La Venus del espejo ( / r oʊ k b i / , también conocida como la Venus del espejo , Venus del espejo , Venus y Cupido , o La Venus del espejo ) es una pintura de Diego Velázquez , el artista principal del oro español Edad . Completada entre 1647 y 1651, [3] y probablemente pintada durante la visita del artista a Italia, la obra representa a la diosa Venus en una pose sensual, acostada en una cama y mirándose en un espejo sostenido por el dios romano del amor físico, su hijo. Cupido. La pintura se encuentra en la National Gallery de Londres.
Numerosas obras, desde la antigua al barroca , han sido citadas como fuentes de inspiración para Velázquez. Las Venus desnudas de los pintores italianos, como la Venus durmiente de Giorgione (c. 1510) y la Venus de Urbino de Tiziano (1538), fueron los principales precedentes. En esta obra, Velázquez combinó dos poses establecidas para Venus: recostado en un sofá o una cama y mirándose en un espejo. A menudo se la describe como mirándose en el espejo, aunque esto es físicamente imposible ya que los espectadores pueden ver su rostro reflejado en su dirección. Este fenómeno se conoce como efecto Venus . [4] De varias maneras, la pintura representa una salida pictórica, a través de su uso central de un espejo, y porque muestra el cuerpo de Venus alejado del observador de la pintura. [5]
La Venus de Rokeby es el único desnudo femenino superviviente de Velázquez. Los desnudos eran extremadamente raros en el arte español del siglo XVII, [6] que fue vigilado activamente por miembros de la Inquisición española . A pesar de esto, los desnudos de artistas extranjeros fueron recopilados con entusiasmo por el círculo de la corte, y esta pintura se colgó en las casas de los cortesanos españoles hasta 1813, cuando fue llevada a Inglaterra para colgarla en Rokeby Park , Yorkshire . En 1906, la pintura fue comprada por el Fondo Nacional de Colecciones de Arte para la Galería Nacional de Londres. Aunque fue atacado y gravemente dañado en 1914 por la sufragista Mary Richardson , pronto fue completamente restaurado y volvió a exhibirse.
Cuadro
Descripción
La Venus de Rokeby representa a la diosa romana del amor, la belleza y la fertilidad reclinada lánguidamente en su cama, de espaldas al espectador (en la Antigüedad , la representación de Venus desde atrás era un motivo erótico visual y literario común [8]) y sus rodillas metido. Se la muestra sin la parafernalia mitológica que normalmente se incluye en las representaciones de la escena; las joyas, las rosas y el mirto están ausentes. A diferencia de la mayoría de las representaciones anteriores de la diosa, que la muestran con cabello rubio, la Venus de Velázquez es morena. [7] La figura femenina se puede identificar como Venus debido a la presencia de su hijo, Cupido.
Venus mira en un espejo sostenido por Cupido, quien no tiene su arco y flechas habituales. Cuando se hizo un inventario de la obra por primera vez, se la describió como "una mujer desnuda", probablemente debido a su naturaleza controvertida. Venus mira hacia afuera al espectador de la pintura [9] a través de su imagen reflejada en el espejo. Sin embargo, la imagen es borrosa y revela sólo un vago reflejo de sus características faciales; la imagen reflejada de la cabeza es mucho más grande de lo que sería en realidad. [10] La crítica Natasha Wallace ha especulado que el rostro indistinto de Venus puede ser la clave del significado subyacente de la pintura, en el sentido de que "no pretende ser un desnudo femenino específico, ni siquiera un retrato de Venus, sino una imagen. de belleza ensimismada ". [11] Según Wallace, "No hay nada espiritual en la cara o la imagen. El escenario clásico es una excusa para una sexualidad estética muy material, no el sexo como tal, sino una apreciación de la belleza que acompaña a la atracción". [12]
Cintas de seda rosa entrelazadas se cuelgan sobre el espejo y se enrollan sobre su marco. La función de la cinta ha sido objeto de mucho debate por parte de los historiadores del arte; Las sugerencias incluyen una alusión a los grilletes usados por Cupido para atar a los amantes, que se usó para colgar el espejo y que se usó para vendar los ojos de Venus momentos antes. [7] El crítico Julián Gallego encontró la expresión facial de Cupido tan melancólica que interpreta las cintas como grilletes que unen al dios a la imagen de la Belleza, y le dio al cuadro el título "Amor conquistado por la Belleza". [13]
Los pliegues de las sábanas se hacen eco de la forma física de la diosa y se representan para enfatizar las amplias curvas de su cuerpo. [5] La composición utiliza principalmente tonos de rojo, blanco y gris, que se utilizan incluso en la piel de Venus; aunque el efecto de este esquema de color simple ha sido muy elogiado, un análisis técnico reciente ha demostrado que la hoja gris era originalmente un "malva profundo", que ahora se ha desvanecido. [14] Los colores luminiscentes utilizados en la piel de Venus, aplicados con "manejo suave, cremoso y mezclado", [15] contrastan con los grises oscuros y el negro de la seda sobre la que está acostada, y con el marrón de la pared detrás de su cara. .
