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La National Gallery es un museo de arte en Trafalgar Square en la ciudad de Westminster , en el centro de Londres . Fundada en 1824, alberga una colección de más de 2.300 pinturas que datan desde mediados del siglo XIII hasta 1900. [nota 1]

La Galería es una organización benéfica exenta y un organismo público no departamental del Departamento de Digital, Cultura, Medios y Deporte . [3] Su colección pertenece al gobierno en nombre del público británico, y la entrada a la colección principal es gratuita. En 2020, debido a la pandemia de COVID-19 , atrajo solo 1,197,143 visitantes, una caída del 50 por ciento desde 2019, pero aún ocupa el octavo lugar en la lista de los museos de arte más visitados del mundo. [4]

A diferencia de museos comparables en Europa continental, la National Gallery no se formó nacionalizando una colección de arte real o principesca existente. Nació cuando el gobierno británico compró 38 pinturas a los herederos de John Julius Angerstein en 1824. Después de esa compra inicial, la Galería fue formada principalmente por sus primeros directores, especialmente Sir Charles Lock Eastlake , y por donaciones privadas, que ahora representan dos tercios de la colección. [5] La colección es más pequeña que muchas galerías nacionales europeas, pero de alcance enciclopédico; la mayoría de los desarrollos más importantes en la pintura occidental "de Giotto a Cézanne " [6]están representados con obras importantes. Se solía afirmar que esta era una de las pocas galerías nacionales que tenía todas sus obras en exhibición permanente, [7] pero ya no es así.

El edificio actual, el tercero para albergar la Galería Nacional, fue diseñado por William Wilkins de 1832 a 1838. Solo la fachada a Trafalgar Square permanece esencialmente sin cambios desde este momento, ya que el edificio se ha ampliado poco a poco a lo largo de su historia. El edificio de Wilkins fue criticado a menudo por las debilidades percibidas de su diseño y por su falta de espacio; este último problema llevó al establecimiento de la Tate Gallery de arte británico en 1897.

El ala Sainsbury, una extensión de 1991 hacia el oeste de Robert Venturi y Denise Scott Brown , es un ejemplo significativo de arquitectura posmodernista en Gran Bretaña. El director actual de la Galería Nacional es Gabriele Finaldi .

Historia [ editar ]

Convocatoria de una Galería Nacional [ editar ]

La resurrección de Lázaro de Sebastiano del Piombo , de la colección Angerstein. Esta se convirtió en la colección fundadora de la Galería Nacional en 1824. La pintura tiene el número de acceso NG1, lo que la convierte oficialmente en la primera pintura en ingresar a la Galería.

A finales del siglo XVIII se produjo la nacionalización de las colecciones de arte reales o principescas en la Europa continental. La colección real de Baviera (ahora en la Alte Pinakothek , Munich) se abrió al público en 1779, la de los Medici en Florencia alrededor de 1789 (como la Galería de los Uffizi ), y el Museo Francés del Louvre se formó a partir de la antigua realeza francesa. colección en 1793. [8] Gran Bretaña , sin embargo, no siguió a otros países europeos, y la Colección Real Británica todavía permanece en posesión del soberano. En 1777 el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de arte de talla internacional, cuando los descendientes de Sir Robert Walpolepuso a la venta su colección. El diputado John Wilkes abogó por que el gobierno comprara este "tesoro invaluable" y sugirió que se alojara en "una noble galería ... que se construirá en el espacioso jardín del Museo Británico". [9] Nada resultó del atractivo de Wilkes y, 20 años después, Catalina la Grande compró la colección en su totalidad ; ahora se encuentra en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo .

Un plan para adquirir 150 pinturas de la colección de Orleans , que se habían llevado a la venta en Londres en 1798, también fracasó, a pesar del interés tanto del rey como del primer ministro, Pitt el Joven . [10] Las veinticinco pinturas de esa colección ahora en la Galería, incluyendo "NG1", llegaron más tarde por una variedad de rutas. En 1799, el marchante Noel Desenfans ofreció una colección nacional confeccionada al gobierno británico; él y su socio Sir Francis Bourgeois lo habían ensamblado para el rey de Polonia , antes de que la Tercera Partición en 1795 aboliera la independencia polaca. [8]Esta oferta fue rechazada y Bourgeois legó la colección a su antigua escuela, Dulwich College , a su muerte. La colección se inauguró en 1814 en la primera galería pública británica especialmente diseñada, la Dulwich Picture Gallery . El marchante escocés William Buchanan y el coleccionista Joseph Count Truchsess, ambos formaron colecciones de arte expresamente como base para una futura colección nacional, pero sus respectivas ofertas (ambas hechas en 1803) también fueron rechazadas. [8]

Después de la venta de Walpole, muchos artistas, incluidos James Barry y John Flaxman , habían hecho nuevos llamamientos para el establecimiento de una Galería Nacional, argumentando que una escuela británica de pintura solo podría florecer si tuviera acceso al canon de la pintura europea. La Institución Británica , fundada en 1805 por un grupo de conocedores aristocráticos, intentó abordar esta situación. Los miembros prestaron obras para exposiciones que cambiaban anualmente, mientras que en los meses de verano se realizaba una escuela de arte. Sin embargo, como las pinturas que se prestaban eran a menudo mediocres, [11] algunos artistas estaban resentidos con la Institución y lo veían como un alboroto para la nobleza aumentar los precios de venta de sus pinturas de los viejos maestros. [12]Uno de los miembros fundadores de la Institución, Sir George Beaumont, Bt , eventualmente desempeñaría un papel importante en la fundación de la Galería Nacional al ofrecer un obsequio de 16 pinturas.

