| Historia del Arte |
El arte japonés cubre una amplia gama de estilos y medios artísticos, que incluyen cerámica antigua , escultura , pintura con tinta y caligrafía sobre seda y papel, pinturas ukiyo-e y grabados en madera , cerámica, origami y, más recientemente, manga, que son dibujos animados y cómics japoneses modernos. junto con una miríada de otros tipos. Tiene una larga historia, que va desde los inicios de la habitación humana en Japón, en algún momento del décimo milenio antes de Cristo, hasta el país actual.
Japón ha sido objeto de repentinas invasiones de nuevas ideas seguidas de largos períodos de mínimo contacto con el mundo exterior. Con el tiempo, los japoneses desarrollaron la capacidad de absorber, imitar y finalmente asimilar aquellos elementos de la cultura extranjera que complementaban sus preferencias estéticas. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo . En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollaron formas de expresión indígenas, las artes seculares se volvieron cada vez más importantes; hasta finales del siglo XV, florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra Ōnin(1467-1477), Japón entró en un período de trastornos políticos, sociales y económicos que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa , la religión organizada jugó un papel mucho menos importante en la vida de las personas, y las artes que sobrevivieron fueron principalmente seculares. El Período Meiji (1868-1912) vio una afluencia abrupta de estilos occidentales, que han seguido siendo importantes.
La pintura es la expresión artística preferida en Japón, practicada tanto por aficionados como por profesionales. Hasta los tiempos modernos, los japoneses escribían con un pincel en lugar de un bolígrafo , y su familiaridad con las técnicas del pincel los ha hecho particularmente sensibles a los valores y la estética de la pintura. Con el auge de la cultura popular en el período Edo , un estilo de grabados en madera se convirtió en una forma importante y sus técnicas se afinaron para producir estampados coloridos. Los japoneses, en este período, encontraron en la escultura un medio mucho menos comprensivo para la expresión artística; La mayoría de las grandes esculturas japonesas están asociadas con la religión., y el uso del medio declinó con la menor importancia del budismo tradicional.
La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo e incluye los primeros artefactos japoneses conocidos; La porcelana de exportación japonesa ha sido una industria importante en varios puntos. En arquitectura , las preferencias japonesas por los materiales naturales y la interacción del espacio interior y exterior se expresan claramente.
Historia del arte japonés [ editar ]
Arte jomon [ editar ]
Los primeros pobladores de Japón fueron el pueblo Jōmon (c. 10.500 - c. 300 a. C. [1] ), llamado así por las marcas de cuerdas que decoraban las superficies de sus vasijas de arcilla, eran cazadores-recolectores nómadas que más tarde practicaron la agricultura organizada y construyeron ciudades. con poblaciones de cientos, si no miles. Construyeron casas sencillas de madera y paja colocadas en pozos de tierra poco profundos para proporcionar calor del suelo. Elaboraron vasijas de almacenamiento de cerámica ricamente decoradas , figurillas de arcilla llamadas dogū y joyas de cristal.
Período temprano de Jōmon [ editar ]
Durante el período temprano de Jōmon (5000-2500 a. C.), [1] se empezaron a descubrir aldeas y se encontraron objetos cotidianos, como vasijas de cerámica destinadas a hervir agua. Las macetas que se encontraron durante este tiempo tenían fondos planos y diseños elaborados hechos de materiales como el bambú. Además, otro hallazgo importante fueron las primeras figuras de Jōmon que podrían haber sido utilizadas como objetos de fertilidad debido a los senos y las caderas hinchadas que exhibían. [1]
Período medio de Jōmon [ editar ]
El período Jōmon medio (2500-1500 a. C.), [1] contrasta con el período Jōmon temprano de muchas maneras. Estas personas se volvieron menos nómadas y comenzaron a establecerse en aldeas. Crearon herramientas útiles que pudieron procesar la comida que recolectaban y cazaban, lo que les facilitó la vida. A través de las numerosas cerámicas estéticamente agradables que se encontraron durante este período de tiempo, es evidente que estas personas tenían una economía estable y más tiempo libre para establecer hermosas piezas. Además, la gente del período Medio Jōmon se diferenciaba de sus antepasados anteriores porque desarrollaban vasijas de acuerdo con su función, por ejemplo, producían vasijas para almacenar artículos. [1]Las decoraciones de estos recipientes comenzaron a tener un aspecto más realista en comparación con las primeras cerámicas de Jōmon. En general, la producción de obras no solo aumentó durante este período, sino que estos individuos las hicieron más decorativas y naturalistas. [1]
Periodo Jōmon tardío y final [ editar ]
Durante el período Jōmon Tardío y Final (1500-300 a. C.), [1] el clima comenzó a enfriarse, lo que los obligó a alejarse de las montañas. La principal fuente de alimento durante este tiempo fue el pescado, lo que les hizo mejorar sus suministros y herramientas de pesca. Este avance fue un logro muy importante durante este tiempo. Además, el número de vasijas aumentó en gran medida, lo que posiblemente podría concluir que cada casa tenía su propia figurilla exhibida en ellas. Aunque se encontraron varias vasijas durante el período Jōmon tardío y final, estas piezas se encontraron dañadas, lo que podría indicar que las usaban para rituales. Además, también se encontraron figurillas y se caracterizaron por sus cuerpos carnosos y ojos como anteojos. [1]
Figuras de Dogū
Dogū ("figura de tierra") son pequeñas figuras humanoides y animales hechas durante la última parte del período Jōmon . [2] Fueron fabricados en todo Japón, excepto Okinawa . [2] Algunos eruditos teorizan que los dogū actuaban como efigies de personas, que manifestaban algún tipo de magia simpática . [3] Los Dogū están hechos de arcilla y son pequeños, por lo general de 10 a 30 cm de altura. [4] La mayoría de las figurillas parecen estar modeladas como mujeres, y tienen ojos grandes, cinturas pequeñas y caderas anchas. [2]Muchos los consideran representativos de diosas. Muchos tienen abdómenes grandes asociados con el embarazo, lo que sugiere que los Jomon los consideraban diosas madres . [4]
Arte Yayoi [ editar ]
La siguiente ola de inmigrantes fue el pueblo Yayoi , llamado así por el distrito de Tokio donde se encontraron por primera vez los restos de sus asentamientos. Estas personas, que llegaron a Japón alrededor del año 300 a. C., [5] aportaron sus conocimientos sobre el cultivo de arroz en los humedales, la fabricación de armas de cobre y campanas de bronce ( dōtaku ) y cerámicas horneadas con ruedas .
Una campana dōtaku del período Yayoi , siglo III d.C.
Espejo de bronce excavado en Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto
Jarra carmaica del período Yayoi
Varias alfarerías rituales Yayoi del sitio Yoshinogari
Tarro de almacenamiento Yayoi desde 500 a. C. - 200 d. C.
Arte Kofun [ editar ]
La tercera etapa de la prehistoria japonesa, el período Kofun (c. 300 - 710 dC), [1] representa una modificación de la cultura Yayoi , atribuible al desarrollo interno o a la fuerza externa. Este período es más notable por su cultura de tumbas y otros artefactos como espejos de bronce y esculturas de arcilla llamadas haniwa que se erigieron fuera de estas tumbas. A lo largo del período Kofun, las características de estas tumbas evolucionaron desde tumbas más pequeñas erigidas en colinas y crestas hasta tumbas mucho más grandes construidas en terrenos planos. [6] La tumba más grande de Japón, la tumba del emperador Nintoku , alberga 46 túmulos funerarios y tiene la forma de un ojo de cerradura, [7]una característica distintiva que se encuentra dentro de las tumbas Kofun posteriores. [6]
Arte de Asuka y Nara [ editar ]
Durante los períodos Asuka y Nara , llamados así porque la sede del gobierno japonés estuvo ubicada en el Valle de Asuka desde 542 hasta 645 [1] y en la ciudad de Nara hasta 784, la primera afluencia significativa de la cultura asiática continental tuvo lugar en Japón.
La transmisión del budismo proporcionó el impulso inicial para los contactos entre China y Japón. Los japoneses reconocieron las facetas de la cultura china que podrían incorporarse con provecho a la suya propia: un sistema para convertir ideas y sonidos en escritura; historiografía ; teorías complejas del gobierno, como una burocracia eficaz ; y, lo más importante para las artes, las nuevas tecnologías, las nuevas técnicas de construcción, los métodos más avanzados de fundición en bronce y las nuevas técnicas y medios de pintura.
A lo largo de los siglos VII y VIII, sin embargo, el foco principal de los contactos entre Japón y el continente asiático fue el desarrollo del budismo. No todos los eruditos están de acuerdo en las fechas importantes y los nombres apropiados para aplicar a varios períodos de tiempo entre 552, la fecha oficial de la introducción del budismo en Japón, y 784, cuando la capital japonesa fue transferida desde Nara. Las designaciones más comunes son el período Suiko, 552–645; el período Hakuhō , 645–710, y el período Tenpyō, 710–784.
