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La música de los Estados Unidos refleja la población pluriétnica del país a través de una diversa gama de estilos. Es una mezcla de música influenciada por la música del Reino Unido , África Occidental , Irlanda , América Latina y Europa continental, entre otros lugares. Los géneros más reconocidos internacionalmente del país son jazz , blues , country , bluegrass , rock , rock and roll , R&B , pop , hip hop , soul ,funk , gospel , disco , house , techno , ragtime , doo wop , folk , americana , boogaloo , tejano , reggaeton y salsa . La música estadounidense se escucha en todo el mundo. Desde principios del siglo XX, algunas formas de música popular estadounidense han ganado una audiencia casi global. [1]
Los nativos americanos fueron los primeros habitantes de la tierra que hoy se conoce como Estados Unidos y tocaron su primera música. A partir del siglo XVII, comenzaron a llegar en gran número inmigrantes del Reino Unido, Irlanda, España, Alemania y Francia, trayendo consigo nuevos estilos e instrumentos. Los esclavos de África Occidental trajeron sus propias tradiciones musicales, y cada oleada de inmigrantes subsiguiente contribuyó a un crisol de culturas .
Parte de la música popular es el Electropop, que se basa en artistas británicos, de Alemania Occidental, japoneses y algunos es el hip hop de la nueva escuela influenciado por Afrika Bambaataa, que a su vez fue influenciado por Kraftwerk . También hay algo de influencia afroamericana en la tradición musical de los colonos europeo-americanos, como el country y el bluegrass. Estados Unidos también ha visto música folclórica documentada y música popular grabada producida en los estilos étnicos de las comunidades ucraniana , irlandesa , escocesa , polaca , hispana y judía , entre otras.
Muchas ciudades y pueblos estadounidenses tienen escenas musicales vibrantes que, a su vez, apoyan una serie de estilos musicales regionales. Con centros musicales como Boston , Filadelfia , Seattle , Portland , Nueva York , San Francisco , Nueva Orleans , Detroit , Memphis , Houston , Las Vegas , Minneapolis , Chicago , St. Louis , Miami , Atlanta , San Juan , Nashville , Austin ,Washington DC , Los Ángeles y ciudades más pequeñas como Asbury Park, Nueva Jersey , Milwaukee , Cleveland , Asheville, Carolina del Norte , Louisville , Oakland , Honolulu , Research Triangle , Boulder, Colorado , Madison, Wisconsin , Tupelo, Mississippi y Burlington , Vermont todos han producido y contribuido a los muchos estilos distintivos de música del país. Las tradiciones cajún y criolla en la música de Luisiana, los estilos folclóricos y populares de la música hawaiana , y el bluegrass y la música antigua de los estados del sureste son algunos ejemplos de diversidad en la música estadounidense.
Características [ editar ]
La música de los Estados Unidos se puede caracterizar por el uso de síncopa y ritmos asimétricos, melodías largas e irregulares , que se dice que "reflejan la geografía abierta (del paisaje estadounidense)" y el "sentido de libertad personal característico de los estadounidenses". la vida". [2] Algunos aspectos distintos de la música estadounidense, como el formato de llamada y respuesta , se derivan de técnicas e instrumentos africanos.
A lo largo de la última parte de la historia estadounidense y en los tiempos modernos, la relación entre la música estadounidense y europea ha sido un tema discutido entre los estudiosos de la música estadounidense. Algunos han instado a la adopción de técnicas y estilos más puramente europeos, que a veces se perciben como más refinados o elegantes, mientras que otros han impulsado un sentido de nacionalismo musical que celebre los estilos distintivamente estadounidenses. El estudioso de la música clásica moderna John Warthen Struble ha comparado la música estadounidense con la europea, concluyendo que la música de los Estados Unidos es inherentemente distinta porque Estados Unidos no ha tenido siglos de evolución musical como nación. En cambio, la música de los Estados Unidos es la de docenas o cientos de grupos indígenas e inmigrantes, todos los cuales se desarrollaron en gran medida en aislamiento regional hasta elGuerra civil estadounidense , cuando personas de todo el país se reunieron en unidades del ejército, intercambiando estilos y prácticas musicales. Struble consideró las baladas de la Guerra Civil "la primera música folclórica estadounidense con características discernibles que pueden considerarse exclusivas de Estados Unidos: la primera música que suena 'estadounidense', a diferencia de cualquier estilo regional derivado de otro país". [3]
La Guerra Civil, y el período que la siguió, vio un florecimiento general del arte , la literatura y la música estadounidenses. Los conjuntos musicales aficionados de esta época pueden verse como el nacimiento de la música popular estadounidense. El autor musical David Ewen describe estas primeras bandas amateurs como combinando "la profundidad y el drama de los clásicos con una técnica poco exigente, evitando la complejidad en favor de la expresión directa. Si fuera música vocal, las palabras estarían en inglés, a pesar de los snobs que declararon el inglés un lenguaje inescrutable. En cierto modo, fue parte de todo el despertar de Estados Unidos que sucedió después de la Guerra Civil, una época en la que los pintores, escritores y compositores 'serios' estadounidenses abordaron temas específicamente estadounidenses ". [4]Durante este período tomaron forma las raíces del blues, el gospel, el jazz y la música country; en el siglo XX, estos se convirtieron en el núcleo de la música popular estadounidense, que evolucionó aún más hacia estilos como el rhythm and blues, el rock and roll y la música hip hop.
Identidad social [ editar ]
La música se entrelaza con aspectos de la identidad social y cultural estadounidense, incluso a través de la clase social , la raza y el origen étnico , la geografía , la religión , el idioma , el género y la sexualidad . La relación entre música y raza es quizás el determinante más potente del significado musical en los Estados Unidos. El desarrollo de una identidad musical afroamericana , a partir de fuentes dispares de África y Europa, ha sido un tema constante en la historia de la música de los Estados Unidos . Existe poca documentación de colonias-era música afroamericana, cuando estilos, canciones e instrumentos de toda África occidental se mezclaron con estilos e instrumentos europeos en el crisol de la esclavitud. A mediados del siglo XIX, una tradición folclórica claramente afroamericana era bien conocida y generalizada, y las técnicas musicales, los instrumentos y las imágenes afroamericanas se convirtieron en parte de la música estadounidense convencional a través de espirituales , espectáculos de juglares y canciones de esclavos. [6] Los estilos musicales afroamericanos se convirtieron en una parte integral de la música popular estadounidense a través del blues , el jazz , el rhythm and blues , y luego el rock and roll , el soul y el hip hop.; todos estos estilos fueron consumidos por estadounidenses de todas las razas, pero se crearon en estilos y modismos afroamericanos antes de que finalmente se volvieran comunes en el rendimiento y el consumo a través de las líneas raciales. Por el contrario, la música country se deriva de las tradiciones africanas y europeas, así como de las nativas americanas y hawaianas, y durante mucho tiempo se ha percibido como una forma de música blanca . [7]
Las clases económicas y sociales separan la música estadounidense a través de la creación y el consumo de música, como el patrocinio de la clase alta de los asistentes a la sinfonía , y los generalmente pobres intérpretes de músicas populares rurales y étnicas. Sin embargo, las divisiones musicales basadas en la clase no son absolutas y, a veces, se perciben tanto como reales; [8] La música country estadounidense popular, por ejemplo, es un género comercial diseñado para "apelar a la identidad de la clase trabajadora, ya sea que sus oyentes sean o no de la clase trabajadora". [9]La gente se centra más en la música que en los factores culturales que el artista trajo consigo. Se centran más en la popularidad que en el hecho de que las personas trajeron habilidades que desarrollaron los géneros que alcanzaron la popularidad. Ayudó mucho a construir movimientos sociales a través de sus antecedentes y cultura. [10] La música country también está entrelazada con la identidad geográfica, y tiene un origen y una función específicamente rurales; otros géneros, como el R&B y el hip hop, se perciben como intrínsecamente urbanos. [11] Durante gran parte de la historia de Estados Unidos, la creación musical ha sido una "actividad feminizada". [12]En el siglo XIX, el piano y el canto aficionados se consideraban adecuados para las mujeres de clase media y alta. Las mujeres también fueron una parte importante de la interpretación de la música popular temprana, aunque las tradiciones grabadas rápidamente se vuelven más dominadas por los hombres. La mayoría de los géneros de música popular dominados por hombres incluyen también a intérpretes femeninas, a menudo en un nicho que atrae principalmente a las mujeres; estos incluyen gangsta rap y heavy metal . [13]
Diversidad [ editar ]
A menudo se dice que Estados Unidos es un crisol de culturas , que absorbe influencias de todo el mundo y crea métodos distintivamente nuevos de expresión cultural. Aunque los aspectos de la música estadounidense se remontan a orígenes específicos, reclamar cualquier cultura original en particular para un elemento musical es intrínsecamente problemático, debido a la evolución constante de la música estadounidense a través de técnicas, instrumentos y géneros de trasplante e hibridación. Elementos de músicas extranjeras llegaron a los Estados Unidos tanto a través del patrocinio formal de eventos educativos y de divulgación por parte de individuos y grupos, como a través de procesos informales, como en el trasplante incidental de música de África occidental a través de la esclavitud y la música irlandesa.a través de la inmigración. Las músicas estadounidenses más distintivas son el resultado de la hibridación intercultural a través del contacto cercano. La esclavitud, por ejemplo, mezcló a personas de numerosas tribus en espacios reducidos, lo que resultó en una tradición musical compartida que se enriqueció mediante la hibridación adicional con elementos de la música indígena, latina y europea. [14] La diversidad étnica, religiosa y racial estadounidense también ha producido géneros entremezclados como la música franco-africana de los criollos de Luisiana , la música tejana de fusión nativa, mexicana y europea , y la guitarra slack-key completamente hibridada y otros estilos de música hawaiana moderna .