En 1823 salió al mercado otra importante colección de arte, que había sido reunida por el recientemente fallecido John Julius Angerstein . Angerstein era un banquero emigrado nacido en Rusia que vivía en Londres; su colección numerada 38 pinturas, con obras de Rafael y Hogarth 's À-la-modo de la serie. El 1 de julio de 1823, George Agar Ellis , un político Whig , propuso a la Cámara de los Comunes que comprara la colección. [13] La apelación recibió un impulso adicional con la oferta de Beaumont, que venía con dos condiciones: que el gobierno comprara la colección Angerstein.y que se encontraría un edificio adecuado. El pago inesperado de una deuda de guerra por parte de Austria finalmente llevó al gobierno a comprar la colección de Angerstein por 57.000 libras esterlinas.

Fundación e historia temprana [ editar ]

100 Pall Mall , el hogar de la Galería Nacional de 1824 a 1834

La Galería Nacional se abrió al público el 10 de mayo de 1824, ubicada en la antigua casa de Angerstein en el número 100 de Pall Mall . A las pinturas de Angerstein se unieron en 1826 las de la colección de Beaumont, y en 1831 el legado de 35 pinturas del reverendo William Holwell Carr . [14] Inicialmente, el Guardián de Pinturas, William Seguier , soportó la carga de administrar la Galería, pero en julio de 1824 parte de esta responsabilidad recayó en la junta de fideicomisarios recién formada.

La Galería Nacional de Pall Mall estaba frecuentemente abarrotada y calurosa, y su diminuto tamaño en comparación con el Louvre de París era motivo de vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, para entonces administrador de la Galería, valoró el sitio por estar "en la misma pasarela de Londres"; esto se consideró necesario para que la Galería cumpliera su propósito social. [15] El hundimiento en el n. ° 100 hizo que la Galería se trasladara brevemente al n. ° 105 de Pall Mall, que el novelista Anthony Trollope describió como una "casa lúgubre, aburrida y estrecha, mal adaptada para la exposición de los tesoros que albergaba". [15] Esto a su vez tuvo que ser demolido para la apertura de una carretera a Carlton House Terrace . [dieciséis]

En 1832 comenzó la construcción de un nuevo edificio de William Wilkins en el sitio de King's Mews en Charing Cross , en un área que se había transformado durante la década de 1820 en Trafalgar Square . La ubicación era significativa, entre el rico West End y las áreas más pobres del este. [17] El argumento de que personas de todas las clases sociales podían acceder a la colección superó otras preocupaciones, como la contaminación del centro de Londres o las fallas del edificio de Wilkins, cuando se planteó la posibilidad de mudarse a South Kensington en la década de 1850. Según la Comisión Parlamentaria de 1857, "La existenciade las imágenes no es el propósito final de la colección, sino el medio sólo para dar a la gente un goce ennoblecedor ". [18]

Desde 1837 hasta 1868, la Royal Academy se ubicó en el ala este del edificio.

Crecimiento bajo Eastlake y sus sucesores [ editar ]

Las pinturas italianas de los siglos XV y XVI fueron el núcleo de la Galería Nacional y durante los primeros 30 años de su existencia, las adquisiciones independientes de los Fideicomisarios se limitaron principalmente a obras de maestros del Alto Renacimiento . Sus gustos conservadores resultaron en varias oportunidades perdidas y la administración de la Galería cayó más tarde en completo desorden, sin que se hicieran adquisiciones entre 1847 y 1850. [19] Un informe crítico de la Cámara de los Comunes en 1851 pedía el nombramiento de un director, cuyo la autoridad superaría a la de los fideicomisarios. Muchos pensaron que el puesto sería para el historiador de arte alemán Gustav Friedrich Waagen., a quien la Galería había consultado en ocasiones anteriores sobre la iluminación y exhibición de las colecciones. Sin embargo, el hombre preferido para el trabajo de la reina Victoria , el príncipe Alberto y el primer ministro, Lord Russell , era el encargado de las pinturas de la galería, Sir Charles Lock Eastlake . Eastlake, quien fue presidente de la Royal Academy, jugó un papel esencial en la fundación de la Arundel Society y conocía a la mayoría de los principales expertos en arte de Londres.

El bautismo de Cristo de Piero della Francesca , una de las compras de Eastlake

El gusto del nuevo director era por los maestros o "primitivos" del Renacimiento italiano temprano y del norte , que habían sido desatendidos por la política de adquisiciones de la Galería, pero que poco a poco estaban ganando el reconocimiento de los entendidos. Realizó giras anuales por el continente y, en particular, por Italia, en busca de pinturas adecuadas para comprar para la Galería. En total, compró 148 cuadros en el extranjero y 46 en Gran Bretaña, [20] entre las antiguas obras fundamentales como La batalla de San Romano de Paolo Uccello .. Eastlake también acumuló una colección de arte privada durante este período, que consistía en pinturas que sabía que no interesaban a los fideicomisarios. Su objetivo final, sin embargo, era que ingresaran en la National Gallery; esto fue debidamente arreglado a su muerte por su amigo y sucesor como director, William Boxall , y su viuda Lady Eastlake .

La falta de espacio de la Galería siguió siendo aguda en este período. En 1845, Robert Vernon hizo un gran legado de pinturas británicas ; no había espacio suficiente en el edificio Wilkins, por lo que se exhibieron primero en la casa de Vernon en el número 50 de Pall Mall y luego en Marlborough House . [21] La Galería estaba aún peor equipada para su siguiente gran legado, ya que JMW Turner legaría todo el contenido de su estudio, excepto las obras inconclusas, a la nación tras su muerte en 1851. Los primeros 20 de estos se exhibieron en Marlborough House en 1856. [22] Ralph Nicholson Wornum , el encargado y secretario de la galería, trabajó con John Ruskinpara reunir el legado. La estipulación en el testamento de Turner de que dos de sus pinturas se exhiban junto con obras de Claude [23] todavía se honra en la Sala 15 de la Galería, pero su legado nunca se ha exhibido adecuadamente en su totalidad; hoy, las obras se dividen entre Trafalgar Square y Clore Gallery, una pequeña extensión de Tate Britain construida especialmente en 1985.

