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The Black Crook fue un éxito musical en 1866. [1]

El teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogo hablado , actuación y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo , amor, ira) se comunican a través de palabras, música, movimiento y aspectos técnicos del entretenimiento como un todo integrado. Aunque el teatro musical se solapa con otras formas teatrales como la ópera y la danza, se puede distinguir por la igual importancia que se le da a la música en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos. Desde principios del siglo XX, las obras escénicas de teatro musical se han denominado generalmente, simplemente, musicales .

Aunque la música ha sido parte de presentaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical occidental moderno surgió durante el siglo XIX, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las de Harrigan y Hart en Estados Unidos. Estos fueron seguidos por las numerosas comedias musicales eduardianas y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a principios del siglo XX. Los musicales de Princess Theatre (1915-1918) y otros espectáculos inteligentes como Of Thee I Sing (1931) fueron pasos artísticos más allá de las revistas.y otros espumosos entretenimientos de principios del siglo XX y llevaron a obras innovadoras como Show Boat (1927) y Oklahoma. (1943). Algunos de los musicales más famosos de las décadas siguientes incluyen West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), El fantasma de la ópera (1986). ), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) y Hamilton (2015).

Los musicales se realizan en todo el mundo. Pueden presentarse en lugares grandes, como producciones de gran presupuesto de Broadway o West End en la ciudad de Nueva York o Londres. Alternativamente, los musicales pueden representarse en lugares más pequeños, como teatro marginal , Off-Broadway , Off-Off-Broadway , teatro regional o producciones de teatro comunitario , o en giras . Los musicales suelen ser presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. Además de Estados Unidos y Gran Bretaña, hay vibrantes escenas de teatro musical en Europa continental, Asia, Australasia, Canadá y América del Sur.

Definiciones y alcance [ editar ]

Libros musicales [ editar ]

A Gaiety Girl (1893) fue uno de los primeros musicales de éxito

Desde el siglo XX, el "libro musical" se ha definido como una obra musical en la que canciones y bailes se integran completamente en una historia bien hecha con serios objetivos dramáticos que es capaz de evocar emociones genuinas distintas de la risa. [2] [3] Los tres componentes principales de un libro musical son su música , letra y libro . El libro o el guión de un musical se refiere a la historia, el desarrollo del personaje y la estructura dramática, incluido el diálogo hablado y las direcciones escénicas, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, que a veces se denominan libreto (en italiano " Libro pequeño"). La música y la letra juntas forman la partiturade un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son "secuencias teatrales con música, que a menudo combinan canciones con diálogos hablados". [4] La interpretación de un musical es responsabilidad de su equipo creativo, que incluye un director , un director musical , generalmente un coreógrafo y, a veces, un orquestador . La producción de un musical también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos, como la escenografía , el vestuario , las propiedades del escenario (utilería) , la iluminación y el sonido.. El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones generalmente cambian de la producción original a las producciones posteriores. Sin embargo, algunos elementos de producción pueden conservarse de la producción original, por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago .

No hay una duración fija para un musical. Si bien puede variar desde un entretenimiento breve de un acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales duran desde una hora y media hasta tres horas. Los musicales suelen presentarse en dos actos, con un breve intermedio., y el primer acto suele ser más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayor parte de la música y, a menudo, termina con la introducción de un conflicto dramático o una complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede presentar algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto. o complicación. Un libro musical generalmente se construye alrededor de cuatro a seis temas principales que se repiten más adelante en el programa, aunque a veces consta de una serie de canciones que no están directamente relacionadas musicalmente. El diálogo hablado generalmente se entremezcla entre números musicales, aunque se puede usar "diálogo cantado" o recitativo , especialmente en los llamados musicales " cantados " como Jesucristo Superstar ,Falsettos , Les Misérables , Evita y Hamilton . Varios musicales más cortos en Broadway y en el West End se han presentado en un acto en las últimas décadas.

Los momentos de mayor intensidad dramática en un libro musical a menudo se interpretan en forma de canción. Proverbialmente, "cuando la emoción se vuelve demasiado fuerte para hablar, cantas; cuando se vuelve demasiado fuerte para cantar, bailas". [5] En un libro musical, una canción está idealmente diseñada para adaptarse al personaje (o personajes) y su situación dentro de la historia; aunque ha habido momentos en la historia del musical (por ejemplo, desde la década de 1890 hasta la de 1920) en que esta integración entre la música y la historia ha sido tenue. Como describió el crítico de The New York Times , Ben Brantley, el ideal de la canción en el teatro al revisar el resurgimiento de Gypsy en 2008: "No hay ninguna separación entre la canción y el personaje, que es lo que sucede en esos momentos poco comunes en los que los musicales alcanzan sus razones ideales para ser". [6] Normalmente, en una canción de cinco minutos se cantan muchas menos palabras que en un bloque de diálogo de cinco minutos. Por tanto, hay menos tiempo para desarrollar el drama en un musical que en una obra de teatro de longitud equivalente, ya que un musical suele dedicar más tiempo a la música que al diálogo. Dentro de la naturaleza comprimida de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.

El material presentado en un musical puede ser original, o puede ser adaptado de novelas ( Wicked y Man of La Mancha ), obras de teatro ( Hello, Dolly! Y Carousel ), leyendas clásicas ( Camelot ), hechos históricos ( Evita ) o películas ( Los productores y Billy Elliot ). Por otro lado, muchas obras de teatro musical exitosas se han adaptado para películas musicales , como West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , ¡Oliver! y Chicago .

Comparaciones con la ópera [ editar ]

George Gershwin

El teatro musical está estrechamente relacionado con la forma teatral de la ópera , pero las dos se distinguen generalmente por sopesar una serie de factores. Primero, los musicales generalmente tienen un mayor enfoque en el diálogo hablado. Algunos musicales, sin embargo, están completamente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como Die Zauberflöte , y la mayoría de las operetas , tienen algunos diálogos sin acompañamiento. En segundo lugar, los musicales también suelen incluir más baile como parte esencial de la narración, en particular por parte de los intérpretes principales y del coro. En tercer lugar, los musicales suelen utilizar varios géneros de música popular o al menos cantos y estilos musicales populares. [7]

Por último, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se realiza en el idioma de su audiencia. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, se cantan invariablemente en inglés, incluso si fueron escritos originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es principalmente cantante y solo secundariamente actor (y rara vez necesita bailar), un intérprete de teatro musical suele ser primero actor, pero también debe ser cantante y bailarín. Alguien que se desempeña igualmente en los tres se conoce como una "triple amenaza". Los compositores de música para musicales a menudo consideran las demandas vocales de los roles teniendo en cuenta a los intérpretes de teatro musical. Hoy en día, los grandes teatros que presentan musicales generalmente usan micrófonos y amplificación.de las voces cantadas de los actores de una manera que generalmente sería desaprobada en un contexto operístico. [8]

Algunas obras (por ejemplo, de George Gershwin , Leonard Bernstein y Stephen Sondheim ) se han convertido en producciones tanto de "teatro musical" como de "ópera". [9] [10] De manera similar, algunas operetas antiguas u óperas ligeras (como The Pirates of Penzance de Gilbert y Sullivan ) se han producido en adaptaciones modernas que las tratan como musicales. Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra para definir en qué forma de arte cae la obra. [11]Sondheim dijo: "Realmente creo que cuando algo toca en Broadway es un musical, y cuando toca en un teatro de ópera es ópera. Eso es todo. Es el terreno, el campo, las expectativas de la audiencia lo que hace que sea una cosa u otra. " [12] Sigue habiendo una superposición en la forma entre formas operísticas más ligeras y musicales más complejos o ambiciosos musicalmente. En la práctica, a menudo es difícil distinguir entre los diversos tipos de teatro musical, incluidos "teatro musical", "comedia musical", "opereta" y "ópera ligera". [13]

Al igual que la ópera, el canto en el teatro musical generalmente está acompañado por un conjunto instrumental llamado orquesta de foso , ubicado en un área baja frente al escenario. Si bien la ópera generalmente usa una orquesta sinfónica convencional , los musicales generalmente están orquestados para conjuntos que van desde 27 jugadores hasta solo unos pocos . Los musicales de rock generalmente emplean un pequeño grupo de instrumentos principalmente de rock , [14] y algunos musicales pueden requerir solo un piano o dos instrumentos. [15] La música en musicales utiliza una variedad de "estilos e influencias que incluyen opereta , técnicas clásicas, música folclórica, jazz [y] estilos locales o históricos [que] sean apropiados para el escenario ". [4] Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que" entreteje extractos de las famosas melodías de la partitura ". [16]

Tradiciones orientales y otras formas [ editar ]

Intérpretes de ópera china

Hay varias tradiciones orientales de teatro que incluyen música, como la ópera china , la ópera taiwanesa , el Noh japonés y el teatro musical indio , incluido el teatro en sánscrito , la danza clásica india , el teatro Parsi y Yakshagana . [17] India, desde el siglo XX, ha producido numerosas películas musicales, conocidas como musicales de " Bollywood ", y en Japón se ha desarrollado una serie de musicales 2.5D basados ​​en cómics populares de anime y manga en las últimas décadas.

