La pintura es la práctica de aplicar pintura , pigmento , color u otro medio a una superficie sólida (llamada "matriz" o "soporte"). [1] El medio se aplica comúnmente a la base con un cepillo , pero se pueden usar otros implementos, como cuchillos, esponjas y aerógrafos .
En arte , el término pintura describe tanto el acto como el resultado de la acción (la obra final se llama "una pintura"). El soporte para pinturas incluye superficies tales como paredes , papel , lienzo , madera, vidrio , laca , cerámica , hojas , cobre y concreto, y la pintura puede incorporar muchos otros materiales, como arena, arcilla, papel, yeso, pan de oro y incluso objetos completos.
La pintura es una forma importante en las artes visuales , que incorpora elementos como el dibujo , la composición , el gesto (como en la pintura gestual ), la narración (como en el arte narrativo ) y la abstracción (como en el arte abstracto ). [2] Las pinturas pueden ser naturalistas y representativas (como en la naturaleza muerta y la pintura de paisajes ), fotográficas , abstractas, narrativas, simbólicas (como en el arte simbolista ), emotivas (como en el expresionismo) o de naturaleza política (como en el artivismo ).
Una parte de la historia de la pintura en el arte oriental y occidental está dominada por el arte religioso . Los ejemplos de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica, hasta escenas bíblicas en el techo de la Capilla Sixtina , hasta escenas de la vida de Buda (u otras imágenes de origen religioso oriental ).
Elementos de la pintura [ editar ]
Color y tono [ editar ]
El color , compuesto de matiz , saturación y valor , disperso sobre una superficie es la esencia de la pintura, así como el tono y el ritmo son la esencia de la música . El color es muy subjetivo, pero tiene efectos psicológicos observables, aunque estos pueden diferir de una cultura a otra. El negro está asociado con el duelo en Occidente, pero en Oriente, el blanco lo es. Algunos pintores, teóricos, escritores y científicos, incluidos Goethe , [3] Kandinsky , [4] y Newton , [5] han escrito su propia teoría del color .
Además, el uso del lenguaje es solo una abstracción para un color equivalente. La palabra " rojo ", por ejemplo, puede cubrir una amplia gama de variaciones del rojo puro del espectro de luz visible . No existe un registro formalizado de diferentes colores en la forma en que hay concordancia sobre diferentes notas en la música, como F o C♯ . Para un pintor, el color no se divide simplemente en colores básicos (primarios) y derivados (complementarios o mixtos) (como rojo, azul, verde, marrón, etc.).
Pintores ocupan prácticamente con pigmentos , [6] por lo que " azul " para un pintor puede ser cualquiera de los azules: azul de ftalocianina , azul de Prusia , índigo , azul cobalto , azul de ultramar , y así sucesivamente. Los significados psicológicos y simbólicos del color no son, estrictamente hablando, medios de pintar. Los colores solo se suman al contexto potencial derivado de significados, y debido a esto, la percepción de una pintura es altamente subjetiva. La analogía con la música es bastante clara: el sonido en la música (como una nota C) es análogo a la "luz" en la pintura, las "sombras" a la dinámica y la "coloración" a la pintura como el timbre específico.de los instrumentos musicales es la música. Estos elementos no forman necesariamente una melodía (en la música) de sí mismos; más bien, pueden agregarle diferentes contextos.
Elementos no tradicionales [ editar ]
Los artistas modernos han extendido considerablemente la práctica de la pintura para incluir, como ejemplo, el collage , que comenzó con el cubismo y no es pintura en sentido estricto. Algunos pintores modernos incorporan diferentes materiales como metal, plástico, arena , cemento , paja , hojas o madera por su textura . Ejemplos de esto son las obras de Jean Dubuffet y Anselm Kiefer . Existe una comunidad creciente de artistas que usan computadoras para "pintar" colores en un "lienzo" digital usando programas como Adobe Photoshop , Corel Painter, y muchos otros. Estas imágenes se pueden imprimir en lienzos tradicionales si es necesario.