Pagoda y Kondō en Hōryū-ji , siglo VIII
Hokkedō en Tōdai-ji , siglo VIII
Las primeras esculturas japonesas de Buda datan de los siglos VI y VII. [8] En última instancia, derivan del arte greco-budista de Gandhara de los siglos I al III d.C. , caracterizado por patrones de vestimenta fluidos y una interpretación realista, [9] sobre la que se superpusieron rasgos artísticos chinos. Después de que el arte budista chino del norte de Wei se infiltrara en una península de Corea, varios grupos de inmigrantes trajeron íconos budistas a Japón. [10] Particularmente, la forma semi-sentada de Maitreya fue adaptada a un estilo de arte griego antiguo altamente desarrollado que fue transmitido a Japón como lo demuestran los Kōryū-ji Miroku Bosatsu y Chūgū-ji. Estatuas de Siddhartha . [11] Muchos historiadores describen a Corea como un mero transmisor del budismo. [12] Los Tres Reinos, y en particular Baekje, fueron fundamentales como agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552. [13] Ilustran el punto final de la transmisión del arte por la Ruta de la Seda durante la primera pocos siglos de nuestra era. Otros ejemplos se pueden encontrar en el desarrollo de la iconografía del dios del viento japonés Fūjin , [14] los guardianes Niō , [15] y los patrones florales casi clásicos en las decoraciones de los templos. [dieciséis]
Las primeras estructuras budistas aún existen en Japón, y los edificios de madera más antiguos del Lejano Oriente se encuentran en Hōryū-ji, al suroeste de Nara. Construido por primera vez a principios del siglo VII como templo privado del príncipe heredero Shōtoku , consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, el salón principal de adoración, o Kondō (Salón Dorado), y Gojū-no-tō ( Pagoda de cinco pisos ), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro techado. El Kondō , al estilo de los salones de adoración chinos , es una estructura de dos pisos de construcción de postes y vigas, coronada por una irimoya., o cubierta a dos aguas de tejas cerámicas.
En el interior del Kondō , sobre una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes de la época. La imagen central es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas , escultura moldeada en bronce por el escultor Tori Busshi (floreció a principios del siglo VII) en homenaje al recientemente fallecido Príncipe Shōtoku. En las cuatro esquinas de la plataforma se encuentran los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones , tallados en madera alrededor del año 650. También se encuentra en Hōryū-ji el Santuario Tamamushi , una réplica de madera de un Kondō., que se asienta sobre una base alta de madera decorada con pinturas figurativas ejecutadas en un medio de pigmentos minerales mezclados con laca.
La construcción del templo en el siglo VIII se centró en torno al Tōdai-ji en Nara. Construido como la sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos del culto budista en Japón. Apropiadamente, el Buda de 16,2 m (53 pies) (completado 752) consagrado en la sala principal de Buda, o Daibutsuden , es un Buda Rushana , la figura que representa la esencia de la Budeidad, al igual que el Tōdaiji representó el centro de patrocinio imperial El budismo y su difusión por todo Japón. Solo sobreviven unos pocos fragmentos de la estatua original, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo .
Agrupados alrededor del Daibutsuden en una ladera de suave pendiente hay una serie de pasillos secundarios: el Hokke-dō (Salón del Sutra del loto), con su imagen principal, el Fukukenjaku Kannon (不 空 羂 索 観 音 立 像, el bodhisattva más popular), elaborado en seco laca (tela bañada en laca y moldeada sobre una armadura de madera); el Kaidanin (戒壇 院, Sala de Ordenación) con sus magníficas estatuas de arcilla de los Cuatro Reyes Guardianes ; y el almacén, llamado Shōsōin. Esta última estructura es de gran importancia como escondite histórico-artístico, pues en ella se guardan los utensilios que se utilizaron en la ceremonia de dedicación del templo en 752, el ritual revelador de la imagen de Rushana, así como documentos gubernamentales y muchos seculares. objetos propiedad de la familia imperial.
Se cree que el choukin (o chōkin ), el arte del grabado o la escultura en metal , comenzó en el período Nara. [17] [18]
Arte Heian [ editar ]
En 794 la capital de Japón fue transferida oficialmente a Heian-kyō (actual Kioto ), donde permaneció hasta 1868. El término período Heian se refiere a los años entre 794 y 1185, cuando se estableció el shogunato de Kamakura a finales de la Guerra de Genpei . El período se divide en Heian temprano y Heian tardío, o era Fujiwara , siendo la fecha fundamental 894, el año en que las embajadas imperiales en China se suspendieron oficialmente.
Arte temprano de Heian: en reacción a la creciente riqueza y poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kūkai (más conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) viajó a China para estudiar Shingon , una forma de budismo Vajrayana , que él introducido en Japón en 806. En el centro de la adoración de Shingon se encuentran los mandalas , diagramas del universo espiritual, que luego comenzaron a influir en el diseño del templo. La arquitectura budista japonesa también adoptó la estupa , originalmente una forma arquitectónica india , en su pagoda de estilo chino.
Los templos erigidos para esta nueva secta se construyeron en las montañas, lejos de la Corte y de los laicos en la capital. La topografía irregular de estos sitios obligó a los arquitectos japoneses a repensar los problemas de la construcción de templos y, al hacerlo, a elegir elementos de diseño más autóctonos. Los techos de corteza de ciprés reemplazaron a los de tejas de cerámica, se usaron tablones de madera en lugar de pisos de tierra y se agregó un área de adoración separada para los laicos frente al santuario principal.
El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos de Heian Shingon es el Murō-ji (principios del siglo IX), ubicado en lo profundo de un grupo de cipreses en una montaña al sureste de Nara. La imagen de madera (también de principios del siglo IX) de Shakyamuni , el Buda "histórico", consagrada en un edificio secundario en el Murō-ji , es típica de la escultura de Heian temprana, con su cuerpo pesado, cubierto por pliegues de cortinas gruesas talladas en el estilo honpa-shiki (onda ondulante), y su expresión facial austera y retraída.
Arte de Fujiwara: en el período de Fujiwara , el budismo de la tierra pura , que ofrecía una salvación fácil a través de la creencia en Amida (el Buda del paraíso occidental), se hizo popular. Este período lleva el nombre de la familia Fujiwara , entonces la más poderosa del país, que gobernó como regentes.para el Emperador, convirtiéndose, en efecto, en dictadores civiles. Al mismo tiempo, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a búsquedas estéticas elegantes. Tan seguro y hermoso era su mundo que no podían concebir el Paraíso como algo muy diferente. Crearon una nueva forma de sala de Buda, la sala Amida, que combina lo secular con lo religioso y alberga una o más imágenes de Buda dentro de una estructura que se asemeja a las mansiones de la nobleza.
El Hō-ō-dō (Phoenix Hall, completado en 1053) del Byōdō-in , un templo en Uji al sureste de Kioto, es el ejemplo de los salones Fujiwara Amida. Consiste en una estructura rectangular principal flanqueada por dos pasillos de ala en forma de L y un corredor de cola, ubicado en el borde de un gran estanque artificial. En el interior, una única imagen dorada de Amida (c. 1053) está instalada en una plataforma alta. La escultura de Amida fue ejecutada por Jōchō , quien utilizó un nuevo canon de proporciones y una nueva técnica ( yosegi), en el que se tallan múltiples piezas de madera como conchas y se unen desde el interior. Aplicados a las paredes del salón hay pequeños relieves de celestiales, se cree que el anfitrión acompañó a Amida cuando descendió del Paraíso Occidental para recoger las almas de los creyentes en el momento de la muerte y transportarlas en flores de loto al Paraíso. Las pinturas de Raigō en las puertas de madera del Hō-ō-dō, que representan el Descenso del Buda Amida, son un ejemplo temprano de Yamato-e , pintura de estilo japonés, y contienen representaciones del paisaje alrededor de Kioto.
E-maki : En el último siglo del período Heian, el pergamino narrativo horizontal e ilustrado, conocido como e-maki (絵 巻, literalmente "pergamino de imágenes"), pasó a primer plano. Que data de aproximadamente 1130, el Genji Monogatari Emaki , un famoso cuento ilustrado de Genji, representa el pergamino yamato-e más antiguo que se conserva y uno de los puntos culminantes de la pintura japonesa. Escrita alrededor del año 1000 por Murasaki Shikibu , una dama de honor de la emperatriz Shōshi , la novela trata sobre la vida y los amores de Genji y el mundo de la corte Heian después de su muerte. Los artistas del e-maki del siglo XIILa versión ideó un sistema de convenciones pictóricas que transmiten visualmente el contenido emocional de cada escena. En la segunda mitad del siglo, se popularizó un estilo diferente y más vivo de ilustración narrativa continua. El Ban Dainagon Ekotoba (finales del siglo XII), un pergamino que trata sobre una intriga en la corte, enfatiza figuras en movimiento activo representadas con pinceladas ejecutadas rápidamente y colores delgados pero vibrantes.
E-maki también sirve como algunos de los primeros y más grandes ejemplos de los estilos de pintura otoko-e ("cuadros de hombres") y onna-e ("cuadros de mujeres"). Hay muchas diferencias sutiles en los dos estilos, apelando a las preferencias estéticas de los géneros. Pero quizás lo más notorio son las diferencias en el tema. Onna-e , personificado por el pergamino del cuento de Genji, típicamente trata sobre la vida de la corte, particularmente las damas de la corte, y sobre temas románticos. Otoko-e registraba a menudo acontecimientos históricos, en particular batallas. El asedio del palacio Sanjō (1160), representado en la sección "Ataque nocturno al palacio Sanjō" del Heiji Monogatari pergamino es un ejemplo famoso de este estilo.
