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En Parmigianino 's Madonna del cuello largo (1534-1540), Manierismo se da a conocer por proporciones alargadas, poses altamente estilizado, y la falta de perspectiva clara.

El manierismo , también conocido como Renacimiento tardío , [1] [2] es un estilo del arte europeo que surgió en los últimos años del Alto Renacimiento italiano alrededor de 1520, se extendió hacia 1530 y se prolongó hasta finales del siglo XVI en Italia. , cuando el estilo barroco lo reemplazó en gran medida. El manierismo del norte continuó hasta principios del siglo XVII. [3]

Estilísticamente , el manierismo abarca una variedad de enfoques influenciados por, y que reaccionan a, los ideales armoniosos asociados con artistas como Leonardo da Vinci , Rafael y los primeros Miguel Ángel . Mientras que el arte del Alto Renacimiento enfatiza la proporción, el equilibrio y la belleza ideal, el manierismo exagera tales cualidades, lo que a menudo resulta en composiciones asimétricas o de una elegancia antinatural. [4] El estilo es notable por su sofisticación intelectual, así como por sus cualidades artificiales (en oposición a las naturalistas). [5]Este estilo artístico privilegia la tensión y la inestabilidad compositiva en lugar del equilibrio y la claridad de la pintura del Renacimiento anterior. El manierismo en la literatura y la música es notable por su estilo muy florido y sofisticación intelectual. [6]

La definición de manierismo y sus fases sigue siendo un tema de debate entre los historiadores del arte. Por ejemplo, algunos estudiosos han aplicado la etiqueta a ciertas formas modernas de literatura (especialmente poesía) y música de los siglos XVI y XVII. El término también se usa para referirse a algunos pintores del gótico tardío que trabajaron en el norte de Europa desde aproximadamente 1500 a 1530, especialmente los manieristas de Amberes, un grupo no relacionado con el movimiento italiano. El manierismo también se ha aplicado por analogía a la Edad de Plata de la literatura latina . [7]

Nomenclatura [ editar ]

Modelo a seguir del manierismo: Laocoonte y sus hijos , una escultura antigua, redescubierta en 1506; ahora en los Museos Vaticanos . Los artistas del manierismo admiraban mucho esta pieza escultórica. [4]

La palabra "manierismo" deriva de la maniera italiana , que significa "estilo" o "moda". Como la palabra inglesa "estilo", maniera puede indicar un tipo específico de estilo (un estilo hermoso, un estilo abrasivo) o indicar un absoluto que no necesita calificación (alguien "tiene estilo"). [8] En la segunda edición de sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (1568), Giorgio Vasari utilizó la maniera en tres contextos diferentes: para discutir la manera o el método de trabajo de un artista; para describir un estilo personal o grupal,como el término maniera greca para referirse al estilo medieval italo-bizantino o simplemente almaniera de Miguel Ángel; y afirmar un juicio positivo de calidad artística. [9] Vasari también fue un artista manierista, y describió el período en el que trabajó como "la maniera moderna", o el "estilo moderno". [10] James V. Mirollo describe cómo los poetas de la "bella maniera" intentaron superar en virtuosismo los sonetos de Petrarca . [11] Esta noción de "bella maniera" sugiere que los artistas que se inspiraron así buscaron copiar y mejorar a sus predecesores, en lugar de enfrentarse directamente a la naturaleza. En esencia, "bella maniera" utilizó lo mejor de una serie de materiales originales, sintetizándolo en algo nuevo. [11]

Como etiqueta estilística, el "manierismo" no se define fácilmente. Fue utilizado por el historiador suizo Jacob Burckhardt y popularizado por historiadores de arte alemanes a principios del siglo XX para categorizar el arte aparentemente no categorizable del siglo XVI italiano, arte que ya no exhibía los enfoques armoniosos y racionales asociados con el Alto Renacimiento. "Alto Renacimiento" connotaba un período que se distinguía por la armonía, la grandeza y el resurgimiento de la antigüedad clásica. El término "manierista" fue redefinido en 1967 por John Shearman [12] tras la exposición de pinturas manieristas organizada por Fritz Grossmann en la Manchester City Art Gallery en 1965. [13]La etiqueta "Manierismo" se utilizó durante el siglo XVI para comentar el comportamiento social y para transmitir una cualidad de virtuoso refinado o para significar una determinada técnica. Sin embargo, para escritores posteriores, como Gian Pietro Bellori del siglo XVII , la maniera era un término despectivo para referirse al declive percibido del arte después de Rafael, especialmente en las décadas de 1530 y 1540. [14] Desde finales del siglo XIX, los historiadores del arte han utilizado comúnmente el término para describir el arte que sigue el clasicismo renacentista y precede al barroco.

Sin embargo, los historiadores difieren en cuanto a si el manierismo es un estilo, un movimiento o un período; y aunque el término sigue siendo controvertido, todavía se usa comúnmente para identificar el arte y la cultura europeos del siglo XVI. [15]

Origen y desarrollo [ editar ]

Hacia el final del Alto Renacimiento, los artistas jóvenes experimentaron una crisis: [4] parecía que todo lo que podía lograrse ya estaba logrado. No quedaban más dificultades, técnicas o de otro tipo, por resolver. El conocimiento detallado de la anatomía, la luz, la fisonomía y la forma en que los humanos registran la emoción en la expresión y el gesto, el uso innovador de la forma humana en la composición figurativa, el uso de la gradación sutil del tono, todo había alcanzado casi la perfección. Los jóvenes artistas necesitaban encontrar un nuevo objetivo y buscaron nuevos enfoques. [16] En este punto comenzó a surgir el manierismo. [4] El nuevo estilo se desarrolló entre 1510 y 1520 en Florencia, [17] o en Roma, o en ambas ciudades simultáneamente. [18]

Figuras coleccionadas, ignudi , del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel

Orígenes y modelos a seguir [ editar ]

Este período ha sido descrito como una "extensión natural" [6] del arte de Andrea del Sarto , Miguel Ángel y Rafael. Miguel Ángel desarrolló su propio estilo a una edad temprana, uno profundamente original que fue muy admirado al principio, luego copiado e imitado a menudo por otros artistas de la época. [6] Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos fue su terribilità , un sentido de imponente grandeza, y los artistas posteriores intentaron imitarlo. [6] Otros artistas aprendieron el estilo apasionado y muy personal de Miguel Ángel copiando las obras del maestro, una forma estándar en que los estudiantes aprendieron a pintar y esculpir. Su techo de la Capilla Sixtinales proporcionó ejemplos a seguir, en particular su representación de figuras recopiladas a menudo llamadas ignudi y de la sibila libia , su vestíbulo a la Biblioteca Laurentian , las figuras de sus tumbas Medici y, sobre todo, su Juicio Final . El último Miguel Ángel fue uno de los grandes modelos a seguir del manierismo. [6] Jóvenes artistas irrumpieron en su casa y le robaron dibujos. [19] En su libro Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes , Giorgio Vasari señaló que Miguel Ángel dijo una vez: "Aquellos que son seguidores nunca pueden pasar junto a quienes siguen". [19]

El espíritu competitivo [ editar ]

El espíritu competitivo fue cultivado por patrocinadores que alentaron a los artistas patrocinados a enfatizar la técnica virtuosa y competir entre sí por encargos. Llevó a los artistas a buscar nuevos enfoques y escenas dramáticamente iluminadas, ropa y composiciones elaboradas, proporciones alargadas, poses muy estilizadas y una falta de perspectiva clara. Leonardo da Vinci y Miguel Ángel recibieron un encargo del Gonfaloniere Piero Soderini para decorar una pared en el Salón de los Quinientos en Florencia. Estos dos artistas se establecieron para pintar uno al lado del otro y competir entre sí [ cita requerida ] , alimentando el incentivo para ser lo más innovadores posible.

Copia tras original perdido, Battaglia di Cascina de Michelangelo , de Bastiano da Sangallo , originalmente con la intención de que Michelangelo compita con la entrada de Leonardo para el mismo encargo
Copiar después original perdido, Leonardo da Vinci 's Battaglia di Anghiari , por Rubens , destinado originalmente por Leonardo para competir con la entrada de Miguel Ángel para la misma comisión

Manierismo temprano [ editar ]

Jacopo Pontormo , Entierro , 1528; Santa Felicità, Florencia

Los primeros manieristas en Florencia, especialmente los estudiantes de Andrea del Sarto como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino, que se destacan por sus formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación teatral. Parmigianino (alumno de Correggio ) y Giulio Romano(El asistente principal de Rafael) se movían en direcciones estéticas igualmente estilizadas en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo se ha caracterizado como una reacción o extensión exagerada del mismo. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar la escultura helenística y las pinturas de maestros del pasado. Por lo tanto, este estilo a menudo se identifica como "anticlásico", [20] sin embargo, en ese momento se consideraba una progresión natural del Alto Renacimiento. La primera fase experimental del manierismo, conocida por sus formas "anticlásicas", duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. [18] Marcia B. Hall, profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro After Raphaelque la muerte prematura de Rafael marcó el comienzo del manierismo en Roma. [ cita requerida ]

En análisis anteriores, se ha observado que el manierismo surgió a principios del siglo XVI al mismo tiempo que otros movimientos sociales, científicos, religiosos y políticos, como el heliocentrismo copernicano , el saqueo de Roma en 1527 y la creciente reforma protestante . desafío al poder de la Iglesia Católica. Debido a esto, las formas alargadas y distorsionadas del estilo alguna vez fueron interpretadas como una reacción a las composiciones idealizadas prevalecientes en el arte del Alto Renacimiento. [21] Esta explicación del cambio estilístico radical c. 1520 ha perdido el favor de los eruditos, aunque el arte manierista temprano todavía contrasta fuertemente con las convenciones del Alto Renacimiento; la accesibilidad y el equilibrio logrado por Raphael'sLa escuela de Atenas ya no parecía interesar a los artistas jóvenes. [ cita requerida ]

Alta maniera [ editar ]

El segundo período del manierismo se diferencia comúnmente [ cita requerida ] de la fase anterior, llamada "anticlásica". Los manieristas posteriores enfatizaron la presunción intelectual y el virtuosismo artístico, rasgos que han llevado a los críticos posteriores a acusarlos de trabajar de una "manera" antinatural y afectada ( maniera ). Los artistas de Maniera consideraron a su Miguel Ángel contemporáneo más viejo como su modelo principal; el suyo era un arte que imitaba al arte, más que un arte que imitaba a la naturaleza. El historiador del arte Sydney Joseph Freedbergsostiene que el aspecto intelectualizador del arte maniera implica esperar que su audiencia note y aprecie esta referencia visual, una figura familiar en un entorno desconocido encerrada entre "comillas invisibles, pero sentidas". [22] El colmo del artificio es la inclinación del pintor Maniera por apropiarse indebidamente de una cita. Agnolo Bronzino y Giorgio Vasariejemplifican esta cepa de Maniera que duró desde aproximadamente 1530 hasta 1580. Con base en las cortes y en círculos intelectuales de toda Europa, el arte de Maniera combina una elegancia exagerada con una atención exquisita a la superficie y al detalle: figuras con piel de porcelana se reclinan en una luz uniforme y templada, reconociendo al espectador con una mirada fría, si es que hacen contacto visual. El sujeto de Maniera rara vez muestra mucha emoción y, por esta razón, las obras que ejemplifican esta tendencia a menudo se denominan "frías" o "distantes". Esto es típico del llamado "estilo elegante" o Maniera en su madurez. [23]

Propagación del manierismo [ editar ]

