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Para la película de Mel Brooks, vea Película muda . Para la banda, vea A Silent Film .

Escena de Cuatro jinetes del Apocalipsis de 1921 , una de las películas mudas más taquilleras.
Charlie Chaplin, el actor de cine mudo más emblemático, c. 1919

Una película muda es una película sin sonido grabado sincronizado (y en particular, sin diálogo audible ). Aunque las películas mudas transmiten narrativa y emoción visualmente, varios elementos de la trama (como un escenario o época) o líneas clave de diálogo pueden, cuando sea necesario, ser transmitidos mediante el uso de tarjetas de título .

El término "película muda" es un nombre poco apropiado, ya que estas películas casi siempre iban acompañadas de sonidos en vivo. Durante la era del cine mudo que existió desde mediados de la década de 1890 hasta finales de la de 1920, un pianista , organista de teatro —o incluso, en las grandes ciudades, una pequeña orquesta— solía tocar música para acompañar las películas. Los pianistas y organistas tocarían partituras o improvisaciones.. A veces, una persona incluso narraba las tarjetas entre títulos para la audiencia. Aunque en ese momento no existía la tecnología para sincronizar el sonido con la película, la música se consideraba una parte esencial de la experiencia visual. El término también se usa con frecuencia para describir películas de la era del sonido que tienen una banda sonora grabada solo con música sin diálogo, como City Lights y The Artist .

El término película muda es un retrónimo, un término creado para distinguir algo retroactivamente. Las primeras películas sonoras, empezando por el cantante del jazz en 1927, fueron referidos indistintamente como los " talkies ", "películas sonoras", o "imágenes parlantes". La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado es casi tan antigua como la película misma, pero debido a los desafíos técnicos involucrados, la introducción del diálogo sincronizado se volvió práctica solo a fines de la década de 1920 con la perfección del tubo amplificador Audion y el advenimiento del Sistema Vitaphone . [1] En un decenio, cesó la producción generalizada de películas mudas para entretenimiento popular y la industria entró de lleno en la era del sonido , en la que las películas iban acompañadas de grabaciones sonoras sincronizadas de diálogos hablados, música y efectos de sonido .

La mayoría de las primeras películas se consideran perdidas porque la película de nitrato utilizada en esa época era extremadamente inestable e inflamable. Además, muchas películas fueron destruidas deliberadamente porque tenían un valor financiero continuo insignificante en esta era. A menudo se ha afirmado que alrededor del 75 por ciento de las películas mudas producidas en los EE. UU. Se han perdido, aunque estas estimaciones pueden ser inexactas debido a la falta de datos numéricos. [2]

Elementos y comienzos (1833-1894) [ editar ]

Artículo principal: Precursores del cine
Artículo principal: Historia de la tecnología cinematográfica

[[Archivo: caballo de carreras de Muybridge animado 184px.gif | pulgar | izquierda | [[El caballo en movimiento] , animado a partir de una placa de Eadweard Muybridge , realizado con una serie de cámaras instaladas a lo largo de una pista de carreras]]

Roundhay Garden Scene , que tiene una duración de poco más de dos segundos, fue filmada en 1888. Se cree que es la película cinematográfica más antigua del mundo. La anciana vestida de negro es Sarah Whitley, la suegra del cineasta Louis Le Prince ; ella murió diez días después de que se filmó esta escena.

La proyección de películas evolucionó principalmente a partir de espectáculos de linternas mágicas , que utilizaban una lente de vidrio y una fuente de luz persistente (como una linterna potente ) para proyectar imágenes de diapositivas de vidrio en una pared. Estas diapositivas fueron originalmente pintadas a mano, pero, después del advenimiento de la fotografía en el siglo XIX, a veces se utilizaron fotografías fijas . La invención de un aparato fotográfico práctico precedió al cine en unos cincuenta años. [3]

En 1833, Joseph Plateau introdujo el principio de animación estroboscópica con su Fantascope (más conocido como fenaquistiscopio ). Seis años después, Louis Daguerre presentó el primer sistema fotográfico exitoso . Inicialmente, los productos químicos no eran lo suficientemente sensibles a la luz para capturar adecuadamente a los sujetos en movimiento. Plateau sugirió un método temprano para animar fotografías estereoscópicas en 1849, con una técnica de stop motion . Jules Duboscq produjo un dispositivo simplificado en 1852, pero nunca tuvo mucho éxito. Éxitos tempranos en fotografía instantáneaa finales de la década de 1850 inspiró nuevas esperanzas de desarrollar sistemas de fotografía animada (estéreo), pero en las dos décadas siguientes, los pocos intentos volvieron a utilizar técnicas de stop-motion.

En 1878, Eadweard Muybridge usó una fila de una docena de cámaras para grabar un caballo corriendo (como sugirieron otros mucho antes) y sorprendió al mundo con los resultados, publicados como tarjetas del gabinete The Horse in Motion con filas de pequeñas imágenes fijas. Muchos otros empezaron a trabajar con cronofotografía e intentaron animar y proyectar los resultados. Ottomar Anschutz tuvo mucho éxito con su electrotaquiscopio desde 1887, con imágenes fotográficas animadas muy claras mostradas en una pequeña pantalla de vidrio de leche o dentro de visores de monedas, hasta que comenzó a proyectar las imágenes en una pantalla grande en 1894. Sus grabaciones solo duraron un tiempo. unos segundos, e inspiró a la Compañía EdisonPara competir con las películas que podrían durar de unos 20 segundos en sus Kinetoscope los espectadores de la película pío-box a partir de 1893 en adelante.

Era del cine mudo [ editar ]

Reproducir medios
REPRODUCCIÓN : Una película de 1904 de un minuto de Edison Studios que recrea la batalla de la bahía de Chemulpo , que ocurrió el 9 de febrero de ese año frente a la costa de la actual Incheon , Corea .

El trabajo de Muybridge, Marey y Le Prince sentó las bases para el desarrollo futuro de cámaras cinematográficas, proyectores y películas de celuloide transparente, que condujeron al desarrollo del cine tal como lo conocemos hoy. El inventor estadounidense George Eastman , que había fabricado por primera vez planchas secas fotográficas en 1878, avanzó en un tipo estable de película de celuloide en 1888.

