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Músicos que trabajan en un estudio de grabación .
Multitud viendo un concierto .

La industria de la música está formada por las empresas y artistas independientes que ganan dinero creando nuevas canciones y piezas y organizando conciertos y espectáculos en vivo, grabaciones de audio y video, composiciones y partituras , y las organizaciones y asociaciones que ayudan y representan a los creadores de música . Entre las muchas personas y organizaciones que operan en la industria se encuentran: los compositores y compositores que crean nuevas canciones y piezas musicales; los cantantes , músicos , directores y directores de orquestaque interpretan la música; las empresas y profesionales que crean y venden música grabada y / o partitura (por ejemplo, los editores de música , productores musicales , estudios de grabación , ingenieros , compañías discográficas , minoristas y tiendas de música en línea , los derechos de reproducción de las organizaciones ); y los que ayudan a organizar y presentar actuaciones de música en directo ( ingenieros de sonido , agentes de reservas , promotores , locales de música , road crew ).

La industria también incluye una gama de profesionales que ayudan a cantantes y músicos en sus carreras musicales ( administradores de talentos , artistas y administradores de repertorio , administradores comerciales , abogados de entretenimiento ); quienes transmiten contenido musical de audio o video ( satélite , estaciones de radio por Internet , estaciones de radio y televisión ); periodistas musicales y críticos musicales ; DJs ; educadores y profesores de música ; instrumento musicalfabricantes; así como muchos otros. Además de las empresas y los artistas que trabajan en la industria de la música para obtener ganancias o ingresos, existe una variedad de organizaciones que también desempeñan un papel importante en la industria de la música, incluidos los sindicatos de músicos (por ejemplo, la Federación Estadounidense de Músicos ), no -organizaciones de derechos de interpretación con fines de lucro (por ejemplo, Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores ) y otras asociaciones (por ejemplo, Alianza Internacional para Mujeres en la Música , una organización sin fines de lucro que aboga por mujeres compositoras y músicas ).

La industria de la música occidental moderna surgió entre las décadas de 1930 y 1950, cuando los discos reemplazaron a las partituras como el producto más importante en el negocio de la música. En el mundo comercial, "la industria discográfica", una referencia a la grabación de interpretaciones de canciones y piezas y la venta de las grabaciones, comenzó a usarse como un sinónimo vago de "la industria de la música". En la década de 2000, la mayoría del mercado de la música está controlada por tres grandes sellos corporativos: Universal Music Group , de propiedad francesa , Sony Music Entertainment , de propiedad japonesa , [1] y Warner Music Group, de propiedad estadounidense . Las etiquetas fuera de estas tres etiquetas principales se denominan etiquetas independientes.(o "indies"). La mayor parte del mercado de música en vivo para conciertos y giras está controlada por Live Nation , el mayor promotor y propietario de locales de música . Live Nation es una antigua subsidiaria de iHeartMedia Inc , que es el mayor propietario de estaciones de radio en los Estados Unidos .

En las primeras décadas de la década de 2000, la industria de la música experimentó cambios drásticos con el advenimiento de la distribución digital generalizada de música a través de Internet (que incluye tanto el intercambio ilegal de archivos de canciones como la compra legal de música en tiendas de música en línea ). Un indicador conspicuo de estos cambios son las ventas totales de música: desde 2000, las ventas de música grabada se han reducido sustancialmente [2] [3], mientras que la música en vivo ha aumentado en importancia. [4] En 2011, el minorista de música grabada más grande del mundo era ahora una plataforma digital basada en Internet operada por una empresa de informática: iTunes Store en línea de Apple Inc.. [5] Desde 2011, la industria de la música ha experimentado un crecimiento constante de las ventas con el streaming que ahora genera más ingresos anuales que las descargas digitales. Spotify , Apple Music y Amazon Music son los servicios de transmisión más grandes por número de suscriptores. [6]

Historia [ editar ]

Historia temprana [ editar ]

Música impresa en Europa:

Antes de la invención de la imprenta , la única forma de copiar partituras era a mano, un proceso costoso y que requería mucho tiempo. En la foto se muestra el manuscrito musical escrito a mano para una chanson (canción) francesa Ars subtilior de finales del siglo XIII sobre el amor, titulada Belle, bonne, sage , de Baude Cordier. La notación musical es inusual porque está escrita en forma de corazón, con notas rojas que indican alteraciones rítmicas .

La publicación de música con partituras impresas a máquina se desarrolló durante la era de la música del Renacimiento a mediados del siglo XV. El desarrollo de la publicación musical siguió la evolución de las tecnologías de impresión que se desarrollaron por primera vez para imprimir libros regulares . Después de mediados del siglo XV, se desarrollaron por primera vez las técnicas mecánicas para imprimir partituras. El ejemplo más antiguo, un conjunto de cantos litúrgicos, data de aproximadamente 1465, poco después de la Biblia de Gutenberg.fue impreso. Antes de este momento, la música tenía que copiarse a mano. Copiar la notación musical a mano era un proceso muy costoso, laborioso y que requería mucho tiempo, por lo que generalmente solo lo realizaban monjes y sacerdotes que buscaban preservar la música sacra para la iglesia. Las pocas colecciones de música secular (no religiosa) que existen fueron encargadas y propiedad de aristócratas adinerados. Los ejemplos incluyen el Códice Squarcialupi de música italiana Trecento y el Códice Chantilly de música francesa Ars subtilior .

El uso de la impresión permitió que las partituras se reprodujeran mucho más rápidamente y a un costo mucho menor que la notación musical copiada a mano. Esto ayudó a que los estilos musicales se extendieran a otras ciudades y países más rápidamente, y también permitió que la música se extendiera a áreas más distantes. Antes de la invención de la impresión musical, la música de un compositor solo podía conocerse en la ciudad en la que vivía y en las ciudades circundantes, porque solo los aristócratas adinerados podían permitirse hacer copias a mano de su música. Sin embargo, con la impresión de música, la música de un compositor podría imprimirse y venderse a un costo relativamente bajo a compradores de una amplia zona geográfica. A medida que las partituras de las piezas y canciones de los principales compositores comenzaron a imprimirse y distribuirse en un área más amplia, esto permitió a los compositores y oyentes escuchar nuevos estilos y formas de música.Un compositor alemán podría comprar canciones escritas por un compositor italiano o inglés, y un compositor italiano podría comprar piezas escritas por compositores holandeses y aprender cómo escribieron música. Esto llevó a una mayor mezcla de estilos musicales de diferentes países y regiones.