El proceso de trasplante de música entre culturas no está exento de críticas. El resurgimiento folclórico de mediados del siglo XX, por ejemplo, se apropió de las músicas de diversos pueblos rurales, en parte para promover determinadas causas políticas, lo que ha llevado a algunos a cuestionar si el proceso provocó la "mercantilización comercial de las canciones de otros pueblos ..." . y la inevitable dilución de la media "en las músicas apropiadas. El uso de técnicas musicales, imágenes y presunciones afroamericanas en la música popular en gran parte por y para los estadounidenses blancos se ha generalizado desde al menos las canciones de Stephen Foster de mediados del siglo XIX y el auge de los espectáculos de juglares.. La industria de la música estadounidense ha intentado activamente popularizar a los intérpretes blancos de música afroamericana porque son más agradables para los estadounidenses de clase media y mayoritaria. [ cita requerida ] Este proceso se ha relacionado con el surgimiento de estrellas tan variadas como Benny Goodman , Eminem y Elvis Presley , así como con estilos populares como el soul de ojos azules y el rockabilly . [14]
Música folclórica [ editar ]
La música folclórica en los Estados Unidos es variada en los numerosos grupos étnicos del país. Cada una de las tribus nativas americanas toca sus propias variedades de música folclórica, la mayoría de ellas de naturaleza espiritual. La música afroamericana incluye blues y gospel , descendientes de la música de África occidental traída a las Américas por esclavos y mezclada con música de Europa occidental. Durante la época colonial, los estilos e instrumentos ingleses , franceses y españoles fueron traídos a las Américas. A principios del siglo XX, Estados Unidos se había convertido en un importante centro de música folclórica de todo el mundo, incluida la polca , el violín ucraniano y polaco ,Ashkenazi , Klezmer y varios tipos de música latina .
Los nativos americanos tocaron la primera música folclórica en lo que hoy es Estados Unidos, utilizando una amplia variedad de estilos y técnicas. Sin embargo, algunos puntos en común son casi universales entre la música tradicional de los nativos americanos, especialmente la falta de armonía y polifonía , y el uso de vocablos y figuras melódicas descendentes. Las instrumentaciones tradicionales usan la flauta y muchos tipos de instrumentos de percusión , como tambores , cascabeles y agitadores . [15]Desde que se estableció el contacto europeo y africano, la música folclórica nativa americana ha crecido en nuevas direcciones, en fusiones con estilos dispares como danzas folclóricas europeas y música tejana . La música moderna de los nativos americanos puede ser más conocida por los pow wows , reuniones pan-tribales en las que se realizan bailes y música de estilo tradicional. [dieciséis]
 | "Canción de Bice'waan" Esta es una grabación de 1897 de una canción de cortejo tradicional de Omaha. "En la antigua pradera de Kissimmee" Esta es una melodía británica grabada en Florida en 1940 por Bob Hall, Walter van Bass, Ned Hugh Bass y JC King. "La vieja yegua gris" Esta es la música tradicional de los Apalaches de 1925. Interpretada por Bascam Lamar Lunsford. "Dólar Mamie" Esta es una canción de trabajo para cavar, grabada en la Penitenciaría Estatal de Mississippi en 1939. "Caminode San Antonio" Este es un corrido, grabado cerca de Brownsville, Texas en 1939. "Joe Ojos Algodonosos" Cotton-Eyed Joe es una canción folclórica tradicional y un baile en línea más conocido en el sur de los Estados Unidos, aquí interpretado por Elmo Newcomer |
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Las trece colonias de los Estados Unidos originales fueron todas antiguas posesiones inglesas, y la cultura anglosajona se convirtió en una de las principales bases de la música popular y folclórica estadounidense. Muchas canciones populares estadounidenses son idénticas a las canciones británicas en cuanto a arreglos, pero con nuevas letras, a menudo como parodias del material original. Las canciones de American-Anglo también se caracterizan por tener menos melodías pentatónicas , acompañamiento menos prominente (pero con un uso más pesado de drones ) y más melodías en mayor. [17] La música tradicional angloamericana también incluye una variedad de baladas , historias humorísticas y cuentos fantásticos.y canciones de desastres sobre minería, naufragios y asesinatos. Héroes legendarios como Joe Magarac , John Henry y Jesse James forman parte de muchas canciones. Las danzas folclóricas de origen británico incluyen la danza cuadrada , descendiente de la cuadrilla , combinada con la innovación estadounidense de un llamador que instruye a los bailarines. [18] La sociedad comunitaria religiosa conocida como los Shakers emigró de Inglaterra durante el siglo XVIII y desarrolló su propio estilo de danza folclórica. Sus primeras canciones se remontan a modelos de canciones populares británicas. [19]Otras sociedades religiosas establecieron sus propias culturas musicales únicas a principios de la historia de Estados Unidos, como la música de los Amish , la Harmony Society y el Ephrata Cloister en Pensilvania. [20]
Los antepasados de la población afroamericana de hoy fueron traídos a los Estados Unidos como esclavos, trabajando principalmente en las plantaciones del sur. Eran de cientos de tribus de África Occidental, y trajeron consigo ciertos rasgos de la música de África Occidental, incluyendo voces de llamada y respuesta y música rítmica compleja, [21] así como ritmos sincopados y acentos cambiantes. [22] El enfoque musical africano en el canto y el baile rítmicos se llevó al Nuevo Mundo, donde se convirtió en parte de una cultura folclórica distinta que ayudó a los africanos a "mantener la continuidad con su pasado a través de la música". Los primeros esclavos en los Estados Unidos cantaron canciones de trabajo ,gritos de campo [23] y, después de la cristianización, himnos . En el siglo XIX, un gran despertar del fervor religioso se apoderó de la gente de todo el país, especialmente en el sur. Los himnos protestantes escritos principalmente por predicadores de Nueva Inglaterra se convirtieron en una característica de las reuniones campestres celebradas entre cristianos devotos en todo el sur. Cuando los negros comenzaron a cantar versiones adaptadas de estos himnos, se les llamó espirituales negros . Fue a partir de estas raíces, de canciones espirituales, canciones de trabajo y gritos de campo, que se desarrollaron el blues, el jazz y el gospel.
Blues y espirituales [ editar ]
| "Somos americanos" Grabaciones etnográficas recopiladas para el Archivo de canciones populares estadounidenses de la Biblioteca del Congreso. Interpretada por Bertha Houston. |
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Los espirituales eran principalmente expresiones de fe religiosa, cantadas por esclavos en las plantaciones del sur. [24] A mediados y finales del siglo XIX, los espirituales se extendieron fuera del sur de los EE. UU. En 1871, la Universidad Fisk se convirtió en el hogar de los Fisk Jubilee Singers , un grupo pionero que popularizó los espirituales en todo el país. A imitación de este grupo, surgieron los cuartetos de gospel, seguidos de una creciente diversificación con el surgimiento de predicadores jackleg y cantantes a principios del siglo XX, de donde vino el estilo popular de música gospel .
| "El ejército del faraón se ahogó" Grabado por Thomas Edison en 1921, lanzado en 1924. |
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Blues es una combinación de canciones de trabajo africanas, gritos de campo y gritos. [25] Se desarrolló en el sur rural en la primera década del siglo XX. La característica más importante del blues es su uso de la escala azul , con un tercio bemol o indeterminado, así como las letras típicamente lamentables; aunque ambos elementos habían existido en la música folclórica afroamericana antes del siglo XX, la forma codificada del blues moderno (como la estructura AAB) no existió hasta principios del siglo XX. [26]
Otras comunidades de inmigrantes [ editar ]
Estados Unidos es un crisol de culturas que consta de numerosos grupos étnicos. Muchos de estos pueblos han mantenido vivas las tradiciones populares de su tierra natal, a menudo produciendo estilos de música extranjera distintivamente estadounidenses. Algunos países han producido escenas locales en las regiones del país donde se han agrupado, como música de Cabo Verde en Nueva Inglaterra , [27] la música armenia en California , [28] y la italiana y la música de Ucrania en la ciudad de Nueva York. [29]
Los criollos son una comunidad con una variada ascendencia no anglosajona, en su mayoría descendientes de personas que vivían en Luisiana antes de su compra por parte de Estados Unidos. Los cajunes son un grupo de francófonos que llegaron a Luisiana después de dejar Acadia en Canadá. [30] La ciudad de Nueva Orleans, Luisiana , siendo un puerto importante, ha actuado como un crisol para personas de toda la cuenca del Caribe. El resultado es un conjunto diverso y sincrético de estilos de música cajún y criolla .
España y posteriormente México controlaron gran parte de lo que ahora es el oeste de los Estados Unidos hasta la Guerra México-Estadounidense , incluido todo el estado de Texas. Después de que Texas se unió a los Estados Unidos, los tejanos nativos que vivían en el estado comenzaron a desarrollarse culturalmente por separado de sus vecinos del sur y permanecieron culturalmente distintos de otros tejanos. En la evolución de la música tejana primitiva fue fundamental la combinación de formas tradicionales mexicanas como el mariachi y el corrido , y los estilos de la Europa continental introducidos por los colonos alemanes y checos a finales del siglo XIX. [31] En particular, el acordeón fue adoptado por músicos folclóricos tejanos a principios del siglo XX, y se convirtió en un instrumento popular para los músicos aficionados en Texas y el norte de México.
Música clásica [ editar ]
La música clásica fue traída a los Estados Unidos con algunos de los primeros colonos. La música clásica europea tiene sus raíces en las tradiciones del arte europeo, la música eclesiástica y de concierto. Las normas centrales de esta tradición se desarrollaron entre 1550 y 1825, centrándose en lo que se conoce como el período de práctica común . Muchos compositores clásicos estadounidenses intentaron trabajar completamente dentro de los modelos europeos hasta finales del siglo XIX. Cuando Antonín Dvořák , un destacado compositor checo, visitó los Estados Unidos de 1892 a 1895, repitió la idea de que la música clásica estadounidense necesitaba sus propios modelos en lugar de imitar a los compositores europeos; ayudó a inspirar a los compositores posteriores a crear un estilo de música clásica claramente estadounidense. [32] A principios del siglo XX, muchos compositores estadounidenses estaban incorporando elementos dispares en su trabajo, que iban desde el jazz y el blues hasta la música de los nativos americanos.