El arte del cine alcanzó su plena madurez en la "era del cine mudo" ( 1894 en el cine - 1929 en el cine ). El apogeo de la era del cine mudo (desde principios de la década de 1910 en el cine hasta finales de la de 1920) fue un período particularmente fructífero, lleno de innovación artística. Los movimientos cinematográficos del Hollywood clásico , así como el impresionismo francés , el expresionismo alemán y el montaje soviético comenzaron en este período. Los cineastas silenciosos fueron pioneros en la forma de arte en la medida en que prácticamente todos los estilos y géneros cinematográficos de los siglos XX y XXI tienen sus raíces artísticas en la era del cine mudo. La era del cine mudo también fue pionera desde el punto de vista técnico. Iluminación de tres puntos, laEl primer plano , el plano general , la panorámica y la edición continua se hicieron frecuentes mucho antes de que las películas mudas fueran reemplazadas por " imágenes sonoras" o "talkies" a finales de los años veinte. Algunos estudiosos afirman que la calidad artística del cine disminuyó durante varios años, a principios de la década de 1930, hasta que los directores de cine , los actores y el personal de producción se adaptaron completamente a los nuevos "sonoros" a mediados de la década de 1930. [4]

La calidad visual de las películas mudas, especialmente las producidas en la década de 1920, a menudo era alta, pero sigue existiendo la idea errónea de que estas películas eran primitivas o apenas se pueden ver según los estándares modernos. [5] Este concepto erróneo proviene de la falta de familiaridad del público en general con el medio, así como del descuido por parte de la industria. La mayoría de las películas mudas están mal conservadas, lo que conduce a su deterioro, y las películas bien conservadas a menudo se reproducen a una velocidad incorrecta o sufren cortes de censura y faltan fotogramas y escenas, lo que da la apariencia de una edición deficiente. [6] [7] Muchas películas mudas existen sólo en copias de segunda o tercera generación, a menudo hechas con películas ya dañadas y descuidadas. [4]Otro concepto erróneo muy difundido es que las películas mudas carecen de color. De hecho, el color prevaleció mucho más en las películas mudas que en las primeras décadas de las películas sonoras. A principios de la década de 1920, el 80 por ciento de las películas se podían ver en algún tipo de color, generalmente en forma de película tintada o tonificada o incluso coloreada a mano, pero también con procesos de dos colores bastante naturales como Kinemacolor y Technicolor . [8] Los procesos de coloración tradicionales cesaron con la adopción de sonido en película.tecnología. La coloración de película tradicional, que implicaba el uso de tintes de alguna forma, interfería con la alta resolución requerida para el sonido grabado incorporado y, por lo tanto, se abandonó. El innovador proceso tecnicolor de tres tiras introducido a mediados de los años 30 era costoso y estaba plagado de limitaciones, y el color no tendría la misma prevalencia en el cine que en los silencios durante casi cuatro décadas.

Intertítulos [ editar ]

El Gabinete del Dr. Caligari (1920) utilizó intertítulos estilizados.

A medida que las películas aumentaban gradualmente en tiempo de ejecución, se necesitaba un reemplazo para el intérprete interno que explicaría partes de la película a la audiencia. Debido a que las películas mudas no tenían un sonido sincronizado para los diálogos, se utilizaron intertítulos en pantalla para narrar puntos de la historia, presentar diálogos clave y, a veces, incluso comentar la acción para la audiencia. El escritor del título se convirtió en un profesional clave en el cine mudo y, a menudo, estaba separado del guionista que creó la historia. Los intertítulos (o títulos como se los llamaba generalmente en ese momento) "a menudo eran elementos gráficos en sí mismos, con ilustraciones o decoraciones abstractas que comentaban la acción". [9] [10] [cita requerida ]

Música en vivo y otro acompañamiento de sonido [ editar ]

Las proyecciones de películas mudas casi siempre incluían música en vivo a partir de la primera proyección pública de películas de los hermanos Lumière el 28 de diciembre de 1895 en París. Esto fue reforzado en 1896 por la primera exhibición de películas en los Estados Unidos en Koster and Bial's Music Hall en la ciudad de Nueva York. En este evento, Edison sentó el precedente de que todas las exposiciones deberían estar acompañadas por una orquesta. [11] Desde el principio, la música fue reconocida como esencial, contribuyendo a la atmósfera y dando a la audiencia señales emocionales vitales. (Los músicos a veces tocaban en escenarios de filmación durante el rodaje por razones similares). Sin embargo, dependiendo del tamaño del sitio de exhibición, el acompañamiento musical podría cambiar drásticamente en escala. [3] Las salas de cine de pequeñas ciudades y vecindarios por lo general tenían unapianista . A partir de mediados de la década de 1910, los grandes teatros de las ciudades tendían a tener organistas o conjuntos de músicos. Los enormes órganos de teatro , que fueron diseñados para llenar un vacío entre un simple solista de piano y una orquesta más grande, tenían una amplia gama de efectos especiales. Órganos teatrales como el famoso " Mighty Wurlitzer " podrían simular algunos sonidos orquestales junto con una serie de efectos de percusión como bombos y platillos, y efectos de sonido que van desde "silbidos de trenes y barcos [hasta] bocinas de coches y pájaros; .. . algunos incluso podrían simular disparos de pistola, timbre de teléfonos, el sonido del oleaje, cascos de caballos, cerámica aplastada, [y] truenos y lluvia ". [12]

Las partituras musicales para las primeras películas mudas fueron improvisadas o compiladas de música de repertorio clásica o teatral. Sin embargo, una vez que las características completas se volvieron algo común, el pianista, el organista, el director de orquesta o el propio estudio cinematográfico compilaron la música a partir de la música de reproducción fotográfica , que incluía una hoja de referencia con la película. Estas hojas a menudo eran largas, con notas detalladas sobre los efectos y estados de ánimo a tener en cuenta. Comenzando con la partitura en su mayoría original compuesta por Joseph Carl Breil para la revolucionaria pero devastadora épica de D. W. Griffith The Birth of a Nation(1915), se volvió relativamente común que las películas de mayor presupuesto llegaran al teatro de exhibición con partituras originales especialmente compuestas. [13] Sin embargo, las primeras partituras designadas en toda regla habían sido compuestas en 1908, por Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guise , [14] y por Mikhail Ippolitov-Ivanov para Stenka Razin .

