El blues es un género musical [3] y una forma musical que se originó en el sur profundo de los Estados Unidos alrededor de la década de 1860 [2] por afroamericanos con raíces en canciones de trabajo afroamericanas y espirituales . Blues Incorporated espirituales , canciones de trabajo , grita de campo , gritos , cantos , y rimadas narrativas simples baladas . La forma de blues, omnipresente en el jazz , el rhythm and blues y el rock and roll , se caracteriza por lapatrón de llamada y respuesta , la escala de blues y progresiones de acordes específicas , de las cuales el blues de doce compases es el más común. Las notas azules (o "notas preocupadas"), generalmente tercios, quintos o séptimos aplastados en el tono también son una parte esencial del sonido. Los blues shuffles o walking bass refuerzan el ritmo de trance y forman un efecto repetitivo conocido como groove .
Blues | |
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Orígenes estilísticos | |
Origen cultural | Década de 1860, [2] Sur profundo , EE. UU. |
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Géneros de fusión | |
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El blues como género también se caracteriza por sus letras, líneas de bajo e instrumentación. Los primeros versos tradicionales de blues consistían en una sola línea repetida cuatro veces. Fue solo en las primeras décadas del siglo XX que la estructura actual más común se convirtió en estándar: el patrón AAB , que consiste en una línea cantada sobre los cuatro primeros compases, su repetición en los cuatro siguientes, y luego una línea final más larga sobre los cuatro primeros compases. últimos compases. El blues temprano con frecuencia tomaba la forma de una narrativa suelta, que a menudo relacionaba la discriminación racial y otros desafíos experimentados por los afroamericanos.
Muchos elementos, como el formato de llamada y respuesta y el uso de notas azules, se remontan a la música de África . Los orígenes del blues también están estrechamente relacionados con la música religiosa de la comunidad afroamericana, la espiritual . La primera aparición del blues a menudo se remonta al final de la esclavitud y, más tarde, al desarrollo de las articulaciones juke . Está asociado con la libertad recién adquirida de los antiguos esclavos. Los cronistas comenzaron a informar sobre la música blues a principios del siglo XX. La primera publicación de partituras de blues fue en 1908. Desde entonces, el blues ha evolucionado de la música vocal no acompañada y las tradiciones orales de los esclavos a una amplia variedad de estilos y subgéneros. Los subgéneros del blues incluyen el country blues , como el blues delta y el blues de Piedmont , así como los estilos de blues urbano como el blues de Chicago y el blues de la costa oeste . La Segunda Guerra Mundial marcó la transición del blues acústico al eléctrico y la apertura progresiva de la música blues a un público más amplio, especialmente a los oyentes blancos. En las décadas de 1960 y 1970, se desarrolló una forma híbrida llamada blues rock , que mezclaba estilos de blues con música rock .
Etimología
El término Blues puede provenir de "diablos azules", que significa melancolía y tristeza; un uso temprano del término en este sentido es en la farsa en un acto Blue Devils (1798) de George Colman . [4] La frase diablos azules también puede haberse derivado de Gran Bretaña en el siglo XVII, cuando el término se refería a las "alucinaciones visuales intensas que pueden acompañar a la abstinencia alcohólica severa". [5] Con el paso del tiempo, la frase perdió la referencia a los demonios y pasó a significar un estado de agitación o depresión. [5] En la década de 1800 en los Estados Unidos, el término blues se asoció con beber alcohol, un significado que sobrevive en la frase ley azul , que prohíbe la venta de alcohol los domingos. [5] Aunque el uso de la frase en la música afroamericana puede ser más antiguo, se ha atestiguado en forma impresa desde 1912, cuando " Dallas Blues " de Hart Wand se convirtió en la primera composición de blues con derechos de autor. [6] [7]
En la letra, la frase se usa a menudo para describir un estado de ánimo deprimido . [8]
En 1827, en el sentido de un estado de ánimo triste, John James Audubon le escribió a su esposa que "tenía blues". [9]
La frase "the blues" fue escrita por Charlotte Forten , entonces de 25 años, en su diario el 14 de diciembre de 1862. Era una negra nacida libre de Pensilvania que trabajaba como maestra de escuela en Carolina del Sur, instruyendo tanto a esclavos como a libertos. y escribió que "llegó a casa con el blues" porque se sentía sola y se compadecía de sí misma. Ella superó su depresión y luego notó una serie de canciones, como Poor Rosy , que eran populares entre los esclavos. Aunque admitió no poder describir la forma de cantar que escuchó, Forten escribió que las canciones "no se pueden cantar sin un corazón lleno y un espíritu atribulado", condiciones que han inspirado innumerables canciones de blues. [10]
Letra
La letra de los primeros versos tradicionales de blues probablemente a menudo consistía en una sola línea repetida cuatro veces. Fue sólo en las primeras décadas del siglo XX que la estructura actual más común se convirtió en estándar: el llamado patrón "AAB", que consiste en una línea cantada en los cuatro primeros compases, su repetición en los cuatro siguientes, y luego una línea de conclusión más larga sobre las últimas barras. [11] Dos de las primeras canciones de blues publicadas, " Dallas Blues " (1912) y " Saint Louis Blues " (1914), eran blues de 12 compases con la estructura lírica AAB. WC Handy escribió que adoptó esta convención para evitar la monotonía de las líneas repetidas tres veces. [12] Las líneas se cantan a menudo siguiendo un patrón más cercano al habla rítmica que a una melodía.
Los primeros blues con frecuencia tomaban la forma de una narrativa suelta. Los cantantes afroamericanos expresaron sus "problemas personales en un mundo de dura realidad: un amor perdido, la crueldad de los oficiales de policía, la opresión a manos de los blancos, [y] tiempos difíciles". [13] Esta melancolía ha llevado a la sugerencia de un origen Igbo para el blues debido a la reputación que los Igbo tenían en las plantaciones de América por su música melancólica y su visión de la vida cuando fueron esclavizados. [14] [15]
Las letras a menudo relatan problemas experimentados dentro de la sociedad afroamericana. Por ejemplo , "Rising High Water Blues" (1927) de Blind Lemon Jefferson habla de la gran inundación de Mississippi de 1927 :
El remanso se levanta, la gente del sur no puede hacer nada de tiempo
Dije, el remanso se levanta, la gente del sur no puede hacer nada de
tiempoY no puedo escuchar a esa chica mía de Memphis
Aunque el blues se asoció con la miseria y la opresión, la letra también podría ser humorística y obscena: [16]
Rebecca, Rebecca, quítame tus piernas grandes,
Rebecca, Rebecca, quítame tus piernas grandes.
