Randolph Denard Ornette Coleman (9 de marzo de 1930 - 11 de junio de 2015) [1] fue un saxofonista, violinista, trompetista y compositor de jazz estadounidense conocido como uno de los principales fundadores del género de free jazz , un término derivado de su álbum de 1960 Free Jazz. : Una improvisación colectiva . Sus actuaciones pioneras a menudo abandonaron la estructura basada en acordes y armonía que se encuentra en el bebop , en lugar de enfatizar un enfoque discordante y vanguardista de la improvisación . [2]
Ornette Coleman | |
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Información de contexto | |
Nombre de nacimiento | Randolph Denard Ornette Coleman |
Nació | Fort Worth, Texas , EE. UU. | 9 de marzo de 1930
Fallecido | 11 de junio de 2015 Nueva York | (85 años)
Géneros | Jazz de vanguardia , free jazz , free funk , jazz fusión |
Ocupación (es) | Músico, compositor |
Instrumentos | Saxofón alto , saxofón tenor , violín, trompeta |
Años activos | Década de 1940 a 2015 |
Etiquetas | Atlántico , nota azul , brío |
Actos asociados | Don Cherry , Charlie Haden , Bobby Bradford , Scott LaFaro , Billy Higgins , Ed Blackwell , Dewey Redman , Denardo Coleman , Ronald Shannon Jackson , Jamaaladeen Tacuma |
Nacido en Fort Worth, Texas , Coleman comenzó su carrera musical tocando en grupos locales de R&B y bebop , y finalmente formó su propio grupo en Los Ángeles con miembros como Ed Blackwell , Don Cherry , Charlie Haden y Billy Higgins . En 1959, lanzó el controvertido álbum The Shape of Jazz to Come y comenzó una larga residencia en el club de jazz Five Spot en la ciudad de Nueva York . Su álbum de 1960 Free Jazz influiría profundamente en la dirección del jazz en esa década. A partir de mediados de la década de 1970, Coleman formó el grupo Prime Time y exploró el funk y su concepto de música Harmolodic . [2]
" Broadway Blues " y " Lonely Woman " de Coleman se convirtieron en estándares del género y se citan como importantes obras tempranas del free jazz. [3] Su álbum Sound Grammar recibió el Premio Pulitzer de Música 2007 . [4] AllMusic lo llamó "uno de los innovadores más importantes (y controvertidos) de la vanguardia del jazz ". [2]
Biografía
Vida temprana
Coleman nació el 9 de marzo de 1930 en Fort Worth, Texas , [5] donde se crió. [6] [7] [8]
Asistió a IM Terrell High School , donde participó en la banda hasta que fue despedido por improvisar durante la marcha de " The Washington Post ". Comenzó a tocar R&B y bebop en saxofón tenor y comenzó The Jam Jivers con Prince Lasha y Charles Moffett . [8]
Ansioso por irse de la ciudad, aceptó un trabajo en 1949 con un espectáculo itinerante de Silas Green de Nueva Orleans y luego con espectáculos de ritmo y blues en gira. Después de un espectáculo en Baton Rouge, Louisiana, fue agredido y su saxofón fue destruido. [9]
Cambió al saxofón alto, que siguió siendo su instrumento principal, tocándolo por primera vez en Nueva Orleans después del incidente de Baton Rouge. Luego se unió a la banda de Pee Wee Crayton y viajó con ellos a Los Ángeles. Trabajó en varios trabajos, incluso como ascensorista, mientras seguía su carrera musical. [10]
En California encontró músicos de ideas afines como Ed Blackwell , Bobby Bradford , Don Cherry , Charlie Haden , Billy Higgins y Charles Moffett . [2] [11] Grabó su álbum debut, Something Else !!!! (1958) con Cherry, Higgins, Walter Norris y Don Payne . [12] Durante el mismo año perteneció brevemente a un quinteto dirigido por Paul Bley que actuó en un club de la ciudad de Nueva York. [2] Para cuando llegue el momento, ¡el mañana es la cuestión! fue grabado poco después con Cherry, Higgins y Haden, el mundo del jazz había sido sacudido por la música alienígena de Coleman. Algunos músicos de jazz lo tildaron de fraude, mientras que el director Leonard Bernstein lo elogió. [11]
1959: La forma del jazz por venir