El tercer director, Sir Frederick William Burton , sentó las bases de la colección de arte del siglo XVIII e hizo varias compras destacadas de colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio de Blenheim , la Madonna Ansidei de Rafael y el Retrato ecuestre de Carlos I de Van Dyck , con una subvención récord de 87.500 libras esterlinas del Tesoro , puso fin a la "edad de oro del coleccionismo" de la Galería, ya que su subvención de compra anual se suspendió durante varios años a partir de entonces. [24] Cuando la Galería compró los embajadores de Holbein al conde de Radnoren 1890 lo hizo con la ayuda de particulares por primera vez en su historia. [25] En 1897, la formación de la National Gallery of British Art, conocida extraoficialmente desde el principio de su historia como Tate Gallery , permitió que algunas obras británicas se trasladaran fuera del sitio, siguiendo el precedente establecido por la colección Vernon y el Turner Bequest. . Las obras de artistas nacidos después de 1790 se trasladaron a la nueva galería de Millbank , lo que permitió que Hogarth , Turner y Constable permanecieran en Trafalgar Square.

Principios del siglo XX [ editar ]

Venus en su espejo ( The Rokeby Venus ) de Diego Velázquez

La crisis agrícola de principios del siglo XX hizo que muchas familias aristocráticas vendieran sus pinturas, pero los plutócratas estadounidenses excluyeron del mercado las colecciones nacionales británicas. [26] Esto impulsó la fundación del Fondo Nacional de Colecciones de Arte , una sociedad de suscriptores dedicada a detener el flujo de obras de arte a los Estados Unidos. Su primera adquisición para la Galería Nacional fue Rokeby Venus de Velázquez en 1906, seguida del Retrato de Christina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar de la crisis de las fortunas aristocráticas, la década siguiente fue uno de varios grandes legados de coleccionistas privados. En 1909, el industrial Dr. Ludwig Monddonó 42 pinturas renacentistas italianas, incluida la Crucifixión Mond de Rafael, a la Galería. [27] Otros legados notables fueron los de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en 1917.

En la Galería Nacional, el 10 de marzo de 1914, la Venus de Rokeby fue dañada por Mary Richardson , una defensora del sufragio femenino , en protesta por el arresto de Emmeline Pankhurst el día anterior. Más tarde ese mes, otra sufragista atacó a cinco Bellinis , lo que provocó el cierre de la Galería hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial , cuando la Unión Social y Política de Mujeres pidió el fin de los actos violentos que llamaron la atención sobre su difícil situación. [28]

La recepción inicial del arte impresionista en la Galería fue excepcionalmente controvertida. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, incluidos los Paraguas de Renoir , a la Galería Nacional a su muerte, a menos que se pudiera construir un edificio adecuado en Dublín . Aunque el director Charles Holroyd los aceptó con entusiasmo, los fideicomisarios los recibieron con extrema hostilidad; Lord Redesdale escribió que "Esperaría tan pronto oír de un servicio mormón que se lleva a cabo en la Catedral de St. Paul como ver la exposición de las obras de los modernos rebeldes del arte francés en el recinto sagrado de Trafalgar Square". [29]Quizás como resultado de tales actitudes, Lane enmendó su testamento con un codicilo de que las obras solo deberían ir a Irlanda, pero lo que es más importante, esto nunca fue presenciado. [30] Lane murió a bordo del RMS Lusitania en 1915, y comenzó una disputa que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección está ahora en préstamo permanente a Dublin City Gallery ("The Hugh Lane") y otras obras rotan entre Londres y Dublín cada pocos años.

Un fondo para la compra de pinturas modernas establecido por Samuel Courtauld en 1923 compró Bañistas en Asnières de Seurat y otras obras modernas para la nación; [31] en 1934, muchos de ellos fueron transferidos a la National Gallery desde la Tate.

Segunda Guerra Mundial [ editar ]

Pinturas evacuadas de la Galería Nacional durante la Segunda Guerra Mundial

Poco antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas fueron evacuadas a lugares de Gales , incluido el castillo de Penrhyn , las universidades de Bangor y Aberystwyth . [32] En 1940, durante la Batalla de Francia , se buscó un hogar más seguro y hubo discusiones sobre el traslado de las pinturas a Canadá. Esta idea fue firmemente rechazada por Winston Churchill , quien escribió en un telegrama al director Kenneth Clark , "entiérrelos en cuevas o en sótanos, pero ninguna imagen saldrá de estas islas". [33] En cambio, una cantera de pizarra en Manod, cerca de Blaenau Ffestiniogen el norte de Gales, fue requisado para uso de la Galería. En el aislamiento proporcionado por la nueva ubicación de las pinturas, el Guardián (y futuro director) Martin Davies comenzó a compilar catálogos académicos sobre la colección, con la ayuda de la biblioteca de la Galería, que también estaba almacenada en la cantera. El traslado a Manod confirmó la importancia de almacenar pinturas a una temperatura y humedad constantes, algo que los conservadores de la Galería habían sospechado durante mucho tiempo pero que hasta ahora no habían podido probar. [34] Esto finalmente resultó en la apertura de la primera galería con aire acondicionado en 1949. [21]

