Una película sonora es una película con sonido sincronizado o sonido acoplado tecnológicamente a la imagen, en contraposición a una película muda . La primera exhibición pública conocida de películas sonoras proyectadas tuvo lugar en París en 1900, pero pasaron décadas antes de que las películas sonoras se hicieran comercialmente prácticas. Era difícil lograr una sincronización confiable con los primeros sistemas de sonido en disco , y la calidad de amplificación y grabación también era inadecuada. Las innovaciones en el sonido en la película llevaron a la primera proyección comercial de películas cortas utilizando la tecnología, que tuvo lugar en 1923.
Los primeros pasos en la comercialización del cine sonoro se dieron a mediados y finales de la década de 1920. En un principio, las películas sonoras que incluían diálogos sincronizados, conocidas como " imágenes parlantes " o " talkies ", eran exclusivamente cortos. Las primeras películas de largometraje con sonido grabado incluían solo música y efectos. El primer largometraje presentado originalmente como talkie fue The Jazz Singer , que se estrenó el 6 de octubre de 1927. [2] Un gran éxito, se hizo con Vitaphone , que era en ese momento la marca líder en tecnología de sonido en disco. . Sin embargo, el sonido en la película pronto se convertiría en el estándar para las imágenes sonoras.
A principios de la década de 1930, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos, ayudaron a asegurar la posición de Hollywood como uno de los centros de influencia cultural / comercial más poderosos del mundo (ver Cine de los Estados Unidos ). En Europa (y, en menor grado, en otros lugares), el nuevo desarrollo fue tratado con sospecha por muchos cineastas y críticos, a quienes les preocupaba que un enfoque en el diálogo subvertiría las virtudes estéticas únicas del cine sin sonido. En Japón , donde la tradición cinematográfica popular integraba el cine mudo y la interpretación vocal en vivo, las imágenes sonoras tardaron en arraigarse. Por el contrario, en India, el sonido fue el elemento transformador que condujo a la rápida expansión de la industria cinematográfica del país .
Historia [ editar ]
Primeros pasos [ editar ]
La idea de combinar imágenes en movimiento con sonido grabado es casi tan antigua como el concepto de cine en sí. El 27 de febrero de 1888, un par de días después de que el pionero de la fotografía Eadweard Muybridge diera una conferencia no lejos del laboratorio de Thomas Edison , los dos inventores se reunieron en privado. Muybridge afirmó más tarde que en esta ocasión, seis años antes de la primera exhibición cinematográfica comercial, propuso un esquema para el cine sonoro que combinaría su zoopraxiscopio de proyección de imágenes con la tecnología de sonido grabado de Edison. [3] No se llegó a ningún acuerdo, pero en un año Edison encargó el desarrollo del Kinetoscopio , esencialmente un sistema de "peep-show", como complemento visual de su cilindro. fonógrafo . Los dos dispositivos se combinaron como el Kinetophone en 1895, pero la visualización individual de películas en gabinete pronto quedó obsoleta por los éxitos en la proyección de películas. [4] En 1899, se exhibió en París un sistema de película sonora proyectada conocido como Cinemacrophonograph o Phonorama, basado principalmente en el trabajo del inventor de origen suizo François Dussaud; similar al Kinetophone, el sistema requería el uso individual de auriculares. [5] Un sistema mejorado basado en cilindros, Phono-Cinéma-Théâtre, fue desarrollado por Clément-Maurice Gratioulet y Henri Lioret de Francia, permitiendo la presentación de cortometrajes de teatro, ópera y extractos de ballet en la Exposición de París.en 1900. Estas parecen ser las primeras películas exhibidas públicamente con proyección de imagen y sonido grabado. Phonorama y otro sistema de película sonora, el Théâtroscope, también se presentaron en la Exposición. [6]
Persistieron tres problemas importantes que llevaron a que las películas y la grabación de sonido tomaran caminos separados durante una generación. El problema principal era la sincronización: las imágenes y el sonido se grababan y reproducían en dispositivos separados, que eran difíciles de iniciar y mantener en conjunto. [7]También fue difícil lograr un volumen de reproducción suficiente. Si bien los proyectores cinematográficos pronto permitieron que las películas se mostraran a grandes audiencias de teatro, la tecnología de audio antes del desarrollo de la amplificación eléctrica no podía proyectar satisfactoriamente para llenar grandes espacios. Finalmente, estaba el desafío de registrar la fidelidad. Los sistemas primitivos de la época producían un sonido de muy baja calidad a menos que los intérpretes estuvieran colocados directamente frente a los engorrosos dispositivos de grabación (bocinas acústicas, en su mayor parte), imponiendo severos límites al tipo de películas que se podían crear con películas en vivo. sonido grabado. [8]
Los innovadores cinematográficos intentaron hacer frente al problema fundamental de la sincronización de diversas formas. Un número cada vez mayor de sistemas cinematográficos se basaba en discos de gramófono, lo que se conoce como tecnología de sonido en disco . Los discos en sí mismos se conocían a menudo como "discos de Berliner", en honor a uno de los principales inventores en el campo, el alemán-estadounidense Emile Berliner . En 1902, Léon Gaumont hizo una demostración de su Chronophone de sonido en disco, que incluía una conexión eléctrica que había patentado recientemente, a la Sociedad Fotográfica Francesa . [9]Cuatro años más tarde, Gaumont presentó el Elgéphone, un sistema de amplificación de aire comprimido basado en el Auxetophone, desarrollado por los inventores británicos Horace Short y Charles Parsons. [10] A pesar de las altas expectativas, las sólidas innovaciones de Gaumont solo tuvieron un éxito comercial limitado. A pesar de algunas mejoras, todavía no abordaban satisfactoriamente los tres problemas básicos de la película sonora y también eran caras. Durante algunos años, el Cameraphone del inventor estadounidense EE Norton fue el principal competidor del sistema Gaumont (las fuentes difieren en cuanto a si el Cameraphone se basaba en un disco o en un cilindro); finalmente falló por muchas de las mismas razones que frenaron el Chronophone. [11]
En 1913, Edison introdujo un nuevo aparato de sonido sincronizado basado en cilindros conocido, al igual que su sistema de 1895, como Kinetophone. En lugar de mostrar películas a espectadores individuales en el gabinete del kinetoscopio, ahora se proyectan en una pantalla. El fonógrafo estaba conectado mediante una intrincada disposición de poleas al proyector de películas, lo que permitía, en condiciones ideales, la sincronización. Sin embargo, las condiciones rara vez eran ideales, y el nuevo y mejorado Kinetophone se retiró después de poco más de un año. [12] A mediados de la década de 1910, la oleada de exhibiciones de películas sonoras comerciales se había calmado. [11] A partir de 1914, El foto-drama de la creación , promocionando a los testigos de Jehová'concepción de la génesis de la humanidad, se proyectó en los Estados Unidos: ocho horas de imágenes proyectadas que incluyen diapositivas y acción en vivo, sincronizadas con conferencias grabadas por separado y actuaciones musicales reproducidas en un fonógrafo. [13]
Mientras tanto, las innovaciones continuaron en otro frente significativo. En 1900, como parte de la investigación que estaba llevando a cabo sobre el fotófono , el físico alemán Ernst Ruhmer registró las fluctuaciones del arco de luz de transmisión como diferentes tonos de bandas claras y oscuras en un rollo continuo de película fotográfica. Luego determinó que podía revertir el proceso y reproducir el sonido grabado de esta tira fotográfica al hacer brillar una luz brillante a través de la tira de película, con la luz variable resultante iluminando una celda de selenio. Los cambios en el brillo provocaron un cambio correspondiente en la resistencia del selenio a las corrientes eléctricas, que se utilizó para modular el sonido producido en un receptor de teléfono. Llamó a este invento el fotógrafo, [14] que resumió como: "Es verdaderamente un proceso maravilloso: el sonido se convierte en electricidad, se convierte en luz, causa acciones químicas, se vuelve luz y electricidad nuevamente, y finalmente sonido". [15]
Ruhmer comenzó una correspondencia con Eugene Lauste , nacido en Francia y residente en Londres , [16] que había trabajado en el laboratorio de Edison entre 1886 y 1892. En 1907, Lauste recibió la primera patente para la tecnología de sonido en película , que involucra la transformación del sonido en ondas de luz que se registran fotográficamente directamente en el celuloide . Como lo describió el historiador Scott Eyman,
Era un sistema doble, es decir, el sonido estaba en una película diferente a la de la imagen ... En esencia, el sonido era capturado por un micrófono y traducido en ondas de luz a través de una válvula de luz, una delgada cinta de material sensible. metal sobre una pequeña hendidura. El sonido que llegaba a esta cinta se convertiría en luz por el temblor del diafragma, enfocando las ondas de luz resultantes a través de la rendija, donde se fotografiaría en el lado de la película, en una tira de aproximadamente una décima de pulgada de ancho. [17]
En 1908, Lauste compró un fotógrafo de Ruhmer, con la intención de perfeccionar el dispositivo en un producto comercial. [16] Aunque el sonido en película eventualmente se convertiría en el estándar universal para el cine con sonido sincronizado. Lauste nunca explotó con éxito sus innovaciones, que llegaron a un callejón sin salida efectivo. En 1914, al inventor finlandés Eric Tigerstedt se le concedió la patente alemana 309.536 por su trabajo de sonido en película; ese mismo año, aparentemente mostró una película hecha con el proceso a una audiencia de científicos en Berlín. [18] El ingeniero húngaro Denes Mihaly presentó su concepto Projectofon de sonido en película al Tribunal Real de Patentes de Hungría en 1918; la concesión de la patente se publicó cuatro años después. [19]Ya sea que el sonido se haya capturado en cilindros, discos o películas, ninguna de las tecnologías disponibles era adecuada para los propósitos comerciales de las grandes ligas, y durante muchos años los directores de los principales estudios cinematográficos de Hollywood vieron pocos beneficios en la producción de películas con sonido. [20]
Innovaciones cruciales [ editar ]
Varios desarrollos tecnológicos contribuyeron a que el cine sonoro fuera comercialmente viable a finales de la década de 1920. Dos enfoques contrastantes involucrados para la reproducción sincronizada de sonido, o reproducción:
Sonido en película avanzado [ editar ]
En 1919, el inventor estadounidense Lee De Forest recibió varias patentes que darían lugar a la primera tecnología óptica de sonido en película con aplicación comercial. En el sistema de De Forest, la banda sonora se grababa fotográficamente en el lado de la tira de la película para crear una impresión compuesta o "casada". Si se logra una sincronización adecuada del sonido y la imagen en la grabación, se puede contar con ella en la reproducción. Durante los siguientes cuatro años, mejoró su sistema con la ayuda de equipos y patentes con licencia de otro inventor estadounidense en el campo, Theodore Case . [21]
En la Universidad de Illinois , el ingeniero investigador de origen polaco Joseph Tykociński-Tykociner estaba trabajando de forma independiente en un proceso similar. El 9 de junio de 1922, dio la primera demostración reportada en los Estados Unidos de una película con sonido en una película a los miembros del Instituto Americano de Ingenieros Eléctricos . [22] Al igual que con Lauste y Tigerstedt, el sistema de Tykociner nunca se aprovecharía comercialmente; sin embargo, el de De Forest pronto lo haría.
