrec (1902), Gauguin (1906), Cézanne (1907), todas relativamente desconocidas para el público en ese momento. Matisse y Derain coleccionaron tallas africanas, una curiosidad novedosa pero creciente de la época. Matisse pasó el verano de 1904 en Saint-Tropez pintando con el neoimpresionista Paul Signac y Henri-Edmond Cross , seguido en 1905 por Camoin, Manguin y Marquet. El artista exhibió regularidad en el Salon des Indepéndants y el Salon d'Automne 1903-1908 y en 1905 su trabajo causó sensación y escándalo. Matisse declaró: "Estábamos exponiendo en el Salon d'Automne, Derain, Manguin, Marquet, Puy y algunos otros estaban colgados en una de las galerías más grandes. En el centro de esta sala, el escultor Marque exhibió un busto de un niño muy al estilo italiano. Vauxcelles [crítico de arte de Gil Blas ] entró en la habitación y dijo: ¡Bueno! ¡Bueno! ¡ Donatello en la niebla de las fieras! [Donatello chez les fauves] ". [149] El movimiento no había sido percibido como una entidad por el público, pero una vez publicado el nombre se quedó. A diferencia de los impresionistas y su larga lucha por la aceptación, la vanguardia tenía una audiencia entusiasta en 1906-1907 y los fauvistas estaban atrayendo a coleccionistas de Estados Unidos a Rusia. Sin embargo, el fauvismo se disolvió en gran medida en 1908, cuando apareció el cubismo, la mayoría del artista comenzó a explorar otros estilos y se movió en diferentes direcciones. Solo Matisse y Dufy continuaron explorando el fauvismo en la década de 1950. [148] < [150] [151] [152] [153]
El fauvista pintó paisajes en plein air , interiores, figuras y naturalezas muertas, siguiendo ejemplos de realismo, impresionismo y postimpresionismo. Aplicaron pintura con pinceladas sueltas, en colores densos, antinaturales, a menudo contrastantes y vibrantes, a veces directamente del tubo. La influencia de Gauguin, con su exploración de los valores expresivos y los aspectos espaciales de la creación de patrones con colores puros y planos, así como su interés por el primitivismo fueron significativos, al igual que el neoimpresionismo. Matisse explicó - durante mucho tiempo el color sirvió como complemento del diseño, los pintores del Renacimiento construyeron el cuadro por línea, añadiendo después el color local - escribiendo: "De Delacroix a Van Gogh y principalmente a Gauguin, pasando por el Impresionista, que despejó el terreno, y Cézanne, que dio el impulso final e introdujo los volúmenes coloreados, podemos seguir esta rehabilitación de la función del color, esta restauración de su poder emotivo " [148] El fauvismo fue la culminación de un cambio, del dibujo y la línea como los fundamentos fundamentales del diseño en la pintura al color, y representaron a sus sujetos al borde de la abstracción. [148] [150] [151] [152] [153]
Le bonheur de vivre , de Henri Matisse ; 1905-1906; óleo sobre lienzo; 175 × 241 cm; Fundación Barnes
Casas en Chatou ; por Maurice de Vlaminck ; California. 1905; óleo sobre lienzo, 81 × 101 cm; Instituto de Arte de Chicago (EE. UU.)
Paisaje Fauve ; de Louis Valtat ; 1905-1906; óleo sobre lienzo; Museo de Arte Speed, Louisville, Kentucky
Charing Cross Bridge, Londres ; de André Derain ; 1906; óleo sobre lienzo, 80,3 × 100,3 cm .; Galería Nacional de Arte, Washington, DC.
