Paul Jackson Pollock / p ɒ l ə k / (enero 28, 1912 a agosto 11, 1956 ) fue un pintor y una figura importante en el expresionista abstracto movimiento.
Jackson Pollock | |
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Nació | Paul Jackson Pollock 28 de enero de 1912 Cody, Wyoming , Estados Unidos |
Fallecido | 11 de agosto de 1956 Springs, Nueva York , EE. UU. | (44 años)
Educación | Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York |
Conocido por | Cuadro |
Trabajo notable |
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Movimiento | Expresionismo abstracto |
Esposos) | |
Patrón (s) | Peggy Guggenheim |
Fue ampliamente conocido por su técnica de verter o salpicar pintura doméstica líquida sobre una superficie horizontal ("técnica de goteo"), lo que le permite ver y pintar sus lienzos desde todos los ángulos. También se le llamó pintura integral y " pintura de acción ", ya que cubrió todo el lienzo y usó la fuerza de todo su cuerpo para pintar, a menudo en un estilo de baile frenético. Esta forma extrema de abstracción dividió a los críticos: algunos elogiaron la inmediatez de la creación, mientras que otros se burlaron de los efectos aleatorios. En 2016, se informó que la pintura de Pollock titulada Número 17A se vendió por 200 millones de dólares en una compra privada.
Pollock, una personalidad solitaria y volátil, luchó contra el alcoholismo durante la mayor parte de su vida. En 1945 se casó con el artista Lee Krasner , quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado. Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico relacionado con el alcohol cuando conducía. En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York. En 1967 se llevó a cabo una exposición más amplia y completa de su trabajo. En 1998 y 1999, su trabajo fue honrado con exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y en The Tate de Londres. [1] [2]
Vida temprana (1912-1936)
Paul Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming , en 1912, [3] el menor de cinco hijos. Sus padres, Stella May (de soltera McClure) y LeRoy Pollock, nacieron y crecieron en Tingley, Iowa , y se educaron en Tingley High School. La madre de Pollock está enterrada en el cementerio de Tingley, condado de Ringgold, Iowa . Su padre había nacido con el apellido McCoy, pero tomó el apellido de sus padres adoptivos, vecinos que lo adoptaron después de que sus propios padres murieran con un año de diferencia entre ellos. Stella y LeRoy Pollock eran presbiterianos ; eran de ascendencia irlandesa y escocesa-irlandesa , respectivamente. [4] LeRoy Pollock era un agricultor y más tarde un agrimensor para el gobierno, moviéndose para diferentes trabajos. [3] Stella, orgullosa de la herencia de su familia como tejedora, fabricaba y vendía vestidos cuando era adolescente. [5] En noviembre de 1912, Stella llevó a sus hijos a San Diego; Jackson tenía solo 10 meses y nunca volvería con Cody. [5] Posteriormente creció en Arizona y Chico, California .
Mientras vivía en el barrio de Vermont Square de Los Ángeles, se matriculó en Manual Arts High School , [6] de la que fue expulsado. Ya había sido expulsado en 1928 de otra escuela secundaria. Durante sus primeros años de vida, Pollock exploró la cultura nativa americana mientras realizaba viajes topográficos con su padre. [3] [7] También estuvo fuertemente influenciado por los muralistas mexicanos , en particular José Clemente Orozco , [8] [9] cuyo fresco Prometeo llamaría más tarde "la pintura más grande de América del Norte". [10]
En 1930, siguiendo a su hermano mayor Charles Pollock , se mudó a la ciudad de Nueva York, donde ambos estudiaron con Thomas Hart Benton en la Art Students League . El tema americano rural de Benton tuvo poca influencia en el trabajo de Pollock, pero su uso rítmico de la pintura y su feroz independencia fueron más duraderos. [3] A principios de la década de 1930, Pollock pasó un verano recorriendo el oeste de Estados Unidos junto con Glen Rounds , un compañero de estudios de arte, y Benton, su profesor. [11] [12]
Carrera (1936-1954)
Pollock conoció el uso de pintura líquida en 1936 en un taller experimental en la ciudad de Nueva York por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros . Se utiliza pintura después de verter como una de varias técnicas de lienzos de la década de 1940, como masculino y femenino y Composición con Verter I . Después de su mudanza a Springs, comenzó a pintar con sus lienzos colocados en el piso del estudio y desarrolló lo que más tarde se llamó su técnica de " goteo ".