El 15 de abril de 1923, en el Rivoli Theatre de la ciudad de Nueva York tuvo lugar la primera proyección comercial de películas con sonido en película, que se convertiría en el estándar del futuro. Consistía en un conjunto de cortometrajes que variaban en duración y presentaban a algunas de las estrellas más populares de la década de 1920 (incluidos Eddie Cantor , Harry Richman , Sophie Tucker y George Jessel, entre otros) haciendo representaciones teatrales como vodevilles , actos musicales y discursos que acompañaron a la proyección del largometraje mudo Bella Donna . [23] Todos ellos fueron presentados bajo el estandarte de De Forest Phonofilms . [24]El plató incluyó el cortometraje de 11 minutos Desde la lejana Sevilla protagonizado por Concha Piquer . En 2010, se encontró una copia de la cinta en la Biblioteca del Congreso de EE. UU. , Donde se conserva actualmente. [25] [26] [27] Los críticos que asistieron al evento elogiaron la novedad, pero no la calidad del sonido, que recibió críticas negativas en general. [28] Ese junio, De Forest entabló una batalla legal prolongada con un empleado, Freeman Harrison Owens , por el título de una de las patentes fundamentales de Phonofilm. Aunque De Forest finalmente ganó el caso en los tribunales, Owens es hoy reconocido como un innovador central en el campo. [29]Al año siguiente, el estudio de De Forest lanzó la primera película dramática comercial filmada como película hablada: Love's Old Sweet Song , de dos bobinas , dirigida por J. Searle Dawley y con Una Merkel . [30] Sin embargo, las acciones de phonofilm en el comercio no eran dramas originales, sino documentales de celebridades, actos de música popular y actuaciones de comedia. El presidente Calvin Coolidge , la cantante de ópera Abbie Mitchell y estrellas del vodevil como Phil Baker , Ben Bernie , Eddie Cantor y Oscar Levant aparecieron en las imágenes de la firma. Hollywood seguía sospechando, incluso temeroso, de la nueva tecnología. Como PhotoplayEl editor James Quirk lo expresó en marzo de 1924: "Las imágenes que hablan se perfeccionan, dice el Dr. Lee De Forest. También lo es el aceite de ricino". [31] El proceso de De Forest continuó utilizándose hasta 1927 en los Estados Unidos para docenas de Phonofilms cortos; en el Reino Unido se empleó unos años más para cortometrajes y largometrajes de British Sound Film Productions, una subsidiaria de British Talking Pictures, que compró los activos principales de Phonofilm. A finales de 1930, se liquidaría el negocio de Phonofilm. [32]
En Europa, otros también estaban trabajando en el desarrollo de sonido en película. En 1919, el mismo año en que DeForest recibió sus primeras patentes en el campo, tres inventores alemanes, Josef Engl (1893-1942), Hans Vogt (1890-1979) y Joseph Massolle (1889-1957), patentaron el Tri-Ergon sistema de sonido. El 17 de septiembre de 1922, el grupo Tri-Ergon ofreció una proyección pública de producciones de sonido en una película, incluido un talkie dramático, Der Brandstifter ( El pirómano ), ante una audiencia invitada en la Alhambra Kino de Berlín. [33]A finales de la década, Tri-Ergon sería el sistema de sonido europeo dominante. En 1923, dos ingenieros daneses, Axel Petersen y Arnold Poulsen, patentaron un sistema que grababa el sonido en una tira de película separada paralela al carrete de la imagen. Gaumont obtuvo la licencia de la tecnología y la puso brevemente para uso comercial con el nombre de Cinéphone. [34]
Sin embargo, la competencia nacional eclipsó a Phonofilm. En septiembre de 1925, el acuerdo de trabajo de De Forest y Case había fracasado. En julio siguiente, Case se unió a Fox Film , el tercer estudio más grande de Hollywood , para fundar Fox-Case Corporation. El sistema desarrollado por Case y su asistente, Earl Sponable, llamado Movietone , se convirtió así en la primera tecnología viable de sonido en película controlada por un estudio cinematográfico de Hollywood. Al año siguiente, Fox compró los derechos norteamericanos del sistema Tri-Ergon, aunque la compañía lo encontró inferior a Movietone y prácticamente imposible integrar los dos sistemas diferentes de manera ventajosa. [35]También en 1927, Fox contrató los servicios de Freeman Owens, quien tenía una experiencia particular en la construcción de cámaras para películas con sonido sincronizado. [36]
Sonido en disco avanzado [ editar ]
Paralelamente a las mejoras en la tecnología de sonido en película, varias empresas estaban progresando con sistemas que grababan sonido de películas en discos de fonógrafo. En la tecnología de sonido en disco de la época, un tocadiscos de fonógrafo se conecta mediante un enclavamiento mecánico a un proyector de película especialmente modificado , lo que permite la sincronización. En 1921, se empleó el sistema de sonido en disco Photokinema desarrollado por Orlando Kellum para agregar secuencias de sonido sincronizadas a la fallida película muda de DW Griffith Dream Street.. Se grabó una canción de amor, interpretada por la estrella Ralph Graves, así como una secuencia de efectos vocales en vivo. Al parecer, también se grabaron escenas de diálogo, pero los resultados no fueron satisfactorios y la película nunca se proyectó públicamente incorporándolas. El 1 de mayo de 1921, Dream Street fue relanzada, con una canción de amor agregada, en el teatro Town Hall de la ciudad de Nueva York, calificándola —aunque al azar— como el primer largometraje con una secuencia vocal grabada en vivo. [37] No habría más durante más de seis años.
En 1925, Sam Warner de Warner Bros. , entonces un pequeño estudio de Hollywood con grandes ambiciones, vio una demostración del sistema de sonido en disco de Western Electric y quedó lo suficientemente impresionado como para persuadir a sus hermanos de que aceptaran experimentar con el uso de este sistema en New Estudios Vitagraph de la ciudad de York, que habían comprado recientemente. Las pruebas resultaron convincentes para los Warner Brothers, si no para los ejecutivos de otras compañías cinematográficas que las presenciaron. En consecuencia, en abril de 1926, Western Electric Company celebró un contrato con Warner Brothers y WJ Rich, un financista, otorgándoles una licencia exclusiva para grabar y reproducir imágenes de sonido bajo el sistema Western Electric. Para explotar esta licencia se organizó Vitaphone Corporation con Samuel L. Warner como presidente. [38] [39] Vitaphone , como se llamaba ahora a este sistema, se presentó públicamente el 6 de agosto de 1926, con el estreno de Don Juan ; la primera película de largometraje que emplea un sistema de sonido sincronizado de cualquier tipo en toda su banda sonoracontenía una partitura musical y efectos de sonido añadidos , pero ningún diálogo grabado; en otras palabras, había sido escenificado y filmado como una película muda. Sin embargo, acompañaron a Don Juan ocho cortos de actuaciones musicales, en su mayoría clásicas, así como una introducción filmada de cuatro minutos por Will H. Hays , presidente de la Motion Picture Association of America , todos con sonido grabado en vivo. Estas fueron las primeras películas con sonido verdadero exhibidas por un estudio de Hollywood. [40] Warner Bros. ' The Better 'Ole , técnicamente similar a Don Juan , siguió en octubre. [41]
El sonido en película finalmente triunfaría sobre el sonido en disco debido a una serie de ventajas técnicas fundamentales:
- Sincronización: ningún sistema de enclavamiento era completamente confiable, y un error de un proyeccionista, o una rotura de película reparada inexactamente, o un defecto en el disco de la banda sonora podrían provocar que el sonido se desincronizara grave e irrecuperablemente con la imagen.
- Edición: los discos no se pueden editar directamente, lo que limita gravemente la capacidad de realizar modificaciones en las películas que los acompañan después del lanzamiento original.
- Distribución: los discos fonográficos aumentaron el costo y la complicación de la distribución de películas.
- Desgaste: el proceso físico de reproducción de los discos los degradó, requiriendo su reemplazo después de aproximadamente veinte proyecciones [42]
No obstante, en los primeros años, el sonido en disco tenía una ventaja sobre el sonido en película de dos formas sustanciales:
- Costo de producción y capital: generalmente era menos costoso grabar sonido en un disco que en una película y los sistemas de exhibición (tocadiscos / interbloqueo / proyector) eran más baratos de fabricar que los complejos proyectores de lectura de patrones de imagen y audio requeridos por el sonido. en la película
- Calidad de audio: los discos de fonógrafo, en particular los de Vitaphone, tenían un rango dinámico superior a la mayoría de los procesos de sonido en película del día, al menos durante las primeras reproducciones; mientras que el sonido en la película tendía a tener una mejor respuesta de frecuencia , esto se vio compensado por una mayor distorsión y ruido [43] [44]
A medida que mejoró la tecnología de sonido en película, se superaron ambas desventajas.
El tercer conjunto crucial de innovaciones marcó un gran paso adelante tanto en la grabación de sonido en vivo como en su reproducción efectiva:
Grabación y amplificación electrónica de fidelidad [ editar ]
En 1913, Western Electric , la división de fabricación de AT&T, adquirió los derechos de de Forest audion , el precursor del tubo de vacío triodo . Durante los siguientes años, lo desarrollaron hasta convertirlo en un dispositivo predecible y confiable que hizo posible la amplificación electrónica por primera vez. Western Electric luego se diversificó para desarrollar usos para el tubo de vacío, incluidos los sistemas de megafonía y un sistema de grabación eléctrica para la industria de la grabación. A partir de 1922, la rama de investigación de Western Electric comenzó a trabajar intensamente en la tecnología de grabación para sistemas de sonido sincronizados con sonido en disco y sonido en película para películas cinematográficas.