Las escuelas y los grupos de jóvenes tienen a su disposición versiones más breves o simplificadas "juveniles" de muchos musicales, y las obras muy breves creadas o adaptadas para que los niños las interpreten a veces se denominan minimusicales . [18] [19]

Historia [ editar ]

Antecedentes tempranos del teatro musical [ editar ]

Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia , donde la música y la danza se incluyeron en las comedias y tragedias teatrales durante el siglo V a. C. [20] Sin embargo, la música de las formas antiguas se pierde y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. [21] En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaron la liturgia . Los grupos de actores usarían vagones de concurso al aire libre (escenarios sobre ruedas) para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas se alternan a veces con los diálogos en prosa y los cantos litúrgicos dan paso a nuevas melodías. [22]

Una vista de Rodas por John Webb , para ser pintado en una contraventana para la primera representación de El asedio de Rodas (1856)

El Renacimiento europeo vio las formas más antiguas evolucionar hacia dos antecedentes del teatro musical: la commedia dell'arte , donde payasos estridentes improvisaron historias familiares, y más tarde, la ópera buffa . En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobeas con frecuencia incluían música, [23] y las obras musicales breves comenzaron a incluirse en los entretenimientos dramáticos de las noches. [24] Las máscaras de la corte se desarrollaron durante el período Tudor que incluían música, baile, canto y actuación, a menudo con trajes costosos y un diseño escénico complejo . [25] [26]Estos se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, la primera generalmente se considera El asedio de Rodas (1656). [27] En Francia, mientras tanto, Molière convirtió varias de sus comedias absurdas en entretenimientos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully ) y danza a finales del siglo XVII. Estos influyeron en un breve período de la ópera inglesa [28] de compositores como John Blow [29] y Henry Purcell . [27]

Desde el siglo 18, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron Balada óperas , como John Gay 's ópera del mendigo , que incluía letras escritas al ritmo de canciones populares del día (a menudo spoofing ópera), y más tarde la pantomima , que se desarrolló a partir de la comedia del arte, y la ópera cómica con líneas de trama sobre todo románticas, como Michael Balfe 's The Bohemian chicas (1845). Mientras tanto, en el continente iban surgiendo singspiel , comédie en vodevil , opéra comique , zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero.The Beggar's Opera fue la primera obra de teatro de larga duración registrada de cualquier tipo, con 62 representaciones sucesivas en 1728. Pasaría casi un siglo antes de que cualquier obra superara las 100 representaciones, pero el récord pronto llegó a 150 a fines de la década de 1820. [30] Otras formas de teatro musical se desarrollaron en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall , el melodrama y la burletta , que se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo como music hall y no se les permitía presentar obras sin música.

La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias dirigidas por su hermano Lewis . [31] En Nueva York, en el verano de 1753, interpretaron óperas de baladas, como The Beggar's Opera , y baladas-farsas. [31] En la década de 1840, PT Barnum operaba un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. [32] Otro teatro musical temprano en Estados Unidos consistía en formas británicas, como burletta y pantomima, [21] pero cómo se llamaba una pieza no necesariamente definía lo que era. La extravagancia de Broadway de 1852 The Magic Deerse anunciaba a sí mismo como "Un cuento de encantamiento histórico extravaganzical burletical extravaganzical Serio Comico Tragico Operatical". [33] El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad a Midtown desde alrededor de 1850, y no llegó al área de Times Square hasta las décadas de 1920 y 1930. Las carreras de Nueva York quedaron muy por detrás de las de Londres, pero la "burletta musical" de Laura Keene Seven Sisters (1860) rompió el récord anterior de teatro musical de Nueva York, con una serie de 253 representaciones. [34]

De 1850 a 1880 [ editar ]

Póster, c. 1879

Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llamó opérette . [35] Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach desde la década de 1850 hasta la de 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. [21] Las fértiles melodías de Offenbach, combinadas con la ingeniosa sátira de sus libretistas, formaron un modelo para el teatro musical que siguió. [35] Adaptaciones de las operetas francesas (interpretadas en su mayoría en malas y atrevidas traducciones), burlescos musicales , music hall, pantomima y burletta dominaron el escenario musical de Londres hasta la década de 1870. [36]

En Estados Unidos, los entretenimientos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluyeron revistas de variedades crudas , que eventualmente se convirtieron en vodevil , espectáculos de juglares , que pronto cruzaron el Atlántico hacia Gran Bretaña, y burlesque victoriano, popularizado por primera vez en los Estados Unidos por compañías británicas. [21] Un musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook , fue una pieza de teatro musical original que se ajustaba a muchas de las definiciones modernas de un musical, incluida la danza y la música original que ayudó a contar la historia. La espectacular producción, famosa por su escaso vestuario, tuvo un récord de 474 presentaciones. [37] El mismo año,The Black Domino / Between You, Me and the Post fue el primer programa en llamarse a sí mismo una "comedia musical". Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1885. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomadas de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representaron un importante paso hacia una más forma teatral legítima . Protagonizaron cantantes de alta calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ) en lugar de las damas de reputación cuestionable que habían protagonizado formas musicales anteriores.

A medida que el transporte mejoró, la pobreza en Londres y Nueva York disminuyó y el alumbrado público hizo que los viajes nocturnos fueran más seguros, el número de clientes para el creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras duraron más, lo que generó mejores ganancias y mejores valores de producción, y los hombres comenzaron a llevar a sus familias al teatro. La primera obra de teatro musical en superar las 500 representaciones consecutivas fue la opereta francesa The Chimes of Normandy en 1878. [30] La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas exitosas de la opereta europea, ninguna con más éxito que la serie de más de una docena de largos ejecutando óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , incluyendo HMS Pinafore (1878) y The Mikado(1885). [35] Estas fueron sensaciones en ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el estándar de lo que se consideró un espectáculo exitoso. [38] Estos espectáculos fueron diseñados para audiencias familiares, un marcado contraste con los burlescos subidos de tono, los espectáculos de music hall obscenos y las operetas francesas que a veces atraían a una multitud que buscaba un entretenimiento menos saludable. [36] Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la carrera de El Mikado , como Dorothy , que se inauguró en 1886 y estableció un nuevo récord con una serie de 931 actuaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" los musicales para que la letra y el diálogo avanzaran en una historia coherente.[39] [40] Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña [41] [42] y Estados Unidos. [38] [43]

De 1890 al nuevo siglo [ editar ]

Cubierta de la Vocal Score de Sidney Jones ' La Geisha

A Trip to Chinatown (1891) fue el campeón a largo plazo de Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 funciones, pero las carreras de Nueva York continuaron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las carreras de Londres, hasta la década de 1920. [30] Gilbert y Sullivan fueron tanto pirateada e imitado en Nueva York por producciones como Reginald De Koven 's Robin Hood (1891) y John Philip Sousa ' s El Capitán (1896). A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical enteramente producida e interpretada por afroamericanos en Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares ), seguida deprogramas con tintes ragtime . Cientos de comedias musicales se representaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo XX, compuestas por canciones escritas en Tin Pan Alley de Nueva York , incluidas las de George M. Cohan , quien trabajó para crear un estilo estadounidense distinto de las obras de Gilbert y Sullivan. Los espectáculos de Nueva York más exitosos fueron seguidos a menudo por extensas giras nacionales. [44]

