De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación Saltar a búsqueda

La Scala de Milán

La ópera es una forma de teatro en la que la música es un componente fundamental y los cantantes asumen roles dramáticos , pero se diferencia del teatro musical . [1] Tal "obra" (la traducción literal de la palabra italiana "ópera") es típicamente una colaboración entre un compositor y un libretista [2] e incorpora una serie de artes escénicas , como la actuación , la escenografía , el vestuario , ya veces danza o ballet . La actuación se suele realizar en un teatro de ópera., acompañado de una orquesta o conjunto musical menor , que desde principios del siglo XIX ha sido dirigido por un director .

La ópera es una parte clave de la tradición de la música clásica occidental . [3] Originalmente entendida como una pieza íntegramente cantada, en contraste con una obra de teatro con canciones, la ópera ha llegado a incluir numerosos géneros , incluidos algunos que incluyen diálogos hablados como el teatro musical , Singspiel y Opéra comique . En la ópera de números tradicional , los cantantes emplean dos estilos de canto: recitativo , un estilo con inflexión del habla, [4] y arias autónomas . El siglo XIX vio el surgimiento del drama musical continuo .

La ópera se originó en Italia a finales del siglo XVI (con Dafne en su mayoría perdida de Jacopo Peri , producida en Florencia en 1598) especialmente a partir de obras de Claudio Monteverdi , en particular L'Orfeo , y pronto se extendió por el resto de Europa: Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII. En el siglo XVIII, la ópera italiana siguió dominando la mayor parte de Europa (excepto Francia), atrayendo a compositores extranjeros como George Frideric Handel . Ópera seria fue la forma más prestigiosa de la ópera italiana, hasta que Christoph Willibald Gluck reaccionó contra su artificialidad con sus óperas de "reforma" en la década de 1760. La figura más famosa de la ópera de finales del siglo XVIII es Wolfgang Amadeus Mozart , que comenzó con la ópera seria pero es más famoso por sus óperas cómicas italianas , especialmente Las bodas de Fígaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni y Così fan tutte . así como Die Entführung aus dem Serail ( El rapto del serrallo ) y La flauta mágica ( Die Zauberflöte ), hitos de la tradición alemana.

El primer tercio del siglo XIX vio el punto culminante del estilo bel canto , con Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini creando obras de autor de ese estilo. También vio el advenimiento de la gran ópera tipificada por las obras de Daniel Auber y Giacomo Meyerbeer , así como la introducción de Carl Maria von Weber de la German Romantische Oper (Ópera Romántica Alemana). La mitad del siglo XIX fue una época dorada de la ópera, dirigida y dominada por Giuseppe Verdi en Italia y Richard Wagner en Alemania. La popularidad de la ópera continuó durante ella era del verismo en Italia y la ópera francesa contemporánea hasta Giacomo Puccini y Richard Strauss a principios del siglo XX. Durante el siglo XIX, surgieron tradiciones operísticas paralelas en Europa central y oriental, particularmente en Rusia y Bohemia . El siglo XX vio muchos experimentos con estilos modernos, como la atonalidad y el serialismo ( Arnold Schoenberg y Alban Berg ), el neoclasicismo ( Igor Stravinsky ) y el minimalismo ( Philip Glass y John Adams).). Con el auge de la tecnología de grabación , cantantes como Enrico Caruso y Maria Callas se hicieron conocidos por un público mucho más amplio que iba más allá del círculo de los fanáticos de la ópera. Desde la invención de la radio y la televisión, las óperas también se representaron (y se escribieron para) estos medios. A partir de 2006, varios teatros de ópera importantes comenzaron a presentar transmisiones de video en vivo de alta definición de sus actuaciones en cines de todo el mundo. Desde 2009, las actuaciones completas se pueden descargar y se transmiten en vivo .

Terminología operativa [ editar ]

Las palabras de una ópera se conocen como libreto (literalmente "libro pequeño"). Algunos compositores, en particular Wagner, han escrito sus propios libretos; otros han trabajado en estrecha colaboración con sus libretistas, por ejemplo, Mozart con Lorenzo Da Ponte . La ópera tradicional, a menudo denominada " ópera de números ", consta de dos modos de canto: recitativo , los pasajes que impulsan la trama cantados en un estilo diseñado para imitar y enfatizar las inflexiones del habla, [4] y aria.(un "aire" o canción formal) en la que los personajes expresan sus emociones en un estilo melódico más estructurado. Suelen producirse dúos vocales, tríos y otros conjuntos, y se utilizan coros para comentar la acción. En algunas formas de ópera, como singspiel , opéra comique , opereta y semi-ópera , el recitativo se reemplaza principalmente por el diálogo hablado. Los pasajes melódicos o semi-melódicos que ocurren en medio o en lugar del recitativo también se denominan arioso . La terminología de los diversos tipos de voces operísticas se describe en detalle a continuación . [5]Tanto en el Barroco como en el Clásico, el recitativo podía presentarse en dos formas básicas, cada una de las cuales iba acompañada de un conjunto instrumental diferente: el recitativo secco (seco), cantado con un ritmo libre dictado por el acento de las palabras, acompañado únicamente de bajo. continuo , que solía ser un clavecín y un violonchelo; o acompañamiento (también conocido como strumentato ) en el que la orquesta proporcionó acompañamiento. Durante el siglo XVIII, las arias fueron acompañadas cada vez más por la orquesta. Hacia el siglo XIX, Accompagnatohabía ganado la partida, la orquesta jugó un papel mucho más importante y Wagner revolucionó la ópera al abolir casi toda distinción entre aria y recitativo en su búsqueda de lo que Wagner denominó "melodía sin fin". Los compositores posteriores han tendido a seguir el ejemplo de Wagner, aunque algunos, como Stravinsky en The Rake's Progress, se han opuesto a la tendencia. El papel cambiante de la orquesta en la ópera se describe con más detalle a continuación .

Historia [ editar ]

Orígenes [ editar ]

Claudio Monteverdi

La palabra italiana ópera significa "trabajo", tanto en el sentido del trabajo realizado como del resultado producido. La palabra italiana deriva de la ópera latina , un sustantivo singular que significa "trabajo" y también el plural del sustantivo opus . Según el Oxford English Dictionary , la palabra italiana se utilizó por primera vez en el sentido de "composición en la que se combinan poesía, danza y música" en 1639; el primer uso del inglés registrado en este sentido data de 1648. [6]

Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, como se entiende hoy. Fue escrito alrededor de 1597, en gran parte bajo la inspiración de un círculo de élite de humanistas florentinos alfabetizadosque se reunieron como la " Camerata de 'Bardi ". Significativamente, Dafne fue un intento de revivir el drama griego clásico, parte del renacimiento más amplio de la antigüedad característica del Renacimiento . Los miembros de la Camerata consideraron que las partes del "coro" de los dramas griegos se cantaron originalmente, y posiblemente incluso el texto completo de todos los roles; La ópera fue así concebida como una forma de "restaurar" esta situación. Dafne,sin embargo, se pierde. Una obra posterior de Peri, Euridice , que data de 1600, es la primera partitura de ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días. Sin embargo, el honor de ser la primera ópera que aún se representa con regularidad es para L'Orfeo de Claudio Monteverdi , compuesta para la corte de Mantua en 1607. [7] La corte de Mantua de los Gonzaga , patronos de Monteverdi, interpretó un papel importante en el origen de la ópera empleando no sólo a cantantes de la corte del concerto delle donne (hasta 1598), sino también a una de las primeras "cantantes de ópera" reales, Madama Europa . [8]

Ópera italiana [ editar ]

Época barroca [ editar ]

Antonio Vivaldi , en 1723
Teatro barroco privado en Český Krumlov
Teatro Argentina ( Panini , 1747, Musée du Louvre )

La ópera no permaneció confinada al público de la corte por mucho tiempo. En 1637, surgió en Venecia la idea de una "temporada" (a menudo durante el carnaval ) de óperas a las que se asistía públicamente con el apoyo de la venta de entradas . Monteverdi se había trasladado a la ciudad desde Mantua y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea , para el teatro veneciano en la década de 1640. Su seguidor más importante, Francesco Cavalli, ayudó a difundir la ópera por toda Italia. En estas primeras óperas barrocas, la comedia amplia se mezclaba con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, lo que provocó el primero de los muchos movimientos de reforma de la ópera, patrocinado por la Academia Arcadian., que llegó a asociarse con el poeta Metastasio , cuyos libretos ayudaron a cristalizar el género de la ópera seria , que se convirtió en la forma principal de la ópera italiana hasta finales del siglo XVIII. Una vez que se estableció firmemente el ideal metastasiano, la comedia en la ópera de la época barroca se reservó para lo que se denominó ópera buffa . Antes de que tales elementos fueran expulsados ​​de la ópera seria, muchos libretos habían presentado una trama cómica que se desarrollaba por separado como una especie de "ópera dentro de una ópera". Una de las razones de esto fue un intento de atraer a los teatros de ópera públicos a miembros de la creciente clase de comerciantes, recientemente ricos, pero aún no tan cultos como la nobleza.. Estas tramas separadas resucitaron casi de inmediato en una tradición que se desarrolló por separado y que derivó en parte de la commedia dell'arte , una tradición escénica de improvisación de larga data en Italia. Así como se había representado alguna vez intermedi entre los actos de las obras de teatro, las óperas del nuevo género cómico de los intermezzi , que se desarrolló principalmente en Nápoles en las décadas de 1710 y 1720, se representaron inicialmente durante los intermedios de la ópera seria. Sin embargo, se hicieron tan populares que pronto se ofrecieron como producciones independientes.

La ópera seria tenía un tono elevado y una forma muy estilizada, por lo general consistía en un recitativo secco intercalado con largas arias da capo . Estos brindaron una gran oportunidad para el canto virtuoso y durante la edad de oro de la ópera seria, el cantante realmente se convirtió en la estrella. El papel del héroe generalmente se escribía para la voz de castrato masculina aguda, que se producía por castración del cantante antes de la pubertad , lo que impedía que la laringe de un niño se transformara en la pubertad. Castrati como Farinelli y Senesino , así como sopranos como Faustina Bordoni, se convirtió en una gran demanda en toda Europa ya que la ópera seria dominaba el escenario en todos los países excepto en Francia. Farinelli fue uno de los cantantes más famosos del siglo XVIII. La ópera italiana estableció el estándar barroco. Los libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handel se encontró componiendo artistas como Rinaldo y Giulio Cesare para el público londinense. Los libretos italianos también siguieron siendo dominantes en el período clásico , por ejemplo, en las óperas de Mozart , que escribió en Viena cerca del final del siglo. Entre los principales compositores de ópera seria nacidos en Italia se encuentran Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi yNicola Porpora . [9]

Las reformas de Gluck y Mozart [ editar ]

Ilustración para la partitura de la versión original de Viena de Orfeo ed Euridice

La ópera seria tuvo sus debilidades y críticas. El gusto por el embellecimiento por parte de los cantantes magníficamente entrenados y el uso del espectáculo como reemplazo de la unidad y la pureza dramática provocó ataques. El Ensayo sobre la ópera de Francesco Algarotti (1755) resultó ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck . Abogó por que la ópera seria tuviera que volver a lo básico y que todos los elementos —música (tanto instrumental como vocal), ballet y puesta en escena— debían estar subordinados al drama predominante. En 1765 Melchior Grimm publicó " Poème lyrique ", un artículo influyente para la Encyclopédie sobre lírica y óperalibretos . [10] [11] [12] [13] [14] Varios compositores de la época, incluidos Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta , intentaron poner en práctica estos ideales. Sin embargo, el primero en tener éxito fue Gluck. Gluck se esforzó por lograr una "hermosa sencillez". Esto es evidente en su primera ópera reforma, Orfeo ed Euridice , donde sus melodías vocales no virtuosas están respaldadas por armonías simples y una presencia orquestal más rica en todas partes.