Los ingenieros que trabajaban en el sistema de sonido en disco pudieron aprovechar la experiencia que Western Electric ya tenía en la grabación de discos eléctricos y, por lo tanto, pudieron hacer un progreso inicial más rápido. El principal cambio necesario fue aumentar el tiempo de reproducción del disco para que pudiera coincidir con el de un carrete estándar de 300 m (1.000 pies) de película de 35 mm. El diseño elegido utilizó un disco de casi 16 pulgadas (unos 40 cm) de diámetro que giraba a 33 1/3 rpm. Esto podría reproducirse durante 11 minutos, el tiempo de ejecución de 1000 pies de película a 90 pies / min (24 cuadros / s). [45] Debido al diámetro más grande, la velocidad mínima de ranura de 70 pies / min (14 pulgadas o 356 mm / s) era solo ligeramente menor que la de un disco comercial estándar de 78 rpm de 10 pulgadas. En 1925, la compañía presentó públicamente un sistema de audio electrónico muy mejorado, que incluía micrófonos de condensador sensibles y grabadoras de goma (nombradas así por el uso de una banda de amortiguación de goma para grabar con mejor respuesta de frecuencia en un disco maestro de cera [46] ). Ese mes de mayo, la compañía autorizó al empresario Walter J. Rich a explotar el sistema para películas comerciales; fundó Vitagraph, en la que Warner Bros. adquirió la mitad de la participación, solo un mes después. [47]En abril de 1926, Warners firmó un contrato con AT&T para el uso exclusivo de su tecnología de sonido de película para la operación reducida de Vitaphone, lo que llevó a la producción de Don Juan y los cortos que lo acompañan durante los meses siguientes. [38] Durante el período en el que Vitaphone tuvo acceso exclusivo a las patentes, la fidelidad de las grabaciones realizadas para las películas de Warner fue notablemente superior a las realizadas para los competidores de sonido en película de la compañía. Mientras tanto, Bell Labs , el nuevo nombre para la operación de investigación de AT&T, estaba trabajando a un ritmo vertiginoso en una sofisticada tecnología de amplificación de sonido que permitiría reproducir las grabaciones a través de altavoces.al volumen que llena el teatro. El nuevo sistema de altavoces de bobina móvil se instaló en el Warners Theatre de Nueva York a fines de julio y su solicitud de patente, para lo que Western Electric llamó el receptor No. 555, se presentó el 4 de agosto, solo dos días antes del estreno de Don Juan. . [44] [48]
A finales de año, AT&T / Western Electric creó una división de licencias, Electrical Research Products Inc. (ERPI), para gestionar los derechos de la tecnología de audio relacionada con las películas de la empresa. Vitaphone todavía tenía exclusividad legal, pero habiendo caducado en sus pagos de regalías, el control efectivo de los derechos estaba en manos de ERPI. El 31 de diciembre de 1926, Warner otorgó a Fox-Case una sublicencia para el uso del sistema Western Electric; a cambio de la sublicencia, tanto Warner como ERPI recibieron una parte de los ingresos relacionados con Fox. Las patentes de las tres empresas tenían licencia cruzada. [49] La tecnología superior de grabación y amplificación estaba ahora disponible para dos estudios de Hollywood, que perseguían dos métodos muy diferentes de reproducción de sonido. El nuevo año vería finalmente el surgimiento del cine sonoro como un medio comercial importante.
Triunfo de los "talkies" [ editar ]
En febrero de 1927, cinco compañías cinematográficas líderes de Hollywood firmaron un acuerdo: Famous Players-Lasky (que pronto será parte de Paramount ), Metro-Goldwyn-Mayer , Universal , First National y los pequeños pero prestigiosos productores de Cecil B. DeMille . Corporación distribuidora (PDC). Los cinco estudios acordaron seleccionar colectivamente solo un proveedor para la conversión de sonido, y luego esperaron para ver qué tipo de resultados obtuvieron los favoritos. [50]En mayo, Warner Bros. vendió sus derechos de exclusividad a ERPI (junto con la sublicencia Fox-Case) y firmó un nuevo contrato de regalías similar al de Fox para el uso de la tecnología Western Electric. Fox y Warner siguieron adelante con el cine sonoro, moviéndose en diferentes direcciones tanto tecnológica como comercialmente: Fox se movió a los noticiarios y luego compuso dramas, mientras que Warner se concentró en los largometrajes hablados. Mientras tanto, ERPI buscaba acaparar el mercado firmando los cinco estudios aliados. [51]
Las grandes sensaciones cinematográficas sonoras del año se aprovecharon de la celebridad preexistente. El 20 de mayo de 1927, en el Roxy Theatre de la ciudad de Nueva York , Fox Movietone presentó una película sonora del despegue del célebre vuelo de Charles Lindbergh a París, grabado ese mismo día. En junio, se mostró un noticiero sonoro de Fox que mostraba su regreso a la ciudad de Nueva York y Washington, DC. Estas fueron las dos películas sonoras más aclamadas hasta la fecha. [52] En mayo, también, Fox lanzó la primera película de ficción de Hollywood con diálogo sincronizado: el corto They're Coming to Get Me , protagonizado por el comediante Chic Sale . [53] Después de volver a publicar algunos éxitos de funciones silenciosas, comoSeventh Heaven , con música grabada, Fox lanzó su primer largometraje original en Movietone el 23 de septiembre: Sunrise , del aclamado director alemán FW Murnau . Al igual que con Don Juan , la banda sonora de la película consistió en una partitura musical y efectos de sonido (incluyendo, en un par de escenas de multitudes, voces "salvajes", inespecíficas). [54]
Luego, el 6 de octubre de 1927, Warner Bros. ' Se estrenó The Jazz Singer . Fue un gran éxito de taquilla para el estudio de nivel medio, ganando un total de $ 2.625 millones en los Estados Unidos y en el extranjero, casi un millón de dólares más que el récord anterior de una película de Warner. [55] Producida con el sistema Vitaphone, la mayor parte de la película no contiene audio grabado en vivo, confiando, como Sunrise y Don Juan , en una partitura y efectos. Cuando la estrella de la película, Al Jolson, canta, sin embargo, la película cambia al sonido grabado en el set, incluidas sus actuaciones musicales y dos escenas con discursos improvisados: una del personaje de Jolson, Jakie Rabinowitz (Jack Robin), que se dirige a un público de cabaret; el otro un intercambio entre él y su madre. Los sonidos "naturales" de los escenarios también fueron audibles. [56] Aunque el éxito de The Jazz Singer se debió en gran parte a Jolson, ya establecido como una de las estrellas musicales más importantes de EE. UU., Y su uso limitado del sonido sincronizado difícilmente lo calificó como una película sonora innovadora (y mucho menos la "primera"), Los beneficios de la película fueron una prueba suficiente para la industria de que valía la pena invertir en la tecnología. [57]
El desarrollo del cine sonoro comercial había avanzado a trompicones antes de The Jazz Singer , y el éxito de la película no cambió las cosas de la noche a la mañana. La reacción de la influyente columnista de chismes Louella Parsons a The Jazz Singer fue muy fuera de lugar: "No tengo miedo de que la película sonora chirriante perturbe nuestros teatros", mientras que el jefe de producción de MGM, Irving Thalberg, calificó la película como "un buen truco, pero eso es todo lo que fue ". [58] No fue sino hasta mayo de 1928 que el grupo de cuatro grandes estudios (PDC se había retirado de la alianza), junto con United Artistsy otros, firman con ERPI para la conversión de instalaciones de producción y salas de cine para cine sonoro. Fue un compromiso abrumador; renovar un solo cine costó hasta $ 15,000 (el equivalente a $ 220,000 en 2019), y había más de 20,000 salas de cine en los Estados Unidos. En 1930, solo la mitad de los teatros tenían cableado para sonido. [58]
Inicialmente, todos los cines con cableado ERPI se hicieron compatibles con Vitaphone; la mayoría también estaban equipados para proyectar carretes Movietone. [59] Sin embargo, incluso con acceso a ambas tecnologías, la mayoría de las compañías de Hollywood se mantuvieron lentas para producir sus propias características parlantes. Ningún estudio, además de Warner Bros., lanzó ni siquiera un largometraje de habla parcial hasta que Film Booking Offices of America (FBO), de bajo presupuesto, estrenó The Perfect Crime el 17 de junio de 1928, ocho meses después de The Jazz Singer . [60] FBO había quedado bajo el control efectivo de un competidor de Western Electric, la RCA de General Electric .división, que buscaba comercializar su nuevo sistema de sonido en película, Photophone . A diferencia de Movietone de Fox-Case y Phonofilm de De Forest, que eran sistemas de densidad variable, Photophone era un sistema de área variable, un refinamiento en la forma en que la señal de audio se inscribe en la película que finalmente se convertiría en el estándar. (En ambos tipos de sistemas, se utiliza una lámpara especialmente diseñada, cuya exposición a la película está determinada por la entrada de audio, para grabar el sonido fotográficamente como una serie de líneas minúsculas. En un proceso de densidad variable, las líneas son de diferentes tamaños. oscuridad; en un proceso de área variable, las líneas son de ancho variable.) Para octubre, la alianza FBO-RCA llevaría a la creación del estudio principal más nuevo de Hollywood, RKO Pictures .