La Venus de Rokeby es el único desnudo superviviente de Velázquez, pero otros tres del artista están registrados en inventarios españoles del siglo XVII. Dos fueron mencionados en la colección Real, pero pueden haberse perdido en el incendio de 1734 que destruyó el principal Palacio Real de Madrid . Otro más se registró en la colección de Domingo Guerra Coronel. [17] Estos registros mencionan "una Venus reclinada", Venus y Adonis , y una Psique y Cupido . [18]
Aunque se cree que la obra fue pintada a partir de la vida, la identidad del modelo está sujeta a mucha especulación. En la España contemporánea era aceptable que los artistas emplearan modelos de desnudos masculinos para sus estudios; sin embargo, el uso de modelos femeninas desnudas estaba mal visto. [19] Se cree que la pintura fue ejecutada durante una de las visitas de Velázquez a Roma, y Prater ha observado que en Roma el artista "efectivamente llevó una vida de considerable libertad personal que habría sido consistente con la noción de usar un live modelo de mujer desnuda ". [19] Se ha afirmado que la pintura representa a una amante que se sabe que Velázquez tuvo mientras estaba en Italia, que se supone que dio a luz a su hijo. [12] Otros han afirmado que el modelo es el mismo que en la Coronación de la Virgen y Las Hilanderas , tanto en el Museo del Prado , como en otras obras. [dieciséis]
Las figuras de Venus y Cupido se alteraron significativamente durante el proceso de pintura, como resultado de las correcciones del artista a los contornos tal como se pintó inicialmente. [20] Pentimenti se puede ver en el brazo levantado de Venus, en la posición de su hombro izquierdo y en su cabeza. El infrarrojo revela que originalmente se la mostró más erguida con la cabeza girada hacia la izquierda. [14] Un área a la izquierda de la pintura, que se extiende desde el pie izquierdo de Venus hasta la pierna izquierda y el pie de Cupido, aparentemente está inacabada, pero esta característica se ve en muchas otras obras de Velázquez y probablemente fue deliberada. [21] La pintura fue sometida a una importante limpieza y restauración en 1965-1966, lo que demostró que estaba en buenas condiciones y con muy poca pintura añadida posteriormente por otros artistas, contrariamente a lo que habían afirmado algunos escritores anteriores. [22]
Fuentes
Las pinturas de desnudos y de Venus de artistas italianos, y especialmente venecianos, fueron influencias en Velázquez. Sin embargo, la versión de Velázquez es, según el historiador del arte Andreas Prater, "un concepto visual altamente independiente que tiene muchos precursores, pero ningún modelo directo, los estudiosos los han buscado en vano". [23] Los precursores incluyen varias representaciones de Venus de Tiziano, como Venus y Cupido con una perdiz , Venus y Cupido con un organista y, en particular, la Venus de Urbino ; Palma el Viejo 's Desnudo reclinado ; y la Venus durmiente de Giorgione , [24] todas las cuales muestran a la deidad reclinada sobre lujosos textiles, aunque en escenarios paisajísticos en las dos últimas obras. [23] El uso de un espejo colocado en el centro se inspiró en los pintores del Alto Renacimiento italiano, incluidos Tiziano, Girolamo Savoldo y Lorenzo Lotto , que utilizaron espejos como protagonista activo, en lugar de algo más que un mero accesorio o accesorio en el espacio pictórico. [23] Tanto Tiziano como Peter Paul Rubens ya habían pintado a Venus mirándose en un espejo, y como ambos habían tenido estrechos vínculos con la corte española, sus ejemplos habrían sido familiares para Velázquez. Sin embargo, "esta chica de cintura pequeña y cadera prominente, no se parece a los desnudos italianos más completos y redondeados inspirados en la escultura antigua". [25]
Una innovación de la Venus de Rokeby , en comparación con otras grandes pinturas de desnudos individuales, radica en el hecho de que Velázquez representa una vista posterior de su sujeto que está alejado del espectador. [23] Había precedentes de esto en grabados de Giulio Campagnola , [26] Agostino Veneziano , Hans Sebald Beham y Theodor de Bry , [27] así como en esculturas clásicas conocidas por Velázquez, de las que se hicieron vaciados para Madrid. Se trataba de la Ariadna Durmiente ahora en el Palacio Pitti , pero luego en Roma, de la cual Velázquez ordenó un molde para la colección Real en 1650-1651, y el Hermafrodito Borghese , un hermafrodita dormido (imagen de la derecha arriba), ahora en Louvre , del que se envió un yeso a Madrid, [28] y que también enfatiza la curva de la cadera a la cintura. Sin embargo, la combinación de elementos en la composición de Velázquez fue original.