Música clásica antigua [ editar ]
Durante la época colonial, había dos campos distintos de lo que ahora se considera música clásica. Uno estaba asociado con compositores y pedagogos aficionados, cuyo estilo se extrajo originalmente de himnos simples y ganó sofisticación con el tiempo. La otra tradición colonial fue la de las ciudades del Atlántico medio como Filadelfia y Baltimore, que produjeron varios compositores prominentes que trabajaron casi en su totalidad dentro del modelo europeo; estos compositores eran en su mayoría de origen inglés y trabajaron específicamente en el estilo de los compositores ingleses prominentes de la época. [33]
La música clásica llegó a los Estados Unidos durante la época colonial. Muchos compositores estadounidenses de este período trabajaron exclusivamente con modelos europeos, mientras que otros, como William Billings , Supply Belcher y Justin Morgan , también conocido como la Primera Escuela de Nueva Inglaterra , desarrollaron un estilo casi completamente independiente de los modelos europeos. [34] De estos compositores, Billings es el más recordado; también fue influyente "como el fundador del coro de la iglesia estadounidense, como el primer músico en usar una pipa de tono y como el primero en introducir un violonchelo en el servicio de la iglesia". [35]Muchos de estos compositores eran cantantes aficionados que desarrollaron nuevas formas de música sacra aptas para la interpretación de aficionados y, a menudo, utilizaron métodos armónicos que habrían sido considerados extraños según los estándares europeos contemporáneos. [36] Los estilos de estos compositores no se vieron afectados por "la influencia de sus sofisticados contemporáneos europeos", utilizando escalas o melodías modales o pentatónicas y evitando las reglas europeas de armonía. [37]
A principios del siglo XIX, Estados Unidos produjo diversos compositores como Anthony Heinrich , quien compuso en un estilo idiosincrásico e intencionalmente estadounidense y fue el primer compositor estadounidense en escribir para una orquesta sinfónica. Muchos otros compositores, los más famosos William Henry Fry y George Frederick Bristow , apoyaron la idea de un estilo clásico estadounidense, aunque sus obras tenían una orientación muy europea. Sin embargo, fue John Knowles Paine quien se convirtió en el primer compositor estadounidense aceptado en Europa. El ejemplo de Paine inspiró a los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra , que incluía figuras como Amy Beach , Edward MacDowell yHoratio Parker . [38]
Louis Moreau Gottschalk es quizás el compositor estadounidense más recordado del siglo XIX, según el historiador de la música Richard Crawford, conocido por "incorporar temas y ritmos indígenas o folclóricos a la música para salas de conciertos". La música de Gottschalk reflejaba la mezcla cultural de su ciudad natal, Nueva Orleans, Luisiana, que albergaba una variedad de música latina, caribeña, afroamericana, cajún y criolla. Fue reconocido como un pianista talentoso en su vida, y también fue un compositor conocido que sigue siendo admirado aunque poco interpretado. [39]
Siglo XX [ editar ]
La escena de la música clásica de Nueva York incluyó a Charles Griffes , originario de Elmira, Nueva York , quien comenzó a publicar su material más innovador en 1914. Sus primeras colaboraciones fueron intentos de utilizar temas musicales no occidentales. El compositor neoyorquino más conocido fue George Gershwin . Gershwin fue un compositor de Tin Pan Alley y los teatros de Broadway , y sus obras estuvieron fuertemente influenciadas por el jazz , o más bien los precursores del jazz que existieron durante su tiempo. El trabajo de Gershwin hizo que la música clásica estadounidense estuviera más enfocada y atrajo una cantidad inaudita de atención internacional. Después de Gershwin, el primer compositor importante fue Aaron Coplandde Brooklyn, que utilizó elementos de la música folclórica estadounidense, aunque siguió siendo europea en técnica y forma. Más tarde, se dedicó al ballet y luego a la música en serie . [40] Charles Ives fue uno de los primeros compositores clásicos estadounidenses de importancia internacional duradera, produciendo música en un estilo exclusivamente estadounidense, aunque su música fue en su mayor parte desconocida hasta después de su muerte en 1954.
Muchos de los compositores de finales del siglo XX, como John Cage , John Corigliano , Terry Riley , Steve Reich , John Adams y Miguel del Aguila , utilizaron técnicas modernistas y minimalistas . Reich descubrió una técnica conocida como puesta en fase , en la que dos actividades musicales comienzan simultáneamente y se repiten, saliéndose de sincronía gradualmente, creando una sensación natural de desarrollo. Reich también estaba muy interesado en la música no occidental, incorporando técnicas rítmicas africanas en sus composiciones. [41]Los compositores e intérpretes recientes están fuertemente influenciados por las obras minimalistas de Philip Glass , un nativo de Baltimore con sede en Nueva York, Meredith Monk y otros. [42]
Música popular [ editar ]
Estados Unidos ha producido muchos músicos y compositores populares en el mundo moderno. Desde el nacimiento de la música grabada, los artistas estadounidenses han continuado liderando el campo de la música popular, que de "todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial ... ha sido tomado en serio por el mundo entero". [43] La mayoría de las historias de la música popular comienzan con el ragtime estadounidense o Tin Pan Alley ; otros, sin embargo, remontan la música popular al Renacimiento ya través de folletos , baladas y otras tradiciones populares. [44] Otros autores suelen mirar partituras populares, rastreando la música popular estadounidense.a espirituales , espectáculos de juglares , vodevil y las canciones patrióticas de la Guerra Civil.
Canción popular temprana [ editar ]
| "La pancarta con estrellas" The Star-Spangled Banner interpretada por Fred Waring y sus habitantes de Pensilvania (1942) "Estrellas y rayas para siempre" John Philip Sousa Es Las barras y estrellas para siempre . Interpretada por la banda de la Infantería de Marina de los Estados Unidos "Marmita" 1916 interpretación de Dixie por el Metropolitan Mixed Chorus con Ada Jones y Billy Murray |
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Las canciones laicas patrióticas de la Revolución Americana constituyeron el primer tipo de música popular convencional. Estos incluyeron "El árbol de la libertad" de Thomas Paine . Las primeras canciones patrióticas, impresas a bajo precio como folletos , se difundieron por las colonias y se interpretaron en el hogar y en reuniones públicas. [45] Las canciones de Fife fueron especialmente celebradas y se interpretaron en los campos de batalla durante la Revolución Americana. La más duradera de estas canciones de pífano es " Yankee Doodle ", todavía muy conocida en la actualidad. La melodía se remonta a 1755 y fue cantada por tropas estadounidenses y británicas. [46]Las canciones patrióticas se basaron principalmente en melodías inglesas, con nuevas letras añadidas para denunciar el colonialismo británico; otros, sin embargo, utilizaron melodías de Irlanda, Escocia u otros lugares, o no utilizaron una melodía familiar. La canción " Hail, Columbia " fue una obra importante [47] que siguió siendo un himno nacional no oficial hasta la adopción de " The Star-Spangled Banner ". Gran parte de esta música estadounidense antigua aún sobrevive en Sacred Harp . Aunque relativamente desconocido fuera de Shaker Communities, Simple Gifts fue escrito en 1848 por el élder Joseph Brackett y desde entonces la melodía se ha hecho famosa internacionalmente. [48]
Durante la Guerra Civil, cuando los soldados de todo el país se mezclaron, los múltiples hilos de la música estadounidense comenzaron a fertilizarse entre sí, un proceso que fue ayudado por la floreciente industria ferroviaria y otros desarrollos tecnológicos que facilitaron los viajes y las comunicaciones. Las unidades del ejército incluían a personas de todo el país, y rápidamente intercambiaban melodías, instrumentos y técnicas. La guerra fue un ímpetu para la creación de canciones claramente estadounidenses que se volvieron y siguieron siendo tremendamente populares. [3] Las canciones más populares de la era de la Guerra Civil incluyeron " Dixie ", escrita por Daniel Decatur Emmett . La canción, originalmente titulada "Dixie's Land", fue hecha para el cierre de un espectáculo de juglares.; primero se extendió a Nueva Orleans, donde se publicó y se convirtió en "uno de los grandes éxitos musicales del período anterior a la Guerra Civil". [49] Además de las canciones patrióticas populares, la era de la Guerra Civil también produjo una gran cantidad de piezas de bandas de música . [50]
Después de la Guerra Civil, los espectáculos de juglares se convirtieron en la primera forma de expresión musical distintivamente estadounidense. El espectáculo de juglares era una forma indígena de entretenimiento estadounidense que consistía en parodias cómicas, actos de variedades, bailes y música, generalmente interpretados por personas blancas con la cara negra . Los espectáculos de Minstrel utilizaron elementos afroamericanos en interpretaciones musicales, pero solo de manera simplificada; Las historias de los programas mostraban a los negros como esclavos y tontos natos, antes de que finalmente se asociaran con el abolicionismo . [51] El espectáculo de juglares fue inventado por Daniel Decatur Emmett y Virginia Minstrels . [52] Los programas de Minstrel produjeron los primeros compositores populares bien recordados en la historia de la música estadounidense:Thomas D. Rice , Daniel Decatur Emmett y, el más famoso, Stephen Foster . Después de que la popularidad de los programas de juglares se desvaneciera, las canciones de mapache , un fenómeno similar, se hicieron populares.
