El arte de performance es una obra de arte o exhibición de arte creada a través de acciones ejecutadas por el artista u otros participantes. Puede ser en vivo, mediante documentación, de forma espontánea o escrita, presentada a un público en un contexto de Bellas Artes , tradicionalmente interdisciplinario. [1] También conocida como acción artística , se ha desarrollado a lo largo de los años como un género propio en el que el arte se presenta en directo. Tuvo un papel importante y fundamental en el arte de vanguardia del siglo XX. [2] [3]
Implica cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, cuerpo y presencia del artista, y la relación entre el creador y el público. Las acciones, generalmente desarrolladas en galerías de arte y museos, pueden desarrollarse en la calle, cualquier tipo de escenario o espacio y durante cualquier período de tiempo. [4] Su objetivo es generar una reacción, a veces con el apoyo de la improvisación y el sentido de la estética. Los temas suelen estar vinculados a experiencias de vida del propio artista, o la necesidad de denuncia o crítica social y con espíritu de transformación. [5]
Los términos "performance art" y "performance" se utilizaron ampliamente en la década de 1970, aunque la historia de la performance en las artes visuales se remonta a las producciones futuristas y los cabarets de la década de 1910. [6] [1] Los principales pioneros del arte de performance incluyen a Carolee Schneemann , [7] Marina Abramović , [8] Ana Mendieta , [9] Chris Burden , [10] Hermann Nitsch , Joseph Beuys , Nam June Paik , Yves Klein y Vito Acconci . [11] Algunos de los principales exponentes más recientes son Tania Bruguera , [12] Abel Azcona , [13] Regina José Galindo , Tehching Hsieh , Marta Minujín [14] y Petr Pavlensky . La disciplina está ligada al acontecer , el movimiento Fluxus , el arte corporal y el arte conceptual . [15]
Definición
La definición y contextualización histórica y pedagógica del arte de performance es controvertida. Una de las desventajas proviene del propio término, que es polisémico, y uno de sus significados se relaciona con las artes escénicas. Este significado de performance en el contexto de las artes escénicas es opuesto al significado de performance art, ya que el performance emergió con una posición crítica y antagónica hacia las artes escénicas. El arte escénico solo se une a las artes escénicas en ciertos aspectos, como la audiencia y el cuerpo presente, y aún no todas las obras de arte escénico contienen estos elementos. [dieciséis]
El significado del término en sentido estricto está relacionado con las tradiciones posmodernistas de la cultura occidental. Desde mediados de la década de 1960 hasta la de 1970, a menudo derivado de conceptos de arte visual, con respecto a Antonin Artaud , Dada , los situacionistas , Fluxus , el arte de instalación y el arte conceptual , el arte de performance tendía a definirse como una antítesis del teatro. desafiar las formas de arte ortodoxo y las normas culturales. El ideal había sido una experiencia efímera y auténtica para el intérprete y el público en un evento que no podía repetirse, capturarse ni comprarse. [17] La diferencia ampliamente discutida, cómo se usan los conceptos de artes visuales y los conceptos de artes escénicas, puede determinar los significados de una presentación de arte escénico. [dieciséis]
El arte de performance es un término generalmente reservado para referirse a un arte conceptual que transmite un significado basado en el contenido en un sentido más relacionado con el drama, en lugar de ser una simple representación en sí misma con fines de entretenimiento. Se refiere en gran medida a una actuación presentada a una audiencia, pero que no busca presentar una obra teatral convencional o una narración lineal formal, o que alternativamente no busca representar un conjunto de personajes ficticios en interacciones formales con guión. Por lo tanto, puede incluir acción o palabra hablada como comunicación entre el artista y la audiencia, o incluso ignorar las expectativas de una audiencia, en lugar de seguir un guión escrito de antemano.
Sin embargo, algunos tipos de artes escénicas pueden acercarse a las artes escénicas. Tal actuación puede utilizar un guión o crear un escenario dramático ficticio, pero aún así constituye arte de performance en el sentido de que no busca seguir la norma dramática habitual de crear un escenario ficticio con un guión lineal que sigue la dinámica convencional del mundo real; más bien, buscaría intencionalmente satirizar o trascender las dinámicas habituales del mundo real que se utilizan en las obras de teatro convencionales.
Los artistas de performance a menudo desafían a la audiencia a pensar de maneras nuevas y poco convencionales, rompen las convenciones de las artes tradicionales y rompen las ideas convencionales sobre "qué es el arte". Mientras el intérprete no se convierta en un actor que repita un papel, la performance puede incluir elementos satíricos; utilizar robots y máquinas como artistas, como en piezas de los Laboratorios de Investigación de Supervivencia ; involucran elementos ritualizados (por ejemplo, Shaun Caton ); o tomar prestados elementos de cualquier arte escénico como danza, música y circo .
Algunos artistas, por ejemplo, los actionistas y neo-dadaístas vieneses , prefieren utilizar los términos "arte en vivo", "arte de acción", "acciones", "intervención" (ver intervención artística ) o "maniobra" para describir sus actividades escénicas. A medida que aparecen los géneros del arte escénico, el arte corporal , el fluxus-performance, el acontecimiento , la poesía de acción y la intermedia .
Orígenes
El performance es una forma de expresión que nació como una manifestación artística alternativa. La disciplina surgió en 1916 paralelamente al dadaísmo, bajo el paraguas del arte conceptual. El movimiento fue dirigido por Tristan Tzara , uno de los pioneros de Dada . Los teóricos de la cultura occidental han establecido los orígenes del arte de la performance a principios del siglo XX, junto con el constructivismo , el futurismo y el dadaísmo. Dada fue una inspiración importante debido a sus acciones poéticas, que se alejaron de los convencionalismos, y los artistas futuristas, especialmente algunos miembros del futurismo ruso , también pudieron identificarse como parte del proceso inicial del arte de la performance. [18] [19]
Cabaret Voltaire
El Cabaret Voltaire fue fundado en Zurich (Suiza) por la pareja Hugo Ball y Emmy Hennings con fines artísticos y políticos y fue un lugar donde se exploraron nuevas tendencias. Ubicado en el piso superior de un teatro, cuyas exhibiciones burlaban en sus espectáculos, las obras interpretadas en el cabaret eran vanguardistas y experimentales. Se cree que el movimiento Dada se fundó en el local de diez metros cuadrados. [20] Además, los surrealistas, cuyo movimiento descendía directamente del dadaísmo, solían reunirse en el Cabaret. En su breve existencia —apenas seis meses, cerrando el verano de 1916— se leyó el Manifiesto dadaísta y se realizaron las primeras acciones dadaístas, performances y presentaciones de poesía híbrida, plástica, música y acción repetitiva. Fundadores como Richard Huelsenbeck , Marcel Janco , Tristan Tzara , Sophie Taeuber-Arp y Jean Arp participaron en hechos provocadores y escandalosos que fueron fundamentales y la base de la fundación del movimiento anarquista llamado Dada. [21]
El dadaísmo nació con la intención de destruir cualquier sistema o norma establecida en el mundo del arte. [23] Es un movimiento anti-arte, anti-literario y anti-poesía, que cuestionó la existencia del arte, la literatura y la poesía en sí. No solo era una forma de crear, sino de vivir; creó una ideología completamente nueva. [24] Fue contra la belleza eterna, la eternidad de los principios, las leyes de la lógica, la inmovilidad del pensamiento y claramente contra todo lo universal. Promovió el cambio, la espontaneidad, la inmediatez, la contradicción, la aleatoriedad y la defensa del caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección, ideas similares a las del performance. Representaban la provocación, la protesta contra el arte y el escándalo, a través de formas de expresión muchas veces satíricas e irónicas. El absurdo o la falta de valor y el caos protagonizaron [ aclaración necesaria ] sus acciones de ruptura con la forma artística tradicional. [23] [24] [25] [26]
Futurismo
El futurismo fue un movimiento de vanguardia artística que apareció en 1909. Primero comenzó como un movimiento literario, aunque la mayoría de los participantes eran pintores. Al principio también incluía escultura, fotografía, música y cine. La Primera Guerra Mundial puso fin al movimiento, aunque en Italia se prolongó hasta la década de 1930. Uno de los países donde tuvo mayor impacto fue Rusia. [27] En 1912 surgieron manifiestos como el Manifiesto de la Escultura Futurista y la Arquitectura Futurista , y en 1913 el Manifiesto de la Lujuria Futurista de Valentine de Saint-Point , bailarina, escritora y artista francesa. Los futuristas difundieron sus teorías a través de encuentros, encuentros y conferencias en espacios públicos, que se acercaron a la idea de una concentración política, con poesía y music-halls, que anticiparon el performance art. [27] [28] [29]