Manierismo inglés: Henry Howard, conde de Surrey , 1546, un raro retrato manierista inglés de un inmigrante flamenco

Las ciudades de Roma, Florencia y Mantua fueron centros manieristas en Italia. La pintura veneciana siguió un rumbo diferente, representado por Tiziano en su dilatada carrera. Varios de los primeros artistas manieristas que habían estado trabajando en Roma durante la década de 1520 huyeron de la ciudad después del Saqueo de Roma en 1527. A medida que se extendían por el continente en busca de empleo, su estilo se difundió por Italia y el norte de Europa. [24] El resultado fue el primer estilo artístico internacional desde el gótico . [25]Otras partes del norte de Europa no tuvieron la ventaja de un contacto tan directo con los artistas italianos, pero el estilo manierista hizo sentir su presencia a través de grabados y libros ilustrados. Los gobernantes europeos, entre otros, compraron obras italianas, mientras que los artistas del norte de Europa continuaron viajando a Italia, ayudando a difundir el estilo manierista. Los artistas italianos individuales que trabajaban en el norte dieron origen a un movimiento conocido como el manierismo del norte . Francisco I de Francia , por ejemplo, se presentó con Bronzino 's Alegoría del triunfo de Venus . El estilo decayó en Italia después de 1580, como una nueva generación de artistas, incluidos los hermanos Carracci , Caravaggio y Cigoli., naturalismo revivido. Walter Friedlaender identificó este período como "anti-manierismo", así como los primeros manieristas fueron "anticlásicos" en su reacción alejándose de los valores estéticos del Alto Renacimiento [26] y hoy los hermanos Carracci y Caravaggio están de acuerdo en haber comenzado la transición a la pintura de estilo barroco que era dominante en 1600.

Fuera de Italia, sin embargo, el manierismo continuó hasta el siglo XVII. En Francia, donde Rosso viajó para trabajar para la corte de Fontainebleau , se conoce como el " estilo Enrique II " y tuvo un impacto particular en la arquitectura. Otros importantes centros continentales del manierismo del norte incluyen la corte de Rodolfo II en Praga , así como Haarlem y Amberes . El manierismo como categoría estilística se aplica con menos frecuencia a las artes visuales y decorativas inglesas , donde las etiquetas nativas como " isabelino " y " jacobeo " se aplican con mayor frecuencia. Decimoséptimo sigloEl manierismo artesanal es una excepción, aplicada a la arquitectura que se basa en libros de patrones más que en precedentes existentes en la Europa continental. [27]

De particular interés es la influencia flamenca en Fontainebleau que combinó el erotismo del estilo francés con una versión temprana de la tradición vanitas que dominaría la pintura holandesa y flamenca del siglo XVII. Predominó en este momento el pittore vago , una descripción de los pintores del norte que ingresaron a los talleres en Francia e Italia para crear un estilo verdaderamente internacional.

Escultura [ editar ]

Al igual que en la pintura, la primera escultura manierista italiana fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que supere el logro del Alto Renacimiento , que en escultura significaba esencialmente Miguel Ángel, y gran parte de la lucha para lograrlo se llevó a cabo en encargos para completar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, junto a Miguel Ángel 's David . Baccio Bandinelli se hizo cargo del proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero era un poco más popular entonces de lo que es ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente.a "un saco de melones", aunque tuvo un efecto duradero al aparentemente introducir paneles en relieve en el pedestal de estatuas. Como otras obras suyas y de otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que hubiera hecho Miguel Ángel. [28] El Perseo de bronce de Cellini con la cabeza de Medusa es sin duda una obra maestra, diseñada con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, y estilizada artificialmente en comparación con los David de Miguel Ángel y Donatello. [29] Originalmente un orfebre, su famoso Salero de oro y esmalte (1543) fue su primera escultura, y muestra su talento en su máxima expresión. [30]

Pequeñas figuras de bronce para gabinetes de coleccionista , a menudo temas mitológicos con desnudos, fueron una forma popular del Renacimiento en la que Giambologna , originalmente flamenca pero con sede en Florencia, se destacó en la última parte del siglo. También creó esculturas de tamaño natural, de las cuales dos entraron a la colección en la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes ejemplos alargados de la figura serpentinata , a menudo de dos figuras entrelazadas, que resultaban interesantes desde todos los ángulos. [31]

  • Overdoor de estuco en Fontainebleau , probablemente diseñado por Primaticcio , quien pintó el recuadro ovalado, 1530 o 1540

  • Benvenuto Cellini, Perseo con la cabeza de Medusa , 1545-1554

  • Giambologna , Sansón matando a un filisteo , alrededor de 1562

  • Giambologna , Secuestro de una sabina , completado en 1583, Florencia, Italia, 13 '6 "de alto, mármol

  • Adriaen de Vries , Mercurio y Psique en bronce de tamaño natural manierista del norte , realizado en 1593 para Rodolfo II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico .

  • Venus , c. 125; Mármol, romano; Museo Británico

Teóricos tempranos [ editar ]

Pietro Francavilla , Apolo victorioso sobre la pitón , 1591. Museo de Arte Walters

Giorgio Vasari [ editar ]

Las opiniones de Giorgio Vasari sobre el arte de la pintura surgen en los elogios que otorga a sus compañeros artistas en sus múltiples volúmenes Vidas de los artistas : creía que la excelencia en la pintura exigía refinamiento, riqueza de invención ( invenzione ), expresada a través de una técnica virtuosa ( maniera ), y el ingenio y el estudio que aparecían en la obra terminada, todos criterios que enfatizaban el intelecto del artista y la sensibilidad del mecenas. El artista ya no era solo un miembro capacitado de un gremio local de San Lucas. Ahora ocupó su lugar en la corte junto a eruditos, poetas y humanistas, en un clima que fomentaba el aprecio por la elegancia y la complejidad. El escudo de armas de los Medici de Vasarimecenas aparece en la parte superior de su retrato, como si fuera el propio artista. El encuadre de la imagen grabada en madera de Vidas de Vasari se llamaría " jacobeo " en un entorno de habla inglesa. En él, las tumbas Medici de Miguel Ángel inspiran las características "arquitectónicas" anti-arquitectónicas en la parte superior, el marco perforado como el papel, los desnudos sátiros en la base. Como mero marco es extravagante: manierista, en fin.