De 1938 a 1942, Pollock trabajó para el Proyecto de Arte Federal de la WPA . [13] Durante este tiempo, Pollock estaba tratando de lidiar con su alcoholismo establecido; de 1938 a 1941 se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson y más tarde con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941–42. Henderson lo involucró a través de su arte, alentando a Pollock a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos de Jung se expresaron en sus pinturas. [14] [15] Algunos historiadores [ ¿quién? ] han planteado la hipótesis de que Pollock podría haber tenido trastorno bipolar . [16] Pollock firmó un contrato de galería con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Recibió el encargo de crear el Mural de 8 por 20 pies (2,4 por 6,1 m) (1943) [17] para la entrada a su nueva casa. Por sugerencia de su amigo y asesor Marcel Duchamp , Pollock pintó la obra sobre lienzo, en lugar de la pared, para que fuera portátil. Después de ver el gran mural, el crítico de arte Clement Greenberg escribió: "Le eché un vistazo y pensé: 'Eso es un gran arte', y supe que Jackson era el mejor pintor que había producido este país". [18] El catálogo que presenta su primera exposición describía el talento de Pollock como "volcánico. Tiene fuego. Es impredecible. Es indisciplinado. Se derrama de sí mismo en una prodigalidad mineral, aún no cristalizada". [19]
Período de goteo
Las pinturas más famosas de Pollock se realizaron durante el "período de goteo" entre 1947 y 1950. Se hizo famoso después de una publicación de cuatro páginas del 8 de agosto de 1949 en la revista Life que preguntaba: "¿Es el pintor vivo más grande de los Estados Unidos?" Gracias a la mediación de Alfonso Ossorio , íntimo amigo de Pollock y del historiador del arte Michel Tapié , el joven galerista Paul Facchetti , desde el 7 de marzo de 1952, logró realizar la primera exposición de las obras de Pollock de 1948 a 1951 [20] en su Studio Paul Facchetti en París y en Europa. [21] En la cima de su fama, Pollock abandonó abruptamente el estilo de goteo. [22]
El trabajo de Pollock después de 1951 fue de color más oscuro, incluida una colección pintada en negro sobre lienzos sin imprimar . Estas pinturas han sido conocidas como sus "vertidos negros" y cuando las exhibió en la Galería Betty Parsons en Nueva York, ninguna se vendió. Parsons luego vendió uno a un amigo a mitad de precio. Estas obras muestran a Pollock intentando encontrar un equilibrio entre la abstracción y las representaciones de la figura . [23]
Más tarde volvió a usar el color y continuó con elementos figurativos. [24] Durante este período, Pollock se había trasladado a la Sidney Janis Gallery , una galería más comercial; la demanda de su trabajo por parte de los coleccionistas fue grande. En respuesta a esta presión, junto con la frustración personal, su alcoholismo se profundizó. [25]
Relación con Lee Krasner
Los dos artistas se conocieron mientras ambos exhibían en la McMillen Gallery en 1942. Krasner no estaba familiarizado, pero estaba intrigado con el trabajo de Pollock y fue a su apartamento, sin previo aviso, para encontrarse con él después de la exposición de la galería. [26] En octubre de 1945, Pollock y Lee Krasner se casaron en una iglesia con dos testigos presentes para el evento. [27] En noviembre, se mudaron fuera de la ciudad al área de Springs de East Hampton en la costa sur de Long Island . Con la ayuda de un préstamo para el pago inicial de Peggy Guggenheim, compraron una casa con estructura de madera y un granero en 830 Springs Fireplace Road. Pollock convirtió el granero en un estudio. En ese espacio perfeccionó su gran técnica de "goteo" de trabajar con pintura, con la que se identificaría permanentemente. Cuando la pareja se encontró libre del trabajo, disfrutaron pasar el tiempo juntos cocinando y horneando, trabajando en la casa y el jardín y entreteniendo a sus amigos. [28]