Puede que te esté enviando un bebé, pero me preocupa muchísimo. [17]
Hokum blues celebró tanto el contenido lírico cómico como un estilo de actuación bullicioso y ridículo . [18] El clásico de Tampa Red "Tight Like That" (1928) es un juego de palabras astuto con el doble significado de ser "apretado" con alguien junto con una familiaridad física más lasciva. Las canciones de blues con letras sexualmente explícitas se conocían como blues sucio . El contenido lírico se volvió un poco más simple en el blues de la posguerra, que tendía a centrarse en problemas de relación o preocupaciones sexuales. Los temas líricos que aparecían con frecuencia en el blues de antes de la guerra, como la depresión económica, la agricultura, los demonios, el juego, la magia, las inundaciones y la sequía, eran menos comunes en el blues de la posguerra. [19]
El escritor Ed Morales afirmó que la mitología yoruba jugó un papel en el blues temprano, citando " Cross Road Blues " de Robert Johnson como una "referencia apenas velada a Eleggua , el orisha a cargo de la encrucijada". [20] Sin embargo, la influencia cristiana fue mucho más obvia. [21] El repertorio de muchos artistas de blues seminales, como Charley Patton y Skip James , incluía canciones religiosas o espirituales. [22] El reverendo Gary Davis [23] y Blind Willie Johnson [24] son ejemplos de artistas a menudo clasificados como músicos de blues por su música, aunque sus letras pertenecen claramente a espirituales.
Formulario
La forma de blues es una forma musical cíclica en la que una progresión repetida de acordes refleja el esquema de llamada y respuesta que se encuentra comúnmente en la música africana y afroamericana. Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no se definió claramente en términos de una progresión de acordes en particular. [25] Con la popularidad de los primeros intérpretes, como Bessie Smith , el uso del blues de doce compases se extendió por la industria de la música durante las décadas de 1920 y 1930. [26] Otras progresiones de acordes, como las formas de 8 compases , todavía se consideran blues; los ejemplos incluyen " How Long Blues ", " Trouble in Mind " y " Key to the Highway " de Big Bill Broonzy . También hay blues de 16 compases , como el instrumental "Sweet 16 Bars" de Ray Charles y " Watermelon Man " de Herbie Hancock . Ocasionalmente se utilizan números idiosincrásicos de compases, como la progresión de 9 compases en " Sentado en la cima del mundo ", de Walter Vinson .
Acordes tocados en un esquema de 12 compases: | Acordes para blues en C: | ||||||||||||||||||||||||
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El marco lírico básico de 12 compases de una composición de blues se refleja en una progresión armónica estándar de 12 compases en un compás de 4/4 . Los acordes de blues asociados a un blues de doce compases suelen ser un conjunto de tres acordes diferentes tocados en un esquema de 12 compases. Están etiquetados con números romanos que se refieren a los grados de progresión. Por ejemplo, para un blues en la clave de C, C es el acorde tónico (I) y F es el subdominante (IV).
El último acorde es el giro dominante (V) , que marca la transición al comienzo de la siguiente progresión. La letra generalmente termina en el último tiempo del décimo compás o en el primer compás del undécimo compás, y los dos últimos compases se le dan al instrumentista como una pausa; la armonía de esta ruptura de dos compases, el cambio, puede ser extremadamente compleja, a veces consta de notas individuales que desafían el análisis en términos de acordes.
La mayor parte del tiempo, algunos o todos estos acordes se tocan en la forma armónica de séptima (séptima). El uso del intervalo de séptima armónica es característico del blues y se le llama popularmente el "siete de blues". [27] Los siete acordes de blues agregan al acorde armónico una nota con una frecuencia en una proporción de 7: 4 a la nota fundamental. En una proporción de 7: 4, no se acerca a ningún intervalo en la escala diatónica occidental convencional . [28] Por conveniencia o por necesidad, a menudo se aproxima mediante un intervalo de séptima menor o un acorde de séptima dominante .
En melodía , el blues se distingue por el uso de la tercera , quinta y séptima plana de la escala mayor asociada . [29]
Los blues shuffles o walking bass refuerzan el ritmo de trance y la llamada y respuesta, y forman un efecto repetitivo llamado groove . Característico del blues desde sus orígenes afroamericanos, el shuffles jugó un papel central en la música swing . [30] Los shuffles más simples, que fueron la firma más clara de la ola de R&B que comenzó a mediados de la década de 1940, [31] fueron un riff de tres notas en las cuerdas del bajo de la guitarra. Cuando este riff se tocó sobre el bajo y la batería, se creó la "sensación" de groove. El ritmo aleatorio se vocaliza a menudo como " dow , da dow , da dow , da" o " dump , da dump , da dump , da": [32] consta de corcheas desiguales o "balanceadas". En una guitarra, esto se puede tocar como un bajo simple y constante o se puede agregar a ese movimiento de nota negra paso a paso desde la quinta a la sexta del acorde y viceversa.