Mientras tanto, los musicales se apoderaron del escenario londinense en los años noventa gay , liderados por el productor George Edwardes , quien percibió que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo de Saboya y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical de vestimenta moderna y familiar, con canciones populares y divertidas, bromas románticas y ágiles y un espectáculo elegante en el Gaiety y sus otros teatros. Estos se basaron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos del burlesque y de las piezas de Harrigan y Hart. Reemplazó a las mujeres obscenas del burlesque con su cuerpo "respetable" de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito del primero de ellos,In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893) marcaron el estilo para las próximas tres décadas. Las tramas eran generalmente programas ligeros y románticos de "la pobre doncella ama al aristócrata y lo gana contra viento y marea", con música de Ivan Caryll , Sidney Jones y Lionel Monckton . Estos espectáculos fueron inmediatamente copiados en Estados Unidos, y la comedia musical eduardiana barrió con las formas musicales anteriores de la ópera cómica y la opereta. La Geisha (1896) fue una de las más exitosas de la década de 1890, duró más de dos años y logró un gran éxito internacional.

The Belle of New York (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense en presentarse durante más de un año en Londres. La comedia musical británica Florodora (1899) fue un éxito popular en ambos lados del Atlántico, al igual que A Chinese Honeymoon (1901), que tuvo un récord de 1.074 actuaciones en Londres y 376 en Nueva York. Después del cambio de siglo XX, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de programas populares. Otros éxitos perdurables de la comedia musical eduardiana incluyeron The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910). [45]

Principios del siglo XX [ editar ]

Víctor Herbert

Prácticamente eliminadas del escenario de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con The Merry Widow , y las adaptaciones de operetas continentales se convirtieron en competidores directos de los musicales. Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial. [46] En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de duraderas operetas, como The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), El molino rojo (1906) y Naughty Marietta (1910).

En la década de 1910, el equipo de PG Wodehouse , Guy Bolton y Jerome Kern , siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan , creó los " espectáculos de Princess Theatre " y allanó el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podía combinar luz, música popular entretenimiento con continuidad entre su historia y canciones. [39] El historiador Gerald Bordman escribió:

Estos espectáculos construyeron y pulieron el molde del que evolucionaron casi todas las grandes comedias musicales posteriores. ... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles y el humor provenía de las situaciones o la naturaleza de los personajes. Las melodías exquisitamente fluidas de Kern se emplearon para promover la acción o desarrollar la caracterización. ... La comedia musical [eduardiana] era a menudo culpable de insertar canciones de manera impredecible. Los musicales de Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el letrista más observador, letrado e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se sintió hasta el día de hoy. [47]

El público que iba al teatro necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial , y acudieron en masa al teatro. El exitoso musical de 1919 Irene tuvo 670 representaciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta 1938. [48] El público del teatro británico apoyó presentaciones mucho más largas como la de The Maid of the Mountains (1.352 representaciones) y especialmente Chu Chin Chow . Su racha de 2.238 actuaciones fue más del doble que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años. [49] Revistas como The Bing Boys están aquí en Gran Bretaña y las de Florenz Ziegfeldy sus imitadores en América, también fueron extraordinariamente populares. [33]

Partitura de Sally , 1920

Los musicales de los locos años veinte , tomados del vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar las grandes rutinas de baile y las canciones populares a expensas de la trama. Típicas de la década fueron las producciones alegres como Sally , Lady, Be Good , No, No, Nanette , ¡Oh, Kay! y cara divertida . A pesar de historias olvidables, estos musicales contaron con estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares perdurables de Kern, George e Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porter.y Rodgers y Hart . La música popular estuvo dominada por los estándares del teatro musical, como " Ritmo fascinante ", " Té para dos " y " Alguien que me vigile ". Muchos programas eran revistas , series de bocetos y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Las más conocidas fueron las Ziegfeld Follies anuales , espectaculares revistas de canciones y bailes en Broadway con decorados extravagantes, disfraces elaborados y hermosas coristas. [21] Estos espectáculos también elevaron los valores de producción, y montar un musical en general se volvió más caro. [33] Shuffle Along (1921), un afroamericanoespectáculo fue un éxito en Broadway. [50] También surgió una nueva generación de compositores de operetas en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg , para crear una serie de éxitos populares de Broadway. [51]

En Londres, escritores-estrellas como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, como Kern y otros compositores de Tin Pan Alley. comenzó a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz a los teatros, y los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway. Andrew Lamb, escritor de teatro musicalseñala, "Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más adecuado a la sociedad del siglo XX y su idioma vernáculo. Fue de América donde surgió el estilo más directo, y en América que fue capaz de florecer en una sociedad en desarrollo menos atada a la tradición del siglo XIX ". [52] En Francia, la comédie musicale se escribió en las primeras décadas del siglo para estrellas como Yvonne Printemps . [53]

Show Boat y la Gran Depresión [ editar ]

Progresando mucho más allá de los musicales comparativamente frívolos y las operetas sentimentales de la década, Broadway's Show Boat (1927), representó una integración aún más completa del libro y la partitura que los musicales del Princess Theatre, con temas dramáticos contados a través de la música, el diálogo, el escenario y el movimiento. . Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el hábil libreto de Oscar Hammerstein II . Un historiador escribió: "Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical a diferencia de la comedia musical. Ahora ... todo lo demás estaba subordinado a esa obra. Ahora ... llegó la integración completa de la canción, el humor y los números de producción en una entidad artística única e inextricable ". [54]

Rodgers y Hart

A medida que se acercaba la Gran Depresión durante la gira nacional de Show Boat posterior a Broadway , el público volvió al entretenimiento en su mayoría ligero y escapista de canciones y bailes. [47] Las audiencias de ambos lados del Atlántico tenían poco dinero para gastar en entretenimiento, y solo unos pocos espectáculos en cualquier lugar superaron las 500 representaciones durante la década. La revista The Band Wagon (1931) fue protagonizada por los socios de baile Fred Astaire y su hermana Adele , mientras que Anything Goes (1934) de Porter confirmó la posición de Ethel Merman como Primera Dama del teatro musical, título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron ofreciendo musicales sentimentales pasados ​​de moda, comoThe Dancing Years , mientras Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos de Broadway, incluido On Your Toes (1936, con Ray Bolger , el primer musical de Broadway en hacer un uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y Los muchachos de Siracusa (1938). Porter añadió DuBarry Was a Lady (1939). La obra de teatro musical de más larga duración de la década de 1930 fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que representó 1.404 funciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway. [48]

Aún así, algunos equipos creativos comenzaron a basarse en las innovaciones de Show Boat . Of Thee I Sing (1931), una sátira política de los Gershwin, fue el primer musical que recibió el premio Pulitzer . [21] [55] As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o boceto se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway en el que actuó una afroamericana, Ethel Waters junto a actores blancos. Los números de Waters incluyeron " Supper Time ", el lamento de una mujer por su esposo que ha sido linchado. [56] Los Gershwins' Porgy y Bess (1935) contó con un elenco totalmente afroamericano y una mezcla de modismos de ópera, folk y jazz. The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles , fue una pieza altamente política sindical que, a pesar de la controversia que la rodea, tuvo 108 funciones. [33] Rather Be Right (1937), de Rodgers y Hart, fue una sátira política con George M. Cohan como presidente Franklin D. Roosevelt , y Knickerbocker Holiday , de Kurt Weill , describió la historia temprana de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba afablemente la de Roosevelt. buenas intenciones.