La influencia de Krasner en el arte de su esposo fue algo que los críticos comenzaron a reevaluar en la segunda mitad de la década de 1960 debido al auge del feminismo en ese momento. [29] El amplio conocimiento y la formación de Krasner en arte y técnicas modernas la ayudaron a poner a Pollock al día con lo que debería ser el arte contemporáneo. A menudo se considera que Krasner le enseñó a su marido los principios dominantes de la pintura modernista. [30] [31] Pollock pudo entonces cambiar su estilo para adaptarse a un género de arte moderno más organizado y cosmopolita, y Krasner se convirtió en el único juez en el que podía confiar. [30] [32] Al comienzo del matrimonio de los dos artistas, Pollock confiaba en las opiniones de su contraparte sobre lo que funcionaba y lo que no en sus piezas. [32] Krasner también fue responsable de presentarle a muchos coleccionistas, críticos y artistas, incluido Herbert Matter , que lo ayudaría a avanzar en su carrera como artista emergente. [33] John Bernard Myers, un conocido comerciante de arte, fue citado una vez diciendo que "nunca habría existido un Jackson Pollock sin un Lee Pollock", mientras que su compañero pintor Fritz Bultman se refirió a Pollock como la "creación de Krasner, su Frankenstein". ambos hombres reconocen el inmenso impacto que Krasner tuvo en la carrera de Pollock. [34]
Los historiadores del arte a menudo discuten la influencia de Jackson Pollock en la obra de arte de su esposa. Mucha gente pensó que Krasner comenzó a reproducir y reinterpretar las caóticas salpicaduras de pintura de su esposo en su propio trabajo. [35] Hay varios relatos en los que Krasner pretendía utilizar su propia intuición, como una forma de avanzar hacia la técnica "Yo soy la naturaleza" de Pollock para reproducir la naturaleza en su arte. [36] El mayor desafío de Krasner como artista fue establecer una separación entre ella y su esposo que no fuera estrictamente la alteridad de una mujer. [37]
Años posteriores y muerte (1955-1956)
En 1955, Pollock pintó Scent and Search , sus dos últimos cuadros. [38] No pintó nada en 1956, pero estaba haciendo esculturas en la casa de Tony Smith : construcciones de alambre, gasa y yeso. [24] Formados por fundición de arena, tienen superficies muy texturizadas similares a las que Pollock creaba a menudo en sus pinturas. [39]
La relación de Pollock y Krasner comenzó a desmoronarse en 1956, debido al continuo alcoholismo e infidelidad de Pollock que involucraba a Ruth Kligman . [40] El 11 de agosto de 1956, a las 10:15 pm, Pollock murió en un accidente automovilístico en su Oldsmobile convertible mientras conducía bajo los efectos del alcohol. En ese momento, Krasner estaba visitando amigos en Europa y regresó abruptamente al escuchar la noticia de un amigo. [40] Uno de los pasajeros, Edith Metzger, también murió en el accidente, que ocurrió a menos de una milla de la casa de Pollock. La otra pasajera, Ruth Kligman, artista y amante de Pollock, sobrevivió. [41] En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York. En 1967 se llevó a cabo una exposición más amplia y completa de su trabajo. En 1998 y 1999, su trabajo fue honrado con exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y en The Tate de Londres. [1] [2]
Durante el resto de su vida, su viuda Lee Krasner administró su patrimonio y se aseguró de que la reputación de Pollock siguiera siendo sólida a pesar de las cambiantes tendencias del mundo del arte. La pareja está enterrada en el cementerio de Green River en Springs con una gran roca marcando su tumba y una más pequeña marcando la de ella.
Arte
Influencia y técnica
El trabajo de Thomas Hart Benton , Pablo Picasso y Joan Miró influyó en Pollock. [42] [43] [44] Pollock comenzó a usar pinturas a base de resinas sintéticas llamadas esmaltes alquídicos , que en ese momento eran un medio novedoso. Pollock describió este uso de pinturas para el hogar, en lugar de pinturas de artistas, como "un crecimiento natural de una necesidad". [45] Usó pinceles endurecidos, palos e incluso jeringas para hilvanar como aplicadores de pintura. Se cree que la técnica de Pollock de verter y gotear pintura es uno de los orígenes del término pintura de acción . Con esta técnica, Pollock pudo lograr un medio más inmediato de crear arte, la pintura ahora fluye literalmente de la herramienta elegida al lienzo. Al desafiar la convención de pintar sobre una superficie vertical, agregó una nueva dimensión al poder ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas las direcciones.