Ritmo [ editar ]
La técnica divisionista de mosaico de Jean Metzinger tenía su paralelo en la literatura; una característica de la alianza entre escritores simbolistas y artistas neoimpresionistas:
No le pido a la pincelada dividida la representación objetiva de la luz, sino iridiscencias y ciertos aspectos del color todavía ajenos a la pintura. Hago una especie de versificación cromática y para las sílabas utilizo trazos que, variables en cantidad, no pueden diferir en dimensión sin modificar el ritmo de una fraseología pictórica destinada a traducir las diversas emociones que suscita la naturaleza. (Jean Metzinger, alrededor de 1907) [7]
El ritmo , para artistas como Piet Mondrian , [8] [9] es importante tanto en la pintura como en la música. Si uno define el ritmo como "una pausa incorporada a una secuencia", entonces puede haber ritmo en las pinturas. Estas pausas permiten que intervenga la fuerza creativa y agregue nuevas creaciones: forma, melodía, coloración. La distribución de la forma o cualquier tipo de información es de crucial importancia en la obra de arte dada, y afecta directamente el valor estético de esa obra. Esto se debe a que el valor estético depende de la funcionalidad, es decir, la libertad (de movimiento) de percepción se percibe como belleza. El libre flujo de energía, tanto en el arte como en otras formas de " techne ", contribuye directamente al valor estético. [8]
La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto ya que la música es abstracta por naturaleza; no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa de manera inmediata los sentimientos internos del alma. Wassily Kandinsky solía utilizar términos musicales para identificar sus obras; llamó a sus pinturas más espontáneas "improvisaciones" y describió las obras más elaboradas como "composiciones". Kandinsky teorizó que "la música es el maestro supremo", [10] y posteriormente se embarcó en las primeras siete de sus diez Composiciones . Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color de la C mediaen una trompeta de metal; el negro es el color del cierre y el final de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871, el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. [11] [12] escenografía de Kandinsky para una actuación de Mussorgsky 's Cuadros de una exposición ilustra su concepto 'sinestésica' de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. [13]
La música define gran parte de la pintura abstracta modernista. Jackson Pollock subraya ese interés con su pintura de 1950 Autumn Rhythm (Número 30) . [14]
Historia [ editar ]
Hasta 2018, se creía que las pinturas más antiguas conocidas tenían unos 32.000 años, en Grotte Chauvet en Francia. Están grabados y pintados con ocre rojo y pigmento negro, y muestran caballos, rinocerontes , leones, búfalos , mamuts , diseños abstractos y lo que posiblemente sean figuras humanas parciales. Luego se encontraron pinturas rupestres en Indonesia en la cueva Lubang Jeriji Saléh que se cree que tiene 40,000 años. Sin embargo, la evidencia más temprana del acto de pintar se ha descubierto en dos refugios rocosos en Arnhem Land., en el norte de Australia. En la capa más baja de material en estos sitios, se utilizan piezas de ocre con una antigüedad estimada de 60.000 años. Los arqueólogos también han encontrado un fragmento de pintura rupestre conservado en un refugio de piedra caliza en la región de Kimberley en el noroeste de Australia, que tiene una antigüedad de 40.000 años. [15] Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Italia, Francia, España, Portugal , China, Australia, México, [16] etc. En las culturas occidentales, la pintura al óleo y la acuarela tienen tradiciones ricas y complejas en estilo. y tema. En Oriente, tintay la tinta de color predominaba históricamente en la elección de los medios, con tradiciones igualmente ricas y complejas.
La invención de la fotografía tuvo un gran impacto en la pintura. En las décadas posteriores a la producción de la primera fotografía en 1829, los procesos fotográficos mejoraron y se volvieron más practicados, privando a la pintura de gran parte de su propósito histórico de proporcionar un registro preciso del mundo observable. Una serie de movimientos artísticos de finales del siglo 19 y principios del 20-notablemente Impresionismo , Postimpresionismo , Fauvismo , Expresionismo , Cubismo , y dadaísmo -challenged el renacimiento visión del mundo. La pintura oriental y africana, sin embargo, continuó una larga historia de estilizacióny no sufrió una transformación equivalente al mismo tiempo. [ cita requerida ]
El arte moderno y contemporáneo se ha alejado del valor histórico de la artesanía y la documentación en favor del concepto . Esto no ha disuadido a la mayoría de los pintores vivos de seguir practicando la pintura como parte de su trabajo o en su totalidad. La vitalidad y versatilidad de la pintura en el siglo XXI desafían las "declaraciones" anteriores de su desaparición. En una época caracterizada por la idea de pluralismo , no hay consenso sobre un estilo representativo de la época. Los artistas continúan haciendo obras de arte importantes en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos; sus méritos se dejan al público y al mercado para que los juzguen.
