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Para otros usos, consulte Rococó (desambiguación) .

Rococó
Ca 'rezzonico, salone da Ballo, quadrature di pietro visconti e affreschi di gb crosato (caduta di febo e 4 continentei), 1753, 02.jpg
Charles Cressent, Cajonera, c. 1730 en Waddesdon Manor.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
Techo del salón de baile de Ca Rezzonico en Venecia con pintura de cuadratura ilusionista de Giovanni Battista Crosato (1753); Cajonera de Charles Cressent (1730); Residencia Kaisersaal de Wurzburg por Balthasar Neumann (1749-1751)
Años activos1730 a 1760
PaísFrancia, Italia, Europa Central

Rococo ( / r ə k oʊ k oʊ / , también de Estados Unidos : / ˌ r oʊ k ə k oʊ / ), menos comúnmente Roccoco o Barroco tardío , es un estilo excepcionalmente ornamental y teatral de la arquitectura, el arte y decoración que combina asimetría , curvas de desplazamiento, dorados, colores blanco y pastel, molduras esculpidas y frescos trampantojos para crear sorpresa y la ilusión de movimiento y drama. A menudo se describe como la expresión final del barroco.movimiento. [1]

El estilo rococó comenzó en Francia en la década de 1730 como una reacción contra el estilo más formal y geométrico de Luis XIV . Se conocía como estilo rocaille o estilo rocaille . [2] Pronto se extendió a otras partes de Europa, particularmente al norte de Italia, Austria, el sur de Alemania, Europa Central y Rusia. [3] También llegó a influir en otras artes, en particular la escultura, el mobiliario, la platería y cristalería, la pintura, la música y el teatro. [4] Aunque originalmente era un estilo secular utilizado principalmente para interiores de residencias privadas, el rococó tenía un aspecto espiritual que llevó a su uso generalizado en interiores de iglesias, particularmente en Europa Central, Portugal y Sudamérica.[5]

Origen del término [ editar ]

Tallado rococó integrado, estuco y fresco en la abadía de Zwiefalten (1739-1745)

La palabra rococó se utilizó por primera vez como una variación humorística de la palabra rocaille . [6] [7] Rocaille fue originalmente un método de decoración, usando guijarros, conchas marinas y cemento, que se usaba a menudo para decorar grutas y fuentes desde el Renacimiento. [8] [9] A finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII, rocaille se convirtió en el término para una especie de motivo decorativo u adorno que apareció a finales del estilo Luis XIV , en forma de concha marina entrelazada con hojas de acanto . En 1736, el diseñador y joyero Jean Mondon publicó el Premier Livre de forme rocquaille et cartel, una colección de diseños para adornos de muebles y decoración de interiores. Fue la primera aparición impresa del término "rocaille" para designar el estilo. [10] El motivo de concha marina tallada o moldeada se combinó con hojas de palmera o enredaderas retorcidas para decorar puertas, muebles, paneles de pared y otros elementos arquitectónicos. [11]

El término rococó se utilizó por primera vez en la impresión en 1825 para describir la decoración que estaba "pasada de moda y pasada de moda". Se utilizó en 1828 para la decoración "que pertenecía al estilo del siglo XVIII, sobrecargado de adornos retorcidos". En 1829, el autor Stendhal describió el rococó como "el estilo rococó del siglo XVIII". [12]

Capital de la Abadía de Engelszell , de Austria (1754-1764)

En el siglo XIX, el término se utilizó para describir la arquitectura o la música que eran excesivamente ornamentales. [13] [14] Desde mediados del siglo XIX, los historiadores del arte han aceptado el término . Si bien todavía existe cierto debate sobre la importancia histórica del estilo, el rococó se considera ahora a menudo como un período distinto en el desarrollo del arte europeo .

Características [ editar ]

El rococó presenta una decoración exuberante, con abundancia de curvas, contracurvas, ondulaciones y elementos inspirados en la naturaleza. Los exteriores de los edificios rococó suelen ser sencillos, mientras que los interiores están dominados por completo por su ornamentación. El estilo era muy teatral, diseñado para impresionar y asombrar a primera vista. Los planos de las iglesias eran a menudo complejos, con óvalos entrelazados; En los palacios, las grandes escalinatas se convirtieron en piezas centrales y ofrecieron diferentes puntos de vista de la decoración. [15] Los principales adornos del rococó son: conchas asimétricas, acanto y otras hojas, pájaros, ramos de flores, frutas, instrumentos musicales, ángeles y elementos del Lejano Oriente ( pagodas , dragones, monos, flores extrañas y chinos).[dieciséis]

El estilo a menudo integraba pintura, estuco moldeado y tallado en madera, y quadratura , o pinturas ilusionistas en el techo, que estaban diseñadas para dar la impresión de que quienes entraban en la habitación miraban hacia el cielo, donde querubines y otras figuras los miraban. . Los materiales utilizados incluyeron estuco, ya sea pintado o dejado en blanco; combinaciones de maderas de diferentes colores (generalmente roble, haya o nogal); madera lacada al estilo japonés, adorno de bronce dorado y encimeras de mármol de cómodas o mesas. [17] La intención era crear una impresión de sorpresa, asombro y asombro a primera vista. [18]

Diferencias entre barroco y rococó [ editar ]

Las siguientes son características que tiene el rococó y el barroco no:

  • El abandono parcial de la simetría, todo compuesto por elegantes líneas y curvas, similar al Art Nouveau.
  • La enorme cantidad de curvas asimétricas y volutas en forma de C
  • El uso muy amplio de flores en la ornamentación, un ejemplo son los festones hechos con flores.
  • Motivos chinos y japoneses (ver también: chinoiserie y japonismo )
  • Colores pastel cálidos [19] (amarillo blanquecino, color crema, grises perla, azules muy claros) [20]

Francia [ editar ]

Véase también: Rocaille y Louis Quinze

El estilo Rocaille , o rococó francés, apareció en París durante el reinado de Luis XV y floreció aproximadamente entre 1723 y 1759. [21] El estilo se utilizó particularmente en los salones, un nuevo estilo de habitación diseñado para impresionar y entretener a los invitados. El ejemplo más destacado fue el salón de la princesa en el Hôtel de Soubise en París, diseñado por Germain Boffrand y Charles-Joseph Natoire (1735-1740). Las características del rococó francés incluían un arte excepcional, especialmente en los complejos marcos hechos para espejos y pinturas, que fueron esculpidos en yeso y, a menudo, dorados; y el uso de formas vegetales (enredaderas, hojas, flores) entrelazadas en diseños complejos. [22]El mobiliario también presentaba curvas sinuosas y diseños vegetales. Los principales diseñadores de muebles y artesanos del estilo incluyeron a Juste-Aurele Meissonier , Charles Cressent y Nicolas Pineau . [23] [24]

El estilo Rocaille duró en Francia hasta mediados del siglo XVIII, y aunque se volvió más curvo y vegetal, nunca alcanzó la extravagante exuberancia del rococó en Baviera, Austria e Italia. Los descubrimientos de antigüedades romanas que comenzaron en 1738 en Herculano y especialmente en Pompeya en 1748, cambiaron la arquitectura francesa en la dirección del neoclasicismo más simétrico y menos extravagante .

  • Salón del Hôtel de Soubise en París (1735-1740) de Germain Boffrand

  • Diseño de mesa de Juste-Aurele Meissonier (1730)

  • Gran Cámara del Príncipe, Hotel de Soubise (1735-1740)

  • Carpintería en el Hôtel de Varengeville por Nicolas Pineau (1735)

  • Cómoda de Charles Cressent (1730), Waddesdon Manor

  • Detalle de una puerta del Hôtel de Samuel Bernard de París, construido en la década de 1740

  • La puerta del Hôtel de Marsilly , con dos ménsulas y una orla encima, todas rococó

Italia [ editar ]

Los artistas italianos, especialmente Venecia , también produjeron un estilo rococó exuberante. Las cómodas venecianas imitaban las líneas curvas y los ornamentos tallados de la rocaille francesa, pero con una particular variación veneciana; las piezas fueron pintadas, a menudo con paisajes o flores o escenas de Guardi u otros pintores, o Chinoiserie , sobre un fondo azul o verde, a juego con los colores de la escuela de pintores venecianos cuyo trabajo decoraba los salones. Pintores decorativos notables incluyeron a Giovanni Battista Tiepolo , que pintó techos y murales de iglesias y palacios, y Giovanni Battista Crosato, que pintó el techo del salón de baile de Ca Rezzonico.en forma de cuadraturo , dando la ilusión de tres dimensiones. Tiepelo viajó a Alemania con su hijo durante 1752-1754, decorando los techos de la residencia de Würzburg , uno de los principales hitos del rococó bávaro. Un pintor veneciano célebre anterior fue Giovanni Battista Piazzetta , quien pintó varios techos de iglesias notables. [25]

El rococó veneciano también contó con cristalería excepcional, en particular cristal de Murano , a menudo grabado y coloreado, que se exportaba a toda Europa. Las obras incluyeron candelabros multicolores y espejos con marcos extremadamente ornamentados. [25]

  • Techo de la iglesia de Santi Giovanni e Paolo en Venecia, por Piazzetta (1727)

  • Juno y Luna de Giovanni Battista Tiepolo (1735-1745)

  • Araña de cristal de Murano en Ca Rezzonico (1758)

  • Techo de salón de baile de Ca Rezzonico con techo de Giovanni Battista Crosato (1753)

Sur de Alemania [ editar ]

En la construcción de iglesias, especialmente en la región sur de Alemania y Austria, a veces se crean gigantescas creaciones espaciales solo por razones prácticas, que, sin embargo, no parecen monumentales, sino que se caracterizan por una fusión única de arquitectura, pintura, estuco, etc. a menudo eliminan por completo las fronteras entre los géneros artísticos, y se caracterizan por una ingravidez llena de luz, alegría festiva y movimiento. El estilo decorativo rococó alcanzó su cumbre en el sur de Alemania y Austria desde la década de 1730 hasta la de 1770. Allí domina el paisaje de la iglesia hasta el día de hoy y está profundamente anclado allí en la cultura popular. Se introdujo por primera vez desde Francia a través de las publicaciones y obras de arquitectos y decoradores franceses, incluido el escultor Claude III Audran , el diseñador de interiores.Gilles-Marie Oppenordt , el arquitecto Germain Boffrand , el escultor Jean Mondon y el dibujante y grabador Pierre Lepautre . Su trabajo tuvo una influencia importante en el estilo rococó alemán, pero no alcanza el nivel de los edificios del sur de Alemania. [26]