Una influencia definitiva en Pollock fue el trabajo de la artista estadounidense ucraniana Janet Sobel (1894-1968) (nacida Jennie Lechovsky). [46] Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en su The Art of This Century Gallery en 1945. [47] Jackson Pollock y el crítico de arte Clement Greenberg vieron el trabajo de Sobel allí en 1946 y más tarde Greenberg señaló que Sobel era "una influencia directa en el goteo de Jackson Pollock técnica de pintura ". [48] En su ensayo "Pintura de tipo americano", Greenberg señaló que esas obras eran las primeras pinturas completas que había visto, y dijo: "Pollock admitió que estas imágenes le habían impresionado". [49]
Mientras pintaba de esta manera, Pollock se alejó de la representación figurativa y desafió la tradición occidental de usar caballete y pincel. Utilizó la fuerza de todo su cuerpo para pintar, que se expresaba en los grandes lienzos. En 1956, la revista Time apodó a Pollock "Jack the Dripper" debido a su estilo de pintura. [50]
- Mi pintura no viene del caballete. Prefiero clavar el lienzo sin estirar a la pared dura o al piso. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo estoy más a gusto. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que así puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente en la pintura.
- Sigo alejándome de las herramientas habituales del pintor como caballete, paleta, pinceles, etc. Prefiero palos, paletas, cuchillos y pintura fluida que gotea o un empaste pesado con arena, vidrios rotos u otra materia extraña agregada.
- Cuando estoy en mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Es sólo después de una especie de período de "familiarización" que me doy cuenta de lo que he estado haciendo. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Trato de dejarlo pasar. Solo cuando pierdo el contacto con la pintura el resultado es un desastre. De lo contrario, hay armonía pura, un toma y daca fácil, y la pintura sale bien.
- —Jackson Pollock, My Painting , 1956 [51]
- Cuando estoy en mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Es sólo después de una especie de período de "familiarización" que me doy cuenta de lo que he estado haciendo. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Trato de dejarlo pasar. Solo cuando pierdo el contacto con la pintura el resultado es un desastre. De lo contrario, hay armonía pura, un toma y daca fácil, y la pintura sale bien.
Pollock observó demostraciones de pintura de arena de nativos americanos en la década de 1940. Refiriéndose a su estilo de pintar en el suelo, Pollock afirmó: "Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es similar a los métodos de los pintores de arena indios de Occidente ". [52] Otras influencias en su técnica de goteo incluyen los muralistas mexicanos y el automatismo surrealista . Pollock negó su confianza en "el accidente"; por lo general, tenía una idea de cómo quería que apareciera una obra en particular. Su técnica combinaba el movimiento de su cuerpo, sobre el que tenía control, el flujo viscoso de la pintura, la fuerza de la gravedad y la absorción de pintura en el lienzo. Fue una mezcla de factores controlables e incontrolables. Chorreando, goteando, vertiendo y salpicando, se movía enérgicamente por el lienzo, casi como en un baile, y no se detenía hasta que veía lo que quería ver.
El artículo del artista austríaco Wolfgang Paalen sobre el arte totémico de los pueblos indígenas de la Columbia Británica, en el que el concepto de espacio en el arte totémico se considera desde el punto de vista de un artista, también influyó en Pollock; Pollock poseía una copia firmada y dedicada de la revista Amerindian Number of Paalen (DYN 4-5, 1943). También había visto las pinturas surrealistas de Paalen en una exposición de 1940. [53] Otra fuerte influencia debe haber sido la técnica de fumage surrealista de Paalen , que atraía a los pintores que buscaban nuevas formas de representar lo que se llamó lo "invisible" o lo "posible". . La técnica se demostró una vez en el taller de Matta, sobre el cual Steven Naifeh informa, "Una vez, cuando Matta estaba demostrando la técnica surrealista [de Paalen] Fumage, Jackson [Pollock] se volvió hacia (Peter) Busa y dijo en un susurro escénico: 'Puedo haz eso sin el humo '". [54] El amigo pintor de Pollock, Fritz Bultman, incluso declaró:" Fue Wolfgang Paalen quien comenzó todo ". [55]
En 1950, Hans Namuth , un joven fotógrafo, quería tomar fotografías, tanto fijas como en movimiento, de Pollock en el trabajo. Pollock prometió comenzar una nueva pintura especialmente para la sesión fotográfica, pero cuando llegó Namuth, Pollock se disculpó y le dijo que la pintura estaba terminada.