Estética y teoría [ editar ]
La estética es el estudio del arte y la belleza ; fue un tema importante para filósofos de los siglos XVIII y XIX como Kant y Hegel . Filósofos clásicos como Platón y Aristóteles también teorizaron sobre el arte y la pintura en particular. Platón descartó a los pintores (así como a los escultores) en su sistema filosófico; Sostuvo que la pintura no puede representar la verdad , es una copia de la realidad (una sombra del mundo de las ideas) y no es más que un oficio , similar a la fabricación de zapatos o la fundición de hierro. [17] En la época de Leonardo, la pintura se había convertido en una representación más cercana de la verdad que la pintura enGrecia antigua . Leonardo da Vinci , por el contrario, dijo que " italiano : La Pittura è cosa mentale " ("Inglés: la pintura es una cosa de la mente "). [18] Kant distinguió entre la belleza y lo sublime , en términos que claramente daban prioridad a la primera. [ cita requerida ] Aunque no se refirió a la pintura en particular, este concepto fue adoptado por pintores como JMW Turner y Caspar David Friedrich .
Hegel reconoció el fracaso en alcanzar un concepto universal de la belleza y, en su ensayo estético, escribió que la pintura es una de las tres artes "románticas", junto con la poesía y la música , por su propósito simbólico y altamente intelectual. [19] [20] Los pintores que han escrito trabajos teóricos sobre pintura incluyen a Kandinsky y Paul Klee . [21] [22] En su ensayo, Kandinsky sostiene que la pintura tiene un valor espiritual y atribuye colores primarios a sentimientos o conceptos esenciales, algo que Goethe y otros escritores ya habían intentado hacer.
La iconografía es el estudio del contenido de las pinturas, más que su estilo. Erwin Panofsky y otros historiadores del arte primero buscan comprender las cosas representadas, antes de mirar su significado para el espectador en ese momento, y finalmente analizar su significado cultural, religioso y social más amplio. [23]
En 1890, el pintor parisino Maurice Denis afirmó: "Recuerde que una pintura, antes de ser un caballo de guerra, una mujer desnuda o alguna historia u otra, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores ensamblados en un cierto orden". [24] Así, muchos desarrollos de la pintura del siglo XX, como el cubismo , fueron reflexiones sobre los medios de la pintura más que sobre el mundo externo, la naturaleza, que anteriormente había sido su tema central. El pintor y escritor Julian Bell ha ofrecido contribuciones recientes al pensamiento de la pintura . En su libro ¿Qué es la pintura?Bell analiza el desarrollo, a lo largo de la historia, de la noción de que las pinturas pueden expresar sentimientos e ideas. [25] En Mirror of The World, Bell escribe:
Una obra de arte busca retener su atención y mantenerla fija: una historia del arte la impulsa hacia adelante, arrasando una carretera a través de los hogares de la imaginación. [26]
Medios de pintura [ editar ]
Los diferentes tipos de pintura se suelen identificar por el medio en el que se suspende o incrusta el pigmento, lo que determina las características generales de trabajo de la pintura, como viscosidad , miscibilidad , solubilidad , tiempo de secado, etc.
Aceite [ editar ]
La pintura al óleo es el proceso de pintar con pigmentos que se unen con un medio de aceite secante , como el aceite de linaza , que fue ampliamente utilizado en la Europa moderna temprana. A menudo, el aceite se hervía con una resina como resina de pino o incluso incienso ; estos se llamaban "barnices" y eran muy apreciados por su cuerpo y brillo. La pintura al óleo finalmente se convirtió en el medio principal utilizado para crear obras de arte, ya que sus ventajas se hicieron ampliamente conocidas. La transición comenzó con la pintura neerlandesa temprana en el norte de Europa, y con el auge del Renacimiento, las técnicas de pintura al óleo habían reemplazado casi por completo a las pinturas al temple en la mayor parte de Europa.