Durante el transcurso de la guerra, Myra Hess y otros músicos, como Moura Lympany , ofrecieron recitales diarios a la hora del almuerzo en el edificio vacío de Trafalgar Square, para levantar la moral del público, ya que todas las salas de conciertos de Londres estaban cerradas. [35] Se llevaron a cabo exposiciones de arte en la Galería como complemento de los recitales. La primera de ellas fue Pintura británica desde Whistler en 1940, organizada por Lillian Browse , [36] que también montó la gran Exposición retrospectiva conjunta de pinturas de Sir William Nicholson y Jack B. Yeats celebrada del 1 de enero al 15 de marzo de 1942, que fue visto por 10,518 visitantes. [37] [38]También se llevaron a cabo exposiciones de obras de artistas de la guerra, incluidos Paul Nash , Henry Moore y Stanley Spencer ; el Comité Consultivo Guerra artistas se había establecido por Clark a fin de 'mantener a los artistas en el trabajo con cualquier pretexto'. [39] En 1941, una solicitud de un artista para ver el Retrato de Margaretha de Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) resultó en el esquema "Imagen del mes", en el que se quitó una sola pintura de Manod y se exhibió al general. público en la Galería Nacional cada mes. El crítico de arte Herbert Read, escribiendo ese año, llamó a la Galería Nacional "un desafiante puesto de avanzada de la cultura en medio de una metrópolis bombardeada y destrozada". [40] Las pinturas regresaron a Trafalgar Square en 1945.

Desarrollos de posguerra [ editar ]

Diana y Callisto de Tiziano , compradas en 2012, junto con la Galería Nacional de Escocia

En los años de la posguerra, las adquisiciones se han vuelto cada vez más difíciles para la National Gallery a medida que los precios de los viejos maestros , y más aún para los impresionistas y postimpresionistas , han aumentado más allá de sus posibilidades. Algunas de las compras más importantes de la Galería en este período hubieran sido imposibles sin el respaldo de los principales llamamientos públicos, como La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista de Leonardo da Vinci (comprada en 1962) y la de Tiziano . Muerte de Actaeon (1972). La subvención de compra de la Galería del gobierno se congeló en 1985, pero más tarde ese año recibió una dotación de 50 millones de libras esterlinas de SirPaul Getty , lo que permite realizar muchas compras importantes. [21] En abril de 1985, Lord Sainsbury de Preston Candover y sus hermanos, el Excmo. Simon Sainsbury y Sir Timothy Sainsbury , habían hecho una donación que permitiría la construcción del ala Sainsbury. [41]

La dirección de Neil MacGregor vio un cambio importante en la Galería, prescindiendo de la clasificación de pinturas por escuela nacional que había sido introducida por Eastlake. El nuevo bloqueo cronológico buscó enfatizar la interacción entre culturas en lugar de características nacionales fijas, reflejando el cambio en los valores históricos del arte desde el siglo XIX. [42] En otros aspectos, sin embargo, se rehabilitaron los gustos victorianos: los interiores del edificio ya no se consideraron una vergüenza y se restauraron, y en 1999 la Galería aceptó un legado de 26 pinturas barrocas italianas de Sir Denis Mahon. A principios del siglo XX, muchos consideraban que el barroco estaba más allá de los límites: en 1945, los fideicomisarios de la galería se negaron a comprar un Guercino de la colección de Mahón por £ 200. La misma pintura fue valorada en £ 4 millones en 2003. [43] El legado de Mahón se hizo con la condición de que la Galería nunca cancelara ninguna de sus pinturas ni cobrara por la entrada. [44]

Desde 1989, la galería ha ejecutado un esquema que da un estudio a los artistas contemporáneos para crear obras basadas en la colección permanente. Por lo general, ocupan el puesto de artista asociado durante dos años y se les ofrece una exposición en la Galería Nacional al final de su mandato.

Las competencias respectivas de las Galerías Nacional y Tate, que durante mucho tiempo habían sido impugnadas por las dos instituciones, se definieron más claramente en 1996. 1900 se estableció como el punto de corte para las pinturas en la Galería Nacional, y en 1997 más de 60 publicaciones -1900 pinturas de la colección fueron entregadas a la Tate en un préstamo a largo plazo, a cambio de obras de Gauguin y otros. Sin embargo, es posible que la futura expansión de la Galería Nacional vea el regreso de pinturas del siglo XX a sus paredes. [45]

En el siglo XXI ha habido tres grandes campañas de recaudación de fondos en la Galería: en 2004, para comprar Madonna of the Pinks de Rafael , en 2008, para Diana y Actaeon de Tiziano , y en 2012, Diana y Callisto de Tiziano . Ambos Tizianos fueron comprados en conjunto con la Galería Nacional de Escocia por £ 95 millones. Ambas obras importantes se vendieron de la colección del duque de Sutherland . La National Gallery está ahora en gran parte fuera del mercado de pinturas de viejos maestros y solo puede realizar tales adquisiciones con el respaldo de importantes llamamientos públicos; el director saliente Charles Saumarez Smith expresó su frustración por esta situación en 2007 [46].

En 2014, la National Gallery fue objeto de un documental de Frederick Wiseman . La película muestra el trabajo de la administración y el personal de la galería, el laboratorio de conservación, las visitas guiadas y el montaje de exposiciones sobre Leonardo da Vinci , JMW Turner y Tiziano en 2011-2012.[47]

Arquitectura [ editar ]

Edificio de William Wilkins [ editar ]

La primera sugerencia para una Galería Nacional en Trafalgar Square vino de John Nash , quien la concibió en el sitio de King's Mews , mientras que un edificio similar al Partenón para la Royal Academy ocuparía el centro de la plaza. [49] La recesión económica impidió que se construyera este esquema, pero finalmente se llevó a cabo un concurso para el sitio de Mews en 1831, para lo cual Nash presentó un diseño con CR Cockerell como su co-arquitecto. Sin embargo, la popularidad de Nash estaba disminuyendo en ese momento, y la comisión fue otorgada a William Wilkins , quien participó en la selección del sitio y envió algunos dibujos en el último momento. [50]Wilkins había esperado construir un "Templo de las Artes, nutriendo el arte contemporáneo a través del ejemplo histórico", [51] pero la comisión fue arruinada por la parsimonia y el compromiso, y el edificio resultante se consideró un fracaso en casi todos los aspectos.