Bauhaus
La Bauhaus , fundada en Weimar en 1919, incluyó talleres experimentales de artes escénicas con el objetivo de explorar la relación entre el cuerpo, el espacio, el sonido y la luz. El Black Mountain College , fundado en Estados Unidos por instructores de la Bauhaus original que fueron exiliados por el Partido Nazi, continuó incorporando las artes escénicas experimentales en la formación de las artes escénicas veinte años antes de los hechos relacionados con la historia del performance en los años sesenta. [30] El nombre Bauhaus deriva de las palabras alemanas Bau, construcción y Haus, casa ; Irónicamente, a pesar de su nombre y de que su fundador fue arquitecto, la Bauhaus no contaba con un departamento de arquitectura los primeros años de su existencia. [31] [32]
Pintura de acción
En las décadas de 1940 y 1950, la técnica o movimiento de la pintura de acción dio a los artistas la posibilidad de interpretar el lienzo como un área en la que actuar, convirtiendo las pinturas como huellas de la actuación del artista en el estudio [33] Según el crítico de arte Harold Rosenberg , fue uno de los procesos iniciadores del arte de la performance, junto con el expresionismo abstracto. Jackson Pollock es el pintor de acción por excelencia, que realizó muchas de sus acciones en vivo. [34] Los nombres a destacar son Willem de Kooning y Franz Kline , cuyo trabajo incluye pintura abstracta y de acción. [33] [35] [36]
Nouveau réalisme
Nouveau réalisme es otro de los movimientos artísticos citados en los inicios del performance art. Se trata de un movimiento pictórico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el pintor Yves Klein , durante la primera exposición colectiva en la Galería Apollinaire de Milán. Nouveau réalisme fue, junto con Fluxus y otros grupos, una de las muchas tendencias de vanguardia de los años sesenta. Pierre Restany creó varios montajes de performance en la Tate Modern , entre otros espacios. [37] Yves Klein es uno de los principales exponentes del movimiento. Fue un claro pionero de la performance, con sus piezas conceptuales como Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle ( 1959-1962 ), Anthropométries (1960) y el fotomontaje Saut dans le vide . [38] [39] Todas sus obras tienen una conexión con el arte de la performance, ya que se crean como una acción en vivo, como sus obras de arte más conocidas de pinturas creadas con cuerpos de mujeres. Los integrantes del grupo vieron el mundo como una imagen, de la que tomaron parte y la incorporaron a su trabajo; buscaban acercar la vida y el arte. [40] [41] [42]
Gutai
Uno de los otros movimientos que anticipó el arte de la performance fue el movimiento japonés Gutai , que hizo arte de acción o acontecimiento . Surgió en 1955 en la región de Kansai ( Kyōto , Ōsaka , Kōbe ). Los principales participantes fueron Jirō Yoshihara , Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka. [43] El grupo Gutai surgió después de la Segunda Guerra Mundial. Rechazaban el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas con agresividad latente (rotura de objetos, acciones con humo). Influyeron en grupos como Fluxus y artistas como Joseph Beuys y Wolf Vostell . [43] [44] [45]
Land art y performance
A fines de la década de 1960, diversos artistas de land art como Robert Smithson o Dennis Oppenheim crearon piezas ambientales que precedieron al arte de performance en la década de 1970. Las obras de artistas conceptuales de principios de la década de 1980, como Sol LeWitt , que convirtió el dibujo mural en un acto escénico, fueron influenciadas por Yves Klein y otros artistas del land art. [46] [47] [48] Land art es un movimiento de arte contemporáneo en el que el paisaje y la obra de arte están profundamente ligados. Utiliza la naturaleza como material (madera, suelo, rocas, arena, viento, fuego, agua, etc.) para intervenir sobre sí misma. La obra de arte se genera con el propio lugar como punto de partida. El resultado es a veces una unión entre escultura y arquitectura, y a veces una unión entre escultura y paisajismo que adquiere un papel cada vez más determinante en los espacios públicos contemporáneos. Al incorporar el cuerpo del artista en el proceso creativo, adquiere similitudes con los inicios del performance art.
Retrato de Valentine de Saint-Point en el espacio de la creación
Portada intervenida por la futurista rusa Olga Rozanova (1912)
Retrato de Willem de Kooning , pintor de pintura de acción en su estudio
Instalación de Gutai Group, en la Bienal de Venecia 2009
Instalación de Dennis Oppenheim en Hesse, Alemania
Obra de Land Art de Robert Smithson
Retrato de Pierre Restany en una de sus inauguraciones
Liberación de 1001 globos azules, "escultura aérea" de Yves Klein
1960
En la década de 1960, con el propósito de evolucionar la idea generalizada de arte y con principios similares a los originarios del Cabaret Voltaire o el futurismo , una variedad de nuevas obras, conceptos y un número creciente de artistas llevaron a nuevos tipos de performance art. Movimientos claramente diferenciados del accionismo vienés , el performance art de vanguardia en la ciudad de Nueva York, el proceso de arte , la evolución de The Living Theatre o pasando , pero sobre todo la consolidación de los pioneros del performance art. [49]
Accionismo vienés
El término Accionismo vienés ( Wiener Aktionismus ) comprende un movimiento artístico breve y controvertido del siglo XX, que es recordado por la violencia, lo grotesco y visual de sus obras de arte. [50] Se encuentra en el vangard austriaco de la década de 1960, y tenía el objetivo de llevar el arte al terreno del arte de la performance, y está vinculado a Fluxus y Body Art. Entre sus principales exponentes se encuentran Günter Brus , Otto Muehl y Hermann Nitsch , quienes desarrollaron la mayor parte de su actividad accionista entre 1960 y 1971. Hermann Nitsch presentó en 1962 su Teatro de Orgías y Misterios (Teatro Orgien und Mysterien), pionero de la performance, cerca a las artes escénicas. [51] [52] [53]
Nueva York y el performance de vanguardia
A principios de la década de 1960, la ciudad de Nueva York albergaba muchos movimientos, eventos e intereses relacionados con el arte escénico. Entre otros, Andy Warhol comenzó a crear películas y videos, [54] y a mediados de la década patrocinó The Velvet Underground y organizó eventos y acciones performativas en Nueva York, como Exploding Plastic Inevitable (1966), que incluía música rock en vivo, luces explosivas. y películas. [55] [56] [57] [58]
El Teatro Viviente
Indirectamente influyentes para la actuación en el mundo del arte, particularmente en los Estados Unidos, fueron las nuevas formas de teatro, encarnadas por San Francisco Mime Troupe y Living Theatre y exhibidas en los teatros Off-Off Broadway en SoHO y en La MaMa en la ciudad de Nueva York. The Living Theatre es una compañía de teatro creada en 1947 en Nueva York. Es el teatro experimental más antiguo de Estados Unidos. [59] A lo largo de su historia ha sido liderada por sus fundadores: la actriz Judith Malina , quien estudió teatro con Erwin Piscator , con quien estudió la teoría de Bertolt Brecht y Meyerhold ; y el pintor y poeta Julian Beck . Después de la muerte de Beck en 1985, el miembro de la compañía Hanon Reznikov se convirtió en codirector junto con Malina. Debido a que es uno de los grupos de teatro al azar o de teatro en vivo más antiguos de la actualidad, el resto lo mira. [ aclaración necesaria ] Ellos entendieron el teatro como una forma de vida, y los actores vivían en una comunidad bajo principios libertarios [ aclaración necesaria ] . Fue una campaña de teatro dedicada a la transformación de la organización de poder de una sociedad autoritaria y estructura jerárquica. The Living Theatre estuvo de gira principalmente en Europa entre 1963 y 1968, y en los EE. UU. En 1968. Una obra de este período, Paradise Now , fue conocida por la participación del público y una escena en la que los actores recitaban una lista de tabúes sociales que incluían la desnudez, mientras se desnuda. [60]
Fluxus
Fluxus , una palabra latina que significa fluir , es un movimiento de artes visuales relacionado con la música, la literatura y la danza. Su momento más activo fue en las décadas de 1960 y 1970. Se autoproclamaron contra el objeto artístico tradicional como una mercancía y se declararon un movimiento artístico sociológico. Fluxus fue organizado informalmente en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento tuvo representación en Europa, Estados Unidos y Japón. [61] El movimiento Fluxus, desarrollado mayoritariamente en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage , no veía la vanguardia como una renovación lingüística, sino que buscaba hacer un uso diferente de los principales canales artísticos que se separan de lenguaje específico; intenta ser interdisciplinar y adoptar medios y materiales de diferentes campos. El lenguaje no es el objetivo, sino el medio de una renovación del arte, visto como un arte global. [62] Además de Dada , Fluxus escapó a cualquier intento de definición o categorización. Como dijo uno de los fundadores del movimiento, Dick Higgins :