Pastel [ editar ]
El pastel es un medio de pintura en forma de barra, que consta de pigmento en polvo puro y un aglutinante. [27] Los pigmentos utilizados en los pasteles son los mismos que se utilizan para producir todos los medios artísticos coloreados, incluidas las pinturas al óleo ; el aglutinante es de tono neutro y baja saturación . El efecto de color de los pasteles está más cerca de los pigmentos secos naturales que el de cualquier otro proceso. [28] Debido a que la superficie de una pintura al pastel es frágil y se mancha fácilmente, su conservación requiere medidas de protección como enmarcar bajo un vidrio; también se puede rociar con un fijador. No obstante, cuando se hace con pigmentos permanentes y se cuida adecuadamente, una pintura al pastel puede permanecer sin cambios durante siglos. Los pasteles no son susceptibles, al igual que las pinturas hechas con un medio fluido, al agrietamiento y la decoloración que resultan de los cambios en el color, la opacidad o las dimensiones del medio a medida que se seca.
Acrílico [ editar ]
La pintura acrílica es una pintura de secado rápido que contiene una suspensión de pigmento en una emulsión de polímero acrílico . Las pinturas acrílicas se pueden diluir con agua, pero se vuelven resistentes al agua cuando se secan. Dependiendo de cuánto se diluya la pintura (con agua) o se modifique con geles, medios o pastas acrílicos, la pintura acrílica terminada puede parecerse a una acuarela o una pintura al óleo., o tienen sus propias características únicas que no se pueden lograr con otros medios. La principal diferencia práctica entre la mayoría de los acrílicos y las pinturas al óleo es el tiempo de secado inherente. Los aceites permiten más tiempo para mezclar los colores y aplicar esmaltes uniformes sobre las pinturas inferiores. Este aspecto de secado lento del aceite puede verse como una ventaja para ciertas técnicas, pero también puede obstaculizar la capacidad del artista para trabajar rápidamente.
Acuarela [ editar ]
La acuarela es un método de pintura en el que las pinturas están hechas de pigmentos suspendidos en un vehículo soluble en agua. El soporte tradicional y más común de las acuarelas es el papel; otros soportes incluyen papiro , papel de corteza, plásticos, vitela o cuero , tela , madera y lona . En el este de Asia, la pintura de acuarela con tintas se conoce como pintura con pincel o pintura en pergamino. En la pintura china , coreana y japonesa ha sido el medio dominante, a menudo en negro monocromático o marrones. India, Etiopía y otros países también tienen una larga tradición.La pintura con los dedos con pinturas de acuarela se originó en China. Los lápices acuarelables (lápices de colores solubles en agua) se pueden usar húmedos o secos.
Tinta [ editar ]
Las pinturas de tinta se hacen con un líquido que contiene pigmentos o tintes y se usa para colorear una superficie para producir una imagen, texto o diseño . La tinta se utiliza para dibujar con bolígrafo , pincel o pluma . La tinta puede ser un medio complejo, compuesto de disolventes , pigmentos, tintes, resinas , lubricantes , solubilizantes, tensioactivos , partículas , fluorescentes y otros materiales. Los componentes de las tintas sirven para muchos propósitos; el portador de la tinta, los colorantes y otros aditivos controlan el flujo y el grosor de la tinta y su apariencia cuando está seca.
Cera caliente o encáustica [ editar ]
La pintura encáustica , también conocida como pintura de cera caliente, implica el uso de cera de abejas calentada a la que se agregan pigmentos de colores. El líquido / pasta se aplica luego a una superficie, generalmente madera preparada, aunque a menudo se usan lienzos y otros materiales. La mezcla de encáustica más simple se puede hacer agregando pigmentos a la cera de abejas, pero hay varias otras recetas que se pueden usar, algunas que contienen otros tipos de ceras , resina de damar , aceite de linazau otros ingredientes. Se pueden comprar y usar pigmentos puros en polvo, aunque algunas mezclas usan pinturas al óleo u otras formas de pigmento. Se pueden usar herramientas de metal y cepillos especiales para dar forma a la pintura antes de que se enfríe, o se pueden usar herramientas de metal calentadas para manipular la cera una vez que se haya enfriado en la superficie. Otros materiales pueden encajonarse o agruparse en la superficie, o colocarse en capas, utilizando el medio encáustico para adherirlo a la superficie.
La técnica era la normal para las pinturas de paneles griegos y romanos antiguos, y se mantuvo en uso en la tradición de los iconos ortodoxos orientales .