Cuando los organistas o pianistas usaban partituras, aún podían agregar florituras de improvisación para realzar el drama en la pantalla. Incluso cuando no se indicaban efectos especiales en la partitura, si un organista tocaba un órgano de teatro capaz de producir un efecto de sonido inusual, como "caballos al galope", se utilizaría durante escenas de dramáticas persecuciones a caballo.

En el apogeo de la era del cine mudo, las películas eran la principal fuente de empleo para los músicos instrumentales, al menos en los Estados Unidos. Sin embargo, la introducción de las películas sonoras, junto con el inicio casi simultáneo de la Gran Depresión , fue devastador para muchos músicos.

Varios países idearon otras formas de llevar el sonido a las películas mudas. El cine temprano de Brasil , por ejemplo, presentaba fitas cantatas (películas cantadas), operetas filmadas con cantantes actuando detrás de la pantalla. [15] En Japón , las películas no solo tenían música en vivo, sino también el benshi , un narrador en vivo que proporcionaba comentarios y voces de personajes. El benshi se convirtió en un elemento central en el cine japonés, además de proporcionar traducción para películas extranjeras (en su mayoría estadounidenses). [16] La popularidad del benshi fue una de las razones por las que las películas mudas persistieron hasta bien entrada la década de 1930 en Japón.

Score restauraciones desde 1980 hasta el presente [ editar ]

Pocas partituras de películas sobreviven intactas del período mudo, y los musicólogos todavía se enfrentan a preguntas cuando intentan reconstruir con precisión las que quedan. Las partituras utilizadas en las reediciones o proyecciones actuales de películas mudas pueden ser reconstrucciones completas de composiciones, compuestas recientemente para la ocasión, reunidas a partir de bibliotecas de música ya existentes o improvisadas sobre el terreno a la manera del músico de teatro de la era del cine mudo.

El interés por la composición de películas mudas pasó de moda durante los años sesenta y setenta. Muchos programas de cine universitarios y cines de repertorio creían que el público debía experimentar el cine mudo como un medio visual puro, sin distracciones por la música. Esta creencia puede haber sido alentada por la mala calidad de las pistas musicales que se encuentran en muchas reimpresiones de películas mudas de la época. Desde alrededor de 1980, ha habido un resurgimiento del interés por presentar películas mudas con partituras musicales de calidad (ya sea reelaboraciones de partituras de época u hojas de referencia, o la composición de partituras originales apropiadas). Un primer esfuerzo de este tipo fue Kevin Brownlow 's 1980 la restauración de Abel Gance ' s Napoléon (1927), con una puntuación por Carl Davis. Una versión ligeramente reeditada y acelerada de la restauración de Brownlow fue distribuida más tarde en los Estados Unidos por Francis Ford Coppola , con una partitura orquestal en vivo compuesta por su padre Carmine Coppola .

En 1984, se publicó una restauración editada de Metropolis (1927) con una nueva partitura de música rock del productor y compositor Giorgio Moroder . Aunque la partitura contemporánea, que incluía canciones pop de Freddie Mercury , Pat Benatar y Jon Anderson de Yes , era controvertida, se había abierto la puerta a un nuevo enfoque de la presentación de películas mudas clásicas.

Hoy en día, un gran número de solistas, conjuntos musicales y orquestas interpretan partituras tradicionales y contemporáneas para películas mudas a nivel internacional. [17] El legendario organista de teatro Gaylord Carter continuó interpretando y grabando sus bandas sonoras originales de películas mudas hasta poco antes de su muerte en 2000; algunas de esas partituras están disponibles en reediciones de DVD. Otros proveedores del enfoque tradicional incluyen organistas como Dennis James y pianistas como Neil Brand , Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model y William P. Perry . Otros pianistas contemporáneos, como Stephen Horne y Gabriel Thibaudeau, a menudo han adoptado un enfoque más moderno de la partitura.

Directores de orquesta como Carl Davis y Robert Israel han escrito y compilado partituras para numerosas películas mudas; muchos de ellos han aparecido en proyecciones de Turner Classic Movies o se han lanzado en DVD. Davis ha compuesto nuevas partituras para dramas mudos clásicos como The Big Parade (1925) y Flesh and the Devil (1927). Israel ha trabajado principalmente en comedia muda, componiendo las bandas sonoras de Harold Lloyd , Buster Keaton , Charley Chase y otros. Timothy Brock ha restaurado muchas de las partituras de Charlie Chaplin , además de componer nuevas partituras.

Los conjuntos de música contemporánea están ayudando a presentar películas mudas clásicas a una audiencia más amplia a través de una amplia gama de estilos y enfoques musicales. Algunos artistas crean nuevas composiciones utilizando instrumentos musicales tradicionales, mientras que otros agregan sonidos electrónicos, armonías modernas, ritmos, improvisación y elementos de diseño de sonido para mejorar la experiencia visual. Entre los conjuntos contemporáneos en esta categoría se encuentran Un Drame Musical Instantané , Alloy Orchestra , Club Foot Orchestra , Silent Orchestra , Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima y Caspervek Trio, RPM Orchestra.. Donald Sosin y su esposa Joanna Seaton se especializan en agregar voces a películas mudas, particularmente donde hay cantos en pantalla que se benefician de escuchar la canción real que se está interpretando. Las películas de esta categoría son de Griffith Señora de los pavimentos con Lupe Vélez , Edwin Carewe 's Evangeline con Dolores del Río , y Rupert Julian ' s El fantasma de la ópera con Maria Philbin y Virginia Pearson . [ cita requerida ]

El Archivo de Música y Sonido de Cine Silencioso digitaliza música y hojas de referencia escritas para cine mudo y las pone a disposición de los artistas intérpretes o ejecutantes, académicos y entusiastas. [18]

Técnicas de actuación [ editar ]

Lillian Gish , la "Primera Dama del Cine Estadounidense", fue una de las principales estrellas de la era del cine mudo con una de las carreras más largas: de 1912 a 1987.