Fluxus comenzó con el trabajo y luego se unieron, aplicando el nombre Fluxus a un trabajo que ya existía. Fue como si hubiera comenzado en el medio de la situación, más que al principio. [63] [64]
Robert Filliou sitúa a Fluxus frente al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la cotidianeidad, y gira en torno a la propuesta de Duchamp, que a partir del Ready-made introdujo lo cotidiano en el arte, mientras que Fluxus disolvió el arte en lo cotidiano, muchas veces con pequeñas acciones o actuaciones. [sesenta y cinco]
John Cage fue un compositor, teórico de la música , artista y filósofo estadounidense. Pionero de la indeterminación en la música , la música electroacústica y el uso no estándar de instrumentos musicales , Cage fue una de las figuras principales de la vanguardia de la posguerra . Los críticos lo han alabado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. [66] [67] [68] [69] También jugó un papel decisivo en el desarrollo de la danza moderna , principalmente a través de su asociación con la coreógrafa Merce Cunningham , quien también fue la pareja romántica de Cage durante la mayor parte de sus vidas. [70] [71]
Arte de proceso
El arte de proceso es un movimiento artístico donde el producto final del arte y la artesanía , el objet d'art ( obra de arte / objeto encontrado ), no es el foco principal; el proceso de su elaboración es uno de los aspectos más relevantes, si no el más importante: la recopilación, clasificación, cotejo, asociación, modelado y, además, el inicio de acciones y trámites. Los artistas de procesos veían el arte como pura expresión humana. Process art defiende la idea de que el proceso de creación de la obra de arte puede ser una obra de arte en sí misma. El artista Robert Morris predicaba la "antiforma", el proceso y el tiempo sobre un producto final objetual. [72] [73] [74]
Sucediendo
Wardrip-Fruin y Montfort en The New Media Reader , "El término 'Happening' se ha utilizado para describir muchas representaciones y eventos, organizados por Allan Kaprow y otros durante las décadas de 1950 y 1960, incluida una serie de producciones teatrales que tradicionalmente tenían guiones y invitó solo una interacción limitada de la audiencia ". [75] Un acontecimiento permite al artista experimentar con el movimiento del cuerpo, los sonidos grabados, los textos escritos y hablados, e incluso los olores. Una de las primeras obras de Kaprow fue Happenings in the New York Scene , escrita en 1961. [76] Los sucesos de Allan Kaprow convirtieron al público en intérpretes. A menudo, los espectadores se convirtieron en parte activa del acto sin darse cuenta. Otros actores que crearon sucesos fueron Jim Dine , Claes Oldenburg , Robert Whitman y Wolf Vostell : Theatre is in the Street (París, 1958). [77] [78]
Artistas principales
Las obras de artistas de performance posteriores a 1968 mostraron muchas veces influencias de la situación política y cultural de ese año. Barbara T. Smith con Ritual Meal (1969) estuvo a la vanguardia del arte feminista corporal y escénico en los años setenta, que incluía, entre otros, a Carolee Schneemann y Joan Jonas . Estos, junto a Yoko Ono , Joseph Beuys , Nam June Paik , Wolf Vostell , Allan Kaprow , Vito Acconci , Chris Burden y Dennis Oppenheim fueron pioneros en la relación entre body art y performance art, así como el colectivo Zaj en España con Esther. Ferrer y Juan Hidalgo .
Barbara Smith es artista y activista estadounidense. Es una de las principales exponentes afroamericanas del feminismo y el activismo LGBT en Estados Unidos. A principios de la década de 1970 trabajó como profesora, escritora y defensora de la corriente del feminismo negro. [79] Ha enseñado en numerosos colegios y universidades en los últimos cinco años. Los ensayos, reseñas, artículos, relatos breves y crítica literaria de Smith han aparecido en una variedad de publicaciones, como The New York Times , The Guardian , The Village Voice y The Nation . [80] [81] [82]
Carolee Schneemann [83] fue una artista visual experimental estadounidense , conocida por sus trabajos multimedia sobre el cuerpo, la narrativa, la sexualidad y el género . [84] Creó piezas como Meat Joy (1964) e Interior Scroll (1975). [85] Schneemann consideraba su cuerpo como una superficie para trabajar. [86] Se describió a sí misma como una "pintora que ha dejado el lienzo para activar el espacio real y el tiempo vivido". [87] [ verificación fallida ]
Joan Jonas (nacida el 13 de julio de 1936) es una artista visual estadounidense y pionera del video y el arte escénico, que es una de las artistas femeninas más importantes que surgieron a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. [88] Los proyectos y experimentos de Jonas proporcionaron la base sobre la que se basaría gran parte del arte de performance en video. Sus influencias también se extendieron al arte conceptual , el teatro, las artes escénicas y otros medios visuales. Vive y trabaja en Nueva York y Nueva Escocia, Canadá. [89] [90] Inmerso en la escena artística del centro de Nueva York de la década de 1960, Jonas estudió con la coreógrafa Trisha Brown durante dos años. [91] Jonas también trabajó con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton. [92]
Yoko Ono formó parte del movimiento de vanguardia de la década de 1960. Ella era parte del movimiento Fluxus. [93] Es conocida por sus obras de performance de finales de la década de 1960, obras como Cut Piece , donde los visitantes podían intervenir en su cuerpo hasta que la dejaban desnuda. [94] Una de sus piezas más conocidas es Wall, pieza para orquesta (1962). [95] [96]
Joseph Beuys fue un alemán Fluxus, pasando , artista de performance, pintor, escultor, medallista y artista de la instalación . En 1962 se inició su actuación junto al movimiento neodadaísta Fluxus, grupo en el que acabó convirtiéndose en el integrante más importante. Su logro más relevante fue la socialización del arte, haciéndolo más accesible para todo tipo de público. [97] En Cómo explicar las imágenes a una liebre muerta (1965) se cubrió la cara con miel y pan de oro y explicó su trabajo a una liebre muerta que yacía en sus brazos. En esta obra vinculó factores espaciales y escultóricos, lingüísticos y sonoros a la figura del artista, a su gesto corporal, a la conciencia de un comunicador cuyo receptor es un animal. [98] Beuys actuó como un chamán con poderes curativos y salvadores hacia la sociedad que consideraba muerta. [99] En 1974 realizó la performance I Like America and America Likes Me donde Beuys, un coyote y materiales como papel, fieltro y paja constituyeron el vehículo para su creación. Vivió con el coyote durante tres días. Apiló periódicos estadounidenses, símbolo del capitalismo. [100] Con el tiempo, la tolerancia entre Beuys y el coyote creció y terminó abrazando al animal. Beuys repite muchos elementos utilizados en otras obras. [101] Objetos que se diferencian forman los ready-mades de Duchamp, no por su pobre [ aclaración necesaria ] y efímera, sino porque son parte de la propia vida de Beuys, que los colocó después de vivir con ellos y dejar su huella en ellos. Muchos tienen un significado autobiográfico, como la miel o la grasa que usaron los tártaros que salvaron [ aclaración necesaria ] en la Segunda Guerra Mundial. En 1970 hizo su Traje de Fieltro . También en 1970, Beuys enseñó escultura en la Kunstakademie Düsseldorf. [102] En 1979, el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York exhibió una retrospectiva de su trabajo desde la década de 1940 hasta 1970. [103] [104] [105]
Retrato de Barbara Smith
Conferencia de Yoko Ono en la Bienal de Viena, 2012
Retrato de Yoko Ono
Pieza de videoarte del Museo de Brooklyn con una entrevista con Carolee Schneemann
Joan Jonas guring una actuación documentada en video e instalada, 1972
Retrato del artista Joan Jonas
Retrato de Joseph Beuys en una conferencia-performance, 1978
Joseph Beuys en una obra de videoarte
Nam June Paik fue un artista de performance, compositor y video artista de Corea del Sur de la segunda mitad del siglo XX. Estudió música e historia del arte en la Universidad de Tokio. Posteriormente, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió Teoría de la Música en Munich, luego continuó en Colonia en el conservatorio de Friburgo. Mientras estudiaba en Alemania, Paik conoció a los compositores Karlheinz Stockhausen y John Cage y a los artistas conceptuales Sharon Grace , así como a George Maciunas , Joseph Beuys y Wolf Vostell y fue desde 1962 en adelante miembro del movimiento de arte experimental Fluxus . [106] [107] Nam June Paik entonces comenzó a participar en el movimiento artístico Neo-Dada , conocido como Fluxus , que fue inspirado por el compositor John Cage y su uso de sonidos y ruidos cotidianos en su música. [108] Fue compañero de Yoko Ono como miembro de Fluxus . [109]