En 1959, Atlantic lanzó The Shape of Jazz to Come . Según el crítico de música Steve Huey, el álbum "marcó un hito en la génesis del jazz de vanguardia, que marcó profundamente su curso futuro y arrojó un guante que algunos todavía no han afrontado". [13] Jazzwise lo incluyó en el tercer lugar en su lista de los 100 mejores álbumes de jazz de todos los tiempos. [14] Cuando el filósofo francés Jacques Derrida lo entrevistó, Ornette dijo que "Lonely Woman" del álbum, era el resultado de ver a una mujer rica que estaba en tal soledad. [15]
El cuarteto de Coleman recibió un compromiso largo, y a veces controvertido, en el club de jazz Five Spot en la ciudad de Nueva York. Leonard Bernstein , Lionel Hampton y Modern Jazz Quartet quedaron impresionados y ofrecieron aliento. Hampton pidió actuar con el cuarteto; Bernstein ayudó a Haden a obtener una subvención de composición de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation . Pero el trompetista Miles Davis dijo que Coleman estaba "jodido por dentro", [16] [17] aunque se retractó de este comentario y se convirtió en un defensor de las innovaciones de Coleman. [18]
Los primeros sonidos de Coleman se debieron en parte a su uso de un saxofón de plástico . Compró un cuerno de plástico en Los Ángeles en 1954 porque no podía pagar un saxofón de metal, aunque al principio no le gustó el sonido del instrumento de plástico. [8]
En las grabaciones de Atlantic, los acompañantes de Coleman en el cuarteto son Cherry en corneta o trompeta de bolsillo ; Charlie Haden, Scott LaFaro y luego Jimmy Garrison en el bajo; y Higgins o su reemplazo Ed Blackwell en la batería. Las grabaciones completas de la etiqueta se recopilaron en el estuche Beauty Is a Rare Thing . [2]
Década de 1960: Free Jazz y Blue Note
En 1960, Coleman grabó Free Jazz: A Collective Improvisation , que incluía un cuarteto doble, que incluía a Don Cherry y Freddie Hubbard a la trompeta, Eric Dolphy al clarinete bajo, Haden y LaFaro al bajo, y Higgins y Blackwell a la batería. [19] El álbum fue grabado en estéreo con un cuarteto de lengüetas / metales / bajo / batería aislado en cada canal estéreo. Free Jazz fue, con casi 40 minutos, la interpretación de jazz continua más larga registrada hasta la fecha [20] y fue uno de los álbumes más controvertidos de Coleman. La música presenta un pulso regular pero complejo, un baterista tocando "directo" mientras que el otro tocaba a doble compás; el material temático es una serie de breves fanfarrias disonantes. Una serie de funciones en solitario para cada miembro de la banda, pero los otros solistas son libres de intervenir cuando lo deseen. [21] En la edición del 18 de enero de 1962 de la revista Down Beat , en una reseña titulada "Double View of a Double Quartet", Pete Welding le dio al álbum cinco estrellas mientras que John A. Tynan lo calificó con cero estrellas. [22] Sin embargo, el tiempo ha sido más amable con el álbum, ya que AllMusic lo incluyó como uno de los "20 álbumes Essential Free Jazz". [19]
Coleman pretendía "free jazz" simplemente como el título de un álbum. Pero su creciente reputación lo colocó a la vanguardia de la innovación del jazz, y el free jazz pronto se consideró un nuevo género, aunque Coleman ha expresado su malestar con el término. Entre las razones por las que pudo haber desaprobado el término es que su música contiene composición . Su material melódico, aunque esquelético, recuerda melodías que Charlie Parker escribió sobre armonías estándar . La música está más cerca del bebop anterior de lo que a veces se imagina popularmente. [23]
Después del período atlántico y en la primera parte de la década de 1960, la música de Coleman se volvió más angular y comprometida con el jazz de vanguardia que se había desarrollado en parte en torno a sus innovaciones. [2] Después de que su cuarteto se disolvió, formó un trío con David Izenzon en el bajo y Charles Moffett en la batería. Amplió el sonido de su música, presentando a los músicos de cuerda y tocando la trompeta y el violín, que tocaba con la mano izquierda. Tenía poca técnica musical convencional y usaba los instrumentos para hacer grandes gestos desenfrenados. Su amistad con Albert Ayler influyó en su desarrollo en la trompeta y el violín. Charlie Haden a veces se unía a este trío para formar un cuarteto de dos bajos.