Namuth dijo que cuando entró al estudio:
Un lienzo mojado cubría todo el piso ... Hubo un silencio total ... Pollock miró la pintura. Entonces, inesperadamente, tomó la lata y el pincel y comenzó a moverse por el lienzo. Fue como si de repente se diera cuenta de que la pintura no estaba terminada. Sus movimientos, lentos al principio, se volvieron gradualmente más rápidos y más parecidos a la danza mientras arrojaba pintura negra, blanca y de color óxido sobre el lienzo. Se olvidó por completo de que Lee y yo estábamos allí; no pareció oír el clic del obturador de la cámara ... Mi sesión de fotografía duró mientras él siguió pintando, tal vez media hora. En todo ese tiempo, Pollock no se detuvo. ¿Cómo se puede mantener este nivel de actividad? Finalmente, dijo 'Esto es todo'.
Las mejores pinturas de Pollock ... revelan que su línea total no da lugar a áreas positivas o negativas: no se nos hace sentir que una parte del lienzo exige ser leída como figura, ya sea abstracta o representativa, frente a otra parte. del lienzo leído como suelo. No hay dentro ni fuera de la línea de Pollock o el espacio a través del cual se mueve. ... Pollock ha logrado liberar la línea no solo de su función de representar objetos en el mundo, sino también de su tarea de describir o delimitar formas o figuras, abstractas o representativas, sobre la superficie del lienzo.
- Karmel, 132
De la nomenclatura a la numeración
Continuando eludiendo la búsqueda del espectador de elementos figurativos en sus pinturas, Pollock abandonó los títulos y comenzó a numerar sus obras. Dijo sobre esto: "Miren pasivamente y traten de recibir lo que la pintura tiene para ofrecer y no traigan un tema o una idea preconcebida de lo que están buscando". Su esposa dijo: "Solía dar títulos convencionales a sus cuadros ... pero ahora simplemente los numera. Los números son neutrales. Hacen que la gente vea un cuadro por lo que es: pintura pura". [45]
Debate crítico
El trabajo de Pollock ha sido objeto de importantes debates críticos. El crítico Robert Coates se burló una vez de varias obras de Pollock como "meras explosiones desorganizadas de energía aleatoria y, por lo tanto, sin sentido". [56]
Jean Hélion, el pintor abstracto francés, por otro lado, al ver por primera vez un "Pollock", comentó: "Llenó el espacio y siguió y siguió porque no tenía un principio ni un final". [57]
En un artículo de 1952 en ARTnews , Harold Rosenberg acuñó el término " pintura de acción " y escribió que "lo que iba a aparecer en el lienzo no era una imagen, sino un evento. El gran momento llegó cuando se decidió pintar" solo para pintar ". ' El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación de los valores políticos, estéticos, morales ". Mucha gente asumió que había modelado su paradigma de "pintor de acción" a partir de Pollock. [58]
Clement Greenberg apoyó el trabajo de Pollock sobre bases formalistas. Encaja bien con la visión de Greenberg de la historia del arte como una purificación progresiva en la forma y eliminación del contenido histórico. Consideró la obra de Pollock como la mejor pintura de su época y la culminación de la tradición occidental a través del cubismo y Cézanne a Manet .