La Ciotat ; por Othon Friesz ; 1907; óleo sobre lienzo, 65,7 por 81 cm .; colección desconocida
Expresionismo (c. 1905-1933)
El expresionismo fue un movimiento internacional en pintura, escultura, artes gráficas, poesía, literatura, teatro, cine y arquitectura. Algunos asocian la Segunda Escuela de Viena y otras músicas de la época con el movimiento. La mayoría de historiadores sitúan el comienzo del expresionismo en 1905 con la fundación de Die Brücke . Sin embargo, varios artistas estaban produciendo un trabajo influyente que estaba en el espíritu del expresionismo c. 1885-1905, incluidos Lovis Corinth , James Ensor , Käthe Kollwitz , Paula Modersohn-Becker , Edvard Munch , Emil Nolde y Christian Rohlfs, entre otros. Muchos de estos artistas exponen posteriormente y se asocian con diversos grupos expresionistas. La pintura expresionista se caracteriza por una pincelada empastada suelta, espontánea, frecuentemente gruesa . A menudo transmitía cómo se sentía el artista acerca de su tema, opuesto a cómo se veía, anteponiendo la intuición y los instintos a representaciones realistas o teorías del arte. El expresionismo estaba frecuentemente impregnado de angustia o alegría, y un compromiso general con la vida contemporánea y los problemas sociales que a menudo estaba ausente del enfoque del fauvismo en el diseño y el color aplicado a sujetos neutrales. Los grabados en madera son particularmente notables en el expresionismo. El expresionismo a veces puede superponerse e integrarse con otros estilos y movimientos, como el simbolismo , el fauvismo , el cubismo , el futurismo , la abstracción y el dadaísmo . Varios grupos y facciones de expresionistas aparecieron en distintos momentos y lugares. [115] [139] [115] [154] [155]
Die Brücke (El puente: 1905-1913) aspiraba a conectar "todos los elementos revolucionarios y emergentes". [154] Fue fundada por cuatro estudiantes de arquitectura Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel , Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl . Compartiendo un estudio en Dresde, produjeron pinturas, tallas, grabados y organizaron exposiciones, separándose en el verano para trabajar de forma independiente. Su primera exhibición fue en 1905, luego se unieron Emil Nolde y Max Pechstein en 1906, y Otto Mueller en 1910, entre otros. Las influencias incluyeron el arte gótico , el primitivismo , el Art Nouveau y los desarrollos en París, particularmente Van Gogh y el fauvismo . El grupo se trasladó a Berlín en 1911 y luego se disolvió en 1913. Der Blaue Reiter (El jinete azul: 1911-1914) , fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc , era un grupo relativamente informal que organizaba exposiciones de arte de París y Europa, como bien los suyos. Fue uno de una serie de grupos cada vez más progresistas que se separaron de la Academia de Arte de Munich, incluidos The Munich Secession en 1892 (realista e impresionista), Phalanx en 1901 (postimpresionista), Neue Kunstler Vereiningung en 1909 y The Blue Rider en 1911. Artista asociados con los dos últimos grupos incluían a loshermanos Burliuk , Heinrich Campendonk , Alexej von Jawlensky , Paul Klee , August Macke , Gabriele Münter y Marianne von Werefkin . El eufónico almanaque Der Blaue Reiter , una colección de ensayos influyentes, y Concerning the Spiritual in Art de Kandinskycon sus ideas sobre el arte no objetivo se publicaron en 1912. The Blue Rider terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial en la que Macke y Marc ambos murieron. [115] [139] [156] [154] [155]