Coleman firmó con Blue Note y grabó At the Golden Circle Stockholm . [24] En 1966, grabó The Empty Foxhole con su hijo, Denardo Coleman , que tenía diez años. [25] Freddie Hubbard y Shelly Manne consideraron esto como una publicidad desacertada por parte de Coleman. [26] [27] A pesar de su juventud, Denardo Coleman había estudiado percusión durante varios años. Su técnica era poco refinada pero entusiasta, debido más a los bateristas de free jazz orientados al pulso como Sunny Murray que a los bateristas de bebop. [24] Se convirtió en el baterista principal de su padre a fines de la década de 1970.
Coleman formó otro cuarteto. Aparecieron Haden, Garrison y Elvin Jones , y Dewey Redman se unió al grupo, generalmente al saxofón tenor. El 29 de febrero de 1968 en un grupo con Haden, Ed Blackwell y David Izenzon Coleman actuó en vivo con Yoko Ono en el Albert Hall . Una canción se incluyó en el álbum Yoko Ono / Plastic Ono Band (1970) [28]
Continuó explorando su interés por las texturas de cuerdas, desde Town Hall, 1962 , que culminó con el álbum Skies of America en 1972. (A veces esto tenía un valor práctico, ya que facilitó la aparición de su grupo en el Reino Unido en 1965, donde se encontraban músicos de jazz. bajo un acuerdo de cuotas, pero los artistas clásicos estaban exentos).
Década de 1970 a 1990: funk armónico y Prime Time
Coleman, como Miles Davis antes que él, se dedicó a tocar con instrumentos electrificados . El álbum de funk de 1976 Dancing in Your Head , la primera grabación de Coleman con el grupo que más tarde se conoció como Prime Time , contó con guitarras eléctricas prominentes. Si bien esto marcó un cambio estilístico para Coleman, la música mantuvo ciertas similitudes con su trabajo anterior. Estas actuaciones tenían las mismas melodías angulares e improvisaciones grupales simultáneas, a lo que Joe Zawinul se refirió como "solos de nadie, solos de todos" y lo que Coleman llamó harmolódicas , y aunque la naturaleza del pulso se alteró, el enfoque rítmico de Coleman no.
En la década de 1980, álbumes como Virgin Beauty y Of Human Feelings continuaron usando ritmos de rock y funk , a veces llamados free funk . [29] [30] Jerry García tocó la guitarra en tres pistas del álbum Virgin Beauty de Coleman de 1988 : "Three Wishes", "Singing in the Shower" y "Desert Players". Coleman se unió a Grateful Dead en el escenario en 1993 durante "Space" y se quedó para "The Other One", "Stella Blue", "Turn on Your Lovelight" de Bobby Bland y el bis "Brokedown Palace". [31] [32] Otra colaboración fue con el guitarrista Pat Metheny , con quien Coleman grabó Song X (1985); aunque el álbum fue lanzado bajo el nombre de Metheny, Coleman fue esencialmente co-líder (contribuyendo con todas las composiciones).
En 1990, la ciudad de Reggio Emilia en Italia celebró un "Retrato del artista" de tres días con un cuarteto de Coleman con Cherry, Haden y Higgins. El festival también presentó actuaciones de su música de cámara y la sinfónica Skies of America . [33] En 1991, Coleman participó en la banda sonora de la película Naked Lunch de David Cronenberg ; la orquesta fue dirigida por Howard Shore . [34] Es notable, entre otras cosas, por incluir un raro avistamiento de Coleman tocando un estándar de jazz: " Misterioso " de Thelonious Monk . Dos grabaciones de 1972 (pre-eléctricas) de Coleman, "Happy House" y "Foreigner in a Free Land", se utilizaron en Finding Forrester de 2000 de Gus Van Sant . [35] Coleman lanzó cuatro discos en 1995 y 1996, y por primera vez en muchos años trabajó regularmente con pianistas ( Geri Allen o Joachim Kühn ).