Gian Paolo Lomazzo [ editar ]

Otra figura literaria de la época es Gian Paolo Lomazzo , quien produjo dos obras, una práctica y otra metafísica, que ayudaron a definir la relación consciente del artista manierista con su arte. Su Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milán, 1584) es en parte una guía de conceptos contemporáneos de decoro., que el Renacimiento heredó en parte de la Antigüedad pero que el manierismo desarrolló. La codificación sistemática de la estética de Lomazzo, que tipifica los enfoques más formalizados y académicos típicos de finales del siglo XVI, enfatizó una consonancia entre las funciones de los interiores y los tipos de decoraciones pintadas y esculpidas que serían adecuadas. La iconografía, a menudo complicada y abstrusa, es un elemento más prominente en los estilos manieristas. Su Idea del tempio della pittura ( El templo ideal de la pintura , Milán, 1590), menos práctica y más metafísica , ofrece una descripción en la línea de la teoría de los " cuatro temperamentos " de la naturaleza y la personalidad humanas, definiendo el papel de la individualidad en el juicio y la invención.

Características de las obras de arte creadas durante el período manierista [ editar ]

El manierismo fue un movimiento anticlásico que se diferenciaba mucho de las ideologías estéticas del Renacimiento . [32] Aunque el manierismo se aceptó inicialmente con positividad basada en los escritos de Vasari , [32] más tarde se lo consideró de forma negativa porque lo veía únicamente como "una alteración de la verdad natural y una repetición trillada de fórmulas naturales". [32] Como momento artístico, el manierismo involucra muchas características que son únicas y específicas para la experimentación de cómo se percibe el arte. A continuación se muestra una lista de muchas características específicas que los artistas manieristas emplearían en sus obras de arte.

  • Alargamiento de figuras: a menudo, el trabajo manierista presentaba el alargamiento de la figura humana; en ocasiones esto contribuía a las imágenes extrañas de algún arte manierista. [33] 
  • Distorsión de la perspectiva: en las pinturas, la distorsión de la perspectiva explora los ideales para crear un espacio perfecto. Sin embargo, la idea de la perfección a veces aludía a la creación de imágenes únicas. Una forma en la que se exploró la distorsión fue mediante la técnica del escorzo . A veces, cuando se utilizaba una distorsión extrema, la imagen era casi imposible de descifrar. [33]
  • Fondos negros: los artistas manieristas a menudo utilizan fondos negros planos para presentar un contraste completo de contornos con el fin de crear escenas dramáticas. Los fondos negros también contribuyeron a crear una sensación de fantasía dentro del tema. [33]  
  • Uso de la oscuridad y la luz: muchos manieristas estaban interesados ​​en capturar la esencia del cielo nocturno mediante el uso de iluminación intencional, creando a menudo una sensación de escenas de fantasía. En particular, se prestó especial atención a las antorchas y la luz de la luna para crear escenas dramáticas. [33]
  • Formas escultóricas: el manierismo estuvo muy influenciado por la escultura, que ganó popularidad en el siglo XVI. Como resultado, los artistas manieristas a menudo basaban sus representaciones de cuerpos humanos en referencia a esculturas y grabados. Esto permitió a los artistas manieristas enfocarse en crear dimensión. [33]
  • Claridad de línea: la atención que se prestó a los contornos limpios de las figuras fue prominente dentro del manierismo y difería en gran medida del Barroco y el Alto Renacimiento . Los contornos de las figuras a menudo permitían una mayor atención a los detalles. [33]  
  • Composición y espacio: los artistas manieristas rechazaron los ideales del Renacimiento , en particular la técnica de la perspectiva de un solo punto . En cambio, se hizo hincapié en los efectos atmosféricos y la distorsión de la perspectiva . El uso del espacio en las obras manieristas privilegiaba en cambio composiciones abarrotadas con formas y figuras variadas o composiciones escasas con énfasis en fondos negros. [33]  
  • Movimiento manierista: el interés por el estudio del movimiento humano lleva a menudo a los artistas manieristas a plasmar un tipo de movimiento único ligado a posiciones serpenteantes . Estas posiciones a menudo anticipan los movimientos de posiciones futuras debido a sus figuras de movimientos a menudo inestables. Además, esta técnica se atribuye a la experimentación de la forma del artista. [33]
  • Marcos pintados: en algunas obras manieristas, los marcos pintados se utilizaron para mezclarse con el fondo de las pinturas y, en ocasiones, contribuir a la composición general de la obra de arte. Esto es frecuente en ocasiones cuando se presta especial atención a los detalles ornamentados. [33]
  • Efectos atmosféricos: muchos manieristas utilizaron la técnica del sfumato , conocida como "la representación de contornos o superficies suaves y nebulosas" [33] en sus pinturas para representar el flujo de luz. [33]  
  • El color manierista: un aspecto único del manierismo fue, además de la experimentación de la forma, la composición y la luz, gran parte de la misma curiosidad se aplicó al color. Muchas obras de arte jugaron con tonos puros e intensos de azules, verdes, rosas y amarillos, que a veces restan valor al diseño general de las obras de arte y, en otras ocasiones, lo complementan. Además, al desgarrar el tono de la piel, los artistas a menudo se concentran en crear tez demasiado cremosa y clara y, a menudo, utilizan matices de azul. [33]

Artistas manieristas y ejemplos de sus obras [ editar ]

Joachim Wtewael Perseus and Andromeda , 1616, Louvre, la composición muestra una Vanité de huesos y conchas marinas en primer plano y un elaborado desnudo académico con una paleta que toma prestada la vanguardia de las mejillas de Andrómeda. El Dragón parece de influencia sino-oriental.