Los arquitectos alemanes adaptaron el estilo rococó, pero lo hicieron mucho más asimétrico y cargado de una decoración más ornamentada que el original francés. El estilo alemán se caracterizó por una explosión de formas que cayeron en cascada por las paredes. Presentaba molduras formadas en curvas y contracurvas, patrones de torsión y giro, techos y paredes sin ángulos rectos, y follaje de estuco que parecía trepar por las paredes y atravesar el techo. La decoración era a menudo dorada o plateada para contrastar con las paredes blancas o pastel pálido. [27]

El arquitecto y diseñador belga François de Cuvilliés fue uno de los primeros en crear un edificio rococó en Alemania, con el pabellón de Amalienburg en Munich, (1734-1739), inspirado en los pabellones de Trianon y Marly en Francia. Fue construido como un pabellón de caza, con una plataforma en el techo para la caza de faisanes. El Salón de los Espejos en el interior, del pintor y escultor de estuco Johann Baptist Zimmermann , era mucho más exuberante que cualquier rococó francés. [28]

Otro ejemplo notable del rococó alemán temprano es la residencia de Würzburg (1737-1744) construida para el príncipe-obispo de Wurzburg por Balthasar Neumann . Neumann había viajado a París y había consultado con los artistas decorativos rocosos franceses Germain Boffrand y Robert de Cotte . Mientras que el exterior era de estilo barroco más sobrio, el interior, en particular las escaleras y los techos, era mucho más ligero y decorativo. El príncipe-obispo importó al pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo en 1750-1753 para crear un mural sobre la parte superior de la escalera ceremonial de tres niveles. [29] [30]Neumann describió el interior de la residencia como "un teatro de luz". La escalera fue también el elemento central de una residencia que Neumann construyó en el Palacio de Augustusburg en Brühl (1743-1748). En ese edificio, la escalera conducía a los visitantes a través de una fantasía de estuco de pinturas, esculturas, herrajes y decoración, con vistas sorprendentes en cada esquina. [29]

En las décadas de 1740 y 1750, se construyeron varias iglesias de peregrinación notables en Baviera , con interiores decorados en una variante distintiva del estilo rococó. Uno de los ejemplos más notables es la Wieskirche (1745-1754) diseñada por Dominikus Zimmermann.. Como la mayoría de las iglesias de peregrinación bávaras, el exterior es muy simple, con paredes en tonos pastel y poco adorno. Al entrar en la iglesia, el visitante se encuentra con un asombroso teatro de movimiento y luz. Cuenta con un santuario de forma ovalada y un deambulatorio en la misma forma, llenando la iglesia de luz por todos lados. Las paredes blancas contrastaban con columnas de estuco azul y rosa en el coro, y el techo abovedado rodeado de ángeles de yeso debajo de una cúpula que representaba los cielos llenos de coloridas figuras bíblicas. Otras iglesias de peregrinación notables incluyen la Basílica de los catorce santos ayudantes de Balthasar Neumann (1743-1772). [31] [32]

  • Pabellón de Amalienburg en Munich por François de Cuvilliés (1734-1739)

  • Salón de los espejos de Amalienburg de Johann Baptist Zimmermann (1734-1739)

  • Mirando hacia la escalera central del Palacio de Augustusburg en Brühl por Balthasar Neumann (1741-1744)

  • La Wieskirche de Dominikus Zimmermann (1745-1754)

  • Interior de la basílica de los catorce santos ayudantes de Balthasar Neumann (1743-1772)

  • El Kaisersaal en la residencia de Würzburg por Balthasar Neumann (1749-1751)

  • Sala de festivales de Schaezlerpalais en Augsburg por Carl Albert von Lespilliez (1765-1770)

  • Gabinete de oro del palacio chino, Oranienbaum, Rusia , construido por Antonio Rinaldi para Catalina la Grande (1762-1778)

Johann Michael Fischer fue el arquitecto de la Abadía de Ottobeuren (1748-1766), otro hito rococó bávaro. La iglesia presenta, como gran parte de la arquitectura rococó en Alemania, un contraste notable entre la regularidad de la fachada y la sobreabundancia de decoración en el interior. [29]

Gran Bretaña [ editar ]

En Gran Bretaña, el rococó se llamaba "gusto francés" y tenía menos influencia en el diseño y las artes decorativas que en la Europa continental, aunque su influencia se sintió en áreas como la platería, la porcelana y las sedas. William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no menciona el rococó por su nombre, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y las curvas en S prominentes en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo en el clasicismo ). . [33]

El rococó tardó en llegar a Inglaterra. Antes de entrar en el rococó, los muebles británicos siguieron durante un tiempo el modelo neoclásico de Palladio bajo el diseñador William Kent , quien diseñó para Lord Burlington y otros mecenas importantes de las artes. Kent viajó a Italia con Lord Burlington entre 1712 y 1720 y trajo muchos modelos e ideas de Palladio. Diseñó los muebles para Hampton Court Palace (1732), Lord Burlington's Chiswick House (1729), Londres, Thomas Coke's Holkham Hall , Norfolk, Robert Walpole's pile en Houghton , Devonshire House en Londres y en Rousham. [34]