El pionero de la impresión de música moderna fue Ottaviano Petrucci (nacido en Fossombrone en 1466 y muerto en 1539 en Venecia), un impresor y editor que pudo asegurarse un monopolio de veinte años sobre la música impresa en Venecia durante el siglo XVI. Venecia fue uno de los principales centros comerciales y musicales durante este período. Su Harmonice Musices Odhecaton , una colección de canciones impresas en 1501, comúnmente se identifica erróneamente como el primer libro de partituras impresas con tipos móviles. En realidad, esa distinción pertenece al Missale Romanum de 1476 del impresor romano Ulrich Han. Sin embargo, el trabajo posterior de Petrucci fue extraordinario por la complejidad de su notación mensural blanca y la pequeñez de su fuente. Imprimió el primer libro depolifonía (música con dos o más líneas melódicas independientes) con tipo móvil. También publicó numerosas obras de los compositores más respetados del Renacimiento, incluidos Josquin des Prez y Antoine Brumel . Floreció centrándose en obras flamencas, en lugar de italianas, ya que eran muy populares en toda Europa durante la era de la música del Renacimiento . Su imprenta utilizó el método de triple impresión, en el que se prensó una hoja de papel tres veces. La primera impresión fueron las líneas del pentagrama, la segunda las palabras y la tercera las notas. Este método produjo resultados muy limpios y legibles, aunque consumía mucho tiempo y era caro.

Hasta el siglo XVIII, los procesos de composición formal y de impresión de música se llevaron a cabo en su mayor parte con el apoyo del mecenazgo de aristocracias e iglesias . A mediados y finales del siglo XVIII, los artistas intérpretes o ejecutantes y compositores como Wolfgang Amadeus Mozart comenzaron a buscar más oportunidades comerciales para comercializar su música y sus interpretaciones al público en general. Después de la muerte de Mozart, su esposa ( Constanze Weber ) continuó el proceso de comercialización de su música a través de una serie sin precedentes de conciertos conmemorativos, vendiendo sus manuscritos y colaborando con su segundo esposo, Georg Nissen , en una biografía de Mozart. [7]

Un ejemplo de partitura impresa mecánicamente.

En el siglo XIX, los editores de partituras dominaban la industria musical. Antes de la invención de las tecnologías de grabación de sonido , la forma principal de que los amantes de la música escucharan nuevas sinfonías y arias de ópera (canciones) era comprar la partitura (a menudo arreglada para piano o para un pequeño grupo de música de cámara) e interpretar la música en un sala de estar, utilizando amigos que eran músicos y cantantes aficionados. En los Estados Unidos, la industria de la música surgió a la par del surgimiento de la juglaría de la " cara negra " . Blackface es una forma de maquillaje teatral utilizada predominantemente por artistas que no son negros para representar a una persona negra.. La práctica ganó popularidad durante el siglo XIX y contribuyó a la propagación de estereotipos raciales negativos de los afroamericanos. [8]

A finales del siglo, el grupo de editores y compositores de música que dominaba la música popular en los Estados Unidos se conoció como Tin Pan Alley . El nombre originalmente se refería a un lugar específico: West 28th Street entre Fifth y Sixth Avenue en Manhattan , y una placa (ver más abajo ) en la acera de 28th Street entre Broadway y Sixth lo conmemora. El inicio de Tin Pan Alley se remonta generalmente a 1885, cuando varios editores de música se establecieron en el mismo distrito de Manhattan . El final de Tin Pan Alley es menos claro. Algunos lo fechan al comienzo de la Gran Depresión en la década de 1930 cuando el fonógrafo y la radio suplantaronla partitura es la fuerza impulsora de la música popular estadounidense, mientras que otros consideran que Tin Pan Alley continuó hasta la década de 1950, cuando los estilos anteriores de la música popular estadounidense fueron eclipsados ​​por el auge del rock & roll .

Advenimiento de la música grabada y la radiodifusión [ editar ]

Frances Densmore grabando Blackfoot Chief Mountain Chief en un fonógrafo cilíndrico en 1916
Un sistema de radiodifusión de 1906.

A principios del siglo XX, el desarrollo de la grabación de sonido comenzó a funcionar como una tecnología disruptiva para los intereses comerciales que publicaban partituras. Durante la era de las partituras, si una persona normal quería escuchar nuevas canciones populares, compraba la partitura y la tocaba en casa en un piano, o aprendeba la canción en casa mientras tocaba la parte de acompañamiento en piano o guitarra. Discos fonográficos de actuaciones musicales lanzados comercialmente , que estuvieron disponibles a partir de finales de la década de 1880 y, más tarde, con el inicio de la difusión de radio generalizada., a partir de la década de 1920, cambió para siempre la forma en que se escuchaba y se escuchaba la música. Los teatros de ópera, las salas de conciertos y los clubes continuaron produciendo música y los músicos y cantantes continuaron actuando en vivo, pero el poder de la radio permitió que las bandas, conjuntos y cantantes que anteriormente se habían presentado solo en una región se hicieran populares a nivel nacional y, a veces, incluso en un escala mundial. Además, mientras que la asistencia a los mejores conciertos sinfónicos y de ópera estaba anteriormente restringida a personas de altos ingresos en un mundo anterior a la radio, con la radiodifusión , una gama mucho más amplia de personas, incluidas personas de ingresos bajos y medios, podía escuchar las mejores orquestas. , big bands , cantantes populares y espectáculos de ópera.

La "industria discográfica" eventualmente reemplazó a los editores de partituras como la fuerza más grande de la industria musical. Una multitud de sellos discográficos iban y venían. Algunos sellos notables de las décadas anteriores incluyen Columbia Records , Crystalate, Decca Records , Edison Bell, The Gramophone Company , Invicta, Kalliope, Pathé , Victor Talking Machine Company y muchos otros. [9] Muchas compañías discográficas se extinguieron tan rápido como se formaron y, a fines de la década de 1980, las "seis grandes": EMI , CBS , BMG , PolyGram , WEA y MCA.- dominó la industria. Sony compró CBS Records en 1987 y cambió su nombre a Sony Music en 1991. A mediados de 1998, PolyGram Music Group se fusionó con MCA Music Entertainment creando lo que ahora conocemos como Universal Music Group . Desde entonces, Sony y BMG se fusionaron en 2004, [10] y Universal se hizo cargo de la mayoría de los intereses musicales grabados de EMI en 2012. [11] EMI Music Publishing , también una vez parte del ahora desaparecido conglomerado británico, ahora es copropiedad de Sony como subsidiaria de Sony / ATV Music Publishing . [12]Como en otras industrias, la industria discográfica se caracteriza por numerosas fusiones y / o adquisiciones, tanto para las grandes empresas como para las empresas medianas (el grupo belga PIAS y el grupo francés Harmonia Mundi dan un ejemplo reciente ). [13]

En cuanto al género, los empresarios de la música expandieron sus modelos de industria a áreas como la música folclórica , en la que la composición y la interpretación habían continuado durante siglos sobre una base autosuficiente ad hoc . Formar un sello discográfico independiente , o sello "indie", o firmar con un sello de este tipo sigue siendo una opción popular para los músicos emergentes, especialmente en géneros como el hardcore punk y el metal extremo , a pesar de que los indies no pueden ofrecer la mismo respaldo financiero de las principales discográficas. Algunas bandas prefieren firmar con un sello independiente, porque estos sellos suelen dar a los artistas más libertad artística.