Jacopo da Pontormo [ editar ]

La obra de Jacopo da Pontormo ha sido conocida como una de las contribuciones más importantes al manierismo. [34] Gran parte de su tema se basó en narrativas religiosas, así como en la influencia de las obras de Miguel Ángel [34] y en referencia a la escultura para componer formas humanas. [32] Un elemento bien conocido de su obra es la interpretación de miradas de varias figuras que a menudo atraviesan al espectador en varias direcciones. [32] Dedicado a su trabajo, Pontormo, a menudo expresaba ansiedad por la calidad de su trabajo y era conocido por su trabajo lento y metódico. [32] Su legado es muy apreciado, ya que influyó en artistas como Agnolo Bronzino y en los ideales estéticos del manierismo tardío.[34]

El José en Egipto de Pontomoro , pintado en 1517, [32] retrata una narración continua de cuatro escenas bíblicas en las que José se reconecta con su familia. En el lado izquierdo de la composición, Pontomoro representa una escena de José presentando a su familia al faraón de Egipto . A la derecha, Joseph está montado en un banco rodante, mientras los querubines llenan la composición a su alrededor, además de otras figuras y grandes rocas en un camino en la distancia. Encima de estas escenas, hay una escalera de caracol que José guía a uno de sus hijos hasta su madre en la parte superior. La escena final, a la derecha, es la etapa final de la muerte de Jacob mientras sus hijos observan cerca. [32]

El José de Pontormo en Egipto presenta muchos elementos manieristas. Un elemento es la utilización de colores incongruentes, como varios tonos de rosas y azules, que constituyen la mayor parte del lienzo . Un elemento adicional del manierismo es el manejo incoherente del tiempo sobre la historia de José a través de varias escenas y el uso del espacio. Mediante la inclusión de las cuatro narrativas diferentes, Ponotormo crea una composición desordenada y una sensación general de ajetreo.

Rosso Fiorentino y la escuela de Fontainebleau [ editar ]

Rosso Fiorentino , que había sido alumno de Pontormo en el estudio de Andrea del Sarto , llevó en 1530 el manierismo florentino a Fontainebleau , donde se convirtió en uno de los fundadores del manierismo francés del siglo XVI, conocido popularmente como la Escuela de Fontainebleau .

Los ejemplos de un estilo decorativo rico y frenético en Fontainebleau difundieron aún más el estilo italiano a través de grabados en Amberes , y desde allí por todo el norte de Europa, desde Londres hasta Polonia. El diseño manierista se extendió a artículos de lujo como la plata y los muebles tallados. Un sentido de emoción tensa y controlada expresada en un elaborado simbolismo y alegoría , y un ideal de belleza femenina caracterizado por proporciones alargadas son características de este estilo.

Agnolo Bronzino [ editar ]

Alto manierismo: Venus, Cupido, la locura y el tiempo de Bronzino , c. 1545; Galería Nacional, Londres .

Agnolo Bronzino fue alumno de Pontormo, [35] cuyo estilo fue muy influyente y, a menudo, confuso en términos de averiguar la atribución de muchas obras de arte. [35] Durante su carrera, Bronzino también colaboró ​​con Vasari como escenógrafo para la producción "Comedy of Magicians", donde pintó muchos retratos . [35] La obra de Bronzino fue solicitada y tuvo un gran éxito cuando se convirtió en pintor de la corte de la familia Medici en 1539. [35] Una característica manierista única de la obra de Bronzino fue la interpretación de la tez lechosa . [35]

En el cuadro Venus, Cupido, Locura y Tiempo , Bronzino retrata una escena erótica que deja al espectador con más preguntas que respuestas. En primer plano, Cupido y Venus están casi comprometidos en un beso, pero se detienen como si estuvieran atrapados en el acto. Encima de la pareja hay figuras mitológicas, el Padre Tiempo a la derecha, quien corre una cortina para revelar a la pareja y la representación de la diosa de la noche a la izquierda. La composición también incluye una agrupación de máscaras, una criatura híbrida compuesta por rasgos de una niña y una serpiente, y un hombre representado en un dolor agonizante. Hay muchas teorías disponibles para la pintura, como la que transmite los peligros de la sífilis., o que la pintura funcionaba como un juego de cancha . [36]

Los retratos manieristas de Bronzino se distinguen por una serena elegancia y una meticulosa atención al detalle. Como resultado, se ha dicho que los modelos de Bronzino proyectan un distanciamiento y una marcada distancia emocional del espectador. También hay una concentración virtuosa en capturar el patrón preciso y el brillo de ricos textiles. Específicamente, dentro de Venus, Cupido, Locura y Tiempo , Bronzino utiliza las tácticas del movimiento manierista, la atención al detalle, el color y las formas escultóricas. La evidencia del movimiento manierista es evidente en los movimientos torpes de Cupido y Venus, mientras contorsionan sus cuerpos para abrazarse parcialmente. Particularmente, Bronzino pinta la tez con las múltiples formas como una porcelana blanca perfecta con un suave borrado de sus músculos que proporciona una referencia a la tersura de la escultura.

Alessandro Allori [ editar ]

Susanna and the Elders ( abajo ) de Alessandro Allori (1535–1607) se distingue por el erotismo latente y los detalles de la naturaleza muerta conscientemente brillantes, en una composición abarrotada y retorcida.