Reynold's News , en un titular de 1959, decía: "Esto no es arte, es una broma de mal gusto". [59]
El Congreso para la Libertad Cultural , una organización para promover la cultura y los valores estadounidenses, respaldada por la Agencia Central de Inteligencia (CIA), patrocinó exposiciones del trabajo de Pollock. Ciertos académicos de izquierda, sobre todo Eva Cockcroft, han argumentado que el gobierno de Estados Unidos y la élite adinerada abrazaron a Pollock y al expresionismo abstracto para colocar a Estados Unidos a la vanguardia del arte global y devaluar el realismo socialista . [59] [60] Cockcroft escribió que Pollock se convirtió en un "arma de la Guerra Fría ". [61]
Pollock describió su arte como "el movimiento hizo recuerdos visibles, detenidos en el espacio". [62]
Legado
Impacto
La tinción de Pollock en lienzo crudo fue adaptada por los pintores de Color Field Helen Frankenthaler y Morris Louis . Frank Stella hizo de la "composición completa" un sello distintivo de sus obras de la década de 1960. El artista de Happenings Allan Kaprow , los escultores Richard Serra y Eva Hesse , y muchos artistas contemporáneos han conservado el énfasis de Pollock en el proceso de creación; estaban influenciados por su enfoque del proceso, más que por el aspecto de su trabajo. [63]
En 2004, One: Number 31, 1950 se clasificó como la octava obra de arte moderno más influyente en una encuesta de 500 artistas, curadores, críticos y marchantes. [64]
En la cultura pop y los medios
En 1960, el álbum de Ornette Coleman Free Jazz: A Collective Improvisation presentó una pintura de Pollock, The White Light , como portada.
A principios de la década de 1990, tres grupos de cineastas estaban desarrollando proyectos biográficos de Pollock, cada uno basado en una fuente diferente. El proyecto que en un principio parecía más avanzada era una empresa conjunta entre Barbra Streisand 'Barwood Films s y Robert De Niro ' s Tribeca Productions (los padres de De Niro eran amigos de Krasner y Pollock). El guión, de Christopher Cleveland, se basaría en la biografía oral de 1985 de Jeffrey Potter , To a Violent Grave, una colección de reminiscencias de los amigos de Pollock. Streisand interpretaría el papel de Lee Krasner y De Niro interpretaría a Pollock. El segundo se basaría en Love Affair (1974), un libro de memorias de Ruth Kligman , quien fue la amante de Pollock durante los seis meses anteriores a su muerte. Esto iba a ser dirigido por Harold Becker , con Al Pacino interpretando a Pollock. [sesenta y cinco]
En 2000, se estrenó la película biográfica Pollock , basada en la biografía ganadora del premio Pulitzer , Jackson Pollock: An American Saga , dirigida y protagonizada por Ed Harris . Marcia Gay Harden ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto por su interpretación de Lee Krasner. La película fue el proyecto de Ed Harris, quien interpretó a Pollock. Fue nominado al Oscar al Mejor Actor . El mismo Harris pintó las obras que se ven en la película. [66] La Fundación Pollock-Krasner no autorizó ni colaboró con ninguna producción. [sesenta y cinco]
En septiembre de 2009, el historiador del arte Henry Adams afirmó en la revista Smithsonian que Pollock había escrito su nombre en su famosa pintura Mural (1943). [67] La pintura ahora está asegurada por 140 millones de dólares. En 2011, el representante republicano del estado de Iowa, Scott Raecker, presentó un proyecto de ley para forzar la venta de la obra de arte, en poder de la Universidad de Iowa, para financiar becas, pero su proyecto de ley generó tanta controversia que fue rápidamente retirado. [17] [68]
Mercado del arte
En 1973, el gobierno australiano de Whitlam compró el Número 11 de 1952 (también conocido como Blue Poles ) para la Galería Nacional de Australia por 2 millones de dólares (1,3 millones de dólares australianos en el momento del pago). En ese momento, este fue el precio más alto jamás pagado por una pintura moderna. La pintura es ahora una de las exhibiciones más populares de la galería. [69] Fue una pieza central de la retrospectiva de 1998 del Museo de Arte Moderno en Nueva York, la primera vez que la pintura se muestra en Estados Unidos desde su compra.