Fresco [ editar ]
Fresco es cualquiera de varios tipos de pintura mural relacionada , realizada en yeso en paredes o techos. La palabra fresco proviene de la palabra italiana affresco [afˈfresːko] , que deriva de la palabra latina para fresco . Los frescos se hicieron a menudo durante el Renacimiento y otros períodos tempranos. La técnica del fresco de Buon consiste en pintar en pigmento mezclado con agua sobre una fina capa de mortero de cal o yeso húmedo y fresco , para lo que se utiliza la palabra italiana para yeso, intonaco . Una pintura de secco , en cambio, se realiza sobre yeso seco ( seccoes "seco" en italiano). Los pigmentos requieren un medio aglutinante, como huevo ( témpera ), pegamento o aceite para adherir el pigmento a la pared.
Gouache [ editar ]
Gouache es una pintura a base de agua que consta de pigmento y otros materiales diseñados para usarse en un método de pintura opaca. El gouache se diferencia de la acuarela en que las partículas son más grandes, la proporción de pigmento a agua es mucho mayor y también está presente un pigmento blanco inerte adicional, como la tiza . Esto hace que el gouache sea más pesado y opaco, con mayores cualidades reflectantes. Como todos los medios acuáticos, se diluye con agua. [29]
Esmalte [ editar ]
Los esmaltes se fabrican pintando un sustrato, generalmente de metal, con vidrio en polvo; los minerales llamados óxidos de color proporcionan coloración. Después de la cocción a una temperatura de 750–850 grados Celsius (1380–1560 grados Fahrenheit), el resultado es una laminación fundida de vidrio y metal. A diferencia de la mayoría de las técnicas de pintura, la superficie se puede manipular y humedecer. Los esmaltes se han utilizado tradicionalmente para la decoración de objetos preciosos, [30] pero también se han utilizado para otros fines. El esmalte de Limoges fue el centro principal de la pintura esmaltada del Renacimiento, con pequeñas escenas religiosas y mitológicas en marcos decorados, en placas u objetos como sales o ataúdes. En el siglo XVIII, la pintura esmaltada gozó de moda en Europa, especialmente como medio paraminiaturas de retrato . [31] A finales del siglo XX, la técnica del esmalte de porcelana sobre metal se ha utilizado como un medio duradero para murales al aire libre. [32]
Pintura en aerosol [ editar ]
La pintura en aerosol (también llamada pintura en aerosol) es un tipo de pintura que viene en un recipiente presurizado sellado y se libera en una fina niebla al presionar el botón de una válvula . Una forma de pintura en aerosol , la pintura en aerosol deja una superficie lisa y con un recubrimiento uniforme. Las latas de tamaño estándar son portátiles, económicas y fáciles de almacenar. La imprimación en aerosol se puede aplicar directamente sobre metal desnudo y muchos plásticos.
La velocidad, la portabilidad y la permanencia también hacen que la pintura en aerosol sea un medio común de graffiti . A fines de la década de 1970, las firmas y los murales de los escritores de graffiti callejeros se volvieron más elaborados y se desarrolló un estilo único como un factor del medio de aerosol y la velocidad requerida para el trabajo ilícito. Muchos ahora reconocen el graffiti y el arte callejero como una forma de arte única y las pinturas en aerosol fabricadas específicamente están hechas para el artista del graffiti. Una plantilla protege una superficie, excepto la forma específica que se va a pintar. Las plantillas se pueden comprar como letras móviles, pedir como logotipos cortados profesionalmente o cortados a mano por artistas.
Temple [ editar ]
El temple , también conocido como temple al huevo, es un medio de pintura permanente de secado rápido que consiste en un pigmento coloreado mezclado con un medio aglutinante soluble en agua (generalmente un material glutinoso como la yema de huevo o algún otro tamaño ). Temple también se refiere a las pinturas realizadas en este medio. Las pinturas al temple son muy duraderas y todavía existen ejemplos de los primeros siglos d.C. El temple al huevo fue un método principal de pintura hasta después de 1500 cuando fue reemplazado por la invención de la pintura al óleo . Una pintura comúnmente llamada témpera (aunque no lo es) que consiste en pigmento y pegamento se usa comúnmente y algunos fabricantes en Estados Unidos se refieren a ella como pintura para carteles .
Pintura al óleo miscible en agua [ editar ]
Las pinturas al óleo miscibles en agua (también llamadas "solubles en agua" o " mezclables con agua") son una variedad moderna de pintura al óleo diseñada para diluirse y limpiarse con agua, en lugar de tener que usar productos químicos como la trementina . Se puede mezclar y aplicar utilizando las mismas técnicas que la pintura tradicional a base de aceite, pero mientras aún está húmedo se puede quitar eficazmente de pinceles, paletas y trapos con agua y jabón común. Su solubilidad en agua proviene del uso de un medio de aceite en el que un extremo de la molécula se ha alterado para unirse libremente a las moléculas de agua, como en una solución .
