| Historia del Arte |
| Arte indio |
|---|
| Por religión |
|
| Por período |
|
| Por técnica |
|
| Por localizacion |
|
| Ver también |
|
El arte indio consiste en una variedad de formas de arte, que incluyen pintura , escultura , cerámica y artes textiles como la seda tejida . Geográficamente, se extiende por todo el subcontinente indio , incluyendo lo que ahora es India , Pakistán , Bangladesh , Sri Lanka , Nepal , Bután y el este de Afganistán . Un fuerte sentido del diseño es característico del arte indio y se puede observar en sus formas modernas y tradicionales.
El origen del arte indio se remonta a los asentamientos prehistóricos en el tercer milenio antes de Cristo. En su camino hacia los tiempos modernos, el arte indio ha tenido influencias culturales, así como influencias religiosas como el hinduismo , el budismo , el jainismo , el sijismo y el islam . A pesar de esta compleja mezcla de tradiciones religiosas, en general, el estilo artístico imperante en cualquier época y lugar ha sido compartido por los principales grupos religiosos.
En el arte histórico, la escultura en piedra y metal, principalmente religiosa, ha sobrevivido al clima indio mejor que otros medios y proporciona la mayoría de los mejores restos. Muchos de los hallazgos antiguos más importantes que no están tallados en piedra provienen de las regiones circundantes más secas y no de la propia India. Las tradiciones funerarias y filosóficas de la India excluyen el ajuar funerario , que es la principal fuente de arte antiguo en otras culturas.
Los estilos de los artistas indios históricamente siguieron las religiones indias fuera del subcontinente, teniendo una influencia especialmente grande en el Tíbet , el sudeste asiático y China . El arte indio en sí mismo ha recibido influencias en ocasiones, especialmente de Asia Central e Irán y Europa.
Arte indio temprano [ editar ]
Arte rupestre [ editar ]
El arte rupestre de la India incluye relieves , grabados y pinturas en roca , algunos (pero no todos) de la Edad de Piedra del sur de Asia . Se estima que hay alrededor de 1300 sitios de arte rupestre con más de un cuarto de millón de figuras y figurillas. [1] Los primeros grabados rupestres en la India fueron descubiertos por Archibald Carlleyle , doce años antes de la Cueva de Altamira en España, [2] aunque su trabajo sólo salió a la luz mucho más tarde a través de J Cockburn (1899). [3]
El Dr. VS Wakankar descubrió varios refugios de rocas pintadas en el centro de la India, situados alrededor de la cordillera de Vindhya . De estos, el c. 750 sitios que componen los refugios rocosos de Bhimbetka han sido inscritos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO ; las pinturas más antiguas tienen unos 10.000 años. [4] [5] [6] [7] [8] Las pinturas en estos sitios comúnmente representaban escenas de la vida humana junto a animales y cacerías con implementos de piedra. Su estilo variaba según la región y la edad, pero la característica más común era un lavado rojo elaborado con un mineral en polvo llamado geru , que es una forma de óxido de hierro ( hematita ). [9]
Civilización del valle del Indo ( c. 3300 a . C. - c. 1750 a . C. ) [ editar ]
A pesar de su generalización y sofisticación, la civilización del valle del Indo parece no haberse interesado en el arte público a gran escala, a diferencia de muchas otras civilizaciones tempranas. Varias figuras de oro, terracota y piedra de niñas en poses de baile revelan la presencia de algunas formas de danza . Además, las figuras de terracota incluían vacas, osos, monos y perros.
La forma más común de arte figurativo que se encuentra son los pequeños sellos tallados . Se han recuperado miles de sellos de esteatita y su carácter físico es bastante consistente. En tamaño que van desde 3 / 4 de pulgada a 1 1 / 2 pulgadas cuadradas. En la mayoría de los casos, tienen un saliente perforado en la parte posterior para acomodar un cordón para manipularlo o para usarlo como adorno personal. Se han encontrado sellos en Mohenjo-Daro que representan una figura de pie sobre su cabeza, y otra, en el sello Pashupati , sentada con las piernas cruzadas en una pose de yoga . Esta figura ha sido identificada de diversas formas. Sir John Marshallidentificó un parecido con el dios hindú Shiva . [10]
El animal representado en la mayoría de las focas en los sitios del período de madurez no se ha identificado claramente. Parte toro, parte cebra, con un cuerno majestuoso, ha sido fuente de especulaciones. Hasta el momento, no hay pruebas suficientes para sustentar las afirmaciones de que la imagen tenía un significado religioso o de culto, pero la prevalencia de la imagen plantea la cuestión de si los animales en las imágenes de la IVC son o no símbolos religiosos. [11] La pieza más famosa es la bailarina de bronce de Mohenjo-Daro , que muestra un modelado notablemente avanzado de la figura humana para esta fecha temprana. [12]
Después del final de la civilización del valle del Indo, hay una sorprendente ausencia de arte de gran grado de sofisticación hasta la era budista. Se cree que esto refleja en parte el uso de materiales orgánicos perecederos como la madera. [13]
Período védico [ editar ]
El milenio que siguió al colapso de la civilización del valle del Indo , coincidiendo con la migración indo-aria durante el período védico , está desprovisto de representaciones antropomórficas. [14] Se ha sugerido que la religión védica primitiva se centró exclusivamente en la adoración de puramente "fuerzas elementales de la naturaleza por medio de elaborados sacrificios", que no se prestaban fácilmente a representaciones antropomorfológicas. [15] [16] Varios artefactos pueden pertenecer a la Cultura del Tesoro de Cobre (segundo milenio EC), algunos de ellos sugiriendo características antropomorfológicas. [17]Las interpretaciones varían en cuanto al significado exacto de estos artefactos, o incluso la cultura y la periodización a la que pertenecían. [17] Algunos ejemplos de expresión artística también aparecen en diseños de cerámica abstracta durante la cultura de la cerámica negra y roja (1450-1200 a. C.) o la cultura de la cerámica pintada de gris (1200-600 a. C.), con hallazgos en un área amplia, incluida la zona. de Mathura. [17]
Después de un lapso de aproximadamente mil años, la mayoría de los primeros hallazgos corresponden a lo que se llama el "segundo período de urbanización" a mediados del primer milenio antes de Cristo. [17] La representación antropomórfica de varias deidades aparentemente comenzó a mediados del primer milenio a. C., posiblemente como consecuencia de la afluencia de estímulos extranjeros iniciada con la conquista aqueménida del valle del Indo y el surgimiento de religiones locales alternativas que desafían al vedismo . como el budismo , el jainismo y los cultos populares locales. [14]
Arte Maurya ( c. 322 a . C. - c. 185 a . C. ) [ editar ]
El Imperio Maurya del norte de la India floreció desde el 322 a. C. hasta el 185 a. C., y en su máxima extensión controló todo el subcontinente, excepto el extremo sur, así como las influencias de las antiguas tradiciones indias y la antigua Persia , [18] como lo muestra Pataliputra. capital .
El emperador Ashoka , que murió en 232 a. C., adoptó el budismo aproximadamente a la mitad de su reinado de 40 años y patrocinó varias estupas grandes en sitios clave de la vida de Buda , aunque muy poca decoración del período Maurya sobrevive, y allí puede que no haya sido mucho en primer lugar. Hay más de varios sitios tempranos de arquitectura india excavada en la roca .
Las supervivencias más famosas son los animales grandes que superan varios de los pilares de Ashoka , que mostraron un estilo y una artesanía seguros y audazmente maduros y la primera fundición de hierro de su tipo sin óxido hasta la fecha, que estaba en uso por personas védicas en las zonas rurales de la región. país, aunque tenemos muy pocos restos que muestren su desarrollo. [19] La famosa capital de los leones independiente de Ashoka , con cuatro animales, fue adoptada como el emblema oficial de la India después de la independencia de la India . [20] La escultura y la arquitectura de Maurya se caracterizan por un pulido Maurya muy fino dado a la piedra, que rara vez se encuentra en períodos posteriores.