Mientras tanto, Warner Bros. había lanzado tres películas sonoras más, todas rentables, si no al nivel de The Jazz Singer : en marzo, apareció Tenderloin ; Warner lo anunció como el primer largometraje en el que los personajes hablaban sus partes, aunque solo 15 de sus 88 minutos tenían diálogo. La gloriosa Betsy siguió en abril, y El león y el ratón (31 minutos de diálogo) en mayo. [61] El 6 de julio de 1928 , se estrenó el primer largometraje hablado, Lights of New York . La película le costó a Warner Bros. sólo $ 23,000 para producir, pero recaudó $ 1.252 millones, una tasa récord de rendimiento que superó el 5,000%. En septiembre, el estudio lanzó otra película de Al Jolson que habla parcialmente, The Singing Fool., que más que duplicó el récord de ganancias de The Jazz Singer para una película de Warner. [62] Este segundo éxito cinematográfico de Jolson demostró la capacidad del musical de la película para convertir una canción en un éxito nacional: en nueve meses, el número de Jolson " Sonny Boy " había acumulado 2 millones de discos y 1,25 millones de ventas de partituras. [63] de septiembre de en 1928 también vio el lanzamiento de Paul Terry 's Tiempo de cena , uno de los primeros dibujos animados producidos con sonido sincronizado. Poco después de verlo, Walt Disney lanzó su primera imagen sonora, el corto Steamboat Willie de Mickey Mouse . [64]
En el transcurso de 1928, cuando Warner Bros. comenzó a obtener enormes ganancias debido a la popularidad de sus películas sonoras , los otros estudios aceleraron el ritmo de su conversión a la nueva tecnología. Paramount, el líder de la industria, lanzó su primer talkie a fines de septiembre, Beggars of Life ; aunque tenía solo unas pocas líneas de diálogo, demostró el reconocimiento del estudio del poder del nuevo medio. Interference , el primer conversador de Paramount, debutó en noviembre. [65] El proceso conocido como "glándula de cabras" se generalizó brevemente: las bandas sonoras, que a veces incluían algunos diálogos o canciones dobladas, se agregaron a las películas que habían sido filmadas, y en algunos casos lanzadas, como silencios. [66]Unos pocos minutos de canto podrían calificar una película tan nueva como un "musical". (Griffith's Dream Street había sido esencialmente una "glándula de cabra"). Las expectativas cambiaron rápidamente, y la "moda" sonora de 1927 se convirtió en un procedimiento estándar en 1929. En febrero de 1929, dieciséis meses después del debut de The Jazz Singer , Columbia Pictures se convirtió en el El último de los ocho estudios que se conocerían como " majors " durante la Edad de Oro de Hollywood en lanzar su primer largometraje de habla parcial, The Lone Wolf's Daughter . [67] A finales de mayo, la primera película a todo color y que habla todo, Warner Bros. ' ¡Sigamos con el espectáculo! , estrenado. [68]
Sin embargo, la mayoría de los cines estadounidenses, especialmente fuera de las zonas urbanas, todavía no estaban equipados para el sonido: mientras que el número de cines con sonido creció de 100 a 800 entre 1928 y 1929, todavía estaban muy por encima de los cines silenciosos, que en realidad habían aumentado en número. también, de 22.204 a 22.544. [69] Los estudios, en paralelo, todavía no estaban del todo convencidos del atractivo universal de las películas sonoras: hasta mediados de 1930, la mayoría de las películas de Hollywood se producían en versiones duales, tanto en silencio como habladas. [70] Aunque pocos en la industria lo predijeron, el cine mudo como un medio comercial viable en los Estados Unidos pronto sería poco más que un recuerdo. Points West , un Western Gibson Hoot lanzado por Universal Pictures en agosto de 1929, fue el último largometraje puramente silencioso publicado por un importante estudio de Hollywood. [71]
Transición: Europa [ editar ]
The Jazz Singer tuvo su estreno sonoro europeo en el Piccadilly Theatre de Londres el 27 de septiembre de 1928. [72] Según la historiadora del cine Rachael Low , "Muchos en la industria se dieron cuenta de inmediato de que un cambio en la producción de sonido era inevitable". [73] El 16 de enero de 1929 se estrenó el primer largometraje europeo con interpretación vocal sincronizada y partitura grabada: la producción alemana Ich küsse Ihre Hand, Madame ( Te beso la mano, Madame ). Sin diálogo, contiene solo algunas canciones interpretadas por Richard Tauber . [74] La película se hizo con el sistema de sonido en película controlado por la firma germano-holandesa Tobis., herederos corporativos de la empresa Tri-Ergon . Con miras a dominar el mercado europeo emergente de películas sonoras, Tobis firmó un pacto con su principal competidor, Klangfilm, una subsidiaria conjunta de los dos principales fabricantes eléctricos de Alemania. A principios de 1929, Tobis y Klangfilm comenzaron a comercializar sus tecnologías de grabación y reproducción. Cuando ERPI comenzó a cablear los cines de Europa, Tobis-Klangfilm afirmó que el sistema Western Electric infringía las patentes de Tri-Ergon, lo que paralizó la introducción de la tecnología estadounidense en muchos lugares. [75] Así como RCA había entrado en el negocio del cine para maximizar el valor de su sistema de grabación, Tobis también estableció sus propias operaciones de producción. [76]
Durante 1929, la mayoría de los principales países cinematográficos europeos comenzaron a unirse a Hollywood en el cambio al sonido. Muchos de los talkies europeos que marcan tendencia se filmaron en el extranjero cuando las compañías de producción alquilaron estudios mientras se convertían los suyos o cuando se dirigían deliberadamente a mercados que hablaban diferentes idiomas. Uno de los dos primeros largometrajes dramáticos de Europa se creó con un giro aún diferente en el cine multinacional: Crimson Circle fue una coproducción entre la compañía Efzet-Film del director Friedrich Zelnik y British Sound Film Productions (BSFP). En 1928, la película se había estrenado como el silencioso Der Rote Kreis.en Alemania, donde se rodó; Aparentemente, el diálogo en inglés se dobló mucho más tarde utilizando el proceso De Forest Phonofilm controlado por la empresa matriz de BSFP. Se proyectó en el Reino Unido en marzo de 1929, al igual que una película parcialmente hablada realizada íntegramente en el Reino Unido: The Clue of the New Pin , una producción del British Lion que utiliza el sistema de fotófono británico de sonido en disco. En mayo, Black Waters , una británica y Dominions Film Corporation promocionada como la primera persona que habla todo en el Reino Unido, recibió su proyección comercial inicial; se había rodado completamente en Hollywood con un sistema de sonido en película de Western Electric. Ninguna de estas imágenes tuvo mucho impacto. [77]
El primer talkie dramático europeo exitoso fue el Blackmail totalmente británico . Dirigida por Alfred Hitchcock , de veintinueve años , la película debutó en Londres el 21 de junio de 1929. Originalmente filmada como muda, Chantaje se volvió a escenificar para incluir secuencias de diálogo, junto con una partitura y efectos de sonido, antes de su estreno. Una producción de British International Pictures (BIP), se grabó en RCA Photophone, General Electric compró una acción de AEG para poder acceder a los mercados de Tobis-Klangfilm. El chantaje fue un éxito sustancial; La respuesta crítica también fue positiva: el notorio cascarrabias Hugh Castle, por ejemplo, lo llamó "quizás la mezcla más inteligente de sonido y silencio que hemos visto hasta ahora".[79]
El 23 de agosto, la modesta industria cinematográfica austriaca presentó un sonoro: G'schichten aus der Steiermark ( Historias de Estiria ), una producción de Eagle Film – Ottoton Film. [80] El 30 de septiembre se estrenó el primer cine sonoro dramático de largometraje realizado íntegramente en Alemania, Das Land ohne Frauen ( Tierra sin mujeres ). Una producción de Tobis Filmkunst, aproximadamente una cuarta parte de la película contenía diálogos, que estaban estrictamente separados de los efectos especiales y la música. La respuesta fue decepcionante. [81] La primera película sonora de Suecia, Konstgjorda Svensson ( Artificial Svensson ), se estrenó el 14 de octubre. Ocho días después, Aubert Franco-Film salió conLe Collier de la reine ( El collar de la reina ), filmado en elestudio Épinay cerca de París. Concebida como una película muda, se le asignó una partitura grabada por Tobis y una sola secuencia hablada: la primera escena de diálogo en un largometraje francés. El 31 de octubredebutaron las máscaras de Les Trois ( Las tres máscaras ); unapelícula de Pathé -Natan, generalmente se considera como la película hablada francesa inicial, aunque se rodó, como Blackmail , en el estudio de Elstree , en las afueras de Londres. La productora había contratado a RCA Photophone y Gran Bretaña tenía la instalación más cercana con el sistema. El talkie Braunberger-Richebé La Route est belle (The Road Is Fine ), también filmada en Elstree, siguió unas semanas más tarde. [82]
Antes de que los estudios de París estuvieran completamente equipados de sonido, un proceso que se prolongó hasta 1930, se filmaron en Alemania varios otros primeros sonoros franceses. [83] El primer largometraje alemán totalmente hablado, Atlantik , se estrenó en Berlín el 28 de octubre. Sin embargo, otra película hecha por Elstree, era bastante menos alemana de corazón que las máscaras de Les Trois y La Route est belle eran francesas; una producción de BIP con un guionista británico y un director alemán, también fue filmada en inglés como Atlantic . [84] La producción totalmente alemana de la Aafa-Film It's You I Have Loved ( Dich hab ich geliebt) abrió tres semanas y media después. No fue "la primera película parlante de Alemania", como decía el marketing, pero fue la primera que se estrenó en los Estados Unidos. [85]
En 1930, se estrenaron las primeras películas sonoras polacas, utilizando sistemas de sonido en disco: Moralność pani Dulskiej ( La moralidad de la Sra. Dulska ) en marzo y Niebezpieczny romans ( Dangerous Love Affair ) en octubre. [87] En Italia, cuya una vez vibrante industria cinematográfica se había vuelto moribunda a fines de la década de 1920, el primer cine sonoro, La Canzone dell'amore ( La canción de amor ), también se estrenó en octubre; Dentro de dos años, el cine italiano disfrutaría de un renacimiento. [88] La primera película hablada en checo también debutó en 1930, Tonka Šibenice ( Tonka of the Gallows ). [89]Varias naciones europeas con posiciones menores en el campo también produjeron sus primeras películas sonoras: Bélgica (en francés), Dinamarca, Grecia y Rumania. [90] La robusta industria cinematográfica de la Unión Soviética presentó sus primeras características sonoras en diciembre de 1930: Enthusiasm, una obra de no ficción de Dziga Vertov , tenía una banda sonora experimental sin diálogos; El documental de Abram Room Plan velikikh rabot ( El plan de las grandes obras ) tenía música y voces en off. [91] Ambos se hicieron con sistemas de sonido en película desarrollados localmente, dos de los aproximadamente doscientos sistemas de sonido de películas disponibles en algún lugar del mundo. [92] En junio de 1931, elEl drama de Nikolai Ekk Putevka v zhizn ( El camino hacia la vida o Un comienzo en la vida ), se estrenó como la primera película hablada real de la Unión Soviética. [93]