Jacopo Tintoretto [ editar ]

Jacopo Tintoretto , Última cena , 1592-1594

Jacopo Tintoretto ha sido conocido por sus contribuciones muy diferentes a la pintura veneciana después del legado de Tiziano . Su trabajo, que difería mucho de sus predecesores, había sido criticado por Vasari por su "estilo fantástico, extravagante y extraño". [37] Dentro de su trabajo, Tinitoretto adoptó elementos manieristas que lo han alejado de la noción clásica de la pintura veneciana, ya que a menudo creaba obras de arte que contenían elementos de fantasía y conservaban el naturalismo . [37] Otros elementos únicos del trabajo de Tintoretto incluyen su atención al color a través del uso regular de pinceladas ásperas [37]y experimentación con pigmentos para crear ilusión. [37]

Una obra de arte que se asocia con características manieristas es la Última Cena ; fue encargado por Michele Alabardi para San Giorgio Maggiore en 1591. [37] En La última cena de Tintoretto , la escena se representa desde el ángulo de un grupo de personas a lo largo del lado derecho de la composición. En el lado izquierdo del cuadro, Cristo y los Apóstoles ocupan un lado de la mesa y destacan a Judas . Dentro del espacio oscuro, hay pocas fuentes de luz; una fuente es emitida por el halo de Cristo y la antorcha que cuelga sobre la mesa.

En su distinta composición, la Última Cena retrata características manieristas. Una característica que utiliza Tintoretto es un fondo negro. Aunque la pintura da alguna indicación de un espacio interior mediante el uso de la perspectiva , los bordes de la composición están en su mayoría envueltos en sombras, lo que proporciona drama a la escena central de la Última Cena . Además, Tintoretto utiliza los efectos de foco con luz, especialmente con el halo de Cristo y la antorcha colgante sobre la mesa. Una tercera característica manierista que emplea Tintoretto son los efectos atmosféricos de figuras con forma de humo y que flotan sobre la composición.

El Greco [ editar ]

El Greco intentó expresar la emoción religiosa con rasgos exagerados. Después de la representación realista de la forma humana y el dominio de la perspectiva logrado en el Alto Renacimiento, algunos artistas comenzaron a distorsionar deliberadamente las proporciones en un espacio desarticulado e irracional para lograr un efecto emocional y artístico. El Greco sigue siendo un artista profundamente original. Los estudiosos modernos lo han caracterizado como un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. [6] Los aspectos clave del manierismo en El Greco incluyen la paleta "ácida" discordante, la anatomía alargada y torturada, la perspectiva y la luz irracionales, y la iconografía oscura y preocupante. [38] [39]El estilo de El Greco fue la culminación de desarrollos únicos basados ​​en su herencia griega y viajes a España e Italia. [40]

La obra de El Greco refleja una multitud de estilos que incluyen elementos bizantinos , así como la influencia de Caravaggio y Parmigianino además de la coloración veneciana . [40] Un elemento importante es su atención al color, ya que lo consideraba uno de los aspectos más importantes de su pintura. [41] A lo largo de su carrera, la obra de El Greco mantuvo una gran demanda ya que completó importantes encargos en lugares como el Colegio de la Encarnación de Madrid . [40]

El Greco, Laocoonte (1610-1614), Galería Nacional de Arte

El estilo de pintura único de El Greco y la conexión con las características manieristas prevalecen especialmente en la obra Laocoonte . Pintado en 1610, [42] representa el relato mitológico de Laocoonte , quien advirtió a los troyanos sobre el peligro del caballo de madera que los griegos presentaron como ofrenda de paz a la diosa Minerva . Como resultado, Minerva tomó represalias en venganza convocando serpientes para matar a Laocoonte y sus dos hijos. En lugar de situarse con el telón de fondo de Troya , El Greco situó la escena cerca de Toledo, España, con el fin de "universalizar la historia sacando a relucir su relevancia para el mundo contemporáneo". [42]

El estilo único de El Greco en Laocoonte ejemplifica muchas características manieristas. Uno de los que prevalecen es el alargamiento de muchas de las formas humanas en toda la composición junto con su movimiento serpenteante, que proporciona una sensación de elegancia. Un elemento adicional del estilo manierista son los efectos atmosféricos en los que El Greco crea un cielo brumoso y un paisaje borroso de fondo.

Benvenuto Cellini [ editar ]

Benvenuto Cellini creó el Salero Cellini de oro y esmalte en 1540 con Poseidón y Amphitrite (agua y tierra) colocados en posiciones incómodas y con proporciones alargadas. Se considera una obra maestra de la escultura manierista.

Minerva Dressing (1613) de Lavinia Fontana (1552-1614). Galleria Borghese, Roma.

Lavinia Fontana [ editar ]

Lavinia Fontana (1552-1614) fue una retratista manierista a menudo reconocida como la primera artista femenina de carrera en Europa Occidental. [43] Fue nombrada retratista ordinaria en el Vaticano . [44] Su estilo se caracteriza por estar influenciado por la familia de pintores Carracci por los colores de la escuela veneciana. Es conocida por sus retratos de mujeres nobles y por su representación de figuras desnudas, algo inusual para una mujer de su época. [45]

Taddeo Zuccaro (o Zuccari) [ editar ]

Taddeo Zuccaro nació en Sant'Angelo in Vado , cerca de Urbino, hijo de Ottaviano Zuccari, un pintor casi desconocido. Su hermano Federico , nacido hacia 1540, fue también pintor y arquitecto.

Federico Zuccaro (o Zuccari) [ editar ]

La documentada carrera de Federico Zuccaro como pintor comenzó en 1550, cuando se mudó a Roma para trabajar con Taddeo , su hermano mayor. Luego completó las decoraciones para Pío IV y ayudó a completar las decoraciones al fresco en la Villa Farnese en Caprarola . Entre 1563 y 1565 estuvo activo en Venecia con la familia Grimani de Santa Maria Formosa. Durante su período veneciano, viajó junto a Palladio en Friuli.