En noviembre de 2006, Pollock's No. 5, 1948 se convirtió en la pintura más cara del mundo, cuando se vendió en forma privada a un comprador no revelado por la suma de US $ 140 millones. Otro récord de artista se estableció en 2004, cuando No. 12 (1949), una pintura de goteo de tamaño mediano que se había exhibido en el Pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1950 , se vendió por 11,7 millones de dólares en Christie's , Nueva York. [70] En 2012, Número 28, 1951, una de las combinaciones del artista de goteo y pincelada en tonos de gris plateado con rojo, amarillo y tomas de azul y blanco, también vendida en Christie's, Nueva York, por 20,5 millones de dólares EE.UU. US $ 23 millones con tarifas, dentro de su rango estimado de US $ 20 millones a US $ 30 millones. [71]
En 2013, Christie's vendió Pollock's Number 19 (1948) por un valor reportado de US $ 58,363,750 durante una subasta que finalmente alcanzó las ventas totales de US $ 495 millones en una noche, lo que Christie's informa como un récord hasta la fecha como la subasta más cara de arte contemporáneo. [72]
En febrero de 2016, Bloomberg News informó que Kenneth C. Griffin había comprado el cuadro Número 17A de 1948 de Jackson Pollock por 200 millones de dólares, a David Geffen . [73]
Problemas de autenticidad
La Junta de Autenticación de Pollock-Krasner fue creada por la Fundación Pollock-Krasner en 1990 para evaluar las obras recién encontradas para un próximo suplemento del catálogo de 1978. [74] En el pasado, sin embargo, la Fundación Pollock-Krasner se ha negado a participar en casos de autenticación. [75]
En 2006, un documental, Who the * $ &% Is Jackson Pollock? se hizo sobre Teri Horton, un camionero que en 1992 compró una pintura abstracta por cinco dólares en una tienda de segunda mano en California. Esta obra puede ser una pintura de Pollock perdida, pero se debate su autenticidad.
Sin título 1950 , que Knoedler Gallery, con sede en Nueva York, había vendido en 2007 por 17 millones de dólares a Pierre Lagrange, un multimillonario de fondos de cobertura de Londres, fue objeto de una demanda de autenticidad ante el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York . Realizado en el estilo clásico de goteo y salpicaduras del pintor y firmado "J. Pollock", se encontró que la pintura de tamaño modesto (15 por 28 1/2 pulgadas) contenía pigmentos de pintura amarilla que no estaban disponibles comercialmente hasta alrededor de 1970. [76] La demanda se resolvió mediante un acuerdo confidencial en 2012. [77]
Análisis informático fractal
En 1999, el físico-artista Richard Taylor utilizó el análisis informático para mostrar similitudes entre los patrones pintados de Pollock y los fractales (patrones que se repiten en múltiples escalas de tamaño) encontrados en paisajes naturales, [78] reflejando las propias palabras de Pollock "Yo soy la naturaleza". Su equipo de investigación etiquetó el estilo expresionismo fractal de Pollock . [79]
En 2003, se encontraron 24 pinturas y dibujos de Pollockesque en un casillero en Wainscott, Nueva York . En 2005, la Fundación Pollock-Krasner solicitó un análisis fractal para ser utilizado por primera vez en una disputa de autenticidad [80] [81] suscitando controversia [82] [83] [84] por investigadores de la Universidad de Oregon, que identificaron diferencias entre los patrones en las seis pinturas en disputa analizadas y los de 14 Pollocks establecidos. [80] El análisis de pigmentos de las pinturas realizado por investigadores de la Universidad de Harvard mostró la presencia en una pintura de un pigmento sintético que no fue patentado hasta la década de 1980, y materiales en otras dos que no estaban disponibles durante la vida de Pollock. [85] [86]
En 2007, se montó una exposición itinerante de las pinturas en un museo y se acompañó de un libro completo, Pollock Matters , escrito por Ellen G. Landau, una de las cuatro académicas presentes del antiguo panel de autenticación de la Fundación Pollock Krasner de la década de 1990, y Claude Cernuschi, estudioso del expresionismo abstracto. En el libro, Ellen Landau demuestra las muchas conexiones entre la familia propietaria de las pinturas y Jackson Pollock durante su vida para colocar las pinturas en lo que ella cree que es su contexto histórico adecuado. Landau también presenta los hallazgos forenses de la Universidad de Harvard y presenta posibles explicaciones para las inconsistencias forenses que se encontraron en tres de las 24 pinturas. [87] [88] Sin embargo, el científico que inventó uno de los pigmentos modernos descartó la posibilidad de que Pollock usara esta pintura como "improbable hasta el punto de la fantasía".