En gran parte de Europa, la conversión de los lugares de exhibición se quedó muy por detrás de la capacidad de producción, lo que requirió que los talkies se produjeran en versiones silenciosas paralelas o simplemente se mostraran sin sonido en muchos lugares. Si bien el ritmo de conversión fue relativamente rápido en Gran Bretaña, con más del 60 por ciento de los teatros equipados para el sonido a fines de 1930, similar a la cifra de Estados Unidos, en Francia, por el contrario, más de la mitad de los teatros en todo el país todavía proyectaban en silencio por finales de 1932. [94] Según el académico Colin G. Crisp, "La ansiedad por resucitar el flujo de películas mudas se expresaba con frecuencia en la prensa industrial [francesa], y una gran parte de la industria todavía veía al cine mudo como un medio artístico y viable. perspectiva comercial hasta alrededor de 1935. " [95]La situación era particularmente aguda en la Unión Soviética; en mayo de 1933, menos de uno de cada cien proyectores de películas en el país estaba todavía equipado para sonido. [96]
Transición: Asia [ editar ]
Durante las décadas de 1920 y 1930, Japón fue uno de los dos mayores productores de películas cinematográficas del mundo, junto con Estados Unidos. Aunque la industria cinematográfica del país fue una de las primeras en producir tanto funciones sonoras como habladas, el cambio total al sonido se produjo mucho más lentamente que en Occidente. Parece que la primera película sonora japonesa, Reimai ( Dawn ), se hizo en 1926 con el sistema De Forest Phonofilm. [98] Utilizando el sistema Minatoki de sonido en disco, el estudio líder de Nikkatsu produjo un par de películas sonoras en 1929: Taii no musume ( La hija del capitán ) y Furusato ( Ciudad natal ), este último dirigido porKenji Mizoguchi . El estudio rival Shochiku comenzó la exitosa producción de talkies de sonido en película en 1931 utilizando un proceso de densidad variable llamado Tsuchibashi. [99] Dos años después, sin embargo, más del 80 por ciento de las películas hechas en el país todavía eran silenciosas. [100] Dos de los principales directores del país, Mikio Naruse y Yasujirō Ozu , no hicieron sus primeras películas sonoras hasta 1935 y 1936, respectivamente. [101] Todavía en 1938, más de un tercio de todas las películas producidas en Japón se rodaron sin diálogo. [100]
La perdurable popularidad del medio mudo en el cine japonés se debe en gran parte a la tradición del benshi , un narrador en vivo que actuaba como acompañamiento a la proyección de una película. Como el director Akira Kurosawa describió más tarde, el benshi "no solo relató la trama de las películas, sino que realzó el contenido emocional al interpretar las voces y los efectos de sonido y proporcionar descripciones evocadoras de eventos e imágenes en la pantalla ... Los narradores más populares eran estrellas por derecho propio, las únicas responsables del patrocinio de un teatro en particular ". [102] La historiadora de cine Mariann Lewinsky sostiene:
El fin del cine mudo en Occidente y en Japón fue impuesto por la industria y el mercado, no por ninguna necesidad interna o evolución natural ... El cine mudo era una forma sumamente placentera y completamente madura. No le faltaba nada, menos en Japón, donde siempre estaba la voz humana haciendo los diálogos y los comentarios. Las películas sonoras no eran mejores, solo más económicas. Como propietario de un cine, ya no tenías que pagar los salarios de los músicos y el benshi. Y un buen benshi era una estrella que exigía el pago de una estrella. [103]
De la misma manera, la viabilidad del sistema benshi facilitó una transición gradual al sonido, lo que permitió a los estudios distribuir los costos de capital de la conversión ya sus directores y equipos técnicos el tiempo para familiarizarse con la nueva tecnología. [104]
El idioma mandarín Gēnǚ hóng mǔdān (歌女紅牡丹, SingSong chica Peony rojo ), protagonizada por la mariposa Wu, estrenada como primera película sonora característica de China en 1930. En febrero de ese año, la producción aparentemente se completó en una versión sonora de El Diablo de Zona de juegos , posiblemente calificándola como la primera película hablada australiana; sin embargo, la proyección de prensa de mayo de Fellers, ganador del premio Commonwealth Film Contest, es la primera exhibición pública verificable de un cine sonoro australiano. [106] En septiembre de 1930, una canción interpretada por la estrella india Sulochana , extraída del largometraje mudo Madhuri(1928), fue lanzado como un corto de sonido sincronizado, el primero del país. [107] Al año siguiente, Ardeshir Irani dirigió el primer largometraje de habla india, el hindi-urdu Alam Ara , y produjo Kalidas , principalmente en tamil con algo de telugu. En mil novecientos treinta y uno también se vio la primera película en bengalí, Jamai Sasthi , y la primera película totalmente hablada en telugu, Bhakta Prahlada . [108] [109] En 1932, Ayodhyecha Raja se convirtió en la primera película en la que se hablaba marathi para ser estrenada (aunque Sant Tukaram fue el primero en pasar por el proceso de censura oficial); la primera película en gujarati,También debutaron Narsimha Mehta y el talkie totalmente tamil, Kalava . Al año siguiente, Ardeshir Irani produjo el primer talkie en persa, Dukhtar-e-loor . [110] También en 1933, se produjeron las primeras películas en cantonés en Hong Kong: Sha zai dongfang ( La noche de bodas del idiota ) y Liang xing ( Conciencia ); en dos años, la industria cinematográfica local se había convertido por completo en sonido. [111] Corea, donde pyonsa (o byun-sa ) desempeñaba una función y un estatus similares a los del benshi japonés, [112]en 1935 se convirtió en el último país con una industria cinematográfica importante en producir su primera película sonora : Chunhyangjeon (春香 傳/ 춘향전 ) se basa en el cuento popular pansori del siglo XVII " Chunhyangga ", del cual se han realizado hasta quince versiones cinematográficas a través de 2009. [113]
Consecuencias [ editar ]
Tecnología [ editar ]
A corto plazo, la introducción de la grabación de sonido en directo provocó grandes dificultades en la producción. Las cámaras eran ruidosas, por lo que se utilizó un gabinete insonorizado en muchos de los primeros talkies para aislar el equipo ruidoso de los actores, a expensas de una reducción drástica en la capacidad de mover la cámara. Durante un tiempo, se utilizó el disparo con varias cámaras para compensar la pérdida de movilidad y los técnicos de estudio innovadores a menudo podían encontrar formas de liberar la cámara para tomas particulares. La necesidad de permanecer dentro del alcance de los micrófonos fijos significaba que los actores también a menudo tenían que limitar sus movimientos de forma antinatural. Show Girl en Hollywood(1930), de First National Pictures (que Warner Bros. había tomado el control gracias a su rentable aventura en el sonido), ofrece una mirada entre bastidores a algunas de las técnicas involucradas en el rodaje de las primeras películas sonoras. Varios de los problemas fundamentales causados por la transición al sonido se resolvieron pronto con nuevas carcasas de cámara, conocidas como " dirigibles ", diseñadas para suprimir el ruido y los micrófonos boom que podían sostenerse fuera del encuadre y moverse con los actores. En 1931, se introdujo una mejora importante en la fidelidad de reproducción: sistemas de altavoces de tres vías en los que el sonido se separaba en frecuencias bajas, medias y altas y se enviaba respectivamente a un "woofer" de graves grande, un controlador de rango medio y un tweeter de agudos. . " [114]
También hubo consecuencias para otros aspectos tecnológicos del cine. La grabación y reproducción adecuadas de sonido requirió una estandarización exacta de la velocidad de la cámara y el proyector. Antes del sonido, la supuesta norma era de 16 fotogramas por segundo (fps), pero la práctica variaba mucho. Las cámaras a menudo estaban subengranadas o sobrecargadas para mejorar las exposiciones o para lograr un efecto dramático. Los proyectores solían funcionar demasiado rápido para acortar el tiempo de ejecución y exprimir espectáculos adicionales. Sin embargo, la velocidad de fotogramas variable hizo que el sonido no se pudiera escuchar y pronto se estableció un nuevo y estricto estándar de 24 fps. [115] El sonido también obligó al abandono de las ruidosas luces de arco utilizadas para filmar en los interiores de los estudios. El cambio a incandescente silenciosola iluminación, a su vez, requería un cambio a películas más caras. La sensibilidad de la nueva película pancromática proporcionó una calidad tonal de imagen superior y dio a los directores la libertad de filmar escenas con niveles de luz más bajos de lo que era práctico anteriormente. [115]
Como describe David Bordwell , las mejoras tecnológicas continuaron a un ritmo rápido: "Entre 1932 y 1935, [Western Electric y RCA] crearon micrófonos direccionales, aumentaron el rango de frecuencia de grabación de películas, redujeron el ruido de fondo ... y extendieron el rango de volumen". Estos avances técnicos a menudo significaban nuevas oportunidades estéticas: "El aumento de la fidelidad de la grabación ... aumentó las posibilidades dramáticas del timbre vocal, el tono y el volumen". [116] Otro problema básico, famoso en la película Singin 'in the Rain de 1952—Fue que algunos actores de la era del cine mudo simplemente no tenían voces atractivas; Aunque este problema se exageró con frecuencia, hubo preocupaciones relacionadas con la calidad vocal general y el casting de los artistas intérpretes o ejecutantes por sus habilidades dramáticas en roles que también requerían talento para el canto más allá del propio. En 1935, la regrabación de las voces por parte del actor original o de diferentes actores en postproducción, un proceso conocido como "bucle", se había vuelto práctica. El sistema de grabación ultravioleta introducido por RCA en 1936 mejoró la reproducción de sibilantes y notas altas. [117]