Historia
Orígenes
La primera publicación de partituras de blues puede haber sido "I Got the Blues", publicada por el músico de Nueva Orleans Antonio Maggio en 1908 y descrita como "la primera composición publicada conocida por vincular la condición de tener blues con la forma musical que se convertiría en popularmente conocido como 'el blues' ". [33] " Dallas Blues "de Hart Wand se publicó en 1912; El mismo año le siguió " The Memphis Blues " de WC Handy . La primera grabación de un cantante afroamericano fue la versión de 1920 de Mamie Smith de " Crazy Blues " de Perry Bradford . Pero los orígenes del blues fueron algunas décadas antes, probablemente alrededor de 1890. [34] Esta música está pobremente documentada, en parte debido a la discriminación racial en la sociedad estadounidense, incluidos los círculos académicos, [35] y en parte debido a la baja tasa de alfabetización entre afroamericanos rurales en ese momento. [36]
Los informes sobre la música blues en el sur de Texas y el sur profundo se escribieron a principios del siglo XX. Charles Peabody mencionó la aparición de la música blues en Clarksdale, Mississippi , y Gate Thomas informó sobre canciones similares en el sur de Texas alrededor de 1901-1902. Estas observaciones coinciden más o menos con los recuerdos de Jelly Roll Morton , quien dijo que escuchó por primera vez música blues en Nueva Orleans en 1902; Ma Rainey , quien recordaba haber escuchado el blues por primera vez el mismo año en Missouri ; y WC Handy , que escuchó por primera vez el blues en Tutwiler, Mississippi , en 1903. Howard W. Odum , quien publicó una antología de canciones populares del condado de Lafayette, Mississippi , y del condado de Newton, Georgia, realizó la primera investigación extensa en el campo . , entre 1905 y 1908. [37] Las primeras grabaciones no comerciales de música blues, denominadas proto-blues por Paul Oliver , fueron realizadas por Odum con fines de investigación a principios del siglo XX. Ahora están perdidos. [38]
Otras grabaciones que todavía están disponibles fueron hechas en 1924 por Lawrence Gellert . Más tarde, Robert W. Gordon , quien se convirtió en director del Archivo de Canciones Populares Estadounidenses de la Biblioteca del Congreso , realizó varias grabaciones . El sucesor de Gordon en la biblioteca fue John Lomax . En la década de 1930, Lomax y su hijo Alan hicieron una gran cantidad de grabaciones de blues no comerciales que dan testimonio de la gran variedad de estilos de proto-blues, como los gritos de campo y los gritos de timbre . [39] También se puede encontrar un registro de música blues tal como existía antes de 1920 en las grabaciones de artistas como Lead Belly [40] y Henry Thomas . [41] Todas estas fuentes muestran la existencia de muchas estructuras diferentes distintas de doce , ocho o dieciséis barras . [42] [43] Las razones sociales y económicas de la aparición del blues no se conocen completamente. [44] La primera aparición del blues suele fecharse después de la Ley de Emancipación de 1863 , [35] entre las décadas de 1860 y 1890, [2] un período que coincide con la post- emancipación y más tarde, el establecimiento de los juke joint como lugares donde los negros fue a escuchar música, bailar o apostar después de un duro día de trabajo. [45] Este período corresponde a la transición de la esclavitud a la aparcería, la producción agrícola a pequeña escala y la expansión de los ferrocarriles en el sur de los Estados Unidos. Varios académicos caracterizan el desarrollo de la música blues a principios del siglo XX como un paso de la interpretación grupal a la interpretación individualizada. Argumentan que el desarrollo del blues está asociado con la libertad recién adquirida de las personas esclavizadas. [46]
Según Lawrence Levine, "había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues". Levine afirmó que "psicológica, social y económicamente, los afroamericanos estaban siendo aculturados de una manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y no es de extrañar que su música secular refleje esto tanto como su música religiosa". [46]
Hay pocas características comunes a toda la música blues, porque el género tomó su forma a partir de la idiosincrasia de los intérpretes individuales. [47] Sin embargo, hay algunas características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno. Los gritos de llamada y respuesta fueron una forma temprana de música tipo blues; eran una "expresión funcional ... estilo sin acompañamiento ni armonía y sin la formalidad de ninguna estructura musical en particular". [48] Una forma de este pre-blues se escuchó en gritos de anillo de esclavos y gritos de campo , expandidos a "simples canciones en solitario cargadas de contenido emocional". [49]
El blues ha evolucionado desde la música vocal no acompañada y las tradiciones orales de esclavos importados de África occidental y negros rurales a una amplia variedad de estilos y subgéneros, con variaciones regionales en los Estados Unidos. Aunque el blues (como se lo conoce ahora) puede verse como un estilo musical basado tanto en la estructura armónica europea como en la tradición africana de llamada y respuesta que se transformó en una interacción de voz y guitarra, [50] [51] la forma del blues en sí no se parece en nada a los estilos melódicos de los griots de África occidental . [52] [53] Además, existen teorías de que la estructura de cuatro tiempos por compás del blues podría tener su origen en la tradición de los nativos americanos de tocar la batería pow wow . [54]
Ninguna forma musical africana específica puede identificarse como el único antepasado directo del blues. [55] Sin embargo, el formato de llamada y respuesta se remonta a la música de África . Que las notas azules son anteriores a su uso en el blues y tienen un origen africano lo atestigua "A Negro Love Song", del compositor inglés Samuel Coleridge-Taylor , de su Suite africana para piano , escrita en 1898, que contiene un tercio y un séptimo azul. notas . [56]
El arco de Diddley (un instrumento casero de una cuerda que se encuentra en partes del sur de Estados Unidos a principios del siglo XX) y el banjo son instrumentos de origen africano que pueden haber ayudado en la transferencia de técnicas de interpretación africanas al vocabulario instrumental del blues temprano. [57] El banjo parece ser directamente importado de la música de África Occidental. Es similar al instrumento musical que tocaban los griots y otros africanos como los igbo [58] (llamado halam o akonting por los pueblos africanos como los wolof , fula y mandinka ). [59] Sin embargo, en la década de 1920, cuando se empezó a grabar country blues, el uso del banjo en la música blues era bastante marginal y se limitaba a individuos como Papa Charlie Jackson y más tarde Gus Cannon . [60]