Las reformas de Gluck han tenido resonancia a lo largo de la historia de la ópera. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, sucesor de Gluck en muchos sentidos, combinó un magnífico sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto para escribir una serie de óperas cómicas con libretos de Lorenzo Da Ponte , en particular Le nozze di Figaro , Don Giovanni y Così fan tutte , que permanecen entre las óperas más queridas, populares y conocidas. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria fue más variada; en su momento estaba muriendo y, a pesar de obras tan bellas como Idomeneo y La clemenza di Tito , no lograría devolverle la vida a la forma de arte.[15]

Bel canto, Verdi y verismo [ editar ]

Giuseppe Verdi, de Giovanni Boldini , 1886

El movimiento de la ópera bel canto floreció a principios del siglo XIX y está ejemplificado por las óperas de Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante y muchos otros. Literalmente "bello canto", la ópera bel canto se deriva de la escuela italiana de canto estilístico del mismo nombre. Las líneas del bel canto son típicamente floridas e intrincadas, y requieren una agilidad y un control de tono supremo. Ejemplos de óperas famosas en el estilo del bel canto incluyen Il barbiere di Siviglia y La Cenerentola de Rossini , así como Norma , La sonnambula e I puritani de Bellini .y Lucia di Lammermoor de Donizetti , L'elisir d'amore y Don Pasquale .

Después de la era del bel canto, Giuseppe Verdi popularizó rápidamente un estilo más directo y contundente , comenzando con su ópera bíblica Nabucco . Esta ópera, y las que seguirían en la carrera de Verdi, revolucionaron la ópera italiana, cambiándola de una mera exhibición de fuegos artificiales vocales, con las obras de Rossini y Donizetti, a la narración dramática. Las óperas de Verdi resonaron con el creciente espíritu del nacionalismo italiano en la era posnapoleónica , y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico por una Italia unificada. A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto , Il trovatore y La traviata . El primero de estos,Rigoletto , resultó ser el más atrevido y revolucionario. En él, Verdi desdibuja la distinción entre el aria y el recitativo como nunca antes, lo que lleva a la ópera a ser "una cadena interminable de dúos". La traviata también fue novedosa. Cuenta la historia de una cortesana, ya menudo se cita como una de las primeras óperas "realistas", [ cita requerida ] porque en lugar de presentar grandes reyes y figuras de la literatura, se centra en las tragedias de la vida y la sociedad ordinarias. Después de estos, continuó desarrollando su estilo, componiendo quizás la gran gran ópera francesa , Don Carlos , y terminando su carrera con dos obras inspiradas en Shakespeare , Otello yFalstaff , que revelan hasta qué punto la ópera italiana había crecido en sofisticación desde principios del siglo XIX. Estas dos últimas obras mostraron a Verdi en su forma más magistralmente orquestada, y son increíblemente influyentes y modernas. En Falstaff , Verdi establece el estándar preeminente para la forma y el estilo que dominarían la ópera a lo largo del siglo XX. En lugar de melodías largas y suspendidas, Falstaffcontiene muchos pequeños motivos y lemas que, en lugar de expandirse, se introducen y luego se eliminan, solo para volver a aparecer más tarde. Estos motivos nunca se amplían, y justo cuando la audiencia espera que un personaje se lance en una larga melodía, un nuevo personaje habla e introduce una nueva frase. Esta moda de ópera dirigió la ópera desde Verdi en adelante, ejerciendo una tremenda influencia en sus sucesores Giacomo Puccini , Richard Strauss y Benjamin Britten . [dieciséis]

Después de Verdi, apareció en Italia el melodrama sentimental "realista" del verismo . Este fue un estilo introducido por Pietro Mascagni 's Cavalleria rusticana y Ruggero Leoncavallo ' s Pagliacci que llegó a dominar escenarios de ópera del mundo, con obras tan populares como Giacomo Puccini 's La bohème , Tosca y Madama Butterfly . Compositores italianos posteriores, como Berio y Nono , han experimentado con el modernismo . [17]

Ópera en alemán [ editar ]

La reina de la noche en una producción de 1815 de Die Zauberflöte de Mozart

La primera ópera alemana fue Dafne , compuesta por Heinrich Schütz en 1627, pero la partitura no ha sobrevivido. La ópera italiana tuvo un gran dominio sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII. Sin embargo, las formas nativas se desarrollarían a pesar de esta influencia. En 1644, Sigmund Staden produjo el primer Singspiel , Seelewig , una forma popular de ópera en lengua alemana en la que el canto se alterna con el diálogo hablado. A finales del siglo XVII y principios del XVIII, el Theatre am Gänsemarkt de Hamburgo presentó óperas alemanas de Keizer , Telemann y Handel.. Sin embargo, la mayoría de los principales compositores alemanes de la época, incluido el propio Handel, así como Graun , Hasse y luego Gluck , optaron por escribir la mayoría de sus óperas en idiomas extranjeros, especialmente en italiano. A diferencia de la ópera italiana, que generalmente se componía para la clase aristocrática, la ópera alemana se componía generalmente para las masas y tendía a presentar melodías sencillas de tipo folklórico, y no fue hasta la llegada de Mozart que la ópera alemana pudo igualar su estilo. Contraparte italiana en sofisticación musical. [18] La compañía de teatro de Abel Seyler fue pionera en la ópera seria en alemán en la década de 1770, marcando una ruptura con el entretenimiento musical anterior más simple. [19] [20]

Richard Wagner

Mozart 's Singspiele , El rapto en el serrallo (1782) y Die Zauberflöte (1791) fueron un importante avance en el logro de reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por Beethoven con su Fidelio (1805), inspirado en el clima de la Revolución Francesa . Carl Maria von Weber estableció la ópera romántica alemana en oposición al dominio del bel canto italiano . Su Der Freischütz (1821) muestra su genio para crear una atmósfera sobrenatural. Otros compositores de ópera de la época incluyen Marschner, Schubert y Lortzing , pero la figura más significativa fue sin duda Wagner .

Brünnhilde se lanza a la pira funeraria de Siegfried en la Götterdämmerung de Wagner

Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidos de la historia de la música. Comenzando bajo la influencia de Weber y Meyerbeer , desarrolló gradualmente un nuevo concepto de ópera como Gesamtkunstwerk (una "obra de arte completa"), una fusión de música, poesía y pintura. Incrementó enormemente el papel y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de leitmotifs , temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama, de los cuales se pueden escuchar prototipos en sus óperas anteriores como Der fliegende Holländer , Tannhäuser y Lohengrin; y estaba dispuesto a violar las convenciones musicales aceptadas, como la tonalidad , en su búsqueda de una mayor expresividad. En sus dramas musicales maduros, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen y Parsifal , abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía sin fin". Wagner también aportó una nueva dimensión filosófica a la ópera en sus obras, que generalmente se basaban en historias de leyendas germánicas o artúricas . Finalmente, Wagner construyó su propia casa de ópera en Bayreuth con parte del patrocinio de Luis II de Baviera., dedicado exclusivamente a interpretar sus propias obras en el estilo que quería.

La ópera nunca volvería a ser la misma después de Wagner y para muchos compositores su legado resultó ser una carga pesada. Por otro lado, Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero las llevó en direcciones completamente nuevas, además de incorporar la nueva forma introducida por Verdi. Primero ganó fama con la escandalosa Salomé y la oscura tragedia Elektra , en la que la tonalidad fue llevada al límite. Luego, Strauss cambió de rumbo en su mayor éxito, Der Rosenkavalier , donde los valses de Mozart y Viena se convirtieron en una influencia tan importante como Wagner. Strauss continuó produciendo un cuerpo muy variado de obras operísticas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal.. Otros compositores que hicieron contribuciones individuales a la ópera alemana a principios del siglo XX incluyen a Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni . Las innovaciones operísticas de Arnold Schoenberg y sus sucesores se analizan en la sección sobre modernismo . [21]

Durante el siglo 19, el compositor austriaco Johann Strauss , un admirador de los franceses en idioma alemán operetas compuestas por Jacques Offenbach , compuso varias zarzuelas en idioma alemán, el más famoso de los cuales fue Die Fledermaus . [22] Sin embargo, en lugar de copiar el estilo de Offenbach, las operetas de Strauss II tenían un sabor claramente vienés .

Ópera francesa [ editar ]

Una representación de la ópera Armide de Lully en la Salle du Palais-Royal en 1761

En rivalidad con las producciones de ópera italianas importadas, el italiano Jean-Baptiste Lully fundó una tradición francesa separada en la corte del rey Luis XIV . A pesar de su origen extranjero, Lully estableció una Academia de Música y monopolizó la ópera francesa a partir de 1672. Comenzando con Cadmus et Hermione , Lully y su libretista Quinault crearon tragédie en musique , una forma en la que la música de baile y la escritura coral eran particularmente prominentes. Las óperas de Lully también muestran una preocupación por el recitativo expresivo que coincide con los contornos del idioma francés. En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully fue Jean-Philippe Rameau., que compuso cinco tragédies en musique y numerosas obras de otros géneros como la ópera-ballet , todas destacadas por su rica orquestación y atrevimiento armónico. A pesar de la popularidad de la ópera seria italiana en gran parte de Europa durante el período barroco, la ópera italiana nunca ganó mucho terreno en Francia, donde su propia tradición operística nacional fue más popular. [23] Después de la muerte de Rameau, el alemán Gluck fue persuadido de producir seis óperas para el escenario parisino.en la década de 1770. Muestran la influencia de Rameau, pero simplificadas y con mayor enfoque en el drama. Al mismo tiempo, a mediados del siglo XVIII, otro género ganaba popularidad en Francia: la opéra comique . Este era el equivalente del singspiel alemán , donde las arias se alternaban con el diálogo hablado. Ejemplos notables de este estilo fueron producidos por Monsigny , Philidor y, sobre todo, Grétry . Durante el período revolucionario y napoleónico , compositores como Étienne Méhul , Luigi Cherubini y Gaspare Spontini, seguidores de Gluck, aportaron una nueva seriedad al género, que en ningún caso había sido del todo "cómico". Otro fenómeno de este período fue la "ópera de propaganda" que celebra los éxitos revolucionarios, por ejemplo , Le triomphe de la République de Gossec (1793).