Muchas pequeñas estatuillas populares de terracota se recuperan en arqueología, en una variedad de estilos a menudo vigorosos aunque algo toscos. Se encuentran tanto animales como figuras humanas, generalmente hembras que se presumen deidades. [21]
Estatuas colosales de Yaksha (siglo II a. C.) [ editar ]
Los yakshas parecen haber sido objeto de un culto importante en los primeros periodos de la historia india, muchos de ellos siendo conocidos como Kubera , rey de los yakshas, Manibhadra o Mudgarpani . [23] Los Yakshas son una amplia clase de espíritus de la naturaleza, generalmente benévolos, pero a veces traviesos o caprichosos, relacionados con el agua, la fertilidad, los árboles, el bosque, el tesoro y la naturaleza, [24] [25] y fueron objeto de comentarios populares Adoración. [26] Muchos de ellos se incorporaron más tarde al budismo, el jainismo o el hinduismo. [23]
En el siglo II a. C., los yakshas se convirtieron en el centro de la creación de colosales imágenes de culto, por lo general de alrededor de 2 metros o más de altura, que se consideran probablemente las primeras producciones antropomórficas indias en piedra. [27] [23] Aunque pocas estatuas antiguas de Yaksha permanecen en buenas condiciones, el vigor del estilo ha sido aplaudido y expresa cualidades esencialmente indias. [27] A menudo son barrigones, de dos brazos y de aspecto feroz. [23] Los Yashas a menudo se representan con armas o atributos, como el Yaksha Mudgarpani que en la mano derecha sostiene una maza de barro , y en la mano izquierda la figura de un pequeño devoto de pie o un niño que se da la mano en oración. [28][23] A menudo se sugiere que el estilo de la colosal estatuaria Yaksha tuvo una influencia importante en la creación de imágenes divinas y figuras humanas posteriores en la India. [29] El equivalente femenino de las Yashas eran las Yashinis , a menudo asociadas con árboles y niños, y cuyas voluptuosas figuras se volvieron omnipresentes en el arte indio. [23]
Se ha sugerido alguna influencia helenística , como los pliegues geométricos de las cortinas o la postura al caminar de las estatuas. [27] Según John Boardman , el dobladillo del vestido en las estatuas monumentales tempranas de Yaksha se deriva del arte griego. [27] Al describir las cortinas de una de estas estatuas, John Boardman escribe: "No tiene antecedentes locales y se parece más a un manierismo arcaico tardío griego", y sugiere que posiblemente se deriva del arte helenístico de la cercana Bactria, donde se encuentra este diseño. conocido. [27]
En la producción de colosales estatuas de Yaksha talladas en círculo, que se pueden encontrar en varios lugares del norte de la India, el arte de Mathura se considera el más avanzado en calidad y cantidad durante este período. [30]
Arte budista ( c. 150 a . C. - c. 500 d. C. ) [ editar ]
Las principales supervivencias del arte budista comienzan en el período posterior a los maurianos, del que sobreviven buenas cantidades de escultura. Algunos sitios clave son Sanchi , Bharhut y Amaravati , algunos de los cuales permanecen in situ , y otros en museos de la India o de todo el mundo. Las estupas estaban rodeadas por cercas ceremoniales con cuatro toranas profusamente talladas o portales ornamentales que miraban hacia las direcciones cardinales. Son en piedra, aunque adoptan claramente formas desarrolladas en madera. Ellos y las paredes de la estupa en sí pueden estar fuertemente decorados con relieves, que ilustran principalmente la vida del Buda. Gradualmente se esculpieron figuras de tamaño natural, inicialmente en relieve profundo, pero luego independientes. [32] Mathurafue el centro más importante en este desarrollo, que se aplicó al arte hindú y jainista, así como al budista. [33] Las fachadas e interiores de las salas de oración chaitya excavadas en la roca y las viharas monásticas han sobrevivido mejor que las estructuras independientes similares en otros lugares, que durante mucho tiempo fueron principalmente de madera. Las cuevas de Ajanta , Karle , Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores, como figuras icónicas de Buda y bodhisattvas , que no se encuentran antes del año 100 EC como mínimo.
El budismo desarrolló un énfasis creciente en las estatuas de Buda, que estuvo muy influenciado por el arte figurativo religioso hindú y jainista.Las figuras de este período también fueron influenciadas por el arte greco-budista de los siglos posteriores a las conquistas de Alejandro Magno . Esta fusión se desarrolló en el extremo noroeste de la India, especialmente en Gandhara en los modernos Afganistán y Pakistán . [34] El Imperio indio Kushan se extendió desde Asia Central para incluir el norte de la India en los primeros siglos EC, y encargó brevemente grandes estatuas que eran retratos de la dinastía real. [35]
Dinastía Shunga (c. 185 a. C. - 72 a. C.) [ editar ]
Con la caída del Imperio Maurya, el control de la India se devolvió a la antigua costumbre de las dinastías regionales, una de las más importantes de las cuales fue la dinastía Shunga (c. 185 a. C. - 72 a. C.) de la India central. Durante este período, así como durante la dinastía Satavahana, que ocurrió al mismo tiempo que la dinastía Shunga en el sur de la India, se crearon algunas de las primeras arquitecturas budistas más importantes. Podría decirse que la arquitectura más significativa de esta dinastía es la estupa, un monumento religioso que suele contener una reliquia sagrada del budismo. Estas reliquias a menudo, pero no siempre, estaban conectadas directamente de alguna manera con el Buda. Debido al hecho de que estas estupas contenían restos del propio Buda, cada estupa fue venerada como una extensión del cuerpo del Buda, su iluminación y su logro del nirvana.La forma en que los budistas veneran la estupa es caminar alrededor de ella en el sentido de las agujas del reloj.[36]
Uno de los ejemplos más notables de la estupa budista de la dinastía Shunga es la Gran Estupa de Sanchi, que se cree que fue fundada por el emperador Mauryan Ashoka c. 273 a. C. - 232 a. C. durante el Imperio Maurya. [37] La Gran Estupa se amplió a su diámetro actual de 120 pies, se cubrió con una carcasa de piedra, se coronó con un balcón y una sombrilla, y se rodeó con una barandilla de piedra durante la dinastía Shunga c. 150 a. C. - 50 a. C.
Además de la arquitectura, otra forma de arte importante de la dinastía Shunga son las placas de terracota elaboradamente moldeadas. Como se vio en ejemplos anteriores del Imperio Maurya, un estilo en el que los detalles superficiales, la desnudez y la sensualidad continúan en las placas de terracota de la dinastía Shunga. Las representaciones figurativas más comunes que se ven en estas placas son mujeres, algunas de las cuales se cree que son diosas, que en su mayoría se muestran con el torso desnudo y tocados elaborados. [38]
Dinastía Satavahana (c. Siglo I / III a. C. - c. Siglo III d. C.) [ editar ]
La dinastía Satavahana gobernó en el centro de la India y patrocinó muchos grandes monumentos budistas, estupas , templos y salas de oración, incluida la estupa Amaravati , las cuevas de Karla y la primera fase de las cuevas de Ajanta . [39]
Las estupas son monumentos religiosos construidos sobre túmulos funerarios, que contienen reliquias debajo de una cúpula sólida. Las estupas en diferentes áreas de la India pueden variar en estructura, tamaño y diseño; sin embargo, sus significados representativos son bastante similares. Están diseñados en base a un mandala , un gráfico del cosmos específico del budismo. Una estupa tradicional tiene una barandilla que proporciona un camino sagrado para que los seguidores budistas practiquen la circunvalación devocional en entornos rituales. Además, los antiguos indios consideraban las cuevas como lugares sagrados ya que estaban habitadas por santos y monjes. Se construyó un chaitya a partir de una cueva. [36]
Las esculturas en relieve de figuras budistas y epígrafes escritos en caracteres Brahmi se encuentran a menudo en lugares divinos específicos del budismo. [40] Para celebrar lo divino, la gente de Satavahana también hizo imágenes de piedra como decoración en las arquitecturas budistas. Basándose en el conocimiento de la geometría y la geología, crearon imágenes ideales utilizando un conjunto de técnicas y herramientas complejas como cinceles, martillos y brújulas con puntas de hierro. [41]
Además, las delicadas monedas Satavahana muestran la capacidad de crear arte en ese período. Los Satavahanas emitieron monedas principalmente de cobre, plomo y marihuana . Posteriormente, se empezó a utilizar la plata para la producción de monedas. Las monedas suelen tener retratos detallados de gobernantes e inscripciones escritas en el idioma tamil y telugu . [40]
Imperio Kushan (c. 30 d. C. - c. 375 d. C.) [ editar ]
Establecido oficialmente por Kujula Kadphises , el primer emperador Kushan que unió a las tribus Yuezhi , el imperio Kushan era un imperio sincrético en el centro y sur de Asia, incluidas las regiones de Gandhara y Mathura en el norte de la India. Desde el 127 al 151 d.C., Gandharan alcanzó su punto máximo bajo el reinado de Kanishka el Grande . En este período, el arte Kushan heredó el arte greco-budista . [42] El budismo Mahayana floreció y las representaciones de Buda como forma humana aparecieron por primera vez en el arte. Con una túnica de monje y una larga tela sobre el hombro izquierdo y alrededor del cuerpo, el Buda fue representado con 32 grandeslakshanas (marcas distintivas), que incluyen un cuerpo de color dorado, una ushnisha (una protuberancia) en la parte superior de la cabeza, aretes pesados, lóbulos de las orejas alargados, brazos largos, la impresión de un chakra (rueda) en las palmas de las manos y las plantas de los pies y la urna (una marca entre las cejas). [36] Uno de los sellos distintivos del arte de Gandhara es su relación con el naturalismo del arte helenístico.. Las características naturalistas que se encuentran en las esculturas de Gandhara incluyen el tratamiento tridimensional de las cortinas, con pliegues irregulares que tienen patrones realistas de forma y grosor aleatorios. La forma física del Buda y sus bodhisattvas es bien definida, sólida y musculosa, con el pecho, los brazos y el abdomen hinchados. [43] El budismo y el arte del budismo se extendieron a Asia Central y el Lejano Oriente a través de Bactria y Sogdia , donde el Imperio Kushan se encontró con la Dinastía Han de China. [44]
Arte Gupta ( c. 320 d. C. - c. 550 d. C. ) [ editar ]
El período Gupta se considera generalmente como un pico clásico del arte del norte de la India para todos los principales grupos religiosos. Aunque la pintura estaba evidentemente muy extendida y sobrevive en las cuevas de Ajanta , las obras que se conservan son casi todas esculturas religiosas. El período vio el surgimiento de la deidad icónica de piedra tallada en el arte hindú, así como la figura de Buda y las figuras tirthankara de Jain , estas últimas a menudo a gran escala. Los principales centros de escultura fueron Mathura Sarnath y Gandhara , el último el centro del arte greco-budista .