Joachim Wtewael [ editar ]

Joachim Wtewael (1566–1638) continuó pintando en un estilo manierista del norte hasta el final de su vida, ignorando la llegada del arte barroco y convirtiéndolo quizás en el último artista manierista significativo que aún sigue trabajando. Sus temas incluían grandes escenas con naturaleza muerta a la manera de Pieter Aertsen y escenas mitológicas, muchas pinturas de gabinetes pequeños bellamente ejecutadas en cobre, y la mayoría con desnudez.

Giuseppe Arcimboldo [ editar ]

Giuseppe Arcimboldo es más conocido por sus obras de arte que incorporan naturaleza muerta y retratos . [46] Su estilo es visto como manierista con el estilo de ensamblaje de frutas y verduras en el que su composición se puede representar de varias maneras, al derecho y al revés. [46] Las obras de Arcimboldo también se han aplicado al manierismo en términos de humor que transmite a los espectadores, porque no tiene el mismo grado de seriedad que las obras del Renacimiento. [46] Estilísticamente, las pinturas de Arcimboldo son conocidas por su atención a la naturaleza y el concepto de una "apariencia monstruosa". [46]

Una de las pinturas de Arcimboldo que contiene varias características manieristas es Vertumnus . Pintado sobre un fondo negro hay un retrato de Rudolf II , cuyo cuerpo está compuesto por varias verduras, flores y frutas. [46] La pintura se ve en varios niveles como una broma y transmite un mensaje serio. La broma de la pintura comunica el humor del poder que es que el emperador Rodolfo II esconde un ser interior oscuro detrás de su imagen pública. [46] Por otro lado, el tono serio de la pintura presagia la buena fortuna que prevalecería durante su reinado. [46]

Vertumnus contiene varios elementos manieristas en cuanto a su composición y mensaje. Un elemento es el fondo plano y negro que Arcimboldo utiliza para enfatizar el estatus y la identidad del Emperador, así como para resaltar la fantasía de su reinado. En el retrato de Rodolfo II, Arcimboldo también se aleja de la representación naturalista del Renacimiento y explora la construcción de la composición interpretándolo a partir de un revoltijo de frutas, verduras, plantas y flores. Otro elemento del manierismo que retrata la pintura es la narrativa dual de un chiste y un mensaje serio; el humor no se utiliza normalmente en las obras de arte del Renacimiento.

  • Jacopo Pontormo Joseph en Egipto , 1515-1518; Óleo sobre madera; 96 x 109 cm; Galería Nacional , Londres

  • Rosso Fiorentino , Galería Francois I, Château de Fontainebleau , Francia

  • Juno en un nicho, grabado de Jacopo Caraglio , probablemente de un dibujo de 1526 de Rosso Fiorentino

  • Giuseppe Arcimboldo , El bibliotecario , 1562, Castillo de Skokloster .

  • Giuseppe Arcimboldo , otoño de 1573, óleo sobre lienzo, Museo del Louvre, París

  • Giuseppe Arcimboldo , Vertumnus el dios de las estaciones , 1591, Castillo de Skokloster

  • Bronzino , Retrato de Bia de 'Medici , c. 1545

  • Alessandro Allori , Susana y los ancianos , 1561

  • El Greco , Bautismo , c. 1614

Arquitectura manierista [ editar ]

El Vleeshal en Haarlem , Países Bajos
El Ayuntamiento de Zamość , Polonia , diseñado por Bernardo Morando .

La arquitectura manierista se caracterizó por engaños visuales y elementos inesperados que desafiaron las normas del Renacimiento . [47] Los artistas flamencos, muchos de los cuales habían viajado a Italia y fueron influenciados por los desarrollos manieristas allí, fueron responsables de la expansión de las tendencias manieristas en Europa al norte de los Alpes, incluso en el ámbito de la arquitectura. [48] Durante el período, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El ideal renacentista de armonía dio paso a ritmos más libres e imaginativos. El arquitecto más conocido asociado con el estilo manierista, y pionero en la Biblioteca Laurentian , fue Miguel Ángel (1475-1564). [49]Se le atribuye la invención del orden gigante , una gran pilastra que se extiende desde la parte inferior hasta la parte superior de una fachada. [50] Usó esto en su diseño para la Piazza del Campidoglio en Roma.

Antes del siglo XX, el término manierismo tenía connotaciones negativas, pero ahora se usa para describir el período histórico en términos más generales y sin prejuicios. [51] La arquitectura manierista también se ha utilizado para describir una tendencia en las décadas de 1960 y 1970 que implicó romper las normas de la arquitectura modernista y al mismo tiempo reconocer su existencia. [52] Al definir el manierismo en este contexto, el arquitecto y autor Robert Venturi escribió "El manierismo para la arquitectura de nuestro tiempo que reconoce el orden convencional en lugar de la expresión original, pero rompe el orden convencional para acomodar la complejidad y la contradicción y por lo tanto involucra la ambigüedad sin ambigüedades". [52]

Ejemplos del Renacimiento [ editar ]

Un ejemplo de arquitectura manierista es la Villa Farnese en Caprarola , [53] en la escarpada campiña de las afueras de Roma . La proliferación de grabadores durante el siglo XVI extendió los estilos manieristas más rápidamente que cualquier estilo anterior.