Arte Kamakura [ editar ]
En 1180, estalló una guerra entre los dos clanes guerreros más poderosos: los Taira y los Minamoto ; cinco años más tarde, Minamoto salió victoriosa y estableció una sede de facto del gobierno en el pueblo costero de Kamakura , donde permaneció hasta 1333. Con el cambio de poder de la nobleza a la clase guerrera, las artes tuvieron que satisfacer a una nueva audiencia: hombres dedicados a las habilidades de la guerra, sacerdotes comprometidos con hacer que el budismo esté disponible para los plebeyos analfabetos y conservadores, la nobleza y algunos miembros del sacerdocio que lamentaron la decadencia del poder de la corte. Por lo tanto, el realismo, una tendencia popularizadora y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período Kamakura . En el período Kamakura, Kyotoy Nara siguieron siendo los centros de producción artística y alta cultura.
Escultura: La escuela de escultores Kei , particularmente Unkei , creó un estilo de escultura nuevo y más realista. Las dos imágenes del guardián Niō (1203) en la Gran Puerta Sur del Tōdai-ji en Nara ilustran el estilo dinámico suprarealista de Unkei. Las imágenes, de aproximadamente 8 m (aproximadamente 26 pies) de altura, fueron talladas en múltiples bloques en un período de aproximadamente tres meses, una hazaña indicativa de un sistema de estudio desarrollado de artesanos que trabajan bajo la dirección de un maestro escultor. Esculturas de madera policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji , Nara) de dos sabios indios, Muchaku y Seshin , los legendarios fundadores de la secta Hossō, se encuentran entre las obras realistas más logradas del período; tal como las representa Unkei, son imágenes notablemente individualizadas y creíbles. Una de las obras más famosas de este período es una Tríada Amitabha (terminada en 1195), en Jōdo-ji en Ono , creada por Kaikei , el sucesor de Unkei.
La caligrafía y la pintura: El Kegon Engi Emaki , la historia ilustrada de la fundación de la kegon secta, es un excelente ejemplo de la tendencia popularización en la pintura de Kamakura. La secta Kegon, una de las más importantes del período Nara, atravesó tiempos difíciles durante el dominio de las sectas Tierra Pura . Después de la Guerra de Genpei (1180-1185), el sacerdote Myōe de Kōzan-ji buscó revivir la secta y también proporcionar un refugio a las mujeres viudas por la guerra. Se había desanimado a las esposas de samuráis de aprender más que un sistema de silabario para transcribir sonidos e ideas (ver kana), y la mayoría eran incapaces de leer textos que empleaban ideogramas chinos ( kanji ).
Así, el Kegon Engi Emaki combina pasajes de texto, escritos con un máximo de sílabas fácilmente legibles, e ilustraciones que tienen el diálogo entre personajes escrito junto a los hablantes, una técnica comparable a las historietas contemporáneas. La trama del e-maki , las vidas de los dos sacerdotes coreanos que fundaron la secta Kegon, se desarrolla rápidamente y está llena de hazañas fantásticas como un viaje al palacio del Rey del Océano y una conmovedora historia de mamá. [ aclaración necesaria ]
Una obra en una vena más conservadora es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu . Se siguieron produciendo versiones E-maki de su novela, pero la nobleza, en sintonía con el nuevo interés por el realismo pero nostálgica por los días pasados de riqueza y poder, revivió e ilustró el diario para recuperar el esplendor de la época de la autora. Uno de los pasajes más bellos ilustra el episodio en el que Murasaki Shikibu es retenida como prisionera en su habitación por dos jóvenes cortesanos, mientras, en las afueras, la luz de la luna brilla en las orillas cubiertas de musgo de un riachuelo en el jardín imperial.
Arte muromachi [ editar ]
Durante el período Muromachi (1338-1573), también llamado período Ashikaga, se produjo un cambio profundo en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su sede a Kioto, al distrito de Muromachi de la ciudad. Con el regreso del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. El budismo zen , la secta Ch'an que tradicionalmente se cree que se fundó en China en el siglo VI, se introdujo por segunda vez en Japón y echó raíces.
Pintura: Debido a las empresas seculares y las misiones comerciales a China organizadas por los templos zen, muchas pinturas y objetos de arte chinos se importaron a Japón e influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos zen y el shogunato. Estas importaciones no solo cambiaron el tema de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; los colores brillantes de Yamato-e cedieron a los monocromos de la pintura al estilo chino, donde las pinturas generalmente solo tienen blanco y negro o diferentes tonos de un solo color.
Típica de la pintura temprana de Muromachi es la representación del sacerdote pintor Kao (activo a principios del siglo XV) del legendario monje Kensu (Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación. Este tipo de pintura se ejecutó con pinceladas rápidas y un mínimo de detalle. Atrapando un bagre con una calabaza (principios del siglo XV, Taizō-in , Myōshin-ji , Kyoto), por el sacerdote-pintor Josetsu(activo c. 1400), marca un punto de inflexión en la pintura de Muromachi. Realizado originalmente para una pantalla baja, se ha vuelto a montar como un pergamino colgante con inscripciones de figuras contemporáneas en la parte superior, una de las cuales se refiere a la pintura como en el "nuevo estilo". En primer plano, se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el terreno intermedio y las montañas de fondo parecen estar muy lejos en la distancia. Generalmente se asume que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutado alrededor de 1413, se refiere a un sentido más chino del espacio profundo dentro del plano pictórico.
Los artistas más destacados del período Muromachi son los sacerdotes-pintores Shūbun y Sesshū . Shūbun, un monje del templo de Shōkoku-ji en Kioto , creó en la pintura Lectura en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en su origen. Paisaje de las cuatro estaciones ( Sansui Chokan ; c. 1486) es una de las obras más logradas de Sesshu, que representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.
Arte Azuchi-Momoyama [ editar ]
En el período Azuchi-Momoyama (1573-1603), una sucesión de líderes militares, como Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu , intentó traer paz y estabilidad política a Japón después de una era de casi 100 años de guerra. Oda, un cacique menor, adquirió el poder suficiente para tomar el control de facto del gobierno en 1568 y, cinco años más tarde, para derrocar al último shōgun Ashikaga. Hideyoshi asumió el mando después de la muerte de Oda, pero sus planes de establecer un gobierno hereditario fueron frustrados por Ieyasu, quien estableció el shogunato Tokugawa en 1603.
Pintura: La escuela de pintura más importante del período Momoyama fue la escuela Kanō , y la mayor innovación del período fue la fórmula, desarrollada por Kanō Eitoku , para la creación de paisajes monumentales en las puertas correderas que encierran una habitación. La decoración de la sala principal que da al jardín del Jukō-in , un subtemplo de Daitoku-ji (un templo zen en Kioto), es quizás el mejor ejemplo existente del trabajo de Eitoku. Un enorme árbol de ume y pinos gemelos se representan en pares de pantallas deslizantes en esquinas diagonalmente opuestas, sus troncos repiten las verticales de los postes de las esquinas y sus ramas se extienden hacia la izquierda y la derecha, unificando los paneles contiguos. La pantalla de Eitoku,Los leones chinos , también en Kioto, revelan el estilo de pintura audaz y de colores brillantes preferido por los samuráis.
Hasegawa Tōhaku , contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para pinturas de pantalla a gran escala. En su Pantalla de arce (楓 図), ahora en el templo de Chishaku-in ( ja: 智 積 院), Kyoto, colocó el tronco del árbol en el centro y extendió las ramas casi hasta el borde de la composición, creando una obra más plana y menos arquitectónica que Eitoku, pero una pintura visualmente hermosa. Su pantalla séxtuple, Pine Wood (松林 図), es una representación magistral en tinta monocromática de una arboleda envuelta en niebla.
Arte del período Edo [ editar ]
El shogunato Tokugawa obtuvo el control indiscutible del gobierno en 1603 con el compromiso de traer paz y estabilidad económica y política al país; en gran medida fue un éxito. El shogunato sobrevivió hasta 1867, cuando se vio obligado a capitular debido a su incapacidad para lidiar con la presión de las naciones occidentales para abrir el país al comercio exterior. Uno de los temas dominantes en el período Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas por escapar de estas restricciones. El más importante de ellos fue el cierre del país a los extranjeros y los adornos de sus culturas, y la imposición de estrictos códigos de conducta que afectan todos los aspectos de la vida, la ropa que se usa, la persona con la que se casa y las actividades que se pueden o deben realizar. no perseguir.
En los primeros años del período Edo , sin embargo, el impacto total de las políticas de Tokugawa aún no se había sentido, y se produjeron algunas de las mejores expresiones de la arquitectura y la pintura de Japón: el Palacio Katsura en Kioto y las pinturas de Tawaraya Sōtatsu , pionero de la Escuela Rinpa .
Impresión en madera:Los grabados en madera se utilizaron originalmente para traducir escrituras budistas en el siglo VIII en Japón. La impresión en madera consiste en el grabado de imágenes o fotografías en un trozo de madera, que luego se presiona contra un trozo de papel. En el siglo VIII, el bloque de madera se consideraba un método conveniente de reproducción de texto impreso hasta que nuevas innovaciones permitieron que el color se tradujera en papel o mejor conocido como impresiones Nishik-e. La impresión en bloques de madera fue el método común de impresión desde el siglo XI hasta el siglo XIX. Las impresiones de Nishiki-e producían bienes como calendarios que se vendían comúnmente a miembros ricos de la sociedad durante el período Edo. En el período Edo, estos grabados representaban eventos y escenas de actores destacados. Luego, Ukiyo se asoció a la impresión en madera a principios del período Edo.Estas pinturas de Ukiyo representan la vida cotidiana de miembros prominentes de la sociedad. Ukiyo comenzó como pergaminos esculpidos a mano que mostraban la vida como un plebeyo normal.