Los actores de cine mudo enfatizaron el lenguaje corporal y la expresión facial para que la audiencia pudiera comprender mejor lo que un actor estaba sintiendo y retratando en la pantalla. Gran parte de la actuación en el cine mudo tiende a parecerle al público de hoy en día simplista o cursi . El estilo de actuación melodramático fue en algunos casos un hábito que los actores transfirieron de su anterior experiencia en el escenario. El vodevil fue un origen especialmente popular para muchos actores de cine mudo estadounidenses. [3] La presencia generalizada de actores de teatro en el cine fue la causa de este arrebato del director Marshall Neilan.en 1917: "Cuanto antes salga el escenario la gente que ha entrado en las películas, mejor para las películas". En otros casos, directores como John Griffith Wray requirieron que sus actores entregaran expresiones más grandes que la vida para dar énfasis. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a dar a conocer su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla. [19]

Las películas mudas se volvieron menos vodevil a mediados de la década de 1910, cuando las diferencias entre el escenario y la pantalla se hicieron evidentes. Debido al trabajo de directores como DW Griffith , la cinematografía se volvió menos teatral y el desarrollo del primer plano permitió una actuación realista y discreta. Lillian Gish ha sido llamada la "primera actriz verdadera" del cine por su trabajo en el período, ya que fue pionera en nuevas técnicas de interpretación cinematográfica, reconociendo las diferencias cruciales entre la actuación en el escenario y la pantalla. Directores como Albert Capellani y Maurice TourneurComenzó a insistir en el naturalismo en sus películas. A mediados de la década de 1920, muchas películas mudas estadounidenses habían adoptado un estilo de actuación más naturalista, aunque no todos los actores y directores aceptaron de inmediato la actuación naturalista y discreta; Todavía en 1927, todavía se estaban lanzando películas con estilos de actuación expresionistas, como Metrópolis . [19] Greta Garbo , quien hizo su debut en 1926, se haría conocida por su actuación naturalista.

Según Anton Kaes, un estudioso del cine mudo de la Universidad de California, Berkeley, el cine mudo estadounidense comenzó a ver un cambio en las técnicas de actuación entre 1913 y 1921, influenciado por técnicas que se encuentran en el cine mudo alemán. Esto se atribuye principalmente a la afluencia de emigrantes de la República de Weimar , "incluidos directores de cine, productores, camarógrafos, técnicos de iluminación y de escena, así como actores y actrices". [20]

Velocidad de proyección [ editar ]

Hasta la estandarización de la velocidad de proyección de 24 fotogramas por segundo (fps) para películas sonoras entre 1926 y 1930, las películas mudas se filmaron a velocidades variables (o " tasas de fotogramas ") entre 12 y 40 fps, según el año y el estudio. . [21] A menudo se dice que la "velocidad estándar de la película muda" es de 16 fps como resultado del Cinématographe de los hermanos Lumière , pero la práctica de la industria varía considerablemente; no había un estándar real. William Kennedy Laurie Dickson, un empleado de Edison, se decidió por los asombrosamente rápidos 40 cuadros por segundo. [3]Además, los camarógrafos de la época insistían en que su técnica de arranque era exactamente de 16 fps, pero el examen moderno de las películas muestra que esto era un error, que a menudo giraban más rápido. A menos que se muestren cuidadosamente a las velocidades previstas, las películas mudas pueden parecer anormalmente rápidas o lentas. Sin embargo, algunas escenas se redujeron intencionalmente durante el rodaje para acelerar la acción, especialmente en las comedias y películas de acción. [21]

Cinématographe Lumière en el Institut Lumière , Francia. Estas cámaras no tenían dispositivos de grabación de audio integrados en las cámaras.

La proyección lenta de una película a base de nitrato de celulosa conllevaba un riesgo de incendio, ya que cada fotograma estaba expuesto durante más tiempo al intenso calor de la lámpara de proyección; pero había otras razones para proyectar una película a mayor ritmo. A menudo, los proyeccionistas recibían instrucciones generales de los distribuidores en la hoja de referencia del director musical sobre la rapidez con la que se deberían proyectar determinados carretes o escenas. [21] En raras ocasiones, generalmente para producciones más grandes, las hojas de referencia producidas específicamente para el proyeccionista proporcionaron una guía detallada para presentar la película. Los cines también, para maximizar las ganancias, a veces variaban las velocidades de proyección según la hora del día o la popularidad de una película, [22] o para ajustar una película en un intervalo de tiempo prescrito. [21]

Todos los proyectores de películas cinematográficas requieren un obturador en movimiento para bloquear la luz mientras la película se mueve; de ​​lo contrario, la imagen se mancha en la dirección del movimiento. Sin embargo, este obturador hace que la imagen parpadee , y las imágenes con bajas tasas de parpadeo son muy desagradables de ver. Los primeros estudios de Thomas Edison para su máquina de kinetoscopio determinaron que cualquier velocidad por debajo de 46 imágenes por segundo "fatiga la vista". [21]y esto también es válido para las imágenes proyectadas en condiciones normales de cine. La solución adoptada para el cinetoscopio fue ejecutar la película a más de 40 fotogramas / seg, pero esto resultó caro para la película. Sin embargo, al utilizar proyectores con obturadores de doble y triple hoja, la tasa de parpadeo se multiplica dos o tres veces más que el número de fotogramas de la película, cada fotograma se muestra dos o tres veces en la pantalla. Un obturador de tres hojas que proyecta una película de 16 fps superará ligeramente la figura de Edison, dando a la audiencia 48 imágenes por segundo. Durante la era del silencio, los proyectores solían estar equipados con contraventanas de tres hojas. Desde la introducción del sonido con su velocidad estándar de 24 cuadros / seg, las contraventanas de 2 hojas se han convertido en la norma para los proyectores de cine de 35 mm, aunque las contraventanas de tres hojas siguen siendo estándar en los proyectores de 16 mm y 8 mm,que se utilizan con frecuencia para proyectar metraje amateur filmado a 16 o 18 fotogramas / seg. Una velocidad de fotogramas de película de 35 mm de 24 fps se traduce en una velocidad de película de 456 milímetros (18,0 pulgadas) por segundo.[23] Un carrete de 1000 pies (300 m) requiere 11 minutos y 7 segundos para proyectarse a 24 fps, mientras que una proyección de 16 fps del mismo carrete tomaría 16 minutos y 40 segundos, o 304 milímetros (12,0 pulgadas) por segundo. [21]