Posteriormente, más de 10 grupos científicos han realizado análisis fractal en más de 50 de las obras de Pollock. [89] [90] [91] [92] [93] [94] [95] [96] [97] [98] Un estudio reciente que utilizó el análisis fractal como una de sus técnicas logró una tasa de éxito del 93% para distinguir de Pollocks falsos. [99] La investigación actual del expresionismo fractal se centra en la respuesta humana a la visualización de fractales. Los neurocientíficos cognitivos han demostrado que los fractales de Pollock inducen la misma reducción de estrés en los observadores que los fractales generados por computadora y los fractales de la naturaleza. [100] [101]
Archivo
Lee Krasner donó los documentos de Pollock a los Archivos de Arte Americano en 1983. Posteriormente se archivaron con sus propios documentos. Los Archivos de Arte Americano también albergan los documentos de Charles Pollock, que incluyen correspondencia, fotografías y otros archivos relacionados con su hermano Jackson.
Una organización separada, la Fundación Pollock-Krasner , fue establecida en 1985. La fundación funciona como el patrimonio oficial tanto para Pollock como para su viuda, pero también bajo los términos del testamento de Krasner, sirve "para ayudar a artistas individuales de mérito con necesidades financieras. ". [102] El representante de derechos de autor en Estados Unidos de la Fundación Pollock-Krasner es la Artists Rights Society . [103]
La Casa y Estudio Pollock-Krasner es propiedad y está administrada por la Fundación Stony Brook, una afiliada sin fines de lucro de la Universidad Stony Brook . Los recorridos regulares de la casa y el estudio se realizan de mayo a octubre.
Lista de obras importantes
- (1942) Museo de Arte de Filadelfia masculino y femenino [104]
- (1942) Museo de arte moderno de figuras estenográficas [105]
- (1942) Colección The Moon Woman Peggy Guggenheim [106]
- (1943) Mural del Museo de Arte de la Universidad de Iowa , [107] cedido por Peggy Guggenheim [108]
- (1943) El Museo de Arte Moderno de la Loba [109]
- (1943) Museo de Arte Azul (Moby Dick) Ohara [110]
- (1945) Museo de Arte de Norton Night Mist [111]
- (1945) Museo de Bellas Artes Troubled Queen , Boston [112]
- (1946) Ojos en el calor Colección Peggy Guggenheim , Venecia [113]
- (1946) El Instituto de Arte Clave de Chicago [114]
- (1946) La colección de tazas de té Frieder Burda [115]
- (1946) Sustancia brillante , del Museo de Arte Moderno Sonidos en la Hierba [116]
- (1947) Retrato del Museo de Arte de la Universidad de Iowa , a cargo de Peggy Guggenheim . [117]
- (1947) Museo de Arte Moderno Full Fathom Five [118]
- (1947) Museo de Arte de la Catedral de Dallas [119]
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enlaces externos
- Exposición-'Recuerdos Arrestados' 2012
- Casa y centro de estudios Pollock-Krasner
- Fundación Pollock-Krasner
- Pollock y la ley
- La función web de la Galería Nacional de Arte incluye aspectos destacados de la carrera de Pollock, numerosos ejemplos de su trabajo, fotografías y secuencias de movimiento de Pollock, además de una discusión en profundidad de su pintura Lavender Mist de 1950.
- Postes azules en la NGA
- Expresionismo fractal : las cualidades fractales de las pinturas por goteo de Pollock.
- Papeles de Jackson Pollock en los Archivos de Arte Americano del Smithsonian
- "Jackson Pollock, John Cage y William Burroughs" , charla en MOMA
- fotos de Pollock , presentación de diapositivas de la revista Life
- Obras de Jackson Pollock (dominio público en Canadá)
Enlaces de museos
- Jackson Pollock en el Museo de Arte Moderno
- La Fundación Solomon R. Guggenheim
- Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Los Ángeles, California
- Museo de Arte Contemporáneo (MOCA), Los Ángeles, California
- Jackson Pollock en el Museo de Israel , Jerusalén