Wolf Vostell fue un artista alemán, uno de los más representativos de la segunda mitad del siglo XX, que trabajó con diversos medios y técnicas como la pintura, la escultura, la instalación , el decollage , el videoarte , el acontecer y el fluxus . [110]
Vito Acconci [111] [112] fue un influyente artista estadounidense de performance, video e instalación , cuya práctica diversa incluyó finalmente la escultura, el diseño arquitectónico y el diseño de paisajes. Su performance y videoarte fundacionales [113] se caracterizaron por "malestar existencial", exhibicionismo, incomodidad, transgresión y provocación, así como ingenio y audacia, [112] y a menudo implicó cruzar fronteras como lo público-privado, consensual-no consensual, y el mundo real: el mundo del arte. [114] [115] Se considera que su trabajo ha influido en artistas como Laurie Anderson , Karen Finley , Bruce Nauman y Tracey Emin , entre otros. [114] Acconci estaba inicialmente interesado en la poesía radical, pero a finales de la década de 1960, comenzó a crear representaciones de influencia situacionista en la calle o para pequeñas audiencias que exploraban el cuerpo y el espacio público. Dos de sus piezas más famosas fueron Siguiendo la pieza (1969), en la que seleccionó a los transeúntes al azar en las calles de la ciudad de Nueva York y los siguió todo el tiempo que pudo, y Seedbed (1972), en la que afirmó que se masturbaba mientras estaba bajo los pies. un piso temporal en la Galería Sonnabend , mientras los visitantes caminaban arriba y lo escuchaban hablar. [116]
Chris Burden era un artista estadounidense que trabajaba en el arte de la performance , la escultura y la instalación . Burden se hizo conocido en la década de 1970 por sus obras de arte escénico, incluido Shoot (1971), en el que consiguió que un amigo le disparara en el brazo con un rifle de pequeño calibre. Un artista prolífico, Burden creó muchas instalaciones conocidas, obras de arte públicas y esculturas antes de su muerte en 2015. [117] [118] [119] Burden comenzó a trabajar en el arte de performance a principios de la década de 1970. Realizó una serie de actuaciones controvertidas en las que fue central la idea del peligro personal como expresión artística. Su primer trabajo de interpretación significativa, Five Day Locker Piece (1971), fue creado para su tesis de maestría en la Universidad de California, Irvine, [117] e implicaba que lo encerraran en un casillero durante cinco días. [120]
Dennis Oppenheim fue un artista conceptual , artista de performance, artista de la tierra , escultor y fotógrafo estadounidense. La práctica artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación de arte y la definición de arte: un metaarte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se expandieron para enfocarse en el sitio y el contexto. Además de una agenda estética, la obra avanzó desde las percepciones de las propiedades físicas de la galería hasta el contexto social y político, tomando en gran medida la forma de escultura pública permanente en las dos últimas décadas de una carrera muy prolífica, cuya diversidad podría exasperar su críticos. [121]
Yayoi Kusama es una artista japonesa que, a lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios que incluyen: escultura, instalación, pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras artes; la mayoría de ellos mostró su interés por la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una pionera del arte pop, el minimalismo y los movimientos artísticos feministas e influyó en sus coetáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg . [122] Ha sido reconocida como una de las artistas vivas más importantes de Japón y una voz muy relevante en el arte de vanguardia. [123] [124]
Video-instalación-performance de Nam June Paik en 2008
Video-instalación-performance de Nam June Paik en Düsseldorf
Retrato de Wolf Vostell en 1980
Retrato de Allan Kaprow en 1973
Vito Acconci durante un video-performance en 1973
Instalación de Vito Acconci en el Centro de Arte Contemporáneo Luigi Pecci
Instalación de Dennis Oppenheim en la Bienal de Escultura de Vancouver
1970
En la década de 1970, los artistas que habían derivado de obras relacionadas con el arte de la performance evolucionaron y se consolidaron como artistas con el arte de la performance como su principal disciplina, derivando en instalaciones creadas a través de la performance, video performance o acciones colectivas, o en el contexto de una sociedad. contexto histórico y político.
Rendimiento de video
A principios de la década de 1970 se consolidó el uso del formato de video por parte de artistas de performance. Algunas exposiciones de Joan Jonas y Vito Acconci fueron realizadas íntegramente en vídeo, activado por procesos performativos previos. En esta década se publicaron varios libros que hablaban del uso de los medios de comunicación, el video y el cine por parte de artistas del performance, como Expanded Cinema , de Gene Youngblood. Uno de los principales artistas que utilizó el video y la performance, con notorias instalaciones audiovisuales, es el artista surcoreano Nam June Paik , quien a principios de la década de 1960 ya había estado en el movimiento Fluxus hasta convertirse en artista mediático y evolucionar hacia las instalaciones audiovisuales que es. conocido por.
También debe tenerse en cuenta el trabajo de Carolee Schneemann y Robert Whitman en los años 60 con respecto a sus representaciones en video. Ambos fueron pioneros del arte de performance, convirtiéndolo en una forma de arte independiente a principios de los años setenta. [125]
Joan Jonas comenzó a incluir video en sus actuaciones experimentales en 1972, mientras que Bruce Nauman guió [la aclaración necesitaba ] sus actos para que se grabaran directamente en video. [126] Nauman es un artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, videos, trabajo gráfico y representaciones han ayudado a diversificar y desarrollar la cultura desde la década de 1960 en adelante. Sus inquietantes obras de arte enfatizaron la naturaleza conceptual del arte y el proceso de creación. [127] Su prioridad es la idea y el proceso creativo sobre el resultado final. Su arte utiliza una increíble variedad de materiales y especialmente su propio cuerpo. [128] [129]
Gilbert y George son el artista italiano Gilbert Proesch y el artista inglés George Passmore, quienes han desarrollado su trabajo dentro del arte conceptual, la performance y el arte corporal. Eran más conocidos por sus actos de escultura en vivo. [130] [131] Una de sus primeras creaciones fue The Singing Sculpture , donde los artistas cantaron y bailaron "Underneath the Arches", una canción de la década de 1930. Desde entonces, se han forjado una sólida reputación como esculturas en vivo, convirtiéndose en obras de arte, exhibidas frente a los espectadores a través de diversos intervalos de tiempo. Suelen aparecer vestidos con traje y corbata, adoptando diversas posturas que mantienen sin moverse, aunque en ocasiones también se mueven y leen un texto, y en ocasiones aparecen en montajes o instalaciones artísticas. [132] Aparte de sus esculturas, Gilbert y George también han realizado obras pictóricas, collages y fotomontajes, donde se retratan junto a diversos objetos de su entorno inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte contenido; abordaron temas como el sexo, la raza, la muerte y el VIH, la religión o la política, [133] criticando muchas veces al gobierno británico y al poder establecido. El trabajo más prolífico y ambicioso del grupo fue Jack Freak Pictures , donde tuvieron una presencia constante de los colores rojo, blanco y azul en la Union Jack. Gilbert y George han exhibido su trabajo en museos y galerías de todo el mundo, como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987) y la Tate Modern (2007). Han participado en la Bienal de Venecia. En 1986 ganaron el premio Turner. [134]
Arte de resistencia
El arte escénico de resistencia profundiza los temas del trance, el dolor, la soledad, la privación de libertad, el aislamiento o el agotamiento. [135] Algunas de las obras, basadas en el paso de largos períodos de tiempo, también se conocen como representaciones de larga duración. [136] Uno de los artistas pioneros fue Chris Burden en California desde la década de 1970. [137] En uno de sus trabajos más conocidos, Cinco días en un casillero (1971) permaneció cinco días dentro de un casillero de la escuela, en Shoot (1971) recibió un disparo con un arma de fuego, y habitó durante veintidós días una cama dentro una galería de arte en Bed Piece (1972). [138] Otro ejemplo de artista de resistencia es Tehching Hsieh. Durante una actuación creada en 1980-1981 ( Time Clock Piece ), donde permaneció un año entero repitiendo la misma acción en torno a un reloj metafórico. Hsieh también es conocido por sus actuaciones sobre la privación de libertad; pasó un año entero encerrado. [139] En La casa con vista al mar (2003), Marina Abramović vivió en silencio durante doce días sin comer. [140] Los Nueve Confinamientos o La Privación de la Libertad es una obra de perseverancia conceptual de contenido crítico realizada en los años 2013 y 2016. Todos ellos tienen en común la privación ilegítima de la libertad.