2000
En septiembre de 2006 lanzó un álbum en vivo titulado Sound Grammar con su hijo, Denardo Coleman, y dos bajistas, Greg Cohen y Tony Falanga. Este fue su primer álbum de material nuevo en diez años y fue grabado en Alemania en 2005. Ganó el Premio Pulitzer de música 2007 , siendo Coleman sólo el segundo músico de jazz en ganar el premio. [36]
La pianista de jazz Joanne Brackeen declaró en una entrevista con Marian McPartland que Coleman la guió y le dio lecciones de música. [37]
Vida personal, muerte y posterior pérdida material
Coleman se casó con la poeta Jayne Cortez en 1954. La pareja se divorció en 1964. [38] Tuvieron un hijo, Denardo , nacido en 1956. [39]
Coleman murió de un paro cardíaco a la edad de 85 años en la ciudad de Nueva York el 11 de junio de 2015. [1] Su funeral fue un evento de tres horas con actuaciones y discursos de varios de sus colaboradores y contemporáneos. [40]
El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a Ornette Coleman entre los cientos de artistas cuyo material, según los informes, fue destruido en el incendio de Universal de 2008 . [41]
Coleman era disléxico . [42]
Premios y honores
- Salón de la fama del jazz Down Beat , 1969
- Beca MacArthur , 1994
- Praemium Imperiale , 2001
- Premio Dorothy y Lillian Gish , 2004 [43]
- Doctorado honorario en música, Berklee College of Music , 2006 [44]
- Premio Grammy a la Trayectoria, 2007
- Premio Pulitzer de música, 2007 [36]
- Premio Miles Davis, Festival Internacional de Jazz de Montreal , 2009 [45]
- Doctorado honoris causa por el Centro de Graduados, CUNY , 2008 [46] [47]
- Doctorado honorario en música, Universidad de Michigan, 2010 [48]
Discografia
En la cultura popular
McClintic Sphere , un personaje ficticio de la novela debut de Thomas Pynchon , V. (1963), es un saxofonista innovador inspirado en Ornette Coleman. [49] [50] [51]
Notas
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Ornette Coleman desde el 19 de marzo de 1930, cuando nació en Fort Worth, Texas
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Ornette Coleman, nacida en Fort Worth, Texas, el 19 de marzo de 1930
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En la novela V de Thomas Pynchon hay un personaje llamado McClintic Sphere, que toca un saxofón alto de marfil tallado a mano (el de Coleman estaba hecho de plástico blanco) en un club llamado V Note.
- ^ Yaffe, David (26 de abril de 2007). "El arte del improvisador" . La Nación . Consultado el 11 de mayo de 2020 .
De toda la tinta que se derramó sobre el impacto de Coleman, quizás la más memorable provino de la novela debut de Thomas Pynchon de 1963, V., en la que el personaje McClintic Sphere (con un apellido que asiente con el segundo nombre de Thelonious Monk) pone al mundo del jazz en un punto muerto. club llamado V-Note.
- ^ Bynum, Taylor Ho (12 de junio de 2015). "Ver a Ornette Coleman" . The New Yorker . Consultado el 11 de mayo de 2020 .
En la novela 'V' de Thomas Pynchon de 1963, aparece un personaje con un velo delgado llamado McClintic Sphere, tocando un saxofón de 'marfil blanco' en el 'V Spot'. La parodia maravillosamente concisa de Pynchon del portentoso debate en torno a la música de Coleman es la siguiente: "Toca todas las notas que Bird se perdió", susurró alguien frente a Fu. Fu siguió en silencio los movimientos de romper una botella de cerveza en el borde de la mesa, meterla en la espalda del hablante y girarla.
Referencias
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enlaces externos
- "Forms and Sounds" de Ethan Iverson sobre los primeros Coleman y Harmolodics
- Entrevistado por Michael Jarrett en la revista Cadence , octubre de 1995
- "Entrevista a Ornette Coleman, 1996", LA Weekly
- Observador de Nueva York , 19 de diciembre de 2005