La Venus de Rokeby puede haber sido concebida como un colgante de una pintura veneciana del siglo XVI de una Venus yacente (que parece haber comenzado su vida como una Dánae ) en un paisaje, en la misma pose, pero vista de frente. Ciertamente, los dos estuvieron colgados juntos durante muchos años en España cuando en la colección de Gaspar Méndez de Haro, séptimo marqués de Carpio (1629-1687); en qué punto se emparejaron inicialmente es incierto. [29]
Desnudos en la España del siglo XVII
La representación de desnudos se desaconsejó oficialmente en la España del siglo XVII. Las obras podían ser confiscadas o repintadas exigidas por la Inquisición, y los artistas que pintaban obras licenciosas o inmorales a menudo eran excomulgados, multados o desterrados de España durante un año. [30] Sin embargo, dentro de los círculos intelectuales y aristocráticos, se creía que los objetivos del arte reemplazaban las cuestiones de moralidad, y había muchos desnudos, generalmente mitológicos, en colecciones privadas. [5]
El mecenas de Velázquez, el rey Felipe IV, amante del arte, realizó varios desnudos de Tiziano y Rubens, y Velázquez, como pintor del rey, no tenía por qué temer pintar un cuadro así. [14] Los principales coleccionistas, incluido el Rey, tendían a mantener desnudos, muchos mitológicos, en habitaciones relativamente privadas; [31] en el caso de Phillip, "la habitación donde Su Majestad se retira después de comer", que contenía las poesías de Tiziano que había heredado de Phillip II , y los Rubens que él mismo había encargado. [32] La Venus estaría en una habitación así mientras estuviera en las colecciones de Haro y Godoy. La corte de Felipe IV "apreció mucho la pintura en general, y el desnudo en particular, pero ... al mismo tiempo, ejerció una presión incomparable sobre los artistas para evitar la representación del cuerpo humano desnudo". [18]
La actitud española contemporánea hacia la pintura de desnudos fue única en Europa. Aunque tales obras fueron apreciadas por algunos conocedores e intelectuales dentro de España, en general fueron tratadas con sospecha. Los escotes bajos fueron usados comúnmente por las mujeres durante el período, pero según la historiadora del arte Zahira Veliz, "los códigos del decoro pictórico no permitirían fácilmente que una dama conocida fuera pintada de esta manera". [33] Para los españoles del siglo XVII, el tema del desnudo en el arte estaba ligado a conceptos de moralidad, poder y estética. Esta actitud se refleja en la literatura del Siglo de Oro español , en obras como la obra de teatro La quinta de Florencia de Lope de Vega , que presenta a un aristócrata que comete una violación tras ver una figura escasamente vestida en un cuadro mitológico de Miguel Ángel . [32]
En 1632, [35] se publicó un panfleto anónimo —atribuido al portugués Francisco de Braganza— con el título "Copia de las opiniones y censuras de los más venerados padres, maestros y catedráticos de las distinguidas universidades de Salamanca y Alcalá , y otros estudiosos sobre el abuso de figuras y pinturas lascivas e indecentes, que son pecado mortal para ser pintadas, esculpidas y exhibidas donde se pueden ver ”. [36] La corte pudo ejercer contrapresión, y una pieza del célebre poeta y predicador Fray Hortensio Félix Paravicino , que proponía la destrucción de todas las pinturas de desnudos, y que fue escrita para ser incluida en el panfleto, nunca fue publicado. Paravicino era un conocedor de la pintura y, por tanto, creía en su poder: "las pinturas más bellas son la mayor amenaza: quemar las mejores". Como lo muestra su título, Braganza simplemente argumentó que tales obras deberían mantenerse fuera de la vista de un público más amplio, como de hecho era la práctica mayoritaria en España. [37]
Por el contrario, el arte francés de la época a menudo representaba a mujeres con escotes bajos y corsés delgados; [39] sin embargo, la mutilación por parte de la familia real francesa de la representación de Correggio de Leda y el cisne y su aparente destrucción de las famosas pinturas de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel del mismo tema, muestran que la desnudez también podría ser controvertida en Francia. [40] En el norte de Europa se consideraba aceptable retratar desnudos artísticamente drapeados. Los ejemplos incluyen Minerva Victrix de Rubens , de 1622-1625, que muestra a María de Médicis con un pecho descubierto, y la pintura de 1620 de Anthony van Dyck , El duque y la duquesa de Buckingham como Venus y Adonis .