La película representó un desafío para el escenario. Las películas mudas habían presentado una competencia limitada, pero a fines de la década de 1920, películas como The Jazz Singer podían presentarse con sonido sincronizado. Las películas "talkie" a bajo precio acabaron efectivamente con el vodevil a principios de la década de 1930. [57] A pesar de los problemas económicos de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, continuó evolucionando temáticamente más allá de los musicales gags y showgirls de los años noventa gay y los locos años veinte y el romance sentimental de la opereta, agregando experiencia técnica y la puesta en escena de ritmo rápido y estilo de diálogo naturalista dirigido por el director George Abbott.. [21]

La Edad de Oro (1940 a 1960) [ editar ]

Rodgers y Hammerstein (izquierda y derecha) e Irving Berlin (centro)

Década de 1940 [ editar ]

La década de 1940 comenzaría con más éxitos de Porter, Irving Berlin , Rodgers y Hart, Weill y Gershwin, algunos con más de 500 presentaciones a medida que la economía se recuperaba, pero el cambio artístico estaba en el aire.

¡ Oklahoma de Rodgers y Hammerstein ! (1943) completó la revolución iniciada por Show Boat , integrando estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con una trama cohesiva, canciones que fomentaron la acción de la historia y contó con ballets de ensueño y otros bailes que avanzaron la trama y desarrollaron los personajes. , en lugar de usar la danza como excusa para hacer desfilar a mujeres escasamente vestidas por el escenario. [3] Rodgers y Hammerstein contrataron a la coreógrafa de ballet Agnes de Mille , quien utilizó movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus ideas. Desafió las convenciones musicales al levantar el telón de su primer acto no sobre un grupo de coristas, sino sobre una mujer batiendo mantequilla, con una voz fuera del escenario cantando las primeras líneas deOh, qué hermosa mañana sin compañía. Recibió críticas entusiastas, desató un frenesí de taquilla y recibió un premio Pulitzer . [58] Brooks Atkinson escribió en The New York Times que el número de apertura del programa cambió la historia del teatro musical: "Después de un verso como ese, cantado con una melodía alegre, las banalidades del antiguo escenario musical se volvieron intolerables". [59] Fue el primer espectáculo de Broadway "superventas", con un total de 2212 funciones, y se convirtió en una película de éxito. Sigue siendo uno de los proyectos del equipo producidos con mayor frecuencia. William A. Everett y Paul R. Laird escribieron que se trataba de un "espectáculo, que, como Show Boat, se convirtió en un hito, de modo que los historiadores posteriores que escribieron sobre momentos importantes del teatro del siglo XX comenzarían a identificar eras de acuerdo con su relación con Oklahoma. " [60]

"Después de Oklahoma ! , Rodgers y Hammerstein fueron los contribuyentes más importantes a la forma de juego musical ... Los ejemplos que dieron al crear obras de teatro vitales, a menudo ricas en pensamiento social, proporcionaron el estímulo necesario para que otros escritores talentosos crearan obras musicales de los suyos ". [54] Los dos colaboradores crearon una colección extraordinaria de algunos de los clásicos más queridos y perdurables del teatro musical, incluidos Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) y The Sound of Music (1959). Algunos de estos musicales tratan temas más serios que la mayoría de los programas anteriores: ¡el villano de Oklahoma!es un presunto asesino y psicópata aficionado a las postales lascivas; Carrusel trata sobre el abuso conyugal, el robo, el suicidio y el más allá; South Pacific explora el mestizaje incluso más a fondo que Show Boat ; y el héroe del Rey y yo morimos en el escenario.

La creatividad del espectáculo estimuló a los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein y marcó el comienzo de la "Edad de Oro" del teatro musical estadounidense. [59] Americana se exhibió en Broadway durante la "Edad de Oro", cuando comenzó a llegar el ciclo de espectáculos durante la guerra. Un ejemplo de esto es On the Town (1944), escrito por Betty Comden y Adolph Green , compuesto por Leonard Bernstein y coreografiado por Jerome Robbins . La historia se desarrolla durante la guerra y se trata de tres marineros que se encuentran en una licencia en tierra de 24 horas en la ciudad de Nueva York, durante la cual cada uno se enamora. El espectáculo también da la impresión de un país con un futuro incierto, como también lo tienen los marineros y sus mujeres. Irving Berlínutilizó la carrera de la francotiradora Annie Oakley como base para su Annie Get Your Gun (1946, 1.147 actuaciones); Burton Lane , EY Harburg y Fred Saidy combinaron la sátira política con la fantasía irlandesa para su fantasía Finian's Rainbow (1947, 725 representaciones); y Cole Porter se inspiró en William Shakespeare 's La fierecilla domada para Kiss Me, Kate (1948, 1.077 actuaciones). Los musicales estadounidenses abrumaron a los anticuados espectáculos de estilo británico Coward / Novello, uno de cuyos últimos grandes éxitos fue Perchance to Dream de Novello.(1945, 1.021 representaciones). La fórmula de los musicales de la Edad de Oro reflejaba una o más de las cuatro percepciones ampliamente aceptadas del "sueño americano": que la estabilidad y el valor se derivan de una relación de amor sancionada y restringida por los ideales protestantes del matrimonio; que una pareja casada debería tener un hogar moral con niños fuera de la ciudad en un suburbio o pueblo pequeño; que la función de la mujer era la de ama de casa y madre; y que los estadounidenses incorporen un espíritu pionero e independiente o que su éxito sea hecho por ellos mismos. [61]

Década de 1950 [ editar ]

Julie Andrews

La década de 1950 fue crucial para el desarrollo del musical estadounidense. [62] Damon Runyon 'caracteres ecléctico s estaban en el núcleo de Frank Loesser 's y Abe Burrows ' individuos y las muñecas (1.200 actuaciones 1950,),; y la fiebre del oro fue el escenario de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe Es La leyenda (1951). La relativamente breve, de siete meses de ejecución de ese programa no desanimó a Lerner y Loewe de colaborar de nuevo, esta vez en My Fair Lady (1956), una adaptación de George Bernard Shaw 's Pigmalión protagonizadaRex Harrison y Julie Andrews , que con 2.717 actuaciones ostentaron el récord a largo plazo durante muchos años. De todos estos musicales se hicieron películas populares de Hollywood. Esto superó la racha de dos éxitos de los creadores británicos: The Boy Friend (1954), que tuvo 2.078 funciones en Londres y marcó el debut estadounidense de Andrews, fue brevemente el tercer musical de mayor duración en la historia de West End o Broadway (después de Chu Chin Chow y Oklahoma! ), Hasta que Salad Days (1954) superó su racha y se convirtió en el nuevo poseedor del récord a largo plazo, con 2.283 actuaciones. [49]

Otro récord lo estableció The Threepenny Opera , que tuvo 2,707 funciones, convirtiéndose en el musical fuera de Broadway de mayor duración hasta The Fantasticks . La producción también fue pionera al demostrar que los musicales podrían ser rentables fuera de Broadway en un formato de pequeña orquesta a pequeña escala. Esto se confirmó en 1959, cuando un renacimiento de Jerome Kern y PG Wodehouse 's dejo a Jane corrió durante más de dos años. La temporada 1959-1960 Off-Broadway incluyó una docena de musicales y revistas, entre ellos Little Mary Sunshine , The Fantasticks y Ernest in Love , una adaptación musical de Oscar Wilde.El éxito de 1895 La importancia de llamarse serio . [63]

Leonard Bernstein , 1971

West Side Story (1957) transportó a Romeo y Julieta a la actual ciudad de Nueva York y convirtió a las familias Montague y Capulet en pugna en bandas étnicas opuestas, los Jets y los Sharks. El libro fue adaptado por Arthur Laurents , con música de Leonard Bernstein y letra del debutante Stephen Sondheim . Fue acogido por los críticos, pero no fue una opción popular para las "damas de matiné de cabello azul", que preferían la pequeña ciudad de River City, Iowa, de The Music Man (1957), de Meredith Willson ,a los callejones de Manhattan . s Upper West Side. Al parecer premio Tonylos votantes tenían una opinión similar, ya que favorecían a los primeros sobre los segundos. West Side Story tuvo una carrera respetable de 732 presentaciones (1.040 en el West End), mientras que The Music Man corrió casi el doble, con 1.375 presentaciones. Sin embargo, la película de 1961 de West Side Story tuvo un gran éxito. [64] Laurents y Sondheim se unieron nuevamente para Gypsy (1959, 702 presentaciones), con Jule Styne proporcionando la música para una historia detrás del escenario sobre la madre de escenario más impulsada de todos los tiempos, Rose , la madre de la stripper Gypsy Rose Lee . La producción original tuvo una duración de 702 funciones, y se le dio cuatro reactivaciones posteriores, conAngela Lansbury , Tyne Daly , Bernadette Peters y Patti LuPone abordarán más tarde el papel que hizo famoso Ethel Merman.