La caoba hizo su aparición en Inglaterra alrededor de 1720 e inmediatamente se hizo popular para los muebles, junto con la madera de nogal . El rococó comenzó a hacer acto de presencia en Inglaterra entre 1740 y 1750. El mobiliario de Thomas Chippendale era el más cercano al estilo rococó. En 1754 publicó "Gentleman's and Cabinet -makers 'directory", un catálogo de diseños para rococó, chinoiserie y incluso el mobiliario gótico, que alcanzó gran popularidad, pasó por tres ediciones. A diferencia de los diseñadores franceses, Chippendale no empleó marquetería ni incrustaciones en sus muebles. El diseñador predominante de muebles con incrustaciones fueron Vile y Cob, los ebanistas del rey Jorge III. Otra figura importante del mueble británico fue Thomas Johnson., quien en 1761, muy tarde en el período, publicó un catálogo de diseños de muebles rococó. Estos incluyen muebles basados ​​en motivos chinos e indios bastante fantásticos, incluida una cama con dosel coronada por una pagoda china (ahora en el Victoria and Albert Museum). [25]

Otras figuras notables del rococó británico incluyeron al platero Charles Friedrich Kandler.

  • Diseño de una cama estatal de Thomas Chippendale (1753-1754)

  • Sofá chino propuesto por Thomas Chippendale (1753-1754)

  • Diseño para inodoro y portalámparas de Thomas Chippendale (1753-1754)

  • Silla lateral; Thomas Chippendale; circa 1755-1760; caoba; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

  • Diseño para candelabros en el "sabor chino" de Thomas Johnson (1756)

  • Silla Chippendale (1772), Museo Metropolitano

  • Brasero del platero Charles Friedrich Kander (1735), Museo Metropolitano

Rusia [ editar ]

La emperatriz rusa Catalina la Grande fue otra admiradora del rococó; El Gabinete Dorado del Palacio Chino en el complejo palaciego de Oranienbaum cerca de San Petersburgo, diseñado por el italiano Antonio Rinaldi , es un ejemplo del rococó ruso.

Rechazar y finalizar [ editar ]

Ver también: Neoclasicismo y estilo Imperio
Comparación entre un aguafuerte del siglo XVIII , de Jacques de Lajoue , de una crátera cáliz rococó ; y una crátera de cáliz romano del siglo I que tiene exactamente la misma forma que un jarrón de piedra de jardín neoclásico

El arte de Boucher y otros pintores de la época, con su énfasis en la mitología decorativa y la galantería, pronto inspiró una reacción y una demanda de temas más "nobles". Mientras el rococó continuaba en Alemania y Austria, la Academia Francesa de Roma empezó a enseñar el estilo clásico. Esto fue confirmado por el nombramiento de De Troy como director de la Academia en 1738, y luego en 1751 por Charles-Joseph Natoire .

Madame de Pompadour , la amante de Luis XV contribuyó al declive del estilo rococó. En 1750 envió a su hermano, Abel-François Poisson de Vandières , en una misión de dos años para estudiar los desarrollos artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Charles-Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot . Regresaron a París apasionados por el arte clásico. Vandiéres se convirtió en el marqués de Marigny y fue nombrado director general de los Edificios del Rey. Convirtió la arquitectura oficial francesa hacia lo neoclásico. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; denunció el petit stylede Boucher, y pidió un gran estilo con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura y arquitectura. [35]

El comienzo del fin del rococó se produjo a principios de la década de 1760 cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar sus críticas sobre la superficialidad y degeneración del arte. Blondel denunció el "ridículo revoltijo de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos. [36]

En 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de artistas neoclásicos como Jacques-Louis David . En Alemania, el rococó de finales del siglo XVIII fue ridiculizado como Zopf und Perücke ("coleta y peluca"), y esta fase a veces se conoce como Zopfstil . El rococó siguió siendo popular en ciertos estados provinciales alemanes y en Italia, hasta que la segunda fase del neoclasicismo, " estilo imperio ", llegó con los gobiernos napoleónicos y arrasó con el rococó.

Mobiliario y decoración [ editar ]

El estilo ornamental llamado rocaille surgió en Francia entre 1710 y 1750, principalmente durante la regencia y el reinado de Luis XV ; el estilo también se llamó Louis Quinze . Sus principales características eran el detalle pintoresco, las curvas y contracurvas, la asimetría y la exuberancia teatral. En las paredes de los nuevos salones de París, los diseños retorcidos y sinuosos, generalmente hechos de estuco dorado o pintado, se enrollan alrededor de las puertas y espejos como enredaderas. Uno de los primeros ejemplos fue el Hôtel Soubise en París (1704-05), con su famoso salón ovalado decorado con pinturas de Boucher y Charles-Joseph Natoire . [37]

El diseñador de muebles francés más conocido de la época fue Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), quien también fue escultor y pintor. y orfebre de la casa real. Ocupó el título de diseñador oficial de la Cámara y el Gabinete de Luis XV. Su obra es muy conocida hoy en día por la enorme cantidad de grabados realizados con su obra que popularizaron el estilo en toda Europa. Diseñó obras para las familias reales de Polonia y Portugal.

Italia fue otro lugar donde floreció el rococó, tanto en sus fases iniciales como posteriores. Los artesanos de Roma, Milán y Venecia producían muebles y artículos decorativos ricamente decorados.