Pintura digital [ editar ]
La pintura digital es un método para crear un objeto de arte (pintura) digitalmente o una técnica para hacer arte digital en la computadora. Como método de creación de un objeto de arte, adapta medios de pintura tradicionales como pintura acrílica , óleos , tintas , acuarelas , etc. y aplica el pigmento a soportes tradicionales, como tela de lona tejida, papel, poliéster, etc. mediante software informático que impulsa maquinaria industrial robótica o de oficina (impresoras). Como técnica, se refiere a un gráficos por ordenador programa de software que utiliza una virtualeslienzo y caja de pintura virtual de pinceles, colores y otros suministros. La caja virtual contiene muchos instrumentos que no existen fuera de la computadora, y que le dan a una obra de arte digital una apariencia diferente a una obra de arte que se hace de manera tradicional. Además, la pintura digital no es un arte "generado por computadora", ya que la computadora no crea automáticamente imágenes en la pantalla usando algunos cálculos matemáticos. Por otro lado, el artista utiliza su propia técnica de pintura para crear una obra en particular en la computadora. [33]
Estilos de pintura [ editar ]
El estilo se usa en dos sentidos: puede referirse a los elementos, técnicas y métodos visuales distintivos que tipifican el trabajo de un artista individual . También puede referirse al movimiento o escuela con la que está asociado un artista. Esto puede provenir de un grupo real con el que el artista estuvo conscientemente involucrado o puede ser una categoría en la que los historiadores del arte han colocado al pintor. La palabra "estilo" en el último sentido ha caído en desgracia en las discusiones académicas sobre la pintura contemporánea, aunque sigue utilizándose en contextos populares. Dichos movimientos o clasificaciones incluyen lo siguiente:
Occidental [ editar ]
Modernismo [ editar ]
El modernismo describe tanto un conjunto de tendencias culturales como una serie de movimientos culturales asociados , que originalmente surgieron de cambios a gran escala y de gran alcance en la sociedad occidental a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. El modernismo fue una revuelta contra los valores conservadores del realismo . [34] [35]El término abarca las actividades y la producción de aquellos que sintieron que las formas "tradicionales" de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, organización social y vida cotidiana se estaban volviendo obsoletas en las nuevas condiciones económicas, sociales y políticas de un país emergente totalmente industrializado. mundo. Una característica sobresaliente del modernismo es la autoconciencia. Esto a menudo condujo a experimentos con la forma y al trabajo que llama la atención sobre los procesos y materiales utilizados (y la mayor tendencia a la abstracción). [36]
Impresionismo [ editar ]
El primer ejemplo de modernismo en la pintura fue el impresionismo , una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en los estudios, sino al aire libre ( en plein air ). Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió adeptos a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la exposición comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en lugares comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, sincronizándolas para que coincidieran con el Salón oficial. Un hecho significativo de 1863 fue el Salon des Refusés, creado por el emperador Napoleón III para mostrar todas las pinturas rechazadas por el Salón de París.
Estilos abstractos [ editar ]
La pintura abstracta utiliza un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de las referencias visuales del mundo. [37] [38] El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial que combinó la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética anti-figurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo. , y la imagen de ser rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, algunos sienten, nihilista. [39]
La pintura de acción , a veces llamada abstracción gestual , es un estilo de pintura en el que la pintura se derrama, salpica o mancha espontáneamente sobre el lienzo, en lugar de aplicarse con cuidado. [40] El trabajo resultante a menudo enfatiza el acto físico de pintar en sí mismo como un aspecto esencial del trabajo terminado o preocupación de su artista. El estilo se extendió desde la década de 1940 hasta principios de la de 1960 y está estrechamente asociado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han utilizado los términos "pintura de acción" y "expresionismo abstracto" de manera intercambiable).
Otros estilos modernistas incluyen:
- Campo de color
- Abstracción lírica
- Pintura de borde duro
- Arte pop
Arte forastero [ editar ]
El término arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 como sinónimo inglés de art brut ( francés: [aʁ bʁyt] , "arte crudo" o "arte bruto"), una etiqueta creada por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte. creado fuera de los límites de la cultura oficial; Dubuffet se centró particularmente en el arte de los presos de manicomios . [41]El arte outsider ha surgido como una categoría de marketing de arte exitosa (desde 1992 se ha celebrado en Nueva York una feria de arte externo anual). El término a veces se aplica incorrectamente como una etiqueta de marketing general para el arte creado por personas fuera del "mundo del arte" convencional, independientemente de sus circunstancias o del contenido de su trabajo.