La música blues también adoptó elementos de los "aires etíopes", espectáculos de juglares y espirituales negros , incluido el acompañamiento instrumental y armónico. [61] El estilo también estaba estrechamente relacionado con el ragtime , que se desarrolló aproximadamente al mismo tiempo, aunque el blues conservó mejor "los patrones melódicos originales de la música africana". [62]
Las formas y estilos musicales que ahora se consideran el blues y la música country moderna surgieron en las mismas regiones del sur de los Estados Unidos durante el siglo XIX. El blues y la música country grabados se remontan a la década de 1920, cuando la industria discográfica creó las categorías de marketing " música racial " y " música hillbilly " para vender música de negros para negros y de blancos para blancos, respectivamente. En ese momento, no había una división musical clara entre "blues" y "country", excepto por el origen étnico del intérprete, e incluso eso a veces fue documentado incorrectamente por las compañías discográficas. [63] [64]
Aunque los musicólogos ahora pueden intentar definir el blues de manera estricta en términos de ciertas estructuras de acordes y formas líricas que se cree que se originaron en África Occidental, el público originalmente escuchó la música de una manera mucho más general: era simplemente la música del sur rural, en particular. el delta del Mississippi. Los músicos blancos y negros compartían el mismo repertorio y se consideraban " cantantes " en lugar de músicos de blues. La noción de blues como un género separado surgió durante la migración negra del campo a las áreas urbanas en la década de 1920 y el desarrollo simultáneo de la industria discográfica. Blues se convirtió en una palabra clave para un disco diseñado para venderse a oyentes negros. [sesenta y cinco]
Los orígenes del blues están estrechamente relacionados con la música religiosa de la comunidad afroamericana, la espiritual . Los orígenes de los espirituales se remontan mucho más allá del blues, por lo general se remontan a mediados del siglo XVIII, cuando los esclavos se cristianizaron y comenzaron a cantar y tocar himnos cristianos , en particular los de Isaac Watts , que eran muy populares. [66] Antes de que el blues ganara su definición formal en términos de progresiones de acordes, se definía como la contraparte secular de los espirituales. Era la música baja que tocaban los negros de las zonas rurales. [21]
Dependiendo de la comunidad religiosa a la que perteneciera un músico, se consideraba más o menos un pecado tocar esta música tan baja: el blues era la música del diablo. Por lo tanto, los músicos se dividieron en dos categorías: cantantes de gospel y cantantes de blues, predicadores de guitarra y cantantes. Sin embargo, cuando la música negra rural comenzó a grabarse en la década de 1920, ambas categorías de músicos utilizaron técnicas similares: patrones de llamada y respuesta, notas azules y guitarras deslizantes. Sin embargo, la música gospel utilizaba formas musicales que eran compatibles con los himnos cristianos y, por lo tanto, estaban menos marcadas por la forma del blues que su contraparte secular. [21]
Blues de antes de la guerra
La industria editorial estadounidense de partituras produjo una gran cantidad de música ragtime . En 1912, la industria de las partituras había publicado tres populares composiciones similares al blues, lo que precipitó la adopción de Tin Pan Alley de elementos del blues: "Baby Seals 'Blues", de "Baby" Franklin Seals (arreglos de Artie Matthews ); "Dallas Blues", de Hart Wand ; y " The Memphis Blues ", de WC Handy . [67]
Handy fue un músico, compositor y arreglista de formación formal que ayudó a popularizar el blues transcribiendo y orquestando blues en un estilo casi sinfónico, con bandas y cantantes. Se convirtió en un compositor popular y prolífico, y se promocionó a sí mismo como el "Padre del Blues"; sin embargo, sus composiciones pueden describirse como una fusión de blues con ragtime y jazz, una fusión facilitada utilizando el ritmo de la habanera cubana que había sido durante mucho tiempo parte del ragtime; [20] [68] El trabajo característico de Handy fue el " Saint Louis Blues ".
En la década de 1920, el blues se convirtió en un elemento importante de la música popular afroamericana y estadounidense, llegando al público blanco a través de los arreglos de Handy y las clásicas intérpretes de blues. El blues evolucionó desde actuaciones informales en bares hasta entretenimiento en teatros. Las actuaciones de blues fueron organizadas por la Theatre Owners Bookers Association en clubes nocturnos como el Cotton Club y locales de música como los bares a lo largo de Beale Street en Memphis. Varias compañías discográficas, como American Record Corporation , Okeh Records y Paramount Records , comenzaron a grabar música afroamericana.
A medida que la industria discográfica crecía, artistas de country blues como Bo Carter , Jimmie Rodgers , Blind Lemon Jefferson , Lonnie Johnson , Tampa Red y Blind Blake se hicieron más populares en la comunidad afroamericana. Sylvester Weaver, nacido en Kentucky, fue en 1923 el primero en grabar el estilo de guitarra slide , en el que una guitarra se trastea con una hoja de cuchillo o con el cuello recortado de una botella. [69] La guitarra slide se convirtió en una parte importante del blues de Delta . [70] Las primeras grabaciones de blues de la década de 1920 se clasifican como un blues rural tradicional y un blues urbano o urbano más pulido.
Los intérpretes de country blues a menudo improvisaban, sin acompañamiento o con solo un banjo o una guitarra. Los estilos regionales de country blues variaron ampliamente a principios del siglo XX. El blues del Delta (Mississippi) era un estilo escaso y arraigado con voces apasionadas acompañadas de una guitarra de diapositivas. El poco grabado Robert Johnson [71] combinó elementos de blues urbano y rural. Además de Robert Johnson, los artistas influyentes de este estilo incluyeron a sus predecesores Charley Patton y Son House . Cantantes como Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller realizan en el sureste "delicada y lírica" Piedmont blues de la tradición, que utiliza una red basada en el ragtime elaborado punteo técnica de la guitarra. Georgia también tuvo una tradición de slide temprana, [72] con Curley Weaver , Tampa Red , "Barbecue Bob" Hicks y James "Kokomo" Arnold como representantes de este estilo. [73]
El animado estilo de blues de Memphis , que se desarrolló en las décadas de 1920 y 1930 cerca de Memphis, Tennessee , fue influenciado por bandas como la Memphis Jug Band o la Jug Stompers de Gus Cannon . Artistas como Frank Stokes , Sleepy John Estes , Robert Wilkins , Joe McCoy , Casey Bill Weldon y Memphis Minnie utilizaron una variedad de instrumentos inusuales como tabla de lavar , violín , cazoo o mandolina . Memphis Minnie era famosa por su virtuoso estilo de guitarra. El pianista Memphis Slim comenzó su carrera en Memphis, pero su estilo distintivo era más suave y tenía algunos elementos de swing. Muchos músicos de blues con base en Memphis se mudaron a Chicago a fines de la década de 1930 o principios de la de 1940 y se convirtieron en parte del movimiento de blues urbano. [74] [75]