Arquitectura: Katsura Detached Palace , construido a imitación del palacio de Genji , contiene un grupo de edificios shoin que combinan elementos de la arquitectura japonesa clásica con renovaciones innovadoras. Todo el complejo está rodeado por un hermoso jardín con senderos para caminar. Muchos de los poderosos daimyōs (señores feudales) construyeron un jardín japonés estilo Circuito en el territorio del país y compitieron por la belleza.
Pintura: Sōtatsu desarrolló un estilo decorativo soberbio al recrear temas de la literatura clásica, utilizando figuras y motivos de colores brillantes del mundo natural sobre fondos de pan de oro. Una de sus mejores obras es el par de pantallas The Waves at Matsushima en la Freer Gallery en Washington, DC Un siglo después, Kōrin reelaboró el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente hermosas exclusivamente suyas. Quizás sus mejores son las pinturas de pantalla de Flores de ciruelo rojo y blanco .
Escultura: El monje budista Enkū talló 120.000 imágenes budistas en un estilo individual y tosco.
Ukiyo-e y nanga (bunjinga): La escuela de arte más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera del demimonde, el mundo del teatro kabuki y los distritos del placer . Las impresiones de Ukiyo-e comenzaron a producirse a finales del siglo XVII; en 1765 Harunobu produjo la primera impresión policromada . Los diseñadores de impresión de la próxima generación, incluidos Torii Kiyonaga y Utamaro , crearon representaciones elegantes y, a veces, perspicaces de cortesanas.
En el siglo XIX, las figuras dominantes fueron Hokusai e Hiroshige , este último creador de estampados de paisajes románticos y algo sentimentales. Los ángulos y formas extraños a través de los cuales Hiroshige veía a menudo el paisaje, y el trabajo de Kiyonaga y Utamaro, con su énfasis en planos planos y fuertes contornos lineales, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh . A través de obras de arte en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían más tarde una poderosa influencia en las imágenes y los enfoques estéticos utilizados por los primeros poetas modernistas como Ezra Pound , Richard Aldington y HD [19].
Una escuela de pintura contemporánea al ukiyo-e fue nanga , o bunjinga, un estilo basado en pinturas ejecutadas por pintores-eruditos chinos. Así como los artistas de ukiyo-e optaron por representar figuras de la vida fuera de las restricciones del shogunato Tokugawa, los artistas de bunjin recurrieron a la cultura china. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu ( ja: 山 本 梅 逸).
Cerámica
Los estilos tradicionales, principalmente de gres , continuaron en muchas partes de Japón, pero la cerámica japonesa se transformó alrededor del comienzo del período Edo, por una gran afluencia de alfareros coreanos, capturados o persuadidos para emigrar en el curso de las invasiones japonesas de Corea en el 1590 . Muchos de estos se asentaron en la isla sureña de Kyushu , y trajeron consigo la experiencia de versiones del horno trepador de cámara de estilo chino , llamado noborigama en Japón, que permitía altas temperaturas con un control más preciso. Alrededor de 1620 habían descubierto depósitos de caolinita., y comenzó a fabricar porcelana por primera vez en Japón. Las primeras mercancías (llamadas "Early Imari") eran relativamente pequeñas e imitaban la porcelana china con vidriado azul y blanco , que Japón había estado importando durante algún tiempo. [20]
La industria de la porcelana se expandió enormemente a fines de la década de 1650, ya que el colapso de la industria china por la guerra civil provocó pedidos muy grandes de los comerciantes chinos y la Compañía Holandesa de las Indias Orientales , para entonces los comerciantes solo tenían permiso para hacer negocios en Japón. El primer gran período de exportación de porcelana japonesa duró aproximadamente hasta la década de 1740, y la mayor parte de la porcelana japonesa se fabricó para la exportación, principalmente a Europa, pero también al mundo islámico al oeste y al sur de Japón. [21]
Ko-Kutani (antiguo Kutani) cinco colores Iroe tipo aras jarro con el diseño del pájaro y de la flor en el esmalte vidriado, periodo Edo, siglo 17
Plato Ko-Imari , 1700-1740
Artículos de laca:
Con el desarrollo de la economía y la cultura, la calidad artística de los muebles lacados ha mejorado. Hon'ami Kōetsu y Ogata Kōrin llevaron los diseños de la escuela de pintura Rinpa a la laca. Después de la mitad del período Edo, el inrō para recipientes de medicamentos portátiles comenzó a decorarse magníficamente con maki-e y raden , y se hizo popular entre la clase samurái y los comerciantes adinerados de la clase chōnin , y al final del período Edo, cambió de accesorios prácticos a colecciones de arte. [22] [23] La exportación de artículos de laca continuó después del período Azuchi-Momoyama. María Antonieta yMaria Theresa son conocidos como coleccionistas de laca japonesa en este período. [24]
Inro y Netsuke , siglo XVIII
Caja de laca de escritura con Iris en Yatsuhashi , de Ogata Kōrin . Tesoro Nacional
Arte del período anterior a la guerra [ editar ]
Cuando el emperador de Japón recuperó el poder gobernante en 1868, Japón fue invadido una vez más por nuevas y extrañas formas de cultura. Durante el período anterior a la guerra , la introducción de los valores culturales occidentales llevó a una dicotomía en el arte japonés, así como en casi todos los demás aspectos de la cultura, entre los valores tradicionales y los intentos de duplicar y asimilar una variedad de nuevas ideas en conflicto. Esta división siguió siendo evidente a finales del siglo XX, aunque ya se habían producido muchas síntesis, y creó una atmósfera cultural internacional y estimuló las artes japonesas contemporáneas hacia formas cada vez más innovadoras.
El gobierno tomó un interés activo en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales , comenzando con la Feria Mundial de Viena de 1873 . [25] [26] Además de financiar en gran medida las ferias, el gobierno asumió un papel activo en la organización de cómo se presentaba la cultura japonesa al mundo. Creó una empresa semipública - Kiritsu Kosho Kaisha (Primera Empresa de Fabricación Industrial) - para promover y comercializar las exportaciones de arte [27] y estableció la Hakurankai Jimukyoku (Oficina de Exposiciones) para mantener los estándares de calidad. [26] Para la Exposición Internacional del Centenario de 1876en Filadelfia, el gobierno japonés creó una Oficina del Centenario y envió un enviado especial para asegurar espacio para los 30.000 artículos que se exhibirían. [28] La Casa Imperial también se interesó activamente por las artes y la artesanía, encargando trabajos ("artículos de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. [29] En 1890, se creó el sistema Teishitsu Gigeiin ( Artista de la Casa Imperial ) para reconocer a artistas distinguidos; setenta fueron nombrados entre 1890 y 1944. [30] Entre ellos se encontraban el pintor y artista de laca Shibata Zeshin , el ceramista Makuzu Kōzan , el pintor Hashimoto Gahō y cloisonnéartista de esmalte Namikawa Yasuyuki . [30]
A medida que las importaciones occidentales se hicieron populares, la demanda de arte japonés disminuyó dentro del propio Japón. [31] En Europa y América, la nueva disponibilidad del arte japonés llevó a una fascinación por la cultura japonesa; una locura conocida en Europa como japonismo . [32] El patrocinio imperial, el patrocinio del gobierno, la promoción a nuevas audiencias y la tecnología occidental se combinaron para fomentar una era de innovación artística japonesa. En las artes decorativas, los artistas japoneses alcanzaron nuevos niveles de sofisticación técnica. [27]
Hoy, Masayuki Murata posee más de 10,000 obras de arte Meiji y es uno de los coleccionistas más entusiastas. A partir de ese momento, la mayoría de las excelentes obras de arte Meiji fueron compradas por coleccionistas extranjeros y solo algunas de ellas permanecieron en Japón, pero debido a que compró muchas obras de países extranjeros y abrió el Museo Kiyomizu Sannenzaka , [33] el estudio y La reevaluación del arte Meiji avanzó rápidamente en Japón después del siglo XXI. [34] Nasser Khalili es también uno de los coleccionistas de arte Meiji más dedicados del mundo, y su colección abarca muchas categorías de arte Meiji. La familia imperial japonesatambién posee excelentes obras de arte Meiji, algunas de las cuales fueron donadas al estado y ahora se encuentran almacenadas en el Museo de las Colecciones Imperiales .
Arquitectura y jardín [ editar ]
A principios del siglo XX, las formas de arte europeas se introdujeron bien y su matrimonio produjo edificios notables como la estación de tren de Tokio y el Edificio de la Dieta Nacional que todavía existen en la actualidad. La estación de Tokio, un edificio de arquitectura Giyōfū , lleno de ladrillos y estilo pseudoeuropeo . Este estilo de construcción fue construido en áreas urbanas.
Jihei Ogawa construyó muchos jardines japoneses nuevos y artísticos .
