La pintura del Renacimiento italiano es la pintura del período que comenzó a finales del siglo XIII y floreció desde principios del siglo XV hasta finales del siglo XVI, que se produjo en la península italiana, que en ese momento estaba dividida en muchos estados políticos, algunos independientes pero otros controlados por externos. potestades. Los pintores de la Italia del Renacimiento, aunque a menudo adscritos a cortes particulares y con lealtades a determinadas ciudades, deambularon a lo largo y ancho de Italia, a menudo ocupando un estatus diplomático y difundiendo ideas artísticas y filosóficas. [1]
La ciudad de Florencia en Toscana es conocida como la cuna del Renacimiento , y en particular de la pintura del Renacimiento, aunque más tarde en la era Roma y Venecia asumieron una importancia creciente en la pintura. Se ofrecen antecedentes detallados en los artículos complementarios Arte renacentista y arquitectura renacentista .
La pintura del Renacimiento italiano se divide con mayor frecuencia en cuatro períodos: el protorrenacimiento (1300-1425), el renacimiento temprano (1425-1495), el alto renacimiento (1495-1520) y el manierismo (1520-1600). Las fechas de estos períodos representan la tendencia general de la pintura italiana y no cubren a todos los pintores, ya que las vidas de los artistas individuales y sus estilos personales se superponen a estos períodos.
El protorrenacimiento comienza con la vida profesional del pintor Giotto e incluye a Taddeo Gaddi , Orcagna y Altichiero . El estilo del Renacimiento temprano fue iniciado por Masaccio y luego desarrollado por Fra Angelico , Paolo Uccello , Piero della Francesca , Sandro Botticelli , Verrocchio , Domenico Ghirlandaio y Giovanni Bellini . El período del Alto Renacimiento fue el de Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , Andrea del Sarto, Coreggio , Giorgione , las últimas obras de Giovanni Bellini y Tiziano . El período manierista, tratado en un artículo separado, incluyó las últimas obras de Miguel Ángel, así como Pontormo , Parmigianino , Bronzino y Tintoretto .
Influencias [ editar ]
Las influencias sobre el desarrollo de la pintura renacentista en Italia son las que también afectaron a la filosofía, la literatura, la arquitectura, la teología, la ciencia, el gobierno y otros aspectos de la sociedad. El siguiente es un resumen de los puntos tratados con más detalle en los artículos principales que se citan anteriormente.
Filosofía [ editar ]
Varios textos clásicos, que se habían perdido para los estudiosos de Europa occidental durante siglos, estuvieron disponibles. Estos incluyeron filosofía, poesía, teatro, ciencia, una tesis sobre las artes y la teología cristiana primitiva. El interés resultante en la filosofía humanista significó que la relación del hombre con la humanidad, el universo y con Dios ya no era competencia exclusiva de la Iglesia. Un renovado interés por los clásicos provocó el primer estudio arqueológico de restos romanos por el arquitecto Brunelleschi y el escultor Donatello . El resurgimiento de un estilo de arquitectura basado en precedentes clásicos inspiró un clasicismo correspondiente en la pintura, que se manifestó ya en la década de 1420 en las pinturas deMasaccio y Paolo Uccello .
Ciencia y tecnología [ editar ]
Simultáneamente con el acceso a los textos clásicos, Europa obtuvo acceso a las matemáticas avanzadas que tuvieron su origen en las obras de los eruditos bizantinos e islámicos. El advenimiento de la imprenta de tipos móviles en el siglo XV significó que las ideas se podían difundir fácilmente y se escribieron un número cada vez mayor de libros para un público más amplio. El desarrollo de la pintura al óleo y su introducción en Italia tuvo efectos duraderos en el arte de la pintura.
Sociedad [ editar ]
El establecimiento del Banco Medici y el posterior comercio que generó trajeron una riqueza sin precedentes a una sola ciudad italiana, Florencia . Cosimo de 'Medici estableció un nuevo estándar para el patrocinio de las artes, no asociado con la iglesia o la monarquía. La presencia fortuita dentro de la región de Florencia de ciertos individuos de genio artístico, en particular Giotto , Masaccio , Brunelleschi, Piero della Francesca , Leonardo da Vinci y Michelangelo , formó un espíritu que apoyó y alentó a muchos artistas menores a lograr obras de extraordinaria calidad. [2]
Una herencia similar de logros artísticos ocurrió en Venecia a través de la talentosa familia Bellini , sus influyentes suegros Mantegna , Giorgione , Tiziano y Tintoretto . [2] [3] [4]
Temas [ editar ]
Gran parte de la pintura del período del Renacimiento fue encargada por o para la Iglesia Católica . Estas obras eran a menudo de gran escala y con frecuencia eran ciclos pintados al fresco de la Vida de Cristo , la Vida de la Virgen o la vida de un santo, particularmente San Francisco de Asís . También hubo muchas pinturas alegóricas sobre el tema de la Salvación y el papel de la Iglesia en su consecución. Las iglesias también encargaron retablos , que fueron pintados al temple sobre tabla y posteriormente al óleo sobre lienzo.. Además de los grandes retablos, se produjeron pequeños cuadros devocionales en gran número, tanto para iglesias como para particulares, siendo el tema más común la Virgen y el Niño .
A lo largo del período, las comisiones cívicas también fueron importantes. Edificios del gobierno local estaban decoradas con frescos y otras obras seculares, como Ambrogio Lorenzetti 's alegoría del buen y del mal gobierno , y religiosa, como Simone Martini ' s fresco de la Maestà , en el Palazzo Pubblico , Siena .
El retrato era poco común en el siglo XIV y principios del XV, principalmente limitado a imágenes cívicas conmemorativas como los retratos ecuestres de Guidoriccio da Fogliano por Simone Martini , 1327, en Siena y, a principios del siglo XV, John Hawkwood por Uccello en la Catedral de Florencia y su compañero retrata a Niccolò da Tolentino de Andrea del Castagno .
Durante el siglo XV, el retrato se hizo común, inicialmente a menudo retratos de perfil formalizados, pero cada vez más retratos de tres cuartos de la cara y el busto. Los mecenas de obras de arte como retablos y ciclos de frescos a menudo se incluían en las escenas, un ejemplo notable es la inclusión de las familias Sassetti y Medici en el ciclo de Domenico Ghirlandaio en la Capilla Sassetti . El retrato se convertiría en un tema importante para los pintores del Alto Renacimiento como Rafael y Tiziano y continuará en el período manierista en obras de artistas como Bronzino .
Con el crecimiento del Humanismo , los artistas recurrieron a temas clásicos, particularmente para cumplir con los encargos de decoración de las casas de mecenas adinerados, siendo el más conocido El nacimiento de Venus de Botticelli para los Medici. Cada vez más, también se consideraba que los temas clásicos proporcionaban material alegórico adecuado para las comisiones cívicas. El humanismo también influyó en la forma en que se representaron los temas religiosos, especialmente en el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel .
Otros motivos se extrajeron de la vida contemporánea, a veces con un significado alegórico, a veces puramente decorativo. Los incidentes importantes para una familia en particular pueden registrarse como los de la Camera degli Sposi que Mantegna pintó para la familia Gonzaga en Mantua . Cada vez más, se pintaron naturalezas muertas y escenas decorativas de la vida, como el Concierto de Lorenzo Costa de alrededor de 1490.
Los eventos importantes a menudo se registraron o conmemoraron en pinturas como la Batalla de San Romano de Uccello , al igual que importantes fiestas religiosas locales. La historia y los personajes históricos a menudo se representan de una manera que se refleja en los eventos actuales o en la vida de la gente actual. A menudo se pintaban retratos de contemporáneos bajo la apariencia de personajes de la historia o la literatura. Los escritos de Dante , de Voragine leyenda de oro y Boccaccio 's El Decamerón fueron importantes fuentes de temas.
En todos estos temas, cada vez más, y en las obras de casi todos los pintores, se fueron desarrollando ciertas prácticas pictóricas subyacentes: la observación de la naturaleza, el estudio de la anatomía, de la luz y la perspectiva. [2] [3] [5]
Pintura protorrenacentista [ editar ]
Tradiciones de la pintura toscana del siglo XIII [ editar ]
El arte de la región de la Toscana a finales del siglo XIII estuvo dominado por dos maestros del estilo italo-bizantino , Cimabue de Florencia y Duccio de Siena . Sus encargos eran en su mayoría pinturas religiosas, varias de las cuales eran retablos de gran tamaño que mostraban la Virgen y el Niño. Estos dos pintores, con sus contemporáneos Guido de Siena , Coppo di Marcovaldo y el misterioso pintor en cuyo estilo puede haberse basado la escuela, el llamado Maestro de San Bernardino, trabajaron todos de una manera muy formalizada y dependiente de la antigua tradición de la pintura de iconos. [6] En estos temperapinturas muchos de los detalles estaban rígidamente fijados por el tema, la posición precisa de las manos de la Virgen y el Niño Jesús, por ejemplo, estaba dictada por la naturaleza de la bendición que la pintura invocaba sobre el espectador. El ángulo de la cabeza y los hombros de la Virgen, los pliegues de su velo y las líneas con las que se definían sus rasgos se habían repetido en innumerables pinturas de este tipo. Cimabue y Duccio dieron pasos en la dirección de un mayor naturalismo, al igual que su contemporáneo Pietro Cavallini de Roma. [2]
Giotto [ editar ]
Giotto , (1266-1337), por tradición un niño pastor de las colinas al norte de Florencia, se convirtió en aprendiz de Cimabue y emergió como el pintor más destacado de su tiempo. [7] Giotto, posiblemente influenciado por Pietro Cavallini y otros pintores romanos, no basó las figuras que pintó en ninguna tradición pictórica, sino en la observación de la vida. A diferencia de las de sus contemporáneos bizantinos, las figuras de Giotto son sólidamente tridimensionales; se mantienen firmes en el suelo, tienen una anatomía discernible y están vestidos con prendas de peso y estructura. Pero más que nada, lo que diferencia a las figuras de Giotto de las de sus contemporáneos son sus emociones. En los rostros de las figuras de Giotto hay alegría, rabia, desesperación, vergüenza, despecho y amor. El ciclo de los frescosde la Vida de Cristo y la Vida de la Virgen que pintó en la Capilla Scrovegni en Padua estableció un nuevo estándar para las imágenes narrativas. Su Ognissanti Madonna cuelga en la Galería de los Uffizi , Florencia, en la misma habitación que Santa Trinita Madonna de Cimabue y Ruccellai Madonna de Duccio, donde las comparaciones estilísticas entre los tres se pueden hacer fácilmente. [8] Una de las características aparentes en el trabajo de Giotto es su observación de la perspectiva naturalista. Se le considera el heraldo del Renacimiento. [9]
Contemporáneos de Giotto [ editar ]
Giotto tuvo varios contemporáneos que fueron entrenados e influenciados por él, o cuya observación de la naturaleza los había llevado en una dirección similar. Aunque varios de los alumnos de Giotto asimilaron la dirección que había tomado su trabajo, ninguno llegaría a tener tanto éxito como él. Taddeo Gaddi logró la primera gran pintura de una escena nocturna en una Anunciación a los pastores en la Capilla Baroncelli de la Iglesia de Santa Croce, Florencia. [2]
Las pinturas de la Iglesia Superior de la Basílica de San Francisco, Asís , son ejemplos de pintura naturalista de la época, a menudo atribuida al propio Giotto, pero más probablemente obra de artistas que rodean a Pietro Cavallini . [9] Una pintura tardía de Cimabue en la Iglesia Inferior de Asís, de la Virgen y San Francisco , también muestra claramente un mayor naturalismo que sus pinturas sobre tabla y los restos de sus frescos anteriores en la iglesia superior.
Mortalidad y redención [ editar ]
Un tema común en la decoración de las iglesias medievales fue el Juicio Final , que en las iglesias del norte de Europa con frecuencia ocupa un espacio escultórico sobre la puerta oeste, pero en iglesias italianas como la Capilla Scrovegni de Giotto está pintado en la pared interior oeste. La Peste Negra de 1348 hizo que sus supervivientes se centraran en la necesidad de acercarse a la muerte en un estado de penitencia y absolución. La inevitabilidad de la muerte, las recompensas para el penitente y las penas del pecado se enfatizaron en varios frescos, notables por sus sombrías representaciones del sufrimiento y sus imágenes surrealistas de los tormentos del infierno .
Estos incluyen el Triunfo de la muerte del alumno de Giotto Orcagna , ahora en un estado fragmentario en el Museo de la Santa Croce, y el Triunfo de la muerte en el Camposanto Monumentale en Pisa por un pintor desconocido, tal vez Francesco Traini o Buonamico Buffalmacco que trabajó en el otro. tres de una serie de frescos sobre el tema de la Salvación. Se desconoce exactamente cuándo se comenzaron estos frescos, pero generalmente se presume que son posteriores a 1348. [2]
Dos importantes pintores de frescos estuvieron activos en Padua a finales del siglo XIV, Altichiero y Giusto de 'Menabuoi . La obra maestra de Giusto, la decoración del Baptisterio de Padua , sigue el tema de la Creación, la Caída y la Salvación de la humanidad, y también tiene un ciclo de Apocalipsis poco común en el pequeño presbiterio. Si bien toda la obra es excepcional por su amplitud, calidad y estado intacto, el tratamiento de la emoción humana es conservador en comparación con el de la Crucifixión de Altichiero en la Basílica de San Antonio., también en Padua. La obra de Giusto se basa en gestos formalizados, donde Altichiero relata los hechos que rodearon la muerte de Cristo con gran dramatismo e intensidad humanos. [10]
En Florencia, en la Capilla Española de Santa Maria Novella , Andrea di Bonaiuto recibió el encargo de enfatizar el papel de la Iglesia en el proceso redentor, y el de la Orden Dominicana en particular. Su fresco Alegoría de la Iglesia Activa y Triunfante es notable por su representación de la Catedral de Florencia , completa con la cúpula que no se construyó hasta el siglo siguiente. [2]
Gótico internacional [ editar ]
A finales del siglo XIV, el gótico internacional fue el estilo que dominó la pintura toscana. Se puede ver hasta cierto punto en la obra de Pietro y Ambrogio Lorenzetti, que está marcada por una dulzura y gracia formalizadas en las figuras, y la gracia del gótico tardío en las cortinas. El estilo está plenamente desarrollado en las obras de Simone Martini y Gentile da Fabriano , que tienen una elegancia y una riqueza de detalles, y una calidad idealizada no compatible con las realidades más crudas de las pinturas de Giotto. [2]
A principios del siglo XV, uniendo la brecha entre el gótico internacional y el renacimiento están las pinturas de Fra Angelico , muchas de las cuales, siendo retablos al temple, muestran el amor gótico por la elaboración, el pan de oro y el color brillante. Es en sus frescos en su convento de Sant 'Marco donde Fra Angelico se muestra a sí mismo como discípulo artístico de Giotto. Estas pinturas devocionales, que adornan las celdas y pasillos habitados por los frailes, representan episodios de la vida de Jesús , muchos de ellos escenas de la Crucifixión . Son crudamente simples, de color sobrio y de humor intenso, ya que el artista buscaba hacer de las revelaciones espirituales una realidad visual. [2] [11]
Pintura del Renacimiento temprano [ editar ]
Florencia [ editar ]
Las primeras imágenes verdaderamente renacentistas de Florencia datan de 1401, aunque no son pinturas. Ese año se llevó a cabo un concurso entre siete artistas jóvenes para seleccionar al artista para crear un par de puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia , la iglesia más antigua que queda en la ciudad. Cada uno de los competidores debía diseñar un panel de bronce de forma y tamaño similares, que representaba el Sacrificio de Isaac .