El período Gupta marcó la "edad de oro" del hinduismo clásico, [45] y vio la arquitectura de templos hindúes construidos más temprano , aunque las supervivencias no son numerosas.
- Arte Gupta durante la Edad de Oro de la India
Buda sentado , siglo V d.C., Museo Sarnath
Mahishasuramardini , Templo Dashavatara
Krishna matando al demonio caballo Keshi , c. Siglo V d.C. Museo Metropolitano de Arte
Pilar de hierro de Delhi conocido por su composición de metales resistente a la oxidación, c. Siglos III-IV d.C.
Reinos medios y el período medieval tardío ( c. 600 d. C. - c. 1300 d. C. )[ editar ]
Durante este período, la arquitectura de los templos hindúes maduró en varios estilos regionales, y una gran proporción del registro histórico del arte para este período consiste en la escultura del templo, gran parte de la cual permanece en su lugar. La historia política de los reinos intermedios de la India vio a la India dividida en muchos estados, y dado que gran parte del edificio más grandioso fue encargado por los gobernantes y su corte, esto ayudó al desarrollo de diferencias regionales. La pintura, tanto a gran escala en las paredes como en formas en miniatura, fue sin duda una práctica muy extendida, pero las supervivencias son raras. Los bronces medievales han sobrevivido con mayor frecuencia desde el sur de Tamil o las estribaciones del Himalaya.
Dinastías del sur de la India ( c. Siglo III d. C. - c. 1300 d. C. ) [ editar ]
Las inscripciones en los pilares de Ashoka mencionan la coexistencia de los reinos del norte con el triunvirato de las dinastías Chola , Chera y Pandya Tamil , situadas al sur de las montañas Vindhya . [46] El período medieval fue testigo del ascenso y caída de estos reinos, junto con otros reinos de la zona. Es durante el declive y resurgimiento de estos reinos que se renovó el hinduismo . Fomentó la construcción de numerosos templos y esculturas.
- Arte del sur de la India
Cueva 3 en los templos de la cueva de Badami (principios de la dinastía Chalukya , c. Siglo VI d.C. )
Templo de la costa de Mamallapuram ( dinastía Pallava , 700–728 d. C.)
Juventud en un estanque de lotos, fresco en el techo de Sittanvasal , 850 d.C.
Escultura de bronce de Chola de Shiva como Nataraja , el Señor de la Danza
El Templo Shore en Mamallapuram construido por los Pallavas simboliza la arquitectura hindú temprana , con su relieve de roca monolítica y esculturas de deidades hindúes. Fueron sucedidos por gobernantes de Chola que fueron prolíficos en su búsqueda de las artes . Los grandes templos vivientes de Chola de este período son conocidos por su madurez, grandeza y atención al detalle, y han sido reconocidos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO . [47] El período Chola también es conocido por sus esculturas de bronce, la técnica de fundición a la cera perdida y pinturas al fresco . Gracias a los reyes hindúes delLa dinastía Chalukya , el jainismo floreció junto con el Islam, como lo demuestra el cuarto de los templos de la cueva de Badami que es jainista en lugar de védico . Los reinos del sur de la India continuaron gobernando sus tierras hasta las invasiones musulmanas que establecieron sultanatos allí y destruyeron gran parte de los templos y maravillaron ejemplos de arquitecturas y esculturas.
Templos de Khajuraho ( c. 800 d. C. - c. 1000 d. C. ) [ editar ]
Reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO , [48] el grupo de monumentos Khajuraho fue construido por el clan Chandela de las dinastías Rajput . Aparte de los templos hindúes habituales, el 10% de las esculturas representan cuerpos retorcidos de hombres y mujeres que arrojan luz sobre las prácticas socioculturales y religiosas cotidianas en la India medieval . Desde su descubrimiento, el grado de sexualidad representado en estas esculturas ha suscitado críticas tanto negativas como positivas por parte de los estudiosos. [49] [50] [ necesita cotización para verificar ]
Los templos de Khajuraho estuvieron en uso activo bajo los reinos hindúes, hasta el establecimiento de los Sultanatos de Delhi en el siglo XIII. Bajo el dominio musulmán hasta el siglo XVIII, muchos de los monumentos de Khajuraho fueron destruidos, pero aún quedan algunas ruinas.
Deccan [ editar ]
Otros estados hindúes ahora se conocen principalmente a través de sus templos sobrevivientes y su escultura adjunta. Estos incluyen la arquitectura Badami Chalukya (siglos V al VI), la arquitectura occidental Chalukya (siglos XI al XII) y la arquitectura Hoysala (siglos XI al XIV), todas centradas en el Karnataka moderno .
En el este de la India, Odisha y Bengala Occidental , la arquitectura de Kalinga era el estilo de templo amplio, con variantes locales, antes de la conquista musulmana.
Era moderna y colonial temprana ( c. 1400 d. C. - c. 1800 d. C. )[ editar ]
Arte mogol [ editar ]
Aunque las conquistas islámicas en la India se realizaron ya en la primera mitad del siglo X, no fue hasta el Imperio mogol que se observa a los emperadores con un patrocinio de las bellas artes. El emperador Humayun , durante su restablecimiento del Sultanato de Delhi en 1555, trajo consigo a Mir Sayyid Ali y Abd al-Samad , dos de los mejores pintores del renombrado taller del persa Shah Tahmasp .
Durante el reinado de Akbar (1556-1605), el número de pintores creció de alrededor de 30 durante la creación del Hamzanama a mediados de la década de 1560, a alrededor de 130 a mediados de la década de 1590. [51] Según el historiador de la corte Abu'l-Fazal , Akbar se ocupó de su interés por las artes, inspeccionando a sus pintores con regularidad y recompensando a los mejores. [52] Es durante este tiempo que los artistas persas se sintieron atraídos por llevar su estilo único al imperio. Los elementos indios estuvieron presentes en sus obras desde el principio, con la incorporación de la flora y fauna local de la India que de otra manera estaban ausentes del estilo tradicional persa. Las pinturas de esta época reflejaron la vitalidad y la inclusión del reino de Akbar, con la producción deMiniaturas persas , las pinturas de Rajput (incluida la escuela Kangra ) y el estilo Pahari del norte de la India. También influyeron en las acuarelas de estilo de la Compañía creadas durante el dominio británico muchos años después.
- Arte mogol del norte de la India (anterior a 1600) y sus influencias
Arghan Div trae el cofre de armadura a Hamza , del Volumen 7 del Hamzanama , supervisado por Samad , ca. 1562-1577. Acuarela opaca y oro sobre algodón.
Abu'l-Fazl presenta a Akbarnama a Akbar . Miniatura de Mughal.
Krishna tocando la flauta, ca. 1790-1800, región de Guler / Kangra . Acuarela opaca y oro sobre papel.
Jama Masjid , Delhi, Willam Carpenter , 1852. Acuarela.