Blues urbano
Los estilos de blues urbano o de ciudad estaban más codificados y elaborados, ya que un intérprete ya no estaba dentro de su comunidad local inmediata y tenía que adaptarse a la estética de una audiencia más amplia y variada. [76] Las cantantes clásicas de blues urbano y de vodevil eran populares en la década de 1920, entre ellas "las tres grandes": Gertrude "Ma" Rainey , Bessie Smith y Lucille Bogan . Mamie Smith , más intérprete de vodevil que artista de blues, fue el primer afroamericano en grabar una canción de blues en 1920; su segundo disco, "Crazy Blues", vendió 75.000 copias en su primer mes. [77] Ma Rainey , la "Madre del Blues", y Bessie Smith, cada una "[cantaron] alrededor de los tonos centrales, tal vez para proyectar su voz más fácilmente al fondo de una habitación". Smith "cantaba una canción en un tono inusual, y su habilidad para doblar y estirar notas con su hermosa y poderosa contralto para adaptarse a su propia interpretación era insuperable". [78]
En 1920, la cantante de vodevil Lucille Hegamin se convirtió en la segunda mujer negra en grabar blues cuando grabó "The Jazz Me Blues", [79] y Victoria Spivey , a veces llamada Queen Victoria o Za Zu Girl, tuvo una carrera discográfica que comenzó en 1926 y abarcó cuarenta años. Estas grabaciones se etiquetaban típicamente como " récords de carrera " para distinguirlas de los discos vendidos a audiencias blancas. No obstante, los compradores blancos también compraron las grabaciones de algunas de las cantantes de blues femeninas clásicas. [80] Las contribuciones de estas mujeres de blues al género incluyeron "una mayor improvisación en líneas melódicas, frases inusuales que alteraron el énfasis y el impacto de las letras y dramatizaciones vocales utilizando gritos, quejidos, gemidos y lamentos. Las mujeres de blues así efectuaron cambios en otras tipos de canto popular que han tenido repercusiones en el jazz, los musicales de Broadway , las antorchas de las décadas de 1930 y 1940, el gospel , el rhythm and blues y, finalmente, el rock and roll ". [81]
Los artistas masculinos urbanos incluían músicos negros populares de la época, como Tampa Red , Big Bill Broonzy y Leroy Carr . Un sello importante de esta época fue Bluebird Records, con sede en Chicago . Antes de la Segunda Guerra Mundial, Tampa Red se conocía a veces como "el mago de la guitarra". Carr se acompañó al piano con Scrapper Blackwell a la guitarra, un formato que continuó hasta bien entrada la década de 1950 con artistas como Charles Brown e incluso Nat "King" Cole . [70]
El boogie-woogie fue otro estilo importante del blues urbano de los años treinta y principios de los cuarenta. Si bien el estilo a menudo se asocia con el piano solo, el boogie-woogie también se usó para acompañar a los cantantes y, como parte solista, en bandas y pequeños combos. El estilo Boogie-Woogie se caracterizó por una figura de bajo regular, un ostinato o riff y cambios de nivel en la mano izquierda, elaborando cada acorde y trinos y decoraciones en la mano derecha. Boogie-woogie fue iniciado por Jimmy Yancey, con sede en Chicago, y el Trío Boogie-Woogie ( Albert Ammons , Pete Johnson y Meade Lux Lewis ). [82] Los artistas del boogie-woogie de Chicago incluyeron a Clarence "Pine Top" Smith y Earl Hines , quienes "vincularon los ritmos propulsivos de la mano izquierda de los pianistas de ragtime con figuras melódicas similares a las de la trompeta de Armstrong en la mano derecha". [76] El suave estilo de Louisiana del Professor Longhair y, más recientemente, el Dr. John combina el ritmo clásico y el blues con estilos de blues.
Otro desarrollo en este período fue el blues de big band . Las " bandas territoriales " que operaban en Kansas City , la orquesta Bennie Moten , Jay McShann y la orquesta Count Basie también se concentraban en el blues, con instrumentos de blues de 12 compases como " One O'Clock Jump " y " Jumpin " de Basie. 'at the Woodside "y bulliciosos" gritos de blues "de Jimmy Rushing en canciones como" Going to Chicago "y" Sent for You Yesterday ". Una conocida melodía de blues de big band es " In the Mood " de Glenn Miller . En la década de 1940, se desarrolló el estilo jump blues . Jump blues creció a partir de la ola de boogie woogie y fue fuertemente influenciado por la música de big band . Utiliza el saxofón u otros instrumentos de metal y la guitarra en la sección rítmica para crear un sonido de ritmo rápido y jazz con voces declamatorias. Jump blues melodías de Louis Jordan y Big Joe Turner , con sede en Kansas City, Missouri , influyeron en el desarrollo de estilos posteriores como el rock and roll y el rhythm and blues . [83] T-Bone Walker , nacido en Dallas , que a menudo se asocia con el estilo de blues de California , [84] realizó una transición exitosa del blues urbano temprano a la Lonnie Johnson y Leroy Carr al estilo jump blues y dominó el blues- escena del jazz en Los Ángeles durante la década de 1940. [85]
1950
La transición del country blues al urban blues que comenzó en la década de 1920 fue impulsada por las sucesivas oleadas de crisis económicas y auges que llevaron a muchos negros rurales a trasladarse a las zonas urbanas, en un movimiento conocido como la Gran Migración . El largo boom que siguió a la Segunda Guerra Mundial provocó otra migración masiva de la población afroamericana, la Segunda Gran Migración , que fue acompañada de un aumento significativo de los ingresos reales de los negros urbanos. Los nuevos inmigrantes constituyeron un nuevo mercado para la industria musical. El término disco de carrera , utilizado inicialmente por la industria de la música para la música afroamericana , fue reemplazado por el término rhythm and blues . Este mercado de rápida evolución se reflejó en la cartelera de la revista gráfico de Rhythm and Blues . Esta estrategia de marketing reforzó tendencias en la música blues urbana como el uso de instrumentos eléctricos y la amplificación y la generalización del blues beat, el blues shuffle , que se volvió omnipresente en el rhythm and blues (R&B). Esta corriente comercial tuvo importantes consecuencias para la música blues, que, junto con el jazz y la música gospel , se convirtió en un componente del R&B. [86]
Después de la Segunda Guerra Mundial, los nuevos estilos de blues eléctrico se hicieron populares en ciudades como Chicago , [87] Memphis , [88] Detroit [89] [90] y St. Louis . El blues eléctrico usaba guitarras eléctricas , contrabajo (gradualmente reemplazado por bajo ), batería y armónica (o "arpa de blues") tocada a través de un micrófono y un sistema de megafonía o un amplificador de guitarra saturado . Chicago se convirtió en un centro para el blues eléctrico a partir de 1948, cuando Muddy Waters grabó su primer éxito, "I Can't Be Satisfied". [91] El blues de Chicago está influenciado en gran medida por el blues del Delta , porque muchos artistas habían emigrado de la región de Mississippi .