En Austria surgieron otros artistas como Oskar Kokoschka , Egon Schiele y Richard Gerstl . El artista francés Georges Rouault y Chaim Soutine tenían afinidades con el movimiento. Los escultores incluyen a Ernst Barlach , Wilhelm Lehmbruck , Gerhard Marcks y William Wauer . Los arquitectos asociados con el expresionismo incluyen a Max Berg , Hermann Finsterlin , Johann Friedrich Höger , Michel de Klerk , Erich Mendelsohn , Hans Poelzig , Hans Scharoun , Rudolf Steiner y Bruno Taut . Der Sturm (The Storm 1910-1932) fue una revista con mucho contenido expresionista fundada por Herwarth Walden , con una galería asociada en Berlín inaugurada en 1912 y una compañía de teatro y una escuela en 1918. Películas consideradas expresionistas, algunas consideradas clásicas, incluyen The Cabinet of Dr. Caligari ( Robert Wiene , 1920), Nosferatu ( FW Murnau , 1922) y Metropolis ( Fritz Lang , 1927). [115] [139] [156] [154] [155]
Después de la Primera Guerra Mundial, se produjo una tendencia a retirarse de la vanguardia de muchos artistas, que se ve en el trabajo de los fauvistas originales durante la década de 1920, los períodos neoclásicos de Picasso y Stravinsky y el trabajo tardío de De Chirico . Esta tendencia se denominó Nueva Objetividad (ca. 1919-1933) en Alemania y, en contraste con la naturaleza nostálgica de este trabajo en otros lugares, se caracterizó por la desilusión y las críticas sociales despiadadas. Los artistas de la nueva objetividad surgieron en su mayoría de entornos expresionistas y dadaístas, incluidos Otto Dix , Christian Schad , Rudolf Schlichter , Georg Scholz y Jeanne Mammen . Max Beckmann y George Grosz también tuvieron alguna asociación con la nueva objetividad durante un período. Aunque no es intrínsecamente expresionista, la Staatliches Bauhaus (Escuela de Construcción: 1919-1933) fue una influyente escuela alemana que fusionó la artesanía, la decoración y las bellas artes. Moviéndose de Weimar a Dessau, a Berlín, cambió y evolucionó en enfoque con el tiempo. Los directores incluyeron a los arquitectos Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930) y Ludwig Mies van der Rohe (1930-1933). En varios puntos, la facultad incluyó a Josef Albers , Theo van Doesburg , Lyonel Feininger , Johannes Itten , Paul Klee , Wassily Kandinsky , El Lissitzky , Gerhard Marcks , László Moholy-Nagy , Oskar Schlemmer . Los arquitectos de la Bauhaus influyeron mucho en el Estilo Internacional , que se caracterizaba por formas simplificadas, falta de ornamentación, unión de diseño y función, y la idea de que la producción en masa podía ser compatible con la visión artística personal. Cuando el Partido Nazi llegó al poder, el arte moderno fue apodado " arte degenerado " y la Bauhaus se cerró en 1933, sometiendo el modernismo en Alemania durante varios años. [115] [139] [156] [154] [155]
Esqueletos luchando por el cuerpo de un ahorcado ; por James Ensor ; 1891; óleo sobre lienzo; 59 × 74 cm; Museo Real de Bellas Artes de Amberes , Bélgica
En el Matadero ; por Lovis Corinth ; 1893; óleo sobre lienzo, 78 × 89 cm .; Staatsgalerie Stuttgart , Alemania
El Grito ; por Edvard Munch ; 1893; óleo, temple y pastel sobre cartulina, 91 × 73 cm; Galería Nacional de Noruega , Oslo, Noruega
Los cosacos ; por Wassily Kandinsky ; 1910-11; óleo sobre lienzo, 94 × 130 cm .; Tate Modern , Londres
La vaca amarilla ; de Franz Marc ; 1911; óleo sobre lienzo, 140,5 × 189,2 cm .; Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York
El vengador ; por Ernst Barlach ; 1914; bronce, 58,4 cm. ancho; Galería Nacional de Arte, Washington , DC
Autorretrato como soldado ; por Ernst Ludwig Kirchner ; 1915, 69,2 × 60,9 cm .; Allen Memorial Art Museum , Oberlin College, Ohio (EE. UU.)
Muerte y doncella ; por Egon Schiele ; 1915; óleo sobre lienzo, 150 × 180 cm; Österreichische Galerie Belvedere , Viena, Austria.