Se han conservado dos de los paneles de la competición, los de Lorenzo Ghiberti y Brunelleschi . Cada panel muestra algunos motivos fuertemente clasicistas que indican la dirección en la que se movían el arte y la filosofía en ese momento. Ghiberti utilizó la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura de estilo clásico. La figura se arrodilla sobre una tumba decorada con rollos de acanto que también son una referencia al arte de la Antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras adicionales incluidas en la escena recuerda a una conocida figura romana de bronce de un niño que se saca una espina del pie. La creación de Brunelleschi es desafiante en su intensidad dinámica. Menos elegante que el de Ghiberti, se trata más del drama humano y la tragedia inminente. [12]
Ghiberti ganó la competencia. Su primer juego de puertas del baptisterio tardó 27 años en completarse, después de lo cual recibió el encargo de hacer otro. En el total de 50 años que Ghiberti trabajó en ellos, las puertas proporcionaron un campo de entrenamiento para muchos de los artistas de Florencia. Al tener un tema narrativo y emplear no solo la habilidad para organizar composiciones figurativas, sino también la habilidad floreciente de la perspectiva lineal , las puertas iban a tener una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino.
Capilla Brancacci [ editar ]
Los primeros frescos o pinturas del Renacimiento temprano se iniciaron en 1425 cuando dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos de la Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la Iglesia Carmelita de Florencia. Ambos fueron llamados por el nombre de Tommaso y fueron apodados Masaccio y Masolino , Slovenly Tom y Little Tom.
Más que ningún otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones en la obra de Giotto. Continuó la práctica de pintar desde la naturaleza. Sus frescos demuestran una comprensión de la anatomía, del escorzo, de la perspectiva lineal, de la luz y el estudio de las cortinas. En la Capilla Brancacci , su fresco Tribute Money tiene un solo punto de fuga y utiliza un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad para transmitir una calidad tridimensional a la obra. Además, las figuras de Adán y Eva expulsados del Edén , pintadas en el costado del arco de la capilla, son famosas por su representación realista de la forma humana y de las emociones humanas. Contrastan con las suaves y bonitas figuras pintadas por Masolino en el lado opuesto deAdán y Eva recibiendo el fruto prohibido . La pintura de la Capilla Brancacci quedó incompleta cuando Masaccio murió a los 26 años en 1428. El Tribute Money fue completado por Masolino mientras que el resto del trabajo en la capilla fue terminado por Filippino Lippi en la década de 1480. El trabajo de Masaccio se convirtió en fuente de inspiración para muchos pintores posteriores, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel . [13]
Desarrollo de perspectiva lineal [ editar ]
Durante la primera mitad del siglo XV, la consecución del efecto de espacio realista en una pintura mediante el empleo de la perspectiva lineal fue una de las principales preocupaciones de muchos pintores, así como de los arquitectos Brunelleschi y Alberti, quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi realizó una serie de estudios cuidadosos de la plaza y el baptisterio octogonal fuera de la catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho trompe-l'œil alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella . [13]
Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que pensó en poco más y experimentó con ella en muchas pinturas, las más conocidas son las tres pinturas de La batalla de San Romano (terminadas en 1450) que usan armas rotas en el suelo. y campos en las colinas distantes para dar una impresión de perspectiva.
En la década de 1450, Piero della Francesca , en pinturas como La flagelación de Cristo , demostró su dominio sobre la perspectiva lineal y también sobre la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, tal vez Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimento que había estado haciendo Brunelleschi. A partir de este momento se entendió y empleó regularmente la perspectiva lineal, como la de Perugino en su Cristo entregando las llaves a San Pedro (1481-1482) en la Capilla Sixtina . [12]
Comprensión de la luz [ editar ]
Giotto usó la tonalidad para crear formas. Taddeo Gaddi, en su escena nocturna en la Capilla Baroncelli, demostró cómo se puede usar la luz para crear drama. Paolo Uccello , cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromáticos. Algunas de ellas las hizo en terra verde ("tierra verde"), amenizando sus composiciones con toques bermellones. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en la pared de la catedral de Florencia.. Tanto aquí como en las cuatro cabezas de los profetas que pintó alrededor de la esfera del reloj interior en la catedral, usó tonos fuertemente contrastantes, lo que sugiere que cada figura estaba siendo iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real en el catedral. [14]
Piero della Francesca amplió su estudio de la luz. En la Flagelación demuestra un conocimiento de cómo la luz se difunde proporcionalmente desde su punto de origen. Hay dos fuentes de luz en esta pintura, una interna a un edificio y la otra externa. De la fuente interna, aunque la luz en sí es invisible, su posición se puede calcular con certeza matemática. Leonardo da Vinci iba a llevar adelante el trabajo de Piero sobre la luz. [15]
La Virgen [ editar ]
La Santísima Virgen María , venerada por la Iglesia Católica en todo el mundo, fue particularmente evocada en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna en el mercado del maíz y donde tanto la Catedral de "Nuestra Señora de las Flores" y la gran Dominicana iglesia de Santa Maria Novella fueron nombrados en su honor.
La imagen milagrosa en el mercado del maíz fue destruida por el fuego, pero fue reemplazada por una nueva imagen en la década de 1330 de Bernardo Daddi , colocada en un dosel de diseño elaborado y espléndidamente labrado por Orcagna . El piso inferior abierto del edificio se cerró y se dedicó como Orsanmichele .