El compositor John Philip Sousa está estrechamente asociado con la tendencia más popular de la música popular estadounidense justo antes del comienzo del siglo XX. Anteriormente el director de la banda de la Marina de los Estados Unidos , Sousa escribió marchas militares como " The Stars and Stripes Forever " que reflejaba su "nostalgia por [su] hogar y su país", dando a la melodía un "carácter viril conmovedor". [53]
A principios del siglo XX, el teatro musical estadounidense fue una fuente importante de canciones populares, muchas de las cuales influyeron en el blues, el jazz, el country y otros estilos de música popular existentes. El centro de desarrollo de este estilo fue la ciudad de Nueva York, donde los teatros de Broadway se convirtieron en uno de los lugares más famosos de la ciudad. Compositores teatrales y letristas como los hermanos George e Ira Gershwin crearon un estilo teatral estadounidense único que utilizaba el habla y la música vernáculas estadounidenses. Los musicales presentaban canciones populares y tramas trepidantes que a menudo giraban en torno al amor y el romance. [54]
Blues y gospel [ editar ]
| "Trapo de hoja de arce" Composición de Ragtime de Scott Joplin |
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El blues es un género de música folclórica afroamericana que es la base de gran parte de la música popular estadounidense moderna. El blues puede verse como parte de un continuo de estilos musicales como country, jazz, ragtime y gospel; aunque cada género evolucionó en formas distintas, sus orígenes fueron a menudo indistintos. Las primeras formas del blues evolucionaron en el delta del Mississippi y sus alrededores a finales del siglo XIX y principios del XX. La música de blues más antigua era principalmente música vocal de llamada y respuesta , sin armonía ni acompañamiento y sin ninguna estructura musical formal. Los esclavos y sus descendientes crearon el blues adaptando los gritos y gritos de campo, convirtiéndolos en apasionantes canciones en solitario. [55] Cuando se mezcla con la espiritualidad cristianacanciones de iglesias afroamericanas y reuniones de avivamiento, el blues se convirtió en la base de la música gospel . El evangelio moderno comenzó en las iglesias afroamericanas en la década de 1920, en forma de adoradores que proclamaban su fe de una manera improvisada, a menudo musical (testificando). Compositores como Thomas A. Dorsey compusieron obras de gospel que utilizaron elementos de blues y jazz en himnos tradicionales y canciones espirituales. [56]
Ragtime fue originalmente un estilo de piano, con ritmos y cromatismos sincopados . [26] Es principalmente una forma de música de baile que utiliza el bajo andante , y generalmente se compone en forma de sonata . Ragtime es una forma refinada y evolucionada del afroamericano juego de niños danza, mezclada con estilos que van desde marchas europeas [57] y canciones populares a las plantillas y otros bailes interpretados por grandes bandas de afroamericanos en las ciudades del norte durante el final del siglo 19. El intérprete y compositor de ragtime más famoso fue Scott Joplin , conocido por obras como "Maple Leaf Rag". [58]
El blues se convirtió en parte de la música popular estadounidense en la década de 1920, cuando las cantantes clásicas de blues como Bessie Smith se hicieron populares. Al mismo tiempo, las compañías discográficas lanzaron el campo de la música racial , que era principalmente blues dirigido a audiencias afroamericanas. El más famoso de estos actos inspiró gran parte del desarrollo popular posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluido el legendario músico delta blues Robert Johnson y el músico de blues de Piedmont Blind Willie McTell.. A fines de la década de 1940, sin embargo, el blues puro era solo una parte menor de la música popular, habiendo sido subsumido por ramas como el rhythm & blues y el estilo naciente del rock and roll. Algunos estilos de blues eléctrico impulsado por piano, como el boogie-woogie , retuvieron una gran audiencia. Un estilo de gospel de blues también se hizo popular en la corriente principal de Estados Unidos en la década de 1950, dirigido por la cantante Mahalia Jackson . [59] El género del blues experimentó importantes resurgimientos en la década de 1950 con músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter , [60] así como en la década de 1960 en la invasión británica y el resurgimiento de la música folclórica estadounidense cuandoLos músicos de country blues como Mississippi John Hurt y el reverendo Gary Davis fueron redescubiertos. Los músicos de blues seminales de estos períodos tuvieron una tremenda influencia en músicos de rock como Chuck Berry en la década de 1950, así como en las escenas de blues y blues rock británico de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Eric Clapton en Gran Bretaña y Johnny Winter en Texas.
Jazz [ editar ]
El jazz es un tipo de música caracterizada por notas oscuras y azules , voces de llamada y respuesta, polirritmos e improvisación . Aunque originalmente era un tipo de música de baile, el jazz ha sido una parte importante de la música popular y también se ha convertido en un elemento importante de la música clásica occidental. El jazz tiene sus raíces en la expresión cultural y musical de África occidental y en las tradiciones musicales afroamericanas, incluidos el blues y el ragtime, así como la música de bandas militares europeas. [61]El jazz temprano estaba estrechamente relacionado con el ragtime, con el que se podía distinguir por el uso de una improvisación rítmica más compleja. Las primeras bandas de jazz adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluidas las notas dobladas y azules y los "gruñidos" y manchas instrumentales que de otro modo no se utilizarían en instrumentos europeos. Las raíces del jazz provienen de la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana , poblada por cajuns y criollos negros, que combinaron la cultura francocanadiense de los cajuns con sus propios estilos de música en el siglo XIX. Grandes bandas criollas que tocaban en funerales y desfiles se convirtieron en la base principal del jazz temprano, que se extendió desde Nueva Orleans hasta Chicago y otros centros urbanos del norte.
Aunque el jazz había alcanzado una popularidad limitada desde hacía mucho tiempo, fue Louis Armstrong quien se convirtió en una de las primeras estrellas populares y una fuerza importante en el desarrollo del jazz, junto con su amigo el pianista Earl Hines . Armstrong, Hines y sus colegas eran improvisadores, capaces de crear numerosas variaciones en una sola melodía. Armstrong también popularizó el canto scat , una técnica vocal de improvisación en la que se cantan sílabas ( vocablos ) sin sentido . Armstrong y Hines influyeron en el surgimiento de una especie de jazz de big band llamado swing . El swing se caracteriza por una sección rítmica fuerte, generalmente compuesta por contrabajo.y batería, tempo medio a rápido y dispositivos rítmicos como la nota balanceada, que es común a la mayoría del jazz. El swing es principalmente una fusión del jazz de los años 30 con elementos del blues y Tin Pan Alley. [58] El swing usaba bandas más grandes que otros tipos de jazz, lo que llevó a los líderes de banda a arreglar el material de manera estricta, lo que desalentó la improvisación, que anteriormente era una parte integral del jazz. El swing se convirtió en una parte importante de la danza afroamericana y llegó a ser acompañado por una danza popular llamada danza swing .
El jazz influyó en muchos intérpretes de todos los estilos principales de la música popular posterior, aunque el jazz en sí nunca volvió a convertirse en una parte tan importante de la música popular estadounidense como durante la era del swing. Sin embargo, la escena del jazz estadounidense de finales del siglo XX produjo algunas estrellas de cruce populares, como Miles Davis . A mediados del siglo XX, el jazz evolucionó hacia una variedad de subgéneros, comenzando con el bebop . Bebop es una forma de jazz caracterizada por tempos rápidos, improvisación basada en la estructura armónica en lugar de la melodía y el uso de la quinta bemol . Bebop se desarrolló a principios y mediados de la década de 1940, y luego evolucionó hacia estilos como el hard bop y el free jazz . Los innovadores del estilo incluyeron a Charlie Parkery Dizzy Gillespie , que surgió de pequeños clubes de jazz en la ciudad de Nueva York. [62]
Música country [ editar ]
La música country es principalmente una fusión de blues y espirituales afroamericanos con música folclórica de los Apalaches , adaptada para el público pop y popularizada a partir de la década de 1920. Los orígenes del country se encuentran en la música folclórica del sur rural, que era principalmente irlandesa y británica, con músicas africanas y europeas continentales. [63] Las melodías anglo-celtas, la música de baile y las baladas fueron los primeros predecesores del country moderno, entonces conocido como música hillbilly . Los primeros hillbilly también tomaron prestados elementos del blues y se basaron en más aspectos de las canciones pop del siglo XIX a medida que la música hillbilly se convirtió en un género comercial conocido finalmente como country y western y luego simplemente country . [64]La instrumentación country más antigua giraba en torno al violín de origen europeo y el banjo de origen africano , con la guitarra añadida más tarde. [65] Los instrumentos de cuerda como el ukelele y la guitarra de acero se convirtieron en algo común debido a la popularidad de los grupos musicales hawaianos a principios del siglo XX. [66]
Las raíces de la música country comercial se remontan generalmente a 1927, cuando el buscador de talentos musicales Ralph Peer grabó a Jimmie Rodgers y The Carter Family . [67] El éxito popular fue muy limitado, aunque una pequeña demanda estimuló algunas grabaciones comerciales. Después de la Segunda Guerra Mundial , hubo un mayor interés en estilos especiales como la música country, lo que produjo algunas estrellas del pop importantes. [68] El músico country más influyente de la época fue Hank Williams , un cantante de blues country de Alabama. [59] [69]Sigue siendo conocido como uno de los mejores compositores e intérpretes de la música country, considerado un "poeta folclórico" con un "fanfarrón honky-tonk" y "simpatías con la clase trabajadora". [70] A lo largo de la década, la aspereza del honky-tonk se erosionó gradualmente a medida que el sonido de Nashville se volvía más pop. Productores como Chet Atkins crearon el sonido de Nashville eliminando los elementos hillbilly de la instrumentación y utilizando instrumentación suave y técnicas de producción avanzadas. [71] Con el tiempo, la mayoría de los discos de Nashville fueron de este estilo, que comenzó a incorporar coros vocales y de cuerdas. [72]