Fotorrealismo [ editar ]
El fotorrealismo es el género de la pintura que se basa en el uso de la cámara y las fotografías para recopilar información y luego, a partir de esta información, se crea una pintura que parece ser muy realista como una fotografía . El término se aplica principalmente a pinturas del movimiento artístico de los Estados Unidos que comenzó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. Como movimiento artístico en toda regla, el fotorrealismo evolucionó a partir del arte pop [42] [43] [44] y como un contrapunto al expresionismo abstracto .
El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a una fotografía de alta resolución . El hiperrealismo es una escuela de arte en toda regla y puede considerarse un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados para crear las pinturas o esculturas resultantes. El término se aplica principalmente a un movimiento y estilo artístico independiente en los Estados Unidos y Europa que se ha desarrollado desde principios de la década de 2000. [45]
Surrealismo [ editar ]
El surrealismo es un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es más conocido por la producción artística y literaria de los afiliados al Movimiento Surrealista . Las obras de arte surrealistas presentan el elemento sorpresa, lo siniestro, lo inconsciente, yuxtaposiciones inesperadas y no sequitur ; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su trabajo como una expresión del movimiento filosófico ante todo, siendo las obras un artefacto. El líder André Breton fue explícito en su afirmación de que el surrealismo era ante todo un movimiento revolucionario.
El surrealismo se desarrolló a partir de las actividades dadaístas de la Primera Guerra Mundial y el centro más importante del movimiento fue París . A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo, afectando finalmente las artes visuales , la literatura , el cine y la música de muchos países, así como el pensamiento y la práctica política , la filosofía y la teoría social .
Asia oriental [ editar ]
- chino
- dinastía Tang
- dinastia Ming
- Shan shui
- Pintura de tinta y aguada
- Hua niao
- Escuela del Sur
- Escuela Zhe
- Escuela Wu
- Contemporáneo
- japonés
- Yamato-e
- Escuela Rimpa
- Emakimono
- Escuela Kanō
- Escuela shijō
- Superplano
- coreano
Islámico [ editar ]
- Miniatura árabe
- Miniatura de Mughal
- Miniatura otomana
- Miniatura persa
Indio [ editar ]
- Escuela de oriya
- Escuela de bengala
- Kangra
- Madhubani
- Mysore
- Rajput
- Mughal
- Samikshavad
- Tanjore
- Warli
- Pintura mural de Kerala
Africano [ editar ]
- Tingatinga
Arte contemporáneo [ editar ]
Década de 1950 [ editar ]
| 1960 [ editar ]
| 1970 [ editar ]
| Década de 1980 [ editar ]
| Década de 1990 [ editar ]
| 2000 [ editar ]
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Tipos de pintura [ editar ]
Alegoría [ editar ]
La alegoría es un modo figurativo de representación que transmite un significado diferente al literal. La alegoría comunica su mensaje mediante figuras simbólicas , acciones o representaciones simbólicas. La alegoría se trata generalmente como una figura de la retórica , pero una alegoría no tiene que expresarse con el lenguaje : puede dirigirse al ojo y se encuentra a menudo en la pintura realista. Un ejemplo de una simple alegoría visual es la imagen de la Parca . Los espectadores entienden que la imagen de la Parca es una representación simbólica de la muerte.
Bodegón [ editar ]
En el arte español , un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa elementos de la despensa, como víveres, juegos y bebidas, a menudo dispuestos en una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero elementos de bodegones significativos, típicamente establecidos en una cocina o taberna. A partir del período barroco , estas pinturas se hicieron populares en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de bodegones parece haber comenzado y fue mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos , hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que nunca en el sur de Europa . Bodegones del nortetenía muchos subgéneros: la pieza del desayuno fue aumentada por el trampantojo , el ramo de flores y las vanitas . En España, había muchos menos clientes para este tipo de cosas, pero un tipo de pieza de desayuno se hizo popular, con algunos objetos de comida y vajilla colocados sobre una mesa.