Las representaciones de la Virgen y el Niño eran una forma de arte muy popular en Florencia. Adoptaron todas las formas, desde pequeñas placas de terracota producidas en serie hasta magníficos retablos como los de Cimabue , Giotto y Masaccio .
En el siglo XV y la primera mitad del XVI, un taller más que cualquier otro dominó la producción de Madonnas. Eran de la familia della Robbia, y no eran pintores sino modeladores en arcilla. Luca della Robbia , famoso por su galería cantoria en la catedral, fue el primer escultor en usar terracota vidriada para esculturas grandes. Muchas de las obras duraderas de esta familia han sobrevivido. La habilidad de los della Robbias, particularmente Andrea della Robbia , fue dar gran naturalismo a los bebés que modelaron como Jesús , y expresiones de gran piedad y dulzura a la Virgen. Debían establecer un estándar para ser emulado por otros artistas de Florencia.
Entre los que pintaron Madonnas devocionales durante el Renacimiento temprano se encuentran Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio y Davide Ghirlandaio . La costumbre fue continuada por Botticelli, quien produjo una serie de Madonnas durante un período de veinte años para los Medici ; Perugino , cuyas Madonnas y santos son conocidos por su dulzura y Leonardo da Vinci , para quien han sobrevivido varias Madonnas pequeñas atribuidas como la Madonna Benois . Incluso Miguel Ángel, que era principalmente escultor, fue persuadido de pintar el Doni Tondo , mientras que Rafael, se encuentran entre sus obras más populares y numerosas.
Pintura del Renacimiento temprano en otras partes de Italia [ editar ]
Andrea Mantegna en Padua y Mantua [ editar ]
Uno de los pintores más influyentes del norte de Italia fue Andrea Mantegna de Padua , quien tuvo la suerte de estar en su adolescencia en la época en que trabajaba allí el gran escultor florentino Donatello . Donatello creó el enorme bronce ecuestre, el primero desde el Imperio Romano, del condotiero Gattemelata , todavía visible en su pedestal en la plaza fuera de la Basílica de San Antonio . También trabajó en el altar mayor y creó una serie de paneles de bronce en los que logró una notable ilusión de profundidad, con perspectiva en los escenarios arquitectónicos y aparente redondez de la forma humana, todo en un relieve muy superficial.
Con solo 17 años, Mantegna aceptó su primer encargo, ciclos de frescos de las Vidas de los Santos Santiago y Cristóbal para la Capilla Ovetari en el crucero de la iglesia de los Eremitani , cerca de la Capilla Scrovegni en Padua. Desafortunadamente, el edificio fue destruido en su mayor parte durante la Segunda Guerra Mundial, y solo se conocen a partir de fotografías que revelan un sentido de perspectiva ya muy desarrollado y un conocimiento de la antigüedad, por lo que la antigua Universidad de Padua se había hecho conocida a principios del siglo XV. siglo. [dieciséis]
La última obra de Mantegna en Padua fue un monumental retablo de San Zeno , creado para el abad de la Basílica de San Zeno , Verona entre 1457 y 1459. [17] Este políptico del que los paneles de la predela son particularmente notables por el manejo de elementos del paisaje, fue para influir en el desarrollo posterior del arte renacentista en el norte de Italia. [17] [18]
La obra más famosa de Mantegna es la decoración interior de la Camera degli Sposi en el palacio ducal de Mantua , fechada alrededor de 1470. Las paredes están pintadas al fresco con escenas de la vida de la familia Gonzaga , hablando, saludando a un hijo menor y a su tutor a su regreso. desde Roma, preparándose para una cacería y otras escenas similares que no hacen referencia evidente a cuestiones históricas, literarias, filosóficas o religiosas. Son notables por tratarse simplemente de la vida familiar. La única concesión es la dispersión de alegres putti alados , que sostienen placas y guirnaldas y trepan a la balaustrada perforada ilusionista que rodea una vista en trampantojo del cielo que cubre el techo de la cámara.[12] El principal legado de Mantegna fue la introducción del ilusionismo espacial, llevado a cabo por un dominio de la perspectiva, tanto en los frescos como en laspinturas de la sacra conversazione : su tradición de decoración de techos se siguió durante casi tres siglos.
Antonello da Messina [ editar ]
En 1442 Alfonso V de Aragón se convirtió en gobernante de Nápoles , trayendo consigo una colección de pinturas flamencas y creando una Academia Humanista . Antonello da Messina parece haber tenido acceso a la colección del Rey, que puede haber incluido las obras de Jan van Eyck . [19] Evidencia reciente indica que Antonello probablemente estuvo en contacto con el seguidor más consumado de Van Eyck, Petrus Christus , en Milán a principios de 1456 y probablemente aprendió las técnicas de la pintura al óleo, incluida la pintura de detalles casi microscópicos y diminutas gradaciones de luz, directamente de Christus. . [20] Además, las expresiones más tranquilas de sus obras en los rostros de las personas y la calma en la composición general de las obras también parecen tener una influencia holandesa. [21] Antonello fue a Venecia en 1475 y permaneció allí hasta el otoño de 1476, por lo que es probable que Antonello transmitiera las técnicas del uso de pinturas al óleo, [22] pintando la gradación de la luz y los principios de la calma a los pintores venecianos . incluido Giovanni Bellini, uno de los pintores más importantes del Alto Renacimiento en el norte de Italia, durante esa visita. [23] [2] [16]
Antonello pintó en su mayoría pequeños retratos meticulosos en colores brillantes. Pero una de sus obras más famosas, San Jerónimo en su estudio , demuestra su capacidad superior para manejar la luz y la perspectiva lineal. La composición del pequeño cuadro está enmarcada por un arco gótico tardío, a través del cual se ve un interior, doméstico por un lado y eclesiástico por el otro, en cuyo centro el santo se sienta en un corral de madera rodeado de sus posesiones mientras su león merodea en las sombras del suelo. La forma en que la luz fluye a través de cada puerta y ventana proyectando luz natural y reflejada a través de la arquitectura y todos los objetos habría emocionado a Piero della Francesca . [2] [16]
Progresión hacia el Alto Renacimiento [ editar ]
Mecenazgo y Humanismo [ editar ]
En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso las que se hicieron como decoración para iglesias, fueron generalmente encargadas y pagadas por patrocinadores privados. Gran parte del patrocinio provenía de la familia Medici , o de aquellos que estaban estrechamente asociados o relacionados con ellos, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.