Pintura [ editar ]
La primera respuesta de los japoneses a las formas de arte occidentales fue la aceptación sincera, y en 1876 se abrió la Escuela de Arte Tecnológico ( ja: 工部 美術 学校), empleando instructores italianos para enseñar métodos occidentales. La segunda respuesta fue un péndulo en la dirección opuesta encabezada por Okakura Kakuzō y el estadounidense Ernest Fenollosa , quienes alentaron a los artistas japoneses a retener temas y técnicas tradicionales mientras creaban obras más acordes con el gusto contemporáneo. Esta fue una estrategia que finalmente sirvió para extender la influencia del arte japonés hasta Calcuta, Londres y Boston en los años previos a la Primera Guerra Mundial . [35]A partir de estos dos polos de la teoría artística, derivados de Europa y del este de Asia, respectivamente, se desarrollaron yōga ("pintura de estilo occidental") y Nihonga ("pintura japonesa"), categorías que se han mantenido vigentes.
Esmaltes [ editar ]
Durante la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó un pico técnico, produciendo artículos más avanzados que cualquier otro que hubiera existido antes. [36] El período comprendido entre 1890 y 1910 se conoció como la "edad de oro" de los esmaltes japoneses. [37] Los artistas experimentaron con pastas y con el proceso de cocción para producir bloques de esmalte cada vez más grandes, con menos necesidad de cierres (que encierran tiras de metal). [36] Así, los esmaltes se convirtieron en un medio más pictórico, con diseños similares o copiados de pinturas tradicionales. [38] Se popularizaron los esmaltes con un diseño exclusivo de Japón, en el que se utilizaban flores, pájaros e insectos como temas. En particular, las obras de Namikawa Yasuyuki yNamikawa Sōsuke se exhibió en ferias mundiales y ganó muchos premios. [39] [40] [41] [42] Junto con los dos Namikawa, Ando Cloisonné Company ha producido muchos cloisonné de alta calidad. Los esmaltes japoneses se consideraron inigualables gracias a los nuevos logros en diseño y coloración. [43]
Lacado [ editar ]
La era Meiji vio un interés renovado en la laca a medida que los artistas desarrollaban nuevos diseños y experimentaban con nuevas texturas y acabados. [44] Maki-e (decorar la laca con polvo de oro o plata) fue la técnica más común para lacados de calidad en este período. [45] Shibata Zeshin fue un laqueador que ganó una gran reputación por sus obras desde el período Bakumatsu hasta el período Meiji. La laca llamada Shibayama y Somada , creada en el período Edo, se hizo popular por su estilo vistoso, con incrustaciones de oro, plata, mariscos, marfil y metal y vidrio de colores, y alcanzó su punto máximo durante este período. [46]La laca de los talleres japoneses fue reconocida como técnicamente superior a la que podría producirse en cualquier otro lugar del mundo. [47]
Metalistería [ editar ]
Al comienzo de la era Meiji, la metalurgia japonesa era casi totalmente desconocida fuera del país, a diferencia de la laca y la porcelana que anteriormente se exportaban. [48] La metalurgia estaba relacionada con la práctica budista, por ejemplo en el uso del bronce para las campanas de los templos y los calderos de incienso, por lo que hubo menos oportunidades para los trabajadores metalúrgicos una vez que el budismo fue desplazado como religión estatal. [48] Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a una nueva audiencia extranjera, lo que atrajo fuertes elogios. [48] La historia pasada de los samuráisarmamento equipado a los trabajadores metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Mediante la combinación y acabado de cobre, plata y oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas que incluyen shakudō y shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color. [49]
Porcelana y loza [ editar ]
Las innovaciones técnicas y artísticas de la era Meiji convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. [50] La cerámica de Satsuma fue un nombre que se le dio originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma , elaboradamente decorada con dorado y esmalte. Estos productos fueron muy elogiados en Occidente. Visto en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y las influencias occidentales, y se había creado pensando en la exportación. [51]Los talleres de muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y económica. De modo que el término "vajilla Satsuma" llegó a asociarse no con un lugar de origen sino con vajilla de menor calidad creada exclusivamente para la exportación. [52] A pesar de esto, artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan mantuvieron los más altos estándares artísticos al mismo tiempo que exportaban con éxito. [53] De 1876 a 1913, Kōzan ganó premios en 51 exposiciones, incluida la Feria Mundial y la Exposición Industrial Nacional. [54]
Textiles [ editar ]
La edición de 1902 de Encyclopædia Britannica escribió: "En ninguna rama de las artes aplicadas el genio decorativo de Japón muestra resultados más atractivos que el de las telas textiles, y en ninguna ha habido un progreso más notorio durante los últimos años". [55] En Kioto se estaban produciendo obras pictóricas muy grandes y coloridas. El bordado se había convertido en una forma de arte por derecho propio, adoptando una variedad de técnicas pictóricas como el claroscuro y la perspectiva aérea . [55]
Arte de la posguerra [ editar ]
Inmediatamente después de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial en 1945, un gran número de artistas japoneses cayó bajo la influencia o incluso se unió al Partido Comunista de Japón , que acababa de ser legalizado por la ocupación militar de Japón liderada por Estados Unidos después de muchos años de represión. por la policía japonesa de preguerra y en tiempos de guerra. [56] Esto tuvo que ver con el éxito que tuvo el Partido Comunista en vender la noción en los primeros años de la posguerra de que el partido había sido el único grupo en Japón que se había resistido al militarismo en tiempos de guerra. [57] Además, la palabra japonesa para "vanguardia" (前衛, zen'ei), como en "vanguardia de la revolución comunista", pasa a ser la misma palabra que se usa para "vanguardia" que en vanguardia artística. [58] El Partido Comunista de Japón pronto llegó a dominar las principales sociedades de arte y exposiciones en Japón, y por lo tanto, la forma de arte predominante en el período inmediatamente posterior a la guerra fue el realismo socialista que describía el sufrimiento de los pobres y la nobleza de los trabajadores. clase, de acuerdo con la doctrina del Partido Comunista de que todo arte debe servir para promover la causa de la revolución. [57] En 1952, el Partido Comunista incluso ordenó a artistas como Hiroshi Katsuragawa y otros miembros de la recién formada Asociación de Arte Avant-Garde (前衛 美術 会, Zen'ei Bijutsukaia las montañas para producir arte realista socialista en apoyo de los "escuadrones guerrilleros de montaña" que intentaban fomentar una revolución violenta en Japón. [59]
La década de 1950: luchando por liberarse del realismo socialista [ editar ]
En el transcurso de la década de 1950, muchos artistas japoneses se desilusionaron cada vez más con la definición rígida y limitada de "arte" impuesta por el Partido Comunista. [60] Sin embargo, debido a la preeminencia actual de los miembros y simpatizantes del Partido Comunista en los rangos superiores de las sociedades artísticas y los jurados de exhibición, los artistas encontraron extremadamente difícil incluso mostrar su arte a menos que se ajustaran a las directrices del Partido. [61] Algunos artistas se alejaron de las exposiciones públicas formales. Otros buscaron reconocimiento, apoyo financiero y oportunidades para mostrar su arte en el extranjero, como el grupo de artistas conceptuales Gutai , fundado en 1954. Otros artistas hicieron uso de las pocas exposiciones "independientes" no juradas de Japón, como laExposición Independiente de Yomiuri patrocinada por Yomiuri Shinbun , a la que cualquiera podía entrar. [62]
La gota que colmó el vaso vino con las masivas protestas de Anpo de 1960 contra el Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido como " Anpo " en japonés ") debido al papel extremadamente pasivo que desempeñó el supuestamente" vanguardista "Partido Comunista. tratado, una ronda de recriminaciones condujo a una mayor desilusión con el Partido Comunista y el arte realista socialista, lo que provocó que muchos más artistas se separaran de la influencia del Partido [63].
La década de 1960: una explosión de nuevos géneros [ editar ]
Con el desvanecimiento del dominio del realismo socialista, la década de 1960 fue testigo de una explosión de nuevas formas de arte en Japón, a medida que las artes se expandían en nuevas direcciones que podrían denominarse "posmodernas". [64] Colectivos de artistas como Neo-Dada Organizers , Zero Dimension y Hi-Red Center exploraron conceptos como "no arte" y "anti-arte", y llevaron a cabo una variedad de audaces "eventos", "sucesos" y otras formas de performance diseñadas para erosionar los límites entre el arte y la vida diaria. El grupo Mono-ha empujó de manera similar los límites que dividen el arte, el espacio, el paisaje y el medio ambiente. Otros artistas, como el diseñador gráfico Tadanori Yokoo, se inspiró en la contracultura de la década de 1960 y la explosión de nuevas formas de cómics manga orientados a adultos. En las artes escénicas, Tatsumi Hijikata fue pionera en una nueva forma de danza posmoderna llamada Butoh , y dramaturgos como Jūrō Kara y Satō Makoto crearon el estilo Angura de teatro radical "subterráneo". [65] Y en fotografía, fotógrafos como Daidō Moriyama fueron pioneros en una nueva escuela de fotografía de posguerra extremadamente influyente que enfatizó la espontaneidad sobre la composición cuidadosamente organizada y celebró las características " son, bure, bokeh"(literalmente" rugoso, borroso, desenfocado "). [66] [67]
La proliferación de nuevos tipos de arte fue apoyada por el tremendo crecimiento de la economía japonesa en la década de 1960, recordado como el " milagro económico japonés ". En el transcurso de la década de 1960, la economía japonesa creció más del 10% anual. El aumento de la riqueza creó una nueva clase de consumidores que podían permitirse gastar dinero en arte y apoyar diferentes tipos de arte y artistas. Por primera vez en la historia moderna de Japón, se volvió viable para un número significativo de artistas ganarse la vida simplemente vendiendo su arte. El auge de la construcción de la década de 1960 en Japón, que arrasó con la antigua arquitectura tradicional japonesa de madera y papel y la reemplazó con brillantes megaciudades de vidrio y acero, ayudó a inspirar nuevas escuelas de arquitectura japonesa, como el Metabolismo (arquitectura).movimiento liderado por Kenzō Tange , que se liberó audazmente de los modelos convencionales y demostró ser influyente en todo el mundo.