El sitio solo permitía que el edificio tuviera una habitación de profundidad, ya que inmediatamente detrás había una casa de trabajo y un cuartel. [nota 2] Para exacerbar las cosas, había un derecho de paso público a través del sitio a estos edificios, que da cuenta de los pórticos de acceso en los lados este y oeste de la fachada. Estos tenían que incorporar columnas de la demolida Carlton House y su relativa brevedad dio como resultado una elevación que se consideró excesivamente baja, y muy lejos del punto focal dominante que se deseaba para el extremo norte de la plaza. También se reciclan las esculturas de la fachada, originalmente destinadas al Arco de Mármol de Nash, pero abandonadas debido a sus problemas económicos. [nota 3] La mitad oriental del edificio albergaba elRoyal Academy hasta 1868, lo que disminuyó aún más el espacio otorgado a la Galería.

El edificio fue objeto de burla pública incluso antes de que se hubiera completado, ya que una versión del diseño se filtró a la Gaceta Literaria en 1833. [52] Dos años antes de su finalización, su infame elevación "pepperpot" apareció en el frontispicio de Contrastes (1836), influyente tratado del gótico A. WN Pugin , como ejemplo de la degeneración del estilo clásico. [53] Incluso Guillermo IV (en su última declaración grabada) pensó que el edificio era un "pequeño agujero desagradable", [54] mientras que William Makepeace Thackeray lo llamó "una pequeña tienda de ginebra de un edificio". [54]El historiador de la arquitectura del siglo XX, Sir John Summerson, se hizo eco de estas primeras críticas cuando comparó la disposición de una cúpula y dos diminutas torrecillas en la línea del techo con "el reloj y los jarrones en una repisa de la chimenea, solo que menos útiles". [50] El paisajismo de Sir Charles Barry de Trafalgar Square, de 1840, incluía una terraza norte para que el edificio pareciera elevado, abordando así uno de los puntos de queja. [16] En 1891, la Asociación de Jardines Públicos Metropolitanos colocó laureles en cajas en las terrazas con barandillas durante los meses de verano. [55] La opinión sobre el edificio se había suavizado considerablemente en 1984, cuandoEl príncipe Carlos llamó a la fachada de Wilkins un "amigo muy querido y elegante", en contraste con una ampliación propuesta. ( Ver abajo )

  • La elevación a Trafalgar Square en 2013

  • El piano nobile y la planta baja del edificio de Wilkins, antes de la expansión. Tenga en cuenta los pasillos detrás de los pórticos este y oeste. Las áreas sombreadas en rosa fueron utilizadas por la Royal Academy hasta 1868.

  • Plano del primer piso de la National Gallery en 2013

Alteración y expansión (Pennethorne, Barry y Taylor) [ editar ]

La primera alteración significativa que se hizo en el edificio fue la única y larga galería agregada por Sir James Pennethorne en 1860-1861. Adornado en comparación con las habitaciones de Wilkins, empeoró, no obstante, las condiciones de hacinamiento dentro del edificio, ya que se construyó sobre el vestíbulo de entrada original. [56] Como era de esperar, se hicieron varios intentos para remodelar completamente la Galería Nacional (como sugirió Sir Charles Barry en 1853) o para trasladarla a locales más espaciosos en Kensington , donde el aire también era más limpio. En 1867, el hijo de Barry, Edward Middleton Barrypropuso reemplazar el edificio Wilkins con un edificio clásico masivo con cuatro cúpulas. El plan fue un fracaso y los críticos contemporáneos denunciaron el exterior como "un fuerte plagio en la Catedral de San Pablo ". [57]

Sin embargo, con la demolición de la casa de trabajo, Barry pudo construir la primera secuencia de grandes espacios arquitectónicos de la Galería, desde 1872 hasta 1876. Construidas con un diseño policromado neorrenacentista , las habitaciones Barry se organizaron en un plano cruzado griego alrededor de un enorme octágono central. Aunque compensó la decepcionante arquitectura del edificio Wilkins, el personal de la galería no gustó de la nueva ala de Barry, que consideró que su aspecto monumental estaba en conflicto con su función como espacio de exposición. Además, el programa decorativo de las habitaciones no tuvo en cuenta los contenidos previstos; el techo de la galería italiana de los siglos XV y XVI, por ejemplo, estaba inscrito con los nombres de artistas británicos del siglo XIX. [58]Sin embargo, a pesar de estos fracasos, las habitaciones Barry proporcionaron a la galería un fuerte plano axial; esto sería seguido por todas las adiciones posteriores a la Galería durante un siglo, lo que resultó en un edificio de clara simetría.

La galería de Pennethorne fue demolida para la siguiente fase de construcción, un esquema de Sir John Taylor que se extiende hacia el norte de la entrada principal. Su vestíbulo de entrada con cúpula de vidrio tenía decoraciones de techo pintadas por la empresa de la familia Crace , que también había trabajado en las habitaciones Barry. Un fresco destinado a la pared sur nunca se realizó, y ese espacio lo ocupa ahora Frederic, la pintura de Lord Leighton de la Celebrada Madonna de Cimabue llevada en Procesión por las Calles de Florencia (1853-1855), prestada por la Colección Real en la década de 1990. [59]

  • The Barry Rooms (1872-1876), diseñado por E. M. Barry

  • La cúpula de la habitación 34, el octágono central de las habitaciones Barry

  • The Staircase Hall (1884-1887), diseñado por John Taylor , en una fotografía de 2007. Cimabue's Celebrated Madonna por Frederic, Lord Leighton es visible a la izquierda.

  • La cúpula del pasillo de la escalera

Siglo XX: modernización versus restauración [ editar ]

El despertar de las musas (1933), mosaico de Boris Anrep.