  • Candelabro de Juste-Aurèle Meissonnier (1735-1740)

  • Diseño del carro de Apolo para un techo del Conde Bielinski por Meissonier , Varsovia, Polonia (1734)

  • Canapé diseñado por Meissonnier para el Conde Bielinski, Varsovia, Polonia (1735)

  • Consola, Roma, Italia (hacia 1710)

La decoración esculpida incluía fleuretas, palmetas, conchas marinas y follaje tallado en madera. Las formas de rocaille más extravagantes se encontraron en las consolas, mesas diseñadas para colocarse contra las paredes. Las cómodas, o cofres, que habían aparecido por primera vez bajo Luis XIV, estaban ricamente decoradas con adornos de rocaille hechos de bronce dorado. Fueron hechos por maestros artesanos, incluido Jean-Pierre Latz, y también presentaban marquetería de maderas de diferentes colores, a veces colocadas en patrones cúbicos de tablero de ajedrez, hechas con maderas claras y oscuras. El período también vio la llegada de la Chinoiserie , a menudo en forma de cómodas lacadas y doradas, llamadas falcon de Chine de Vernis Martin , en honor al ebenista que introdujo la técnica en Francia.El ormolu , o bronce dorado, fue utilizado por maestros artesanos como Jean-Pierre Latz . Latz hizo un reloj particularmente ornamentado montado sobre un cartonnier para Federico el Grande para su palacio en Potsdam . Las piezas de porcelana china importada a menudo se montaban en configuraciones rococó de ormolu (bronce dorado) para exhibirlas en mesas o consolas en salones. Otros artesanos imitaron el arte japonés de los muebles lacados y produjeron inodoros con motivos japoneses. [18]

  • Escritorio para la Münchner Residenz de Bernard II van Risamburgh (1737)

  • Cofre de reloj para Federico el Grande (1742)

  • Un cuenco de porcelana china y dos peces montados en bronce dorado, Francia (1745-1749)

  • Una codificación del ebanista real Jean-Pierre Latz (circa 1750)

  • Cómoda lacada en estilo chinoiserie, de Bernard II van Risamburgh , Victoria and Albert Museum (1750-1760)

El rococó británico tendía a ser más comedido. Los diseños de muebles de Thomas Chippendale mantuvieron las curvas y la sensación, pero no llegaron a las alturas francesas de la fantasía. El exponente más exitoso del rococó británico fue probablemente Thomas Johnson , un talentoso tallador y diseñador de muebles que trabajaba en Londres a mediados del siglo XVIII.

Pintura [ editar ]

En la obra de algunos pintores franceses aparecieron elementos del estilo Rocaille , incluido el gusto por lo pintoresco en los detalles; curvas y contracurvas; y la disimetría que sustituyó el movimiento del barroco por la exuberancia, aunque la rocaille francesa nunca alcanzó la extravagancia del rococó germánico. [38] El principal proponente fue Antoine Watteau , particularmente en Peregrinación en la isla de Cythera (1717), Louvre , en un género llamado Fête Galanteque representan escenas de jóvenes nobles reunidos para celebrar en un entorno pastoral. Watteau murió en 1721 a la edad de treinta y siete años, pero su obra siguió teniendo influencia durante el resto del siglo. El cuadro La peregrinación a Cythera fue comprado por Federico el Grande de Prusia en 1752 o 1765 para decorar su palacio de Charlottenberg en Berlín. [38]

El sucesor de Watteau y la Féte Galante en pintura decorativa fue François Boucher (1703-1770), el pintor favorito de Madame de Pompadour . Su obra incluyó la sensual Toilette de Venus (1746), que se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos del estilo. Boucher participó en todos los géneros de la época, diseñando tapices, maquetas para escultura de porcelana, decorados para la ópera y ópera cómica de París y decoración para la Feria de Saint-Laurent. [39] Otros pintores importantes del estilo Fête Galante incluyeron a Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater . El estilo particularmente influidoFrançois Lemoyne , que pintó la lujosa decoración del techo del Salón de Hércules en el Palacio de Versalles , terminado en 1735. [38] Pinturas con fétes valientes y temas mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières y Charles-Joseph Natoire decoraron famoso salón del Hôtel Soubise en París (1735-1740). [39] Otros pintores rococó incluyen: Jean François de Troy (1679-1752), Jean-Baptiste van Loo (1685-1745), sus dos hijos Louis-Michel van Loo (1707-1771) y Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719-1795), su hermano menorCharles-André van Loo (1705-1765) y Nicolas Lancret (1690-1743).

  • Antoine Watteau , peregrinación a la isla de Cythera (1717)

  • " Almuerzo con jamón " de Nicolas Lancret (1735)

  • Techo del Salón de Hércules de François Lemoyne (1735)

  • El inodoro de Venus de François Boucher (1746)

En Austria y el sur de Alemania, la pintura italiana tuvo el mayor efecto en el estilo rococó. El pintor veneciano Giovanni Battista Tiepolo , asistido por su hijo, Giovanni Domenico Tiepolo , fue invitado a pintar frescos para la Residencia de Würzburg (1720-1744). El pintor más destacado de las iglesias rococó bávaras fue Johann Baptist Zimmermann , quien pintó el techo de la Wieskirche (1745-1754).