Magdalena Kožená y Jonas Kaufmann en una escena de Carmen , Festival de Salzburgo 2012

En la década de 1820, la influencia gluckiana en Francia había dado paso al gusto por el bel canto italiano , especialmente después de la llegada de Rossini a París . Guillaume Tell de Rossini ayudó a fundar el nuevo género de la gran ópera , una forma cuyo exponente más famoso fue otro extranjero, Giacomo Meyerbeer . Las obras de Meyerbeer, como Les Huguenots , enfatizaron el canto virtuoso y los efectos escénicos extraordinarios. Lighter opéra comique también disfrutó de un tremendo éxito de la mano de Boïeldieu , Auber , Hérold y Adam. En este clima, las óperas del compositor francés Héctor Berlioz lucharon por ganar audiencia. La épica obra maestra de Berlioz , Les Troyens , la culminación de la tradición gluckiana, no se interpretó en su totalidad durante casi cien años.

En la segunda mitad del siglo XIX, Jacques Offenbach creó la opereta con obras ingeniosas y cínicas como Orphée aux enfers , así como la ópera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod obtuvo un gran éxito con Fausto ; y Georges Bizet compuso Carmen , que, una vez que el público aprendió a aceptar su mezcla de romanticismo y realismo, se convirtió en la más popular de todas las óperas cómicas. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns y Léo Delibes compusieron obras que todavía forman parte del repertorio estándar, por ejemplo, MassenetManon , Saint-Saëns ' Samson et Dalila y Delibes' Lakmé . Sus óperas formaron otro género, la Opera Lyrique, combinó la ópera cómica y la gran ópera. Es menos grandioso que la gran ópera, pero sin el diálogo hablado de la ópera cómica. Al mismo tiempo, la influencia de Richard Wagner se sintió como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas musicales de Wagner, mientras que muchos compositores franceses los imitaron de cerca con éxito variable. Quizás la respuesta más interesante vino de Claude Debussy . Al igual que en las obras de Wagner, la orquesta desempeña un papel principal en la singular ópera Pelléas et Mélisande de Debussy.(1902) y no hay arias reales, solo recitativos. Pero el drama es discreto, enigmático y completamente anti-wagneriano.

Otros nombres notables del siglo XX incluyen Ravel , Dukas , Roussel , Honegger y Milhaud . Francis Poulenc es uno de los pocos compositores de posguerra de cualquier nacionalidad cuyas óperas (que incluyen Dialogues des Carmélites ) se han afianzado en el repertorio internacional. El extenso drama sagrado de Olivier Messiaen Saint François d'Assise (1983) también ha atraído una amplia atención. [24]

Ópera en inglés [ editar ]

Henry Purcell

En Inglaterra, el antecedente de la ópera fue la plantilla del siglo XVII . Esta fue una pieza secundaria que llegó al final de una obra de teatro. Con frecuencia era difamatorio y escandaloso y consistía principalmente en diálogos con música arreglada de melodías populares. En este sentido, los jigs anticipan las óperas baladas del siglo XVIII. Al mismo tiempo, la mascarada francesa estaba ganando terreno en la Corte Inglesa, con un esplendor aún más lujoso y una escenografía muy realista de lo que se había visto antes. Inigo Jones se convirtió en el diseñador por excelencia de estas producciones, y este estilo dominaría la escena inglesa durante tres siglos. Estos espectáculos contenían canciones y bailes. En los amantes de los hombres de Ben Jonson(1617), "toda la mascarada se cantó a la manera italiana, stilo recitativo". [25] El acercamiento de la Commonwealth inglesa cerró los teatros y detuvo cualquier desarrollo que pudiera haber llevado al establecimiento de la ópera inglesa. Sin embargo, en 1656, el dramaturgo Sir William Davenant produjo The Siege of Rhodes . Dado que su teatro no tenía licencia para producir teatro, pidió a varios de los principales compositores ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman y Hudson ) que le pusieran música a secciones. A este éxito le siguieron La crueldad de los españoles en Perú (1658) yLa historia de Sir Francis Drake (1659). Estas piezas fueron alentadas por Oliver Cromwell porque eran críticas con España. Con la Restauración inglesa , los músicos extranjeros (especialmente franceses) fueron bienvenidos. En 1673, Thomas Shadwell 's psique , modelada en el 1671 'comedia-ballet' del mismo nombre producida por Molière y Jean-Baptiste Lully . William Davenant produjo The Tempest en el mismo año, que fue la primera adaptación musical de unaobra de Shakespeare (compuesta por Locke y Johnson). [25] Alrededor de 1683, John Blow compusoVenus y Adonis , a menudo considerada como la primera ópera verdadera en inglés.

El sucesor inmediato de Blow fue el más conocido Henry Purcell . A pesar del éxito de su obra maestra Dido y Eneas (1689), en la que la acción se ve reforzada por el uso del recitativo al estilo italiano, gran parte de la mejor obra de Purcell no estaba involucrada en la composición de ópera típica, sino que por lo general trabajaba en las limitaciones del formato de la semi-ópera , donde escenas aisladas y máscaras están contenidas dentro de la estructura de una obra de teatro hablada, como Shakespeare en The Fairy-Queen de Purcell (1692) y Beaumont y Fletcher en The Prophetess (1690) y Bonduca(1696). Los personajes principales de la obra tienden a no estar involucrados en las escenas musicales, lo que significa que Purcell rara vez pudo desarrollar sus personajes a través de la canción. A pesar de estos obstáculos, su objetivo (y el de su colaborador John Dryden ) era establecer una ópera seria en Inglaterra, pero estas esperanzas terminaron con la temprana muerte de Purcell a la edad de 36 años.

Thomas Arne

Después de Purcell, la popularidad de la ópera en Inglaterra disminuyó durante varias décadas. En la década de 1730 se produjo un renovado interés por la ópera, que se atribuye en gran parte a Thomas Arne , tanto por sus propias composiciones como por alertar a Handel sobre las posibilidades comerciales de las obras a gran escala en inglés. Arne fue el primer compositor inglés en experimentar con la ópera cómica cantada al estilo italiano, y su mayor éxito fue Thomas y Sally en 1760. Su ópera Artajerjes (1762) fue el primer intento de establecer una ópera seria en toda regla.en inglés y fue un gran éxito, manteniendo el escenario hasta la década de 1830. Aunque Arne imitó muchos elementos de la ópera italiana, fue quizás el único compositor inglés en ese momento que fue capaz de ir más allá de las influencias italianas y crear su propia voz única y distintivamente inglesa. Su ópera balada modernizada, Love in a Village (1762), inició una moda para la ópera pastiche que duró hasta bien entrado el siglo XIX. Charles Burney escribió que Arne introdujo "una melodía ligera, aireada, original y agradable, totalmente diferente de la de Purcell o Handel, a quienes todos los compositores ingleses habían saqueado o imitado".

El Mikado (litografía)

Además de Arne, la otra fuerza dominante en la ópera inglesa en este momento era George Frideric Handel , cuyas series de ópera llenaron los escenarios operísticos de Londres durante décadas e influyeron en la mayoría de los compositores locales, como John Frederick Lampe , que escribió utilizando modelos italianos. Esta situación continuó a lo largo de los siglos XVIII y XIX, incluso en la obra de Michael William Balfe , y las óperas de los grandes compositores italianos, así como las de Mozart, Beethoven y Meyerbeer, continuaron dominando el escenario musical en Inglaterra.

Las únicas excepciones fueron ópera de baladas , como John Gay 's ópera del mendigo (1728), musicales burlas , europeos operetas , y finales de la época victoriana óperas ligeras , en particular el Savoy Operas de WS Gilbert y Arthur Sullivan , todos los tipos de música los entretenimientos frecuentemente falsificaban las convenciones operísticas. Sullivan escribió solo una gran ópera, Ivanhoe (siguiendo los esfuerzos de varios jóvenes compositores ingleses a partir de 1876), [25]pero afirmó que incluso sus óperas ligeras constituían parte de una escuela de ópera "inglesa", destinada a suplantar a las operetas francesas (usualmente interpretadas con malas traducciones) que habían dominado el escenario londinense desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1870. El Daily Telegraph de Londres estuvo de acuerdo, describiendo a The Yeomen of the Guard como "una auténtica ópera inglesa, precursora de muchas otras, esperemos, y posiblemente significativa de un avance hacia una etapa lírica nacional". [26] Sullivan produjo algunas óperas ligeras en la década de 1890 que eran de naturaleza más seria que las de la serie G&S, incluidas Haddon Hall y The Beauty Stone , pero Ivanhoe(que tuvo 155 funciones consecutivas, usando elencos alternos, un récord hasta La bohème de Broadway ) sobrevive como su única gran ópera .

En el siglo XX, la ópera inglesa comenzó a afirmar más independencia, con obras de Ralph Vaughan Williams y en particular de Benjamin Britten , quien en una serie de obras que permanecen en el repertorio estándar hoy, reveló un excelente don para la musicalidad dramática y soberbia. Más recientemente, Sir Harrison Birtwistle se ha convertido en uno de los compositores contemporáneos más importantes de Gran Bretaña, desde su primera ópera Punch and Judy hasta su más reciente éxito de crítica en El Minotauro . En la primera década del siglo XXI, el libretista de una de las primeras óperas de Birtwistle, Michael Nyman , se ha centrado en la composición de óperas, entre ellas Facing Goya ,Hombre y niño: dadá y el amor cuenta . Hoy en día, compositores como Thomas Adès continúan exportando ópera inglesa al extranjero. [27]

También en el siglo XX, compositores estadounidenses como George Gershwin ( Porgy y Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore y Carlisle Floyd comenzaron a contribuir con óperas en inglés con toques de estilos musicales populares. Les siguieron compositores como Philip Glass ( Einstein en la playa ), Mark Adamo , John Corigliano ( Los fantasmas de Versalles ), Robert Moran ,John Adams ( Nixon en China ), André Previn y Jake Heggie . Han surgido muchos compositores de ópera contemporáneos del siglo XXI, como Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching y Ricky Ian Gordon .

Ópera rusa [ editar ]

Feodor Chaliapin como Ivan Susanin en Glinka Es Una vida por el Zar

La ópera fue traída a Rusia en la década de 1730 por los grupos de ópera italianos y pronto se convirtió en una parte importante del entretenimiento para la corte imperial rusa y la aristocracia . Muchos compositores extranjeros como Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti y Domenico Cimarosa (entre otros) fueron invitados a Rusia para componer nuevas óperas, principalmente en italiano . Simultáneamente, algunos músicos nacionales como Maksym Berezovsky y Dmitry Bortniansky fueron enviados al extranjero para aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en ruso fue Tsefal i Prokrisdel compositor italiano Francesco Araja (1755). El desarrollo de la ópera en ruso fue apoyado por los compositores rusos Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin y Alexey Verstovsky .