A principios de la década de 1960, sin embargo, el sonido de Nashville se había percibido como demasiado diluido por muchos artistas y fanáticos más tradicionalistas, lo que resultó en una serie de escenas locales como el sonido de Bakersfield . Sin embargo, algunos artistas mantuvieron su popularidad, como el ícono cultural Johnny Cash . [73] El sonido de Bakersfield comenzó a mediados y finales de la década de 1950 cuando artistas como Wynn Stewart y Buck Owens comenzaron a utilizar elementos del swing y el rock occidentales , como el breakbeat , en su música. [74] En la década de 1960, artistas como Merle Haggardpopularizó el sonido. A principios de la década de 1970, Haggard también formaba parte del country fuera de la ley , junto a cantautores como Willie Nelson y Waylon Jennings . [62] Outlaw country estaba orientado al rock y líricamente centrado en las payasadas criminales de los artistas, en contraste con los cantantes country de corte limpio del sonido de Nashville. [75] A mediados de la década de 1980, las listas de música country estaban dominadas por cantantes pop, junto con un renacimiento naciente del country al estilo honky-tonk con el auge de artistas como Dwight Yoakam . La década de 1980 también vio el desarrollo de artistas alternativos de country como el tío Tupelo., que se oponían al estilo más pop de la corriente principal del country. A principios de la década de 2000, los artistas country orientados al rock permanecían entre los artistas más vendidos en los Estados Unidos, especialmente Garth Brooks . [76]
Soul, R&B y pop [ editar ]
| "Un cambio vendrá" La clásica canción soul de Sam Cooke se convirtió en un himno de los derechos civiles. "Papá tiene un bolso nuevo" El revolucionario éxito de James Brown marcó el comienzo del desarrollo del funk. "Luv n 'Haight" La canción funk de 1971 de Sly & the Family Stone se titula satíricamente como una referencia a la escena de Haight-Ashbury , mientras que la música y la letra expresan desilusión con la contracultura de los sesenta . [77] [78] |
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R&B, abreviatura de rhythm and blues , es un estilo que surgió en las décadas de 1930 y 1940. El R&B temprano consistía en grandes unidades rítmicas "aplastando detrás de cantantes de blues que gritaban (que) tenían que gritar para ser escuchados por encima del estruendo y rasgueo de varios instrumentos electrificados y las secciones rítmicas agitadas". [80] El R&B no se grabó ni promovió ampliamente porque las compañías discográficas sintieron que no era adecuado para la mayoría de las audiencias, especialmente para los blancos de clase media, debido a las letras sugerentes y los ritmos impulsores. [81] Líderes de bandas como Louis Jordaninnovó el sonido del R&B temprano, usando una banda con una pequeña sección de trompeta e instrumentación rítmica prominente. A fines de la década de 1940, había tenido varios éxitos y ayudó a allanar el camino para contemporáneos como Wynonie Harris y John Lee Hooker . Muchas de las canciones de R&B más populares no se interpretaron en el estilo jovial de Jordan y sus contemporáneos; en cambio, fueron interpretados por músicos blancos como Pat Boone en un estilo mainstream más agradable, que se convirtió en éxitos del pop. [82] A fines de la década de 1950, sin embargo, hubo una ola de artistas populares de blues negro rock y de R&B con influencia country como Chuck Berry que ganó una fama sin precedentes entre los oyentes blancos. [83] [84]
Motown Records tuvo un gran éxito a principios y mediados de la década de 1960 por producir música de raíces afroamericanas que desafiaban la segregación racial en la industria de la música y el mercado de consumo. El periodista musical Jerry Wexler (que acuñó la frase "rhythm and blues") dijo una vez de Motown: "[Ellos] hicieron algo que tendrías que decir en papel que es imposible. Tomaron música negra y la transmitieron directamente al adolescente estadounidense blanco. . " Berry Gordy fundó Motown en 1959 en Detroit, Michigan . Fue uno de los pocos sellos discográficos de R&B que buscó trascender el mercado de R&B (que era definitivamente negro en la mentalidad estadounidense) y especializarse en música cruzada.. La compañía surgió como el productor líder (o "línea de montaje", una referencia a sus orígenes en la ciudad del motor) de música popular negra a principios de la década de 1960 y comercializó sus productos como "The Motown Sound" o "The Sound of Young America". que combina elementos de soul, funk, disco y R&B. [85] Los actos notables de Motown incluyen Four Tops , Temptations , Supremes , Smokey Robinson , Stevie Wonder y Jackson 5.. La representación visual fue fundamental para el ascenso de Motown; pusieron mayor énfasis en los medios visuales que en otros sellos discográficos. La primera exposición de muchas personas a Motown fue a través de la televisión y el cine. La imagen de los artistas de Motown de los estadounidenses negros exitosos que se mantuvieron con gracia y aplomo transmitió una forma distinta de negrura de clase media al público, que era particularmente atractiva para los blancos. [86]
La música soul es una combinación de rhythm and blues y gospel que comenzó a fines de la década de 1950 en los Estados Unidos. Se caracteriza por el uso de dispositivos de música gospel, con un mayor énfasis en los vocalistas y el uso de temas seculares. La década de 1950 grabaciones de Ray Charles , Sam Cooke , [88] y James Brown son comúnmente considerados los inicios del alma. Los discos de Charles Modern Sounds (1962) presentaban una fusión de soul y música country , country soul y cruzaban las barreras raciales en la música de la época. [89] Una de las canciones más conocidas de Cooke " A Change Is Gonna Come " (1964) fue aceptada como un clásico y un himno de laMovimiento estadounidense de derechos civiles durante la década de 1960. [90] Según AllMusic , James Brown fue crítico, a través de "la furia apasionada por el gospel de su voz y los complejos polirritmos de sus ritmos", en "dos revoluciones en la música afroamericana. Fue una de las figuras más responsables de convertir R&B en soul y él fue, la mayoría estaría de acuerdo, la figura más responsable de convertir la música soul en el funk de finales de los 60 y principios de los 70 ". [79]
El soul puro fue popularizado por Otis Redding y los otros artistas de Stax Records en Memphis, Tennessee . A finales de la década de 1960, la artista atlántica Aretha Franklin se había convertido en la estrella de soul femenina más popular del país. [91] [92] También en este momento, el soul se había dividido en varios géneros, [93] influenciados por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de la década de 1960 inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a lanzar álbumes con comentarios sociales contundentes, mientras que otra variedad se convirtió en música más orientada al baile, evolucionando hacia el funk.. A pesar de su afinidad previa con temas líricos cargados política y socialmente, Gaye ayudó a popularizar la música y el funk sexuales y románticos, [94] mientras que sus grabaciones de los 70, incluidas Let's Get It On (1973) y I Want You (1976) ayudaron a desarrollar el sonido y el formato de la tormenta silenciosa . [95] Uno de los discos más influyentes jamás registrado, Sly & the Family Stone 's hay una Riot Goin' On (1971) ha sido considerado uno de los primeros y mejores ejemplos de la versión madurada de la música funk, después de los casos prototípicos de la sonido en el trabajo anterior del grupo. [96] Artistas como Gil Scott-Heron yThe Last Poets practicó una mezcla ecléctica de poesía, jazz-funk y soul, con comentarios políticos y sociales críticos con sentimiento afrocéntrico . El trabajo de proto-rap de Scott-Heron , incluyendo " The Revolution Will Not Be Televised " (1971) y Winter in America (1974), ha tenido un impacto considerable en los artistas de hip hop posteriores, [97] mientras que su sonido único con Brian Jackson influyó artistas del neo soul. [98]
A mediados de la década de 1970, bandas comerciales y muy hábiles como el grupo de soul de Filadelfia The O'Jays y el grupo de soul de ojos azules Hall & Oates lograron un gran éxito. A fines de la década de 1970, la mayoría de los géneros musicales, incluido el soul, estaban influenciados por la música disco . Con la introducción de influencias de la música electrónica y el funk a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, la música soul se volvió menos cruda y más hábilmente producida, lo que resultó en un género de música que una vez más se llamó R&B , generalmente distinguido del ritmo y el blues anteriores por identificándolo como R&B contemporáneo .
Las primeras estrellas contemporáneas de R&B surgieron en la década de 1980, con la estrella del dance-pop Michael Jackson , el cantante de influencia funk Prince y una ola de vocalistas femeninas como Tina Turner y Whitney Houston . [76] Michael Jackson y Prince han sido descritos como las figuras más influyentes en el R&B contemporáneo y la música popular debido a su uso ecléctico de elementos de una variedad de géneros. [100] Prince fue en gran parte responsable de la creación del sonido de Minneapolis : "una mezcla de trompas, guitarras y sintetizadores electrónicos con el apoyo de un ritmo constante y vibrante". [101] El trabajo de Jackson se centró en baladas suaves o música disco.-música de baile influenciada; como artista, "sacó la música dance de la depresión disco con su debut en solitario para adultos en 1979, Off the Wall , fusionó el R&B con el rock en Thriller e introdujo pasos estilizados como el robot y el moonwalk a lo largo de su carrera". [102] Jackson es a menudo reconocido como el "Rey del Pop" por sus logros.
En 1983, el concepto de cruce de música popular se asoció inextricablemente con Michael Jackson. Thriller tuvo un éxito sin precedentes, vendiendo más de 10 millones de copias solo en los Estados Unidos. En 1984, el álbum obtuvo más de 140 premios de oro y platino y fue reconocido por el Libro Guinness de los Récords Mundiales como el récord más vendido de todos los tiempos , un título que aún ostenta en la actualidad. [87] La transmisión de MTV de " Billie Jean " fue la primera para cualquier artista negro, rompiendo así la "barrera del color" de la música pop en la pantalla chica. [87] Thriller sigue siendo el único video musical reconocido por el Registro Nacional de Cine .