Las adiciones posteriores al oeste llegaron de manera más constante, pero mantuvieron la coherencia del edificio al reflejar el plan de eje transversal de Barry hacia el este. También se continuó con el uso de mármol oscuro para los marcos de las puertas, dando a las extensiones un grado de consistencia interna con las habitaciones más antiguas. El estilo clásico todavía estaba en uso en la Galería Nacional en 1929, cuando se construyó una galería de estilo Beaux-Arts , financiada por el marchante de arte y fideicomisario Lord Duveen . Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que la reacción del siglo XX contra las actitudes victorianas se manifestara en la Galería. De 1928 a 1952, los pisos de aterrizaje del vestíbulo de entrada de Taylor se volvieron a colocar con una nueva serie de mosaicos de Boris Anrep , quien era amigo del Grupo Bloomsbury.. Estos mosaicos se pueden leer como una sátira sobre las convenciones del siglo 19 para la decoración de edificios públicos, como lo ejemplifica el Albert Memorial 's friso del Parnaso . [60] El mosaico central que representa El despertar de las musas incluye retratos de Virginia Woolf y Greta Garbo , subvirtiendo el alto tono moral de sus antepasados ​​victorianos. En lugar de las siete virtudes del cristianismo, Anrep ofreció su propio conjunto de virtudes modernas , que incluyen "Humor" y "Mente abierta"; las figuras alegóricas son nuevamente retratos de sus contemporáneos, incluidos Winston Churchill, Bertrand Russell y TS Eliot . [61]

En el siglo XX, los interiores victorianos tardíos de la Galería pasaron de moda. [62] Las decoraciones del techo de Crace en el vestíbulo de entrada no eran del gusto del director Charles Holmes y fueron borradas por pintura blanca. [63] Las North Galleries, que se abrieron al público en 1975, marcaron la llegada de la arquitectura modernista.en la Galería Nacional. En las habitaciones más antiguas, los detalles clásicos originales fueron borrados por tabiques, tarimas y falsos techos, con el objetivo de crear ambientes neutros que no distraigan la contemplación de las pinturas. Pero el compromiso de la Galería con el modernismo duró poco: en la década de 1980, el estilo victoriano ya no se consideraba un anatema, y ​​un programa de restauración comenzó a restaurar los interiores del siglo XIX y principios del XX a su supuesta apariencia original. Esto comenzó con la remodelación de Barry Rooms en 1985-1986. De 1996 a 1999, incluso las Galerías Norte, consideradas para entonces como "carentes de un carácter arquitectónico positivo", fueron remodeladas en un estilo clásico, aunque simplificado. [44]

Ala Sainsbury y adiciones posteriores [ editar ]

La adición más importante al edificio en los últimos años ha sido el ala Sainsbury, diseñada por los arquitectos posmodernistas Robert Venturi y Denise Scott Brown para albergar la colección de pinturas renacentistas, y construida en 1991. El edificio ocupa el "sitio de Hampton" hasta el al oeste del edificio principal, donde una tienda departamental del mismo nombre había estado hasta su destrucción en el Blitz . La Galería había buscado durante mucho tiempo la expansión en este espacio [ cita requerida ] y en 1982 se llevó a cabo un concurso para encontrar un arquitecto adecuado; la lista corta incluía una propuesta radical de alta tecnología de Richard Rogers, entre otros. El diseño que más votos obtuvo fue el de la firma Ahrends, Burton y Koralek , quienes luego modificaron su propuesta para incluir una torre, similar a la del esquema Rogers. La propuesta se abandonó después de que el Príncipe de Gales comparó el diseño con un " carbunclo monstruoso en la cara de un amigo muy querido y elegante", [65] El término "carbunclo monstruoso", para un edificio moderno que choca con su entorno, desde entonces se ha convertido en algo común. [66] [67]

Una de las condiciones del concurso de 1982 era que la nueva ala debía incluir oficinas comerciales y espacio público de galería. Sin embargo, en 1985 fue posible dedicar la extensión por completo a los usos de la Galería, gracias a una donación de casi 50 millones de libras esterlinas de Lord Sainsbury y sus hermanos Simon y Sir Tim Sainsbury . Se llevó a cabo una competencia cerrada y los esquemas producidos fueron notablemente más restringidos que en la competencia anterior.

La enfilada principal del ala Sainsbury

En contraste con la rica ornamentación del edificio principal, las galerías del ala Sainsbury son sencillas e íntimas, para adaptarse a la escala más pequeña de muchas de las pinturas [ cita requerida ] . Las principales inspiraciones para estas salas son las galerías iluminadas de Sir John Soane para la Galería de imágenes de Dulwich y los interiores de la iglesia de Filippo Brunelleschi (el revestimiento de piedra es de pietra serena , la piedra gris local de Florencia). [68] Las galerías más al norte se alinean con el eje central de Barry, de modo que hay una única vista a lo largo de toda la galería. Este eje se exagera por el uso de la falsa perspectiva, ya que las columnas que flanquean cada abertura disminuyen gradualmente de tamaño hasta que el visitante alcanza el punto focal (a partir de 2009), un retablo de Cima de La incredulidad de Santo Tomás . El enfoque posmodernista de Venturi hacia la arquitectura está en plena evidencia en el ala Sainsbury, con sus citas estilísticas de edificios tan dispares como las casas club en Pall Mall, la Scala Regia en el Vaticano, los almacenes victorianos y los templos del Antiguo Egipto.