Actuación en un contexto político
A mediados de la década de 1970, detrás del Telón de Acero, en las principales ciudades de Europa del Este como Budapest , Cracovia , Belgrado, Zagreb , Novi Sad y otras, florecieron las artes escénicas de contenido más experimental. Contra el control político y social, surgieron diferentes artistas que hicieron performance de contenido político. Serie de performance de Orshi Drozdik , titulada Individual Mythology 1975/77 y NudeModel 1976/77. Todas sus acciones fueron críticas con el discurso patriarcal en el arte y el programa de emancipación forzada y construido por el estado igualmente patriarcal. [141] Drozdik mostró un punto de vista pionero y feminista en ambos, convirtiéndose en uno de los precursores de este tipo de arte crítico en Europa del Este. [142] En la década de 1970, el performance, debido a su fugacidad, [ aclaración necesaria ] tenía una sólida presencia en la vanguardia de Europa del Este, especialmente en Polonia y Yugoslavia, donde emergieron decenas de artistas que exploraron el cuerpo conceptual y críticamente.
El otro
A mediados de la década de 1976, Ulay y Marina Abramović fundaron el colectivo The Other en la ciudad de Amsterdam . Cuando Abramović y Ulay [143] iniciaron su colaboración. Los principales conceptos que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. [144] Ambos artistas estaban interesados en la tradición de su herencia cultural y el deseo del individuo por los rituales. [145] En consecuencia, [ aclaración necesaria ] formaron un colectivo llamado El Otro . Se vistieron y se comportaron como uno solo, y crearon una relación de absoluta confianza. Crearon una serie de obras en las que sus cuerpos crearon espacios adicionales para la interacción de la audiencia. En Relation in Space corrieron por la habitación, dos cuerpos como dos planetas, mezclando energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "ese yo". [146] Relation in Movement (1976) hizo que la pareja condujera su automóvil dentro del museo, haciendo 365 giros. Un líquido negro goteó del automóvil, formando una escultura, y cada ronda representaba un año. [147] Después de esto, crearon Death Self , donde ambos unieron sus labios e inspiraron el aire expirado por el otro hasta que consumieron todo el oxígeno. Exactamente 17 minutos después del inicio de la actuación, ambos cayeron inconscientes, debido a que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la capacidad de una persona para absorber la vida de otra, cambiándola y destruyéndola. En 1988, luego de algunos años de una relación tensa, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual que acabaría con el colectivo. Caminaron a lo largo de la Gran Muralla China, comenzando en extremos opuestos y encontrándose a mitad de camino. Abramović concibió este paseo en un sueño, y le dio lo que ella vio como un final apropiado y romántico a la relación llena de misticismo, energía y atracción. [148] Ulay comenzó en el desierto de Gobi y Abramovic en el mar Amarillo. Cada uno de ellos caminó 2500 kilómetros, se encontraron en el medio y se despidieron.
Artistas principales
En 1973, Laurie Anderson interpretó Duets on Ice en las calles de Nueva York. Marina Abramović , en la performance Rhythm 10 , incluyó conceptualmente la violación de un cuerpo. [149] Treinta años después, el tema de la violación, la vergüenza y la explotación sexual sería reinventado en las obras de artistas contemporáneos como Clifford Owens , [150] Gillian Walsh , Pat Oleszko y Rebecca Patek, entre otros. [151] Nuevos artistas con actos radicales se consolidaron como los principales precursores de la performance, como Chris Burden , con la obra Shoot de 1971 , donde un asistente le disparó en el brazo desde una distancia de cinco metros, y Vito Acconci el mismo año con Seedbed . La obra Eye Body (1963) de Carolee Schneemann en 1963, ya había sido considerada un prototipo de performance art. En 1975, Schneemann recurrió a innovadores actos en solitario como Interior Scroll , que mostraba el cuerpo femenino como medio artístico.
Una de las principales artistas fue Gina Pane , [152] artista francesa de origen italiano. Estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París desde 1960 hasta 1965 [153] y fue miembro del movimiento de las artes escénicas en la década de 1970 en Francia, llamado "Art Corporel". [154] Paralelamente a su arte, Pane enseñó en la Ecole des Beaux-Arts en Mans desde 1975 hasta 1990 y dirigió un taller dedicado a las artes escénicas en el Centro Pompidou de 1978 a 1979. [154] Una de sus obras más conocidas es The Conditioning (1973), en el que la acostaron sobre un resorte de cama de metal sobre un área de velas encendidas. The Conditioning fue creado como un homenaje a Marina Abramović , parte de sus Seven Easy Pieces (2005) en el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York en 2005. Gran parte de sus obras están protagonizadas por el dolor autoinfligido, que la separa de la mayoría de las mujeres artistas en la década de 1970. A través de la violencia de cortarse la piel con navajas o apagar fuegos con sus manos y pies desnudos, Pane tiene la intención de incitar una experiencia real en el visitante, que se sentiría conmovido por su malestar. [152] La naturaleza impactante de estas primeras obras o acciones de artes escénicas, como ella prefería llamarlas, eclipsó muchas veces su prolífico trabajo fotográfico y escultórico. No obstante, el cuerpo fue la principal preocupación en el trabajo de Panes, ya sea literal o conceptualmente.
Retrato de Ulay en 1972
Furgone de Abramovic y Ulay
Exposición de las primeras obras de Marina Abramović en Stochholm
Instalación de Bruce Nauman en Alemania
Instalación luminosa de Chris Burden en el museo LACMA de Los Ángeles
Video instalación de Nam June Paik
Videoinstalación por Nam June Paik
Gilbert y George en una presentación
Orshi Drozdik en una de sus exposiciones
Los ochenta
La técnica del arte escénico
Hasta la década de 1980, el arte de performance ha desmitificado el virtuosismo, [ aclaración necesaria ] esta es una de sus características clave. No obstante, a partir de la década de 1980 comenzó a adquirir cierta brillantez técnica. [155] En referencia a la obra Presence and Resistance [156] de Philip Auslander, la crítica de danza Sally Banes escribe: "... a finales de la década de 1980, el arte de performance se había vuelto tan conocido que ya no era necesario definida; la cultura de masas, especialmente la televisión, había llegado a proporcionar tanto la estructura como el tema de gran parte del arte de performance; y varios artistas de performance, incluidos Laurie Anderson, Spalding Gray, Eric Bogosian, Willem Dafoe y Ann Magnuson, de hecho se habían convertido en artistas cruzados en entretenimiento convencional ". [157] En esta década se definieron los parámetros y tecnicismos construidos para purificar y perfeccionar el arte escénico.
Crítica e investigación del arte escénico
A pesar de que muchas representaciones se llevan a cabo dentro del círculo de un pequeño grupo del mundo del arte, Roselee Goldberg señala en Performance Art: From Futurism to the Present que "la performance ha sido una forma de atraer directamente a un gran público, además de impactar audiencias para reevaluar sus propias nociones de arte y su relación con la cultura. Por el contrario, el interés público en el medio, especialmente en la década de 1980, se deriva de un aparente deseo de ese público de obtener acceso al mundo del arte, de ser un espectador de su ritual y su distinta comunidad, y ser sorprendido por las presentaciones inesperadas, siempre poco ortodoxas, que idean los artistas ". En esta década surgieron publicaciones y recopilaciones sobre el arte de la performance y sus artistas más conocidos.