Sin embargo, al mismo tiempo, el mundo del arte seguía dominado por camarillas que promovían las obras de ciertos artistas (generalmente hombres) sobre otros. Como se hizo mucho más fácil para los japoneses viajar al extranjero en la década de 1960, algunas artistas femeninas como Yayoi Kusama y Yoko Ono encontraron una mejor recepción en el extranjero y se marcharon a centros artísticos como Londres, París y Nueva York, al igual que muchos artistas masculinos como bien.
El triunfo de las nuevas formas de arte japonés se consolidó en la Feria Mundial de Osaka de 1970 , donde decenas de artistas conceptuales y de vanguardia fueron contratados para diseñar pabellones y experiencias artísticas para los asistentes a la feria. [68] El arte de vanguardia japonés se había globalizado y se había convertido en algo que incluso el gobierno conservador se enorgullecía de mostrar al mundo.
Las décadas de 1970 y 1980: montando la burbuja económica [ editar ]
En las décadas de 1970 y 1980, el arte japonés continuó en muchas de las direcciones iniciadas en las décadas de 1950 y 1960, pero a menudo con presupuestos mucho mayores y materiales más caros. A medida que la economía de Japón siguió expandiéndose rápidamente y, finalmente, se convirtió en una de las burbujas económicas más grandes de la historia . Con la moneda japonesa volviéndose increíblemente fuerte a raíz del Acuerdo Plaza de 1985 , las personas e instituciones japonesas se convirtieron en actores importantes en el mercado internacional del arte. Las megacorporaciones japonesas extraordinariamente ricas comenzaron a construir sus propios museos de arte privados y a adquirir colecciones de arte moderno y contemporáneo, y los artistas japoneses también se beneficiaron enormemente de estos gastos.
En particular, la producción artística continuó tendencia a alejarse de la pintura tradicional y la escultura en la dirección de diseño gráfico , arte pop , arte para vestir , el performance , el arte conceptual y el arte de instalación . Varios tipos de arte "híbrido" se pusieron de moda cada vez más. A medida que avanzaba la tecnología, los artistas incorporaron cada vez más electrónica, video, computadoras, música y sonidos sintetizados y videojuegos en su arte. La estética del manga y el anime, en el que tantos artistas jóvenes habían crecido, ejerció una influencia creciente, aunque a veces bastante sutil. Sobre todo, los artistas evitaron todo lo que oliera a "arte elevado" o "bellas artes" en favor de lo personal, lo ecléctico, lo fantástico o fantasmagórico y lo lúdico. En la edición, artistas femeninas como Mika Yoshizawa fueron cada vez más aceptadas y apoyadas por el mundo del arte en Japón.
Arte contemporáneo en Japón [ editar ]
El arte contemporáneo japonés adopta tantas formas y expresa tantas ideas diferentes como el arte contemporáneo mundial en general. Abarca desde anuncios, anime, videojuegos y arquitectura, como ya se mencionó, hasta escultura, pintura y dibujo en todas sus innumerables formas. Los artistas japoneses han hecho contribuciones especialmente notables al arte contemporáneo global en los campos de la arquitectura, los videojuegos, el diseño gráfico, la moda y, quizás, sobre todo, la animación. Mientras que el anime al principio se derivó principalmente de historias de manga, [ cita requerida ] el anime diverso abunda hoy, y muchos artistas y estudios han alcanzado gran fama como artistas; Hayao Miyazaki y los artistas y animadores de Studio Ghibli generalmente se consideran entre los mejores que el mundo del anime tiene para ofrecer.
Al mismo tiempo, muchos artistas japoneses continúan utilizando técnicas y materiales artísticos tradicionales japoneses heredados de tiempos premodernos, como formas tradicionales de papel y cerámica japoneses y pintura con tinta negra y de color sobre papel o seda. Algunas de estas obras de arte representan temas tradicionales en estilos tradicionales, mientras que otras exploran motivos y estilos nuevos y diferentes, o crean híbridos de formas de arte tradicionales y contemporáneas, utilizando medios o materiales tradicionales. Incluso otros evitan los medios y estilos nativos, adoptando pinturas al óleo occidentales o cualquier otra forma.
En escultura, ocurre lo mismo; algunos artistas se apegan a los modos tradicionales, otros lo hacen con un toque moderno, y algunos eligen modos, estilos y medios occidentales o completamente nuevos. Yo Akiyama es solo uno de los muchos escultores japoneses modernos. Trabaja principalmente en barro y cerámica, creando obras que son muy simples y directas, como si hubieran sido creadas a partir de la tierra misma. Otro escultor, utilizando hierro y otros materiales modernos, construyó una gran escultura de arte moderno en la ciudad portuaria israelí de Haifa , llamada Hanabi (Fuegos artificiales). Nahoko Kojima es una artista Kirie contemporánea que ha sido pionera en la técnica de la escultura de corte de papel que cuelga en 3D.
Takashi Murakami es posiblemente uno de los artistas japoneses modernos más conocidos del mundo occidental. Murakami y los otros artistas de su estudio crean piezas con un estilo, inspirado en el anime, al que ha denominado " superflat ". Sus piezas toman una multitud de formas, desde la pintura hasta la escultura, algunas de tamaño verdaderamente masivo. Pero la mayoría, si no todos, muestran muy claramente esta influencia del anime, utilizando colores brillantes y detalles simplificados.
Yayoi Kusama , Yoshitomo Nara , Hiroshi Sugimoto , Chiharu Shiota , Daidō Moriyama , Mariko Mori , Aya Takano y Tabaimo son considerados artistas importantes en el campo del arte japonés contemporáneo. [69] El Grupo 1965 , un colectivo de artistas, cuenta con el artista contemporáneo Makoto Aida entre sus miembros. [70]
Artes escénicas [ editar ]
Muchas formas tradicionales de música, danza y teatro japoneses han sobrevivido en el mundo contemporáneo, gozando de cierta popularidad a través de la reidentificación con los valores culturales japoneses. La música y la danza tradicionales, que tienen sus orígenes en el uso religioso antiguo ( budista , sintoísta y folclórico) se han conservado en las representaciones dramáticas del teatro Noh , Kabuki y bunraku . La música de la corte antigua y las formas de danza que se derivan de fuentes continentales se conservaron a través de músicos de la casa imperial y grupos de templos y santuarios. Algunos de los instrumentos musicales más antiguos del mundo han estado en uso continuo en Japón desde el período Jōmon., como lo muestran los hallazgos de flautas y cítaras de piedra y arcilla que tienen entre dos y cuatro cuerdas, a las que se agregaron campanas y gongs de metal del período Yayoi para crear conjuntos musicales tempranos. En el período histórico temprano (siglos VI al VII), había una variedad de tambores grandes y pequeños , gongs, campanillas , flautas e instrumentos de cuerda, como el biwa importado con forma de mandolina y la cítara plana de seis cuerdas, que evolucionaron en el koto de trece cuerdas . Estos instrumentos formaron las orquestas de la música cortesana ceremonial derivada continentalmente del siglo VII ( gagaku), que, junto con el bugaku (un tipo de danza de la corte) que lo acompaña , son las formas más antiguas de este tipo que aún se realizan en la corte imperial, los templos antiguos y los santuarios. El budismo introdujo los cantos rítmicos, todavía utilizados, que sustentan a Shigin , y que se unieron a las ideas nativas para fundamentar el desarrollo de la música vocal, como en Noh .
Conceptos estéticos [ editar ]
El arte japonés se caracteriza por polaridades únicas. En la cerámica de los períodos prehistóricos, por ejemplo, la exuberancia fue seguida por un arte disciplinado y refinado. Otro ejemplo lo proporcionan dos estructuras del siglo XVI que son polos opuestos: el Palacio Independiente de Katsura es un ejercicio de simplicidad, con énfasis en los materiales naturales, ásperos y sin recortar, y una afinidad por la belleza lograda por accidente; Nikkō Tōshō-gū es una estructura rígidamente simétrica repleta de relieves de colores brillantes que cubren todas las superficies visibles. El arte japonés, valorado no solo por su simplicidad sino también por su exuberancia colorida, ha influido considerablemente en la pintura occidental del siglo XIX y la arquitectura occidental del siglo XX .
Las concepciones estéticas de Japón, derivadas de diversas tradiciones culturales, han sido formativas en la producción de formas de arte únicas. A lo largo de los siglos, se desarrolló y perfeccionó una amplia gama de motivos artísticos, imbuidos de un significado simbólico. Como una perla , adquirieron muchas capas de significado y un alto brillo. La estética japonesa proporciona una clave para comprender las obras artísticas perceptiblemente diferentes de las que provienen de las tradiciones occidentales.
Dentro de la tradición artística de Asia Oriental, China ha sido el maestro reconocido y Japón el estudiante devoto. Sin embargo, varias artes japonesas desarrollaron su propio estilo, que se puede diferenciar de varias artes chinas. El enfoque monumental, simétricamente equilibrado y racional de las formas de arte chinas se volvió miniaturizado, irregular y sutilmente sugerente en manos japonesas. Jardines de rocas en miniatura , plantas diminutas ( bonsai ) e ikebana (arreglos florales), en los que los pocos seleccionados representaban un jardín, fueron las actividades favoritas de los aristócratas refinados durante un milenio, y han permanecido como parte de la vida cultural contemporánea.