Aumento de la distribución digital en línea [ editar ]

Artículos principales: 2000 en la industria de la música y 2010 en la industria de la música
Imágenes externas
Gráficos de ventas de música grabada en EE. UU. De la RIAA (interactivos); Ingresos y volúmenes por formato. (1973 -)
image icon Ventas Reveneus por formato
image icon Desglose de ingresos 2018
image icon Volúmenes de ventas por formato
image icon Desglose de los volúmenes de ventas 2018
El logotipo de la tienda iTunes en línea de Apple Inc. , que vende archivos digitales de canciones y piezas musicales, junto con una variedad de otro contenido, como archivos digitales de programas de televisión y películas .

En la primera década de la década de 2000, la música descargada y transmitida digitalmente se volvió más popular que la compra de grabaciones físicas (por ejemplo , CD , discos y cintas ). Esto brindó a los consumidores un acceso casi "sin fricciones" a una variedad de música más amplia que nunca, a través de múltiples dispositivos. Al mismo tiempo, los consumidores gastaron menos dinero en música grabada (distribuida tanto física como digitalmente) que en la década de 1990. [14] Los ingresos totales del "negocio de la música" en Estados Unidos se redujeron a la mitad, de un máximo de 14.600 millones de dólares en 1999 a 6.300 millones de dólares en 2009, según Forrester Research . [15] Ingresos mundiales por CD, vinilo , casetes ylas descargas digitales cayeron de $ 36,9 mil millones en 2000 [16] a $ 15,9 mil millones en 2010 [17] según la IFPI. The Economist y The New York Times informaron que se esperaba que la tendencia a la baja continuara en el futuro previsible. [18] [19] Esta dramática caída en los ingresos ha provocado despidos a gran escala dentro de la industria, ha llevado a algunos minoristas más venerables (como Tower Records ) a la quiebra y ha obligado a las compañías discográficas, productores de discos, estudios, ingenieros de grabación y músicos a buscar nuevos modelos de negocio . [20]

En respuesta al aumento del intercambio ilegal generalizado de archivos de grabaciones musicales digitales, la industria discográfica emprendió acciones legales agresivas. En 2001 logró cerrar el popular sitio web de música Napster y amenazó con emprender acciones legales contra miles de personas que participaban en el intercambio de archivos de sonido de canciones musicales. [20] Sin embargo, esto no logró frenar la caída de los ingresos por grabaciones de música y resultó ser un desastre de relaciones públicas para la industria de la música. [20] Algunos estudios académicos incluso han sugerido que las descargas no provocaron la disminución de las ventas de grabaciones. [21] La encuesta sobre derechos musicales británicos de 2008 [22]mostró que el 80% de las personas en Gran Bretaña querían un servicio legal de intercambio de archivos entre pares (P2P), sin embargo, solo la mitad de los encuestados pensaba que se debería pagar a los creadores de la música. La encuesta fue consistente con los resultados de investigaciones anteriores realizadas en los Estados Unidos, en las que se basó el Modelo de Música Abierta . [23]

Las descargas digitales legales estuvieron ampliamente disponibles con el debut de Apple iTunes Store en 2003. [24] La popularidad de la distribución de música a través de Internet ha aumentado, [25] y en 2011 las ventas de música digital superaron las ventas físicas de música. [26] Atlantic Records informa que las ventas digitales han superado las ventas físicas. [18] Sin embargo, como informó The Economist , "las descargas digitales pagas crecieron rápidamente, pero no comenzaron a compensar la pérdida de ingresos de los CD". [19]

Después de 2010, los servicios basados ​​en Internet como Deezer , Pandora , Spotify y iTunes Radio de Apple comenzaron a ofrecer pagos por transmisión basados ​​en suscripción."servicios a través de Internet. Con los servicios de transmisión, el usuario paga una suscripción a una empresa por el derecho a escuchar canciones y otros medios de una biblioteca. Mientras que con los servicios legales de descarga digital, el comprador posee una copia digital de la canción (que pueden guardar en su computadora o en un reproductor multimedia digital), con servicios de transmisión, el usuario nunca descarga el archivo de la canción ni es propietario del archivo de la canción. El suscriptor solo puede escuchar la canción mientras continúe pagando la suscripción de transmisión . Una vez que el usuario deja de pagar la suscripción, ya no puede escuchar el audio de los repositorios de la empresa. Los servicios de transmisión comenzaron a tener un impacto serio en la industria en 2014.

Spotify , junto con la industria de transmisión de música en general, enfrenta algunas críticas de artistas que afirman que no están siendo compensados ​​de manera justa por su trabajo a medida que disminuyen las ventas de música descargada y aumenta la transmisión de música. A diferencia de las ventas físicas o de descarga, que pagan un precio fijo por canción o álbum, Spotify paga a los artistas según su "participación de mercado" (el número de transmisiones de sus canciones como proporción del total de canciones transmitidas en el servicio). [27] Spotify distribuye aproximadamente el 70% a los titulares de derechos, quienes luego pagarán a los artistas según sus acuerdos individuales. La variable, y (algunos dicen) la naturaleza inadecuada de esta compensación, [28]ha dado lugar a críticas. Spotify informa que paga en promedio entre US $ 0,006 y US $ 0,008 por transmisión. En respuesta a las preocupaciones, Spotify afirma que están beneficiando al negocio de la música al migrarlos "lejos de la piratería y de las plataformas menos monetizadas y permitiéndoles generar regalías mucho mayores que antes" al alentar a los usuarios a usar su servicio pago. [29] [30]

La Recording Industry Association of America (RIAA) reveló en su informe de ganancias de 2015 que los servicios de transmisión fueron responsables del 34,3 por ciento de los ingresos de la industria de la música grabada en EE. UU., Creciendo un 29 por ciento con respecto al año anterior y convirtiéndose en la mayor fuente de ingresos, tirando en alrededor de $ 2.4 mil millones. [31] [32] Los ingresos por transmisión en Estados Unidos crecieron un 57 por ciento a $ 1.6 mil millones en la primera mitad de 2016 y representaron casi la mitad de las ventas de la industria. [33] Esto contrasta con los 14.600 millones de dólares en ingresos que recibió en 1999 la industria musical estadounidense por la venta de CD.