En la década de 1950, muchas conversiones de telecine de películas mudas a velocidades de cuadro extremadamente incorrectas para la televisión abierta pueden haber alienado a los espectadores. [24] La velocidad de la película es a menudo un tema molesto entre los estudiosos y los cinéfilos en la presentación de silencios de hoy, especialmente cuando se trata de lanzamientos en DVD de películas restauradas , como el caso de la restauración de Metrópolis en 2002 . [25]

Teñido [ editar ]

Artículo principal: teñido de película
Una escena de El gabinete del Dr. Caligari protagonizada por Friedrich Feher, un ejemplo de una película teñida de ámbar

Con la falta de procesamiento de color natural disponible, las películas de la era del cine mudo se sumergieron con frecuencia en tintes y se tiñeron de varios tonos y matices para señalar un estado de ánimo o representar un momento del día. El teñido a mano se remonta a 1895 en los Estados Unidos con el lanzamiento de Edison de las impresiones seleccionadas teñidas a mano de Butterfly Dance . Además, los experimentos con películas en color comenzaron ya en 1909, aunque la industria tardó mucho más en adoptar el color y desarrollar un proceso eficaz. [3] El azul representaba escenas nocturnas, el amarillo o el ámbar significaban día. El rojo representa el fuego y el verde representa una atmósfera misteriosa. De manera similar, la tonificación de la película (como la generalización común del cine mudo de sepia-toning) con soluciones especiales reemplazó las partículas de plata en el stock de película con sales o tintes de varios colores. Se podría usar una combinación de tinte y tonificación como un efecto que podría ser sorprendente.

Algunas películas fueron teñidas a mano, como Annabelle Serpentine Dance (1894), de Edison Studios. En él, Annabelle Whitford , [26] una joven bailarina de Broadway, está vestida con velos blancos que parecen cambiar de color mientras baila. Esta técnica fue diseñada para capturar el efecto de las actuaciones en vivo de Loie Fuller, a partir de 1891, en las que las luces del escenario con geles de colores convertían sus vestidos y mangas blancos fluidos en un movimiento artístico. [27] La coloración a mano se usó a menudo en las primeras películas de "trucos" y fantasía de Europa, especialmente en las de Georges Méliès . Méliès comenzó a teñir a mano su trabajo ya en 1897 y el Cendrillion (Cenicienta) de 1899 y Jeanne d'Arc de 1900.(Juana de Arco) proporcionan ejemplos tempranos de películas teñidas a mano en las que el color era una parte fundamental de la escenografía o mise en scène ; Un tinte tan preciso utilizó el taller de Elisabeth Thuillier en París, con equipos de artistas femeninas que agregaron capas de color a cada cuadro a mano en lugar de utilizar un proceso de estarcido más común (y menos costoso). [28] Una versión recientemente restaurada de Un viaje a la luna de Méliès , originalmente lanzada en 1902, muestra un uso exuberante del color diseñado para agregar textura e interés a la imagen. [29]

Los comentarios de un distribuidor estadounidense en un catálogo de suministros de películas de 1908 subrayan aún más el dominio continuo de Francia en el campo de las películas para colorear a mano durante la era del cine mudo. El distribuidor ofrece a la venta a precios variables películas de "clase alta" de Pathé , Urban-Eclipse , Gaumont , Kalem , Itala Film , Ambrosio Film y Selig . Varias de las películas más largas y prestigiosas del catálogo se ofrecen tanto en blanco y negro estándar "normal" como en color "pintado a mano". [30] Una copia normal, por ejemplo, del lanzamiento de 1907 Ben Hurse ofrece por $ 120 ($ 3,415 USD hoy), mientras que una versión en color de la misma película de 1000 pies y 15 minutos cuesta $ 270 ($ 7,683), incluido el cargo adicional de coloración de $ 150, que asciende a 15 centavos más por pie. [30] Aunque las razones del cargo adicional citado probablemente eran obvias para los clientes, el distribuidor explica por qué las películas en color de su catálogo tienen precios tan significativamente más altos y requieren más tiempo de entrega. Su explicación también proporciona una idea del estado general de los servicios de coloración de películas en los Estados Unidos en 1908:

Precio por una impresión coloreada a mano de Ben Hur en 1908

La coloración de películas cinematográficas es una línea de trabajo que no se puede realizar satisfactoriamente en los Estados Unidos. En vista de la enorme cantidad de trabajo involucrado que requiere pintar a mano individualmente cada uno de los dieciséis cuadros al pie o 16.000 cuadros separados por cada 300 metros de película, muy pocos coloristas estadounidenses emprenderán el trabajo a cualquier precio.
Como la coloración de películas ha progresado mucho más rápidamente en Francia que en cualquier otro país, toda nuestra coloración la realiza el mejor establecimiento de coloración de París y hemos descubierto que obtenemos mejor calidad, precios más baratos y entregas más rápidas, incluso en coloración. American hizo películas, que si el trabajo se hiciera en otro lugar. [30]

A principios de la década de 1910, con el inicio de los largometrajes, el tinte se utilizó como otro elemento que establece el estado de ánimo, tan común como la música. El director D. W. Griffith mostró un interés y una preocupación constantes por el color y utilizó el tinte como efecto especial en muchas de sus películas. Su epopeya de 1915, El nacimiento de una nación , usó varios colores, incluidos ámbar, azul, lavanda y un tinte rojo llamativo para escenas como el "incendio de Atlanta" y el paseo del Ku Klux Klan en el clímax de la imagen. Más tarde, Griffith inventó un sistema de color en el que luces de colores destellaban en áreas de la pantalla para lograr un color.