En el arte español del siglo XVII, incluso en la representación de sibilas , ninfas y diosas, la forma femenina siempre estaba cubierta castamente. Ninguna pintura de la década de 1630 o 1640, ya sea en formato de género , retrato o historia , muestra a una mujer española con los senos expuestos; incluso raras veces se mostraban los brazos descubiertos. [33] En 1997, el historiador de arte Peter Cherry sugirió que Velázquez buscaba superar el requisito contemporáneo de modestia retratando a Venus desde atrás. [41] Incluso a mediados del siglo XVIII, un artista inglés que hizo un dibujo de Venus cuando estaba en la colección de los duques de Alba señaló que "no estaba colgado, debido al tema". [42]
Morritt mostró otra actitud hacia el tema, quien escribió a Sir Walter Scott sobre su "hermoso cuadro de la parte trasera de Venus", que colgó sobre su chimenea principal, para que "las damas puedan desviar la mirada sin dificultad y los entendidos roben una mirada sin atraer dicho posterior a la empresa ". [43]
Procedencia
La Venus de Rokeby se consideró durante mucho tiempo como una de las obras finales de Velázquez. [44] En 1951, se encontró registrado en un inventario del 1 de junio de 1651 de la colección de Gaspar Méndez de Haro, séptimo marqués de Carpio , [45] estrecho colaborador de Felipe IV de España . Haro era sobrino nieto del primer mecenas de Velázquez, el conde-duque de Olivares , y un notorio libertino . Según el historiador de arte Dawson Carr, Haro "amaba la pintura casi tanto como a las mujeres", [14] e "incluso sus panegiristas lamentaron su excesivo gusto por las mujeres de clase baja durante su juventud". Por estas razones, parecía probable que hubiera encargado la pintura. [46] Sin embargo, en 2001 el historiador del arte Ángel Aterido descubrió que la pintura había pertenecido primero al pintor y marchante de arte madrileño Domingo Guerra Coronel, y fue vendida a Haro en 1652 tras la muerte de Coronel el año anterior. [47] La propiedad de Coronel de la pintura plantea una serie de preguntas: cómo y cuándo entró en posesión de Coronel, y por qué se omitió el nombre de Velázquez en el inventario de Coronel. El crítico de arte Javier Portús ha sugerido que la omisión puede deberse a la representación de un desnudo femenino en el cuadro, "un tipo de trabajo que fue supervisado cuidadosamente y cuya difusión se consideró problemática". [48]
Estas revelaciones hacen que la pintura sea difícil de fechar. La técnica pictórica de Velázquez no ofrece ninguna ayuda, aunque su fuerte énfasis en el color y el tono sugiere que la obra data de su período de madurez. Las mejores estimaciones de su origen sitúan su finalización a finales de la década de 1640 o principios de la de 1650, ya sea en España o durante la última visita de Velázquez a Italia. [14] Si este es el caso, entonces se puede ver que la amplitud del manejo y la disolución de la forma marcan el comienzo del período final del artista. El modelado concienzudo y los fuertes contrastes tonales de su obra anterior son reemplazados aquí por una moderación y sutileza que culminarían en su última obra maestra, Las Meninas . [49]
El cuadro pasó de Haro a la colección de su hija Catalina de Haro y Guzmán, octava marquesa de Carpio, y de su marido, Francisco Álvarez de Toledo, décimo duque de Alba . [50] En 1802, Carlos IV de España ordenó a la familia que vendiera el cuadro (con otras obras) a Manuel de Godoy , su favorito y primer ministro. [51] Lo colgó junto a dos obras maestras de Francisco Goya que él mismo pudo haber encargado, La maja desnuda y La maja vestida . Estos tienen obvias similitudes compositivas con la Venus de Velázquez , aunque a diferencia de Velázquez, Goya pintó claramente su desnudo en un intento calculado de provocar vergüenza y disgusto en el clima relativamente poco ilustrado de la España del siglo XVIII. [52]