Aunque los directores y coreógrafos han tenido una gran influencia en el estilo del teatro musical desde al menos el siglo XIX, [65] George Abbott y sus colaboradores y sucesores asumieron un papel central en la integración del movimiento y la danza en las producciones de teatro musical en la Edad de Oro. [66] Abbott introdujo el ballet como un dispositivo para contar historias en On Your Toes en 1936, al que siguió el ballet y la coreografía de Agnes de Mille en Oklahoma. . [67] Después de que Abbott colaboró ​​con Jerome Robbins en On the Town y otros programas, Robbins combinó los roles de director y coreógrafo, enfatizando el poder narrativo de la danza en West Side Story., Algo gracioso sucedió en el camino al foro (1962) y El violinista en el tejado (1964). Bob Fosse coreografió para Abbott en The Pyjama Game (1956) y Damn Yankees (1957), inyectando sexualidad lúdica en esos éxitos. Más tarde fue director-coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) y Chicago (1975). Otros directores-coreógrafos notables han incluido Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne y Susan Stroman . Entre los directores destacados se encuentran Hal Prince, quien también comenzó con Abbott, [66] y Trevor Nunn . [68]

Durante la Edad de Oro, las empresas automotrices y otras grandes corporaciones comenzaron a contratar talentos de Broadway para escribir musicales corporativos , espectáculos privados que solo veían sus empleados o clientes. [69] [70] La década de 1950 terminó con el último éxito de Rodgers y Hammerstein , The Sound of Music , que también se convirtió en otro éxito para Mary Martin. Tuvo 1.443 actuaciones y compartió el premio Tony al mejor musical. Junto con su exitosa versión cinematográfica de 1965 , se ha convertido en uno de los musicales más populares de la historia.

1960 [ editar ]

En 1960, The Fantasticks se produjo por primera vez fuera de Broadway. Este íntimo espectáculo alegórico se desarrolló en silencio durante más de 40 años en el Sullivan Street Theatre en Greenwich Village , convirtiéndose, con mucho, en el musical de mayor duración de la historia. Sus autores produjeron otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! ¡Hago! , el primer musical de Broadway de dos personajes. La década de 1960 vería una serie de éxitos de taquilla, como Fiddler on the Roof (1964; 3242 actuaciones), Hello, Dolly! (1964; 2.844 representaciones), Funny Girl (1964; 1.348 representaciones) y El hombre de La Mancha (1965; 2.328 representaciones), y algunas piezas más atrevidas comoCabaret , antes de terminar con la aparición del rock musical . Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la historia del teatro musical a partir de esta década: Stephen Sondheim y Jerry Herman .

Bernadette Peters (mostrado en 2008) ha protagonizado cinco musicales de Sondheim

El primer proyecto para el que Sondheim escribió tanto música como letras fue A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 funciones), con un libro basado en las obras de Plautus de Burt Shevelove y Larry Gelbart , protagonizado por Zero Mostel . Sondheim trasladó el musical más allá de su concentración en las tramas románticas típicas de épocas anteriores; su trabajo tendía a ser más oscuro, explorando los lados más duros de la vida tanto en el presente como en el pasado. Otras obras tempranas de Sondheim incluyen Anyone Can Whistle (1964, que tuvo solo nueve actuaciones, a pesar de tener estrellas Lee Remick y Angela Lansbury ), y la exitosa Compañía(1970), Follies (1971) y A Little Night Music (1973). Más tarde, Sondheim encontró inspiración en fuentes inverosímiles: la apertura de Japón al comercio occidental de Pacific Overtures (1976), un legendario barbero asesino que buscaba venganza en la era industrial de Londres por Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat para el domingo de el parque con George (1984), cuentos de hadas para Into the Woods (1987) y una colección de asesinos presidenciales en Assassins (1990).

Si bien algunos críticos han argumentado que algunos de los musicales de Sondheim carecen de atractivo comercial, otros han elogiado su sofisticación lírica y complejidad musical, así como la interacción de letras y música en sus programas. Algunas de las innovaciones notables de Sondheim incluyen un espectáculo presentado al revés ( Merrily We Roll Along ) y el antes mencionado Anyone Can Whistle , en el que el primer acto termina con el elenco informando a la audiencia que están locos.

Jerry Herman jugó un papel importante en el teatro musical estadounidense, comenzando con su primera producción de Broadway, Milk and Honey (1961, 563 funciones), sobre la fundación del estado de Israel y continuando con los éxitos de taquilla Hello, Dolly! (1964, 2.844 representaciones), Mame (1966, 1.508 representaciones) y La Cage aux Folles (1983, 1.761 representaciones). Incluso sus programas menos exitosos como Dear World (1969) y Mack and Mabel (1974) han tenido partituras memorables ( Mack and Mabel fue posteriormente reelaborado en un éxito de Londres). Escribiendo palabras y música, muchas de las melodías de programas de Hermanse han convertido en estándares populares, como " ¡Hola, Dolly! ", "Necesitamos una pequeña Navidad", "Soy lo que soy", "Mame", "Lo mejor de los tiempos", "Antes de que pase el desfile", "Ponga On Your Sunday Clothes "," It Only Takes a Moment "," Bosom Buddies "y" I Won't Send Roses ", grabadas por artistas como Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark y Bernadette Peters. El cancionero de Herman ha sido objeto de dos revistas musicales populares, Jerry's Girls (Broadway, 1985) y Showtune (off-Broadway, 2003).

El musical comenzó a diferir de los límites relativamente estrechos de la década de 1950. La música rock se utilizaría en varios musicales de Broadway, comenzando con Hair , que presentaba no solo música rock, sino también desnudez y opiniones controvertidas sobre la guerra de Vietnam , las relaciones raciales y otros problemas sociales. [71]

Temas sociales [ editar ]

Después de Show Boat y Porgy and Bess , y a medida que avanzaba la lucha en Estados Unidos y en otros lugares por los derechos civiles de las minorías , Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg y otros se animaron a escribir más musicales y óperas que tuvieran como objetivo normalizar la tolerancia social de las minorías e instaron a armonía racial. Las obras de la Edad de Oro temprana que se centraban en la tolerancia racial incluían el Arco iris de Finian y el Pacífico Sur . Hacia el final de la Edad de Oro, varios programas abordaron temas y problemas judíos, como Fiddler on the Roof , Milk and Honey , Blitz! y luego trapos. El concepto original que se convirtió en West Side Story se estableció en el Lower East Side durante las celebraciones de Pascua-Pascua; las bandas rivales serían judías y católicas italianas . El equipo creativo decidió más tarde que el conflicto polaco (blanco) contra puertorriqueño era más fresco. [72]

La tolerancia como tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A fines de la década de 1960, los musicales se integraron racialmente, con miembros del elenco en blanco y negro incluso cubriendo los roles de los demás, como lo hicieron en Hair . [73] La homosexualidad también se ha explorado en musicales, comenzando con Hair , e incluso más abiertamente en La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch y otros programas en las últimas décadas. Parade es una exploración sensible tanto del antisemitismo como del histórico estadounidenseracismo , y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en Estados Unidos.

1970 al presente [ editar ]

1970 [ editar ]

Póster original de Broadway para The Rocky Horror Show

Después del éxito de Hair , los musicales de rock florecieron en la década de 1970, con Jesucristo Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita y Two Gentlemen of Verona . Algunos de ellos comenzaron como " álbumes conceptuales " que luego se adaptaron al escenario, sobre todo Jesucristo Superstar y Evita . Otros no tenían diálogo o recordaban a la ópera, con temas dramáticos y emocionales; Estos a veces comenzaron como álbumes conceptuales y se denominaron óperas de rock . Programas como Raisin , Dreamgirls ,Purlie y The Wiz trajeron una influencia afroamericana significativa a Broadway. Se incorporaron géneros y estilos musicales más variados a los musicales tanto dentro como fuera de Broadway. Al mismo tiempo, Stephen Sondheim tuvo éxito con algunos de sus musicales, como se mencionó anteriormente.