Con el desarrollo de la tecnología de sonido en película y la aceptación de la industria, el teñido se abandonó por completo, porque los tintes utilizados en el proceso de teñido interfirieron con las bandas sonoras presentes en las tiras de película. [3]

Estudios tempranos [ editar ]

Los primeros estudios se ubicaron en el área de la ciudad de Nueva York . Los estudios Edison fueron los primeros en West Orange, Nueva Jersey (1892), se trasladaron al Bronx, Nueva York (1907). Fox (1909) y Biograph (1906) comenzaron en Manhattan , con estudios en St George, Staten Island . Otras películas se rodaron en Fort Lee, Nueva Jersey . En diciembre de 1908, Edison lideró la formación de Motion Picture Patents Company en un intento por controlar la industria y excluir a los productores más pequeños. El "Edison Trust", como se le apodaba, estaba formado por Edison , Biograph , Essanay Studios , Kalem Company, George Kleine Productions , Lubin Studios , Georges Méliès , Pathé , Selig Studios y Vitagraph Studios , y dominó la distribución a través de General Film Company . Esta empresa dominaba la industria como monopolio vertical y horizontal y es un factor que contribuye a la migración de los estudios a la costa oeste. Motion Picture Patents Co. y General Film Co. fueron declaradas culpables de violación antimonopolio en octubre de 1915 y fueron disueltas.

El estudio de cine Thanhouser fue fundado en New Rochelle, Nueva York , en 1909 por el empresario teatral estadounidense Edwin Thanhouser . La compañía produjo y lanzó 1.086 películas entre 1910 y 1917, incluida la primera serie cinematográfica , The Million Dollar Mystery , estrenada en 1914. [31] Los primeros westerns se filmaron en Movie Ranch de Fred Scott en South Beach, Staten Island. Actores disfrazados de vaquerosy los nativos americanos galoparon por el plató del rancho de películas de Scott, que tenía una calle principal fronteriza, una amplia selección de diligencias y una empalizada de 56 pies. La isla proporcionó un sustituto útil para lugares tan variados como el desierto del Sahara y un campo de cricket británico. Se rodaron escenas de guerra en las llanuras de Grasmere, Staten Island . The Perils of Pauline y su secuela aún más popular, The Exploits of Elaine, se rodaron en gran parte en la isla. También lo fue el éxito de taquilla de 1906 Life of a Cowboy , de Edwin S. Porter Company y el rodaje se trasladó a la costa oeste alrededor de 1912.

Películas mudas más taquilleras en Estados Unidos [ editar ]

Póster de Ben-Hur (1925)

Las siguientes son películas estadounidenses de la era del cine mudo que obtuvieron los ingresos brutos más altos hasta 1932. Las cantidades dadas son alquileres brutos (la participación del distribuidor en la taquilla) en contraposición a los ingresos brutos de exhibición. [32]

TítuloAñoDirector (es)Alquiler brutoÁrbitro.
El nacimiento de una nación1915D. W. Griffith$ 10,000,000
El gran desfile1925Rey Vidor$ 6,400,000
Ben Hur1925Fred Niblo$ 5,500,000
El niño1921Charlie Chaplin$ 5,450,000
Luces de la ciudad1931Charlie Chaplin$ 4,300,000
La fiebre del oro1925Charlie Chaplin$ 4,250,000
El circo1928Charlie Chaplin$ 3,800,000
El carro cubierto1923James Cruze$ 3,800,000
El jorobado de Notre Dame1923Wallace Worsley$ 3,500,000
Los diez Mandamientos1923Cecil B. DeMille$ 3,400,000
Huérfanos de la tormenta1921D. W. Griffith$ 3,000,000
Por el amor de Dios1926Sam Taylor$ 2,600,000
El camino a la ruina1928Norton S. Parker$ 2,500,000
¿Qué precio de la gloria?1926Raoul Walsh$ 2,400,000
Rosa irlandesa de Abie1928Victor Fleming$ 1,500,000

Durante la era del sonido [ editar ]

Transición [ editar ]

Aunque los intentos de crear películas con sonido sincronizado se remontan al laboratorio de Edison en 1896, solo a principios de la década de 1920 se dispuso de tecnologías básicas como amplificadores de tubo de vacío y altavoces de alta calidad. Los años siguientes vieron una carrera para diseñar, implementar y comercializar varios formatos de sonido rivales de sonido en disco y sonido en película , como Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone ( 1927) y Fotófono RCA (1928).

Warner Bros. fue el primer estudio en aceptar el sonido como un elemento en la producción de películas y utilizar Vitaphone, una tecnología de sonido en disco, para hacerlo. [3] El estudio lanzó The Jazz Singer en 1927, que marcó la primera película sonora de éxito comercial , pero las películas mudas seguían siendo la mayoría de los largometrajes lanzados tanto en 1927 como en 1928, junto con las llamadas películas con muros de cabra : silencios con una subsección de película sonora insertada. Por lo tanto, se puede considerar que la era moderna del cine sonoro llegó a dominar a partir de 1929.

Para obtener una lista de películas notables de la era muda, consulte Lista de años en el cine para los años entre el comienzo de la película y 1928. La siguiente lista incluye solo películas producidas en la era del sonido con la intención artística específica de ser mudas.

  • Chica de ciudad , FW Murnau , 1930
  • Tierra , Aleksandr Dovzhenko , 1930
  • El enemigo silencioso , HP Carver, 1930 [33] [34]
  • Límite , Kenneth Macpherson , 1930
  • Luces de la ciudad , Charlie Chaplin , 1931
  • Tabu , FW Murnau, 1931
  • Nací, pero ... , Yasujirō Ozu , 1932
  • Passing Fancy , Yasujirō Ozu, 1933.
  • La diosa , Wu Yonggang , 1934
  • Una historia de malezas flotantes , Yasujirō Ozu, 1934
  • La caída de Osen , Kenji Mizoguchi , 1935
  • Legong , Henri de la Falaise , 1935
  • Una posada en Tokio , Yasujirō Ozu, 1935
  • Felicidad , Aleksandr Medvedkin , 1935
  • Viaje cósmico , Vasili Zhuravlov, 1936

Homenajes posteriores [ editar ]

Varios cineastas han rendido homenaje a las comedias de la era muda, entre ellos Charlie Chaplin , con Modern Times (1936), Orson Welles con Too Much Johnson (1938), Jacques Tati con Les Vacances de Monsieur Hulot (1953), Pierre Etaix con The Pretendiente (1962) y Mel Brooks con Película muda (1976). El aclamado drama Three Times (2005) del director taiwanés Hou Hsiao-hsien permanece en silencio durante su tercio medio, completo con intertítulos; Stanley Tucci 's The Impostorstiene una secuencia de apertura muda al estilo de las primeras comedias mudas. La fiesta de Margarette (2003) del cineasta brasileño Renato Falcão es muda. El escritor y director Michael Pleckaitis le da su propio toque al género con Silent (2007). Aunque no son silenciosas, la serie de televisión y las películas de Mr. Bean han utilizado la naturaleza poco habladora del personaje principal para crear un estilo de humor similar. Un ejemplo menos conocido es Jérôme Savary 's La fille du Garde-barrière (1975), un homenaje a las películas mudas de la época que utiliza intertítulos y mezclas de comedia, drama y escenas de sexo explícito (que dio lugar a que se le niegue un certificado cine por la Junta Británica de Clasificación de Películas ).