Venus fue llevada a Inglaterra en 1813, donde fue comprada por John Morritt [53] por 500 libras esterlinas (33.000 libras esterlinas en 2021) y por consejo de su amigo Sir Thomas Lawrence . Morritt lo colgó en su casa en Rokeby Park, Yorkshire, de ahí el nombre popular de la pintura. En 1906, el cuadro fue adquirido para la Galería Nacional por el recién creado Fondo Nacional de Colecciones de Arte , su primer triunfo de campaña. [54] El rey Eduardo VII admiró mucho la pintura y proporcionó de forma anónima £ 8,000 (£ 870,000 en 2021) para su compra, [55] y se convirtió en Patrono del Fondo a partir de entonces. [56]
Legado
En parte porque fue pasado por alto hasta mediados del siglo XIX, Velázquez no encontró seguidores y no fue ampliamente imitado. En particular, sus innovaciones visuales y estructurales en esta representación de Venus no fueron desarrolladas por otros artistas hasta hace poco, en gran parte debido a la censura de la obra. [57] La pintura permaneció en una serie de salas privadas en colecciones privadas hasta que se exhibió en 1857 en la Exposición de Tesoros de Arte de Manchester , junto con otras 25 pinturas que al menos se afirmaba que eran de Velázquez; fue aquí donde se la conoció como la Venus de Rokeby . No parece haber sido copiado por otros artistas, grabado o reproducido de otro modo, hasta este período. En 1890 se exhibió en la Royal Academy de Londres y en 1905 en los señores Agnews, los comerciantes que lo habían comprado a Morritt. A partir de 1906 fue muy visible en la National Gallery y se hizo conocida a nivel mundial a través de reproducciones. Por lo tanto, la influencia general de la pintura se retrasó mucho, aunque los artistas individuales pudieron verla en ocasiones a lo largo de su historia. [58]
El retrato de Velázquez es una puesta en escena de un momento privado de intimidad y una desviación dramática de las representaciones clásicas del sueño y la intimidad que se encuentran en las obras de la antigüedad y el arte veneciano que retratan a Venus. Sin embargo, la sencillez con la que Velázquez exhibe el desnudo femenino —sin joyas ni accesorios habituales de la diosa— tuvo eco en estudios posteriores de desnudos de Ingres , Manet y Baudry , entre otros. [57] Además, la representación de Velázquez de Venus como un desnudo reclinado visto desde atrás era una rareza antes de esa época, aunque la pose ha sido pintada por muchos artistas posteriores. [59] Manet, en su cruda representación femenina de Olimpia , parafraseó a la Venus de Rokeby en pose y sugirió la personalidad de una mujer real en lugar de una diosa etérea. Olympia conmocionó al mundo del arte parisino cuando se exhibió por primera vez en 1863. [60]
Vandalismo, 1914
El 10 de marzo de 1914, la sufragista Mary Richardson entró en la Galería Nacional y atacó el lienzo de Velázquez con un cuchillo de carnicero. Su acción fue provocada aparentemente por el arresto de su compañera sufragista Emmeline Pankhurst el día anterior, [62] aunque había habido advertencias anteriores de un ataque de sufragistas planeado contra la colección. Richardson dejó siete cortes en la pintura, particularmente causando daños en el área entre los hombros de la figura. [17] [63] Sin embargo, todos fueron reparados con éxito por el restaurador jefe de la Galería Nacional, Helmut Ruhemann. [12]
Richardson fue condenado a seis meses de prisión, el máximo permitido para la destrucción de una obra de arte. [64] En una declaración a la Unión Social y Política de Mujeres poco después, Richardson explicó: "He tratado de destruir la imagen de la mujer más bella de la historia mitológica como protesta contra el Gobierno por destruir a la Sra. Pankhurst, quien es la personaje más hermoso de la historia moderna ". [63] [65] Ella agregó en una entrevista de 1952 que no le gustaba "la forma en que los visitantes hombres lo miraban boquiabiertos todo el día". [66]