La agitación en la industria de la música grabada en la década de 2000 alteró el equilibrio del siglo XX entre artistas, compañías discográficas, promotores, tiendas minoristas de música y consumidores. A partir de 2010 , las grandes tiendas como Wal-Mart y Best Buy venden más discos que las tiendas de CD exclusivas de música, que han dejado de funcionar como un actor importante en la industria de la música. Los artistas que interpretan música ahora dependen de las presentaciones en vivo y las ventas de productos (camisetas, sudaderas, etc.) para obtener la mayor parte de sus ingresos, lo que a su vez los ha hecho más dependientes, como los músicos anteriores al siglo XX, de los patrocinadores, ahora ejemplificado por promotores musicales como Live Nation(que domina la promoción de giras y posee o administra una gran cantidad de lugares de música ). [4] Para beneficiarse de todas las fuentes de ingresos de un artista, las compañías discográficas confían cada vez más en el " trato 360 ", una nueva relación comercial iniciada por Robbie Williams y EMI en 2007. [34] En el otro extremo, las compañías discográficas puede ofrecer un trato simple de fabricación y distribución , que otorga un porcentaje más alto al artista, pero no cubre los gastos de marketing y promoción.

Empresas como Kickstarter ayudan a los músicos independientes a producir sus álbumes a través de fans que financian las bandas que quieren escuchar. [35] Muchos artistas nuevos ya no ven un contrato discográfico como una parte integral de su plan de negocios . El hardware y software de grabación económicos hacen posible grabar música de calidad razonable en una computadora portátil en un dormitorio y distribuirla a través de Internet a una audiencia mundial. [36] Esto, a su vez, ha causado problemas a los estudios de grabación, productores de discos e ingenieros de audio : Los Angeles Times informa que hasta la mitad de las instalaciones de grabación en esa ciudad han fallado. [37]Los cambios en la industria de la música han dado a los consumidores acceso a una variedad de música más amplia que nunca, a un precio que se acerca gradualmente a cero. [20] Sin embargo, el gasto de los consumidores en software y hardware relacionados con la música aumentó drásticamente durante la última década, proporcionando un nuevo y valioso flujo de ingresos para empresas de tecnología como Apple Inc. y Pandora Radio .

Estructura empresarial [ editar ]

La industria de la música es un sistema complejo de muchas organizaciones, empresas e individuos diferentes. Ha sufrido cambios dramáticos en las primeras décadas del siglo XXI. Sin embargo, la mayoría de los participantes en la industria de la música aún cumplen con sus roles tradicionales, que se describen a continuación. [38] Hay tres tipos de propiedad que son creados y vendidos por la industria discográfica: composiciones (canciones, piezas, letras), grabaciones (audio y video) y medios (como CD o MP3 y DVD ). Puede haber muchas grabaciones de una sola composición y una sola grabación normalmente se distribuirá a través de muchos medios. Por ejemplo, la canción "My Way "es propiedad de sus compositores, Paul Anka y Claude François , la grabación de Frank Sinatra de" My Way "es propiedad de Capitol Records , la grabación de Sid Vicious de" My Way "es propiedad de Virgin Records , y millones de los CD y los discos de vinilo que pueden reproducir estas grabaciones pertenecen a millones de consumidores individuales.

Composiciones [ editar ]

Las canciones , piezas instrumentales y otras composiciones musicales son creadas por compositores o compositores y originalmente son propiedad del compositor, aunque pueden venderse o cederse los derechos. Por ejemplo, en el caso del trabajo por contrato , la composición es propiedad inmediata de otra parte. Tradicionalmente, el propietario de los derechos de autor licencia o "cede" algunos de sus derechos a las empresas editoriales , mediante un contrato de publicación . La editorial (o una sociedad de cobranza que opera en nombre de muchos de estos editores, compositores y compositores) cobra tarifas (conocidas como " regalías de publicación") cuando se utiliza la composición. Una parte de las regalías las paga la empresa editora al propietario de los derechos de autor, según los términos del contrato. Las partituras proporcionan un flujo de ingresos que se paga exclusivamente a los compositores y su empresa editorial. Por lo general (aunque no universalmente), la editorial proporcionará al propietario un anticipo de las ganancias futuras cuando se firme el contrato de publicación. Una editorial también promoverá las composiciones, por ejemplo, adquiriendo "colocaciones" de canciones en televisión o en películas .

Grabaciones [ editar ]

Un músico en un estudio de grabación.

Las grabaciones son creadas por artistas de grabación , que incluyen cantantes , músicos (incluidos los músicos de sesión ) y conjuntos musicales (por ejemplo, bandas de acompañamiento , secciones rítmicas , orquestas , etc.) generalmente con la ayuda y orientación de productores de discos e ingenieros de audio . Se hacían tradicionalmente en estudios de grabación (que se alquilan por una tarifa diaria o por horas) en una sesión de grabación . En el siglo XXI, los avances en la tecnología de grabación digital han permitido a muchos productores y artistas crear " estudios caseros"utilizando computadoras de alta gama y programas de grabación digital como Pro Tools , sin pasar por alto el papel tradicional del estudio de grabación comercial. El productor de discos supervisa todos los aspectos de la grabación, tomando muchas de las decisiones logísticas, financieras y artísticas en cooperación con los artistas. El productor de discos tiene una variedad de responsabilidades diferentes que incluyen elegir material y / o trabajar con los compositores, contratar músicos de sesión, ayudar a organizar las canciones, supervisar las interpretaciones de los músicos y dirigir al ingeniero de audio durante la grabación y mezcla para obtener el mejor sonido. Ingenieros de audio (incluidos ingenieros de grabación , mezcla y masterización) son responsables de garantizar una buena calidad de audio durante la grabación. Seleccionan y configuran micrófonos y usan unidades de efectos y consolas de mezcla para ajustar el sonido y el nivel de la música. Una sesión de grabación también puede requerir los servicios de un arreglista , orquestador , los músicos de estudio , músicos , profesores de canto , o incluso un contratado discretamente- escritor fantasma para ayudar con la letra o composición .

Un ingeniero de estudio que trabaja con un mezclador de audio en un estudio de grabación.