Sin embargo, el verdadero nacimiento de la ópera rusa llegó con Mikhail Glinka y sus dos grandes óperas Una vida para el zar (1836) y Ruslan y Lyudmila (1842). Después de él, durante el siglo XIX en Rusia, se escribieron obras maestras operísticas como Rusalka y The Stone Guest de Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov y Khovanshchina de Modest Mussorgsky , Prince Igor de Alexander Borodin , Eugene Onegin y The Queen of Spades de Pyotr Tchaikovsky , yLa doncella de nieve y Sadko de Nikolai Rimsky-Korsakov . Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso entodo el espectro artístico, como parte delmovimiento eslavofilismo más general.

En el siglo XX, las tradiciones de la ópera rusa fueron desarrolladas por muchos compositores, incluidos Sergei Rachmaninoff en sus obras The Miserly Knight y Francesca da Rimini , Igor Stravinsky en Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex y The Rake's Progress , Sergei Prokofiev en The Gambler. , El amor por las tres naranjas , El ángel ardiente , Los esponsales en un monasterio y La guerra y la paz ; así como Dmitri Shostakovich en The Nosey Lady Macbeth del distrito de Mtsensk , Edison Denisov en L'écume des jours y Alfred Schnittke en Life with an Idiot e Historia von D. Johann Fausten . [28]

Ópera checa [ editar ]

Los compositores checos también desarrollaron un próspero movimiento de ópera nacional propio en el siglo XIX, comenzando con Bedřich Smetana , quien escribió ocho óperas, incluida la internacionalmente popular The Bartered Bride . Las ocho óperas de Smetana crearon la base del repertorio de la ópera checa, pero de ellas solo La novia vendida se representa regularmente fuera de la tierra natal del compositor. Después de llegar a Viena en 1892 y a Londres en 1895, rápidamente se convirtió en parte del repertorio de todas las principales compañías de ópera del mundo.

Leoš Janáček en 1917

Las nueve óperas de Antonín Dvořák , excepto la primera, tienen libretos en checo y estaban destinadas a transmitir el espíritu nacional checo, al igual que algunas de sus obras corales. Con mucho, la más exitosa de las óperas es Rusalka, que contiene el conocido aria "Měsíčku na nebi hlubokém" ("Canción a la luna"); se juega en escenarios de ópera contemporánea con frecuencia fuera de la República Checa . Esto es atribuible a su invención y libretos desiguales, y quizás también a sus requisitos de puesta en escena: los jacobinos , Armida , Vanda y Dimitrij necesitan escenarios lo suficientemente grandes como para retratar ejércitos invasores.

Puntuación de La novia vendida de Smetana

Leoš Janáček ganó reconocimiento internacional en el siglo XX por sus obras innovadoras. Sus obras posteriores y maduras incorporan sus estudios anteriores de la música folclórica nacional en una síntesis moderna y muy original, evidente por primera vez en la ópera Jenůfa , que se estrenó en 1904 en Brno . El éxito de Jenůfa (a menudo llamada la " ópera nacional de Moravia ") en Praga en 1916 le dio a Janáček acceso a los grandes escenarios de ópera del mundo. Las últimas obras de Janáček son las más célebres. Incluyen óperas como Káťa Kabanová y The Cunning Little Vixen , la Sinfonietta y la Glagolitic Mass .

Otras óperas nacionales [ editar ]

España también produjo su propia forma distintiva de ópera, conocida como zarzuela , que tuvo dos florecimientos separados: uno desde mediados del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII, y otro a partir de 1850. Desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XVIII. La ópera italiana del siglo XIX fue inmensamente popular en España, reemplazando a la forma nativa.

En la Europa del Este de Rusia, comenzaron a surgir varias óperas nacionales. La ópera ucraniana fue desarrollada por Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873), cuya obra más famosa Zaporozhets za Dunayem (Un cosaco más allá del Danubio) se representa regularmente en todo el mundo. Otros compositores de ópera ucranianos incluyen a Mykola Lysenko ( Taras Bulba y Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda y Yuliy Meitus . A principios de siglo, un movimiento de ópera nacional distinto también comenzó a surgir en Georgia bajo el liderazgo de Zacharia Paliashvili , quien fusionó canciones e historias populares locales con historias del siglo XIX.Temas clásicos románticos .

Ferenc Erkel , el padre de la ópera húngara

La figura clave de la ópera nacional húngara en el siglo XIX fue Ferenc Erkel , cuyas obras trataron principalmente de temas históricos. Entre sus óperas más representadas se encuentran Hunyadi László y Bánk bán . La famosa ópera húngara más moderna es Béla Bartók 's Castillo de Barbazul .

La ópera Straszny Dwór de Stanisław Moniuszko (en inglés The Haunted Manor ) (1861-1864) representa un pico de la ópera nacional polaca del siglo XIX . [29] En el siglo XX, otras óperas creadas por compositores polacos incluyeron King Roger de Karol Szymanowski y Ubu Rex de Krzysztof Penderecki .

La primera ópera conocida de Turquía (el Imperio Otomano ) fue Arshak II , que era una ópera armenia compuesta por un compositor de etnia armenia Tigran Chukhajian en 1868 y parcialmente interpretada en 1873. Se representó por completo en 1945 en Armenia.

Escena de la ópera " Leyli y Majnun " de Uzeyir Hajibeyovs . 1934. Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet de Azerbaiyán

Los primeros años de la Unión Soviética vieron el surgimiento de nuevas óperas nacionales, como la Koroğlu (1937) del compositor azerbaiyano Uzeyir Hajibeyov . La primera ópera de Kirguistán , Ai-Churek , se estrenó en Moscú en el Teatro Bolshoi el 26 de mayo de 1939, durante la Década del Arte de Kirguistán. Fue compuesta por Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev y Vladimir Fere . El libreto fue escrito por Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov y Kybanychbek Malikov. La ópera está basada en la heroica epopeya kirguisa Manas . [30] [31]

En Irán, la ópera ganó más atención después de la introducción de la música clásica occidental a finales del siglo XIX. Sin embargo, los compositores iraníes tardaron hasta mediados del siglo XX en comenzar a experimentar con el campo, especialmente cuando la construcción de la Sala Roudaki en 1967 hizo posible la puesta en escena de una gran variedad de obras para el escenario. Quizás, la ópera iraní más famosa es Rostam and Sohrab de Loris Tjeknavorian, que no se estrenó hasta principios de la década de 2000.

La ópera clásica china contemporánea , una forma en idioma chino de ópera de estilo occidental que es distinta de la ópera tradicional china, ha tenido óperas que se remontan a La chica de pelo blanco en 1945. [32] [33] [34]

En América Latina, la ópera comenzó como resultado de la colonización europea. La primera ópera escrita en América fue La púrpura de la rosa , de Tomás de Torrejón y Velasco , aunque Partenope , del mexicano Manuel de Zumaya , fue la primera ópera escrita por un compositor nacido en América Latina (música ahora perdida). La primera ópera brasileña con libreto en portugués fue A Noite de São João , de Elias Álvares Lobo . Sin embargo, Antônio Carlos Gomes es generalmente considerado como el compositor brasileño más destacado, teniendo un relativo éxito en Italia con sus óperas de temática brasileña con libretos italianos, como Il Guarany.. La ópera en Argentina se desarrolló en el siglo XX después de la inauguración del Teatro Colón en Buenos Aires, con la ópera Aurora , de Ettore Panizza , fuertemente influenciada por la tradición italiana, debido a la inmigración. Otros compositores importantes de Argentina son Felipe Boero y Alberto Ginastera .

Tendencias contemporáneas, recientes y modernistas [ editar ]

Modernismo [ editar ]

Quizás la manifestación estilística más obvia del modernismo en la ópera sea el desarrollo de la atonalidad . El alejamiento de la tonalidad tradicional en la ópera había comenzado con Richard Wagner , y en particular el acorde de Tristán . Compositores como Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini [ cita requerida ] , Paul Hindemith , Benjamin Britten y Hans Pfitzner llevaron la armonía wagneriana más allá con un uso más extremo del cromatismo y un mayor uso de la disonancia. Otro aspecto de la ópera modernista es el cambio de melodías largas y suspendidas a lemas breves y rápidos, como lo ilustra por primera vezGiuseppe Verdi en su Falstaff . Compositores como Strauss, Britten, Shostakovich y Stravinsky adoptaron y ampliaron este estilo.

Arnold Schoenberg en 1917; retrato de Egon Schiele

El modernismo operístico realmente comenzó en las óperas de dos compositores vieneses, Arnold Schoenberg y su alumno Alban Berg , ambos compositores y defensores de la atonalidad y su desarrollo posterior (según lo elaborado por Schoenberg), la dodecafonía . Las primeras obras musico-dramáticas de Schoenberg, Erwartung (1909, estrenada en 1924) y Die glückliche Hand muestran un uso intensivo de la armonía cromática y la disonancia en general. Schoenberg también usó ocasionalmente Sprechstimme .

Las dos óperas del alumno de Schoenberg, Alban Berg, Wozzeck (1925) y Lulu (incompleta a su muerte en 1935) comparten muchas de las mismas características descritas anteriormente, aunque Berg combinó su interpretación muy personal de la técnica de doce tonos de Schoenberg con pasajes melódicos de una naturaleza más tradicionalmente tonal (de carácter bastante mahleriano) que quizás explica parcialmente por qué sus óperas se han mantenido en el repertorio estándar, a pesar de su controvertida música y tramas. Las teorías de Schoenberg han influido (directa o indirectamente) en un número significativo de compositores de ópera desde entonces, incluso si ellos mismos no compusieron utilizando sus técnicas.