Con la muerte de Akbar, su hijo Jahangir (1605-1627) tomó el trono. Prefería que cada pintor trabajara en una sola pieza en lugar de la colaboración fomentada durante la época de Akbar. Este período marca el surgimiento de distintos estilos individuales, en particular Bishan Das , Manohar Das , Abu al-Hasan , Govardhan y Daulat. [53] El propio Jahangir tenía la capacidad de identificar el trabajo de cada artista individual, incluso si el trabajo no tenía nombre. El Razmnama (traducción persa de la epopeya hindú Mahabharata ) y una memoria ilustrada de Jahangir, llamada Tuzuk-i Jahangiri, fueron creados bajo su gobierno. Jahangir fue sucedido por Shah Jahan (1628-1658), cuya contribución arquitectónica más notable es el Taj Mahal . Las pinturas bajo su gobierno fueron más formales, con escenas de la corte, en contraste con los estilos personales de la época de su predecesor. Aurangzeb (1658-1707), que tenía creencias sunitas cada vez más ortodoxas, tomó por la fuerza el trono de su padre Shah Jahan. Con la prohibición de la música y la pintura en 1680, su reinado vio el declive del patrocinio de las artes de Mughal.
A medida que la pintura declinó en la corte imperial, los artistas y la influencia general de la pintura mogol se extendieron a las cortes principescas y las ciudades del norte de la India, donde tanto el retrato, la ilustración de las epopeyas indias como la pintura religiosa hindú se desarrollaron en muchas escuelas y estilos locales. Entre ellas destacan las escuelas de pintura Rajput , Pahari , Deccan , Kangra .
- Arte mogol del norte de la India (posterior a 1600)
Jahangir en Darbar, del Jahangir-nama , c. 1620. Gouache sobre papel.
Retrato del emperador Shah Jahan , entronizado. California. siglo 17.
Taj Mahal
Una escena de durbar con el emperador recién coronado Aurangzeb.
Otros reinos indios medievales [ editar ]
El último imperio en el sur de la India ha dejado restos espectaculares de la arquitectura de Vijayanagara , especialmente en Hampi, Karnataka , a menudo muy decorada con esculturas. Estos desarrollaron la tradición Chola. Después de la conquista de Mughal, la tradición del templo continuó desarrollándose, principalmente en la expansión de los templos existentes, que agregaron nuevos muros exteriores con gopurams cada vez más grandes , a menudo empequeñeciendo los edificios más antiguos en el centro. Por lo general, estos se cubrieron densamente con estatuas de yeso de deidades y otras figuras religiosas, que necesitan que su pintura de colores brillantes se mantenga renovada a intervalos para que no se erosionen.
En el centro-sur de la India, a finales del siglo XV después de los reinos medios, el sultanato de Bahmani se desintegró en los sultanatos de Deccan centrados en Bijapur , Golconda , Ahmadnagar , Bidar y Berar . Utilizaron técnicas védicas de fundición de metales, tallado en piedra y pintura, así como un estilo arquitectónico distintivo con la adición de ciudadelas y tumbas de la arquitectura mogol. Por ejemplo, la dinastía Baridi (1504-1619) de Bidar vio la invención de bidri ware, que fue adoptado de los pilares ashoka de zinc de los períodos védico y Maurya mezclados con cobre, estaño y plomo e incrustados con plata o latón, luego cubiertos con una pasta de barro que contiene sal amoniacal , que volvió negro el metal base, resaltando el color y el brillo del metal con incrustaciones. Solo después de la conquista mogol de Ahmadnagar en 1600, la influencia persa patrocinada por los mogoles turco-mongoles comenzó a afectar el arte de Deccan.
- Arte Deccan del centro-sur de la India
La mezquita de Char Minar en Hyderabad . Terminado en 1591
Base de tubería de agua Bidriware , c. siglo 18. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
El mausoleo de Gol Gumbaz en Bijapur , Karnataka . Terminado en 1656
Retrato de Abu'l Hasan , el último sultán de Golconda, c. finales del siglo XVII-principios del siglo XVIII
Chand Bibi hawking, una pintura de Deccan del siglo XVIII, gouache realzado con oro sobre papel
Período británico (1841-1947) [ editar ]
El dominio colonial británico tuvo un gran impacto en el arte indio, especialmente a partir de mediados del siglo XIX. Muchos antiguos mecenas del arte se volvieron menos ricos e influyentes, y el arte occidental se volvió más omnipresente a medida que el Imperio Británico estableció escuelas de arte en las principales ciudades. El más antiguo, el Government College of Fine Arts, Chennai , se estableció en 1850. En las principales ciudades con muchos europeos, el estilo de las pequeñas pinturas de la Compañía se volvió común, creado por artistas indios que trabajaban para los patrocinadores europeos de la Compañía de las Indias Orientales . El estilo utilizó principalmente la acuarela, para transmitir texturas y tonos suaves, en un estilo que combina influencias de los estampados occidentales y la pintura mogol. [54] Hacia 1858, el gobierno británico asumió la tarea de administrar la India bajo el Raj británico . Muchos encargos de príncipes indios eran ahora total o parcialmente de estilo occidental, o la arquitectura híbrida indo-sarracena . La fusión de las tradiciones indias con el estilo europeo en este momento es evidente en las pinturas al óleo de Raja Ravi Varma de mujeres vestidas con sari de una manera elegante.
- Arte indio anterior a la independencia
Pintura de la compañía de Dip Chand ( c. 1760 - c. 1764 ) que representa a un funcionario de la Compañía de las Indias Orientales , quizás William Fullerton de Rosemount, cirujano y alcalde de Calcuta en 1757
Tipu's Tiger , un autómata del siglo XVIII con su teclado visible. Victoria and Albert Museum , Londres.
Shakuntala por Raja Ravi Varma (1870). Óleo sobre lienzo.
Reina de Asoka por Abanindranath Tagore ( c. 1910 ). Cromoxilografía.
Con el movimiento Swadeshi ganando impulso en 1905, los artistas indios intentaron resucitar las identidades culturales suprimidas por los británicos, rechazando el estilo romántico de las pinturas de la Compañía y el trabajo amanerado de Raja Ravi Varma y sus seguidores. Así se creó lo que hoy se conoce como la Escuela de Arte de Bengala , liderada por los estilos asiáticos reelaborados (con énfasis en el nacionalismo indio) de Abanindranath Tagore (1871-1951), a quien se ha referido como el padre del arte indio moderno. [55] Otros artistas de la familia Tagore, como Rabindranath Tagore (1861-1941) y Gaganendranath Tagore (1867-1938), así como nuevos artistas de principios del siglo XX comoAmrita Sher-Gil (1913-1941) fue la responsable de introducir los estilos occidentales de vanguardia en el arte indio. Muchos otros artistas como Jamini Roy y más tarde SH Raza se inspiraron en las tradiciones populares . En 1944, KCS Paniker fundó la Asociación de Pintores Progresistas (PPA) dando lugar así al "movimiento de madras" en el arte. [56]
Arte contemporáneo ( c. 1900 d.C.- presente)[ editar ]
En 1947, India se independizó del dominio británico. Un grupo de seis artistas - KH Ara , SK Bakre , HA Gade , MF Husain , SH Raza y Francis Newton Souza - fundaron el Bombay Progressive Artists 'Group en el año 1952, para establecer nuevas formas de expresar la India en la era poscolonial. . Aunque el grupo se disolvió en 1956, tuvo una gran influencia en el cambio del idioma del arte indio. Casi todos los artistas principales de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que son muy conocidos hoy en día son Bal Chabda, Manishi Dey , VS Gaitonde, Krishen Khanna , Ram Kumar, Tyeb Mehta , KG Subramanyan , A. Ramachandran , Devender Singh , Akbar Padamsee, John Wilkins , Himmat Shah y Manjit Bawa . [57] El arte indio actual es tan variado como nunca antes. Entre los artistas más conocidos de la nueva generación se encuentran Bose Krishnamachari y Bikash Bhattacharjee . Otro destacado modernista paquistaní fue Ismail Gulgee , quien después de aproximadamente 1960 adoptó un idioma abstracto que combina aspectos de la caligrafía islámica con un expresionista abstracto (o abstraccionista gestual) sensibilidad.
La pintura y la escultura siguieron siendo importantes en la última mitad del siglo XX, aunque en el trabajo de artistas destacados como Nalini Malani , Subodh Gupta , Narayanan Ramachandran , Vivan Sundaram , Jitish Kallat , a menudo encontraron nuevas direcciones radicales. Bharti Dayal ha elegido manejar la pintura tradicional de Mithila de la manera más contemporánea y creó su propio estilo a través de los ejercicios de su propia imaginación, parecen frescos e inusuales.