Las grabaciones son (tradicionalmente) propiedad de compañías discográficas . Algunos artistas poseen sus propias compañías discográficas (por ejemplo, Ani DiFranco ). Un contrato de grabación especifica la relación comercial entre un artista de grabación y la compañía discográfica. En un contrato tradicional, la empresa proporciona un anticipo al artista que accede a realizar una grabación que será propiedad de la empresa. El departamento de A&R de una compañía discográfica es responsable de encontrar nuevos talentos y supervisar el proceso de grabación. La empresa paga los costos de grabación y el costo de promoción y comercialización del disco. Para medios físicos (como CD ), la empresa también paga por fabricary distribuir las grabaciones físicas. Las compañías discográficas más pequeñas (conocidas como " indies ") formarán relaciones comerciales con otras compañías para manejar muchas de estas tareas. La compañía discográfica paga al artista que graba una parte de los ingresos de la venta de las grabaciones, también conocida como "regalía", pero esto es distinto de las regalías de publicación descritas anteriormente. Esta porción es similar a un porcentaje, pero puede limitarse o expandirse por una serie de factores (como bienes gratuitos, gastos recuperables, bonificaciones, etc.) que se especifican en el contrato de registro. Los músicos de sesión y los miembros de la orquesta (así como algunos artistas de grabación en mercados especiales) están bajo contrato para proporcionar trabajo por contrato.; Por lo general, solo se les paga honorarios únicos o salarios regulares por sus servicios, en lugar de regalías continuas.

Medios [ editar ]

Los medios físicos (como CD o discos de vinilo) son vendidos por minoristas de música y son propiedad de los consumidores después de comprarlos. Por lo general, los compradores no tienen derecho a hacer copias digitales de CD u otros medios que compren, ni a alquilar o arrendar los CD, porque no son propietarios de la grabación del CD, solo poseen el CD físico individual. Un distribuidor de música entrega cajas de los medios físicos empaquetados del fabricante al minorista y mantiene relaciones comerciales con minoristas y compañías discográficas. El minorista de música paga al distribuidor, quien a su vez paga a la compañía discográfica por las grabaciones. La discográfica paga regalías mecánicasal editor y compositor a través de una sociedad de colección. Luego, la compañía discográfica paga regalías, si están obligadas contractualmente, al artista que graba.

Cuando la música se descarga o transmite digitalmente , no hay ningún medio físico que no sea la memoria de la computadora del consumidor en su reproductor multimedia portátil o computadora portátil. Por esta razón, artistas como Taylor Swift, Paul McCartney, Kings of Leon y otros han pedido cambios legales que negarían a las redes sociales el derecho a transmitir su música sin pagarles regalías. [20] En el mercado de la música digital y en línea de la década de 2000, el distribuidor pasa a ser opcional. Las grandes tiendas en línea pueden pagar las etiquetas directamente, pero existen distribuidores digitales para brindar servicios de distribución a proveedores grandes y pequeños. Al comprar descargas digitales o escuchar música en streaming, es posible que el consumidor deba aceptar los términos de licencia de la compañía discográfica y del proveedor más allá de los que son inherentes aderechos de autor ; por ejemplo, algunos servicios pueden permitir a los consumidores compartir libremente la grabación, pero otros pueden restringir al usuario a almacenar la música en un número específico de discos duros o dispositivos.

Emisión, banda sonora y streaming [ editar ]

Cuando se transmite una grabación (ya sea por radio o por un servicio de música ambiental como Muzak ), las organizaciones de derechos de interpretación (como ASCAP y BMI en los EE. UU., SOCAN en Canadá o MCPS y PRS en el Reino Unido), recolectan un tercio tipo de regalía conocida como regalías de interpretación, que se paga a los compositores, compositores y artistas de grabación. Esta regalía suele ser mucho menor que las regalías de publicación o mecánicas.. En la última década, más del "15 al 30 por ciento" de las pistas en los servicios de transmisión no están identificadas con un artista específico. Jeff Price dice que "Audiam, un servicio de transmisión de música en línea, ganó más de varios cientos de miles de dólares el año pasado por cobrar regalías de la transmisión en línea. [39] Según Ken Levitan, gerente de Kings of Leon, Cheap Trick y otros", Youtube se ha convertido en una radio para niños ". Debido al uso excesivo de YouTube y la transmisión sin conexión, las ventas de álbumes se han reducido en un 60% en los últimos años. [20] Cuando las grabaciones se utilizan en televisión y cine , el compositor y su editorial normalmente se paga a través de una licencia de sincronización. En la década de 2000, los servicios de suscripción en línea (como Rhapsody ) también proporcionan un flujo de ingresos directamente a las compañías discográficas y, a través de ellas, a los artistas, si los contratos lo permiten.

Música en vivo [ editar ]

Una actuación musical en vivo en Cologne Pride , 2013.

Un promotor reúne a un artista escénico y al propietario de un lugar y organiza los contratos. Una agencia de contratación representa al artista ante los promotores, realiza tratos y reserva actuaciones. Los consumidores suelen comprar entradas en el lugar o en un servicio de distribución de entradas como Ticketmaster . En los EE. UU., Live Nation es la empresa dominante en todos estos roles: poseen la mayoría de los grandes recintos en los EE. UU., Son el mayor promotor y son propietarios de Ticketmaster . Las opciones sobre dónde y cuándo realizar la gira las decide la dirección del artista y el artista, a veces en consulta con la compañía discográfica.. Las compañías discográficas pueden financiar una gira con la esperanza de que ayude a promover la venta de grabaciones. Sin embargo, en el siglo XXI, se ha vuelto más común lanzar grabaciones para promover la venta de entradas para espectáculos en vivo, en lugar de reservar giras para promover la venta de grabaciones.

Los artistas importantes y exitosos generalmente emplean un equipo de gira : una organización de gira semipermanente que viaja con el artista durante la serie de conciertos. El equipo de ruta está encabezado por un tour manager . Los miembros de la tripulación proporcionan iluminación de escenario , refuerzo de sonido en vivo , mantenimiento y transporte de instrumentos musicales . En giras grandes, el equipo de ruta también puede incluir un contador, director de escena, guardaespaldas, peluqueros, maquilladores y catering.personal. Por lo general, se contratan equipos locales para ayudar a mover el equipo dentro y fuera del escenario. En una gira pequeña con menos respaldo financiero, todos estos trabajos pueden ser realizados por unos pocos roadies o por los propios músicos. Es más probable que las bandas firmadas con pequeños sellos "indie" y bandas de géneros como el hardcore punk hagan giras sin un equipo de gira o con un apoyo mínimo.