Tras la peatonalización de Trafalgar Square, la Galería se encuentra actualmente comprometida en un plan maestro para convertir el espacio de oficinas desocupado en la planta baja en espacio público. El plan también llenará patios en desuso y hará uso de terrenos adquiridos de la Galería Nacional de Retratos contigua en St Martin's Place, que entregó a la Galería Nacional a cambio de terrenos para su extensión de 2000. La primera fase, el East Wing Project diseñado por Jeremy Dixon y Edward Jones , se abrió al público en 2004. Esto proporcionó una nueva entrada a nivel del suelo desde Trafalgar Square, nombrada en honor a Sir Paul Getty. La entrada principal también fue renovada y reabierta en septiembre de 2005. Los posibles proyectos futuros incluyen un "Proyecto del ala oeste" aproximadamente simétrico con el Proyecto del ala este, que proporcionaría una futura entrada a nivel del suelo y la apertura pública de algunas salas pequeñas en el extremo este del edificio adquirido como parte del intercambio con la Galería Nacional de Retratos. Esto podría incluir una nueva escalera pública en el arco de la fachada este. No se ha anunciado ningún calendario para estos proyectos adicionales.

En abril de 2021, un jurado preseleccionó a seis firmas de arquitectos: Caruso St John , David Chipperfield Architects , Asif Kahn, David Kohn Architects , Selldorf Architects y Witherford Watson Mann Architects, en un concurso de propuestas de diseño para mejorar el ala Sainsbury. [69]

Controversias [ editar ]

La restauración de Titian 's Baco y Ariadna 1967-1968 fue una restauración polémica en la Galería Nacional, debido a la preocupación de que la pintura de la tonalidad había sido arrojado fuera de equilibrio. [70]

Una de las críticas más persistentes a la National Gallery, además de las que critican las deficiencias del edificio, ha sido su política de conservación. Los detractores de la Galería la acusaron de haber tenido un enfoque demasiado entusiasta de la restauración. La primera operación de limpieza en la National Gallery comenzó en 1844 después del nombramiento de Eastlake como Guardián, y fue objeto de ataques en la prensa luego de que se revelaran al público las tres primeras pinturas que recibieron el tratamiento, un Rubens , un Cuyp y un Velázquez . en 1846. [71] El crítico más virulento de la Galería fue J. Morris Moore, quien escribió una serie de cartas a The Timesbajo el seudónimo de "Verax" destrozando las limpiezas de la institución. Mientras que un comité selecto parlamentario de 1853 establecido para investigar el asunto eximió a la Galería de cualquier irregularidad, las críticas de sus métodos han estado surgiendo esporádicamente desde entonces por parte de algunos en el establecimiento del arte.

Una caricatura de 1847 Punch de John Leech que representa la controversia de restauración en curso.

El último gran clamor contra el uso de técnicas de conservación radicales en la National Gallery fue en los años inmediatos de la posguerra, luego de una campaña de restauración del restaurador jefe Helmut Ruhemann mientras las pinturas estaban en Manod Quarry. Cuando las imágenes limpias se exhibieron al público en 1946, se produjo un furor con paralelismos con el de un siglo antes. La principal crítica fue que la eliminación extensiva de barniz , que se utilizó en el siglo XIX para proteger la superficie de las pinturas pero que se oscureció y decoloró con el tiempo, puede haber provocado la pérdida de los esmaltes "armonizadores" añadidos a las pinturas por los artistas ellos mismos. La oposición a las técnicas de Ruhemann fue dirigida por Ernst Gombrich , profesor del Instituto Warburg.quien en correspondencia posterior con un restaurador describió haber sido tratado con "ofensiva arrogancia" por la National Gallery. [72] Una comisión de 1947 concluyó que no se habían producido daños en las limpiezas recientes.

George Bellows : Hombres de los muelles (1912)

La atribución de pinturas de la National Gallery ha sido cuestionada en ocasiones. La decisión de Kenneth Clark en 1939 de etiquetar un grupo de pinturas de la escuela veneciana como obras de Giorgione fue controvertida en ese momento y los paneles pronto fueron identificados como obras de Andrea Previtali por un curador junior que Clark había designado. [73] Décadas más tarde, la atribución de una pintura del siglo XVII de Sansón y Dalila (comprada en 1980) a Rubens ha sido impugnada por un grupo de historiadores del arte, que creen que la National Gallery no ha admitido el error para evitar avergonzar a los que participaron en la compra, muchos de los cuales todavía trabajan para la Galería. [74]

La Galería Nacional fue patrocinada por el fabricante de armas italiano Finmeccanica entre octubre de 2011 y octubre de 2012. El acuerdo de patrocinio permitió a la compañía utilizar espacios de la galería para reuniones y lo utilizaron para albergar a los delegados durante la feria de armas DSEI y la exhibición aérea internacional de Farnborough . El acuerdo de patrocinio terminó un año antes de las protestas. [75]

En febrero de 2014, la Galería Nacional compró Men of the Docks , del artista estadounidense George Bellows , por $ 25,5 millones (£ 15,6 millones). Fue la primera pintura estadounidense importante que adquirió la Galería. El director Nicholas Penny calificó la pintura como una nueva dirección para la Galería, una pintura no europea de estilo europeo. Su venta fue controvertida en los EE . UU. [76] Se descubrió en 2018 que The Gallery fue una de las primeras galerías públicas de Londres en cobrar más de £ 20 por la entrada a una exposición especial de obras de Claude Monet . [77]

En febrero de 2019, un Tribunal Laboral dictaminó que la Galería había clasificado incorrectamente a su equipo de educadores como contratistas autónomos. [78] A los educadores se les otorgó el estatus de 'trabajadores' luego de una acción legal iniciada por veintisiete demandantes. El caso recibió una considerable cobertura de prensa y medios. [79] [80] [81]

Lista de directores [ editar ]

Destacados de la colección [ editar ]