  • Fresco en el techo de la residencia de Würzburg (1720-1744) de Giovanni Battista Tiepolo

  • Techo de la Wieskirche de Johann Baptist Zimmermann (1745-1754)

Escultura [ editar ]

  • La "dama velada (Puritas) de Antonio Corradini (1722)

  • Cupido de Edmé Bouchardon , Galería Nacional de Arte (1744)

  • Prometeo de Nicolas-Sébastien Adam (1762)

  • Vertumnus y Pomone de Jean-Baptiste Lemoyne (1760)

  • Pygmalion et Galatee de Étienne-Maurice Falconet (1763)

  • La intoxicación por vino de Claude Michel (Clodion), terracota, 1780s-90s

La escultura rococó era teatral, colorida y dinámica, dando una sensación de movimiento en todas direcciones. Se encontraba con mayor frecuencia en el interior de las iglesias, por lo general estrechamente integrado con la pintura y la arquitectura. La escultura religiosa siguió el estilo barroco italiano, como se ejemplifica en el retablo teatral de la Karlskirche de Viena.

La primera escultura rococó o rocaille en Francia La escultura era más ligera y ofrecía más movimiento que el estilo clásico de Luis XIV. Fue alentado en particular por Madame de Pompadour , amante de Luis XV, quien encargó muchas obras para sus castillos y jardines. El escultor Edmé Bouchardon representó a Cupido empeñado en esculpir sus dardos de amor desde el club de Hércules . Figuras rococó también llenaron las fuentes posteriores en Versalles, como la Fuente de Neptuno de Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740). Basado en su éxito en Versalles, fueron invitados a Prusia por Federico el Grandepara crear una escultura de fuente para el Palacio de Sanssouci , Prusia (década de 1740). [40]

Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) fue otro escultor francés destacado durante el período. Falconet fue más famoso por su estatua de Pedro el Grande a caballo en San Petersburgo, pero también creó una serie de obras más pequeñas para coleccionistas adinerados, que podrían reproducirse en una serie en terracota o fundirse en bronce. Los escultores franceses Jean-Louis Lemoyne , Jean-Baptiste Lemoyne , Louis-Simon Boizot , Michel Clodion , Lambert-Sigisbert Adam y Jean-Baptiste Pigalle produjeron esculturas en serie para coleccionistas. [41]

En Italia, Antonio Corradini fue uno de los principales escultores del estilo rococó. Veneciano, viajó por Europa, trabajando para Pedro el Grande en San Petersburgo, para las cortes imperiales de Austria y Nápoles. Prefería los temas sentimentales e hizo varias obras hábiles de mujeres con rostros cubiertos por velos, una de las cuales se encuentra ahora en el Louvre . [42]

  • Atlántidas en la parte superior del Palacio Belvedere , Viena, por Johann Lukas von Hildebrandt (1721-1722)

  • Escena de la Asunción de Egid Quirin Asam (1722–23) antigua iglesia del monasterio, Rohr en Niederbayern

  • Altar de El Transparente en la catedral de Toledo de Narciso Tomé (1721-1732)

  • Portal del Palacio del Marqués de Dos Aguas , Valencia, España (1740-1744)

  • Fuente de Neptuno y Anfitrite Palacio de Versalles , por Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740)

  • Ninfas de la fuente de Lambert Sigisbert Adam en el palacio de Sanssouci , Prusia (década de 1740)

Los ejemplos más elaborados de escultura rococó se encontraron en España, Austria y el sur de Alemania, en la decoración de palacios e iglesias. La escultura estaba estrechamente integrada con la arquitectura; era imposible saber dónde terminaba uno y comenzaba el otro. En el Palacio Belvedere de Viena (1721-1722), el techo abovedado del Salón de los Atlantes se sostiene sobre los hombros de figuras musculosas diseñadas por Johann Lukas von Hildebrandt . El portal del Palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia (1715-1776) estaba completamente empapado de escultura tallada en mármol, de diseños de Hipólito Rovira Brocandel. [43]

El El Transparente altar en la capilla mayor de la catedral de Toledo es una enorme escultura policromada de mármol y estuco dorado, combinado con pinturas, estatuas y símbolos. Fue realizada por Narciso Tomé (1721-1732). Su diseño permite el paso de la luz y, al cambiar la luz, parece moverse. [44]

Porcelana [ editar ]

Apareció una nueva forma de escultura a pequeña escala, la figura de porcelana , o pequeño grupo de figuras, que inicialmente reemplazó a las esculturas de azúcar en las grandes mesas del comedor, pero pronto fue popular para colocar sobre repisas de chimenea y muebles. El número de fábricas europeas creció de manera constante a lo largo del siglo, y algunas fabricaban porcelana que las clases medias en expansión podían permitirse. La cantidad de decoración colorida sobre vidriado utilizada en ellos también aumentó. Por lo general, fueron modelados por artistas que se habían formado en escultura. Los temas comunes incluyeron figuras de la commedia dell'arte , vendedores ambulantes de la ciudad, amantes y figuras con ropa de moda y parejas de pájaros.

Johann Joachim Kändler fue el modelador más importante de porcelana de Meissen , la primera fábrica europea, que siguió siendo la más importante hasta aproximadamente 1760. El escultor alemán de origen suizo Franz Anton Bustelli produjo una amplia variedad de coloridas figuras para la fábrica de porcelana de Nymphenburg en Baviera. que se vendieron en toda Europa. El escultor francés Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) siguió este ejemplo. Al mismo tiempo que realizaba obras a gran escala, se convirtió en director de la manufactura de porcelana de Sevres y produjo obras a pequeña escala, generalmente sobre el amor y la alegría, para la producción en serie.