Gestión, representación y personal de artistas [ editar ]

Artistas como cantantes y músicos pueden contratar a varias personas de otros campos para que los ayuden en su carrera. El gerente de artista supervisa todos los aspectos de la carrera de un artista a cambio de un porcentaje de los ingresos del artista. Un abogado de entretenimiento los ayuda con los detalles de sus contratos con compañías discográficas y otros acuerdos. Un gerente comercial se encarga de las transacciones financieras, los impuestos y la contabilidad. Los sindicatos, como AFTRA y la Federación Estadounidense de Músicos en los Estados Unidos, brindan seguro médico y seguro de instrumentos para los músicos. Un artista exitoso funciona en el mercado como marca.y, como tales, pueden obtener ingresos de muchas otras corrientes, como mercadería , patrocinios personales, apariciones (sin actuar) en eventos o servicios basados ​​en Internet. [40] Estos suelen ser supervisados ​​por el gerente del artista y adoptan la forma de relaciones entre el artista y las empresas que se especializan en estos productos. Los cantantes también pueden contratar a un entrenador vocal , instructor de baile , entrenador de actuación , entrenador personal o entrenador de vida para que los ayude.

Modelos comerciales emergentes [ editar ]

En la década de 2000, las líneas tradicionales que alguna vez dividieron a cantantes, instrumentistas, editores, compañías discográficas, distribuidores, minoristas y electrónica de consumo se han vuelto borrosas o borradas. Los artistas pueden grabar en un estudio en casa usando una computadora portátil de alta gama y un programa de grabación digital como Pro Tools o usar Kickstarter para recaudar dinero para una costosa sesión de grabación de estudio sin involucrar a una compañía discográfica. Los artistas pueden optar por promocionarse y comercializarse exclusivamente a sí mismos utilizando solo servicios gratuitos para compartir videos en línea como YouTube o usando sitios web de redes sociales, sin pasar por la promoción y el marketing tradicionales de una compañía discográfica. En la década de 2000, la electrónica de consumoy las empresas de informática como Apple Computer se han convertido en minoristas de música digital . Las nuevas tecnologías de distribución de música digital y las tendencias hacia el uso de muestras de canciones antiguas en canciones nuevas o la combinación de diferentes canciones para crear grabaciones "mashup" también han obligado tanto a los gobiernos como a la industria de la música a reexaminar las definiciones de propiedad intelectual y los derechos de todos. las partes involucradas. También agrava el problema de la definición de los límites de los derechos de autor el hecho de que la definición de "regalías" y "derechos de autor" varía de un país a otro y de una región a otra, lo que cambia los términos de algunas de estas relaciones comerciales.

Después de aproximadamente 15 años de la economía de Internet, las plataformas de la industria de la música digital como iTunes , Spotify y Google Play son mejoras importantes con respecto a los primeros días de intercambio ilegal de archivos. Sin embargo, la multitud de ofertas de servicios y modelos de ingresos dificultan la comprensión del verdadero valor de cada uno y lo que pueden ofrecer a los músicos y compañías musicales. Además, existen importantes problemas de transparencia en toda la industria de la música causados ​​por tecnología obsoleta. Con la aparición de nuevos modelos comerciales como plataformas de transmisión y servicios de música en línea, se procesa una gran cantidad de datos. [41] El acceso a macrodatos puede aumentar la transparencia en la industria. [42]

Estadísticas de ventas [ editar ]

Más información: Lista de los mercados musicales más importantes

Crecimiento del volumen de ventas de álbumes digitales en 2014 [ editar ]

Según la IFPI, [43] las ventas mundiales de álbumes digitales crecieron un 6,9% en 2014.

PaísPorcentaje
nosotros+ 2,1%
Reino Unido−2,8%
Francia−3,4%
Global (est.)+ 6,9%

Fuente: Nielsen SoundScan, Official Charts Company / BPI, estimación de GfK e IFPI.

Consolidación [ editar ]

Cuotas de ventas del mercado de música mundial, según IFPI (2005)

  EMI (13,4%)
  WMG (11,3%)
  Sony BMG (21,5%)
  UMG (25,5%)
  Independiente (28,4%)

Antes de diciembre de 1998, la industria estaba dominada por los "Seis Grandes": Sony Music y BMG aún no se habían fusionado, y PolyGram aún no había sido absorbido por Universal Music Group. Después de la fusión PolyGram-Universal, las cuotas de mercado de 1998 reflejaron un "Big Five", dominando el 77,4% del mercado, de la siguiente manera, según MEI World Report 2000:

  • Universal Music Group - 21,1%
  • Sony Music Entertainment: 17,4%
  • EMI: 14,1%
  • Warner Music Group - 13,4%
  • BMG - 11,4%
  • Etiquetas independientes combinadas - 22,6%

En 2004, la empresa conjunta de Sony y BMG creó los 'Cuatro Grandes' en un momento en que el mercado global se estimaba en $ 30-40 mil millones. [44] Las ventas unitarias anuales totales (CD, vídeos musicales, MP3 ) en 2004 fueron de 3 000 millones. Además, según un informe de la IFPI publicado en agosto de 2005, [45] los cuatro grandes representaron el 71,7% de las ventas minoristas de música:

  • Universal Music Group: 25,5%
  • Sony BMG Music Entertainment: 21,5%
  • Grupo EMI: 13,4%
  • Warner Music Group: 11,3%
  • Etiquetas independientes combinadas: 28,3%

Cuotas de mercado de la música de Estados Unidos, según Nielsen SoundScan (2011)

  EMI (9,62%)
  WMG (19,13%)
  PYME (29,29%)
  UMG (29,85%)
  Independiente (12,11%)

Nielsen SoundScan en su informe de 2011 señaló que los "cuatro grandes" controlaban aproximadamente el 88% del mercado: [46]

  • Universal Music Group (con sede en EE. UU.): 29,85%
  • Sony Music Entertainment (con sede en EE. UU.): 29,29%
  • Warner Music Group (con sede en EE. UU.): 19,13%
  • Grupo EMI - 9,62%
  • Etiquetas independientes - 12,11%


Tras la absorción de EMI por Sony Music Entertainment y Universal Music Group en diciembre de 2011 se crearon los "tres grandes" y el 8 de enero de 2013 tras la fusión hubo despidos de cuarenta trabajadores de EMI. Los reguladores europeos obligaron a Universal Music a escindir los activos de EMI, que se convirtieron en Parlophone Label Group, que fue adquirido por Warner Music Group. [47] Nielsen SoundScan emitió un informe en 2012 en el que señaló que estas etiquetas controlaban el 88,5 por ciento del mercado y señaló además: [48]