En 1975, el musical de baile A Chorus Line surgió de sesiones grabadas al estilo de terapia grupal que Michael Bennett dirigió con "gitanos", los que cantan y bailan en apoyo de los principales intérpretes, de la comunidad de Broadway. A partir de cientos de horas de cintas, James Kirkwood Jr. y Nick Dante crearon un libro sobre una audición para un musical, incorporando muchas historias de la vida real de las sesiones; algunos de los que asistieron a las sesiones eventualmente tocaron variaciones de ellos mismos o entre ellos en el programa. Con música de Marvin Hamlisch y letra de Edward Kleban , A Chorus Line se estrenó por primera vez en el Teatro Público de Joseph Papp .en el bajo Manhattan. Lo que inicialmente se había planeado como un compromiso limitado finalmente se trasladó al Teatro Shubert en Broadway [74] para una serie de 6.137 representaciones, convirtiéndose en la producción de mayor duración en la historia de Broadway hasta ese momento. El programa arrasó en los premios Tony y ganó el premio Pulitzer , y su exitosa canción, What I Did for Love , se convirtió en un estándar. [75]

El público de Broadway dio la bienvenida a musicales que variaban del estilo y la sustancia de la época dorada. John Kander y Fred Ebb exploraron el surgimiento del nazismo en Alemania en Cabaret , y el asesinato y los medios de comunicación en Prohibition -era Chicago , que se basó en viejas técnicas de vodevil . Pippin , de Stephen Schwartz , se desarrolla en la época de Carlomagno . Federico Fellini 's película autobiográfica se convirtió en Maury Yeston ' s Nueve . Al final de la década, Evita ySweeney Todd fueron los precursores de los musicales más oscuros y de gran presupuesto de la década de 1980 que dependían de historias dramáticas, bandas sonoras y efectos espectaculares. Al mismo tiempo, los valores pasados ​​de moda se seguían adoptando en éxitos como Annie , 42nd Street , My One and Only y en las versiones populares de No, No, Nanette e Irene . Aunque se hicieron muchas versiones cinematográficas de musicales en la década de 1970, pocas fueron éxitos de crítica o de taquilla, con las notables excepciones de Fiddler on the Roof , Cabaret y Grease . [76]

Década de 1980 [ editar ]

Cameron Mackintosh

La década de 1980 vio la influencia de los " megamusicales " europeos en Broadway, en el West End y en otros lugares. Por lo general, cuentan con una partitura de influencia pop, grandes repartos y decorados espectaculares y efectos especiales: una lámpara de araña que cae (en El fantasma de la ópera ); un helicóptero aterrizando en el escenario (en Miss Saigon ) y grandes presupuestos. Algunos se basaron en novelas u otras obras literarias. El equipo británico del compositor Andrew Lloyd Webber y el productor Cameron Mackintosh iniciaron el fenómeno megamusical con su musical Cats de 1981 , basado en los poemas de TS Eliot , que superó a A Chorus Line.para convertirse en el espectáculo de Broadway de mayor duración. Lloyd Webber siguió con Starlight Express (1984), realizado sobre patines; El fantasma de la ópera (1986; también con Mackintosh), derivado de la novela del mismo nombre ; y Sunset Boulevard (1993), de la película de 1950 del mismo nombre . Phantom superaría a Cats para convertirse en el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway, un récord que aún mantiene. [77] [78] El equipo francés de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil escribió Los miserables , basada en la novela del mismo nombre., cuya producción de 1985 en Londres fue producida por Mackintosh y se convirtió, y sigue siendo, el musical de mayor duración en la historia de West End y Broadway . El equipo produjo otro éxito con Miss Saigon (1989), que se inspiró en la ópera Madama Butterfly de Puccini . [77] [78]

Los enormes presupuestos de los megamusicales redefinieron las expectativas de éxito financiero en Broadway y en el West End. En años anteriores, era posible que un programa se considerara un éxito después de una serie de varios cientos de presentaciones, pero con costos de producción multimillonarios, un programa debe durar años simplemente para obtener ganancias. Los megamusicales también se reprodujeron en producciones en todo el mundo, multiplicando su potencial de ganancias y expandiendo la audiencia global del teatro musical. [78]

Década de 1990 [ editar ]

Audra McDonald

En la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales, incluidos Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa , que comenzaron con producciones fuera de Broadway. El éxito más notable de estos artistas fue el espectáculo Rent (1996) de Jonathan Larson , un musical de rock (basado en la ópera La bohème ) sobre una comunidad de artistas en apuros en Manhattan. Si bien el costo de las entradas para los musicales de Broadway y West End aumentaba más allá del presupuesto de muchos espectadores, Rentse comercializó para aumentar la popularidad de los musicales entre un público más joven. Contó con un elenco joven y una banda sonora fuertemente influenciada por el rock; el musical se convirtió en un éxito. Sus jóvenes fanáticos, muchos de ellos estudiantes, que se hacen llamar RENTheads], acamparon en el Nederlander Theatre con la esperanza de ganar la lotería por boletos de $ 20 en primera fila, y algunos vieron el espectáculo decenas de veces. Otros espectáculos en Broadway siguieron el ejemplo de Rent al ofrecer entradas para el día de la actuación o para estar de pie con grandes descuentos, aunque a menudo los descuentos se ofrecen sólo a los estudiantes. [79]

La década de 1990 también vio la influencia de las grandes corporaciones en la producción de musicales. La más importante ha sido Disney Theatrical Productions , que comenzó a adaptar algunos de los musicales de animación de Disney para el escenario, comenzando con La bella y la bestia (1994), El rey león (1997) y Aida (2000), estos dos últimos con música de Elton John . El Rey León es el musical más taquillero en la historia de Broadway. [80] The Who's Tommy (1993), una adaptación teatral de la ópera rock Tommy, logró una buena racha de 899 funciones, pero fue criticado por sanear la historia y "hacer teatro musical" la música rock. [81]

A pesar del creciente número de musicales a gran escala en las décadas de 1980 y 1990, varios musicales de menor presupuesto y menor escala lograron encontrar éxito crítico y financiero, como Falsettoland y Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical y Blood. Hermanos . Los temas de estas piezas varían ampliamente y la música va desde el rock hasta el pop, pero a menudo se producen fuera de Broadway o para teatros más pequeños de Londres, y algunas de estas representaciones se han considerado imaginativas e innovadoras. [82]

Década de 2000 a 2010 [ editar ]

Tendencias [ editar ]

En el nuevo siglo, la familiaridad ha sido acogida por productores e inversores deseosos de garantizar la recuperación de sus considerables inversiones. Algunos se arriesgaron (generalmente con un presupuesto modesto) en material nuevo y creativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Junto a Normal (2009), American Idiot (2010) y El Libro de Mormón (2011). Hamilton (2015), transformó "la historia estadounidense poco dramatizada" en un inusual éxito con inflexión de hip-hop. [83]En 2011, Sondheim argumentó que de todas las formas de "música pop contemporánea", el rap era "el más cercano al teatro musical tradicional" y era "un camino hacia el futuro". [84]

Sin embargo, la mayoría de las producciones del siglo XXI de los principales mercados han tomado una ruta segura, con resurgimientos de platos familiares, como Fiddler on the Roof , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story y Grease , o con adaptaciones de otro material probado, como la literatura ( The Scarlet Pimpernel , Wicked y Fun Home ), con la esperanza de que los programas tengan una audiencia incorporada como resultado. Esta tendencia es especialmente persistente con las adaptaciones cinematográficas, que incluyen ( The Producers , Spamalot , Hairspray ,Legally Blonde , The Color Purple , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Waitress and Groundhog Day ). [85] Algunos críticos han argumentado que la reutilización de tramas cinematográficas, especialmente las de Disney (como Mary Poppins y La Sirenita ), equipara el musical de Broadway y West End con una atracción turística, en lugar de una salida creativa. [33]

El elenco de Hamilton se reúne con el presidente Obama en 2015

Hoy en día, es menos probable que un único productor, como David Merrick o Cameron Mackintosh , respalde una producción. Los patrocinadores corporativos dominan Broadway y, a menudo, se forman alianzas para presentar musicales, que requieren una inversión de $ 10 millones o más. En 2002, los créditos de Thoroughly Modern Millie incluían diez productores, y entre esos nombres había entidades compuestas por varias personas. [86] Por lo general, los teatros regionales y fuera de Broadway tienden a producir musicales más pequeños y, por lo tanto, menos costosos, y el desarrollo de nuevos musicales ha tenido lugar cada vez más fuera de Nueva York y Londres o en lugares más pequeños. Por ejemplo, Spring Awakening , Fun Home y Hamiltonse desarrollaron fuera de Broadway antes de lanzarse en Broadway.