Pintura de figuras [ editar ]
Una pintura de figura es una obra de arte en cualquiera de los medios de pintura con el tema principal que es la figura humana, ya sea vestida o desnuda . La pintura de figuras también puede referirse a la actividad de crear tal obra. La figura humana ha sido uno de los temas de contraste del arte desde las primeras pinturas rupestres de la Edad de Piedra, y ha sido reinterpretada en varios estilos a lo largo de la historia. [46] Algunos artistas bien conocidos por la pintura de figuras son Peter Paul Rubens , Edgar Degas y Édouard Manet .
Pintura de ilustración [ editar ]
Las pinturas de ilustración son aquellas que se utilizan como ilustraciones en libros, revistas y carteles de teatro o películas y cómics. Hoy en día, existe un interés creciente en coleccionar y admirar las obras de arte originales. Varias exposiciones de museos, revistas y galerías de arte han dedicado espacio a los ilustradores del pasado. En el mundo de las artes visuales, los ilustradores a veces se han considerado menos importantes en comparación con los artistas plásticos y los diseñadores gráficos . Pero como resultado del crecimiento de la industria de los juegos de computadora y el cómic, las ilustraciones se están valorando como obras de arte populares y rentables que pueden adquirir un mercado más amplio que los otros dos, especialmente en Corea , Japón, Hong Kong y los Estados Unidos.
Pintura de paisaje [ editar ]
La pintura de paisaje es un término que cubre la representación de paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques, y especialmente el arte donde el tema principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otras obras, los fondos paisajísticos de las figuras todavía pueden formar una parte importante del trabajo. El cielo casi siempre se incluye en la vista y el clima suele ser un elemento de la composición. Los paisajes detallados como un tema distinto no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representar otros temas. Las dos tradiciones principales surgen de la pintura occidental y el arte chino , y se remontan a más de mil años en ambos casos.
Pintura de retrato [ editar ]
Los retratos son representaciones de una persona, en las que predomina el rostro y su expresión. La intención es mostrar el parecido, la personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. El arte del retrato floreció en la escultura griega antigua y especialmente en la escultura romana , donde los modelos exigían retratos individualizados y realistas, incluso poco halagadores. Uno de los retratos más conocidos del mundo occidental es el cuadro de Leonardo da Vinci titulado Mona Lisa , que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini , la esposa de Francesco del Giocondo. [49]
Naturaleza muerta [ editar ]
Un bodegón es una obra de arte que representa en su mayoría temas inanimados , por lo general objetos comunes, que pueden ser naturales (comida, flores, plantas, rocas o conchas) o artificiales (vasos, libros, jarrones, joyas, monedas). , tuberías, etc.). Con orígenes en la Edad Media y el arte griego / romano antiguo, las pinturas de bodegones dan al artista más libertad en la disposición de los elementos de diseño dentro de una composición que las pinturas de otros tipos de temas como el paisaje o el retrato.. Las pinturas de bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismo religioso y alegórico relacionado con los objetos representados. Algunas naturalezas muertas modernas rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, y utilizan objetos encontrados, fotografía, gráficos por computadora, así como video y sonido.
Veduta [ editar ]
Una veduta es una pintura muy detallada, generalmente a gran escala, de un paisaje urbano o alguna otra vista. Este género de paisaje se originó en Flandes , donde artistas como Paul Bril pintaron vedute ya en el siglo XVI. A medida que el itinerario del Grand Tour se estandarizó un poco, la secuencia de escenas familiares como el Foro Romano o el Gran Canal recordó las primeras aventuras en el continente para los ingleses aristocráticos. A finales del siglo XIX, impresiones más personales de paisajes urbanos reemplazaron el deseo de precisión topográfica, que se satisfizo en cambio con panoramas pintados .
Ver también [ editar ]
- Pintura occidental del siglo XX
- Pintura de telaraña
- Dibujo
- Artes graficas
- Índice de artículos relacionados con la pintura
- Lista de pinturas más caras
- Esquema de la pintura
- Subcontratación de pintura en China
- Artes visuales
Notas [ editar ]
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Lectura adicional [ editar ]
 | Wikimedia Commons tiene medios relacionados con la pintura . |
 | Wikiquote tiene citas relacionadas con: Pintura |
 | Busque pintura en Wikcionario, el diccionario gratuito. |
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- W. Stanley Jr. Taft, James W. Mayer, La ciencia de las pinturas , primera edición, Springer, 2000.