Arte de performance desde un contexto político
En la década de los ochenta, el contexto político jugó un papel importante en el desarrollo artístico y especialmente en la performance, ya que casi todas las obras creadas con un discurso crítico y político fueron en esta disciplina. Hasta el declive del bloque europeo del Este a fines de la década de 1980, la mayoría de los gobiernos comunistas habían rechazado activamente las artes escénicas. Con la excepción de Polonia y Yugoslavia, las artes escénicas estaban más o menos prohibidas en países donde se temía cualquier evento público independiente. En la RDA, Checoslovaquia, Hungría y Letonia sucedió en apartamentos, en reuniones aparentemente espontáneas en estudios de artistas, en entornos controlados por la iglesia, o se cubrió como otra actividad, como una sesión de fotos. Aislado del contexto conceptual occidental, en diferentes escenarios podría ser como una protesta lúdica o un comentario amargo, utilizando metáforas subversivas para expresar disconformidad con la situación política. [158] Entre las obras de arte de performance más notables de contenido político en este tiempo se encuentran las de Tehching Hsieh entre julio de 1983 y julio de 1984, Art / Life: One Year Performance (Rope Piece). [159]
Poesía escénica
En 1982, los términos "poesía" y "performance" se utilizaron por primera vez juntos. La poesía interpretativa pareció distinguir las interpretaciones vocales basadas en texto del arte escénico, especialmente el trabajo de artistas escénicos [ aclaración necesaria ] y de interpretación musical, como Laurie Anderson, que trabajaba con la música en ese momento. Los poetas de la performance se basaron más en la expresión retórica y filosófica en su poética que en los artistas de la performance, que surgieron de los géneros de artes visuales de la pintura y la escultura. Muchos artistas desde John Cage fusionan la interpretación con una base poética.
Arte de performance feminista
Desde 1973 el Taller Estudio Feminista en el Edificio de la Mujer de Los Ángeles tuvo un impacto en la ola de actos feministas, pero hasta 1980 no se fusionaron por completo. La conjunción entre el feminismo y el arte de la performance progresó durante la última década. En las dos primeras décadas del desarrollo del arte de la performance, las obras que no habían sido concebidas como feministas se ven ahora como tales. [ aclaración necesaria ]
Sin embargo, no fue hasta 1980 cuando los artistas se autodefinieron como feministas. Grupos de artistas en los que destacaron mujeres influenciadas tanto por el movimiento estudiantil de 1968 como por el movimiento feminista. [160] Esta conexión se ha tratado en la investigación de la historia del arte contemporáneo. Algunas de las mujeres cuyo aporte innovador en representaciones y espectáculos fue más relevante fueron Pina Bausch y las Guerrilla Girls, surgidas en 1985 en la ciudad de Nueva York, [161] colectivo de arte feminista y antirracista anónimo. [162] [163] [164] [165] Eligieron ese nombre porque utilizaron tácticas de guerrilla en su activismo [162] para denunciar la discriminación contra las mujeres en el arte a través del arte político y escénico. [166] [167] [168] [169] Su primera actuación fue colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para criticar el hecho de que algunos grupos de personas eran discriminados por su género o raza. [170] Todo esto se hizo de forma anónima; en todas estas apariciones se cubrieron la cara con máscaras de gorila (esto se debió a la pronunciación similar de las palabras "gorila" y "guerrilla"). Usaron como apodos los nombres de artistas femeninas que habían fallecido. [171] Desde la década de los setenta hasta la de los ochenta, entre las obras que desafiaron el sistema y sus habituales estrategias de representación, las principales destacan el cuerpo de la mujer, como las obras de Ana Mendieta en la ciudad de Nueva York donde su cuerpo es ultrajado y abusado, o las representaciones artísticas de Louise Bourgeois con un discurso más bien minimalista que surgen a finales de los setenta y ochenta. Mención especial a las obras creadas con corporeidad femenina y feminista [ aclaración necesaria ] como Lynda Benglis y sus acciones performativas fálicas, que reconstruyeron la imagen femenina para convertirla en más que un fetiche. A través de la performance feminista, el cuerpo se convierte en un espacio para desarrollar estos nuevos discursos y significados. La artista Eleanor Antin , creadora en las décadas de 1970 y 1980, trabajó en temas de género, raza y clase. Cindy Sherman , en sus primeros trabajos en los años setenta y ya en su madurez artística en los ochenta, continúa su línea crítica de volcar el yo impuesto, a través de su uso del cuerpo como objeto de privilegio.
Cindy Sherman es una fotógrafa y artista estadounidense. Es una de las artistas de posguerra más representativas y expuso más de la obra de tres décadas de su trabajo en el MoMA . Aunque aparece en la mayoría de sus fotografías performativas, no las considera pequeños retratos. Sherman se utiliza a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el papel que desempeñan las mujeres en nuestra sociedad y la forma en que están representadas en los medios, así como la naturaleza de la creación artística. En 2020 fue galardonada con el premio Wolf de artes . [172]
Judy Chicago es una artista y pionera del arte feminista y el arte escénico en los Estados Unidos. Chicago es conocida por sus grandes obras colaborativas de instalación de arte sobre imágenes de nacimiento y creación, que examinan el papel de las mujeres en la historia y la cultura. En la década de 1970, Chicago fundó el primer programa de arte feminista en los Estados Unidos. El trabajo de Chicago incorpora una variedad de habilidades artísticas como la costura, en contraste con las habilidades que requerían mucha mano de obra, como la soldadura y la pirotecnia. La obra más conocida de Chicago es The Dinner Party , que se instaló permanentemente en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista en el Museo de Brooklyn . The Dinner Party celebró los logros de las mujeres a lo largo de la historia y es ampliamente considerada como la primera obra de arte feminista épica. Otros proyectos notables incluyen International Honor Quilt , The Birth Project, [173] Powerplay, [174] y The Holocaust Project. [175]
Estudiantes en una exposición de Martha Rosler
Las Guerrilla Girls en una inauguración en Londres
Las obras de 'Guerrilla Girls' en una exposición en el Museo de Arte Moderno , Manhattan , Nueva York
Exposición Guerrilla Girls
Instalación de Louise Bourgeois en un museo brasileño
Escultura de Louise Bourgeois en el Museo Reina Sofía
Retrato de Judy Chicago
Expansión a América Latina
En esta década la performance se difundió hasta llegar a América Latina a través de los talleres y programas que ofrecían las universidades e instituciones académicas. Se desarrolló principalmente en México, Colombia -con artistas como María Teresa Hincapié- , en Brasil y en Argentina. [176]
Ana Mendieta fue una artista conceptual y de performance nacida en Cuba y criada en los Estados Unidos. Ella es principalmente conocida por sus obras de arte y obras de arte de performance en land art. El trabajo de Mendieta fue conocido principalmente en el ámbito de la crítica de arte feminista. Años después de su muerte, especialmente desde la retrospectiva del Whitney Museum of American Art en 2004 [177] y la retrospectiva en la Haywart Gallery de Londres en 2013 [178] , se la considera una pionera del arte escénico y otras prácticas relacionadas con el arte corporal y la tierra. arte, escultura y fotografía. [179] Describió su propio trabajo como arte corporal terrestre . [180] [181]
Tania Bruguera es una artista cubana especializada en performance y arte político. Su trabajo consiste principalmente en su interpretación de temas políticos y sociales. [182] Ha desarrollado conceptos como "arte de la conducta" para definir sus prácticas artísticas con un enfoque en los límites del lenguaje y el cuerpo frente a la reacción y comportamiento de los espectadores. También se le ocurrió el "arte útil", que debe transformar ciertos aspectos políticos y legales de la sociedad. El trabajo de Brugera gira en torno a temas de poder y control, y gran parte de su trabajo cuestiona el estado actual de su país de origen, Cuba. En 2002 crea la Cátedra Arte de Conducta en La Habana. [183] [184] [185]
Regina José Galindo es una artista guatemalteca especializada en artes escénicas. Su obra se caracteriza por su contenido explícito político y crítico, utilizando su propio cuerpo como herramienta de confrontación y transformación social. [186] Su carrera artística ha estado marcada por la Guerra Civil guatemalteca que se desarrolló entre 1960 y 1996, que desencadenó un genocidio de más de 200 mil personas, muchas de ellas indígenas, campesinos, mujeres y niños. [176] Con su trabajo, Galindo denuncia la violencia, el sexismo (uno de los temas principales es el feminicidio), los estándares de belleza occidentales, la represión del hacienda y el abuso de poder, especialmente en el contexto de su país, a pesar de que su el lenguaje traspasa fronteras. Desde sus inicios solo utilizó su cuerpo como medio de comunicación, lo que ocasionalmente lleva a situaciones extremas (como en Himenoplastia (2004) donde pasa por una reconstrucción de himen, obra que ganó el Lyon de Oro en la Bienal de Venecia ), para luego contar con voluntarios o contrató personas para interactuar con ella, de modo que ella pierda el control sobre la acción. [187]
Decenio de 1990
La década de 1990 fue un período de ausencia de la interpretación clásica europea, por lo que los artistas de la interpretación mantuvieron un perfil bajo. Sin embargo, Europa del Este experimentó un pico. Por otro lado, la performance latinoamericana continuó en auge, así como la performance feminista. También hubo un auge de esta disciplina en los países asiáticos, cuya motivación surgió de la danza Butō en la década de 1950, pero en este período se profesionalizaron y surgieron nuevos artistas chinos, obteniendo un gran reconocimiento. También hubo una profesionalización generalizada en el incremento de exposiciones dedicadas al arte de la performance, en la inauguración de la Bienal de Arte de Venecia al arte de la performance, donde varios artistas de esta disciplina han ganado el Leone d'Oro, entre ellos Anne Imhof , Regina José Galindo o Santiago Sierra .