En la década de 1460, Cosme de 'Medici había establecido a Marsilio Ficino como su filósofo humanista residente , y facilitó su traducción de Platón y su enseñanza de la filosofía platónica , que se centró en la humanidad como centro del universo natural, en la relación personal de cada persona con Dios. y sobre el amor fraterno o "platónico" como lo más cercano que una persona puede llegar a emular o comprender el amor de Dios. [24]
En el período medieval , todo lo relacionado con el período clásico se percibía como asociado con el paganismo. En el Renacimiento se asoció cada vez más con la ilustración . Las figuras de la mitología clásica comenzaron a adquirir un nuevo papel simbólico en el arte cristiano y, en particular, la Diosa Venus asumió una nueva discreción. Nacida completamente formada, por una especie de milagro, fue la nueva Eva , símbolo del amor inocente, o incluso, por extensión, símbolo de la misma Virgen María . Vemos a Venus en ambos roles en las dos famosas pinturas al temple que Botticelli hizo en la década de 1480 para el sobrino de Cosimo, Pierfrancesco de 'Medici , la Primavera.y el nacimiento de Venus . [25]
Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio , un dibujante meticuloso y preciso y uno de los mejores retratistas de su época, ejecutó dos ciclos de frescos para los asociados de los Medici en dos de las iglesias más grandes de Florencia, la Capilla Sassetti en Santa Trinita y la Capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella. . En estos ciclos de la Vida de San Francisco y la Vida de la Virgen María y la Vida de Juan Bautista hubo lugar para los retratos de los mecenas y de los mecenas de los mecenas. Gracias al patrocinio de Sassetti, hay un retrato del propio hombre, con su empleador, Lorenzo il Magnificoy los tres hijos de Lorenzo con su tutor, el poeta y filósofo humanista, Agnolo Poliziano . En la Capilla Tornabuoni hay otro retrato de Poliziano, acompañado por los otros miembros influyentes de la Academia Platónica, incluido Marsilio Ficino. [24]
Influencia flamenca [ editar ]
Aproximadamente desde 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden y posiblemente antes, los artistas conocieron el medio de la pintura al óleo . Mientras que tanto el temple como el fresco se prestaban a la representación de patrones, ninguno presentaba una forma exitosa de representar texturas naturales de manera realista. El medio altamente flexible de los óleos, que podía hacerse opaco o transparente, y permitía alteraciones y adiciones durante días después de haber sido colocado, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.
En 1483 llegó a Florencia el enorme retablo de la Adoración de los Pastores pintado por Hugo van der Goes . Pintado ya en 1475 a instancias de la familia Portinari, fue enviado desde Brujas e instalado en la Capilla de Sant 'Egidio en el hospital de Santa Maria Nuova. El retablo resplandece con intensos rojos y verdes, contrastando con las lustrosas túnicas de terciopelo negro de los donantes Portinari. En primer plano hay una naturaleza muertade flores en recipientes contrastantes, uno de cerámica vidriada y otro de vidrio. El jarrón de cristal por sí solo fue suficiente para llamar la atención. Pero el aspecto más influyente del tríptico fue la calidad extremadamente natural y realista de los tres pastores con barbas sin afeitar, manos desgastadas por el trabajo y expresiones que van desde la adoración hasta el asombro y la incomprensión. Domenico Ghirlandaio pintó rápidamente su propia versión, con una hermosa Virgen italiana en lugar de la flamenca de rostro alargado, y él mismo, gesticulando teatralmente, como uno de los pastores. [12]
Comisión papal [ editar ]
En 1477, el Papa Sixto IV reemplazó la antigua capilla abandonada del Vaticano en la que se llevaban a cabo muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planeado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel medio, con una serie de retratos pintados de papas encima de ellos. En 1480, un grupo de artistas de Florencia recibió el encargo de la obra: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli . Este ciclo de frescos debía representar Historias de la vida de Moisés en un lado de la capilla e Historias de la vida de Cristo.por el otro con los frescos que se complementan en tema. La Natividad de Jesús y el Hallazgo de Moisés estaban adyacentes en la pared detrás del altar, con un retablo de la Asunción de la Virgen entre ellos. Estas pinturas, todas de Perugino, fueron luego destruidas para pintar el Juicio Final de Miguel Ángel .
Las 12 imágenes restantes indican el virtuosismo que habían alcanzado estos artistas y la cooperación obvia entre personas que normalmente empleaban estilos y habilidades muy diferentes. Las pinturas dieron una gama completa a sus capacidades, ya que incluían un gran número de figuras de hombres, mujeres y niños y personajes que iban desde ángeles guías hasta faraones enfurecidos y el mismo diablo. Cada pintura requería un paisaje . Por la escala de las figuras que acordaron los artistas, en cada cuadro, el paisaje y el cielo ocupan toda la mitad superior de la escena. A veces, como en la escena de Botticelli de La purificación del leproso , hay pequeñas narrativas adicionales que tienen lugar en el paisaje, en este casoLas tentaciones de Cristo .
La escena de Perugino de Cristo dando las llaves a San Pedro destaca por la claridad y sencillez de su composición, la belleza de la pintura figurativa, que incluye un autorretrato entre los espectadores, y especialmente la perspectiva del paisaje urbano que incluye referencias a El ministerio de Pedro en Roma por la presencia de dos arcos de triunfo , y colocado en el centro de un edificio octogonal que podría ser un baptisterio cristiano o un mausoleo romano . [26]
Pintura del Alto Renacimiento [ editar ]
El Alto Renacimiento de la pintura fue la culminación de los variados medios de expresión [27] y varios avances en la técnica de la pintura, como la perspectiva lineal, [28] la representación realista de características tanto físicas [29] como psicológicas, [30] y el manipulación de la luz y la oscuridad, incluyendo el contraste tonal, el sfumato (suavizar la transición entre los colores) y el claroscuro (contraste entre la luz y la oscuridad), [31] en un solo estilo unificador [32] que expresa el orden compositivo total, el equilibrio y la armonía. [33]En particular, las partes individuales de la pintura tenían una relación compleja pero equilibrada y bien entrelazada con un todo dinámico. [34] La pintura del Alto Renacimiento se considera el cenit absoluto de la pintura occidental [35] y logró el equilibrio y la reconciliación, en armonía, de posiciones artísticas contradictorias y aparentemente mutuamente excluyentes, como real versus ideal, movimiento versus reposo, libertad contra ley, espacio contra plano y línea contra color. [36]
La mayoría de los historiadores del arte afirman que el Alto Renacimiento comenzó alrededor de 1495 o 1500 [37] y terminó en 1520 con la muerte de Rafael , [38] aunque algunos dicen que el Alto Renacimiento terminó alrededor de 1525 [39] o en 1527 con el Saqueo de Roma por el ejército de Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico , [40] o alrededor de 1530. [41] Muchos citan La Última Cena de Leonardo da Vinci , iniciada en 1495 y terminada en 1498, como la primera obra del Alto Renacimiento. [42] En su libro, A History of Art: Painting, Sculpture and ArchitectureEn 1985, Frederick Hartt afirma que de 1520 a 1530 fue un período de transición entre el Alto Renacimiento y el Manierismo. El Alto Renacimiento estuvo dominado por tres pintores: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael; mientras que Giovanni Bellini, Giorgione y Tiziano fueron los líderes de la pintura veneciana del Alto Renacimiento, siendo Correggio y Andrea del Sarto otros pintores importantes del estilo del Alto Renacimiento.
Leonardo da Vinci [ editar ]
Leonardo (1452-1519) pasó sus años de formación formándose en el taller de Verrocchio en Florencia antes de trasladarse a Milán, donde trabajó desde 1482 hasta 1499 antes de regresar a Florencia de 1500 a 1506. Debido al alcance de sus intereses y al extraordinario grado de talento que demostró en tantas áreas diversas, se le considera como el arquetipo del " hombre del Renacimiento ". Pero fue ante todo como pintor que fue admirado en su propio tiempo, y como pintor, se basó en el conocimiento que obtuvo de sus otros intereses.