Los caídos ; por Wilhelm Lehmbruck ; 1915–16; yeso 29,5 x 94,5; Museo Wilhelm Lehmbruck, Duisburg
La noche ; por Max Beckmann ; 1918-19; óleo sobre lienzo, 133 × 154 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf
Bodegón con Rayfish ; por Chaim Soutine ; California. 1924; óleo sobre lienzo, 81,3 × 100 cm .; Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
Grosses Schauspielhaus ( Gran Teatro ); por Hans Poelzig ; 1919; Berlín, Alemania
Torre de Einstein ; por Erich Mendelsohn ; 1920. Potsdam, Alemania
Gabinete del Dr. Caligari ; por Atelier Ledl Bernhard; 1920; cartel promocional de la película dirigida por Robert Wiene
Magia de peces ; por Paul Klee ; 1925; óleo y acuarela sobre lienzo sobre tabla, 77 × 98 cm .; Museo de Arte de Filadelfia , Pensilvania
Cubismo
El cubismo consistió en el rechazo de la perspectiva, que conduce a una nueva organización del espacio donde los puntos de vista se multiplican produciendo una fragmentación del objeto que hace evidente la predilección por la forma sobre el contenido de la representación. Pablo Picasso , Georges Braque y otros artistas cubistas se inspiraron en las esculturas de Iberia , África y Oceanía expuestas en el Louvre y en el museo etnográfico del Trocadéro , y que se ofrecían en los mercados de huidas y en las salas de venta.
"Un Picasso estudia un objeto de la misma manera que un cirujano disecciona un cadáver", escribió el crítico y poeta Guillaume Apollinaire en 1913. Cinco años antes, Pablo Picasso y Georges Braque , amigos, colegas y rivales, habían comenzado a rechazar el realismo en perspectiva por una forma. de la autopsia artística: un estilo de pintura absolutamente revolucionario que miraba dentro y alrededor de los objetos, presentándolos analítica, objetiva y completamente impersonal. [157]
Les Demoiselles d'Avignon ; de Pablo Picasso ; 1907; óleo sobre lienzo; 244 × 234 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
Casas de l'Estaque ; por Georges Braque ; 1908; óleo sobre lienzo; 73 × 59,5 cm; Museo de Arte Moderno, Contemporáneo y Forastero de Lille Métropole ( Villeneuve-d'Ascq , Francia)
Vaso de cerveza y naipes ; de Juan Gris ; 1913; óleo y collage sobre lienzo; 52,5 x 36,5 cm; Museo de Arte de Columbus ( Columbus , Ohio , EE. UU.)
Formas únicas de continuidad en el espacio ; de Umberto Boccioni ; 1913; bronce; altura: 1,09 m; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
Surrealismo (c. 1924-1950)
El surrealismo surgió como una facción de Dada , anunciando formalmente su inicio en 1924 con el Manifiesto del Surrealismo de André Breton . [158] Originalmente un grupo literario de poetas y escritores en París, pronto se convirtió en un movimiento internacional que incluía pintores, escultores, fotógrafos y cineastas. A Second Manifeste du Surréalisme se publicó en 1929. [159] El surrealismo no tuvo una expresión significativa en artes aplicadas o decorativas, arquitectura o música, aunque se pudieron identificar algunos ejemplos aislados (por ejemplo, juegos de ajedrez, muebles y Las Pozas ). La pequeña y efímera Escuela Metafísica (c. 1910-1921), con Giorgio de Chirico como figura principal, fue muy influyente en el surrealismo. El surrealista exploró una miríada de técnicas innovadoras, algunas se habían desarrollado recientemente en el cubismo y el dadaísmo, otras eran nuevas, como el collage , los objetos encontrados, el ensamblaje, el azar, los rayos (fotogramas), la pintura sobre arena, la pintura que gotea y arroja, la calcomanía , frottage , fumage y raclage. Dos enfoques fundamentales predominan en el arte surrealista. El automatismo dominó en los primeros años, lo que se puede ver en la