  • Universal Music Group (con sede en EE. UU.), Propietario de EMI Music : 32,41% + 6,78% de EMI Group
  • Sony Music Entertainment (con sede en EE. UU.) , Propietaria de la división editorial de EMI Group : 30,25%
  • Warner Music Group: 19,15%
  • Etiquetas independientes: 11,42%

Nota: IFPI y Nielsen Sounds pueden utilizar diferentes metodologías, lo que hace que sus cifras sean difíciles de comparar casualmente e imposibles de comparar científicamente. [49]

Las acciones de Current Markets a septiembre de 2018 son las siguientes: [50]

  • Warner Music Group - 25,1%
  • Universal Music Group - 24,3%
  • Sony Corporation - 22,1%
  • Otro - 28,5%

Los actores más importantes de esta industria poseen más de 100 sellos discográficos subsidiarios o subetiquetas, cada uno de los cuales se especializa en un determinado nicho de mercado. Solo los artistas más populares de la industria están firmados directamente con el sello principal. Estas empresas representan más de la mitad de la participación del mercado estadounidense. Sin embargo, esto ha disminuido un poco en los últimos años, ya que el nuevo entorno digital permite que las etiquetas más pequeñas compitan de manera más efectiva. [50]

Ventas de álbumes y valor de mercado [ editar ]

Las ventas totales de álbumes han disminuido en las primeras décadas del siglo XXI, lo que llevó a algunos críticos musicales a declarar la muerte del álbum . (Por ejemplo, los únicos álbumes que obtuvieron platino en los EE. UU. En 2014 fueron la banda sonora de la película animada de Disney Frozen y Taylor Swift en 1989 , mientras que varios artistas lo hicieron en 2013). [51] [52] La siguiente tabla muestra las ventas de álbumes y valor de mercado en el mundo en 2014.

Mercados de la música, con valor minorista total y participación de registros físicos y digitales, 2014
ClasificaciónMercadoValor minorista
US $
(millones)		% CambioFísicoDigitalDerechos de ejecuciónSincronización
1Estados Unidos4.898,3 2,1%26%71%0%4%
2Japón2.627,9−5,5%78%17%3%1%
3Alemania1.404,8 1,9%70%22%7%1%
4Reino Unido1.334,6 −2,8%41%45%12%2%
5Francia842,8 −3,4%57%27%13%3%
6Australia 376,1−6,8%32%56%9%2%
7Canadá342,5 −11,3%38%53%6%2%
8Corea del Sur265,819,2%38%58%3%1%
9Brasil246,5 2,0%41%37%21%1%
10Italia235,24,1%51%33%13%3%
11Países Bajos204,82,1%45%38%dieciséis1%
12Suecia189,41,3%15%73%10%2%
13España181.115,2%47%35%17%1%
14México130,3−1,4%41%53%4%2%
15Noruega119,9 0,1%14%72%12%2%
dieciséisAustria114,9−2,7%sesenta y cinco%22%13%1%
17Bélgica111,2−5,8%49%28%22%0%
18Suiza108,2−8,1%52%38%9%0%
19porcelana105,25,6%12%87%0%1%
20India100,2−10,1%31%58%8%3%

Fuente: Informe anual IFPI 2014. [53]

Ventas minoristas de música grabada [ editar ]

2000 [ editar ]

En su informe anual del 30 de junio de 2000 presentado ante la Comisión de Bolsa y Valores de EE. UU. , Seagram informó que Universal Music Group realizó el 40% de las ventas mundiales de música clásica durante el año anterior. [54]

2005 [ editar ]

Ventas minoristas físicas intermedias en 2005. Todas las cifras en millones.

Información del paísUnidadesValorCambio (%)
ClasificaciónNombre del paísIndividualCDDVDUnidades totales$ (en USD)Moneda localUnidadesValor
1EE.UU14,7300,511,6326,84783,24783,2−5,70%−5,30%
2Japón28,593,78.5113,52258.2239759−6,90%−9,20%
3Reino Unido24,366,82.974,81248,5666,7−1,70%−4,00%
4Alemania8.558,74.471887,7689,7−7,70%−5,80%
5Francia11,547,34.556,9861.1669.17,50%−2,50%
6Italia0,514,70,717278216−8,40%−12,30%
7Canadá0,120,81,522,3262,93250,70%−4,60%
8Australia3.614,51,517.2259,6335,9−22,90%−11,80%
9India-10,9-55,3239,611500−19,20%−2,40%
10España117,51.119,1231,6180−13,40%−15,70%
11Países Bajos1.28.71,911,1190,3147,9−31,30%−19,80%
12Rusia-25,50,142,7187,95234,7−9,40%21,20%
13México0,133,40,834,6187,92082,344,00%21,50%
14Brasil0,0117,62.424151,7390,3−20,40%−16,50%
15Austria0,64.50,25120,593,6−1,50%−9,60%
dieciséisSuiza **0,87.10,27.8115,8139,2n / An / A
17Bélgica1.46,70,57.7115,489,7−13,80%−8,90%
18Noruega0,34.50,14.8103,4655,6−19,70%−10,40%
19Suecia0,66.60,27.298,5701.1−29,00%−20,30%
20Dinamarca0,140,14.273,1423,53,70%−4,20%
Top 2074,5757.142,8915.212378,7−6,60%−6,30%

2003-2007 [ editar ]

Aproximadamente el 21% de las cifras de ingresos brutos de CD en 2003 se puede atribuir a las ventas de CD usados. [ cita requerida ] Este número creció a aproximadamente 27% en 2007. [ cita requerida ] El crecimiento se atribuye al aumento de las ventas en línea de productos usados ​​por puntos de venta como Amazon.com, se espera que el crecimiento de los medios de música usados ​​continúe crecer a medida que el costo de las descargas digitales sigue aumentando. [ cita requerida ] La venta de bienes usados ​​beneficia financieramente a los proveedores y a los mercados en línea, pero en los Estados Unidos, la doctrina de la primera venta evita que los propietarios de los derechos de autor (sellos discográficos y editores, en general) "doblen" mediante un gravamen sobre la venta de música usada.