Varios musicales volvieron al formato de espectáculo que tuvo tanto éxito en la década de 1980, recordando extravagancias que se han presentado en ocasiones, a lo largo de la historia del teatro, desde que los antiguos romanos protagonizaron simulacros de batallas navales. Los ejemplos incluyen las adaptaciones musicales de El señor de los anillos (2007), Lo que el viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). Estos musicales involucraban a compositores con poca experiencia teatral, y las costosas producciones generalmente perdían dinero. Por el contrario, The Drowsy Chaperone , Avenue Q , el 25 ° concurso anual de ortografía del condado de Putnam , Xanadu y Fun Home, entre otros, se han presentado en producciones de menor escala, en su mayoría ininterrumpidas por un intermedio, con tiempos de ejecución cortos, y gozaron de éxito financiero. En 2013, la revista Time informó que una tendencia fuera de Broadway ha sido el teatro "inmersivo", citando espectáculos como Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) y Here Lies Love (2013) en los que la puesta en escena se desarrolla alrededor y dentro de la audiencia. [87] Los espectáculos establecieron un récord conjunto, cada uno recibió 11 nominaciones para los premios Lucille Lortel , [88] y cuentan con partituras contemporáneas. [89] [90]

En 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el [Tony por] Mejor banda sonora sin un colaborador masculino" por escribir la música y la letra de Kinky Boots . En 2015, por primera vez, un equipo de escritoras compuesto exclusivamente por mujeres , Lisa Kron y Jeanine Tesori , ganó el premio Tony a la mejor banda sonora original (y al mejor libro para Kron) por Fun Home , [91] aunque el trabajo de los compositores masculinos continúa producirse con más frecuencia. [92]

Jukebox musicales [ editar ]

Otra tendencia ha sido crear una trama mínima para adaptarse a una colección de canciones que ya han sido éxitos. Tras el éxito anterior de Buddy - The Buddy Holly Story , estos han incluido Movin 'Out (2002, basado en las melodías de Billy Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, con rock clásico de la década de 1980) y muchos otros. Este estilo a menudo se conoce como el " musical jukebox ". [93] ¡ Se han construido musicales similares pero más basados ​​en la trama en torno al canon de un grupo pop en particular, incluido Mamma Mia! (1999, basado en las canciones de ABBA ),Our House (2002, basada en las canciones de Madness ) y We Will Rock You (2002, basada en las canciones de Queen ).

Musicales de cine y televisión [ editar ]

Los musicales de películas de acción en vivo estaban casi muertos en la década de 1980 y principios de la de 1990, con excepciones de Victor / Victoria , Little Shop of Horrors y la película de 1996 de Evita . [94] ¡ En el nuevo siglo, Baz Luhrmann comenzó un renacimiento de la película musical con Moulin Rouge! (2001). Esto fue seguido por Chicago (2002); Fantasma de la ópera (2004); Alquiler (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray , Enchanted y Sweeney Todd (todos en 2007); ¡Madre mía! (2008); Nueve (2009);Les Misérables y Pitch Perfect (ambos en 2012), Into The Woods y The Last Five Years (2014) y La La Land (2016), entre otros.¡ Cómo el Grinch se robó la Navidad del Dr. Seuss ! (2000) y El gato en el sombrero (2003), convirtieron los libros para niños en películas musicales de acción real. Después del inmenso éxito de Disney y otras casas con películas musicales animadas que comenzaron con La Sirenita en 1989 y se extendieron a lo largo de la década de 1990 (incluidas algunas películas más de temática para adultos, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), menos animaciones Los musicales cinematográficos se estrenaron en la primera década del siglo XXI.[94] El género regresó a partir de 2010 con Tangled (2010), Rio (2011) y Frozen (2013). En Asia, la India sigue produciendo numerosos musicales cinematográficos "Bollywood", y Japón produce musicales cinematográficos "Anime" y "Manga".

Las películas musicales hechas para televisión fueron populares en la década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderella (1997) y Annie (1999). Varios hechos para musicales de televisión en la primera década del siglo XXI fueron adaptaciones de la versión teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) y Once Upon a Mattress (2005), y una versión televisada del escenario. musical Legally Blonde en 2007. Además, se filmaron varios musicales en el escenario y se transmitieron en la televisión pública, por ejemplo, Contact en 2002 y Kiss Me, Kate and Oklahoma! en 2003. El musical hecho para la televisiónHigh School Musical (2006), y sus varias secuelas, gozaron de un éxito particular y fueron adaptadas para musicales de escenario y otros medios.

En 2013, NBC comenzó una serie de transmisiones televisivas en vivo de musicales con The Sound of Music Live! [95] Aunque la producción recibió críticas mixtas, fue un éxito de audiencia. [96] Otras transmisiones han incluido Peter Pan Live! (NBC 2014), ¡ The Wiz Live! (NBC 2015), [97] una transmisión del Reino Unido, The Sound of Music Live ( ITV 2015) [98] Grease: Live ( Fox 2016), [99] [100] Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017), [101] yAlquiler: En vivo (Fox 2019). [102]

Algunos programas de televisión han establecido episodios como un musical. Los ejemplos incluyen episodios de Ally McBeal , Xena: Warrior Princess ("The Bitter Suite" y "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych (" Psych: The Musical "), Buffy the Vampire Slayer (" Once More, with Feeling "), Eso es tan Raven , Daria , El laboratorio de Dexter , Las chicas superpoderosas , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs (un episodio fue escrito por los creadores de Avenue Q ),Batman: The Brave and the Bold ( "Mayhem of the Music Meister" ) y That '70s Show (el episodio número 100, " That' 70s Musical "). Otros han incluido escenas en las que los personajes de repente comienzan a cantar y bailar en un estilo de teatro musical durante un episodio, como en varios episodios de Los Simpson , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob's Burgers y Family Guy . [103] La serie de televisión Cop Rock utilizó ampliamente el formato musical, al igual que la serie Flight of the Conchords , Glee ,Smash y Crazy Ex-Girlfriend .

También se han hecho musicales para Internet, incluido el Blog Sing-Along del Dr. Horrible , sobre un supervillano de bajo costo interpretado por Neil Patrick Harris . Fue escrito durante la huelga de escritores de la WGA . [104] Desde 2006, los programas de televisión de realidad se han utilizado para ayudar a comercializar los avivamientos musicales mediante la celebración de una competencia de talentos para elegir protagonistas (generalmente mujeres). Ejemplos de estos son ¿Cómo se resuelve un problema como María? , Grease: ¡Eres el que quiero! , Any Dream Will Do , Legally Blonde: The Musical - La búsqueda de Elle Woods , Haría cualquier cosa y Over the Rainbow .

Musicales internacionales [ editar ]

Takarazuka Revue femenina de Japón en una interpretación de 1930 de "Parisette"

Estados Unidos y Gran Bretaña fueron las fuentes más activas de libros musicales desde el siglo XIX hasta gran parte del siglo XX (aunque Europa produjo varias formas de ópera ligera y opereta populares , por ejemplo, la zarzuela española , durante ese período e incluso antes). Sin embargo, el escenario musical ligero en otros países se ha vuelto más activo en las últimas décadas.