Leonardo fue un observador científico. Aprendió mirando cosas. Estudió y dibujó las flores de los campos, los remolinos del río, la forma de las rocas y las montañas, la forma en que la luz se reflejaba en el follaje y brillaba en una joya. En particular, estudió la forma humana, diseccionando treinta o más cadáveres no reclamados de un hospital para comprender músculos y tendones.
Leonardo alcanzó un grado de realismo en la expresión de la emoción humana, prefigurado por Giotto pero desconocido desde Adán y Eva de Masaccio . La Última Cena de Leonardo , pintada entre 1495 y 1498 en el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie (Milán) , se convirtió en el referente de la pintura narrativa religiosa durante el próximo medio milenio. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron versiones de la Última Cena , pero sólo la de Leonardo estaba destinada a ser reproducida en innumerables ocasiones en madera, alabastro, yeso, litografía, tapiz, crochet y tapetes.
Más que ningún otro artista, avanzó en el estudio y la pintura de la "atmósfera". En sus pinturas como La Mona Lisa (c.1503-1517) y La Virgen de las rocas (1483-1486) (la primera obra completa íntegramente de su mano), utilizó la luz y la sombra con tal sutileza que, a falta de una mejor palabra, se conoció como el "sfumato" o "humo" de Leonardo. Mostró un uso revolucionario del color al definir la transición entre figuras mediante la modulación del color en lugar de mediante líneas reales. [43] Su trabajo invitó al espectador a un mundo misterioso de sombras cambiantes, montañas caóticas y torrentes arremolinados. Otra obra significativa de Leonardo fue La Virgen y el Niño con Santa Ana.(c.1503-1519); la monumentalidad tridimensional del grupo y los calculados efectos de dinamismo y tensión en la composición lo convirtieron en un modelo que inspiró a clasicistas y manieristas por igual. [44] Aparte del impacto directo de las obras en sí, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, el paisaje y la expresión humana se difundieron en parte gracias a su generosidad con un séquito de estudiantes. [45]
Miguel Ángel [ editar ]
En 1508, el Papa Julio II logró que el escultor florentino Miguel Ángel (1475-1564) aceptara continuar el esquema decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina se construyó de tal manera que había doce pechinas inclinadas que sostenían la bóveda que formaban superficies ideales para pintar a los Doce Apóstoles . Miguel Ángel pronto ideó un esquema completamente diferente, mucho más complejo tanto en diseño como en iconografía. La escala del trabajo, que ejecutó con una sola mano a excepción de la asistencia manual, fue titánica y tardó casi cinco años en completarse.
El plan del Papa para los Apóstoles habría formado temáticamente un vínculo pictórico entre las narraciones del Antiguo y Nuevo Testamento en las paredes y los papas en la galería de retratos. [26] Son los doce apóstoles , y su líder Pedro como primer obispo de Roma, los que hacen ese puente. Pero el plan de Miguel Ángel fue en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el gran plan de Dios para la salvación de la humanidad. El tema trata sobre la desgracia de la humanidad. Se trata de por qué la humanidad y la fe necesitaban a Jesús. [46]
Superficialmente, el techo es una construcción humanista . Las figuras son de dimensión sobrehumana y, en el caso de Adán , de tal belleza que, según el biógrafo Vasari , realmente parece como si Dios mismo hubiera diseñado la figura, en lugar de Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras individuales, Miguel Ángel no ha glorificado el estado humano y ciertamente no ha presentado el ideal humanista del amor platónico . De hecho, los antepasados de Cristo, que pintó alrededor de la sección superior de la pared, demuestran todos los peores aspectos de las relaciones familiares, mostrando disfunciones en tantas formas diferentes como familias hay. [46]
Vasari elogió los aparentemente infinitos poderes de invención de Miguel Ángel al crear posturas para las figuras. Rafael , a quien Bramante le dio un adelanto después de que Miguel Ángel se bajó el pincel y se marchó furioso a Bolonia, pintó al menos dos figuras imitando a los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de Sant 'Agostino y la otra en el Vaticano . su retrato del propio Miguel Ángel en La escuela de Atenas . [26] [47] [48]
La obra posterior de Miguel Ángel, El Juicio Final , pintada en el muro del altar de la Capilla Sixtina entre 1534 y 1541, muestra un estilo manierista, con cuerpos generalmente alargados, que tomó el relevo del estilo alto renacentista entre 1520 y 1530.
Rafael [ editar ]
Con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , el nombre de Rafael (1483-1520) es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era más joven que Miguel Ángel en 18 años y Leonardo en casi 30 y murió a la edad de 37 sólo un año después de Leonardo. No se puede decir que avanzó mucho en el estado de la pintura como lo hicieron sus dos famosos contemporáneos. Más bien, su trabajo fue la culminación de todos los desarrollos del Alto Renacimiento.
Rafael nació hijo de un pintor, por lo que su carrera, a diferencia de la de Miguel Ángel, que era hijo de una nobleza menor, se decidió sin discusión. Algunos años después de la muerte de su padre trabajó en el taller de Perugino en Umbría , excelente pintor y soberbio técnico. Su primer cuadro firmado y fechado, realizado a los 21 años, es el Desposorio de la Virgen , que inmediatamente revela su origen en el Cristo de Perugino que entrega las Llaves a San Pedro . [dieciséis]
Rafael, que se trasladó a Florencia en 1504 y a Roma en 1508, se basó sin vergüenza en las habilidades de los pintores de renombre cuya vida abarcaba la suya. En sus obras se unen las cualidades individuales de numerosos pintores diferentes. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, el retrato realista de Ghirlandaio, el realismo y la iluminación de Leonardo y el poderoso dibujo de Miguel Ángel se unificaron en las pinturas de Rafael. En su corta vida ejecutó una serie de grandes retablos, un impresionante fresco clásico de la ninfa del mar, Galatea, retratos sobresalientes con dos papas y un escritor famoso entre ellos, y, mientras Miguel Ángel pintaba el techo de la Capilla Sixtina , una serie de paredes frescos en las Salas de Rafael de laCercano al Palacio Apostólico , del cual la Escuela de Atenas (1509–11) en la Stanza della Segnatura es singularmente significativa. Este fresco representa una reunión de todos los antiguos atenienses más eruditos, reunidos en un gran escenario clásico en torno a la figura central de Platón , a quien Rafael ha modelado a partir de Leonardo da Vinci . La inquietante figura de Heráclito, sentado junto a un gran bloque de piedra, es un retrato de Miguel Ángel y es una referencia a la pintura de este último del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato está a la derecha, al lado de su maestro, Perugino. [49]
Pero la principal fuente de popularidad de Rafael no fueron sus obras principales, sino sus pequeños cuadros florentinos de la Virgen y el Niño Jesús. Una y otra vez pintó, en poses ligeramente diferentes, una mujer rubia similar, regordeta y de rostro tranquilo, y sus bebés regordetes, probablemente el más famoso es La Belle Jardinière ("La Virgen del hermoso jardín"), ahora en el Louvre . Su obra más grande, la Madonna Sixtina , utilizada como diseño para innumerables vidrieras , ha llegado, en el siglo XXI, a proporcionar la imagen icónica de dos pequeños querubines que se ha reproducido en todo, desde servilletas de papel hasta paraguas. [50] [51]
Giovanni Bellini [ editar ]
Un líder de la pintura veneciana , Giovanni Bellini (1430-1516) nació dentro de un año de su hermano Gentile , su cuñado Mantegna y Antonello da Messina , pero vivió una década más que las dos primeras y casi tres décadas más que este último. Estuvo pintando hasta su muerte y sus obras ilustran varias influencias. Sus primeras obras muestran la influencia de Mantegna con líneas incisivas y colores claramente delineados [52], mientras que después de la estancia de Messina en Venecia de 1475 a 1476, sus obras adoptaron un realismo flamenco y colores luminosos, lo que demuestra que tuvo un gran éxito en la adopción de las técnicas. de pintura al óleo traída por Messina. [53]Primero fue el maestro de Giorgione [54] y Tiziano [55], pero luego fue influenciado por Giorgione, sobre todo al adoptar el tonalismo en el que la pintura se aplica en capas superpuestas creando un suave efecto difuso para que las figuras y los paisajes se unifican en la atmósfera. [56] [57]
Bellini se convirtió en el único gran pintor del siglo XV en cruzar el umbral del estilo del Renacimiento temprano al Alto Renacimiento con obras como Retrato del dux Leonardo Loredan (1501), [58] en el que el dux muestra una tranquilidad que Bellini probablemente aprendió de Messina, [59] y Bautismo de Cristo (1500-1502). Bellini, al igual que Rafael , también produjo numerosas Madonnas pequeñas en un rico color brillante, generalmente de tonalidad más intensa que su contraparte florentina.