En 1990, Charles Lane dirigió y protagonizó Historias de acera , la mínima saludo presupuesto de comedias mudas sentimentales, especialmente Charlie Chaplin 's The Kid .

La película alemana Tuvalu (1999) es mayoritariamente muda; la pequeña cantidad de diálogo es una extraña mezcla de idiomas europeos, aumentando la universalidad de la película. Guy Maddin ganó premios por su homenaje al cine mudo de la era soviética con su cortometraje The Heart of the World, tras lo cual realizó un largometraje mudo, Brand Upon the Brain! (2006), incorporando artistas de Foley en vivo , narración y orquesta en exhibiciones selectas. La sombra del vampiro (2000) es una representación altamente ficticia de la película de Friedrich Wilhelm Murnau 's clásico silencio vampiro película Nosferatu (1922). Werner Herzoghonró la misma película en su propia versión, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979).

Algunas películas trazan un contraste directo entre la era del cine mudo y la era del sonoro. Sunset Boulevard muestra la desconexión entre las dos épocas en el personaje de Norma Desmond , interpretada por la estrella del cine mudo Gloria Swanson , y Singin 'in the Rain trata con artistas de Hollywood que se adaptan al cine sonoro . La película de 1976 de Peter Bogdanovich , Nickelodeon, trata sobre la agitación del cine mudo en Hollywood a principios de la década de 1910, que condujo al estreno de la épica El nacimiento de una nación (1915) de D. W. Griffith .

En 1999, el cineasta finlandés Aki Kaurismäki produjo Juha en blanco y negro, que captura el estilo de una película muda, utilizando intertítulos en lugar de diálogos hablados. Se produjeron impresiones especiales con títulos en varios idiomas diferentes para su distribución internacional. [35] En India, la película Pushpak (1988), [36] protagonizada por Kamal Hassan , fue una comedia negra completamente desprovista de diálogo. La película australiana Doctor Plonk(2007), fue una comedia muda dirigida por Rolf de Heer. Las obras de teatro se han basado en estilos y fuentes del cine mudo. El actor / guionista Billy Van Zandt y Jane Milmore protagonizaron su comedia de payasadas fuera de Broadway Silent Laughter como un tributo de acción en vivo a la era del cine mudo. [37] Geoff Sobelle y Trey Lyford crearon y protagonizaron All Wear Bowlers (2004), que comenzó como un homenaje a Laurel y Hardy y luego evolucionó para incorporar secuencias de películas mudas de tamaño real de Sobelle y Lyford que saltan de un lado a otro entre la acción en vivo. y la pantalla plateada. [38] La película animada Fantasia(1940), que consiste en ocho secuencias de animación diferentes con música, puede considerarse una película muda, con solo una escena corta que involucra diálogos. La película de espionaje The Thief (1952) tiene música y efectos de sonido, pero no diálogos, al igual que Vase de Noces de 1974 de Thierry Zéno y El ángel de 1982 de Patrick Bokanowski .

En 2005, la Sociedad Histórica H. P. Lovecraft produjo una versión cinematográfica muda de la historia de Lovecraft The Call of Cthulhu . Esta película mantuvo un estilo de filmación de época y fue recibida tanto como "la mejor adaptación de HPL hasta la fecha" y, refiriéndose a la decisión de hacerla como una película muda, como "una presunción brillante". [39]

La película francesa The Artist (2011), escrita y dirigida por Michel Hazanavicius , juega como una película muda y está ambientada en Hollywood durante la era muda. También incluye segmentos de películas mudas ficticias protagonizadas por sus protagonistas. [40]

La película japonesa de vampiros Sanguivorous (2011) no solo se hace al estilo de una película muda, sino que incluso se realiza una gira con un acompañamiento orquestal en vivo. [41] [42] Eugene Chadbourne ha estado entre los que han tocado música en vivo para la película. [43]

Blancanieves es una película dramática de fantasía muda española en blanco y negro de 2012 escrita y dirigida por Pablo Berger .

El largometraje estadounidense Silent Life comenzó en 2006, presenta las actuaciones de Isabella Rossellini y Galina Jovovich , madre de Milla Jovovich , y se estrenará en 2013. La película está basada en la vida del ícono de la pantalla muda Rudolph Valentino , conocido como el El primer "gran amante" de Hollywood. Después de la cirugía de emergencia, Valentino pierde el control de la realidad y comienza a ver el recuerdo de su vida en Hollywood desde una perspectiva de coma, como una película muda mostrada en un palacio de cine, el portal mágico entre la vida y la eternidad, entre la realidad y la eternidad. espejismo. [44] [45]

The Picnic es un cortometraje de 2012 realizado al estilo de comedias y melodramas mudos de dos carretes. Fue parte de la exhibición, No Spectators: The Art of Burning Man, una exhibición de 2018-2019 curada por la Renwick Gallery del Smithsonian American Art Museum . [46] La película se proyectó dentro de unpalacio de cine Art Deco de 12 asientos en miniaturasobre ruedas llamado The Capitol Theatre , creado por Oakland, Ca. colectivo de arte Five Ton Crane .

Right There es un cortometraje de 2013 que es un homenaje a las comedias del cine mudo.

La película de animación británica de 2015 Shaun the Sheep Movie basada en Shaun the Sheep fue lanzada con críticas positivas y fue un éxito de taquilla. Aardman Animations también produjo Morph y Timmy Time , así como muchos otros cortometrajes mudos.