Con la adopción generalizada de las películas sonoras por parte de Hollywood, pronto se resolvió la competencia entre los dos enfoques fundamentales para la producción de películas sonoras. En el transcurso de 1930-1931, los únicos actores importantes que usaban sonido en disco, Warner Bros. y First National, cambiaron a la grabación de sonido en película. Sin embargo, la presencia dominante de Vitaphone en los cines equipados con sonido significó que durante años todos los estudios de Hollywood presionaron y distribuyeron versiones de sonido en disco de sus películas junto con copias de sonido en película. [118] Fox Movietone pronto dejó a Vitaphone en desuso como método de grabación y reproducción, dejando dos sistemas estadounidenses importantes: el RCA Photophone de área variable y el propio proceso de densidad variable de Western Electric, una mejora sustancial en Movietone con licencia cruzada. [119]Bajo la instigación de RCA, las dos empresas matrices hicieron compatible su equipo de proyección, lo que significa que las películas filmadas con un sistema podrían proyectarse en salas equipadas para el otro. [120] Esto dejó un gran problema: el desafío Tobis-Klangfilm. En mayo de 1930, Western Electric ganó una demanda en Austria que anuló la protección de ciertas patentes de Tri-Ergon, lo que ayudó a llevar Tobis-Klangfilm a la mesa de negociaciones. [121] Al mes siguiente se llegó a un acuerdo sobre la concesión de licencias cruzadas de patentes, la compatibilidad total con la reproducción y la división del mundo en tres partes para el suministro de equipos. Como describe un informe contemporáneo:
Tobis-Klangfilm tiene los derechos exclusivos para proporcionar equipos para: Alemania, Danzig, Austria, Hungría, Suiza, Checoslovaquia, Holanda, las Indias Holandesas, Dinamarca, Suecia, Noruega, Bulgaria, Rumania, Yugoslavia y Finlandia. Los estadounidenses tienen los derechos exclusivos de Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, India y Rusia. Todos los demás países, entre ellos Italia, Francia e Inglaterra, están abiertos a ambas partes. [122]
El acuerdo no resolvió todas las disputas sobre patentes, y se llevaron a cabo más negociaciones y se firmaron acuerdos a lo largo de la década de 1930. Durante estos años, también, los estudios estadounidenses comenzaron a abandonar el sistema Western Electric por el enfoque de área variable de RCA Photophone; a fines de 1936, solo Paramount, MGM y United Artists todavía tenían contratos con ERPI. [123]
Trabajo [ editar ]
Si bien la introducción del sonido provocó un auge en la industria cinematográfica, tuvo un efecto adverso en la empleabilidad de una gran cantidad de actores de Hollywood de la época. De repente, los estudios consideraban sospechosos a los que no tenían experiencia en el teatro; como se sugirió anteriormente, aquellos cuyos acentos pesados o voces discordantes se habían ocultado anteriormente estaban particularmente en riesgo. La carrera de la gran estrella del cine mudo Norma Talmadge llegó a su fin de esta manera. El célebre actor alemán Emil Jannings regresó a Europa. Los cinéfilos encontraron que la voz de John Gilbert era una combinación incómoda con su personalidad de capa y espada, y su estrella también se desvaneció. [125]El público ahora parecía percibir a ciertas estrellas de la era del cine mudo como anticuadas, incluso aquellas que tenían el talento para triunfar en la era del sonido. La carrera de Harold Lloyd , uno de los mejores comediantes de la pantalla de la década de 1920, decayó vertiginosamente. [126] Lillian Gish se marchó, volvió al escenario, y otras figuras destacadas pronto dejaron la actuación por completo: Colleen Moore , Gloria Swanson y la pareja más famosa de Hollywood, Douglas Fairbanks y Mary Pickford . [127] Después de que su carrera como actor colapsara debido a su acento danés, Karl Dane se suicidó. Como la actriz Louise Brooks sugirió, también hubo otros problemas:
Los jefes de estudio, ahora obligados a tomar decisiones sin precedentes, decidieron comenzar con los actores, la parte menos apetecible y más vulnerable de la producción cinematográfica. Fue una oportunidad tan espléndida, de todos modos, para romper contratos, recortar salarios y domar las estrellas ... Yo, me dieron el tratamiento salarial. Podría quedarme sin el aumento que pedía mi contrato, o renunciar, dijo [el jefe de estudio de Paramount, BP] Schulberg, usando el cuestionable esquivo de si sería bueno para los sonoros. Cuestionable, digo, porque hablaba un inglés decente con una voz decente y venía del teatro. Así que sin dudarlo renuncié. [128]
Buster Keaton estaba ansioso por explorar el nuevo medio, pero cuando su estudio, MGM, hizo el cambio al sonido, rápidamente se vio despojado del control creativo. Aunque varios de los primeros talkies de Keaton obtuvieron ganancias impresionantes, fueron artísticamente pésimos. [129]
Varias de las mayores atracciones del nuevo medio vinieron del vodevil y el teatro musical, donde artistas como Al Jolson , Eddie Cantor , Jeanette MacDonald y los hermanos Marx estaban acostumbrados a las exigencias tanto del diálogo como del canto. [130] James Cagney y Joan Blondell , que habían formado equipo en Broadway, fueron reunidos en Occidente por Warner Bros. en 1930. [131] Algunos actores fueron estrellas importantes tanto en la época muda como en la sonora: John Barrymore , Ronald Colman , Myrna Loy , William Powell y Norma Shearer, el equipo de comedia de Stan Laurel y Oliver Hardy , y Charlie Chaplin , cuyas City Lights (1931) y Modern Times (1936) emplearon el sonido casi exclusivamente para música y efectos. [132] Janet Gaynor se convirtió en una estrella superior con el sonido sincronizado pero sin diálogos Seventh Heaven y Sunrise , al igual que Joan Crawford con Our Dancing Daughters (1928), tecnológicamente similar . [133] Greta Garbo fue la única angloparlante no nativa que mantuvo el estrellato de Hollywood en ambos lados de la gran brecha del sonido. [134] Película mudaextra Clark Gable , quien había recibido un extenso entrenamiento de voz durante su carrera anterior en el escenario, pasó a dominar el nuevo medio durante décadas; De manera similar, el actor inglés Boris Karloff , que había aparecido en docenas de películas mudas desde 1919, encontró que su estrella ascendía en la era del sonido (aunque, irónicamente, fue un papel que no hablaba en Frankenstein de 1931 lo que hizo que esto sucediera, pero a pesar de tener un ceceo , se encontró muy solicitado después). El nuevo énfasis en el discurso también hizo que los productores contrataran a muchos novelistas, periodistas y dramaturgos con experiencia en escribir buenos diálogos. Entre los que se convirtieron en guionistas de Hollywood durante la década de 1930 se encontraban Nathanael West , William Faulkner , Robert Sherwood, Aldous Huxley y Dorothy Parker . [135]
A medida que surgieron las películas sonoras, con sus pistas musicales pregrabadas, un número creciente de músicos de orquesta de cine se encontraron sin trabajo. [136] Se usurpó algo más que su posición como acompañantes de películas; según el historiador Preston J. Hubbard, "Durante la década de 1920, las representaciones musicales en vivo en teatros de estreno se convirtieron en un aspecto sumamente importante del cine estadounidense". [137] Con la llegada de las películas sonoras, las actuaciones destacadas, generalmente realizadas como preludios, también fueron eliminadas en gran medida. La Federación Estadounidense de Músicos sacó anuncios en los periódicos que protestaban por el reemplazo de los músicos en vivo por dispositivos mecánicos para tocar. Un anuncio de 1929 que apareció en Pittsburgh Presspresenta una imagen de una lata con la etiqueta "Música enlatada / Marca de gran ruido / Garantizada para no producir ninguna reacción intelectual o emocional" y dice en parte:
Música enlatada a prueba
Este es el caso del arte frente a la música mecánica en los cines. El acusado está acusado frente al pueblo estadounidense de intento de corrupción de la apreciación musical y desaliento de la educación musical. Los teatros de muchas ciudades ofrecen música mecánica sincronizada como sustituto de la música real. Si el público que va al teatro acepta este vicio de su programa de entretenimiento, es inevitable un declive deplorable del Arte de la Música. Las autoridades musicales saben que el alma del Arte se pierde en la mecanización. No puede ser de otra manera porque la calidad de la música depende del estado de ánimo del artista, del contacto humano, sin el cual se pierde la esencia de la estimulación intelectual y el éxtasis emocional. [138]
Al año siguiente, se informó que 22.000 músicos de cine en Estados Unidos habían perdido sus trabajos. [139]
Comercio [ editar ]
En septiembre de 1926, Jack L. Warner , director de Warner Bros., fue citado en el sentido de que las imágenes sonoras nunca serían viables: "No toman en cuenta el lenguaje internacional de las imágenes mudas y la parte inconsciente de cada espectador en la creación de la obra, la acción, la trama y el diálogo imaginado para él mismo ". [140] Para beneficio de su empresa, se demostraría que estaba muy equivocado: entre los años fiscales 1927-28 y 1928-29, las ganancias de Warner aumentaron de $ 2 millones a $ 14 millones. La película sonora, de hecho, fue una clara bendición para todos los principales actores de la industria. Durante ese mismo período de doce meses, las ganancias de Paramount aumentaron en $ 7 millones, las de Fox en $ 3,5 millones y las de Loew / MGM en $ 3 millones. [141]RKO, que ni siquiera existía en septiembre de 1928 y cuya productora matriz, FBO, estaba en las ligas menores de Hollywood, a fines de 1929 se estableció como una de las empresas de entretenimiento líderes en Estados Unidos. [142] Alimentando el auge fue la aparición de un nuevo género cinematográfico importante hecho posible por el sonido: el musical. Más de sesenta musicales de Hollywood se estrenaron en 1929 y más de ochenta al año siguiente. [143]
Incluso cuando el colapso de Wall Street en octubre de 1929 ayudó a hundir a los Estados Unidos y, en última instancia, a la economía mundial en la depresión , la popularidad de las películas sonoras al principio pareció mantener a Hollywood inmune. La temporada de exposiciones de 1929-30 fue incluso mejor para la industria cinematográfica que la anterior, con la venta de entradas y las ganancias generales alcanzando nuevos máximos. La realidad finalmente golpeó más tarde en 1930, pero el sonido había asegurado claramente la posición de Hollywood como uno de los campos industriales más importantes, tanto comercial como culturalmente, en los Estados Unidos. En 1929, los ingresos de taquilla de las películas representaban el 16,6 por ciento del gasto total de los estadounidenses en recreación; en 1931, la cifra había alcanzado el 21,8 por ciento. El negocio del cine tendría cifras similares durante la próxima década y media.[144] Hollywood también gobernó en el escenario más grande. La industria cinematográfica estadounidense, que ya es la más poderosa del mundo, estableció un récord de exportación en 1929 que, según la medida aplicada de pies totales de película expuesta, fue un 27 por ciento más alto que el año anterior. [145] Las preocupaciones de que las diferencias de idioma obstaculizarían las exportaciones de películas estadounidenses resultaron en gran parte infundadas. De hecho, el costo de la conversión de sonido fue un gran obstáculo para muchos productores extranjeros, relativamente descapitalizados según los estándares de Hollywood. La producción de múltiples versiones de talkies destinados a la exportación en diferentes idiomas (conocida como " Versión en idioma extranjero "), así como la producción de la más económica " Versión de sonido internacional", Un enfoque común en un primer momento, en gran parte cesó a mediados de 1931, sustituido por el post- doblaje y la subtitulación . A pesar de las restricciones comerciales impuestas en la mayoría de los mercados extranjeros, para 1937, las películas estadounidenses ordenaron alrededor del 70 por ciento del tiempo en pantalla en todo el mundo. [146 ]