  • La lección de música , porcelana de Chelsea , Museo Metropolitano (c. 1765)

  • Altar mayor de la Karlskirche de Viena (1737)

  • Taza con platillo; circa 1753; porcelana de pasta blanda con esmalte y esmalte; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles

  • Mezzetin , por Kaendler , Meissen , c. 1739

  • Arlequín y Columbine , porcelana de Capodimonte , c. 1745

  • Pareja de enamorados grupo de porcelana de Nymphenburg , c. 1760, modelado por Franz Anton Bustelli

  • Figura de un vendedor de queso de Bustelli, porcelana de Nymphenburg (1755)

Música [ editar ]

Existió un período rococó en la historia de la música , aunque no es tan conocido como el barroco anterior y las formas clásicas posteriores. El estilo de música rococó se desarrolló a partir de la música barroca tanto en Francia, donde el nuevo estilo se denominó estilo galant ( estilo "galante" o "elegante"), como en Alemania, donde se lo denominó empfindsamer Stil ("sensible estilo"). Puede caracterizarse por ser música ligera e íntima con formas de ornamentación extremadamente elaboradas y refinadas . Los ejemplos incluyen Jean Philippe Rameau , Louis-Claude Daquin y François Couperin en Francia; en Alemania, los principales defensores del estilo fueron CPEBach yJohann Christian Bach , dos hijos de JS Bach .

En la segunda mitad del siglo XVIII, se produjo una reacción contra el estilo rococó, principalmente contra su percibido uso excesivo de ornamentación y decoración. Dirigida por Christoph Willibald Gluck , esta reacción marcó el comienzo de la era clásica . A principios del siglo XIX, la opinión católica se había vuelto en contra de la idoneidad del estilo para los contextos eclesiásticos porque "de ninguna manera favorecía los sentimientos de devoción". [45]

El compositor ruso de la época romántica Pyotr Ilyich Tchaikovsky escribió Las variaciones sobre un tema rococó , op. 33, para violonchelo y orquesta en 1877. Aunque el tema no es de origen rococó, está escrito en estilo rococó.

Moda [ editar ]

Bata de saco y enaguas, 1775-1780 Museo V&A núm. T.180 y A-1965

La moda rococó se basaba en la extravagancia, la elegancia, el refinamiento y la decoración. La moda femenina del siglo XVII contrastaba con la moda del siglo XVIII, que era recargada y sofisticada, el verdadero estilo del rococó. [46] Estas modas se extendieron más allá de la corte real hacia los salones y cafés de la burguesía ascendente. [47] El estilo de decoración y diseño exuberante, alegre y elegante que ahora conocemos como 'rococó' se conocía entonces como le style rocaille, le style moderne, le gout. [48]

Un estilo que apareció a principios del siglo XVIII fue la túnica volante , [46] una túnica suelta, que se hizo popular hacia el final del reinado del rey Luis XIV. Este vestido tenía las características de un corpiño con grandes pliegues que fluían por la espalda hasta el suelo sobre una enagua redondeada. La paleta de colores era de telas ricas y oscuras acompañadas de características de diseño elaboradas y pesadas. Después de la muerte de Luis XIV, los estilos de ropa comenzaron a cambiar. La moda dio un giro hacia un estilo más ligero y frívolo, pasando del período barroco al conocido estilo rococó. [49]El período posterior fue conocido por sus colores pastel, vestidos más reveladores y la plétora de volantes, volantes, lazos y encajes como adornos. Poco después de que se introdujera el vestido rococó típico de las mujeres, robe à la Française, [46] un vestido con un corpiño ajustado que tenía un escote escotado, generalmente con una gran cinta en el centro del frente, alforjas anchas y lujosamente recortado en grandes cantidades de encajes, cintas y flores.

Los pliegues Watteau [46] también se hicieron más populares, nombrados en honor al pintor Jean-Antoine Watteau, quien pintó los detalles de los vestidos hasta las puntadas de encaje y otros adornos con inmensa precisión. Más tarde, la 'alforja' y la 'mantua ' se pusieron de moda alrededor de 1718, eran aros anchos debajo del vestido para extender las caderas hacia los lados y pronto se convirtieron en un elemento básico en la ropa formal. Esto le dio al período rococó el icónico vestido de caderas anchas combinado con la gran cantidad de decoración en las prendas. Las alforjas anchas se usaban para ocasiones especiales y podían alcanzar hasta 16 pies (4,8 metros) de diámetro [50].y se usaron aros más pequeños para la configuración diaria. Estas características provienen originalmente de la moda española del siglo XVII, conocida como guardainfante , inicialmente diseñada para ocultar el estómago embarazado, luego reinventado más tarde como la alforja. [50] 1745 se convirtió en la Edad de Oro del Rococó con la introducción de una cultura oriental más exótica en Francia llamada a la turque . [46] Esto se hizo popular por la amante de Luis XV, Madame Pompadour, quien encargó al artista, Charles Andre Van Loo, que la pintara como una sultana turca.