Howlin 'Wolf , Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed nacieron en Mississippi y se mudaron a Chicago durante la Gran Migración. Su estilo se caracteriza por el uso de guitarra eléctrica, a veces slide guitar, armónica y una sección rítmica de bajo y batería. [92] El saxofonista JT Brown tocaba en bandas lideradas por Elmore James y por JB Lenoir , pero el saxofón se usaba como instrumento de acompañamiento para apoyo rítmico más que como instrumento principal.
Little Walter , Sonny Boy Williamson (Rice Miller) y Sonny Terry son conocidos músicos de armónica (llamada " arpa " por los músicos de blues) de la escena del blues de Chicago. Otros jugadores de arpa como Big Walter Horton también fueron influyentes. Muddy Waters y Elmore James eran conocidos por su uso innovador de la guitarra eléctrica slide. Howlin 'Wolf y Muddy Waters eran conocidos por sus voces profundas y "ásperas".
El bajista y prolífico compositor y compositor Willie Dixon jugó un papel importante en la escena del blues de Chicago. Compuso y escribió muchas canciones de blues estándar de la época, como " Hoochie Coochie Man ", " I Just Want to Make Love to You " (ambas escritas para Muddy Waters) y " Wang Dang Doodle " y " Back Door Man ". para Howlin 'Wolf. La mayoría de los artistas del estilo del blues de Chicago grababan para los sellos Chess Records y Checker Records, con sede en Chicago . Los sellos de blues más pequeños de esta era incluían Vee-Jay Records y JOB Records . Durante la década de 1950, las etiquetas dominantes de Chicago fueron desafiados por Sam Phillips ' Sun Records empresa en Memphis, que registró BB King y Howlin' Wolf, antes de trasladarse a Chicago en 1960. [93] Después de Phillips descubrió a Elvis Presley en 1954, el Sol El sello se dirigió a la audiencia blanca en rápida expansión y comenzó a grabar principalmente rock 'n' roll . [94]
In the 1950s, blues had a huge influence on mainstream American popular music. While popular musicians like Bo Diddley[89] and Chuck Berry,[95] both recording for Chess, were influenced by the Chicago blues, their enthusiastic playing styles departed from the melancholy aspects of blues. Chicago blues also influenced Louisiana's zydeco music,[96] with Clifton Chenier[97] using blues accents. Zydeco musicians used electric solo guitar and cajun arrangements of blues standards.
In England, electric blues took root there during a much acclaimed Muddy Waters tour in 1958. Waters, unsuspecting of his audience's tendency towards skiffle, an acoustic, softer brand of blues, turned up his amp and started to play his Chicago brand of electric blues. Although the audience was largely jolted by the performance, the performance influenced local musicians such as Alexis Korner and Cyril Davies to emulate this louder style, inspiring the British invasion of the Rolling Stones and the Yardbirds.[98]
In the late 1950s, a new blues style emerged on Chicago's West Side pioneered by Magic Sam, Buddy Guy and Otis Rush on Cobra Records.[99] The "West Side sound" had strong rhythmic support from a rhythm guitar, bass guitar and drums and as perfected by Guy, Freddie King, Magic Slim and Luther Allison was dominated by amplified electric lead guitar.[100][101] Expressive guitar solos were a key feature of this music.
Other blues artists, such as John Lee Hooker had influences not directly related to the Chicago style. John Lee Hooker's blues is more "personal", based on Hooker's deep rough voice accompanied by a single electric guitar. Though not directly influenced by boogie woogie, his "groovy" style is sometimes called "guitar boogie". His first hit, "Boogie Chillen", reached number 1 on the R&B charts in 1949.[102]
By the late 1950s, the swamp blues genre developed near Baton Rouge, with performers such as Lightnin' Slim,[103] Slim Harpo,[104] Sam Myers and Jerry McCain around the producer J. D. "Jay" Miller and the Excello label. Strongly influenced by Jimmy Reed, swamp blues has a slower pace and a simpler use of the harmonica than the Chicago blues style performers such as Little Walter or Muddy Waters. Songs from this genre include "Scratch my Back", "She's Tough" and "I'm a King Bee". Alan Lomax's recordings of Mississippi Fred McDowell would eventually bring him wider attention on both the blues and folk circuit, with McDowell's droning style influencing North Mississippi hill country blues musicians.[105]
1960s and 1970s
By the beginning of the 1960s, genres influenced by African American music such as rock and roll and soul were part of mainstream popular music. White performers such as the Beatles had brought African-American music to new audiences, both within the U.S. and abroad. However, the blues wave that brought artists such as Muddy Waters to the foreground had stopped. Bluesmen such as Big Bill Broonzy and Willie Dixon started looking for new markets in Europe. Dick Waterman and the blues festivals he organized in Europe played a major role in propagating blues music abroad. In the UK, bands emulated U.S. blues legends, and UK blues rock-based bands had an influential role throughout the 1960s.[106]
Blues performers such as John Lee Hooker and Muddy Waters continued to perform to enthusiastic audiences, inspiring new artists steeped in traditional blues, such as New York–born Taj Mahal. John Lee Hooker blended his blues style with rock elements and playing with younger white musicians, creating a musical style that can be heard on the 1971 album Endless Boogie. B. B. King's singing and virtuoso guitar technique earned him the eponymous title "king of the blues". King introduced a sophisticated style of guitar soloing based on fluid string bending and shimmering vibrato that influenced many later electric blues guitarists.[107] In contrast to the Chicago style, King's band used strong brass support from a saxophone, trumpet, and trombone, instead of using slide guitar or harp. Tennessee-born Bobby "Blue" Bland, like B. B. King, also straddled the blues and R&B genres. During this period, Freddie King and Albert King often played with rock and soul musicians (Eric Clapton and Booker T & the MGs) and had a major influence on those styles of music.
The music of the civil rights movement[108] and Free Speech Movement in the U.S. prompted a resurgence of interest in American roots music and early African American music. As well festivals such as the Newport Folk Festival[109] brought traditional blues to a new audience, which helped to revive interest in prewar acoustic blues and performers such as Son House, Mississippi John Hurt, Skip James, and Reverend Gary Davis.[108] Many compilations of classic prewar blues were republished by the Yazoo Records. J. B. Lenoir from the Chicago blues movement in the 1950s recorded several LPs using acoustic guitar, sometimes accompanied by Willie Dixon on the acoustic bass or drums. His songs, originally distributed only in Europe,[110] commented on political issues such as racism or Vietnam War issues, which was unusual for this period. His album Alabama Blues contained a song with the following lyric:
I never will go back to Alabama, that is not the place for me (2x)
You know they killed my sister and my brother
and the whole world let them peoples go down there free
White audiences' interest in the blues during the 1960s increased due to the Chicago-based Paul Butterfield Blues Band featuring guitarist Michael Bloomfield, and the British blues movement. The style of British blues developed in the UK, when bands such as the Animals, Fleetwood Mac, John Mayall & the Bluesbreakers, the Rolling Stones, the Yardbirds, the supergroup Cream and the Irish musician Rory Gallagher performed classic blues songs from the Delta or Chicago blues traditions.