obra de artistas como André Masson y Joan Miró . Otro artista, influido por el trabajo de Giorgio de Chirico, utilizó métodos y medios más tradicionales para ilustrar pensamientos sin filtrar y yuxtaposiciones incongruentes, incluidos Salvador Dali y René Magritte . Artistas importantes incluyen a Jean Arp , Hans Bellmer , Victor Brauner , Luis Buñuel , Joseph Cornell , Óscar Domínguez , Max Ernst , Wifredo Lam , Yves Tanguy , Man Ray , Alberto Giacometti , Méret Oppenheim y Roberto Matta . Otros artistas importantes abordados informalmente con el surrealismo incluyen a Marcel Duchamp , Pablo Picasso y Frida Kahlo . Las ideas y teorías surrealistas se discutieron en una serie sucesiva de revistas, La Révolution Surréaliste (1924-1929), Le Surrealisme au service de la revolution (1930-1933), Minotaure (1933-1939), VVV (1942-1944). Las pinturas automáticas de André Masson y Juna Miró, así como los recién llegados al surrealismo como Roberto Matta y Arshile Gorky, tuvieron una influencia considerable en el expresionista abstracto de finales de los años cuarenta. [160] [161] [162] [163] [164] [165]
Con una medida de la irreverencia y el desprecio de Dadá por los valores políticos, religiosos y burgueses tradicionales de la cultura occidental que creían que habían llevado al mundo a la Primera Guerra Mundial (Breton y otros miembros fundadores eran veteranos); el surrealista exploró las posibilidades que había abierto Sigmund Freud con respecto al subconsciente: "Automatismo psíquico puro, mediante el cual se pretende expresar verbalmente, por escrito o por cualquier otro método, el funcionamiento real de la mente. Dictado por pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, y más allá de cualquier preocupación estética o moral ". [158] El surrealismo buscaba expresar el pensamiento puro, sin filtros y sin censura por principios políticos, religiosos, morales o racionales. [160] [161] [162] [163] [164] [165]
El vidente ; de Giorgio de Chirico ; 1914-15; óleo sobre lienzo; 89,6 x 70,1 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
La jirafa ardiente ; de Salvador Dalí ; 1937; óleo sobre tabla; 35 × 27 cm; Kunstmuseum Basel ( Basilea , Suiza )
Transfija el tiempo ; de René Magritte ; 1938; óleo sobre lienzo; 147 × 98,7 cm .; Art Institute of Chicago ( Chicago , Estados Unidos)
Signe (Le vent) , de Victor Brauner ; 1942; mármol blanco; 31 cm; Cimetière de Montmartre (París)
Mediados del siglo XX
Arte pop
El término 'Pop' apareció impreso por primera vez en un artículo del crítico inglés Lawrence Alloway en 1958, pero el nuevo interés por la cultura popular y el intento de hacer arte a partir de ella fue una característica del Independent Group en Londres desde el principio. 1950. Richard Hamilton , Eduardo Paolozzi y otros discutieron la creciente cultura de masas del cine, la publicidad , la ciencia ficción , el consumismo , los medios y las comunicaciones, el diseño de productos y las nuevas tecnologías originadas en Estados Unidos, pero que ahora se están extendiendo por Occidente. Estaban particularmente fascinados por la publicidad, los gráficos y el diseño de productos, y querían hacer arte y arquitectura que tuvieran un atractivo igualmente seductor. El collage de Hamilton ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? (1956), elaborado a partir de anuncios de revistas estadounidenses, fue el primer trabajo en alcanzar el estatus de icono. La siguiente generación de estudiantes en Londres, incluidos Patrick Caulfield y David Hockney , también incorporó la cultura popular en sus collages y ensamblajes, y en el período comprendido entre 1959 y 1962 alcanzó notoriedad pública.