La American Theatre Organ Society rinde homenaje a la música de las películas mudas, así como a los órganos de teatro que tocaban dicha música. Con más de 75 capítulos locales, la organización busca preservar y promover los órganos y la música del teatro, como una forma de arte. [47]

El Globe International Silent Film Festival (GISFF) es un evento anual centrado en la imagen y la atmósfera en el cine que se lleva a cabo en un entorno universitario o académico de renombre cada año y es una plataforma para exhibir y juzgar películas de cineastas activos en este campo. [48] En 2018, el director de cine Christopher Annino filmó la película muda de este tipo, ahora ganadora de premios internacionalmente, Silent Times . [49] [50] [51] La película rinde homenaje a muchos de los personajes de la década de 1920, incluido el oficial Keystone interpretado por David Blair y Enzio Marchello, que interpreta a un personaje de Charlie Chaplin. Tiempos de silencioha ganado el premio a la mejor película muda en el Festival de Cine de Oniros. Ambientada en una pequeña ciudad de Nueva Inglaterra, la historia se centra en Oliver Henry III (interpretado por Geoff Blanchette, nativo de Westerly), un delincuente de poca monta que se convirtió en propietario de un teatro de vodevil. Desde sus humildes comienzos en Inglaterra, emigra a los Estados Unidos en busca de felicidad y dinero rápido. Se familiariza con personas de todos los ámbitos de la vida, desde artistas burlescos, mimos, vagabundos hasta elegantes chicas flapper, a medida que su fortuna aumenta y su vida gira cada vez más fuera de control.

Conservación y películas perdidas [ editar ]

Más información: Película perdida y preservación de películas
Un fotograma de Saved from the Titanic (1912), que mostraba a los supervivientes del desastre. Ahora se encuentra entre las consideradas una película perdida .

La gran mayoría de las películas mudas producidas a finales del siglo XIX y principios del XX se consideran perdidas. Según un informe de septiembre de 2013 publicado por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos , alrededor del 70 por ciento de los largometrajes mudos estadounidenses entran en esta categoría. [52] Existen numerosas razones por las que este número es tan alto. Algunas películas se han perdido involuntariamente, pero la mayoría de las películas mudas se destruyeron a propósito. Entre el final de la era del cine mudo y el auge del vídeo doméstico, los estudios cinematográficos a menudo descartaban una gran cantidad de películas mudas por el deseo de liberar espacio en sus archivos, asumiendo que habían perdido la relevancia cultural y el valor económico para justificar la existencia de películas mudas. cantidad de espacio que ocupaban. Además, debido a la frágil naturaleza delmaterial de película de nitrato que se utilizó para filmar y distribuir películas mudas, muchas películas se han deteriorado irremediablemente o se han perdido en accidentes, incluidos incendios (porque el nitrato es altamente inflamable y puede arder espontáneamente si se almacena incorrectamente). Ejemplos de tales incidentes incluyen el incendio de la bóveda de MGM de 1965 y el incendio de la bóveda de Fox de 1937 , los cuales provocaron pérdidas catastróficas de películas. Muchas de esas películas que no se destruyen por completo sobreviven solo parcialmente o en impresiones muy dañadas. Algunas películas perdidas, como London After Midnight (1927), perdida en el incendio de MGM, han sido objeto de considerable interés por parte de coleccionistas e historiadores de películas .

Las principales películas mudas que se presumen perdidas incluyen:

  • Salvados del Titanic (1912), que contó con supervivientes del desastre; [53]
  • La vida del general Villa , protagonizada por elpropio Pancho Villa
  • El apóstol , primer largometraje de animación (1917)
  • Cleopatra (1917) [54]
  • Buscadores de oro (1923)
  • Bésame de nuevo (1925)
  • Arirang (1926)
  • El gran Gatsby (1926)
  • Londres después de la medianoche (1927)
  • Los caballeros las prefieren rubias (1928) [55]

Aunque la mayoría de las películas mudas perdidas nunca se recuperarán, algunas se han descubierto en archivos cinematográficos o colecciones privadas. Las versiones descubiertas y conservadas pueden ser ediciones realizadas para el mercado de alquiler de viviendas de las décadas de 1920 y 1930 que se descubren en ventas de inmuebles, etc. [56] La degradación de las películas antiguas se puede ralentizar mediante un archivo adecuado y las películas se pueden transferir a lugares seguros. películas o medios digitales para su conservación. La preservación de las películas mudas ha sido una alta prioridad para historiadores y archiveros. [57]

Búsqueda de películas de Dawson [ editar ]

Dawson City , en el territorio canadiense de Yukon , fue una vez el final de la línea de distribución de muchas películas. En 1978, se descubrió un alijo de más de 500 rollos de película de nitrato durante la excavación de un lote baldío que anteriormente era el sitio de la Asociación Atlética Amateur de Dawson, que había comenzado a proyectar películas en su centro de recreación en 1903. [57] [58] Obras de Pearl White , Helen Holmes , Grace Cunard , Lois Weber , Harold Lloyd , Douglas Fairbanks y Lon Chaney, entre otros, fueron incluidos, así como muchos noticiarios. Los títulos se almacenaron en la biblioteca local hasta 1929, cuando el nitrato inflamable se utilizó como relleno sanitario en una piscina en ruinas. Habiendo pasado 50 años bajo el permafrost del Yukon, los carretes resultaron estar extremadamente bien conservados. Debido a su peligrosa volatilidad química, [59] el hallazgo histórico fue trasladado en transporte militar a la Biblioteca y Archivos de Canadá y la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para su almacenamiento (y transferencia a una película de seguridad ). En 2016 se lanzó un documental sobre el hallazgo, Dawson City: Frozen Time. [60] [61]

Ver también [ editar ]

Referencias [ editar ]

Notas al pie [ editar ]

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Lectura adicional [ editar ]

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Enlaces externos [ editar ]

  • El Archivo de Internet 's silencioso Filmoteca
  • ¡Silencios, por favor !: avenidas interesantes en la historia del cine mudo
  • The Silent Film Channel: archivo gratuito de películas mudas