La escritora feminista Lynda Nead observó: "El incidente ha llegado a simbolizar una percepción particular de las actitudes feministas hacia el desnudo femenino; en cierto sentido, ha llegado a representar una imagen estereotipada específica del feminismo en general". [67] Los informes contemporáneos del incidente revelan que la imagen no fue vista como una mera obra de arte. Los periodistas tendieron a evaluar el ataque en términos de un asesinato (Richardson fue apodado "Slasher Mary"), y utilizaron palabras que conjuraban heridas infligidas en un cuerpo femenino real, en lugar de una representación pictórica de un cuerpo femenino. [64] El Times describió una "herida cruel en el cuello", así como incisiones en los hombros y la espalda. [68]
Notas
- ↑ Según dos relatos del siglo XVII anotados en Haskell y Penny 1981, p. 234.
- ↑ Según Clark, la Venus de Rokeby "deriva en última instancia del hermafrodita Borghese". Clark, pág. 373, nota a la página 3.
- ^ " La Venus de Rokeby ". Galería Nacional , Londres. Consultado el 25 de diciembre de 2007.
- ^ | Esta discrepancia ha sido denominada " efecto Venus " por investigadores de la Universidad de Liverpool, quienes argumentan que "dado que el espectador ve su rostro en el espejo, Venus en realidad está mirando el reflejo del espectador". No obstante, a pesar de que su rostro está realmente girado como si estuviera mirando el reflejo del espectador, los reflejos corneales débiles pero notables pintados en sus ojos indican una dirección de mirada no hacia los espectadores sino más bien lejos de ellos . Es como si Venus estuviera mirando en la dirección de lo que habría sido su propio reflejo en el espejo si la discrepancia no existiera (sus reflejos corneales se pueden ver con la herramienta de aumento a la derecha de la imagen de la pintura aquí ). Con la mirada hacia la derecha, la iluminación de la escena, que proviene exclusivamente de la parte superior izquierda, no pudo producir tales reflejos en sus córneas; Parece parsimonioso que Velázquez —un maestro pintor con pocas probabilidades de haberse equivocado sobre dónde colocar los reflejos— haya creado a propósito una escena que no podría existir. Dada esta dualidad conflictiva, es digno de mención que la página web principal de la National Gallery sobre la Venus de Rokeby la describe como "tanto a sí misma como al espectador" (aunque se la describe como "devolviéndole la mirada" en otra página web de la Galería, Focus pintura de febrero de 2010 ( Archivado el 4 de febrero de 2011 en Wayback Machine , consultado el 27 de septiembre de 2010).
- ^ a b c Carr, pág. 214.
- ^ MacLaren, pág. 126. y Carr, pág. 214.
- ^ a b c Prater, pág. 40.
- ↑ a b Prater, pág. 51.
- ^ Carr, pág. 214. Sin embargo, no le parece claro a Wallace, citado a continuación.
- ^ Gregory, RL, Espejos en mente (Londres: Penguin, 1997, ISBN 0-14-017118-5 ). Señala que "la imagen tiene una licencia artística legítima al menos el doble del tamaño que debería tener" (p. 21). El tamaño ampliado presumiblemente fue la corrección de la imagen pequeña producida por un espejo detrás del sujeto.
- ^ Wallace, Natasha. " Venus en su espejo ". JSS Virtual Gallery, 17 de noviembre de 2000. Recuperado el 4 de enero de 2008.
- ^ a b c Davies, Christie. "Velázquez en Londres". New Criterion , Volumen: 25, Edición: 5, enero de 2007.
- ^ Gallego, Julián. "Vision et symboles dans la peinture espagnole du siecle d'or". París: Klincksieck, 1968. p. 59f.
- ^ a b c d e Carr, pág. 217
- ^ Keith, Larry; en Carr, pág. 83.