Así como los principales estudios de Hollywood se beneficiaron del sonido en relación con sus competidores extranjeros, hicieron lo mismo en casa. Como describe el historiador Richard B. Jewell, "La revolución del sonido aplastó a muchas pequeñas compañías y productores de cine que no pudieron satisfacer las demandas financieras de la conversión del sonido". [147] La combinación de sonido y la Gran Depresión llevó a una reorganización generalizada en el negocio, lo que resultó en la jerarquía de las cinco grandes empresas integradas (MGM, Paramount, Fox, Warners, RKO) y los tres estudios más pequeños también llamados "mayores "(Columbia, Universal, United Artists) que predominaría durante la década de 1950. El historiador Thomas Schatz describe los efectos secundarios:
Debido a que los estudios se vieron obligados a agilizar las operaciones y confiar en sus propios recursos, sus estilos de casa individuales y personalidades corporativas entraron en un enfoque mucho más nítido. Por lo tanto, el período decisivo desde la llegada del sonido a la Depresión temprana vio cómo el sistema de estudios finalmente se fusionó, con los estudios individuales llegando a un acuerdo con sus propias identidades y sus respectivas posiciones dentro de la industria. [148]
El otro país en el que el cine sonoro tuvo un impacto comercial importante inmediato fue la India . Como dijo un distribuidor de la época: "Con la llegada de las películas sonoras, la película india se convirtió en una pieza de creación definida y distintiva. Esto se logró mediante la música". [149] Desde sus inicios, el cine sonoro indio ha sido definido por el musical: Alam Ara contó con siete canciones; un año después, Indrasabha presentaría setenta. Mientras que las industrias cinematográficas europeas libraban una batalla interminable contra la popularidad y la fuerza económica de Hollywood, diez años después del debut de Alam Ara , más del 90 por ciento de las películas que se proyectaban en las pantallas indias se hicieron dentro del país. [150]
La mayoría de las primeras películas sonoras de la India se rodaron en Bombay , que sigue siendo el principal centro de producción, pero la realización de películas sonoras pronto se extendió por toda la nación multilingüe. A las pocas semanas del estreno de Alam Ara en marzo de 1931, Madan Pictures, con sede en Calcuta, había lanzado tanto el hindi Shirin Farhad como el bengalí Jamai Sasthi . [151] El Hindustani Heer Ranjha se produjo en Lahore , Punjab , al año siguiente. En 1934, Sati Sulochana , la primera película hablada en kannada que se publicó, fue filmada en Kolhapur , Maharashtra ;Srinivasa Kalyanam se convirtió en el primer talkie tamil filmado en Tamil Nadu . [109] [152] Una vez que aparecieron las primeras funciones de cine sonoro, la conversión a la producción de sonido completa ocurrió tan rápidamente en la India como en los Estados Unidos. Ya en 1932, la mayoría de las producciones cinematográficas estaban en sonido; dos años más tarde, 164 de los 172 largometrajes indios eran películas sonoras. [153] Desde 1934, con la única excepción de 1952, la India ha estado entre los tres principales países productores de películas del mundo cada año. [154]
Calidad estética [ editar ]
En la primera edición de 1930 de su encuesta global The Film Till Now , el experto en cine británico Paul Rotha declaró: "Una película en la que el habla y los efectos de sonido están perfectamente sincronizados y coinciden con su imagen visual en la pantalla es absolutamente contraria a los objetivos del cine. Es un intento degenerado y equivocado de destruir el uso real de la película y no puede aceptarse como si estuviera dentro de los verdaderos límites del cine ". [155]Tales opiniones no eran raras entre quienes se preocupaban por el cine como forma de arte; Alfred Hitchcock, aunque dirigió el primer talkie comercialmente exitoso producido en Europa, sostuvo que "las películas mudas eran la forma más pura de cine" y se burló de muchas de las primeras películas sonoras por ofrecer poco más que "fotografías de personas hablando". [156] En Alemania, Max Reinhardt , productor de teatro y director de cine, expresó la creencia de que los talkies, "traer a la pantalla obras de teatro ... tienden a hacer de este arte independiente una subsidiaria del teatro y realmente lo convierten en solo un sustituto para el teatro en lugar de un arte en sí mismo ... como reproducciones de pinturas ". [157]
En opinión de muchos historiadores y aficionados del cine, tanto en ese momento como posteriormente, el cine mudo había alcanzado un pico estético a finales de la década de 1920 y los primeros años del cine sonoro aportaron poco que fuera comparable a lo mejor de los silencios. [159] Por ejemplo, a pesar de la decoloración en una relativa oscuridad una vez que su época había pasado, cine mudo está representado por once películas en Time Out ' Centenario del Cine Top Cien sondeo s, que tuvo lugar en 1995. El primer año en el que predominaba la producción de la película de sonidos sobre el cine mudo, no solo en Estados Unidos, sino también en Occidente en su conjunto, fue 1929; sin embargo, los años 1929 a 1933 están representados por tres imágenes sin diálogos ( Caja de Pandora [1929], Zemlya [1930],City Lights [1931]) y cero talkies en laencuesta Time Out . ( City Lights , como Sunrise , se lanzó con una partitura grabada y efectos de sonido, pero ahora los historiadores y los profesionales de la industria se refieren habitualmente a él como un diálogo hablado "silencioso" considerado como el factor decisivo que distingue entre cine dramático silencioso y sonoro). La primera película sonora en colocar es la francesa L'Atalante (1934), dirigida por Jean Vigo ; La primera película sonora de Hollywood en calificar es Bringing Up Baby (1938), dirigida por Howard Hawks . [160]
El primer largometraje sonoro que recibió una aprobación crítica casi universal fue Der Blaue Engel ( El ángel azul ); Estrenada el 1 de abril de 1930, fue dirigida por Josef von Sternberg en versiones tanto en alemán como en inglés para el estudio UFA de Berlín . [161] El primer cine sonoro estadounidense en ser ampliamente honrado fue All Quiet on the Western Front , dirigido por Lewis Milestone , que se estrenó el 21 de abril. El otro drama sonoro aclamado internacionalmente del año fue Westfront 1918 , dirigido por GW Pabst para Nero-Film. de Berlín. [162]El historiador Anton Kaes lo señala como un ejemplo de "la nueva verosimilitud [que] hacía anacrónico el antiguo énfasis del cine mudo en la mirada hipnótica y el simbolismo de la luz y la sombra, así como su preferencia por los personajes alegóricos". [158] Los historiadores culturales consideran de gran importancia estética la francesa L'Âge d'Or , dirigida por Luis Buñuel , que apareció a finales de 1930; en ese momento, su contenido erótico, blasfemo y antiburgués provocó un escándalo. Rápidamente prohibido por el jefe de policía de París, Jean Chiappe , no estuvo disponible durante cincuenta años. [163] La primera película sonora ahora reconocida por la mayoría de los historiadores del cine como una obra maestra es M de Nero-Film , dirigida porFritz Lang , que se estrenó el 11 de mayo de 1931. [164] Según lo descrito por Roger Ebert , "Muchos de los primeros talkies sentían que tenían que hablar todo el tiempo, pero Lang permite que su cámara merodee por las calles y se sumerja, proporcionando un ojo de rata vista." [165]
Forma cinematográfica [ editar ]
"La película hablada es tan poco necesaria como un libro de canciones". [166] Tal fue la contundente proclamación del crítico Viktor Shklovsky , uno de los líderes del movimiento formalista ruso , en 1927. Mientras que algunos consideraban que el sonido era irreconciliable con el arte cinematográfico, otros lo veían como la apertura de un nuevo campo de oportunidad creativa. Al año siguiente, un grupo de cineastas soviéticos, incluido Sergei Eisenstein, proclamó que el uso de imagen y sonido en yuxtaposición, el llamado método contrapuntístico, elevaría el cine a "... un poder y una altura cultural sin precedentes. Tal método para construir la película sonora no lo confinará a un ámbito nacional mercado, como debe suceder con la fotografía de obras de teatro, pero dará una mayor posibilidad que nunca para la circulación en todo el mundo de una idea expresada cinematográficamente ". [167]Sin embargo, en lo que respecta a un segmento de la audiencia, la introducción del sonido supuso un final virtual para dicha circulación: Elizabeth C. Hamilton escribe: "Las películas mudas ofrecían a las personas sordas una rara oportunidad de participar en un discurso público, el cine. , en igualdad de condiciones con las personas oyentes. La aparición de las películas sonoras separó de manera efectiva a los espectadores sordos de los oyentes una vez más ". [168]
El 12 de marzo de 1929 se estrenó el primer largometraje hablado realizado en Alemania. La producción inaugural de Tobis Filmkunst, no fue un drama, sino un documental patrocinado por una naviera: Melodie der Welt ( Melodía del mundo ), dirigida por Walter Ruttmann . [170] Esta también fue quizás la primera película en cualquier lugar en explorar de manera significativa las posibilidades artísticas de unir la película con el sonido grabado. Como lo describió el académico William Moritz, la película es "intrincada, dinámica, de ritmo rápido ... yuxtapone [ing] hábitos culturales similares de países de todo el mundo, con una magnífica partitura orquestal ... y muchos efectos de sonido sincronizados". [171] Compositor Lou Lichtveldfue uno de los artistas contemporáneos sorprendidos por la película: " Melodie der Welt se convirtió en el primer documental sonoro importante, el primero en el que los sonidos musicales y no musicales se componían en una sola unidad y en el que la imagen y el sonido son controlados por una misma impulso." [172] Melodie der Welt fue una influencia directa en la película industrial Philips Radio (1931), dirigida por el cineasta de vanguardia holandés Joris Ivens y musicalizada por Lichtveld, quien describió sus objetivos audiovisuales:
Reproducir las impresiones semi-musicales de los sonidos de fábrica en un complejo mundo de audio que pasó de la música absoluta a los ruidos puramente documentales de la naturaleza. En esta película se pueden encontrar todas las etapas intermedias: como el movimiento de la máquina interpretado por la música, los ruidos de la máquina dominando el fondo musical, la música en sí es el documental, y esas escenas donde el sonido puro de la máquina va. solo. [173]
Dziga Vertov realizó muchos experimentos similares en su Entuziazm de 1931 y Chaplin en Modern Times , media década después.