Stravinsky en 1921

Entre los compositores así influenciados se encuentran el inglés Benjamin Britten , el alemán Hans Werner Henze y el ruso Dmitri Shostakovich . ( Philip Glass también hace uso de la atonalidad, aunque su estilo generalmente se describe como minimalista , generalmente considerado como otro desarrollo del siglo XX). [35]

Sin embargo, el uso de la atonalidad por parte del modernismo operístico también provocó una reacción violenta en forma de neoclasicismo . Uno de los primeros líderes de este movimiento fue Ferruccio Busoni , quien en 1913 escribió el libreto de su ópera de números neoclásicos Arlecchino (estrenada en 1917). [36] También entre la vanguardia estaba el ruso Igor Stravinsky . Después de componer música para los ballets producidos por Diaghilev Petrushka (1911) y The Rite of Spring (1913), Stravinsky se inclinó hacia el neoclasicismo, un desarrollo que culminó en su ópera-oratorio Oedipus Rex.(1927). Stravinsky ya se había alejado de las tendencias modernistas de sus primeros ballets para producir obras a pequeña escala que no calificaban completamente como ópera, pero que ciertamente contienen muchos elementos operísticos, incluido Renard (1916: "un burlesco en el canto y la danza") y The Soldier's Tale (1918: "para leer, tocar y bailar"; en ambos casos las descripciones e instrucciones son las del compositor). En este último, los actores declaman porciones de discurso a un ritmo específico sobre acompañamiento instrumental, peculiarmente similar al viejo género alemán de melodrama . Mucho después de sus obras inspiradas en Rimsky-Korsakov The Nightingale (1914) y Mavra (1922), Stravinsky continuó ignorandotécnica serialista y, finalmente, escribió una ópera de números diatónicos al estilo del siglo XVIII, The Rake's Progress (1951). Su resistencia al serialismo (una actitud que invirtió tras la muerte de Schoenberg) resultó ser una inspiración para muchos [ ¿quién? ] otros compositores. [37]

Otras tendencias [ editar ]

Una tendencia común a lo largo del siglo XX, tanto en la ópera como en el repertorio orquestal general, es el uso de orquestas más pequeñas como medida de reducción de costos; las grandes orquestas de la era romántica con enormes secciones de cuerdas, arpas múltiples, trompas adicionales e instrumentos de percusión exóticos ya no eran factibles. A medida que el patrocinio gubernamental y privado de las artes disminuyó a lo largo del siglo XX, las obras nuevas a menudo se encargaban y representaban con presupuestos más reducidos, lo que a menudo resultaba en obras del tamaño de una cámara y óperas breves de un acto. Muchas de las óperas de Benjamin Britten están compuestas por tan solo 13 instrumentistas; La realización en dos actos de Mujercitas de Mark Adamo está compuesta por 18 instrumentistas.

Otro rasgo de la ópera de finales del siglo XX es el surgimiento de óperas históricas contemporáneas, en contraste con la tradición de basar las óperas en una historia más lejana, el recuento de historias o obras de ficción contemporáneas, o en mitos o leyendas. La muerte de Klinghoffer , Nixon en China y Doctor Atomic de John Adams , Dead Man Walking de Jake Heggie y Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage ejemplifican la dramatización en el escenario de eventos en la memoria viva reciente, donde los personajes retratados en la ópera estaban vivos. en el momento de la presentación de estreno.

La Metropolitan Opera en los EE. UU. (A menudo conocida como el Met) informó en 2011 que la edad promedio de su audiencia era de 60 años. [38] Muchas compañías de ópera intentaron atraer a una audiencia más joven para detener la tendencia mayor de audiencias grises de la música clásica desde las últimas décadas del siglo XX. [39] Los esfuerzos dieron como resultado la reducción de la edad promedio de la audiencia del Met a 58 en 2018, la edad promedio en la Ópera Estatal de Berlín fue de 54 años y la Ópera de París informó una edad promedio de 48 años. [40]

Las empresas más pequeñas de EE. UU. Tienen una existencia más frágil y, por lo general, dependen de una "colcha de retazos" de apoyo de los gobiernos estatales y locales, las empresas locales y las recaudaciones de fondos. Sin embargo, algunas empresas más pequeñas han encontrado formas de atraer nuevas audiencias. Además de las transmisiones de representaciones de ópera por radio y televisión, que han tenido cierto éxito en la captación de nuevas audiencias, las transmisiones de representaciones en vivo en salas de cine han demostrado el potencial para llegar a nuevas audiencias. [41]

De los musicales a la ópera [ editar ]

A fines de la década de 1930, algunos musicales comenzaron a escribirse con una estructura más operística. Estas obras incluyen complejos conjuntos polifónicos y reflejan desarrollos musicales de su época. Porgy y Bess (1935), influenciados por los estilos del jazz, y Candide (1956), con sus pasajes líricos radicales y parodias de la ópera absurdas, ambos se estrenaron en Broadway pero fueron aceptados como parte del repertorio de ópera. Musicales populares como Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Operay otros cuentan historias dramáticas a través de música compleja y en la década de 2010 a veces se ven en teatros de ópera. [42] The Most Happy Fella (1952) es casi operística y ha sido revivida por la New York City Opera . Otros musicales influenciados por el rock , como Tommy (1969) y Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) y Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) Emplear varias convenciones operísticas, como a través de la composición , recitativo en lugar de diálogo y leitmotivs .

Mejora acústica en la ópera [ editar ]

Un tipo sutil de refuerzo electrónico de sonido llamado mejora acústica se utiliza en algunas salas de conciertos y teatros modernos donde se realizan óperas. Aunque ninguno de los principales teatros de ópera "... utiliza un refuerzo de sonido tradicional al estilo de Broadway, en el que la mayoría, si no todos los cantantes, están equipados con micrófonos de radio mezclados con una serie de parlantes antiestéticos repartidos por todo el teatro", muchos utilizan un refuerzo de sonido sistema para realce acústico y realce sutil de voces fuera del escenario, niños cantantes, diálogos en el escenario y efectos de sonido (por ejemplo, campanas de iglesia en Tosca o efectos de trueno en óperas wagnerianas). [43]

Voces operísticas [ editar ]

La técnica vocal operística evolucionó, en una época anterior a la amplificación electrónica, para permitir a los cantantes producir suficiente volumen para ser escuchados en una orquesta, sin que los instrumentistas tuvieran que comprometer sustancialmente su volumen.

Clasificaciones vocales [ editar ]

Los cantantes y los roles que desempeñan se clasifican por tipo de voz , en función de la tesitura , agilidad, potencia y timbre de sus voces. Los cantantes masculinos pueden clasificarse por rango vocal como bajo , bajo-barítono , barítono , baritono , tenor y contratenor , y cantantes femeninas como contralto , mezzosoprano y soprano . (Los hombres a veces cantan en los rangos vocales "femeninos", en cuyo caso se los denomina sopranista o contratenor .El contratenor se encuentra comúnmente en la ópera, a veces cantando partes escritas para castrati ( hombres castrados a una edad temprana específicamente para darles un rango de canto más alto). Luego, los cantantes se clasifican por tamaño; por ejemplo, una soprano puede describirse como una soprano lírica. , coloratura , soubrette , spinto o soprano dramático. Estos términos, aunque no describen completamente una voz cantante, asocian la voz del cantante con los roles más adecuados a las características vocales del cantante.

Sin embargo, se puede hacer otra subclasificación de acuerdo con las habilidades o requisitos de actuación, por ejemplo, el basso buffo que a menudo debe ser un especialista en patrones además de un actor cómico. Esto se lleva a cabo en detalle en el sistema Fach de los países de habla alemana, donde históricamente la ópera y el teatro hablado a menudo eran representados por la misma compañía de repertorio .

La voz de un cantante en particular puede cambiar drásticamente a lo largo de su vida, rara vez alcanza la madurez vocal hasta la tercera década y, a veces, no hasta la mediana edad. Dos tipos de voces francesas, premiere dugazon y deuxieme dugazon , recibieron su nombre de etapas sucesivas en la carrera de Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Otros términos originados en el sistema de casting de estrellas de los teatros parisinos son baryton-martin y soprano falcon .

Uso histórico de partes de voz [ editar ]

Lo siguiente solo pretende ser una breve descripción general. Para los artículos principales, ver soprano , mezzosoprano , contralto , tenor , barítono , bajo , contratenor y castrato .

La voz de soprano se ha utilizado típicamente como la voz elegida por la protagonista femenina de la ópera desde la segunda mitad del siglo XVIII. Anteriormente, era común que esa parte la cantara cualquier voz femenina, o incluso un castrato . El énfasis actual en una amplia gama vocal fue principalmente una invención del período clásico . Antes de eso, el virtuosismo vocal, no el rango, era la prioridad, con partes de soprano que rara vez se extendían por encima de una A alta ( Handel , por ejemplo, solo escribió un papel que se extendía a una C alta ), aunque se alegaba que el castrato Farinelli poseía un alto. D(su rango más bajo también fue extraordinario, extendiéndose al tenor C). La mezzosoprano, un término de origen comparativamente reciente, también tiene un gran repertorio, que va desde la protagonista femenina en Dido y Eneas de Purcell hasta papeles tan pesados ​​como Brangäne en Tristan und Isolde de Wagner (ambos son papeles a veces cantados por sopranos; hay bastante movimiento entre estos dos tipos de voz). Para el verdadero contralto, el abanico de partes es más limitado, lo que ha dado lugar a la broma interna de que los contraltos solo cantan papeles de "brujas, perras y calzones ". En los últimos años, muchos de los "papeles de pantalón" de la época barroca, originalmente escritos para mujeres, y los originalmente cantados por castrati, han sido reasignados a contratenores.

A la voz de tenor, desde la época clásica en adelante, se le ha asignado tradicionalmente el papel de protagonista masculino. Muchos de los papeles de tenor más desafiantes del repertorio se escribieron durante la era del bel canto , como la secuencia de Donizetti de 9 C sobre el C medio durante La fille du régiment . Con Wagner vino un énfasis en el peso vocal para sus papeles protagonistas, con esta categoría vocal descrita como Heldentenor ; esta voz heroica tuvo su contraparte más italiana en papeles como Calaf en Turandot de Puccini . Los bajos tienen una larga historia en la ópera, ya que se han utilizado en la ópera seria.en papeles secundarios y, a veces, para alivio cómico (además de proporcionar un contraste con la preponderancia de voces altas en este género). El repertorio de bajos es amplio y variado, desde la comedia de Leporello en Don Giovanni hasta la nobleza de Wotan en El ciclo del anillo de Wagner, pasando por el conflictivo rey Felipe de Verdi en Don Carlos . Entre el bajo y el tenor está el barítono, que también varía en peso, por ejemplo, Guglielmo en Così fan tutte de Mozart a Posa en Don Carlos de Verdi ; la designación real de "barítono" no fue estándar hasta mediados del siglo XIX.

Cantantes famosos [ editar ]

El castrato Senesino , c. 1720

Las primeras representaciones de ópera eran demasiado infrecuentes para que los cantantes se ganaran la vida exclusivamente con el estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, comenzaron a surgir artistas profesionales. El papel del héroe masculino generalmente se confiaba a un castrato , y en el siglo XVIII, cuando la ópera italiana se representó en toda Europa, los principales castrati que poseían un extraordinario virtuosismo vocal, como Senesino y Farinelli , se convirtieron en estrellas internacionales. La carrera de la primera gran estrella femenina (o prima donna ), Anna Renzi , se remonta a mediados del siglo XVII. En el siglo XVIII, varias sopranos italianas ganaron renombre internacional y, a menudo, entablaron una feroz rivalidad, como fue el caso deFaustina Bordoni y Francesca Cuzzoni , quienes comenzaron una pelea a puñetazos durante la representación de una ópera de Handel. A los franceses no les gustaban los castrati y preferían que sus héroes masculinos fueran cantados por un haute-contratre (un alto tenor), del cual Joseph Legros (1739-1793) fue un ejemplo destacado. [44]

Aunque el patrocinio de la ópera ha disminuido en el último siglo a favor de otras artes y medios (como musicales, cine, radio, televisión y grabaciones), los medios de comunicación y el advenimiento de la grabación han apoyado la popularidad de muchos cantantes famosos como Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , [45] [46] Nestor Mesta Chayres , [47] [48] [49] Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé, Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel y " Los tres tenores " ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo y José Carreras ) .