- ^ a b Observando el parecido del modelo en estas pinturas, López-Rey ofreció: "Obviamente, Velázquez trabajó en ambos casos y, por lo demás, en la Fábula de Aracne y Aracne , a partir del mismo modelo, el mismo boceto, o simplemente la misma idea de una bella joven. Sin embargo, puso sobre el lienzo dos imágenes distintas, una de belleza divina y otra de belleza terrena ”. López-Rey, vol. Yo, p. 156. Sin embargo, MacLaren (p. 127) no respalda estas sugerencias; probablemente argumentarían que la pintura no se produjo en Italia. La "Coronación" del Prado está fechada entre 1641 y 1642; la imagen actual se "estira" verticalmente en comparación con el original.
- ↑ a b MacLaren, pág. 125.
- ↑ a b Portús, pág. 56.
- ↑ a b Prater, págs. 56–57.
- ↑ López-Rey creía que una limpieza excesiva en 1965 expuso de manera desigual algunos de los "contornos tentativos" de Velázquez, lo que resultó en una pérdida de sutileza y contraviniendo la intención del artista. López-Rey, vol II, pág. 260. Sin embargo, el catálogo de la Galería Nacional toma represalias al describir la descripción de López-Rey de la condición de la pintura como "en gran medida engañosa". MacLaren, pág. 127.
- ^ Carr, pág. 217, véase también MacLaren, pág. 125 para la vista opuesta.
- ^ MacLaren, pág. 125. En particular, se ha afirmado que la cara en el espejo había sido pintada de más. Consulte la nota anterior para conocer las críticas de López-Rey a la limpieza.
- ^ a b c d e Prater, pág. 20.
- ↑ El paisaje probablemente realizado o terminado por Tiziano, después de la muerte de Giorgione
- ^ Langmuir, pág. 253
- ↑ Campagnola, Giulio: Liegende Frau in einer Landschaft . Zeno.org. Consultado el 14 de marzo de 2008.
- ^ Portús, p. 67, nota: 42; citando a Sánchez Cantón.
- ^ MacLaren, pág. 126
- ^ Portús, p. 66, ilus. higo. 48. Según Portús, lo que es casi seguro que el otro cuadro se perdió tras una venta en 1925, pero "recientemente redescubierto en una colección privada en Europa" según Langmuir, p. 253, quien dice que los dos están registrados en la misma habitación en uno de los palacios de Haro hacia 1677. El redescubrimiento y la pintura identificada por Alex Wengraf en 1994 según Harris y Bull en Harris Estudios completos sobre Velázquez: Estudios completos sobre Velázquez págs. 287–89. Seha sugeridouna atribución a Tintoretto .
- ^ Hagen II, p. 405.
- ^ Ver gabinete (habitación) ; tales pinturas se conocían como "cuadros de gabinete".
- ↑ a b Portús, págs. 62–63.
- ^ a b Veliz, Zahira. "Signos de identidad en Dama con abanico de Diego Velázquez: vestuario y semejanza reconsiderados". Boletín de Arte, Volumen: 86. Edición: 1. 2004
- ↑ Javier Portús, p. 63, en: Carr, Dawson W. Velázquez . Ed. Dawson W. Carr; también Xavier Bray, Javier Portús y otros. Galería Nacional de Londres, 2006. ISBN 1-85709-303-8
- ^ Portús p. 63 afirma el año 1673, pero esto parece ser un error. El capítulo "Desnudos" en la pintura española De El Greco a Picasso (PDF), Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), Recuperado el 16 de marzo de 2008, que hace referencia a su investigación y también cubre este tema, dice 1632, y menciona referencias a la obra de varios otros escritores antes de 1673, incluido Francisco Pacheco , muerto en 1644, en su Arte de Pintura .
- ^ Serraller, págs. 237–60.
- ^ Portús, págs.63.
- ^ Prater, pág. 41.
- ↑ Los grabados de artistas como Wenceslaus Hollar y Jacques Callot muestran, según Veliz, "un interés casi documental por la forma y el detalle del traje europeo en el segundo cuarto del siglo XVII".