A principios de 1960, en el Estados Unidos sí mismos, el público vio por primera vez las obras que ya se han hecho famosos: Andy Warhol 's Marilyn Monroe , Roy Lichtenstein ' aceites de cómic s, Claes Oldenburg gigantiv 's de vinilo hamburguesas y conos de helado y desnudos de Tom Wesselmann ambientados en ambientes domésticos que incorporan cortinas de ducha, teléfonos y muebles de baño reales. La atención del público culminó con una gran exposición internacional montada en la Sidney Janis Gallery de Nueva York en 1962. Las obras de artistas británicos, franceses, italianos, suecos y estadounidenses se agruparon en torno a los temas del "objeto cotidiano", los "medios de comunicación de masas" y la "repetición" o "acumulación" de objetos producidos en masa. Fue un momento decisivo. Sidney Janis fue el principal marchante de modernistas europeos de primera línea y expresionistas abstractos , y su exposición consagró la obra como el próximo movimiento histórico del arte que se discutirá y recopilará. [166]
Vi la figura 5 en oro ; por Charles Demuth ; 1928; 90,2 × 76,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Chica ahogada ; por Roy Lichtenstein ; 1963; pintura al óleo y polímero sintético sobre lienzo; 171,6 x 169,5 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
Amor ; por Robert Indiana ; 1966; aluminio pintado; altura: 1,7 m; Shinjuku ( Tokio , Japón) [167]
Finales del siglo XX y principios del XXI
Los rápidos avances en ciencia y tecnología llevaron a finales del período moderno y posmoderno . En estos períodos, el arte y las culturas del mundo sufrieron muchos cambios y hubo una gran mezcla de culturas, ya que las nuevas tecnologías de la comunicación facilitaron la difusión nacional e incluso global de la música, el arte y el estilo. La separación de culturas regionales que había marcado el siglo XIX fue reemplazada por una cultura global. El posmodernismo describe un amplio movimiento que se desarrolló a mediados y finales del siglo XX a través de la filosofía, las artes, la arquitectura y la crítica que marcó un alejamiento del modernismo. [168] [169] [170] Una visión contemporánea del arte posmoderno muestra que puede entenderse como una expansión de los medios basados en la tecnología que permiten múltiples formas nuevas de arte simultáneamente. [171] La transición de los movimientos artísticos lineales de la era moderna de principios del siglo XX a múltiples movimientos simultáneos de la posmodernidad del último siglo XX se muestra en una línea de tiempo del arte y los nuevos medios del siglo XX . [172] Los movimientos artísticos específicos de finales del siglo XX y principios del XXI incluyen land art , videoarte , fotorrealismo , hiperrealismo y arte digital .
Dona i Ocell ; de Joan Miró ; 1983; Parc Joan Miró ( Barcelona , España)
lápices ; de Guerrino Boatto ; 1 de agosto de 1986; acrílico sobre scholler; 70 × 50 cm; Colección privada
Rose ; por Isa Genzken ; 1993; frente a Neue Leipziger Messe ( Leipzig , Alemania)
L'Ange Protecteur ; de Niki de Saint Phalle ; inicio en 1997; Zürich Hauptbahnhof ( Zúrich , Suiza )
Maman ; por Louise Bourgeois ; bronce y vidrio; inicio a fines de la década de 1990; Guggenheim ( Bilbao , España)
León guardián chino ; por Ai Weiwei ; 2014; hielo; Festival Internacional de Cine de Estocolmo 2014
Ver también
- Arte de Europa
- Mercado del arte
- Movimiento artístico
- Periodos de arte
- Arte antiguo
- Historia de la animación
- Historia del arte asiático
- Historia del cine
- Historia de la literatura
- Historia de la musica
- Historia de la pintura
- Historia de la fotografia
- Historia del teatro
- Lista de movimientos artísticos
- Lista de movimientos artísticos franceses
- Lista de estilos musicales
- Cronología de la invención en las artes
- Cronología del arte
- Historia del arte occidental
- Mujeres artistas
Notas
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Otras lecturas
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enlaces externos
- "Arte: la historia de las ideas en la literatura y las artes en la teoría estética y la crítica literaria" - Diccionario de historia de las ideas
- Recursos de historia del arte
- Proyecto Ars Summum
Líneas de tiempo
- Cronología de la historia del arte del Museo Metropolitano de Arte