Cambio de rol de la orquesta [ editar ]

Antes de la década de 1700, las óperas italianas utilizaban una pequeña orquesta de cuerdas , pero rara vez se tocaba para acompañar a los cantantes. Los solos de ópera durante este período fueron acompañados por el grupo de bajo continuo , que consistía en el clavicémbalo , "instrumentos punteados" como el laúd y un instrumento bajo. [50] La orquesta de cuerdas normalmente solo tocaba cuando el cantante no estaba cantando, como durante las "... entradas y salidas de un cantante, entre números vocales, [o] para [acompañar] el baile". Otro papel de la orquesta durante este período fue tocar un ritornello orquestal para marcar el final del solo de un cantante. [50]A principios del siglo XVIII, algunos compositores comenzaron a utilizar la orquesta de cuerdas para marcar ciertas arias o recitativos "... como especiales"; hacia 1720, la mayoría de las arias iban acompañadas de una orquesta. Compositores de ópera como Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo y Johann Adolf Hasse agregaron nuevos instrumentos a la orquesta de ópera y dieron a los instrumentos nuevos roles. Agregaron instrumentos de viento a las cuerdas y usaron instrumentos orquestales para tocar solos instrumentales, como una forma de marcar ciertas arias como especiales. [50]

Orquesta de ópera alemana de principios de la década de 1950

La orquesta también ha proporcionado una obertura instrumental antes de que los cantantes suban al escenario desde el siglo XVII. Peri 's Euridice se abre con un breve papel decisivo ritornello , y Monteverdi ' s L'Orfeo (1607) se abre con una tocata , en este caso una fanfarria para silenciados trompetas . La obertura francesa que se encuentra en las óperas de Jean-Baptiste Lully [51] consiste en una introducción lenta en un marcado "ritmo punteado", seguida de un animado movimiento en fugatoestilo. La obertura fue seguida con frecuencia por una serie de melodías de baile antes de que se levantara el telón. Este estilo obertura también fue utilizado en la ópera Inglés, sobre todo en Henry Purcell 's Dido y Eneas . Handel también utiliza la forma de obertura francesa en algunas de sus óperas italianas, como Giulio Cesare . [52]

En Italia, una forma distinta llamada "obertura" surgió en la década de 1680, y se estableció particularmente a través de las óperas de Alessandro Scarlatti , y se extendió por toda Europa, suplantando la forma francesa como obertura operística estándar a mediados del siglo XVIII. [53] Utiliza tres movimientos generalmente homofónicos : rápido-lento-rápido. El movimiento de apertura era normalmente en métrica doble y en clave mayor; el movimiento lento en ejemplos anteriores fue breve y podría estar en una clave contrastante; El movimiento final era parecido a una danza, la mayoría de las veces con ritmos de gigue o minueto., y regresó a la clave de la sección de apertura. A medida que la forma evolucionó, el primer movimiento puede incorporar elementos de fanfarria y tomó el patrón de la llamada "forma de sonatina" ( forma de sonata sin una sección de desarrollo), y la sección lenta se volvió más extendida y lírica. [53]

En la ópera italiana después de alrededor de 1800, la "obertura" se conoció como la sinfonía . [54] Fisher también señala que el término Sinfonia avanti l'opera (literalmente, la "sinfonía antes de la ópera") era "un término temprano para una sinfonía usada para comenzar una ópera, es decir, como una obertura en oposición a una que sirve para comenzar una sección posterior del trabajo ". [54] En la ópera del siglo XIX, en algunas óperas, la obertura, Vorspiel , Einleitung , Introducción, o como se pueda llamar, era la parte de la música que tiene lugar antes de que se levante el telón; Ya no se requería una forma rígida específica para la obertura.

El papel de la orquesta en el acompañamiento de los cantantes cambió durante el siglo XIX, cuando el estilo clásico pasó a la era romántica. En general, las orquestas crecieron, se agregaron nuevos instrumentos, como instrumentos de percusión adicionales (por ejemplo, bombo, platillos, caja, etc.). La orquestación de partes de orquesta también se desarrolló durante el siglo XIX. En las óperas wagnerianas, la vanguardia de la orquesta fue más allá de la obertura. En óperas wagnerianas como el ciclo del anillo , la orquesta a menudo interpretó los temas musicales recurrentes o leitmotivs , un papel que dio un protagonismo a la orquesta que "... elevó su condición a la de una prima donna ". [55]Las óperas de Wagner se compusieron con un alcance y una complejidad sin precedentes, añadiendo más instrumentos de metal y tamaños de conjuntos enormes: de hecho, su partitura para Das Rheingold requiere seis arpas . En Wagner y en la obra de compositores posteriores, como Benjamin Britten, la orquesta "a menudo comunica hechos sobre la historia que superan los niveles de conciencia de los personajes que la componen". Como resultado, los críticos comenzaron a considerar que la orquesta desempeñaba un papel análogo al de un narrador literario " [56].

A medida que el papel de la orquesta y otros conjuntos instrumentales cambió a lo largo de la historia de la ópera, también lo hizo el papel de los músicos principales. En la época barroca, los músicos solían ser dirigidos por el clavecín, aunque se sabe que la compositora francesa Lully dirigió con un gran personal. En la década de 1800, durante el período Clásico, el primer violinista, también conocido como el concertino , dirigía la orquesta sentado. Con el tiempo, algunos directores comenzaron a ponerse de pie y usar gestos con las manos y los brazos para guiar a los artistas. Finalmente, este papel de director musical se denominó director., y se utilizó un podio para que todos los músicos pudieran verlo con mayor facilidad. Cuando se introdujeron las óperas wagnerianas, la complejidad de las obras y las enormes orquestas utilizadas para interpretarlas le dieron al director un papel cada vez más importante. Los directores de ópera modernos tienen un papel desafiante: tienen que dirigir tanto a la orquesta en el foso de la orquesta como a los cantantes en el escenario.

Problemas de idioma y traducción [ editar ]

Desde los días de Handel y Mozart, muchos compositores han preferido el italiano como idioma para el libreto de sus óperas. Desde la era de Bel Canto hasta Verdi, los compositores a veces supervisaban versiones de sus óperas tanto en italiano como en francés. Debido a esto, óperas como Lucia di Lammermoor o Don Carlos se consideran hoy canónicas en sus versiones francesa e italiana. [57]

Hasta mediados de la década de 1950, era aceptable producir óperas traducidas incluso si no habían sido autorizadas por el compositor o los libretistas originales. Por ejemplo, los teatros de ópera de Italia presentaban habitualmente a Wagner en italiano. [58] Después de la Segunda Guerra Mundial, la erudición de la ópera mejoró, los artistas se centraron en las versiones originales y las traducciones cayeron en desgracia. El conocimiento de idiomas europeos, especialmente italiano, francés y alemán, es hoy una parte importante de la formación de los cantantes profesionales. "La mayor parte de la formación operística es la lingüística y la musicalidad", explica la mezzosoprano Dolora Zajick . "[Tengo que entender] no sólo lo que estoy cantando, sino también lo que cantan los demás. Yo canto en italiano, checo, ruso, francés, alemán, inglés". [59]

En la década de 1980, comenzaron a aparecer los supertítulos (a veces llamados sobretítulos ). Aunque los supertítulos fueron inicialmente condenados casi universalmente como una distracción, [60] hoy en día muchos teatros de ópera ofrecen supertítulos, generalmente proyectados sobre el arco del proscenio del teatro , o pantallas de asientos individuales donde los espectadores pueden elegir entre más de un idioma. Las transmisiones de televisión suelen incluir subtítulos, incluso si están destinadas a una audiencia que conoce bien el idioma (por ejemplo, un RAIemisión de una ópera italiana). Estos subtítulos están dirigidos no solo a las personas con problemas de audición, sino también a la audiencia en general, ya que un discurso cantado es mucho más difícil de entender que uno hablado, incluso en los oídos de hablantes nativos. Los subtítulos en uno o más idiomas se han convertido en estándar en transmisiones de ópera, transmisiones simultáneas y ediciones de DVD.

Hoy en día, las óperas rara vez se interpretan traducidas. Las excepciones incluyen la English National Opera , el Opera Theatre de Saint Louis , Opera Theatre de Pittsburgh y Opera South East, [61] que favorecen las traducciones al inglés. [62] Otra excepción son las producciones de ópera destinadas a un público joven, como Hansel y Gretel de Humperdinck [63] y algunas producciones de La flauta mágica de Mozart . [64]

Financiamiento [ editar ]

Cantantes de ópera suecos en homenaje a Kjerstin Dellert y al Ulriksdal Palace Theatre en el aniversario de los 40 años en 2016 de su financiación, renovación y posterior reapertura

Fuera de Estados Unidos, y especialmente en Europa, la mayoría de los teatros de ópera reciben subsidios públicos de los contribuyentes. [65] En Milán, Italia, el 60% del presupuesto anual de La Scala de 115 millones de euros proviene de la venta de entradas y donaciones privadas, y el 40% restante proviene de fondos públicos. [66] En 2005, La Scala recibió el 25% de la subvención estatal total de Italia de 464 millones de euros para las artes escénicas. [67] En el Reino Unido, el Arts Council England proporciona fondos a Opera North , Royal Opera House , Welsh National Opera y English National Opera . Entre 2012 y 2015, estas cuatro compañías de ópera junto con el English National Ballet ,Birmingham Royal Ballet y Northern Ballet representaron el 22% de los fondos de la cartera nacional del Arts Council. Durante ese período, el Consejo llevó a cabo un análisis de su financiación para compañías de ópera y ballet a gran escala, estableciendo recomendaciones y objetivos que las compañías deben cumplir antes de las decisiones de financiación de 2015-2018. [68] En febrero de 2015, las preocupaciones sobre el plan de negocios de la English National Opera llevaron al Arts Council a colocarlo "bajo arreglos especiales de financiación" en lo que The Independent denominó "el paso sin precedentes" de amenazar con retirar la financiación pública si no se satisfacían las preocupaciones del consejo. para 2017. [69]La financiación pública europea de la ópera ha provocado una disparidad entre el número de teatros de ópera durante todo el año en Europa y los Estados Unidos. Por ejemplo, "Alemania tiene alrededor de 80 teatros de ópera durante todo el año [a partir de 2004], mientras que Estados Unidos, con más de tres veces la población, no tiene ninguno. Incluso el Met sólo tiene una temporada de siete meses". [70]

Televisión, cine e Internet [ editar ]