El aumento del discurso sobre el arte indio, tanto en inglés como en lenguas indígenas vernáculas, cambió la forma en que se percibía el arte en las escuelas de arte. El enfoque crítico se volvió riguroso; críticos como Geeta Kapur , R. Siva Kumar , [58] [59] Shivaji K. Panikkar , Ranjit Hoskote , entre otros, contribuyeron a repensar la práctica del arte contemporáneo en la India.
Historia material del arte indio [ editar ]
Escultura [ editar ]
La primera escultura conocida en el subcontinente indio es de la civilización del valle del Indo (3300-1700 a. C.), que se encuentra en los sitios de Mohenjo-daro y Harappa en el Pakistán actual . Estos incluyen al famoso pequeño bailarín de bronce. Sin embargo, estas figuras de bronce y piedra son raras y superadas en número por las figurillas de cerámica y los sellos de piedra, a menudo de animales o deidades muy finamente representados. Después del colapso de la civilización del valle del Indo, hay pocos registros de escultura hasta la era budista, aparte de un tesoro de figuras de cobre de (algo controvertido) c. 1500 a. C. de Daimabad . [60] Por lo tanto, la gran tradición de la escultura monumental india en piedra parece comenzar relativamente tarde, con el reinado de Ashoka de 270 a 232 a. C., y los pilares de Ashoka que erigió alrededor de la India, llevando sus edictos y coronados por famosas esculturas de animales, en su mayoría leones. , de los cuales seis sobreviven. [61] Grandes cantidades de esculturas figurativas, en su mayoría en relieve, sobreviven de las estupas de peregrinación budistas tempranas, sobre todo Sanchi ; estos probablemente se desarrollaron a partir de una tradición que utiliza madera. [62] De hecho, la madera siguió siendo el principal medio escultórico y arquitectónico en Kerala durante todos los períodos históricos hasta las últimas décadas. [63]
Durante el siglo II al I a.C. en el extremo norte de la India , en el arte greco-budista de Gandhara de lo que ahora es el sur de Afganistán y el norte de Pakistán , las esculturas se volvieron más explícitas, representando episodios de la vida y las enseñanzas de Buda. Aunque la India tenía una larga tradición escultórica y un dominio de la rica iconografía, el Buda nunca fue representado en forma humana antes de esta época, sino solo a través de algunos de sus símbolos. Esto puede ser debido Gandharan escultura budista en Afganistán moderno muestra griega y persainfluencia artística. Artísticamente, se dice que la escuela de escultura de Gandhara contribuyó con cabello ondulado, cortinas que cubrían ambos hombros, zapatos y sandalias, decoraciones con hojas de acanto, etc.
Las esculturas hindúes, jainistas y budistas de arenisca rosa de Mathura de los siglos I al III d.C. reflejaron tanto las tradiciones indias nativas como las influencias occidentales recibidas a través del arte greco-budista de Gandhara, y establecieron efectivamente las bases para la posterior escultura religiosa india. [62] El estilo se desarrolló y difundió en la mayor parte de la India bajo el Imperio Gupta (c. 320-550), que sigue siendo un período "clásico" para la escultura india, que cubre las cuevas de Ellora anteriores , [64] aunque las cuevas de Elefanta son probablemente un poco más tarde. [sesenta y cinco] La escultura posterior a gran escala sigue siendo casi exclusivamente religiosa, y en general bastante conservadora, a menudo volviendo a simples poses frontales para las deidades, aunque los espíritus asistentes como apsaras y yakshi a menudo tienen poses sensualmente curvas. La talla suele ser muy detallada, con un intrincado respaldo detrás de la figura principal en alto relieve. Los célebres bronces a la cera perdida de la dinastía Chola (c. 850-1250) del sur de la India , muchos diseñados para ser llevados en procesiones, incluyen la forma icónica de Shiva como Nataraja , [66] con las enormes tallas de granito de Mahabalipuram que datan del anterior Pallavadinastía. [67] El período Chola también es notable por sus esculturas y bronces. [68] Entre los especímenes existentes en los diversos museos del mundo y en los templos del sur de la India se pueden ver muchas figuras hermosas de Siva en diversas formas, Vishnu y su esposa Lakshmi , santos de Siva y muchos más. [69]
Pintura mural [ editar ]
La tradición y los métodos de la pintura de acantilados de la India evolucionaron gradualmente a lo largo de muchos miles de años: se encuentran múltiples lugares con arte prehistórico. Las primeras cuevas incluían rocas colgantes decoradas con arte tallado en roca y el uso de cuevas naturales durante el período Mesolítico (6000 a. C.). Su uso ha continuado en algunas áreas en tiempos históricos. [70] Los refugios rocosos de Bhimbetka se encuentran en el borde de la meseta de Deccan, donde la profunda erosión ha dejado enormes afloramientos de arenisca . Las muchas cuevas y grutas que se encuentran allí contienen herramientas primitivasy pinturas rupestres decorativas que reflejan la antigua tradición de interacción humana con su paisaje, interacción que continúa hasta nuestros días. [71]
Los frescos más antiguos que se conservan del período histórico se han conservado en las Cuevas de Ajanta, y la Cueva 10 tiene algunos del siglo I d.C., aunque los grupos más grandes y famosos son del siglo V. A pesar de las condiciones climáticas que tienden a actuar en contra de la supervivencia de pinturas más antiguas, en total se conocen más de 20 lugares en la India con pinturas y rastros de pinturas antiguas de la antigüedad y principios de la Edad Media (hasta los siglos VIII al X d.C.), [ 72] aunque estos son solo una pequeña fracción de lo que alguna vez hubiera existido. Los frescos más importantes del período antiguo y medieval temprano se encuentran en las cuevas de Ajanta, Bagh , Ellora y Sittanavasal , siendo el últimoJain de los siglos VII-X. Aunque muchos muestran evidencia de haber sido utilizados principalmente por artistas para decorar palacios, no sobreviven pinturas murales seculares tempranas. [73]
Las pinturas al fresco de Chola fueron descubiertas en 1931 dentro del pasaje circumambulatorio del Templo Brihadisvara en Thanjavur , Tamil Nadu , y son los primeros especímenes de Chola descubiertos. Los investigadores han descubierto la técnica utilizada en estos frescos. Se aplica una masa suave de mezcla de piedra caliza sobre las piedras, que tardó de dos a tres días en fraguar. En ese breve lapso, se pintaron cuadros tan grandes con pigmentos orgánicos naturales. Durante el período Nayak se repintaron las pinturas de Chola. Los frescos de Chola que yacen debajo tienen un ardiente espíritu de saivismo que se expresa en ellos. Probablemente se sincronizaron con la finalización del templo por Rajaraja Cholan el Grande.
La pintura mural de Kerala tiene frescos o murales o pinturas murales bien conservados en las paredes de los templos en Pundarikapuram, Ettumanoor y Aymanam y en otros lugares.
Pintura en miniatura [ editar ]
Aunque pocas miniaturas indias sobreviven antes de aproximadamente el año 1000 d.C., y algunas de los siguientes siglos, probablemente hubo una tradición considerable. Los que sobreviven son inicialmente ilustraciones de textos budistas, seguidos más tarde por equivalentes jainistas e hindúes, y el declive del budismo, así como el material de apoyo vulnerable del manuscrito de hoja de palma, probablemente explique la rareza de los primeros ejemplos. [74]
La pintura mogol en miniaturas sobre papel se desarrolló muy rápidamente a finales del siglo XVI a partir de la influencia combinada de la tradición de las miniaturas existente y los artistas formados en la tradición persa de las miniaturas importada por la corte del emperador mogol . Los nuevos ingredientes del estilo eran un realismo mucho mayor, especialmente en los retratos, y un interés por los animales, las plantas y otros aspectos del mundo físico. [75] La pintura de Deccan se desarrolló aproximadamente al mismo tiempo en las cortes de los sultanatos de Deccan al sur, en algunos aspectos más vital, aunque menos equilibrada y elegante. [76]
Las miniaturas eran libros ilustrados o eran obras únicas para muraqqas o álbumes de pintura y caligrafía islámica . El estilo se extendió gradualmente en los dos siglos siguientes para influir en la pintura sobre papel en las cortes principescas musulmanas e hindúes, desarrollándose en una serie de estilos regionales a menudo llamados "sub-mogoles", incluida la pintura Rajput , la pintura Pahari y, finalmente , la pintura de la Compañía , una estilo de acuarela híbrido influenciado por el arte europeo y en gran parte patrocinado por la gente del raj británico . En centros "pahari" ("montaña") como el de la pintura Kangrael estilo siguió siendo vital y continuó desarrollándose en las primeras décadas del siglo XIX. [77] Desde mediados del siglo XIX, las pinturas de caballete de estilo occidental fueron pintadas cada vez más por artistas indios formados en escuelas de arte gubernamentales.