La diagonal, que refleja un flujo natural, en lugar del triángulo fijo, se convirtió en el dispositivo estructural preferido, ya sea en pintura, diseño arquitectónico o de jardines, pasos de baile o notaciones musicales. Los números impares reemplazan a los números pares en la regularidad de un patrón maestro chino, y un tirón hacia un lado permite que un motivo gire la esquina de un objeto tridimensional, dando así continuidad y movimiento que falta en un diseño frontal estático. Los pintores japoneses utilizaron los dispositivos del corte, el primer plano y el desvanecimiento en el siglo XII en yamato-e., o la pintura de pergamino al estilo japonés, quizás una de las razones por las que el cine moderno ha sido una forma de arte tan natural y exitosa en Japón. Se utiliza la sugerencia en lugar de una declaración directa; Las indirectas insinuaciones poéticas y las melodías y pensamientos alusivos y no concluyentes han resultado frustrantes para el occidental que intenta penetrar los significados de la literatura, la música, la pintura e incluso el lenguaje cotidiano.
Los japoneses comenzaron a definir tales ideas estéticas en una serie de frases evocadoras al menos en el siglo X o XI. Los refinamientos cortesanos del aristocrático período Heian evolucionaron hacia la elegante simplicidad vista como la esencia del buen gusto en el arte discreto que se llama shibui . Dos términos originados en las prácticas meditativas del budismo zen describen grados de tranquilidad: uno, el reposo que se encuentra en la humilde melancolía ( wabi ), el otro, la serenidad que acompaña al disfrute de la belleza tenue ( sabi). El pensamiento zen también contribuyó a la inclinación por combinar lo inesperado o sorprendente, que se utiliza para impulsar la conciencia hacia la meta de la iluminación. En el arte, este enfoque se expresó en combinaciones de materiales tan inverosímiles como el plomo incrustado en laca y en imágenes poéticas contradictorias. Imágenes y motivos inesperadamente humorísticos y, a veces, grotescos también provienen del Zen kōan (acertijo). Aunque las artes han sido principalmente seculares desde el período Edo , la estética tradicional y los métodos de formación, que provienen generalmente de fuentes religiosas, continúan siendo la base de las producciones artísticas.
Conceptos modernos [ editar ]
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Hoy en día, Japón ha desarrollado una estética cultural más moderna que a menudo se asocia con el manga Shojo conocido como " kawaii ", que de otro modo podría describirse como "lindo". Generalmente representado a través de dibujos animados y animación, kawaii ha tenido un impacto cultural poderoso y también es un poderoso agente para la publicidad y el consumo japoneses. [71] El concepto de "ternura" que se muestra actualmente en kawaii ha sido tradicionalmente venerado en la cultura japonesa que se remonta al período Edo del arte en el siglo XV. [72]
Estilo manga.
Moda kawaii encontrada en Tokio, Japón
Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.
Pegatinas Flo Kawaii.
Estética tradicional [ editar ]
La estética tradicional japonesa son formas de belleza en la cultura japonesa que se derivan de los primeros siglos. Al menos hace más de doscientos años. Algunas de estas primeras estéticas conforman la estética japonesa en su conjunto: arte budista sincrético, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui y Jo-ha-Kyu.
Arte budista sincrético [ editar ]
Vea la arquitectura budista japonesa .
Wabi-Sabi [ editar ]
Esta estética en la cultura japonesa es conocida por muchas cosas como la belleza en todas las cosas, incluso aquellas que son imperfectas. La modestia y las cosas poco convencionales son lo que se considera la estética sabi-sabi. Wabi y sabi componen juntos la estética de la belleza en lo incompleto. Cuando están separados, ambos sirven como términos diferentes. Wabi es sinónimo de trabajo fresco y sencillo, que denota toda complicación y tiene un aire muy rústico en todo lo que se relaciona. Estar hecho de la naturaleza y del hombre mismo en un tándem. Si se hace por accidente, aporta una cierta singularidad a la obra. Sabi es belleza y cómo se origina a partir de la edad. El ciclo de la vida juega un gran papel en el sabi, agregando a la estética esa sensación de belleza en las obras que reciben reparando los daños del envejecimiento a lo largo del tiempo. Al juntar sabi y sabi,crea la estética de que cada pieza simple desarrollada no requiere un diseño complicado. Tampoco requiere una plenitud absoluta para que la belleza se encuentre en él, y con la edad llega una belleza más delicada.
Wabi-sabi siempre se ha relacionado con las ceremonias del té en la cultura japonesa. Se dice que estas ceremonias son eventos profundos de wabi-sabi. Wabi-sabi también está relacionado con actividades como la arquitectura, la moda y la filosofía. Todas estas porciones de wabi-sabi comparten la creencia en el mismo tema: todas las imperfecciones, como el trabajo incompleto, tienen una belleza innegable. Sin embargo, no todo el mundo, por supuesto, favorece la idea detrás de wabi-sabi. Si bien esto es cierto, hay muchos que desean mantener viva la creencia a pesar de lo que otros creen. En general, wabi-sabi parece ser un enfoque muy consciente de la vida cotidiana. Una forma tranquila de ver las cosas y una forma de vivir sin parecer crítico. Al entender el wabi-sabi, hay términos que también se relacionan fuertemente con la estética.
- Fukinsei: asimetría, irregularidad.
- Kanso: sencillez.
- Koko: básico, desgastado.
- Shizen: sin pretensiones, natural.
- Yugen: gracia sutilmente profunda, no obvia.
- Datsuzoku: ilimitado por convención, gratis.
- Seijaku: tranquilidad, silencio.
Cada uno de estos términos se utiliza para desglosar la comprensión completa de wabi-sabi. Se relaciona más con el aspecto filosófico de toda la estética y cómo ver el entorno de uno. Estos pueden aludir a varias cosas, incluidas las ideas en los humanos, los temas detrás de ciertos aspectos de la vida o la naturaleza misma. Cada término nos lleva al punto de que wabi-sabi es una estética que se trata de apreciar las pequeñas cosas que son imperfectas o incompletas.
Miyabi [ editar ]
En la historia actual de Japón, miyabi puede representar muchas cosas. Sin embargo, parece centrarse en el concepto de elegancia, belleza, refinamiento y cortesía. Por esto, es una de las estéticas más antiguas entre la mayoría de las estéticas japonesas en la cultura. Eso explicaría por qué no es tan popular como el resto, que puede ser más nuevo en comparación con miyabi. Es un término que también se usa para expresar la cultura aristocrática. Miyabi elimina todas las formas de rudeza y crudeza de la cultura. Esto da lugar a la imagen y la forma adecuadas de cultura aristocrática. Miyabi provoca estos cambios. Miyabi asegura que el refinamiento del amor, la literatura, los sentimientos y el arte se celebre dentro de la cultura japonesa. Se da la bienvenida al refinamiento.
Shibui [ editar ]
Shibui está llegando a comprender un objeto o una obra de arte por lo que es. Localizar la belleza simple y sutil en ciertas cosas es un objetivo cuando se trata de diseñar o revisar ciertos diseños. En muchos sentidos, shibui es muy similar a wabi-sabi pero no es wabi-sabi. Shibui aprecia los artículos y objetos simplemente por ser. No hay ninguna complicación o pensamiento irracional cuando se trata de shibui. Similar a cierta estética en la cultura japonesa, hay un par de términos en relación con Shibui: shibumi es el sabor del shibui; Shibusa es el estado de shibui.
Ambos términos se relacionan con la belleza sutil y discreta. Hay varios elementos y objetos que pueden considerarse parte de la estética del shibui, no solo arte o moda. También pueden ser personas, animales, canciones, películas, varios tipos diferentes de medios pueden verse como shibui. Por ejemplo, un par de zapatos, una cámara, una bicicleta ciclomotor y varias obras de arte u objetos diferentes utilizados para la actividad diaria pueden verse como shibui. Directo y simple es el camino del shibui. Nada exagerado o demasiado llamativo.
Jo-ha-kyu [ editar ]
Esta es una estética que se originó en el Teatro Noh e incluso apareció en el siglo XIV. Se utiliza en diferentes formas de arte en Japón incluso en la actualidad. Es un movimiento que se ha aplicado en varias artes diferentes con jo, ha y kyu que representan cosas individuales para formar su definición: jo, 'comienzo'; ja, 'romper', 'crack'; kyu: 'rápido', 'cambio'
Esencialmente, lo que esta estética significa es que cuando se trata de piezas que se ocupan del movimiento, las cosas deben comenzar lentamente con la acumulación adecuada. Casi parecido a cómo se cuenta una historia. Luego, una vez que alcanza su clímax, se acelera. Cuando llega a su fin, entonces es cuando las cosas comienzan a acelerarse rápidamente hasta que de repente ha llegado a su fin.
Artistas [ editar ]
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Tradicionalmente, el artista era un vehículo de expresión y personalmente se mostraba reticente, en consonancia con el papel de un artesano o animador de bajo nivel social. El calígrafo , un miembro de la clase de literatos confucianos , o clase samurái en Japón, tenía un estatus más alto, mientras que los artistas de gran genio a menudo eran reconocidos en el período Kamakura al recibir un nombre de un señor feudal y así ascender socialmente. Las artes escénicas, sin embargo, se tenían en general menos estimadas, y la supuesta inmoralidad de las actrices del temprano teatro Kabuki hizo que el gobierno de Tokugawa prohibiera a las mujeres subir al escenario; los papeles femeninos en Kabuki y Noh a partir de entonces fueron interpretados por hombres.