Sydney Opera House

El 24 de diciembre de 1951 se logró un hito para la transmisión de ópera en los Estados Unidos, con la transmisión en vivo de Amahl and the Night Visitors , una ópera en un acto de Gian Carlo Menotti . Fue la primera ópera compuesta específicamente para televisión en Estados Unidos. [71] Otro hito se produjo en Italia en 1992 cuando Tosca se transmitió en vivo desde su configuración romana original y las horas del día: el primer acto provino de la Iglesia de Sant'Andrea della Valle del siglo XVI al mediodía del sábado; el Palazzo Farnese, del siglo XVI, fue el escenario de la segunda a las 20.15 horas; y el domingo a las 6 de la mañana se retransmitió el tercer acto desde el Castel Sant'Angelo. La producción se transmitió vía satélite a 105 países. [72]

Las principales compañías de ópera han comenzado a presentar sus actuaciones en los cines locales de los Estados Unidos y muchos otros países. El Metropolitan Opera comenzó una serie de transmisiones de video en vivo de alta definición a cines de todo el mundo en 2006. [73] En 2007, las representaciones del Met se exhibieron en más de 424 teatros en 350 ciudades de Estados Unidos. La bohème llegó a 671 pantallas en todo el mundo. La Ópera de San Francisco comenzó las transmisiones de video pregrabadas en marzo de 2008. En junio de 2008, aproximadamente 125 teatros en 117 ciudades de EE. UU. Transmiten las proyecciones. Las transmisiones de ópera de video HD se presentan a través de los mismos proyectores de cine digital HD que se utilizan para las principales películas de Hollywood .[74] Los festivales y teatros de ópera europeos , como la Royal Opera de Londres, La Scala de Milán, el Festival de Salzburgo , La Fenice de Venecia y el Maggio Musicale de Florencia, también han transmitido sus producciones a teatros de ciudades de todo el mundo desde 2006. incluidas 90 ciudades de EE . UU. [75] [76]

La aparición de Internet también ha afectado la forma en que el público consume la ópera. En 2009, el British Glyndebourne Festival Opera ofreció por primera vez una descarga de video digital en línea de su producción completa de 2007 de Tristan und Isolde . En la temporada 2013, el festival transmitió sus seis producciones en línea. [77] [78] En julio de 2012, se estrenó la primera ópera comunitaria en línea en el Festival de Ópera de Savonlinna . Titulado Libre albedrío , fue creado por miembros del grupo de Internet Opera By You. Sus 400 miembros de 43 países escribieron el libreto, compusieron la música y diseñaron los decorados y el vestuario utilizando elPlataforma web Wreckamovie . El Festival de Ópera de Savonlinna proporcionó solistas profesionales, un coro de 80 miembros, una orquesta sinfónica y la maquinaria escénica. Se realizó en vivo en el festival y se transmitió en vivo por Internet. [79]

Ver también [ editar ]

  • Listas de óperas , incluida una lista general , así como por tema , por país , por medio y por lugar.
  • Lista de literatura de ficción con ópera
  • Gestión de ópera

Referencias [ editar ]

Notas [ editar ]

  1. Algunas definiciones de ópera: "interpretación o composición dramática de la cual la música es una parte esencial, rama del arte relacionada con esto" ( Concise Oxford English Dictionary ); "cualquier obra dramática que pueda ser cantada (o en ocasiones declamada o hablada) en un lugar para la interpretación, con música original para cantantes (generalmente disfrazados) e instrumentistas" ( Amanda Holden , Viking Opera Guide ); "Obra musical para el escenario con personajes cantantes, originada en los primeros años del siglo XVII" ( Pears 'Cyclopaedia , 1983 ed.).
  2. ^ Richard Wagner y Arrigo Boito son creadores notables que combinaron ambos roles.
  3. Las formas de arte comparables de varias otras partes del mundo, muchas de ellas de origen antiguo, a veces también se denominan "ópera" por analogía, generalmente precedidas de un adjetivo que indica la región (por ejemplo, la ópera china ). Estas tradiciones independientes no se derivan de la ópera occidental, sino que son formas distintas de teatro musical . La ópera tampoco es el único tipo de teatro musical occidental: en el mundo antiguo, el teatro griego incluía canto y acompañamiento instrumental; y en los tiempos modernoshan aparecidootras formas como la musical .
  4. ↑ a b Apel , 1969 , p. 718
  5. La información general de esta sección proviene de los artículos relevantes de The Oxford Companion to Music , de P. Scholes (10ª ed., 1968).
  6. ^ Diccionario de inglés de Oxford , 3ª ed., Sv " ópera ".
  7. ^ Historia ilustrada de Oxford de la ópera , capítulo 1; artículos sobre Peri y Monteverdi en The Viking Opera Guide .
  8. ^ Karin Pendle, Mujeres y música , 2001, p. 65: "Desde 1587-1600, una cantante judía citada solo como Madama Europa estaba a sueldo del duque de Mantua".
  9. ^ Historia ilustrada de Oxford de la ópera , capítulos 1-3.
  10. ^ Larousse, Éditions. "Encyclopédie Larousse en ligne - Melchior baron de Grimm" . www.larousse.fr .
  11. ^ Thomas, Downing A (15 de junio de 1995). Música y orígenes del lenguaje: teorías de la Ilustración francesa . pag. 148. ISBN 978-0-521-47307-1.
  12. ^ Heyer, John Hajdu (7 de diciembre de 2000). Estudios de Lully . Prensa de la Universidad de Cambridge . ISBN 978-0-521-62183-0 - a través de Google Books.
  13. ^ Lippman, Edward A. (26 de noviembre de 1992). Una historia de la estética musical occidental . U de Nebraska Press. ISBN 978-0-8032-7951-3 - a través de Google Books.
  14. ^ "King's College London - Seminario 1" . www.kcl.ac.uk .
  15. ^ Hombre y música: la era clásica , ed. Neal Zaslaw (Macmillan, 1989); entradas sobre Gluck y Mozart en The Viking Opera Guide .
  16. ^ "Strauss y Wagner - Varios artículos - Richard Strauss" . www.richardstrauss.at .
  17. ^ Historia ilustrada de Oxford de la ópera , capítulos 5, 8 y 9.Entrada de la guía de la ópera vikinga sobre Verdi.
  18. ^ Hombre y música: la era clásica ed. Neal Zaslaw (Macmillan, 1989), págs. 242–247, 258–260; Oxford Illustrated History of Opera págs. 58–63, 98–103. Artículos sobre Hasse, Graun y Hiller en Viking Opera Guide .
  19. ^ Francien Markx,  ETA Hoffmann, Cosmopolitismo y la lucha por la ópera alemana , p. 32, BRILL, 2015,  ISBN 9004309578 
  20. ^ Thomas Bauman , "Nuevas direcciones: la Compañía Seyler" (págs. 91-131), en  Ópera del norte de Alemania en la era de Goethe , Cambridge University Press, 1985
  21. ^ Esquema general de esta sección de The Oxford Illustrated History of Opera , Capítulos 1-3, 6, 8 y 9, y The Oxford Companion to Music ; referencias más específicas de las entradas de compositores individuales en The Viking Opera Guide .
  22. ^ Kenrick, John . Una historia del musical: Opereta europea 1850–1880 . Musicals101.com
  23. ^ Lechada, Donald Jay ; Williams, Hermine Weigel (2003). Una breve historia de la ópera . Prensa de la Universidad de Columbia. pag. 133 . ISBN 978-0-231-11958-0. Consultado el 11 de abril de 2014 .
  24. Esquema general de esta sección de The Oxford Illustrated History of Opera , Capítulos 1-4, 8 y 9; y The Oxford Companion to Music (10ª ed., 1968); referencias más específicas de las entradas de compositores individuales en The Viking Opera Guide .
  25. ^ a b c Desde el sitio Ivanhoe de Webrarian.com .
  26. ^ El Daily Telegraph ' revisión de s Yeomen declaró: "Los acompañamientos ... son una delicia para escuchar, y sobre todo hace el tratamiento de la atención de viento de madera obligar admirando. Schubert a sí mismo difícilmente podría haber manejado esos instrumentos más hábilmente. ... tenemos una auténtica ópera inglesa, precursora de muchas otras, esperemos, y posiblemente significativa, de un avance hacia un escenario lírico nacional ". (citado en la p. 312 en Allen, Reginald (1975). La primera noche de Gilbert y Sullivan . Londres: Chappell & Co. Ltd.).
  27. ^ Historia ilustrada de Oxford de la ópera , capítulos 1, 3 y 9. Los artículos de la guía de la ópera vikinga sobre Blow, Purcell y Britten.
  28. ^ Taruskin, Richard : "Rusia" en The New Grove Dictionary of Opera , ed. Stanley Sadie (Londres, 1992); Oxford Illustrated History of Opera , capítulos 7-9.
  29. ^ Véase el capítulo sobre "Ópera rusa, checa, polaca y húngara hasta 1900" de John Tyrrell en The Oxford Illustrated History of Opera (1994).
  30. ^ Abazov, Rafis (2007). Cultura y costumbres de las repúblicas de Asia central , págs. 144–145. Grupo editorial de Greenwood, ISBN 0-313-33656-3 
  31. ^ Igmen, Ali F. (2012). Hablar soviético con acento , pág. 163. University of Pittsburgh Press. ISBN 0-8229-7809-1 
  32. ^ Rubin, Don; Chua, Soo Pong; Chaturvedi, Ravi; Majundar, Ramendu; Tanokura, Minoru, eds. (2001). "Porcelana". Enciclopedia mundial del teatro contemporáneo - Asia / Pacífico . 5 . pag. 111. La ópera de estilo occidental (también conocida como Ópera Alta) coexiste con los numerosos grupos de la Ópera de Beijing. ... Las óperas notables de compositores chinos incluyen A Girl With White Hair escrita en la década de 1940, Red Squad en Hong Hu y Jiang Jie .
  33. ^ Zicheng Hong, Historia de la literatura china contemporánea , 2007, p. 227: "Escrita a principios de la década de 1940, durante mucho tiempo La chica de pelo blanco fue considerada un modelo de la nueva ópera de estilo occidental en China".
  34. ^ Diccionario biográfico de mujeres chinas - Volumen 2 - p. 145 Lily Xiao Hong Lee, AD Stefanowska, Sue Wiles - 2003 "... de la República Popular China, Zheng Lücheng participó activamente en su trabajo como compositor; escribió la música para la ópera Cloud Gazing de estilo occidental".
  35. ^ "Música minimalista: por dónde empezar" . FM clásica .
  36. ^ Chris Walton, "Ópera neoclásica" en Cooke 2005 , p. 108
  37. ^ Historia ilustrada de Oxford de la ópera , capítulo 8; Los artículos de la Viking Opera Guide sobre Schoenberg, Berg y Stravinsky; Malcolm MacDonald Schoenberg (Dent, 1976); Francis Routh , Stravinsky (Dent, 1975).
  38. ^ Wakin, Daniel J. (17 de febrero de 2011). "Conocí retrocesos en la caída en la edad promedio de la audiencia" . The New York Times . Archivado desde el original el 4 de febrero de 2021.
  39. ^ Referencia general para esta sección: Oxford Illustrated History of Opera , Capítulo 9.
  40. ^ Gray, Tobias (19 de febrero de 2018). "Una improbable revolución juvenil en la Ópera de París" . The New York Times . Archivado desde el original el 11 de febrero de 2021.
  41. ^ "En el aire y en línea" . La Ópera Metropolitana. 2007. Archivado desde el original el 20 de noviembre de 2007 . Consultado el 4 de marzo de 2021 .
  42. ^ Clements, Andrew (17 de diciembre de 2003). "Sweeney Todd, Royal Opera House, Londres" . The Guardian . Londres.
  43. ^ Kai Harada, "Opera's Dirty Little Secret" Archivado el 31 de octubre de 2013 en Wayback Machine , Entertainment Design , 1 de marzo de 2001
  44. The Oxford Illustrated History of Opera (ed. Parker, 1994), Capítulo 11
  45. ^ "Músicos mexicanos en California y Estados Unidos, 1910-50. - Biblioteca en línea gratuita" . www.thefreelibrary.com .
  46. ^ Agustín Lara: Una biografía cultural - "Biografía de Juan Arvizu" - tenor operístico Andrew Grant Wood. Oxford University Press Nueva York 2014 p. 34 ISBN 978-0-19-989245-7 
  47. ^ "Néstor Mesta Cháyres" . El Siglo .
  48. ^ Inc, Nielsen Business Media (29 de junio de 1946). "Cartelera" . Nielsen Business Media, Inc. - a través de Google Books.
  49. ^ "Traductor de Google" . translate.google.com .
  50. ^ a b c John Spitzer. (2009). Orquesta y voz en la ópera italiana del siglo XVIII. En: Anthony R. DelDonna y Pierpaolo Polzonetti (eds.) El compañero de Cambridge para la ópera del siglo XVIII . págs. 112-139. [En línea]. Compañeros de Cambridge a la música. Cambridge: Cambridge University Press.
  51. ^ Waterman, George Gow y James R. Anthony. 2001. "Obertura francesa". The New Grove Dictionary of Music and Musicians , segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell . Londres: Macmillan Publishers.
  52. ^ Burrows, Donald (2012). Handel . Prensa de la Universidad de Oxford. pag. 178. ISBN 978-0-19-973736-9.
  53. ^ a b Fisher, Stephen C. 2001. "Obertura italiana". The New Grove Dictionary of Music and Musicians , segunda edición, editado por Stanley Sadie y John Tyrrell . Londres: Macmillan Publishers.
  54. ^ a b Fisher, Stephen C. 1998. "Sinfonia". The New Grove Dictionary of Opera , cuatro volúmenes, editado por Stanley Sadie . Londres: Macmillan Publishers, Inc. ISBN 0-333-73432-7 
  55. ^ Murray, Christopher John (2004). Enciclopedia de la época romántica . Taylor y Francis. pag. 772.
  56. ^ Penner, Nina (2020). Cuentacuentos en Ópera y Teatro Musical . Bloomington, IN: Indiana University Press. pag. 89. ISBN 9780253049971.
  57. de Acha, Rafael. "¿Don Carlo o Don Carlos? ¿En italiano o en francés?" (Seen and Heard International, 24 de septiembre de 2013)
  58. ^ Lyndon Terracini (11 de abril de 2011). "¿De quién es el lenguaje de la ópera: del público o del compositor?" . El australiano . Consultado el 13 de abril de 2018 .
  59. ^ "Para Opera Powerhouse Dolora Zajick, 'Cantar está conectado al cuerpo'" (Fresh Air, 19 de marzo de 2014)
  60. ^ Tommasini, Anthony . "Así que eso es lo que cantó la señora gorda" ( The New York Times , 6 de julio de 2008)
  61. "Las producciones pasadas de Opera South East se remontan a 1980 ... OSE siempre ha cantado sus producciones operísticas en inglés, totalmente escenificadas y con orquesta (la aclamada Sussex Concert Orchestra)". (Historia de las producciones pasadas de ProAm del sitio web de Opera South East)
  62. ^ Tommasini, Anthony . "Opera in Translation se niega a entregar el fantasma" ( The New York Times , 25 de mayo de 2001)
  63. ^ Eddins, Stephen. " Hansel y Gretel de Humperdinck : una revisión" . AllMusic.com.
  64. ^ Tommasini, Anthony . "¿Una mini flauta mágica ? Mozart lo aprobaría" ( The New York Times , 4 de julio de 2005)
  65. ^ "Informe especial: manos en los bolsillos" . The Economist . 16 de agosto de 2001. Archivado desde el original el 7 de septiembre de 2018.
  66. ^ Owen, Richard (26 de mayo de 2010). "¿Son cortinas para los teatros de ópera de Italia?" . The Times . Londres.
  67. ^ Willey, David (27 de octubre de 2005). "Italia frente a la crisis de financiación de la ópera" . BBC News .
  68. ^ Consejo de las Artes de Inglaterra (2015). "Análisis del Arts Council England de su inversión en ópera y ballet a gran escala" Archivado el 23 de marzo de 2015 en Wayback Machine . Consultado el 5 de mayo de 2015.
  69. ^ Clark, Nick (15 de febrero de 2015). "Se puede retirar la financiación pública de la English National Opera" . The Independent . Consultado el 5 de mayo de 2015.
  70. ^ Osborne, William (11 de marzo de 2004). "Mercado de ideas: pero primero, el proyecto de ley un comentario personal sobre la financiación cultural estadounidense y europea" . www.osborne-conant.org . William Osborne y Abbie Conant . Consultado el 21 de mayo de 2017 .
  71. ^ Obituario: Gian Carlo Menotti , The Daily Telegraph , 2 de febrero de 2007. Consultado el 11 de diciembre de 2008
  72. ^ O'Connor, John J. (1 de enero de 1993). "Una Tosca realizada en locación real" . The New York Times . Consultado el 4 de julio de 2010 .
  73. ^ Página de transmisión en vivo de alta definición de Metropolitan Opera
  74. ^ "El panorama más amplio" . Thebiggerpicture.us. Archivado desde el original el 9 de noviembre de 2010 . Consultado el 9 de noviembre de 2010 .
  75. Emerging Pictures Archivado el 30 de junio de 2008 en Wayback Machine.
  76. ^ "Dónde ver la ópera en el cine", The Wall Street Journal , 21-22 de junio de 2008, recuadro p. W10.
  77. ^ Classic FM (26 de agosto de 2009). "Descarga Glyndebourne" . Consultado el 21 de mayo de 2016.
  78. Rhinegold Publishing (28 de abril de 2013). "Con nuevos precios y más streaming, el Festival de Glyndebourne pone sus espectáculos a disposición de un público cada vez más amplio" . Consultado el 21 de mayo de 2016.
  79. ^ Partii, Heidi (2014). "Apoyo a la colaboración en el cambio de paisajes culturales" , págs. 208-209 en Margaret S Barrett (ed.) Pensamiento creativo colaborativo y práctica musical . Ashgate Publishing. ISBN 1-4724-1584-1 