Joyas [ editar ]
El subcontinente indio tiene el legado continuo más largo de la fabricación de joyas, con una historia de más de 5.000 años. [78] El uso de joyas como depósito de capital sigue siendo más común en la India que en la mayoría de las sociedades modernas, y parece que siempre se ha preferido mucho el oro al metal. La India y las áreas circundantes fueron fuentes importantes de piedras preciosas de alta calidad , y las joyas de la clase dominante se caracterizan por su uso generoso. Uno de los primeros en comenzar a fabricar joyas fue la gente de la civilización del valle del Indo . Los primeros restos son pocos, ya que no fueron enterrados con sus dueños.
Otros materiales [ editar ]
La madera fue sin duda extremadamente importante, pero rara vez sobrevive mucho en el clima indio. Los materiales orgánicos de origen animal como el marfil o el hueso fueron desalentados por las religiones dhármicas , aunque existen ejemplos budistas, como los marfiles de Begram , muchos de fabricación india, pero encontrados en Afganistán , y algunos colmillos tallados relativamente modernos . En entornos musulmanes son más comunes.
Historia contextual del arte indio [ editar ]
Arte del templo [ editar ]
La oscuridad envuelve el período entre el declive de los harappanos y el período histórico definido que comienza con los Maurya , y en el período histórico, la religión india más antigua que inspiró los principales monumentos artísticos fue el budismo . Aunque puede haber estructuras anteriores de madera que se hayan transformado en estructuras de piedra, no hay evidencias físicas de estas, excepto referencias textuales. Poco después de que los budistas iniciaran las cuevas excavadas en la roca , los hindúes y los jainistas comenzaron a imitarlos en Badami , Aihole , Ellora , Salsette , Elephanta ,Aurangabad y Mamallapuram y Mughals . Parece ser una constante en el arte indio que las diferentes religiones compartieron un estilo artístico muy similar en cualquier período y lugar en particular, aunque naturalmente adaptando la iconografía para que coincida con la religión que las encargó. [79] Probablemente los mismos grupos de artistas trabajaron para las diferentes religiones independientemente de sus propias afiliaciones.
El arte budista se desarrolló por primera vez durante el período Gandhara y los períodos Amaravati alrededor del siglo I a. C. Floreció mucho durante los períodos Gupta y Pala que comprenden la Edad de Oro de la India. Aunque el arte más glorioso de estos imperios indios era principalmente de naturaleza budista, posteriormente imperios hindúes como los imperios Pallava , Chola , Hoysala y Vijayanagara también desarrollaron sus propios estilos de arte hindú.
No hay una línea de tiempo que divida la creación de templos excavados en la roca y templos independientes construidos con piedra tallada a medida que se desarrollaron en paralelo. La construcción de estructuras independientes comenzó en el siglo V, mientras que los templos excavados en la roca continuaron siendo excavados hasta el siglo XII. Un ejemplo de un templo estructural independiente es el Templo de la Costa , una parte del Sitio del Patrimonio Mundial de Mahabalipuram , con su esbelta torre, construida en la orilla de la Bahía de Bengala con rocas de granito finamente talladas cortadas como ladrillos y que datan del siglo VIII. siglo. [80] [81]
Arte popular y tribal [ editar ]
Popular y el arte tribal en la India adquiere diferentes manifestaciones variadas a través de medios tales como la cerámica, pintura, orfebrería, [82] papel para arte, el tejido y el diseño de objetos como joyas y juguetes. Estos no son solo objetos estéticos, sino que de hecho tienen un significado importante en la vida de las personas y están vinculados a sus creencias y rituales. Los objetos pueden variar desde esculturas, máscaras (utilizadas en rituales y ceremonias), pinturas, textiles, cestas, objetos de cocina, armas y armas, y el propio cuerpo humano (tatuajes y piercings). Existe un profundo significado simbólico que se adjunta no solo a los objetos en sí, sino también a los materiales y técnicas utilizados para producirlos.
A menudo, los dioses y leyendas puránicos se transforman en formas contemporáneas e imágenes familiares. Ferias, festivales, héroes locales (en su mayoría guerreros) y deidades locales juegan un papel vital en estas artes (Ejemplo: arte Nakashi de Telangana o Cherial Scroll Painting ).
El arte popular también incluye las expresiones visuales de los nómadas errantes. Este es el arte de las personas que están expuestas a paisajes cambiantes mientras viajan por los valles y las tierras altas de la India. Llevan consigo las vivencias y recuerdos de diferentes espacios y su arte consiste en el patrón de vida transitorio y dinámico. Las artes rurales , tribales y de los nómadas constituyen la matriz de la expresión popular. Ejemplos de artes populares son Warli, Madhubani Art , Manjusha Art , Tikuli Art y Gond, etc.
Si bien la mayoría de las tribus y comunidades de artistas folclóricos tradicionales están asimiladas al tipo familiar de vida civilizada, aún continúan practicando su arte. Sin embargo, desafortunadamente, las fuerzas económicas y del mercado han asegurado que el número de estos artistas esté disminuyendo. [83] [84] Varias ONG y el Gobierno de la India están haciendo un gran esfuerzo para preservar y proteger estas artes y promoverlas. Varios académicos en la India y en todo el mundo han estudiado estas artes y se encuentran disponibles algunos estudios valiosos sobre ellos.
El espíritu popular tiene un papel tremendo que desempeñar en el desarrollo del arte y en la conciencia general de las culturas indígenas.
Modernismo contextual [ editar ]
El año 1997 fue testigo de dos gestos paralelos de formación canónica. Por un lado, el influyente Grupo Baroda , una coalición cuyos miembros originales incluían a Vivan Sundaram , Ghulam Mohammed Sheikh , Bhupen Khakhar y Nalini Malani, y que había dejado su huella en la historia con la exposición de 1981 “Place for People”. —Se historizó definitivamente en 1997 con la publicación de Contemporary Art in Baroda, una antología de ensayos editada por Sheikh. Por otro lado, el historiador de arte R. Siva Kumar 'salón de referencia y la publicación relacionada s, A contextuales Modernismo , restauró la Santiniketan artistas-Rabindranath Tagore , Nandalal Bose , Benode Behari Mukherjee y Ramkinkar Baij, a su lugar apropiado como los creadores de un modernismo transcultural logrado por los indígenas en la década de 1930, mucho antes de que los progresistas redactaran su manifiesto a fines de la década de 1940. De los artistas santiniketanos, Siva Kumar observó que “revisaron los antecedentes tradicionales en relación con las nuevas vías abiertas por los contactos transculturales. También lo vieron como un imperativo histórico. La insularidad cultural, se dieron cuenta, tenía que dar paso al eclecticismo y la impureza cultural ". [85]
La idea de Modernismo Contextual surgió en 1997 de Santiniketan: The Making of a Contextual Modernism, de R. Siva Kumar , como una herramienta crítica poscolonial en la comprensión de un modernismo alternativo en las artes visuales de las antiguas colonias como India, específicamente la de la India. Artistas santiniketanos.
Se han utilizado varios términos, incluida la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow , para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall sostiene que 'modernismo contextual' es un término más adecuado porque “lo colonial en la modernidad colonialno se adapta al rechazo de muchos en situaciones de colonización a internalizar la inferioridad. El rechazo a la subordinación de los maestros artistas de Santiniketan incorporó una visión contraria de la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsó y caracterizó la modernidad imperial occidental y el modernismo. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de una potencia colonial británica triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares ”. [86]
Según R. Siva Kumar "Los artistas de Santiniketan fueron uno de los primeros que desafiaron conscientemente esta idea del modernismo al optar por el modernismo internacionalista y la indigenidad historicista y trataron de crear un modernismo sensible al contexto". [87] Había estado estudiando la obra de los maestros santiniketanos y pensando en su acercamiento al arte desde principios de los 80. La práctica de incluir a Nandalal Bose , Rabindranath Tagore , Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee en la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa.Esto sucedió porque los primeros escritores se guiaron por las genealogías del aprendizaje en lugar de sus estilos, visiones del mundo y perspectivas sobre la práctica del arte . [87]
El Modernismo Contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos de estudios relacionados, especialmente en Arquitectura . [88]
Museos de arte de la India [ editar ]
Ciudades importantes [ editar ]
- Museo Nacional, Nueva Delhi
- Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya (CSMVS), Mumbai (anteriormente Museo Príncipe de Gales de la India Occidental)
- Museo indio, Kolkata
- Museo Salar Jung, Hyderabad
- Museo del Gobierno (Bangalore)
- Museo del Gobierno, Chennai
- Museo y galería de arte del gobierno, Chandigarh
Museos arqueológicos [ editar ]
- Museo de Arqueología del Estado AP, Hyderabad
- Museo Arqueológico, Thrissur
- Museo de la ciudad, Hyderabad
- Museo del Gobierno, Mathura
- Museo del Gobierno, Tiruchirappalli
- Palacio de la colina, Tripunithura , Ernakulam
- Museo Estatal de Odisha , Bhubaneswar
- Museo de Patna
- Museo Arqueológico Pazhassi Raja , Kozhikode
- Museo Sanghol
- Museo Sarnath
- Galería arqueológica estatal , Kolkata
- Museo Victoria Jubilee , Vijayawada
Museos de arte moderno [ editar ]
- Galería Nacional de Arte Moderno, Nueva Delhi , establecida en 1954.