Densa con adornos de detalles "romanos", la entrada de exhibición en el castillo de Colditz ejemplifica el estilo del norte, típicamente aplicado como una "pieza decorativa" aislada contra un muro vernáculo sin pretensiones. [54]

Desde finales de la década de 1560 en adelante, muchos edificios en La Valeta , la nueva capital de Malta , fueron diseñados por el arquitecto Girolamo Cassar en estilo manierista. Dichos edificios incluyen la Concatedral de San Juan , el Palacio del Gran Maestro y los siete auberges originales . Muchos de los edificios de Cassar se modificaron a lo largo de los años, especialmente en el período barroco . Sin embargo, algunos edificios, como el Auberge d'Aragon y el exterior de la concatedral de San Juan, aún conservan la mayor parte del diseño manierista original de Cassar. [55]

  • Uno de los mejores ejemplos de arquitectura manierista: Palazzo Te en Mantova, diseñado por Giulio Romano

  • Giulio Romano, Pallazo Ducale en Mantova

  • Casa propia de Giulio Romano en Mantova

  • Baldassare Peruzzi, Palazzo Massimo alle Colonne en Roma

  • Miguel Ángel, vestíbulo de la Biblioteca Laurentiana

  • Concatedral de San Juan en La Valeta, Malta

  • Catedral Basílica de Salvador , Brasil, construida entre 1657 y 1746, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. [56]

Manierismo en la literatura y la música [ editar ]

Ver también: poetas metafísicos

En la literatura inglesa, el manierismo se identifica comúnmente con las cualidades de los poetas "metafísicos", de los cuales el más famoso es John Donne . [57] La ingeniosa salida de un escritor barroco, John Dryden , contra el verso de Donne en la generación anterior, ofrece un contraste conciso entre los objetivos barrocos y manieristas en las artes:

Afecta la metafísica, no sólo en sus sátiras, sino en sus versos amorosos, donde sólo debe reinar la naturaleza ; y confunde a las mentes de la feria sexo con buen [58] especulaciones de la filosofía cuando se deben comprometer a sus corazones y entretener con las suavidades de amor. [59] : 15 (cursiva agregada)

Las ricas posibilidades musicales en la poesía de finales del siglo XVI y principios del XVII proporcionaron una base atractiva para el madrigal , que rápidamente saltó a la fama como la forma musical preeminente en la cultura musical italiana, como lo discutió Tim Carter :

El madrigal, particularmente en su forma aristocrática, fue obviamente un vehículo para el "estilo elegante" del manierismo, con poetas y músicos deleitándose con ingeniosas presunciones y otros trucos visuales, verbales y musicales para deleitar al conocedor. [60]

La palabra manierismo también se ha utilizado para describir el estilo de música polifónica muy florida y contrapuntística compleja hecha en Francia a finales del siglo XIV. [61] Este período ahora se conoce como el ars subtilior .

Manierismo y teatro [ editar ]

The Early Commedia dell'Arte (1550-1621): The Manierist Context de Paul Castagno analiza el efecto del manierismo en el teatro profesional contemporáneo. [62] El de Castagno fue el primer estudio en definir una forma teatral como manierista, empleando el vocabulario del manierismo y la maniera para discutir la tipificación, exagerada y effetto meraviglioso de la comici dell'arte . Vea la Parte II del libro anterior para una discusión completa de las características manieristas en la commedia dell'arte . El estudio es en gran parte iconográfico, presentando una evidencia pictórica de que muchos de los artistas que pintaron o imprimieron imágenes de la comedia estaban de hecho, provenientes de los talleres de la época, fuertemente instalados en la tradición maniera.

El preciosismo en los diminutos grabados de Jacques Callot parece desmentir una escala de acción mucho mayor. Callot Balli di Sfessania (literalmente, danza de los glúteos) celebra el erotismo flagrante de la Comedia, con falos que sobresale, lanzas planteados con la anticipación de una resma de historietas, y máscaras exageradas que se mezclan con la bestial humano. El erotismo de los innamorados (amantes) que incluía la desnudez de los senos, o el uso excesivo de velo, estaba muy de moda en las pinturas y grabados de la segunda Escuela de Fontainebleau., en particular los que detectan una influencia franco-flamenca. Castagno demuestra los vínculos iconográficos entre la pintura de género y las figuras de la commedia dell'arte que demuestran cómo esta forma teatral estaba incrustada dentro de las tradiciones culturales del cinquecento tardío . [63]

Commedia dell'arte, disegno interno y discordia concors [ editar ]

Existen corolarios importantes entre el disegno interno , que sustituyó al disegno esterno (diseño externo) en la pintura manierista. Esta noción de proyectar una visión profundamente subjetiva como reemplazo de la naturaleza o principios establecidos (perspectiva, por ejemplo), en esencia, el énfasis se aleja del objeto hacia su sujeto, ahora enfatizando la ejecución, las demostraciones de virtuosismo o técnicas únicas. Esta visión interior está en el corazón de la actuación de la comedia. Por ejemplo, en el momento de la improvisación el actor expresa su virtuosismo sin atender a los límites formales, el decoro, la unidad o el texto. Arlecchino se convirtió en emblemático de la discordia concors manierista(la unión de los opuestos), en un momento sería gentil y amable, luego, en una moneda de diez centavos, se convertiría en un ladrón que actuaba violentamente con su batalla. Arlecchino podía moverse con gracia, solo en el siguiente tiempo, para tropezar torpemente con sus pies. Liberado de las reglas externas, el actor celebró la evanescencia del momento; de la misma forma en que Benvenuto Cellini deslumbraba a sus mecenas al cubrir sus esculturas, develarlas con efectos de iluminación y un sentido de lo maravilloso. La presentación del objeto se volvió tan importante como el objeto mismo.

Neomanierismo [ editar ]

Según el crítico de arte Jerry Saltz , el "neomanierismo" (nuevo manierismo) se encuentra entre varios clichés que están "exprimiendo la vida del mundo del arte". [64] El neomanierismo describe el arte del siglo XXI elaborado por estudiantes cuyos profesores académicos "los han asustado para que sean agradablemente mansos, imitativos y ordinarios". [64]

Ver también [ editar ]

  • Contra-Maniera
  • Arquitectura y escultura manierista en Polonia
  • Cronología de los artistas italianos hasta 1800

Notas [ editar ]

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Referencias [ editar ]

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Lectura adicional [ editar ]

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Enlaces externos [ editar ]

  • "Manierismo: Bronzino (1503-1572) y sus contemporáneos", en el sitio web del Museo Metropolitano de Arte