Fuentes

  • Apel, Willi , ed. (1969). Diccionario de Música de Harvard (2ª ed.). Cambridge, MA: Belknap Press de Harvard University Press. ISBN 0-674-37501-7.
  • Cooke, Mervyn (2005). El compañero de Cambridge para la ópera del siglo XX . Cambridge: Cambridge University Press . ISBN 0-521-78009-8.Consulte también Vista previa parcial de Google Libros .

Lectura adicional [ editar ]

  • El New Grove Dictionary of Opera , editado por Stanley Sadie (1992), 5.448 páginas, es la mejor y, con mucho, la mayor referencia general en el idioma inglés. ISBN 0-333-73432-7 , 1-56159-228-5 
  • The Viking Opera Guide , editado por Amanda Holden (1994), 1.328 páginas, ISBN 0-670-81292-7 
  • La historia ilustrada de la ópera de Oxford , ed. Roger Parker (1994)
  • The Oxford Dictionary of Opera , por John Warrack y Ewan West (1992), 782 páginas, ISBN 0-19-869164-5 
  • Opera, la guía aproximada , por Matthew Boyden et al. (1997), 672 páginas, ISBN 1-85828-138-5 
  • Opera: A Concise History , de Leslie Orrey y Rodney Milnes , World of Art, Thames & Hudson
  • Abbate, Carolyn ; Parker, Roger (2012). Una historia de la ópera . Nueva York: WW Norton. ISBN 978-0-393-05721-8.
  • DiGaetani, John Louis : Una invitación a la ópera , Anchor Books, 1986/91. ISBN 0-385-26339-2 . 
  • Dorschel, Andreas, 'La paradoja de la ópera', The Cambridge Quarterly 30 (2001), núm. 4, págs. 283-306. ISSN 0008-199X (imprimir). ISSN 1471-6836 (electrónico). Analiza la estética de la ópera.  
  • Silke Leopold , "La idea de la ópera nacional, c. 1800", Unidos y diversidad en la cultura europea c. 1800 , ed. Tim Blanning y Hagen Schulze (Nueva York: Oxford University Press, 2006), 19–34.
  • MacMurray, Jessica M. y Allison Brewster Franzetti: The Book of 101 Opera Librettos: Textos completos en idioma original con traducciones al inglés , Black Dog & Leventhal Publishers, 1996. ISBN 978-1-884822-79-7 
  • Howard Mayer Brown, "Opera", Diccionario de Música y Músicos de New Grove . 2001. Oxford University Press
  • Rous, Samuel Holland (1919). El Libro de la Ópera de Victrola. Historias de las óperas con ilustraciones ... . Camden, Nueva Jersey: Victor Talking Machine Company. Ver en Internet Archive .
  • Simon, Henry W .: A Treasury of Grand Opera , Simon and Schuster, Nueva York, 1946.
  • "Ópera" , Herbert Weinstock y Barbara Russano Hanning , Encyclopædia Britannica
  • Valls, María Antonia (1989). Hitos de la Música Universal y Retratos de sus Grandes Protagonistas . (Ilustrado por Willi Glasauer ). Barcelona: Círculo de Lectores.

Enlaces externos [ editar ]

  • Base de datos completa de representaciones de ópera , Operabase
  • StageAgent: sinopsis y descripciones de los personajes de la mayoría de las óperas importantes
  • ¿De que se trata? - Resúmenes de la trama de la ópera
  • Vocabulaire de l'Opéra (en francés)
  • OperaGlass, un recurso en la Universidad de Stanford
  • HistoricOpera - imágenes operísticas históricas
  • "America's Opera Boom" por Jonathan Leaf, The American , edición de julio / agosto de 2007
  • Opera ~ Archivos de artículos de Opera
  • "Una historia de la ópera" . Teatro y Performance . Museo de Victoria y Alberto . Consultado el 15 de febrero de 2011 .