- Galería Nacional de Arte Moderno, Mumbai - establecida en 1996.
- Galería Nacional de Arte Moderno, Bangalore - inaugurada en 2009.
- Museo de Arte Moderno de Kolkata : fundación establecida en 2013.
Otros museos [ editar ]
- Museo Albert Hall, Jaipur
- Museo de Allahabad
- Museo de Arte Indio Asutosh, Kolkata
- Museo y galería de imágenes de Baroda
- Museo Estatal de Goa , Panaji
- Museo Napier , Thiruvananthapuram
- Museo Nacional de Artesanías y Telares, Nueva Delhi
- Museos sánscritos , Delhi
- Museo Watson , Rajkot
- Museo del Gobierno Conmemorativo de Srimanthi Bai , Mangalore
Ver también [ editar ]
| Parte de una serie sobre el |
| Cultura de la India |
|---|
| Historia |
| Personas |
| Cocina |
| Religión |
| Deporte |
|
| Historia del Arte |
- Pintura india
- Escuela de Bellas Artes del Gobierno, Chennai
- Arquitectura india
- Arquitectura vernácula india
- Artesanía de la India
- Rasa (arte)
Notas [ editar ]
- ^ Jagadish Gupta (1996). Pintura india prehistórica . Centro Cultural Zona Centro Norte.
- ^ Shiv Kumar Tiwari (1 de enero de 2000). Acertijos de pinturas indias de Rockshelter . Sarup & Sons. págs. 8–. ISBN 978-81-7625-086-3.
- ^ Cockburn, John (1899). "Art. V. — Dibujos rupestres en la cordillera de Kaimūr, provincias del noroeste" . Revista de la Real Sociedad Asiática de Gran Bretaña e Irlanda . Series nuevas. 31 (1): 89–97. doi : 10.1017 / S0035869X00026113 .
- ^ Mathpal, Yashodhar (1984). Pintura prehistórica de Bhimbetka . Publicaciones Abhinav. pag. 220. ISBN 9788170171935.
- ^ Tiwari, Shiv Kumar (2000). Acertijos de pinturas indias de Rockshelter . Sarup & Sons. pag. 189. ISBN 9788176250863.
- ^ Refugios de roca de Bhimbetka (PDF) . UNESCO. 2003. p. dieciséis.
- ^ Mithen, Steven (2011). Después del hielo: una historia humana global, 20.000 - 5000 a . C. Orión. pag. 524. ISBN 9781780222592.
- ^ Javid, Ali; Jāvīd, ʻAlī; Javeed, Tabassum (2008). Monumentos del patrimonio mundial y edificios relacionados en la India . Editorial Algora. pag. 19. ISBN 9780875864846.
- ^ Pathak, Dr. Meenakshi Dubey. "Arte rupestre indio - pinturas prehistóricas de las colinas de Pachmarhi" . Fundación Bradshaw . Consultado el 7 de noviembre de 2014 .
- ^ Marshall, Sir John. Mohenjo-Daro y la civilización del Indo, 3 volúmenes, Londres: Arthur Probsthain, 1931
- ^ Keay, John, India, una historia. Nueva York: Grove Press, 2000.
- ↑ Harle, 15-19
- ↑ Harle, 19-20
- ^ a b Paul, Pran Gopal; Paul, Debjani (1989). "Imágenes brahmánicas en el arte Kuṣāṇa de Mathurā: tradición e innovaciones". Oriente y Occidente . 39 (1/4): 111–143, especialmente 112–114, 115, 125. JSTOR 29756891 .
- ^ Paul, Pran Gopal; Paul, Debjani (1989). "Imágenes brahmánicas en el arte Kuṣāṇa de Mathurā: tradición e innovaciones". Oriente y Occidente . 39 (1/4): 111-143. ISSN 0012-8376 . JSTOR 29756891 .
- ^ Krishan, Yuvraj; Tadikonda, Kalpana K. (1996). La imagen de Buda: su origen y desarrollo . Bharatiya Vidya Bhavan. pag. ix-x. ISBN 978-81-215-0565-9.
- ^ a b c d Shaw, Ian; Jameson, Robert (2008). Un diccionario de arqueología . John Wiley e hijos. pag. 248. ISBN 978-0-470-75196-1.
- ↑ Harle, 22-28
- ↑ Harle, 22-26
- ^ State Emblem Archivado el 11 de mayo de 2012 en Wayback Machine , Know India india.gov.in
- ↑ Harle, 39-42
- ^ Con fecha de 100 a. C. en la figura 88 en Quintanilla, Sonya Rhie (2007). Historia de la escultura de piedra temprana en Mathura: Ca. 150 a. C. - 100 d . C. RODABALLO. pag. 368, Fig. 88. ISBN 9789004155374.
- ↑ a b c d e f Dalal, Roshen (2010). Las religiones de la India: una guía concisa de nueve religiones principales . Penguin Books India. págs. 397–398. ISBN 978-0-14-341517-6.
- ^ Singh, Upinder (2008). Una historia de la India antigua y medieval temprana . Nueva Delhi: Pearson Education. pag. 430. ISBN 978-81-317-1120-0.
- ^ "yaksha" . Encyclopædia Britannica . Consultado el 15 de julio de 2007 .
- ^ Sharma, Ramesh Chandra (1994). El esplendor del arte y museo Mathurā . DK Printworld. pag. 76. ISBN 978-81-246-0015-3.
- ↑ a b c d e Boardman, John (1993). La difusión del arte clásico en la antigüedad . Prensa de la Universidad de Princeton. pag. 112. ISBN 0691036802.
- ↑ Fig.85 en Quintanilla, Sonya Rhie (2007). Historia de la escultura de piedra temprana en Mathura: Ca. 150 a. C. - 100 d . C. RODABALLO. pag. Figura 85, p. 365. ISBN 9789004155374.
- ↑ "El arte popular tipifica una tradición plástica más antigua en arcilla y madera que ahora fue grabada en piedra, como se ve en la enorme estatuilla de Yaksha, que también son de valor excepcional como modelos de imágenes divinas y figuras humanas posteriores". en Agrawala, Vasudeva Sharana (1965). Arte de la India: Una historia del arte indio desde los tiempos más remotos hasta el siglo III A. D . Prithivi Prakashan. pag. 84.
- ^ "Con respecto a las estatuas icónicas a gran escala talladas en la ronda (...) la región de Mathura no solo rivalizó con otras áreas, sino que las superó en calidad y cantidad general durante el siglo II y principios del I a. C." en Quintanilla, Sonya Rhie (2007). Historia de la escultura de piedra temprana en Mathura: Ca. 150 a. C. - 100 d . C. RODABALLO. pag. 24. ISBN 9789004155374.
- ^ Quintanilla, Sonya Rhie (2007). Historia de la escultura de piedra temprana en Mathura: Ca. 150 a. C. - 100 d . C. RODABALLO. págs. 23-25. ISBN 9789004155374.
- ↑ Harle, 105-117, 26-47
- ↑ Harle, 59-70
- ^ Harle, 105-117, 71-84 sobre Gandhara
- ↑ Harle, 68-70 (pero consulte la p. 253 para ver otra excepción)
- ↑ a b c Stokstad, Marilyn (2018). Historia del arte . Estados Unidos: Pearson Education. págs. 306–310. ISBN 9780134475882.
- ^ Departamento de Arte Asiático (2000). "Dinastía Shunga (ca. Segundo - primer siglo antes de Cristo)" . Consultado el 26 de noviembre de 2018 .
- ^ "Subcontinente indio" . Oxford Art Online . 2003 . Consultado el 3 de diciembre de 2018 .
- ^ Sarkar (2006). Hari smriti . Nueva Delhi: Kaveri Books. pag. 73. ISBN 8174790756.
- ↑ a b Sarma, IK (2001). Sri Subrahmanya Smrti . Nueva Delhi: Sundeep Prakashan. págs. 283–290. ISBN 8175741023.