Después de la Segunda Guerra Mundial , los artistas se reunieron típicamente en asociaciones artísticas, algunas de las cuales eran sociedades profesionales establecidas desde hace mucho tiempo, mientras que otras reflejaban el último movimiento artístico. La Liga de Artistas de Japón , por ejemplo, fue responsable de la mayor cantidad de exposiciones importantes, incluida la prestigiosa Nitten ( Exposición de Arte de Japón ) anual . El PEN Club of Japan (PEN significa prosa, ensayo y narrativa), una rama de una organización internacional de escritores, era la más grande de unas treinta asociaciones de autores importantes. Actores, bailarines, músicos y otros artistas intérpretes o ejecutantes se jactaban de tener sus propias sociedades, incluida la Sociedad Kabuki., organizado en 1987 para mantener los altos estándares tradicionales de este arte, que se pensaba que estaban en peligro por la innovación moderna. En la década de 1980, sin embargo, los pintores y escultores de vanguardia habían evitado todos los grupos y eran artistas "independientes".
Escuelas de arte [ editar ]
Hay una serie de universidades especializadas en artes en Japón, dirigidas por universidades nacionales. La más importante es la Tokyo Arts University , una de las universidades nacionales más difíciles de ingresar. Otro centro fundamental es Tama Art University , que produjo muchos de los jóvenes artistas innovadores de Japón de finales del siglo XX. Se mantiene la formación tradicional en las artes, derivada de los métodos tradicionales chinos; los expertos enseñan desde sus hogares o escuelas principales trabajando dentro de una relación maestro-alumno. Un alumno no experimenta con un estilo personal hasta que alcanza el nivel más alto de formación, o se gradúa de una escuela de artes o se convierte en director de una escuela. Muchos artistas jóvenes han criticado este sistema por sofocar la creatividad y la individualidad. Una nueva generación deLa vanguardia ha roto con esta tradición, recibiendo a menudo su formación en Occidente. En las artes tradicionales, sin embargo, el sistema maestro-alumno conserva los secretos y habilidades del pasado. Algunos linajes de maestro-alumno se remontan al período Kamakura, a partir del cual continúan usando el estilo o tema de un gran maestro. Los artistas japoneses consideran el virtuosismo técnico como una condición sine qua non de sus profesiones, un hecho reconocido por el resto del mundo como una de las señas de identidad del arte japonés.
El gobierno nacional ha apoyado activamente las artes a través de la Agencia de Asuntos Culturales , creada en 1968 como un organismo especial del Ministerio de Educación . El presupuesto de la agencia para el año fiscal 1989 aumentó a 37.800 millones de libras esterlinas después de cinco años de recortes presupuestarios, pero aún representaba mucho menos del 1 por ciento del presupuesto general. La División de Asuntos Culturales de la agencia difundió información sobre las artes dentro de Japón e internacionalmente, y la División de Protección de Bienes Culturales (文化 財 保護 部, ahora 文化 財 部) protegió el patrimonio cultural de la nación. La División de Asuntos Culturales se ocupa de áreas como la promoción del arte y la cultura, los derechos de autor de las artes y las mejoras en el idioma nacional.. También apoya festivales artísticos y culturales nacionales y locales, y financia eventos culturales itinerantes en música, teatro, danza, exposiciones de arte y realización cinematográfica. Se ofrecen premios especiales para alentar a los artistas jóvenes y a los profesionales establecidos, y cada año se otorgan algunas becas para que puedan capacitarse en el extranjero. La agencia financia los museos nacionales de arte moderno en Kioto y Tokio y el Museo Nacional de Arte Occidental en Tokio, que exhiben espectáculos tanto japoneses como internacionales. La agencia también apoya a la Academia de Arte de Japón , que honra a personas eminentes de las artes y las letras, nombrándolas como miembros y ofreciendo ￥ 3,5 millones en premios. Los premios se otorgan en presencia del Emperador , quien personalmente otorga el más alto galardón, elOrden de Cultura . La Universidad de las Artes de Tokio también participó activamente en varios eventos de arte en años anteriores. Sus otros campus también incluyen cursos variados.
Patrocinio privado y fundaciones [ editar ]
El patrocinio y la promoción de las artes por parte del gobierno se amplían para incluir un nuevo esfuerzo cooperativo con las empresas japonesas para proporcionar fondos más allá del ajustado presupuesto de la Agencia de Asuntos Culturales. Muchas otras instituciones públicas y privadas participan, especialmente en el floreciente campo de la concesión de premios de arte. Un número creciente de grandes corporaciones se une a los principales periódicos para patrocinar exposiciones y representaciones y para otorgar premios anuales. Los más importantes de los muchos premios literarios otorgados son el venerable Premio Naoki y el Premio Akutagawa , siendo este último el equivalente al Premio Pulitzer en los Estados Unidos.
En 1989, un esfuerzo por promover el intercambio intercultural condujo al establecimiento de un " Premio Nobel " japonés de las artes, el Premium Imperiale , por la Asociación de Arte de Japón . Este premio de US $ 100.000 fue financiado en gran parte por el conglomerado de medios de comunicación Fujisankei Communications Group y fue otorgado en base a una selección mundial.
Varias fundaciones que promueven las artes surgieron en la década de 1980, incluida la Fundación de Propiedades Culturales creada para preservar sitios históricos en el extranjero, especialmente a lo largo de la Ruta de la Seda en el interior de Asia y en Dunhuang en China . Otro acuerdo internacional se hizo en 1988 con la Institución Smithsonian de los Estados Unidos para el intercambio cooperativo de estudios de alta tecnología de artefactos asiáticos. El gobierno juega un papel importante al financiar la Fundación Japón, que proporciona becas institucionales e individuales, realiza intercambios académicos, otorga premios anuales, apoya publicaciones y exposiciones, y envía grupos de artes tradicionales japonesas a actuar en el extranjero. El Festival de las Artes que se celebra durante dos meses cada otoño para todas las artes escénicas está patrocinado por la Agencia de Asuntos Culturales. Las ciudades importantes también brindan un apoyo sustancial para las artes; un número creciente de ciudades en la década de 1980 habían construido grandes centros para las artes escénicas y, estimuladas por la financiación del gobierno, estaban ofreciendo premios como el Premio Lafcadio Hearn, iniciado por la ciudad de Matsue . Varios nuevos museos municipales también proporcionaron alrededor de un tercio más de instalaciones en la década de 1980 de las que estaban disponibles anteriormente. A finales de la década de 1980, Tokioañadido más de veinte nuevas salas culturales, sobre todo, la gran Bunkamura construidos por Tokyu Grupo y la reconstrucción de Shakespeare 's Globe Theatre . Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron los mercados de arte occidentales a fines de la década de 1980, pagando máximos históricos por pinturas impresionistas y solo 51,7 millones de dólares por un período azul de Picasso .
Ver también [ editar ]
- Tesoros nacionales de Japón
- Lista de tesoros nacionales de Japón (artesanía-otros)
- Cultura de Japón
- Historia del arte oriental
- Historia de la pintura
- Arte budista
- Arte budista en Japón
- Arquitectura japonesa
- jardín japonés
- Caligrafía japonesa
- Lacado japonés
- Pintura japonesa
- Cerámica y porcelana japonesa
- Escultura japonesa
- Teatro japonés
- Impresión en madera en Japón
- Lista de colecciones de arte japonés
- Galerías de arte
- Japón
- Museo Nacional de Tokio , est. 1872
- Museo Nacional de Kioto , est. 1889
- Museo Nacional de Nara , est. 1889
- Museo Nacional de Kyushu , est. 2005
- Estados Unidos
- Galería de arte Freer , est. 1923
- Museo de Bellas Artes de Boston
- Japón
- Categoría de artistas japoneses
- Musha-e
Referencias [ editar ]
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Fuentes [ editar ]
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Enlaces externos [ editar ]
 | Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el arte japonés . |
 | Wikisource tiene el texto de un artículo de la Encyclopædia Britannica de 1911 sobre arte japonés . |
- Exposición Cinco mil años de arte japonés en el Museo Metropolitano de Arte, versión en línea
- Grabados japoneses de John Gould Fletcher
- e-Museum Imágenes de alta definición de tesoros nacionales e importantes bienes culturales propiedad de cuatro museos nacionales de Japón
- Ukiyo-e en "Una historia mundial del arte"
- Japan Cultural Profile : portal cultural nacional de Japón creado por Visiting Arts / Japan Foundation
- Ruth and Sherman Lee Institute for Japanese Art Collection , colección en línea de imágenes del Archivo en línea de California / Universidad de California Merced
- La colección de investigación Herbert Offen de la biblioteca Phillips en el Museo Peabody Essex
- Proyecto El arte del bonsái
- La visión y el arte de Shinjo Ito : esculturas, caligrafía, fotografías de un gran maestro budista (Gran Acharya)
- Conferencia "Historia del arte japonés" en la Escuela de Bellas Artes de Tokio por Okakura Kakuzo (traducción al inglés)
- Arte japonés del período Meiji (1868-1912) Las colecciones Khalili
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