En la década de 1760, surgió un estilo de vestidos menos formales y uno de ellos fue el polonesa , inspirado en Polonia. Era más corto que el vestido francés, dejando ver la enagua y los tobillos, lo que facilitaba el movimiento. Otro vestido que se puso de moda fue el bata a l'anglais , que incluía elementos inspirados en la moda masculina; una chaqueta corta, solapas anchas y mangas largas. [49] También tenía un corpiño ceñido, una falda amplia sin alforjas pero todavía un poco larga en la espalda para formar una pequeña cola y, a menudo, algún tipo de pañuelo de encaje que se usaba alrededor del cuello. Otra pieza fue el 'redingote', a medio camino entre una capa y un abrigo.

Los accesorios también fueron importantes para todas las mujeres durante este tiempo, ya que se sumaban a la opulencia y la decoración del cuerpo para combinar con sus vestidos. En cualquier ceremonia oficial, las damas debían cubrirse las manos y los brazos con guantes si su ropa no tenía mangas. [49]

Galería [ editar ]

Arquitectura [ editar ]

  • Iglesia de São Francisco de Assis en Ouro Preto , Brasil, 1749-1774, por Aleijadinho

  • El Palacio Czapski en Varsovia , Polonia, 1712-1721, refleja la fascinación rococó por la arquitectura oriental

  • Iglesia de San Andrés en Kiev , 1744-1767, diseñada por Francesco Bartolomeo Rastrelli

  • Zwinger en Dresde

  • Eszterháza en Fertőd , Hungría , 1720-1766, a veces llamado el " Versalles húngaro "

  • El palacio rococó Branicki en Białystok , a veces conocido como el " Versalles polaco "

  • Palacio Electoral de Trier

  • Basílica de Santo Domingo en Lima , Perú, terminada en 1766, por Manuel d'Amat i de Junyent

Grabados [ editar ]

  • Artista desconocido. Alegorías de la astronomía y la geografía. Francia (?), Ca. 1750

  • A. Avelin según Mondon le Fils. Momento L′Heureux. 1736

  • A. Avelin según Mondon le Fils. Dios chino. Un grabado del ouvrage «Quatrieme livre des formes, orneė des rocailles, carteles, figuras oyseaux et dragon» 1736

Pintura [ editar ]

  • Antoine Watteau , Pierrot , 1718-1719

  • Antoine Watteau , Peregrinación a Cythera , 1718-1721

  • Jean-Baptiste van Loo , El triunfo de Galatea , 1720

  • Jean François de Troy , Lectura de Molière , 1728

  • Francis Hayman , lecheras bailando , 1735

  • Charles-André van Loo , Alto a la caza , 1737

  • Gustaf Lundberg , Retrato de François Boucher , 1741

  • François Boucher , Diana dejando el baño , 1742

  • Giovanni Battista Tiepolo , El banquete de Cleopatra , 1743

  • François Boucher , Marie-Louise O'Murphy , 1752

  • Maurice Quentin de La Tour , Retrato de cuerpo entero de la marquesa de Pompadour , 1748-1755

  • François Boucher Retrato de la marquesa de Pompadour , 1756

  • Jean-Honoré Fragonard , El columpio , 1767

  • Jean-Honoré Fragonard , Inspiración , 1769

  • Jean-Honoré Fragonard , Denis Diderot , 1769

  • Jean-Honoré Fragonard The Meeting (parte de la serie Progreso del amor) , 1771

  • Élisabeth Vigée-Lebrun , Marie Antoinette à la Rose , 1783

Pintura de la época rococó [ editar ]

  • Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Naturaleza muerta con frasco de vidrio y fruta , c. 1750

  • Thomas Gainsborough , Sr. y Sra. Andrews , 1750

  • Jean-Baptiste Greuze , El niño mimado , c. 1765

  • Joshua Reynolds , Robert Clive y su familia con una criada india, 1765

  • Angelica Kauffman , Retrato de David Garrick , c. 1765

  • Louis-Michel van Loo , Retrato de Denis Diderot , 1767

  • Thomas Gainsborough , El chico azul , 1770

  • Thomas Gainsborough , Retrato de la Sra. Mary Graham , 1777

Ver también [ editar ]

  • Arte rococó italiano
  • Rococó en Portugal
  • Rococó en España
  • Movimiento cultural
  • Talla en madera dorada
  • Historia de la pintura
  • Cronología de los artistas italianos hasta 1800
  • Pintura de techo ilusionista
  • Estilo Luis XV
  • Muebles Luis XV

Notas y citas [ editar ]

  1. ^ Owens 2014 , p. 92.
  2. ^ Ducher 1988 , p. 136.
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Bibliografía [ editar ]

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Lectura adicional [ editar ]

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  • Levey, Michael (1980). Pintura en la Venecia del siglo XVIII . Ithaca: Cornell University Press . ISBN 0-8014-1331-1.
  • Kelemen, Pál (1967). Barroco y rococó en América Latina . Nueva York: Publicaciones de Dover. ISBN 0-486-21698-5.

Enlaces externos [ editar ]

  • All-art.org: Rococó en la "Historia del Arte"
  • "Guía de estilo rococó" . Galerías británicas . Museo de Victoria y Alberto . Consultado el 16 de julio de 2007 .
  • Historia del Rococó. Academia de historia y cultura de arte, arquitectura y lujo de Latgale
  • Bergerfoundation.ch: ejemplos de estilo rococó
  • Barock- und Rococo- Architektur, Volumen 1, Parte 1, 1892 (en alemán) Sala de libros raros Kenneth Franzheim II, Biblioteca de arquitectura y arte William R. Jenkins, Biblioteca digital de la Universidad de Houston.