- ^ Nārāyaṇa Rāya, Udaya (2006). Arte, arqueología e historia cultural de la India . Delhi: BR Pub. Corp. ISBN 8176464929.
- ^ Xinru Liu, La ruta de la seda en la historia mundial, Nueva York: Oxford University Press, 2010, 42.
- ^ Lolita Nehru, Orígenes del estilo Gandharan , p. 63.
- ↑ Chakravarti, Ranabir ( 11 de enero de 2016 ), "Kushan Empire", The Encyclopedia of Empire , John Wiley & Sons, Ltd, págs. 1-6, doi : 10.1002 / 9781118455074.wbeoe147 , ISBN 9781118455074
- ^ Michaels, Axel (2004). Hinduismo: pasado y presente . Prensa de la Universidad de Princeton. pag. 40. ISBN 978-0-691-08953-9.
- ↑ Dhammika, Ven. S. (1994). "Los edictos del rey Ashoka (una versión en inglés)" . DharmaNet International. Archivado desde el original el 28 de marzo de 2014 . Consultado el 22 de noviembre de 2014 .
... Amado-de-los-dioses, dominio del rey Piyadasi, y entre la gente más allá de las fronteras, los Cholas, los Pandyas, ...
- ^ "Grandes Templos de Chola Vivientes" . UNESCO. 1987 . Consultado el 22 de noviembre de 2014 .
- ^ "Grupo de monumentos de Khajuraho" . Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO . UNESCO. 1986 . Consultado el 8 de noviembre de 2014 .
- ↑ Panikkar, KM (1955). "Discurso presidencial". Congreso de Historia de la India . 18º período de sesiones. Calcuta.
- ^ Dehejia, Vidya (1997). Representando el cuerpo: cuestiones de género en el arte indio . Delhi: Kali para mujeres (Women Unlimited). ISBN 978-81-85107-32-5.
- ^ Seyller, John (1987). "Notas de escribas sobre ilustraciones del manuscrito de Mughal". Artibus Asiae . 48 (3/4): 247–277. doi : 10.2307 / 3249873 . JSTOR 3249873 .
- ↑ Fazl, Abu'l (1927). Ain-i Akbari . Traducido por H Blochmann. Sociedad Asiática de Bengala.
- ^ "Daulat" . Encyclopædia Britannica . Consultado el 13 de noviembre de 2014 .
- ^ George Michell; Catherine Lampert; Tristram Holanda (1982). A imagen del hombre: la percepción india del universo a través de 2000 años de pintura y escultura . Colección de Bellas Artes Alpinas. ISBN 978-0-933516-52-6.
- ^ Hachette India (25 de octubre de 2013). Indiapedia: El buscador de datos de toda la India . Hachette India. págs. 130–. ISBN 978-93-5009-766-3.
- ^ "Por el arte" . El hindú . 12 de febrero de 2009 . Consultado el 23 de noviembre de 2014 .
- ^ "Escaparate - Colectivos de artistas" . Galería Nacional de Arte Moderno, Nueva Delhi. 2012-11-09 . Consultado el 23 de noviembre de 2014 .
- ^ "Galería Nacional de Arte Moderno, Nueva Delhi" .
- ^ "Rabindranath Tagore: La última cosecha" .
- ↑ Harle, 17-20
- ↑ Harle, 22-24
- ↑ a b Harle, 26–38
- ↑ Harle, 342-350
- ↑ Harle, 87; su Parte 2 cubre el período
- ↑ Harle, 124
- ^ Harle, 301-310, 325-327
- ↑ Harle, 276-284.
- ^ Chopra. et al. , pag. 186.
- ^ Tri. [Título necesario] . pag. 479.
- ^ "Arte rupestre prehistórico" . art-and-archaeology.com . Consultado el 17 de octubre de 2006 .
- ^ "Refugios de roca de Bhimbetka" . Consultado el 20 de diciembre de 2006 .
- ^ "Pinturas rupestres indias antiguas y medievales - enciclopedia de Internet" . Wondermondo . 2010-06-10 . Consultado el 4 de junio de 2010 .
- ↑ Harle, 355
- ^ Harle, 361-366
- ^ Harle, 372-382
- ^ Harle, 400-406
- ^ Harle, 407-420
- ^ Untracht, Oppi. Joyería tradicional de la India . Nueva York: Abrams, 1997 ISBN 0-8109-3886-3 . p15.
- ↑ Harle, 59
- ^ Thapar, Binda (2004). Introducción a la arquitectura india . Singapur: Ediciones Periplus. págs. 36–37, 51. ISBN 978-0-7946-0011-2.
- ^ "Arquitectura del subcontinente indio" . Consultado el 21 de diciembre de 2006 .
- ^ dhokra art Archivado el 29 de diciembre de 2010 en la Wayback Machine.
- ^ GVSS, Gramin Vikas Seva Sanshtha (12 de junio de 2011). "Estudio de evaluación de las artes y la cultura tribales / populares en Bengala Occidental, Orissa, Jharkhand, Chhatisgarh y Bihar" (PDF) . Comisión de Planificación . División de Investigaciones Socioeconómicas (SER), Comisión de Planificación, Gob. de India Nueva Delhi. pag. 53 . Consultado el 2 de marzo de 2015 .
... la globalización ha desencadenado el surgimiento de una macrocultura sintética ... está ganando popularidad día a día y diseña silenciosamente el desgaste gradual del arte y la cultura tribales / populares.
- ^ "Lamentamos la decadencia de las artes tribales y populares" . Deccan Herald . Gudibanda, Karnataka, India. 3 de julio de 2008. Archivado desde el original el 2 de marzo de 2015 . Consultado el 2 de marzo de 2015 .
En la ola de los medios electrónicos, nuestra ... cultura ancestral y el arte tribal han ido decayendo, ..., dijo el investigador de folclore J Srinivasaiah.
- ^ Hapgood, Susan; Hoskote, Ranjit (2015). "Abby Gray y el modernismo indio" (PDF) . Galería de arte gris . Nueva York: Universidad de Nueva York. Archivado desde el original (PDF) el 3 de enero de 2016 . Consultado el 12 de marzo de 2021 .
- ^ Gall, David. "Superando modernidades polarizadas: Educación artística contramoderna: Santiniketan1Superando modernidades polarizadas: Educación artística contramoderna: Santiniketan, el legado de una escuela de poetas" (PDF) . Conferencias Internacionales de la Universidad de Hawaii . Consultado el 12 de marzo de 2021 .
- ^ a b "Humanidades subterráneas» Todas las experiencias compartidas del mundo vivido II " .
- ^ " " Modernismo contextual "- ¿es posible? Pasos para mejorar la estrategia de vivienda" . 2011.
Referencias [ editar ]
 | Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el arte de la India . |
 | Wikiquote tiene citas relacionadas con: arte indio |
- Harle, JC, El arte y la arquitectura del subcontinente indio , 2ª ed. 1994, Yale University Press Pelican History of Art, ISBN 0300062176
- Harsha V. Dehejia, The Advaita of Art (Delhi: Motilal Banarsidass, 2000, ISBN 81-208-1389-8 ), pág. 97
- Kapila Vatsyayan , Danza clásica india en la literatura y las artes (Nueva Delhi: Sangeet Natak Akademi, 1977), p. 8
- Mitter, Partha. Arte indio (Oxford: Oxford University Press, 2001, ISBN 0-19-284221-8 )
Lectura adicional [ editar ]
- Gupta, SP y Asthana, SP (2007). Elementos del arte indio: incluye arquitectura, iconografía e iconometría de templos. Nueva Delhi: Museo de Arte y Arqueología Indraprastha.
- Gupta, SP y Shastri Indo-Canadian Institute. (2011). Las raíces del arte indio: un estudio detallado del período formativo del arte y la arquitectura indios, siglos III y II a. C., Maurya y finales de Maurya. Delhi: BR Publishing Corporation.
- Abanindranath Tagore (1914). Algunas notas sobre la anatomía artística india . Sociedad India de Arte Oriental, Calcuta. OL 6213535M .
- Kossak, Steven (1997). Pintura de la corte india, siglos XVI-XIX.. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 978-0870997839. (ver índice: páginas 148-152)
- Lerner, Martin (1984). La llama y el loto: arte indio y del sudeste asiático de las colecciones de Kronos. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 978-0870993749. completamente en línea
- Smith, Vincent A. (1930). Una historia de las bellas artes en la India y Ceilán . The Clarendon Press, Oxford.
- Welch, Stuart Cary (1985). India: arte y cultura, 1300-1900. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 9780944142134. completamente en línea