  • Cimabue : Virgen y Niño con dos ángeles
  • Giotto : Pentecostés
  • Medieval inglés o francés : el díptico de Wilton
  • Jan van Eyck : El retrato de Arnolfini , Retrato de un hombre (¿Autorretrato?)
  • Pisanello : la visión de San Eustaquio
  • Paolo Uccello : La batalla de San Romano , San Jorge y el Dragón
  • Rogier van der Weyden : La lectura de Magdalen
  • Masaccio : Virgen con el Niño
  • Dieric Bouts : The Entombment
  • Piero della Francesca : El bautismo de Cristo
  • Antonello da Messina : Retrato de un hombre , San Jerónimo en su estudio
  • Giovanni Bellini : La agonía en el huerto , Madonna del Prato , Retrato del dux Leonardo Loredan
  • Piero del Pollaiolo : El martirio de San Sebastián
  • Sandro Botticelli : Venus y Marte , la Natividad mística
  • Hieronymus Bosch : Cristo coronado de espinas
  • Leonardo da Vinci : La Virgen de las Rocas , La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista
  • Alberto Durero , San Jerónimo en el desierto
  • Miguel Ángel : El entierro , La Madonna de Manchester
  • Jan Gossaert : la adoración de los reyes
  • Rafael : La Virgen Aldobrandini , La Virgen Ansidei , Retrato del Papa Julio II , La Virgen de las Rosas , La Crucifixión de Mond , Visión de un Caballero
  • Tiziano : Alegoría de la prudencia , Baco y Ariadna , Diana y Acteón , Diana y Calisto , La muerte de Acteón , Un hombre con manga acolchada , Retrato de la familia Vendramin
  • Hans Holbein el Joven : los embajadores , retrato de Cristina de Dinamarca
  • Parmigianino : Retrato de un coleccionista , La visión de San Jerónimo
  • Agnolo Bronzino : Venus, Cupido, Locura y Tiempo
  • Tintoretto : el origen de la Vía Láctea
  • Pieter Bruegel el Viejo : la adoración de los reyes
  • Paolo Veronese : La familia de Darío antes de Alejandro , La conversión de María Magdalena , Adoración de los magos
  • El Greco : Cristo expulsando a los cambistas del templo
  • Caravaggio : Niño mordido por un lagarto , Cena en Emaús , Salomé con la cabeza de Juan Bautista
  • Peter Paul Rubens : El juicio de París
  • Orazio Gentileschi : El hallazgo de Moisés
  • Artemisia Gentileschi : Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría
  • Nicolas Poussin : la adoración del becerro de oro
  • Diego Velázquez : Cristo en casa de Marta y María , Felipe IV en marrón y plata , La Venus de Rokeby
  • Anthony van Dyck : Retrato ecuestre de Carlos I , Lord John Stuart y su hermano, Lord Bernard Stuart
  • Claude Lorrain : puerto marítimo con el embarque de la reina de Saba
  • Rembrandt : Autorretrato a los 34 años , Fiesta de Belsasar , Autorretrato a los 63 años
  • Johannes Vermeer : Dama de pie en un virginal , Dama sentada en un virginal
  • Meindert Hobbema : la avenida de Middelharnis
  • Canaletto : el patio del cantero
  • William Hogarth : Los niños de Graham , Matrimonio a la moda
  • George Stubbs : denunciante
  • Thomas Gainsborough : Sr. y Sra. Andrews , The Morning Walk
  • Joseph Wright de Derby : un experimento con un pájaro en la bomba de aire
  • Francisco de Goya : retrato del duque de Wellington
  • JMW Turner : The Fighting Temeraire , Rain, Steam and Speed ​​- The Great Western Railway
  • John Constable : El maizal , el carro de heno
  • Jean Auguste Dominique Ingres : Madame Moitessier
  • Eugène Delacroix : Ovidio entre los escitas
  • Edgar Degas : Miss La La en el Cirque Fernando , Young Spartans haciendo ejercicio
  • Paul Cézanne : Les Grandes Baigneuses
  • Claude Monet : Nieve en Argenteuil , La Gare Saint-Lazare
  • Pierre-Auguste Renoir : Los paraguas , una ninfa junto a un arroyo
  • Henri Rousseau : Tigre en una tormenta tropical (¡Sorprendido!)
  • Vincent van Gogh : girasoles , un campo de trigo con cipreses
  • Georges Seurat : bañistas en Asnières

Conexiones de transporte [ editar ]

Ver también [ editar ]

  • Micro galería , instalada en 1991.

Notas explicativas [ editar ]

  1. ↑ Las esculturas y el arte aplicado se encuentran en el Victoria and Albert Museum , el Museo Británico alberga arte anterior, arte no occidental, grabados y dibujos, y el arte de una fecha posterior se encuentra en la Tate Modern . Parte del arte británico se encuentra en la Galería Nacional, pero la Colección Nacional de Arte Británico se encuentra principalmente en la Tate Britain .
  2. St Martin's Workhouse (al este) fue despejado para la construcción de la extensión de EM Barry, mientras que St George's Barracks permaneció hasta 1911, supuestamente debido a la necesidad de tropas para sofocar los disturbios en Trafalgar Square. ( Conlin 2006 , p. 401) Wilkins esperaba más tierra al sur, pero se le negó ya que construir allí habría oscurecido la vista de St Martin-in-the-Fields .
  3. Son los siguientes: encima de la entrada principal, un círculo en blanco (originalmente para presentar elrostrodel duque de Wellington ) flanqueado por dos figuras femeninas (personificaciones de Europa y Asia / India, sitios de sus campañas) y en lo alto de la fachada este. , Minerva de John Flaxman , originalmente Britannia .
  4. El rol de director se creó en 1855, 31 años después de la fundación de la Galería.

Referencias [ editar ]

Citas [ editar ]

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Fuentes generales [ editar ]

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Enlaces externos [ editar ]

  • Página web oficial
  • La Galería Nacional en Pall Mall de Survey of London
  • 30 pinturas destacadas en nationalgallery.org