Los musicales de otros países de habla inglesa (en particular, Australia y Canadá) a menudo funcionan bien a nivel local y ocasionalmente incluso llegan a Broadway o al West End (por ejemplo, The Boy from Oz y The Drowsy Chaperone ). Sudáfrica tiene una activa escena de teatro musical, con revistas como African Footprint y Umoja y libros musicales, como Kat and the Kings y Sarafina. gira internacionalmente. A nivel local, musicales como Vere , Love y Green Onions , Over the Rainbow: el nuevo espectáculo totalmente gay ... y Bangbroek Mountain yIn Briefs: se ha producido con éxito un pequeño musical queer .

Los musicales de éxito de Europa continental incluyen espectáculos de (entre otros países) Alemania ( Elixier y Ludwig II ), Austria ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart! Y Rebecca ), República Checa ( Drácula ), Francia ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Los Miserables , Roméo et Juliette y Mozart, l'opéra rock ) y España ( Hoy no me puedo levantar y El Musical Sancho Panza ).

Japón ha visto recientemente el crecimiento de una forma indígena de teatro musical, tanto de animación como de acción en vivo, principalmente basada en Anime y Manga , como Kiki's Delivery Service y Tenimyu . La popular metaserie de Sailor Moon ha tenido veintinueve musicales de Sailor Moon , que abarcan trece años. A partir de 1914, la Takarazuka Revue , compuesta exclusivamente por mujeres , ha realizado una serie de revistas populares , que actualmente cuenta con cinco grupos de actuación. En otras partes de Asia, el musical indio de Bollywood , principalmente en forma de películas, tiene un gran éxito. [105]

Comenzando con una gira de 2002 por Les Misérables , varios musicales occidentales se han importado a China continental y se han representado en inglés. [106] Los intentos de localizar las producciones occidentales en China comenzaron en 2008 cuando Fame se produjo en mandarín con un elenco chino completo en la Academia Central de Drama de Beijing. [107] Desde entonces, otras producciones occidentales se han representado en China en mandarín con un elenco chino. La primera producción china al estilo del teatro musical occidental fue The Gold Sand en 2005. [106] Además, Li Dun, un conocido productor chino, produjo Butterflies, basada en una clásica tragedia amorosa china, en 2007, así como Love U Teresa en 2011. [106]

Producciones amateur y escolares [ editar ]

La adolescente de los jugadores de Nápoles , Thoroughly Modern Millie , 2009

Los musicales suelen ser presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. [108] [109] Aunque el teatro amateur ha existido durante siglos, incluso en el Nuevo Mundo, [110] François Cellier y Cunningham Bridgeman escribieron, en 1914, que antes de finales del siglo XIX, los profesionales trataban con desprecio a los actores aficionados. Después de la formación de compañías aficionadas de Gilbert y Sullivan con licencia para realizar las óperas de Saboya., los profesionales reconocieron que las sociedades de aficionados "apoyan la cultura de la música y el teatro. Ahora son aceptadas como útiles escuelas de formación para el escenario legítimo, y de las filas de los voluntarios han surgido muchas de las favoritas actuales". [111] La Asociación Nacional de Ópera y Drama fue fundada en el Reino Unido en 1899. En 1914, informó que cerca de 200 sociedades dramáticas de aficionados estaban produciendo obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña ese año. [111] De manera similar, se fundaron más de 100 teatros comunitarios en los EE. UU. A principios del siglo XX. Este número ha aumentado a un estimado de 18.000 en los EE. UU. [110] La Educational Theatre Association en los Estados Unidos tiene casi 5,000 escuelas miembros. [112]

Relevancia [ editar ]

El Rey León en Broadway

La Liga de Broadway anunció que en la temporada 2007-08, se compraron 12.27 millones de boletos para espectáculos de Broadway por un monto de venta bruta de casi mil millones de dólares. [113] La Liga informó además que durante la temporada 2006-07, aproximadamente el 65% de los boletos de Broadway fueron comprados por turistas, y que los turistas extranjeros fueron el 16% de los asistentes. [114] La Society of London Theatre informó que 2007 estableció un récord de asistencia en Londres. El total de asistentes en los principales teatros comerciales y subvencionados del centro de Londres fue de 13,6 millones y los ingresos totales por entradas fueron de £ 469,7 millones. [115] Además, la escena musical internacional ha sido particularmente activa en los últimos años. Stephen Sondheim comentó en el año 2000:

Tienes dos tipos de espectáculos en Broadway: renacimientos y el mismo tipo de musicales una y otra vez, todos espectáculos. Obtienes tus boletos para El Rey León con un año de anticipación, y esencialmente una familia ... transmites a sus hijos la idea de que eso es lo que es el teatro: un musical espectacular que ves una vez al año, una versión teatral de una película. No tiene nada que ver con el teatro. Tiene que ver con ver lo familiar. ... No creo que el teatro muera de por sí, pero nunca va a ser lo que era ... Es una atracción turística " [116].

Sin embargo, tras señalar el éxito en las últimas décadas del material original y las re-imaginaciones creativas del cine, el teatro y la literatura, el historiador del teatro John Kenrick respondió:

¿Está muerto el musical? ... ¡Absolutamente no! ¿Cambiando? ¡Siempre! El musical ha ido cambiando desde que Offenbach hizo su primera reescritura en la década de 1850. Y el cambio es la señal más clara de que el musical sigue siendo un género vivo y en crecimiento. ¿Volveremos alguna vez a la llamada 'edad de oro', con los musicales en el centro de la cultura popular? Probablemente no. El gusto del público ha experimentado cambios fundamentales y las artes comerciales solo pueden fluir donde el público que paga lo permite. [33]

Ver también [ editar ]

  • Transmisión de grabación
  • Listas de musicales
  • Producciones de teatro musical de larga duración
  • Teatro musical
  • Teatro parsi
  • 2.5D musical

Notas y referencias [ editar ]

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Lectura adicional [ editar ]

  • Bauch, Marc. El musical americano . Marburg, Alemania: Tectum Verlag, 2003. ISBN 3-8288-8458-X 
  • Bloom, Ken ; Frank Vlastnik (1 de octubre de 2004). Broadway Musicals: Los 101 mejores espectáculos de todos los tiempos . Nueva York: Black Dog & Leventhal Publishers. ISBN 1-57912-390-2.
  • Bordman, Gerald (1978). Teatro musical americano: una crónica . Nueva York: Oxford University Press. viii, 749 pág. ISBN 0-19-502356-0 
  • Botto, Louis (1 de septiembre de 2002). Robert Viagas (ed.). En este teatro . Libros de aplausos. ISBN 1-55783-566-7.
  • Bryant, Jye (2018). Escritura y puesta en escena de un nuevo musical: un manual . Publicación directa de Kindle . ISBN 9781730897412.
  • Citron, Stephen (1991). El musical, de adentro hacia afuera . Chicago, Illinois: IR Dee. 336 p. ISBN 0-929587-79-0 
  • Ewen, David (1961). La historia del teatro musical estadounidense . Primera ed. Filadelfia: Chilton. v, 208 pág.
  • Gänzl, Kurt . La enciclopedia del teatro musical (3 volúmenes). Nueva York: Schirmer Books, 2001.
  • Kantor, Michael; Laurence Maslon (2004). Broadway: el musical estadounidense . Nueva York: Bulfinch Press. ISBN 0-8212-2905-2.
  • Mordden, Ethan (1999). Beautiful Mornin ': El musical de Broadway en la década de 1940 . Nueva York: Oxford University Press. ISBN 0-19-512851-6.
  • Stempel, Larry. Showtime: A History of the Broadway Musical Theatre (WW Norton, 2010) 826 páginas; historia completa desde mediados del siglo XIX.
  • Traubner, Richard . Opereta: una historia teatral . Garden City, Nueva York: Doubleday & Company, 1983

Enlaces externos [ editar ]

  • Internet Broadway Database: listas de producción y reparto, listas de canciones y listas de premios
  • Guidetomusicaltheatre.com: sinopsis, listas de elenco, listas de canciones, etc.
  • La casa musical de Broadway
  • Historia de los musicales (sitio web del museo V&A)
  • Castalbumdb - Base de datos de álbumes de elenco musical
  • Sinopsis y descripciones de personajes de la mayoría de los principales musicales (StageAgent.com)