Actuación con contexto político
Mientras el bloque soviético se disolvía, algunas obras de arte de performance prohibidas comenzaron a extenderse. Jóvenes artistas del antiguo bloque del Este, incluida Rusia, se dedicaron al arte de la performance. Las artes escénicas surgieron casi al mismo tiempo en Cuba, el Caribe y China. “En estos contextos, el arte de la performance se convirtió en una nueva voz crítica con una fuerza social similar a la de Europa Occidental, Estados Unidos y América del Sur en los años sesenta y principios de los setenta. Debe enfatizarse que el auge del arte de la performance en la década de 1990 en Europa del Este, China, Sudáfrica, Cuba y otros lugares no deben considerarse secundarios o una imitación de Occidente ". [188]
Profesionalización del arte escénico
En el mundo occidental, en la década de 1990, el arte de performance se unió a la cultura dominante. Diversas obras de arte escénicas, en vivo, fotografiadas o mediante documentación comenzaron a formar parte de galerías y museos que comenzaron a entender el arte escénico como una disciplina artística. [189] Sin embargo, no fue hasta la década siguiente que se produjo una importante institucionalización, cuando todos los museos comenzaron a incorporar piezas de performance en sus colecciones y dedicaron grandes exposiciones y retrospectivas, museos como la Tate Modern en Londres, el MoMA en Ciudad de Nueva York o el Centro Pompidou de París. A partir de la década de 1990, muchos más artistas de performance fueron invitados a importantes bienales como la Bienal de Venecia , la Bienal de Sao Paulo y la Bienal de Lyon .
Desempeño en China
A fines de la década de 1990, el arte contemporáneo y el arte escénico chinos recibieron un gran reconocimiento internacional, ya que 19 artistas chinos fueron invitados a la Bienal de Venecia. [190] [191] El arte de performance en China y su historia había ido creciendo desde la década de 1970 debido al interés entre el arte, el proceso y la tradición en la cultura china, pero ganó reconocimiento a partir de la década de 1990. [192] [188] En China, las artes escénicas son parte del programa de educación en bellas artes y se están volviendo cada vez más populares. [192] [193] A principios de la década de 1990, el arte de performance chino ya era aclamado en la escena artística internacional. [194] [192] [195]
Arte de performance en la Bienal de Lyon
Arte de performance en la Bienal de Lyon
Actuación en la entrada del Pabellón de Rumanía en la Bienal de Venecia
Instalación escénica de Joseph Beuys en la Tate Modern de Londres
Video instalación con el artista chino Ai Weiwei
Exposición Tehching Hsieh en el centro de la ciudad de Nueva York
Pabellón de China en la Bienal de Venecia
Retrato de Wang Xiao-shuai
Liu Xiaodong durante una obra de arte de performance
Desde la década de 2000
Rendimiento de nuevos medios
A fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, varios artistas incorporaron tecnologías como la World Wide Web, el video digital, las cámaras web y los medios de transmisión por secuencias en obras de arte de performance. [196] Artistas como Coco Fusco , Shu Lea Cheang y Prema Murthy produjeron artes escénicas que llamaron la atención sobre el papel del género, la raza, el colonialismo y el cuerpo en relación con Internet. [197] Otros artistas, como Critical Art Ensemble , Electronic Disturbance Theatre y Yes Men , utilizaron tecnologías digitales asociadas con el hacktivismo y el intervencionismo para plantear cuestiones políticas relativas a las nuevas formas de capitalismo y consumismo. [198]
En la segunda mitad de la década, comenzaron a tener lugar formas de arte escénico asistidas por computadora. [199] Muchas de estas obras llevaron al desarrollo del arte algorítmico , el arte generativo y el arte robótico , en el que la propia computadora, o un robot controlado por computadora, se convierte en el ejecutante. [200]
Coco Fusco es una artista, escritora y curadora cubanoamericana interdisciplinaria que vive y trabaja en los Estados Unidos. Su carrera artística comenzó en 1988. En su trabajo, explora temas como identidad, raza, poder y género a través de la performance. También realiza videos, instalaciones interactivas y escritura crítica. [201] [16]
Rendimiento radical
Durante la primera y segunda década de la década de 2000, se procesó a varios artistas, judicializado, [ aclaración necesaria ] detenida o presa por sus obras de contenido político. Artistas como Pussy Riot , Tania Bruguera y Petr Pavlensky han sido juzgados por diversas acciones artísticas creadas con la intención de denunciar y visibilizar. [ aclaración necesaria ] [202]
El 21 de febrero de 2012, como parte de su protesta contra la reelección de Vladímir Putin , varias mujeres del colectivo artístico Pussy Riot ingresaron a la Catedral de Cristo Salvador de Moscú de la Iglesia Ortodoxa Rusa . Hicieron la señal de la cruz, se inclinaron ante el santuario y comenzaron a interpretar una actuación compuesta por una canción y una danza bajo el lema "Virgen María, deja a Putin lejos". El 3 de marzo fueron detenidos. [203] El 3 de marzo de 2012, Maria Alyokhina y Nadezhda Tolokonnikova , [204] [205] miembros de Pussy Riot, fueron arrestadas por las autoridades rusas y acusadas de vandalismo. Al principio, ambos negaron ser miembros del grupo e iniciaron una huelga de hambre por estar encarcelados y separados de sus hijos hasta que comenzaron los juicios en abril. [206] El 16 de marzo, otra mujer, Yekaterina Samutsévitch, que había sido previamente interrogada como testigo, también fue detenida y acusada. [ cita requerida ] El 5 de julio, se presentaron cargos formales contra el grupo y una acusación de 2800 páginas. [207] Ese mismo día se les notificó que tenían hasta el 9 de julio para preparar su defensa. En respuesta, anunciaron una huelga de hambre, alegando que dos días era un plazo inadecuado para preparar su defensa. [208] El 21 de julio, el tribunal extendió su prisión preventiva a seis meses más. [209] Los tres detenidos fueron reconocidos como presos políticos por la Unión de Solidaridad con Presos Políticos. [210] Amnistía Internacional los considera presos de conciencia por "la severidad de la respuesta de las autoridades rusas". [211]
Desde 2012, el artista Abel Azcona ha sido procesado por algunas de sus obras. La demanda que ganó la mayor repercusión [ aclaración necesaria ] fue la llevada a cabo por el Arzobispado de Pamplona y Tudela , [212] en representación de la Iglesia Católica . [213] La Iglesia demandó a Azcona por delitos de profanación y blasfemia, delitos de odio y atentado contra la libertad religiosa y los sentimientos por su obra Amen o La Pederastia . [214] En los últimos juicios, los peticionarios incluyeron el delito de obstrucción a la justicia. [215] [216] En 2016, Azcona fue denunciado por ensalzar el terrorismo [217] [218] por su exposición Natura Morta , [219] en la que el artista recreaba situaciones de violencia, memoria histórica, terrorismo o conflictos bélicos a través de la performance e hiperrealismo. esculturas e instalaciones. [220] En 2018 fue denunciado por la Fundación Francisco Franco por exponer una instalación compuesta por doce documentos que conformaban un examen técnico para la detonación del Monumento del Valle de los Caídos firmado por un arquitecto. También ha sido criticado por el Estado de Israel por su trabajo The Shame , en el que instaló fragmentos del Muro de Berlín a lo largo del Muro de Cisjordania como una instalación performativa crítica. Ese mismo año representó a España en la Bienal de Arte Asiático en Daca, Bangladesh. Azcona instaló sillas en el pabellón con niños de las calles de Daca en situación de desesperación sentados en ellas. Su actuación fue cancelada por las protestas, que se oponían a la imagen que retrataba el pabellón de la Bienal y el país. [221]
En diciembre de 2014 Tania Bruguera fue detenido en La Habana para impedir que la realización de nueva reivindicativa [ aclaración necesaria ] obras. Sus obras de performance le han valido duras críticas y ha sido acusada de promover la resistencia y disturbios públicos. [222] [223] En diciembre de 2015 y enero de 2016, Bruguera fue detenido por organizar una actuación pública en la plaza de la Revolución de La Habana. Fue detenida junto a otros artistas, activistas y reporteros cubanos que participaron en la campaña Yo También Exijo , que se creó luego de las declaraciones de Raúl Castro y Barack Obama a favor de restablecer su relación diplomática. Durante la actuación El Susurro de Tatlin # 6 colocó micrófonos y locutores [ aclaración necesaria ] en la Plaza de la Revolución para que los cubanos pudieran expresar sus sentimientos con respecto al nuevo clima político. El evento tuvo gran repercusión en los medios internacionales, incluyendo una presentación de El Susurro de Tatlin # 6 en Times Square, y una acción en la que varios artistas e intelectuales se manifestaron a favor de la liberación de Bruguera enviando una carta abierta firmada a Raúl Castro. por miles de personas en todo el mundo pidiendo la devolución de su pasaporte y alegando una injusticia criminal, ya que ella solo le dio un micrófono a la gente para que pudieran dar su opinión. [224] [225] [226] [227] [228]
En noviembre de 2015 y octubre de 2017, Petr Pavlensky fue arrestado por realizar una obra de performance radical en la que prendió fuego a la entrada del edificio Lubyanka, sede del Servicio Federal de Seguridad de Rusia y una sucursal del Banco de Francia. [229] En ambas ocasiones roció la entrada principal con gasolina; en la segunda actuación roció también el interior y lo encendió con un mechero. Las puertas del edificio se quemaron parcialmente. En ambas ocasiones, Pavlenski fue arrestado sin resistencia y acusado de libertinaje. Horas después de las acciones, aparecieron en Internet varios videos de reivindicación política y artística. [230]
Institucionalización del arte escénico
Desde la década de 2000, los grandes museos, instituciones y colecciones han apoyado el arte de la performance. Desde enero de 2003, Tate Modern en Londres ha tenido un programa comisariado de arte y performance en vivo. [231] Con exposiciones de artistas como Tania Bruguera o Anne Imhof . [232] En 2012 se abrieron The Tanks at Tate Modern : los primeros espacios dedicados a la actuación, el cine y la instalación en un importante museo de arte moderno y contemporáneo.