Tradicionalmente, en la pintura de los retablos de la Virgen y el Niño , la figura entronizada de la Virgen va acompañada de santos, que se colocan en espacios definidos, separados físicamente en forma de políptico o definidos por límites arquitectónicos pintados. Piero della Francesca usó el nicho clásico como escenario para sus Madonnas entronizadas (con santos agrupados alrededor del trono), como Masaccio lo había usado como escenario para su Santísima Trinidad en Santa Maria Novella .
Bellini utilizó esta misma forma, conocida como Conversaciones Sagradas , en varios de sus retablos posteriores como el de la iglesia veneciana de San Zaccaria (1505). Es una composición magistral que utiliza el tonalismo y extiende la arquitectura real del edificio a la arquitectura ilusionista de la pintura, haciendo del nicho una especie de logia abierta al paisaje y a la luz del día que fluye a través de las figuras de la Virgen y el Niño. las dos santas y el angelito que toca la viola haciéndolos más brillantes que San Pedro y San Jerónimo en primer plano. [60]
Giorgione [ editar ]
A pesar de la brevedad de su carrera (murió en 1510 aproximadamente a los 35 años) [61] y el bajo número de obras universalmente acordadas en ser totalmente de su mano (tan bajo como cuatro o cinco), [62] Giorgione a menudo se acredita como el fundador del estilo veneciano del Alto Renacimiento, [63] aunque diferentes eruditos citan diferentes razones para afirmar esto.
Uno es su creciente uso de gradaciones de color y luz (modulación de color), incluido el sfumato , a menudo logrado por tonalismo, [56] para definir las formas de figuras y paisajes y crear una atmósfera en la que todos los componentes de la pintura están unificados. [64] Algunos creen que puede haberle enseñado esto Leonardo da Vinci, quien se dice que visitó Venecia en 1501. [65] En su Castelfranco Madonna , 1505, el uso de la línea y la modulación de color están igualmente equilibrados, pero en La tempestad , c.1510, la modulación del color reemplaza casi por completo la línea creando una visión artística en la que se combinan la humanidad y la naturaleza. [66] Algunos consideran la tempestaduna de las pinturas más importantes producidas en Italia ya que los componentes se mantienen unidos por el color y hay una atmósfera de ensueño de perfecta armonía. [67] Giorgione fue el primer pintor en asignar un papel principal a la naturaleza [68] y siempre que sus pinturas presentan un paisaje, se convierte en una parte integral de la pintura. [69]
La Madonna de Castelfranco , en comparación con el retablo de San Zaccaria similar de Giovanni Bellini , ilustra otra innovación de Giorgione: ajustar las direcciones y posiciones de las figuras, como la lanza sostenida por St. Liberale a la izquierda y los pliegues de la túnica de la Madonna que se colocan. en paralelo, para unificar más los temas. [70] Por último, las pinturas de Giorgione son siempre ambiguas en su significado y abiertas a diferentes interpretaciones. [71] En La tempestad , la mujer desnuda alimentando a un bebé y el hombre vestido, y un relámpago, tal vez representa a Adán y Eva en sus días posteriores al Edén, o tal vez no. [72]Otro cuadro que se le atribuye, Los tres filósofos , puede representar a los magos planeando su viaje en busca del niño Cristo, o puede que no. [73] Ninguna de las pinturas de Giorgione ha tenido una interpretación determinada. [74]
Hasta hace poco, parecía seguro que Giorgione pintó el primer desnudo femenino que se erige, o más bien, yace, como un sujeto para ser retratado y admirado por su belleza solo con la Venus durmiente , 1510. Si bien se había aceptado durante mucho tiempo que Tiziano terminó el paisaje de la pintura después de la muerte de Giorgione, muchos estudiosos del arte se preguntan cada vez más si Giorgione pintó todo el cuerpo femenino. [75]
Tiziano [ editar ]
Tiziano (c. 1490-1576) se formó en el taller de Giovanni Bellini junto a Giorgione y luego asistió a Giorgione. [76] Tras la muerte de Giorgione, fue el monarca de la Escuela Veneciana durante más de 60 años. [77] Sus primeros trabajos muestran fuertes influencias de Bellini y Giorgione, [78] pero pronto tomó los principios de forma y color anunciados por esos dos [79] y estableció el color, no la línea, como el principal determinante en la pintura, [ 80] consumando así el estilo veneciano del Alto Renacimiento. [81] Lo hizo aplicando colores de pasta de pintura en parches uno al lado del otro con pinceladas sueltas y amplias. [82]Esto resaltó la luz y el color en igual medida al mismo tiempo; [83] fue famoso en su época como el maestro de la luz y el color. [84]
Otro punto fuerte de Tiziano fue la composición de sus cuadros. [85] En la Virgen de Pesaro , 1519-1526, mueve a la Virgen desde el centro en lugar de colocarla en el vértice superior de una poderosa línea diagonal (en oposición a la habitual vertical u horizontal) que todavía centra la atención en la Virgen. [86] Esta fue una de las primeras obras en agrupar figuras en una estructura circular ascendente. [87]
Asunción de la Virgen , 1516-1518, también presenta líneas diagonales (formadas por los querubines ubicados alrededor de la Virgen), que llevan el mensaje triunfal de la pintura hacia los niveles superiores de la Iglesia de Frari en Venecia en cuyo altar se encuentra. [88] Este trabajo fue el primero en tener una sugerencia visual de movimiento; [89] Todas las obras de Tiziano tienen un nuevo dinamismo en los movimientos de las personas en comparación con los elementos estáticos de otros pintores del Alto Renacimiento. [90] La Asunción de la Virgen también presenta, como todas sus pinturas, colores brillantes, profundos y ricos debido a la aplicación de capa tras capa de pintura de Tiziano, a veces de diferentes colores. [91]
Tiziano fue también el retratista más buscado de su época y llevó el retrato al mismo nivel de estima que la pintura narrativa. [92] Muy notables son el Retrato ecuestre de Carlos V , 1548, un cuadro ecuestre en una sinfonía de púrpuras, y el retrato del dux Andrea Gritti , gobernante de Venecia, quizás el retrato más poderoso de Tiziano.