Algunos directores comerciales innovadores vieron de inmediato las formas en que el sonido podría emplearse como parte integral de la narración cinematográfica, más allá de la función obvia de grabar el habla. En Chantaje , Hitchcock manipuló la reproducción del monólogo de un personaje para que la palabra "cuchillo" saltara de una corriente de sonido borrosa, reflejando la impresión subjetiva de la protagonista, que está desesperada por ocultar su participación en un apuñalamiento fatal. [174] En su primera película, The Paramount Applause (1929), Rouben Mamouliancreó la ilusión de profundidad acústica al variar el volumen del sonido ambiental en proporción a la distancia de los disparos. En cierto momento, Mamoulian quería que la audiencia escuchara a un personaje cantando al mismo tiempo que otro reza; según el director, "Dijeron que no podíamos grabar las dos cosas, la canción y la oración, en un micrófono y un canal. Así que le dije al técnico de sonido: '¿Por qué no usar dos micrófonos y dos canales y combinar los ¿Dos pistas en la impresión? '" [175] Estos métodos eventualmente se convertirían en un procedimiento estándar en el cine popular.
Una de las primeras películas comerciales que aprovechó al máximo las nuevas oportunidades que brinda el sonido grabado fue Le Million , dirigida por René Clair y producida por la división francesa de Tobis. Estrenada en París en abril de 1931 y en Nueva York un mes después, la película fue un éxito tanto de crítica como de popularidad. Una comedia musical con una trama básica, es memorable por sus logros formales, en particular, su tratamiento enfáticamente artificial del sonido. Como lo describió el académico Donald Crafton,
Le Million nunca nos deja olvidar que el componente acústico es tanto una construcción como los decorados encalados. [Se] reemplazó el diálogo con actores cantando y hablando en coplas que riman. Clair creó burlas confusiones entre el sonido dentro y fuera de la pantalla. También experimentó con trucos de audio asincrónicos, como en la famosa escena en la que la persecución de un abrigo se sincroniza con los vítores de una multitud invisible de fútbol (o rugby). [176]
Estas y otras técnicas similares se convirtieron en parte del vocabulario de la película de comedia sonora, aunque como efectos especiales y "color", no como base para el tipo de diseño integral y no naturalista logrado por Clair. Fuera del campo de la comedia, el tipo de juego audaz con el sonido ejemplificado por Melodie der Welt y Le Million se perseguiría muy raramente en la producción comercial. Hollywood, en particular, incorporó el sonido a un sistema confiable de realización cinematográfica basada en el género , en el que las posibilidades formales del nuevo medio estaban subordinadas a los objetivos tradicionales de afirmación de estrellas y narración directa. Como predijo con precisión en 1928 Frank Woods , secretario de laAcademia de Artes y Ciencias Cinematográficas , "Las películas habladas del futuro seguirán la línea general de tratamiento desarrollada hasta ahora por el drama mudo ... Las escenas habladas requerirán un manejo diferente, pero la construcción general de la historia será mucho mayor. lo mismo." [177]
Ver también [ editar ]
- Categoría: Producción de sonido cinematográfico para artículos relacionados con el desarrollo de la grabación de sonido cinematográfico
- Historia del cine
- Lista de sistemas de sonido de películas
- Etapa de sonido
- El Fotoplayer estadounidense
Notas [ editar ]
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- ↑ El ingeniero de sonido Mark Ulano, en "Las películas nacen como hijos del fonógrafo" (parte 2 de su ensayo "Imágenes en movimiento que hablan"), describe la versión Phono-Cinéma-Théâtre del cine sonoro sincronizado:
Este sistema utilizaba una forma de sincronización primitiva sin vinculación ajustada por el operador. Las escenas que se mostrarán se filmaron primero, y luego los intérpretes grabaron sus diálogos o canciones en el Lioretograph (generalmente un fonógrafo de formato cilíndrico de concierto de Le Éclat) tratando de hacer coincidir el tempo con la actuación filmada proyectada. Al mostrar las películas, se logró una especie de sincronización ajustando la velocidad del proyector de películas con manivela para que coincidiera con el fonógrafo. el proyeccionista estaba equipado con un teléfono a través del cual escuchaba el fonógrafo que estaba ubicado en el foso de la orquesta.
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- ↑ Los primeros lanzamientos oficiales de RKO (que solo producían imágenes que hablaban en su totalidad) aparecieron aún más tarde en el año, pero después de la fusión de octubre de 1928 que lo creó, la compañía lanzó una serie de películas sonoras producidas por su componente FBO.
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- ↑ Como informa Thomas J. Saunders (1994), se estrenó el mismo mes en Berlín, pero en forma silenciosa. "No fue hasta junio de 1929 que Berlín experimentó la sensación de sonido como Nueva York en 1927: un estreno con diálogos y canciones": The Singing Fool (p. 224). En París, The Jazz Singer tuvo su estreno sonoro en enero de 1929 (Crisp [1997], p. 101).
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Enlaces externos [ editar ]
- Film Sound History Bibliografía bien organizada de artículos y recursos en línea; parte del sitio web de FilmSound
- Las listas de Hollywood Goes for Sound muestran la transición a la producción de sonido por parte de los estudios de Hollywood, 1928-1929; parte del sitio web de Terra Media
- Progressive Silent Film List (PSFL) / Early Sound Films Lista completa y detallada de la primera generación de películas sonoras de todo el mundo; parte del sitio web de Silent Era
- Historia de la tecnología de grabación cronología extensa de desarrollos, incluidos subsitios, por Steven E. Schoenherr; ver, en particular, Motion Picture Sound
- Una bibliografía seleccionada de sonido y música para imágenes en movimiento compilada por Miguel Mera, Royal College of Music, Londres; parte del sitio web de School of Sound
- The Silent Film Bookshelf enlaza con documentos de origen primarios y secundarios cruciales, algunos de los cuales cubren la era de la transición al sonido.
- Escenario de sonido: la historia de la imagen en movimiento Encuesta ilustrada informativa de sonido ; parte del sitio web del American WideScreen Museum
- J. Domański "Sincronización matemática de imagen y sonido en una película de animación"
- 1913 añadir para Vivaphone
Escritos históricos [ editar ]
- "El asincronismo como principio del cine sonoro" ensayo de 1934 del cineasta y teórico Vsevolod Pudovkin
- Ensayo "Diálogo y sonido" del historiador y crítico de cine Siegfried Kracauer ; publicado por primera vez en su libro Theory of Film: The Redemption of Physical Reality (1960)
- Ensayo "The Film to Come" del productor y compositor Guido Bagier; publicado por primera vez en Film-Kurier , 7 de enero de 1928
- Manual técnico para proyeccionistas que cubre todos los sistemas principales de EE. UU. emitido por RCA Photophone, 1930
- Cronología del "Desarrollo histórico de las películas sonoras" , del pionero de las películas sonoras, EI Sponable; publicado por primera vez en el Journal of the Society of Motion Picture Engineers , abril / mayo de 1947
- "Señora, ¿habla usted?" artículo sobre la historia de las primeras investigaciones de Bell Laboratories sobre películas sonoras, por Stanley Watkins, ingeniero de Western Electric; publicado por primera vez en Bell Laboratories Record , agosto de 1946
- Manifiesto corporativo "Fusión de la industria del cine sonoro: la agenda fundacional de Tobis" publicado por primera vez en Film-Kurier , 20 de julio de 1928
- "El Comunicado Oficial: Fundamentos de las perspectivas de ventas del acuerdo de cine sonoro para la industria electrónica alemana", artículo publicado por primera vez en Film-Kurier , 23 de julio de 1930
- Instrucciones de funcionamiento del equipo de reproducción síncrona manual técnico para el sistema de proyección de sonido teatral Western Electric; emitido por ERPI, diciembre de 1928
- "Resultado de París: Acuerdo firmado / Intercambiabilidad total — Globo dividido en tres zonas de patentes — Intercambio de patentes", artículo publicado por primera vez en Film-Kurier , 22 de julio de 1930
- Reseña de " The Singing Fool " por el teórico y crítico cinematográfico Rudolf Arnheim , ca. 1929
- Ensayo de 1929 "Sound-Film Confusion" de Rudolf Arnheim
- Ensayo "Sonido aquí y allá" del compositor Paul Dessau ; publicado por primera vez en Der Film , 1 de agosto de 1929
- Ensayo "Sonido en el cine" del director Alberto Cavalcanti ; publicado por primera vez en Films , noviembre de 1939
- "Teoría del Cine: Sonido" ensayo de 1945 del teórico y crítico cinematográfico Béla Balázs
- Ensayo profético "Lo que la radio ha significado para las películas que hablan" del ingeniero de sonido de Universal Charles Feldstead; publicado por primera vez en Radio News , abril de 1931
Películas históricas [ editar ]
- Ben Bernie and All the Lads extractos de ca. 1924 Película sonora de Phonofilm; en el sitio web de The Red Hot Jazz Archive
- A Few Minutes with Eddie Cantor 1924 Película sonora de Phonofilm; en Archive.org
- Gus Visser and His Singing Duck 1925 Película sonora de Theodore Case ; en Youtube
- Presidente Coolidge, tomada en el césped de la Casa Blanca 1924 Película sonora de Phonofilm; en Archive.org