El Museo de Arte Moderno celebró una gran retrospectiva y recreación escénica de la obra de Marina Abramović , la mayor exposición de arte escénico en la historia del MoMA, del 14 al 31 de marzo de 2010. [233] [234] La exposición constaba de más de veinte piezas del artista, la mayoría de los años 1960-1980. Muchos de ellos fueron reactivados por otros artistas jóvenes de múltiples nacionalidades seleccionados para la muestra. [235] Paralelamente a la exposición, Abramovic interpretó The Artist is Present , una pieza estática y silenciosa de 726 horas y 30 minutos, en la que se sentó inmóvil en el atrio del museo, mientras que los espectadores eran invitados a turnarse para sentarse frente a ella. [236] La obra es una reproducción actualizada de una de las piezas de 1970, mostrada en la exposición, donde Abramovic permaneció durante días completos junto a Ulay, quien fue su compañero sentimental. La actuación atrajo a celebridades como Björk , Orlando Bloom y James Franco [237] que participaron y recibieron cobertura de los medios. [238]
Fachada del Museo Guggenheim de Bilbao con estandarte de Yoko Ono
Obra de Doris Salcedo en la Tate Modern de Londres, 2007
Marina Abramović durante sus siete actuaciones en Seven Easy Pieces (2005), en el Museo Solomon R. Guggenheim
Plano cenital de la actuación El artista está presente en el Museo de Arte Moderno
Obra de Marina Abramović reproducida para la retrospectiva en Bolonia , Italia, 2018
Hermann Nitsch realizando una performance en su museo homónimo (2009)
Actuación de Bryan Zanisnik, titulada Cuando era niño , capté un vistazo fugaz , 2009
Exposición dedicada a Yoko Ono en el Centro Cultural Metropolitano de Quito (2018)
Reivindicación colectiva del arte escénico
En 2014 se crea la obra de arte de performance Carry That Weight , también conocida como "la actuación del colchón". La artista detrás de esta pieza es Emma Sulkowicz quien, durante su tesis de fin de grado en artes visuales en la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York. En septiembre de 2014, comenzó la pieza de Sulkowicz, cuando comenzó a llevar su propio colchón por el campus de la Universidad de Columbia . [239] Esta obra fue creada por la artista con el objetivo de denunciar su violación en ese mismo colchón años antes, en su propio dormitorio, lo cual denunció y no fue escuchado por la universidad ni la justicia, [240] por lo que decidió llevar el colchón con ella durante todo el semestre, sin dejarlo en ningún momento, hasta su ceremonia de graduación en mayo de 2015. La pieza generó una gran controversia, pero fue apoyada por un grupo de sus compañeras y activistas que se unieron a Sulkowicz en múltiples ocasiones para llevar la colchón, haciendo del trabajo una reivindicación internacional. El crítico de arte Jerry Saltz consideró la obra de arte como una de las más importantes del año 2014.
En noviembre de 2018 a través de una conferencia y performance en vivo del artista Abel Azcona en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá comenzó la obra España pide perdón ( España os Pide Perdón ), una pieza de contenido crítico y anticolonialista. [241] [242] En la primera acción, Azcona leyó un texto donde se repetía continuamente "España pide perdón". Dos meses después, en el Museo de la Ciudad de México, instaló una lona con la misma frase. [243] Apenas unos días después, el presidente de México Andrés Manuel López Obrador durante una conferencia de prensa exigió públicamente una disculpa de España. [244] Desde entonces hasta mediados de 2020, la obra ha logrado convertirse en un movimiento colectivo en ciudades como La Habana , [245] Lima , Caracas , Ciudad de Panamá , Tegucigalpa o Quito , a través de diversos medios. [246]
En 2019 la obra de performance colectiva Un violador en tu camino fue creada por un grupo feminista de Valparaíso , Chile llamado Lastesis, que consistió en una manifestación contra las violaciones a los derechos de las mujeres en el contexto de las protestas chilenas 2019-2020 . [247] [248] [249] Se realizó por primera vez frente a la Segunda Comisaría de Carabineros de Chile en Valparaíso el 18 de noviembre de 2019 [250]. Segunda actuación realizada por 2000 mujeres chilenas el 25 de noviembre de 2019. como parte del Día Internacional para la Eliminación de la Violencia contra la Mujer , se filmó y se volvió viral en las redes sociales. [251] Su alcance se globalizó [252] [253] luego de que movimientos feministas en decenas de países adoptaron y tradujeron la actuación para sus propias protestas y demandas por el cese y castigo del feminicidio y la violencia sexual, entre otros. [254]
Compañeros de Emma Sulkowicz y la propia artista llevando el colchón a la graduación como denuncia
Sulkowicz con las instrucciones para su actuación en la Universidad de Columbia.
Parte de la actuación de Sulkowicz, una acción llamada "Llevemos El Peso Entre todas" ( llevar esa carga Juntos )
Retrato de Sulkowicz en una de las presentaciones de la obra
Roberta Smith , crítica de arte del New York Times (izquierda), hablando sobre Mattress Performance con Sulkowicz, Brooklyn Museum , 14 de diciembre de 2014
Interpretación mexicana de Un violador en tu camino en Oaxaca , 27 de noviembre de 2019
Un violador en tu camino presentado en el contexto de las protestas chilenas 2019-2020
Interpretación peruana de Un violador en tu camino en Lima, 12 de diciembre de 2019
Un violador en tu camino presentado en el contexto de las protestas chilenas 2019-2020
Un niño interviniendo durante la representación de Un violador en tu camino
Ver también
- ARTE / MEDIOS
- Disputas clasificatorias sobre el arte
- Arte conceptual
- Transmisiones COUM
- Música de peligro
- Arte de resistencia
- Teatro experimental
- Flash mob
- Fluxus
- Artes graficas
- Teatro de guerrilla
- Sucediendo
- Lista de artistas de performance
- Estatua viviente
- Arte de nuevos medios
- Música ruidosa
- Golpe de poesía
- Drama de radio
- Laboratorios de investigación de supervivencia
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enlaces externos
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