2011 [ editar ]

A mediados de 2011, la RIAA anunció un aumento de ventas del 5% con respecto a 2010, afirmando que "probablemente no haya una sola razón" para el aumento. [55]

2012 [ editar ]

El informe de la industria 2012 de The Nielsen Company & Billboard muestra que las ventas de música en general aumentaron un 3,1% con respecto a 2011. Las ventas digitales causaron este aumento, con un crecimiento de las ventas de álbumes digitales del 14,1% y un crecimiento de las ventas de pistas digitales del 5,1%, mientras que las ventas de música física disminuyeron un 12,8%. versus 2011. A pesar de la disminución, los álbumes físicos seguían siendo el formato de álbum dominante. Las ventas de discos de vinilo aumentaron un 17,7% y las ventas de álbumes navideños disminuyeron un 7,1%. [48]

Ingresos totales por año [ editar ]

Ingresos comerciales globales según IFPI .

AñoIngresosCambioNotas
2005$ 20,7 mil millones–3%[56] [57]
2006$ 19.6 mil millones–5%[56]
2007$ 18.8 mil millones−4%[58]
2008$ 18,4 mil millones−2%[59]
2009$ 17.4 mil millones−5%[60]
2010$ 16.8 mil millones−3,4%[39]
2011$ 16,2 mil millones−4%[39] [61] (Incluye ingresos de sincronización)
2012$ 16.5 mil millones+ 2%[61]
2013$ 15 mil millones−9%[62]
2014$ 14,97 mil millones-0,2%[63]
2015$ 15 mil millones+ 3,2%[64] [65]
2016$ 15,7 mil millones+ 5%[66]
2017$ 17.4 mil millones+ 10,8%[67]
2018$ 19.1 mil millones+ 9,7%[68]
2019$ 20,2 mil millones+ 8,2%[69]

Por región [ editar ]

  • Industria musical de Asia
  • Industria musical de Asia oriental
  • Industria musical del norte de Europa
  • Industria musical del Reino Unido

Asociaciones y organizaciones [ editar ]

La Lista de asociaciones y organizaciones musicales cubre ejemplos de todo el mundo, desde grandes organismos internacionales hasta organismos más pequeños a nivel nacional.

Ver también [ editar ]

  • Ética del bricolaje
  • Historia de la edición musical
  • Sello discográfico independiente
  • Lista de sellos discográficos y Categoría: sellos discográficos
  • Lista de artistas musicales más vendidos
  • MIDEM -La feria de música más grande del mundo
  • Etiqueta de registro
  • Comunidad musical
  • etiqueta blanca

Referencias [ editar ]

Citas [ editar ]

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  60. ^ "IFPI 2011 Report: Global Recorded Music Sales Fall 8.4%; Eminem, Lady Gaga Top Int'l Sellers". Billboard. March 30, 2011. Retrieved November 21, 2016.
  61. ^ a b IFPI Digital Music Report 2013: Global Recorded Music Revenues Climb for First Time Since 1999 Billboard
  62. ^ IFPI Digital Music Report 2014: Global Recorded Music Revenues Down 4% Billboard
  63. ^ Smirke, Richard (April 14, 2015). "Global Record Business Dips Slightly, U.S. Ticks Upwards In IFPI's 2015 Report". billboard.com. Retrieved April 20, 2015.
  64. ^ "IFPI Global Report: Digital Revenues Surpass Physical for the First Time as Streaming Explodes". Retrieved July 22, 2016.
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  67. ^ "Streaming accounted for nearly half of music revenues worldwide in 2018". TechCrunch. Retrieved October 17, 2019.
  68. ^ "Streaming accounted for nearly half of music revenues worldwide in 2018". TechCrunch. Retrieved October 17, 2019.
  69. ^ "GLOBAL MUSIC REPORT". IFPI. Retrieved August 21, 2020.

Sources[edit]

  • Krasilovsky, M. William; Shemel, Sidney; Gross, John M.; Feinstein, Jonathan (2007), This Business of Music (10th ed.), Billboard Books, ISBN 0-8230-7729-2

Further reading[edit]

  • Lebrecht, Norman: When the Music Stops: Managers, Maestros and the Corporate Murder of Classical Music, Simon & Schuster 1996
  • Imhorst, Christian: The 'Lost Generation' of the Music Industry, published under the terms of the GNU Free Documentation License 2004
  • Gerd Leonhard: Music Like Water – the inevitable music ecosystem
  • The Methods Reporter: Music Industry Misses Mark with Wrongful Suits
  • Music CD Industry Archived June 26, 2007, at the Wayback Machine – a mid-2000 overview put together by Duke University undergraduate students
  • Mario d'Angelo: "Does globalisation mean ineluctable concentration ?" in Roche F., Marcq B., Colomé D. (eds)The Music Industry in the New Economy, Report of the Asia-Europe Seminar (Lyon 2001) IEP de Lyon/Asia-Europe Foundation/Eurical, 2002, pp. 53–60.
  • Mario d'Angelo: Perspectives de gestion des institutions musicales en Europe (Management Perspectives for Musical Institutions in Europe), OMF Series, Paris-Sorbonne University, Ed. Musicales Aug. Zurfluh, Bourg-la-Reine, 2006 ISBN 2-84591-130-0
  • Hill, Dave: Designer Boys and Material Girls: Manufacturing the [19]80s Pop Dream. Poole, Eng.: Blandford Press, 1986. ISBN 0-7137-1857-9
  • Rachlin, Harvey. The Encyclopedia of the Music Business. First ed. New York: Harper & Row, 1981. xix, 524 p. ISBN 0-06-014913-2
  • The supply of recorded music: A report on the supply in the UK of prerecorded compact discs, vinyl discs and tapes containing music. Competition Commission, 1994.
  • Gillett, A. G., & Smith, G. (2015). "Creativities, innovation, and networks in garage punk rock: A case study of the Eruptörs". Artivate: A Journal of Entrepreneurship in the Arts. 4 (1): 9–24. ISSN 2164-7747. Archived from the original on October 6, 2016.CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  • Tschmuck, Peter: Creativity and Innovation in the Music Industry, Springer 2006.
  • Knopper, S., 2011. The New Economics of the Music Industry. Rolling Stone, 25.

External links[edit]

  • Salon article on Courtney Love's criticism of record industry business practices
  • Federal Trade Commission press release regarding price fixing
  • Antitrust settlement in Nevada price-fixing case
  • Songwriter Janis Ian's critique of the record industry's policies
  • The Net is the Independent Artist's Radio – August 10, 2005 MP3 Newswire article
  • Music Downloads: Pirates- or Customers?. Silverthorne, Sean. Harvard Business School Working Knowledge, 2004.
  • The British Library - Music Industry Guide (sources of information) Archived October 25, 2017, at the Wayback Machine
  • The ASCAP Resource Guide: Recording Industry
  • BPI: Music business – Industry Structure
  • Academic articles about the music industry The Music Business Journal