Janet Jackson colaboró con los antiguos socios de Prince, Jimmy Jam y Terry Lewis, en su tercer álbum de estudio Control (1986); El segundo sencillo del álbum, " Nasty ", ha sido descrito como el origen del nuevo sonido jack swing , un género innovado por Teddy Riley . [100] El trabajo de Riley sobre Keith Sweat 's que dure para siempre (1987), de Guy ' s de Guy (1988), y Bobby Brown 's Do not Be Cruel nueva toma (1998) hizo pivotar en un elemento básico de R & B contemporáneo en el mediados de la década de 1990. [100]El nuevo jack swing era un estilo y una tendencia de la música vocal, a menudo con versos rapeados y cajas de ritmos . [59] El atractivo cruzado de los primeros artistas contemporáneos de R&B en la música popular convencional, incluidas las obras de Prince, Michael y Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner, Anita Baker y The Pointer Sisters se convirtió en un punto de inflexión para los artistas negros de la industria. ya que su éxito "fue quizás el primer indicio de que el mayor cosmopolitismo de un mercado mundial podría producir algunos cambios en la complexión de la música popular". [103]
El uso del melisma , una tradición gospel adaptada por las vocalistas Whitney Houston y Mariah Carey se convertiría en una piedra angular de los cantantes contemporáneos de R&B a partir de finales de los 80 y durante los 90. [100] El hip hop llegó a influir en el R&B contemporáneo a finales de la década de 1980, primero a través del nuevo jack swing y luego en una serie relacionada de subgéneros llamada hip hop soul y neo soul . El hip hop soul y el neo soul se desarrollaron más tarde, en la década de 1990. Tipificado por el trabajo de Mary J. Blige y R. Kelly , el primero es una mezcla de R&B contemporáneo con ritmos de hip hop, mientras que las imágenes y temas del gangsta rappuede estar presente. Este último es una combinación más experimental, más vanguardista y, en general, menos convencional de voces soul de estilo de los sesenta y setenta con cierta influencia del hip hop, y se ha ganado cierto reconocimiento a través del trabajo de D'Angelo , Erykah Badu , Alicia Keys y Lauryn. Hill . [104] El aclamado álbum de D'Angelo, Voodoo (2000), ha sido reconocido por los escritores musicales como una obra maestra y la piedra angular del género neo soul. [105] [106] [107]
Rock, metal y punk [ editar ]
El rock and roll se desarrolló a partir del country, el blues y el R&B. Los orígenes exactos y las primeras influencias del rock han sido objeto de acalorados debates y son objeto de muchos estudios. Aunque en la tradición del blues, el rock tomó elementos de las técnicas musicales afrocaribeñas y latinas . [110] El rock era un estilo urbano, formado en las áreas donde poblaciones diversas dieron como resultado la mezcla de géneros afroamericanos, latinos y europeos que iban desde el blues y el country hasta la polka y el zydeco . [111] El rock and roll se introdujo por primera vez en la música popular a través de un estilo llamado rockabilly , [112]que fusionó el sonido naciente con elementos de la música country. El rock and roll interpretado por negros había tenido anteriormente un éxito limitado en la corriente principal, pero fue el intérprete blanco Elvis Presley quien atrajo por primera vez al público principal con un estilo de música negro, convirtiéndose en uno de los músicos más vendidos de la historia y trayendo el rock and roll a audiencias de todo el mundo. [113]
La década de 1960 vio varios cambios importantes en la música popular, especialmente el rock. Muchos de estos cambios tuvieron lugar durante la invasión británica, donde bandas como The Beatles , The Who y The Rolling Stones , [114] se hicieron inmensamente populares y tuvieron un profundo efecto en la cultura y la música estadounidenses. Estos cambios incluyeron el paso de canciones compuestas profesionalmente al cantautor , y la comprensión de la música popular como un arte , en lugar de una forma de comercio o entretenimiento puro. [115] Estos cambios llevaron al surgimiento de movimientos musicales relacionados con objetivos políticos, como el Movimiento de Derechos Civiles de Estados Unidos.y la oposición a la guerra de Vietnam . Rock estuvo a la vanguardia de este cambio.
A principios de la década de 1960, el rock generó varios subgéneros, comenzando con el surf . El surf era un género de guitarra instrumental caracterizado por un sonido distorsionado, asociado con la cultura juvenil del surf en el sur de California . [116] [117] Inspirados por el enfoque lírico del surf, The Beach Boys comenzaron a grabar en 1961 con un sonido elaborado, agradable al pop y armónico. [118] [119] A medida que su fama crecía, el compositor de The Beach Boys, Brian Wilson, experimentó con nuevas técnicas de estudio y se asoció con la contracultura . La contracultura fue un movimiento que abrazó el activismo político y estaba estrechamente relacionado con el hippie.subcultura. Los hippies estaban asociados con el folk rock , el country rock y el rock psicodélico . [120] El folk y el country rock se asociaron con el surgimiento de la música folk politizada, liderada por Pete Seeger y otros, especialmente en la escena musical de Greenwich Village en Nueva York. [121] El folk rock entró en la corriente principal a mediados de la década de 1960, cuando el cantautor Bob Dylan comenzó su carrera. El editor de AllMusic , Stephen Thomas Erlewine, atribuye el cambio de The Beatles hacia la composición introspectiva a mediados de la década de 1960 a la influencia de Bob Dylan en ese momento. [109]Lo siguieron varias bandas de country-rock y cantautores suaves y folk. El rock psicodélico era un tipo de rock duro basado en la guitarra, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco . Aunque Jefferson Airplane fue la única banda local que tuvo un gran éxito nacional, Grateful Dead , una banda de jam con sabor country y bluegrass , se convirtió en una parte icónica de la contracultura psicodélica, asociada con los hippies, el LSD y otros símbolos de esa época. [120] Algunos dicen que los Grateful Dead fueron verdaderamente la banda de rock más patriótica estadounidense que jamás haya existido; formando y moldeando una cultura que define a los estadounidenses de hoy.[122]
Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de la década de 1960 y principios de la de 1970, la música rock se diversificó. Lo que antes era un género discreto conocido como rock and roll se convirtió en una categoría general llamada simplemente música rock , que llegó a incluir diversos estilos desarrollados en los EE . UU. Como el punk rock . Durante la década de 1970, la mayoría de estos estilos evolucionaron en la escena de la música underground, mientras que el público general comenzó la década con una ola de cantautores que se basaron en las letras profundamente emocionales y personales del folk rock de la década de 1960. El mismo período vio el surgimiento de grandilocuentes bandas de rock en la arena , grupos de blues y rock sureño y suave rock suave.estrellas. A finales de la década de 1970, el cantante y compositor de rock Bruce Springsteen se convirtió en una estrella importante, con himnos y letras densas e inescrutables que celebraban a la clase pobre y trabajadora. [76]
El punk era una forma de rock rebelde que comenzó en la década de 1970 y era ruidoso, agresivo y, a menudo, muy simple. El punk comenzó como una reacción contra la música popular de la época, especialmente el disco y el arena rock . Las bandas estadounidenses en el campo incluyeron, las más famosas, The Ramones y Talking Heads , este último tocando un estilo más vanguardista que estuvo estrechamente asociado con el punk antes de evolucionar hacia la nueva ola convencional . [76] Otros actos importantes incluyen Blondie , Patti Smith y Television.. En la década de 1980, algunos fanáticos y bandas del punk se desilusionaron con la creciente popularidad del estilo, lo que resultó en un estilo aún más agresivo llamado hardcore punk . Hardcore era una forma de punk disperso, que consistía en canciones cortas, rápidas e intensas que hablaban a los jóvenes descontentos, con bandas tan influyentes como Bad Religion , Bad Brains , Black Flag , Dead Kennedys y Minor Threat . El hardcore comenzó en metrópolis como Washington, DC , aunque la mayoría de las principales ciudades estadounidenses tenían sus propios escenarios locales en la década de 1980. [123]
Hardcore, punk y garage rock fueron las raíces del rock alternativo , una agrupación diversa de subgéneros del rock que se oponían explícitamente a la música convencional y que surgieron de los estilos punk y post-punk. En los Estados Unidos, muchas ciudades desarrollaron escenas de rock alternativo local, incluidas Minneapolis y Seattle. [125] La escena local de Seattle produjo música grunge , un estilo oscuro y melancólico inspirado en el hardcore, la psicodelia y el rock alternativo. [126] Con la adición de un elemento más melódico al sonido de bandas como Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden y Alice in Chains., el grunge se hizo tremendamente popular en los Estados Unidos [127] en 1991. Tres años después, bandas como Green Day , The Offspring , Rancid , Bad Religion y NOFX llegaron a la corriente principal (con sus respectivos álbumes Dookie , Smash , Let's Go , Stranger than Fiction y Punk in Drublic ) y trajo la exposición de la escena punk de California en todo el mundo.
El heavy metal se caracteriza por ritmos agresivos y contundentes, guitarras amplificadas y distorsionadas, letras grandiosas e instrumentación virtuosa. Los orígenes del heavy metal se encuentran en las bandas de hard rock que tomaron el blues y el rock y crearon un sonido pesado basado en la guitarra y la batería. Las primeras grandes bandas estadounidenses llegaron a principios de la década de 1970, como Blue Öyster Cult , KISS y Aerosmith . Sin embargo, el heavy metal siguió siendo un fenómeno en gran parte clandestino. Durante la década de 1980 surgió el primer gran estilo pop-metal y dominó las listas de éxitos durante varios años, iniciado por el acto de metal Quiet Riot y dominado por bandas como Mötley Crüe y Ratt ; esto era glam metal, una fusión de hard rock y pop con un espíritu estridente y una estética visual influenciada por el glamour . Algunas de estas bandas, como Bon Jovi , se convirtieron en estrellas internacionales. La banda Guns N 'Roses saltó a la fama cerca del final de la década con una imagen que fue una reacción contra la estética glam metal.
A mediados de la década de 1980, el heavy metal se había ramificado en tantas direcciones diferentes que los fanáticos, las compañías discográficas y los fanzines crearon numerosos subgéneros. Estados Unidos era especialmente conocido por uno de estos subgéneros, el thrash metal , que fue innovado por bandas como Metallica , Megadeth , Slayer y Anthrax , siendo Metallica la de mayor éxito comercial. [130] Estados Unidos fue conocido como uno de los lugares de nacimiento del death metal desde mediados hasta finales de la década de 1980. La escena de Florida fue la más conocida, con bandas como Death , Cannibal Corpse , Morbid Angel , Deicide., y muchos otros. Ahora hay innumerables bandas de death metal y deathgrind en todo el país.