In 1963, LeRoi Jones, later known as Amiri Baraka, was the first to write a book on the social history of the blues in Blues People: The Negro Music in White America. The British and blues musicians of the early 1960s inspired a number of American blues rock fusion performers, including the Doors, Canned Heat, the early Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band, Ry Cooder, and the Allman Brothers Band. One blues rock performer, Jimi Hendrix, was a rarity in his field at the time: a black man who played psychedelic rock. Hendrix was a skilled guitarist, and a pioneer in the innovative use of distortion and audio feedback in his music.[111] Through these artists and others, blues music influenced the development of rock music.
In the early 1970s, the Texas rock-blues style emerged, which used guitars in both solo and rhythm roles. In contrast with the West Side blues, the Texas style is strongly influenced by the British rock-blues movement. Major artists of the Texas style are Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, the Fabulous Thunderbirds (led by harmonica player and singer-songwriter Kim Wilson), and ZZ Top. These artists all began their musical careers in the 1970s but they did not achieve international success until the next decade.[112]
1980s to the present
Since the 1980s there has been a resurgence of interest in the blues among a certain part of the African-American population, particularly around Jackson, Mississippi and other deep South regions. Often termed "soul blues" or "Southern soul", the music at the heart of this movement was given new life by the unexpected success of two particular recordings on the Jackson-based Malaco label:[114] Z. Z. Hill's Down Home Blues (1982) and Little Milton's The Blues is Alright (1984). Contemporary African-American performers who work in this style of the blues include Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Mel Waiters, Clarence Carter, Dr. "Feelgood" Potts, O.B. Buchana, Ms. Jody, Shirley Brown, and dozens of others.
During the 1980s blues also continued in both traditional and new forms. In 1986 the album Strong Persuader announced Robert Cray as a major blues artist. The first Stevie Ray Vaughan recording Texas Flood was released in 1983, and the Texas-based guitarist exploded onto the international stage. John Lee Hooker's popularity was revived with the album The Healer in 1989. Eric Clapton, known for his performances with the Blues Breakers and Cream, made a comeback in the 1990s with his album Unplugged, in which he played some standard blues numbers on acoustic guitar.
However, beginning in the 1990s, digital multitrack recording and other technological advances and new marketing strategies including video clip production increased costs, challenging the spontaneity and improvisation that are an important component of blues music.[115] In the 1980s and 1990s, blues publications such as Living Blues and Blues Revue were launched, major cities began forming blues societies, outdoor blues festivals became more common, and[116] more nightclubs and venues for blues emerged.[117]
In the 1990s, the largely ignored hill country blues gained minor recognition in both blues and alternative rock music circles with northern Mississippi artists R. L. Burnside and Junior Kimbrough.[105] Blues performers explored a range of musical genres, as can be seen, for example, from the broad array of nominees of the yearly Blues Music Awards, previously named W.C. Handy Awards[118] or of the Grammy Awards for Best Contemporary and Traditional Blues Album. The Billboard Blues Album chart provides an overview of current blues hits. Contemporary blues music is nurtured by several blues labels such as: Alligator Records, Ruf Records, Severn Records, Chess Records (MCA), Delmark Records, NorthernBlues Music, Fat Possum Records and Vanguard Records (Artemis Records). Some labels are famous for rediscovering and remastering blues rarities, including Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings (heir of Folkways Records), and Yazoo Records (Shanachie Records).[119]
Impacto musical
Blues musical styles, forms (12-bar blues), melodies, and the blues scale have influenced many other genres of music, such as rock and roll, jazz, and popular music.[120] Prominent jazz, folk or rock performers, such as Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, and Bob Dylan have performed significant blues recordings. The blues scale is often used in popular songs like Harold Arlen's "Blues in the Night", blues ballads like "Since I Fell for You" and "Please Send Me Someone to Love", and even in orchestral works such as George Gershwin's "Rhapsody in Blue" and "Concerto in F". Gershwin's second "Prelude" for solo piano is an interesting example of a classical blues, maintaining the form with academic strictness. The blues scale is ubiquitous in modern popular music and informs many modal frames, especially the ladder of thirds used in rock music (for example, in "A Hard Day's Night"). Blues forms are used in the theme to the televised Batman, teen idol Fabian Forte's hit, "Turn Me Loose", country music star Jimmie Rodgers' music, and guitarist/vocalist Tracy Chapman's hit "Give Me One Reason".
—Robert Christgau, 1972
Early country bluesmen such as Skip James, Charley Patton, Georgia Tom Dorsey played country and urban blues and had influences from spiritual singing. Dorsey helped to popularize Gospel music.[122] Gospel music developed in the 1930s, with the Golden Gate Quartet. In the 1950s, soul music by Sam Cooke, Ray Charles and James Brown used gospel and blues music elements. In the 1960s and 1970s, gospel and blues were merged in soul blues music. Funk music of the 1970s was influenced by soul; funk can be seen as an antecedent of hip-hop and contemporary R&B.
R&B music can be traced back to spirituals and blues. Musically, spirituals were a descendant of New England choral traditions, and in particular of Isaac Watts's hymns, mixed with African rhythms and call-and-response forms. Spirituals or religious chants in the African-American community are much better documented than the "low-down" blues. Spiritual singing developed because African-American communities could gather for mass or worship gatherings, which were called camp meetings.
Edward P. Comentale has noted how the blues was often used as a medium for art or self-expression, stating: "As heard from Delta shacks to Chicago tenements to Harlem cabarets, the blues proved—despite its pained origins—a remarkably flexible medium and a new arena for the shaping of identity and community."[123]
Before World War II, the boundaries between blues and jazz were less clear. Usually jazz had harmonic structures stemming from brass bands, whereas blues had blues forms such as the 12-bar blues. However, the jump blues of the 1940s mixed both styles. After WWII, blues had a substantial influence on jazz. Bebop classics, such as Charlie Parker's "Now's the Time", used the blues form with the pentatonic scale and blue notes.