A medida que Tiziano envejecía, mantuvo un estilo generalmente alto renacentista hasta sus últimos años, cuando la figura casi se disolvió en el movimiento del color, [93] por lo que se aisló cada vez más de la corriente principal de la pintura italiana, que se había movido casi por completo hacia el manierismo. en 1530. [94] En muchos sentidos, Tiziano puede ser considerado el fundador de la pintura moderna. [95]
Correggio [ editar ]
Correggio (1489-1534), que nunca visitó Roma, pero debe haber visto las obras de Rafael, Miguel Ángel y Tiziano, trabajó en un estilo personal del Alto Renacimiento en Parma, en el norte de Italia. [96] Inventó el cielo abierto lleno de figuras flotantes en la cúpula de la iglesia, que se convirtió en un sello distintivo del período barroco del siglo XVII con su Visión de San Juan Evangelista , 1520-1524, en San Giovanni Evangelista de Parma, y la Asunción de la Virgen , 1526-1530, en la catedral de Parma. [97] Un estudioso del arte afirma que en este último, Correggio crea una “ilusión deslumbrante: la arquitectura de la cúpula parece disolverse y la forma parece explotar a través del edificio atrayendo al espectador hacia el remolino de santos y ángeles que corren hacia arriba para acompañar la Virgen en el cielo ". [98]
En esas cúpulas y otras obras, su atrevido uso de la perspectiva, generalmente al establecer un color oscuro contra colores claros para realzar la ilusión de profundidad, se describe como asombroso. [99] Su principal interés era pintar con luz y anticipa los efectos que logrará Caravaggio a principios del próximo siglo. [100] Su dominio del escorzo (que hace que los objetos parezcan más cortos porque están inclinados hacia el espectador) para crear perspectiva se describe como quizás el más hábil de todos los tiempos. [101]
En Júpiter e Ío , 1531-1532, Correggio pintó un fuerte contraste entre la figura luminosa de Ío y las nubes suaves pero oscuras que llenan el cielo, [102] que parecen envolver el cuerpo reluciente de Ío. [103] Correggio fue capaz de ejecutar el efecto difuso de las nubes, neblina o neblina perfectamente [104] y junto con la modulación de color infunde a sus personajes una clara sensación de ingravidez. [105] Pintó la carne de una manera delicada y voluptuosa que nunca ha sido superada [106] y presenta un nuevo concepto de belleza femenina solo redescubierto durante el período rococó . [107]Correggio tuvo muchos alumnos, pero ninguno continuó con su estilo, pero prefiguró muchos componentes de la pintura barroca . [108]
Otros pintores importantes del Alto Renacimiento [ editar ]
Andrea del Sarto (1486-1530), un florentino, se basó tanto en Miguel Ángel como en Rafael en su trabajo, pero fue mucho más allá de ellos en la representación de expresiones faciales y gestos, como se evidencia en Madonna of the Harpies , 1517. [109] Su las figuras muestran una mayor individualidad que las obras anteriores del Alto Renacimiento, sin perder nada de la nobleza. [110] En la década de 1520, se mantuvo fiel a los ideales del Alto Renacimiento, como en las composiciones pictóricas [111] y con los rostros de sus figuras generalmente tranquilos y, a menudo, hermosos, sin mostrar nada del tormento de sus contemporáneos manieristas. , [112] algunos de los cuales fueron sus alumnos. [113]
Lorenzo Lotto (1480-1556), uno de los pintores del Alto Renacimiento más importantes de Venecia, [114] también pasó un tiempo en otras áreas del norte de Italia, quizás debido a su mayor enfoque en los detalles realistas y en la línea que en el color comparado. a la escuela veneciana, no fue muy apreciado en Venecia. [115] Si bien pintó una variedad de temas, fue un excelente retratista que tenía una habilidad superior para ver el alma de sus sujetos y retratar una profundidad de sentimiento en la pintura. [116] Por lo general, incluía otros objetos en el fondo o el primer plano del retrato para retratar el carácter del sujeto. [117]
Influencia de la pintura del Renacimiento italiano [ editar ]
Las vidas de Miguel Ángel y Tiziano se extendieron hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XVI. Ambos vieron sus estilos y los de Leonardo , Mantegna , Giovanni Bellini , Antonello da Messina y Rafael adaptados por pintores posteriores para formar un estilo dispar conocido como manierismo , y avanzar constantemente hacia la gran efusión de imaginación y virtuosismo pictórico del período barroco .
Los artistas que más extendieron las tendencias en las grandes composiciones figurativas de Tiziano fueron Tintoretto y Veronese , aunque Tintoretto es considerado por muchos como un manierista. El conocimiento de Rembrandt de las obras tanto de Tiziano como de Rafael es evidente en sus retratos. Las influencias directas de Leonardo y Rafael sobre sus propios alumnos afectaron a generaciones de artistas, incluidos Poussin y escuelas de pintores clásicos de los siglos XVIII y XIX. La obra de Antonello da Messina tuvo una influencia directa en Alberto Durero y Martin Schongauer y, a través de los grabados de este último, innumerables artistas, incluidas las escuelas de vidrieras alemana, holandesa e inglesa.fabricantes que se extienden hasta principios del siglo XX. [dieciséis]
El techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y más tarde El Juicio Final tuvieron una influencia directa en las composiciones figurativas, primero de Rafael y sus alumnos y luego de casi todos los pintores posteriores del siglo XVI que buscaron formas nuevas e interesantes de representar la forma humana. Es posible rastrear su estilo de composición figurativa a través de Andrea del Sarto , Pontormo , Bronzino , Parmigianino , Veronese , hasta el Greco , Carracci , Caravaggio , Rubens , Poussin y Tiepolo tanto en el Clásico.y los pintores románticos del siglo XIX como Jacques-Louis David y Delacroix .
Bajo la influencia de la pintura del Renacimiento italiano , se fundaron muchas academias de arte modernas, como la Real Academia , y fue específicamente para recopilar las obras del Renacimiento italiano que algunas de las colecciones de arte más conocidas del mundo, como la Nacional Se formó Gallery, Londres .
Ver también [ editar ]
- Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos
- Viejo maestro
- Cronología de los artistas italianos hasta 1800
Notas y referencias [ editar ]
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