Hip hop [ editar ]
Jay-Z se convirtió en un ícono del hip hop de renombre internacional a raíz de la muerte de The Notorious BIG y Tupac Shakur a mediados de la década de 1990. [131] Kanye West fue asesorado por Jay-Z y producido para él, [132] antes de alcanzar un nivel similar de éxito. [133]
El hip hop es un movimiento cultural del que la música forma parte. La música hip hop en su mayor parte se compone de dos partes: rap , la entrega de voces rápidas, altamente rítmicas y líricas; y DJ y / o producción , la producción de instrumentación a través de muestreo , instrumentación , turntablism o beatboxing , la producción de sonidos musicales a través de tonos vocalizados. [134] El hip hop surgió a principios de la década de 1970 en el Bronx , Nueva York. DJ inmigrante jamaicano Kool Herces ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; trajo consigo de Jamaica la práctica de brindar por los ritmos de canciones populares. Los maestros de ceremonias surgieron originalmente para presentar las canciones de soul, funk y R&B que tocaban los DJ, y para mantener al público emocionado y bailando; con el tiempo, los DJ empezaron a aislar la pausa de percusión de las canciones (cuando el ritmo llega al clímax), produciendo un ritmo repetido que los maestros de ceremonias golpeaban.
A diferencia de Motown, que basaba su éxito en el atractivo de clase de sus actos que volvían irrelevante la identidad racial, el hip hop de la década de 1980, en particular el hip hop que se cruzó con el rock-and-roll, se basó en su identificación primaria (implícita pero enfática) con identidad negra. [135] A principios de la década de 1980, había canciones populares de hip hop y las celebridades de la escena, como LL Cool J , ganaron renombre en la corriente principal. Otros artistas experimentaron con letras politizadas y conciencia social, o fusionaron hip hop con jazz, heavy metal, techno , funk y soul. Nuevos estilos aparecieron en la última parte de la década de 1980, como el hip hop alternativo y el jazz rap estrechamente relacionado.fusión, iniciada por raperos como De La Soul .
Gangsta rap es una especie de hip hop, que se caracteriza principalmente por un enfoque lírico en la sexualidad machista, la fisicalidad y una imagen criminal peligrosa. [136] Aunque los orígenes del gangsta rap se remontan al estilo de mediados de la década de 1980 de Schoolly D de Filadelfia y Ice-T de la costa oeste , el estilo se amplió y se aplicó a muchas regiones diferentes del país, a raperos de Nueva York. york, tales como Notorious BIG e influyente hip hop grupo Wu-Tang clan , y raperos de la Costa Oeste, como demasiado corta y la NWA . Una escena de rap distintiva de la costa oeste se generó a principios de la década de 1990Sonido G-funk , que combinó letras de gangsta rap con un sonido espeso y brumoso, a menudo de samples de funk de la década de 1970 ; los proponentes más conocidos fueron los raperos 2Pac , Dr. Dre , Ice Cube y Snoop Dogg . El rap gangsta continuó ejerciendo una presencia importante en la música popular estadounidense hasta finales de la década de 1990 y principios del siglo XXI.
El dominio del gangsta rap en el hip-hop convencional fue suplantado a finales de la década de 2000, en gran parte debido al éxito general de artistas de hip-hop como Kanye West . [137] El resultado de una competencia de ventas muy publicitada entre el lanzamiento simultáneo de su tercer álbum de estudio y el del rapero gangsta 50 Cent , Graduation y Curtis respectivamente, se ha acreditado desde entonces a la caída. [138] La competencia resultó en un rendimiento récord de ventas de ambos álbumes y West vendió más que 50 Cent, vendiendo casi un millón de copias de Graduation solo en la primera semana. [139]Los observadores de la industria comentan que la victoria de West sobre 50 Cent demostró que la música rap no tenía que ajustarse a las convenciones del gangsta-rap para tener éxito comercial. [140] West allanó el camino para que una nueva ola de artistas de hip-hop, incluyendo Drake , Kendrick Lamar y J. Cole , que no siguieron el Hardcore - gángster molde y se convirtió en artistas ventas de platino. [141] [142]
Otros estilos de nicho y música latinoamericana [ editar ]
La industria musical estadounidense está dominada por grandes empresas que producen, comercializan y distribuyen ciertos tipos de música. Generalmente, estas empresas no producen, o producen sólo en cantidades muy limitadas, grabaciones en estilos que no atraen a un público muy amplio. Las compañías más pequeñas a menudo llenan el vacío, ofreciendo una amplia variedad de grabaciones en estilos que van desde la polka hasta la salsa . Muchas industrias musicales pequeñas se construyen alrededor de una base de fans central que puede estar basada principalmente en una región, como la música tejana o hawaiana , o pueden estar muy dispersas, como la audiencia de klezmer judío .
Entre los músicos hispanoamericanos que fueron pioneros en las primeras etapas del rock and roll se encontraban Ritchie Valens , quien anotó varios éxitos, entre los que destacan " La Bamba " y Herman Santiago escribió la letra de la icónica canción de rock and roll " Why Do Fools Fall in Amor ". Las canciones que se hicieron populares en los Estados Unidos y que se escuchan durante la temporada navideña son "¿Dónde está Santa Claus?" es una canción navideña novedosa con Augie Ríos, de 12 años, que fue un éxito récord en 1959 con la orquesta de Mark Jeffrey. " Feliz Navidad " (1970) de José Feliciano es otra famosa canción latina.
La industria de nicho más grande se basa en la música latina. La música latina ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense y fue una parte especialmente crucial del desarrollo del jazz. Los estilos latinos del pop moderno incluyen una amplia gama de géneros importados de toda América Latina, incluida la cumbia colombiana , el reguetón puertorriqueño y el corrido mexicano . La música popular latina en los Estados Unidos comenzó con una ola de bandas de baile en las décadas de 1930 y 1950. Los estilos más populares incluyeron la conga , la rumba y el mambo . En la década de 1950, Pérez Prado hizo famoso el cha-cha-cha y el auge del jazz afrocubano.abrió muchos oídos a las posibilidades armónicas, melódicas y rítmicas de la música latina. Sin embargo, la forma estadounidense más famosa de música latina es la salsa . La salsa incorpora muchos estilos y variaciones; el término puede usarse para describir la mayoría de las formas de géneros populares derivados de Cuba. Más específicamente, sin embargo, la salsa se refiere a un estilo particular que fue desarrollado por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños del área de la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1970, y descendientes estilísticos como la salsa romantica de los años 80 . [143] Los ritmos de salsa son complicados, con varios patrones tocados simultáneamente. El ritmo de la clave forma la base de las canciones de salsa y los intérpretes lo utilizan como base rítmica común para sus propias frases.. [144]
La música latinoamericana ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense, el jazz , el rhythm and blues e incluso la música country . Esto incluye música de países y territorios de América Latina en español, portugués y (a veces) francófono. [145]
Hoy en día, la industria discográfica estadounidense define la música latina como cualquier tipo de lanzamiento con letras en su mayoría en español. [146] [147] Los artistas y productores convencionales tienden a presentar más canciones de artistas latinos y también es más probable que las canciones en inglés se crucen con la radio en español y viceversa.
Estados Unidos jugó un papel importante en el desarrollo de la música electrónica de baile , específicamente house y techno , que se originaron en Chicago y Detroit , respectivamente.
Hoy en día, la música latinoamericana se ha convertido en un término para la música interpretada por latinos, independientemente de si tiene un elemento latino o no. Actos como Shakira , Jennifer Lopez , Enrique Iglesias , Pitbull , Selena Gomez , Christina Aguilera , Gloria Estefan , Demi Lovato , Mariah Carey , Becky G , Paulina Rubio y Camila Cabelloson prominentes en las listas de éxitos. Iglesias, quien tiene el récord de la mayoría de los # 1 en Hot Latin Tracks de Billboard, lanzó un álbum bilingüe, inspirado en actos urbanos, lanza dos canciones completamente diferentes a los formatos latino y pop al mismo tiempo.