Bebop marked a major shift in the role of jazz, from a popular style of music for dancing, to a "high-art", less-accessible, cerebral "musician's music". The audience for both blues and jazz split, and the border between blues and jazz became more defined.[124][125]
The blues' 12-bar structure and the blues scale was a major influence on rock and roll music. Rock and roll has been called "blues with a backbeat"; Carl Perkins called rockabilly "blues with a country beat". Rockabillies were also said to be 12-bar blues played with a bluegrass beat. "Hound Dog", with its unmodified 12-bar structure (in both harmony and lyrics) and a melody centered on flatted third of the tonic (and flatted seventh of the subdominant), is a blues song transformed into a rock and roll song. Jerry Lee Lewis's style of rock and roll was heavily influenced by the blues and its derivative boogie woogie. His style of music was not exactly rockabilly but it has been often called real rock and roll (this is a label he shares with several African American rock and roll performers).[126][127]
Many early rock and roll songs are based on blues: "That's All Right Mama", "Johnny B. Goode", "Blue Suede Shoes", "Whole Lotta Shakin' Goin On", "Shake, Rattle, and Roll", and "Long Tall Sally". The early African American rock musicians retained the sexual themes and innuendos of blues music: "Got a gal named Sue, knows just what to do" ("Tutti Frutti", Little Richard) or "See the girl with the red dress on, She can do the Birdland all night long" ("What'd I Say", Ray Charles). The 12-bar blues structure can be found even in novelty pop songs, such as Bob Dylan's "Obviously Five Believers" and Esther and Abi Ofarim's "Cinderella Rockefella".
Early country music was infused with the blues.[128] Jimmie Rodgers, Moon Mullican, Bob Wills, Bill Monroe and Hank Williams have all described themselves as blues singers and their music has a blues feel that is different, at first glance at least, from the later country pop of artists like Eddy Arnold. Yet, if one looks back further, Arnold also started out singing bluesy songs like 'I'll Hold You in My Heart'. A lot of the 1970s-era "outlaw" country music by Willie Nelson and Waylon Jennings also borrowed from the blues. When Jerry Lee Lewis returned to country after the decline of 1950s style rock and roll, he sang his country with a blues feel and often included blues standards on his albums.
En la cultura popular
Like jazz, rock and roll, heavy metal music, hip hop music, reggae, rap, country music, and pop music, blues has been accused of being the "devil's music" and of inciting violence and other poor behavior.[129] In the early 20th century, the blues was considered disreputable, especially as white audiences began listening to the blues during the 1920s.[68] In the early twentieth century, W.C. Handy was the first to popularize blues-influenced music among non-black Americans.
During the blues revival of the 1960s and '70s, acoustic blues artist Taj Mahal and legendary Texas bluesman Lightnin' Hopkins wrote and performed music that figured prominently in the popularly and critically acclaimed film Sounder (1972). The film earned Mahal a Grammy nomination for Best Original Score Written for a Motion Picture and a BAFTA nomination.[130] Almost 30 years later, Mahal wrote blues for, and performed a banjo composition, claw-hammer style, in the 2001 movie release Songcatcher, which focused on the story of the preservation of the roots music of Appalachia.
Perhaps the most visible example of the blues style of music in the late 20th century came in 1980, when Dan Aykroyd and John Belushi released the film The Blues Brothers. The film drew many of the biggest living influencers of the rhythm and blues genre together, such as Ray Charles, James Brown, Cab Calloway, Aretha Franklin, and John Lee Hooker. The band formed also began a successful tour under the Blues Brothers marquee. 1998 brought a sequel, Blues Brothers 2000 that, while not holding as great a critical and financial success, featured a much larger number of blues artists, such as B.B. King, Bo Diddley, Erykah Badu, Eric Clapton, Steve Winwood, Charlie Musselwhite, Blues Traveler, Jimmie Vaughan, and Jeff Baxter.
In 2003, Martin Scorsese made significant efforts to promote the blues to a larger audience. He asked several famous directors such as Clint Eastwood and Wim Wenders to participate in a series of documentary films for PBS called The Blues.[131] He also participated in the rendition of compilations of major blues artists in a series of high-quality CDs. Blues guitarist and vocalist Keb' Mo' performed his blues rendition of "America, the Beautiful" in 2006 to close out the final season of the television series The West Wing.
The blues was highlighted in Season 2012, Episode 1 of "In Performance at The White House", entitled "Red, White and Blues". Hosted by President Obama and Mrs. Obama, the show featured performances by B.B. King, Buddy Guy, Gary Clark Jr., Jeff Beck, Derek Trucks, Keb Mo, and others.[132]
Ver también
- Blues portal
- List of blues festivals
- List of blues musicians
- List of blues standards
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Bibliografía
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Otras lecturas
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- Brown, Luther. "Inside Poor Monkey's", Southern Spaces, June 22, 2006.
- Dixon, Robert M.W.; Godrich, John (1970). Recording the Blues. London: Studio Vista. 85 pp. SBN 289-79829-9.
- Oakley, Giles (1976). The Devil's Music: A History of the Blues. London: BBC. p. 287. ISBN 978-0-563-16012-0.
- Keil, Charles (1991) [1966]. Urban Blues. Chicago: University of Chicago Press. ISBN 978-0-226-42960-1.
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- Rowe, Mike (1973). Chicago Breakdown. Eddison Press. ISBN 978-0-85649-015-6.
- Titon, Jeff Todd (1994). Early Downhome Blues: A Musical and Cultural Analysis (2nd ed.). University of North Carolina Press. ISBN 978-0-8078-4482-3.
- Welding, Peter; Brown, Toby, eds. (1991). Bluesland: Portraits of Twelve Major American Blues Masters. New York: Penguin Group. 253 + [2] pp. ISBN 0-525-93375-1.
enlaces externos
- Blues at Curlie
- The American Folklife Center's Online Collections and Presentations
- The Blue Shoe Project – Nationwide (U.S.) Blues Education Programming
- "The Blues", documentary series by Martin Scorsese, aired on PBS
- The Blues Foundation
- The Delta Blues Museum
- The Music in Poetry – Smithsonian Institution lesson plan on the blues, for teachers
- American Music: Archive of artist and record label discographies