- ^ Toro, Malcolm. "El espejo de los dioses, cómo los artistas del Renacimiento redescubrieron a los dioses paganos". Oxford UP, 2005. pág. 169. ISBN 0-19-521923-6
- ^ Cereza, Peter. "Sabor español del siglo XVII2. Colecciones de pintura de Madrid 1601-1755 , vol. 2. CA: Paul Getty Information Inst. 1997. p. 73f.
- ^ MacLaren, págs. 128–9.
- ^ Bray; en Carr, pág. 99.
- ↑ López-Rey señaló que, basándose en cualidades estilísticas, Beruete ( Aureliano de Beruete , Velázquez , París, 1898) asignó la pintura a finales de la década de 1650. López-Rey, vol. Yo, p. 155.
- ^ Desde 1648; antes de ese marqués de Heliche, título por el que a veces se le alude. Portús, pág. 57.
- ^ Fernández, Ángel Aterido. " El primer propietario del Rokeby Venus ". La revista Burlington , vol. 143, No. 1175, febrero de 2001. págs. 91–94.
- ^ Aterido, págs. 91–92.
- ^ Portús, p. 57.
- ^ Gudiol, pág. 261.
- ^ López-Rey, vol. II, pág. 262.
- ^ MacLaren, pág. 126.
- ^ Schwarz, Michael. "La Edad del Rococó". Londres: Pall Mall Press, 1971. p. 94. ISBN 0-269-02564-2
- ↑ Traído a Inglaterra por William Buchanan, un marchante de arte escocés que tenía un agente en España, George Augustus Wallis. Bray, en Carr, pág. 99; MacLaren, pág. 127.
- ↑ La pintura no fue aceptada universalmente como obra de Velázquez en su reintroducción al público. El artista William Blake Richmond , en una conferencia en la Royal Academy en 1910 afirmó que "los dos pigmentos utilizados en el cuadro no existían en la época de Velásquez". El crítico James Grieg planteó la hipótesis de que fue de Anton Raphael Mengs —aunque encontró poco apoyo para su idea— y hubo una discusión más seria sobre la posibilidad del yerno y alumno de Velázquez, Juan del Mazo, como artista. MacLaren pág. 76 desestima ambas afirmaciones: "Las supuestas firmas de Juan Bautista Mazo y Anton Raphael Mengs en la esquina inferior izquierda son marcas puramente accidentales".
- ^ Bray; en Carr, pág. 107
- ^ Smith, Charles Saumarez. "La batalla por Venus: en 1906, el rey intervino para salvar una obra maestra de Velázquez para la nación. Si sólo el Palacio de Buckingham, o de hecho Downing Street, ahora hiciera lo mismo por la Virgen de las rosas de Rafael". New Statesman , Volumen 132, Edición 4663, 10 de noviembre de 2003. p. 38.
- ↑ a b Prater, pág. 114.
- ^ Carr, pág. 103 y MacLaren, pág. 127, el último de los cuales mencionaría copias y primeras impresiones si las hubiera.
- ↑ "La aparición más frecuente del motivo a finales del siglo XVII y principios del XVIII se debe probablemente al prestigio de la figura antigua del hermafrodita ... En el arte renacentista, el ejemplo más antiguo de una mujer desnuda acostada de espaldas al espectador es elgrabado de Giulio Campagnola , que probablemente representa un diseño de Giorgione ".... Clark, 391, nota a la página 150.
- ^ "Y cuando Manet pintó su Olimpia en 1863, y cambió el curso del arte moderno provocando con ella a la madre de todos los escándalos artísticos, ¿a quién estaba rindiendo homenaje? La Olimpia de Manet es la Venus de Rokeby actualizada: descendió una puta de una diosa ". Waldemar Januszczak, Times Online (8 de octubre de 2006). Todavía sexy después de todos estos años. Consultado el 14 de marzo de 2008.
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- ↑ a b Prater, pág. 7.
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Fuentes
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- Prater, Andreas. Venus en su espejo: Velázquez y el arte del desnudo . Prestel, 2002. ISBN 3-7913-2783-6
- Blanco, Jon Manchip. Diego Velázquez: pintor y cortesano . Hamish Hamilton Ltd, 1969.
enlaces externos
- Galería Nacional: The Rokeby Venus
- Información de la Web Gallery of Art
- Biografía de Mary Richardson
- Velázquez , catálogo de la exposición del Museo Metropolitano de Arte (totalmente disponible en línea como PDF), que contiene material sobre Rokeby Venus (ver índice)