Gobierno, política y derecho [ editar ]
El gobierno de los Estados Unidos regula la industria de la música, hace cumplir las leyes de propiedad intelectual y promueve y recopila ciertos tipos de música. Según la ley de derechos de autor estadounidense , las obras musicales, incluidas las grabaciones y composiciones, están protegidas como propiedad intelectual tan pronto como se fijan en una forma tangible. Los titulares de derechos de autor a menudo registran su trabajo en la Biblioteca del Congreso , que mantiene una colección del material. Además, la Biblioteca del Congreso ha buscado activamente materiales de importancia cultural y musicológica desde principios del siglo XX, por ejemplo, enviando investigadores a grabar música folclórica. Estos investigadores incluyen al pionero coleccionista estadounidense de canciones populares Alan Lomax., cuyo trabajo ayudó a inspirar el renacimiento de las raíces de mediados del siglo XX. El gobierno federal también financia las Dotaciones Nacionales para las Artes y las Humanidades , que asignan subvenciones a músicos y otros artistas, la Institución Smithsonian , que lleva a cabo programas educativos y de investigación, y la Corporación de Difusión Pública , que financia a emisoras de televisión y sin fines de lucro. [148]
La música ha afectado durante mucho tiempo la política de los Estados Unidos . Los partidos y movimientos políticos utilizan con frecuencia la música y el canto para comunicar sus ideales y valores, y para entretenerse en funciones políticas. La campaña presidencial de William Henry Harrison fue la primera en beneficiarse enormemente de la música, después de lo cual se convirtió en una práctica estándar para los principales candidatos utilizar canciones para crear entusiasmo público. En décadas más recientes, los políticos a menudo eligieron temas musicales , algunos de los cuales se han vuelto icónicos; la canción "Happy Days Are Here Again", por ejemplo, se ha asociado con el Partido Demócrata desde la campaña de 1932 de Franklin D. Roosevelt. Sin embargo, desde la década de 1950, la música ha perdido importancia en la política, reemplazada por campañas televisivas con poca o ninguna música. Ciertas formas de música se asociaron más estrechamente con la protesta política, especialmente en la década de 1960. Estrellas del evangelio como Mahalia Jackson se convirtieron en figuras importantes del Movimiento de Derechos Civiles , mientras que el resurgimiento del folk estadounidense ayudó a difundir la contracultura de la década de 1960 y la oposición a la Guerra de Vietnam . [149]
Industria y economía [ editar ]
Estados Unidos tiene el mercado musical más grande del mundo con un valor minorista total de 4.900 millones de dólares en 2014, [150] La industria musical estadounidense incluye varios campos, que van desde compañías discográficas hasta estaciones de radio y orquestas comunitarias. Los ingresos totales de la industria son alrededor de $ 40 mil millones en todo el mundo y alrededor de $ 12 mil millones en los Estados Unidos. [151] La mayoría de las principales compañías discográficas del mundo tienen su sede en los Estados Unidos; están representados por la Recording Industry Association of America (RIAA). Las principales compañías discográficas producen material de artistas que han firmado con uno de sus sellos discográficos , una marcaa menudo asociado con un género o productor de discos en particular . Las compañías discográficas también pueden promover y comercializar a sus artistas a través de publicidad, actuaciones públicas y conciertos, y apariciones en televisión. Las compañías discográficas pueden estar afiliadas a otras compañías de medios musicales, que producen un producto relacionado con la música grabada popular. Estos incluyen canales de televisión como MTV , revistas como Rolling Stone y estaciones de radio. En los últimos años, la industria de la música se ha visto envuelta en una confusión por el aumento de la descarga de música con derechos de autor por Internet ; Muchos músicos y la RIAA han buscado castigar a los fanáticos que descargan ilegalmente música con derechos de autor. [152]
Las estaciones de radio en los Estados Unidos a menudo transmiten música popular. Cada estación de música tiene un formato o una categoría de canciones para reproducir; estos son generalmente similares pero no iguales a la clasificación genérica ordinaria. Muchas estaciones de radio en los Estados Unidos son de propiedad y operación local, y pueden ofrecer una variedad ecléctica de grabaciones; muchas otras estaciones son propiedad de grandes compañías como Clear Channel , y generalmente están formateadas en listas de reproducción más pequeñas y repetitivas . Las ventas comerciales de grabaciones son seguidas por la revista Billboard , que compila una serie de listas de música para varios campos de ventas de música grabada. El Billboard Hot 100 es el topchart de música pop para solteros , una grabación que consta de un puñado de canciones; Las grabaciones de pop más largas son álbumes , y son rastreadas por Billboard 200 . [153] Aunque la música grabada es algo común en los hogares estadounidenses, muchos de los ingresos de la industria de la música provienen de un pequeño número de devotos; por ejemplo, el 62% de las ventas de álbumes provienen de menos del 25% de la audiencia que compra música. [154] Las ventas totales de CD en los Estados Unidos superaron los 705 millones de unidades vendidas en 2005, y las ventas de singles poco menos de tres millones. [155]
Aunque las principales compañías discográficas dominan la industria musical estadounidense, existe una industria musical independiente ( música indie ). La mayoría de los sellos discográficos independientes tienen una distribución minorista limitada, si es que la hay, fuera de una región pequeña. Los artistas a veces graban para un sello independiente y obtienen elogios suficientes como para firmar un contrato con un sello importante; otros optan por permanecer en un sello independiente durante toda su carrera. La música indie puede tener estilos generalmente similares a la música convencional, pero a menudo es inaccesible, inusual o poco atractiva para muchas personas. Los músicos independientes a menudo lanzan algunas o todas sus canciones a través de Internet para que los fans y otras personas las descarguen y escuchen. [152]Además de los artistas de grabación de muchos tipos, existen numerosos campos de la musicalidad profesional en los Estados Unidos, muchos de los cuales rara vez graban, incluidas orquestas comunitarias, cantantes y bandas de bodas, cantantes de salón y DJ de clubes nocturnos. La Federación Estadounidense de Músicos es el sindicato estadounidense más grande de músicos profesionales. Sin embargo, solo el 15% de los miembros de la Federación tienen un empleo estable en la música. [156]
Educación y becas [ editar ]
La música es una parte importante de la educación en los Estados Unidos y es parte de la mayoría o de todos los sistemas escolares del país. La educación musical es generalmente obligatoria en las escuelas primarias públicas y es una electiva en años posteriores. [157]
El estudio académico de la música en los Estados Unidos incluye trabajos que relacionan la música con la clase social, la identidad racial, étnica y religiosa, el género y la sexualidad, así como estudios de historia de la música, musicología y otros temas. El estudio académico de la música estadounidense se remonta a finales del siglo XIX, cuando investigadores como Alice Fletcher y Francis La Flesche estudiaron la música de los pueblos de Omaha , trabajando para la Oficina de Etnología Estadounidense y el Museo Peabody de Arqueología y Etnología . En la década de 1890 y principios del siglo XX, se realizaron grabaciones musicológicas entre los pueblos indígenas, hispanos, afroamericanos y angloamericanos de los Estados Unidos. Muchos trabajaron para elBiblioteca del Congreso , primero bajo el liderazgo de Oscar Sonneck , jefe de las Divisiones de Música de la Biblioteca. [158] Estos investigadores incluyeron a Robert W. Gordon, fundador del Archive of American Folk Song , y John y Alan Lomax ; Alan Lomax fue el más destacado de varios coleccionistas de canciones populares que ayudaron a inspirar el renacimiento de las raíces de la cultura popular estadounidense en el siglo XX . [159]
El análisis académico de principios del siglo XX de la música estadounidense tendía a interpretar las tradiciones clásicas derivadas de Europa como las más dignas de estudio, con las músicas populares, religiosas y tradicionales de la gente común denigradas como de clase baja y de escaso valor artístico o social. La historia de la música estadounidense se comparó con el registro histórico mucho más extenso de las naciones europeas, y los escritores principales como el compositor Arthur Farwell, como el compositor Arthur Farwell, no pudieron reflexionar sobre los tipos de tradiciones musicales que podrían surgir de la cultura estadounidense, en su Música en América de 1915 . En 1930, John Tasker Howard 's Nuestra música americana se convirtió en un análisis estándar, se centra en gran medida en el concierto de música compuesta en los Estados Unidos. [160]Desde el análisis del musicólogo Charles Seeger a mediados del siglo XX, la historia de la música estadounidense a menudo se ha descrito como íntimamente relacionada con las percepciones de raza y ascendencia. Bajo este punto de vista, los diversos antecedentes raciales y étnicos de los Estados Unidos han promovido un sentido de separación musical entre las razas, al mismo tiempo que fomenta la aculturación constante, ya que los elementos de las músicas europeas, africanas e indígenas se han desplazado de un campo a otro. [158] Gilbert Chase, 's de música de Estados Unidos, a partir de los peregrinos hasta la actualidad, fue el primer trabajo importante en examinar la música de todo Estados Unidos y reconocer las tradiciones populares como más importantes culturalmente que la música para la sala de conciertos. El análisis de Chase de una identidad musical estadounidense diversa ha seguido siendo la visión dominante entre el sistema académico. [160] Hasta las décadas de 1960 y 1970, sin embargo, la mayoría de los eruditos musicales en los Estados Unidos continuaron estudiando la música europea, limitándose solo a ciertos campos de la música estadounidense, especialmente los estilos clásicos y operísticos de origen europeo y, a veces, el jazz afroamericano. Los musicólogos y etnomusicólogos más modernos han estudiado temas que van desde la identidad musical nacional hasta los estilos y técnicas individuales de comunidades específicas en un momento particular de la historia estadounidense. [158]Entre los estudios recientes más destacados de la música estadounidense se incluyen Music in the New World, de Charles Hamm , de 1983, y America's Musical Life, de Richard Crawford , de 2001. [161]
Fiestas y festivales [ editar ]
| "Jingle Bells" Canción de vacaciones seculares "Oh noche santa" Canción religiosa de Navidad |
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La música es una parte importante de varias fiestas estadounidenses, especialmente jugando un papel importante en la celebración invernal de la Navidad . La música de la festividad incluye tanto canciones religiosas como " O Holy Night " y canciones seculares como " Jingle Bells ". Las canciones patrióticas como el himno nacional, " The Star-Spangled Banner ", son una parte importante de las celebraciones del Día de la Independencia . La música también juega un papel en muchos días festivos regionales que no se celebran en todo el país, el más famoso es el Mardi Gras , un desfile y festival de música y baile en Nueva Orleans, Louisiana .
Estados Unidos es el hogar de numerosos festivales de música , que exhiben estilos que van desde el blues y el jazz hasta el indie rock y el heavy metal. Algunos festivales de música tienen un alcance estrictamente local e incluyen pocos o ningún artista con reputación nacional, y generalmente son operados por promotores locales. Las grandes compañías discográficas operan sus propios festivales de música, como Lollapalooza y Ozzfest , que atraen a grandes multitudes.
Ver también [ editar ]
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- Historia de la música de los Estados Unidos en la década de 1960
- Historia de la música de los Estados Unidos en la década de 1970
- Historia de la música de los Estados Unidos en la década de 1980
- Historia musical de los Estados Unidos en la década de 1990
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Lectura adicional [ editar ]
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- "Artes escénicas, Música" . Colecciones de la Biblioteca del Congreso .
Enlaces externos [ editar ]
 | Wikimedia Commons tiene medios relacionados con la Música de los Estados Unidos . |
 | Wikiquote tiene citas relacionadas con: Música de los Estados Unidos |
- Clips de audio: Música tradicional de los Estados Unidos. Musée d'Ethnographie de Genève . Consultado el 25 de noviembre de 2010. (en francés)
- Gremio Americano de Música
- Encuesta Essential American Recordings
- Asociación de editores de música
- Asociación de Bibliotecas de Música
- Los mejores artistas de la música hip hop estadounidense
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