Una sinfonía es una composición musical extendida en la música clásica occidental , escrita por compositores , la mayoría de las veces para orquesta . Aunque el término ha tenido muchos significados desde sus orígenes en la era griega antigua, a fines del siglo XVIII la palabra había adquirido el significado común en la actualidad: una obra que generalmente consta de múltiples secciones o movimientos distintos , a menudo cuatro, con el primer movimiento en forma sonata . Las sinfonías casi siempre se componen de una orquesta que consta de una sección de cuerdas ( violín , viola , violonchelo y contrabajo ),latón , de viento de madera , y de percusión instrumentos que en conjunto el número de 30 a 100 músicos. Las sinfonías se anotan en una partitura musical , que contiene todas las partes del instrumento. Los músicos orquestales tocan con partes que contienen solo la música anotada para su propio instrumento. Algunas sinfonías también contienen partes vocales (por ejemplo, Beethoven 's novena sinfonía ).
Orígenes
La palabra sinfonía se deriva de la palabra griega συμφωνία ( sinfonía ), que significa "acuerdo o concordia de sonido", "concierto de música vocal o instrumental", de σύμφωνος ( symphōnos ), "armonioso". [1] La palabra se refirió a una variedad de conceptos diferentes antes de finalmente asentarse en su significado actual designando una forma musical.
En la teoría griega tardía y medieval, la palabra se usaba para consonancia , en oposición a διαφωνία ( diaphōnia ), que era la palabra para "disonancia". [2] En la Edad Media y más tarde, la forma latina sinfonía se usó para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente. [2] Isidoro de Sevilla fue el primero en utilizar la palabra sinfonía como nombre de un tambor de dos cabezas, y de c. 1155 a 1377 la forma francesa symphonie era el nombre del organistrum o zanfona . En la Inglaterra de finales de la Edad Media, la sinfonía se usaba en ambos sentidos, mientras que en el siglo XVI se equiparaba con el dulcimer . En alemán, Symphonie fue un término genérico para espinetas y virginales desde finales del siglo XVI hasta el siglo XVIII. [3]
En el sentido de "sonar juntos", la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de 16- y compositores del siglo 17 incluyendo Giovanni Gabrieli 's Sacrae Symphoniae y Symphoniae Sacrae, Segundo liber , publicado en 1597 y 1615, respectivamente ; Adriano Banchieri 's Eclesiastiche sinfonie, dette Canzoni en Aria Francese, por sonare, et cantare , op. 16, publicado en 1607; Lodovico Grossi da Viadana 's Musicali Sinfonie , op. 18, publicado en 1610; y Heinrich Schütz 's Symphoniae Sacrae , op. 6, y Symphoniarum sacrarum secunda pars , op. 10, publicado en 1629 y 1647, respectivamente. A excepción de la colección de Viadana, que contenía música puramente instrumental y secular, todas eran colecciones de obras vocales sagradas, algunas con acompañamiento instrumental. [4] [5]
Época barroca
En el siglo XVII, durante la mayor parte de la época barroca, los términos sinfonía y sinfonía se utilizaron para una variedad de composiciones diferentes, incluidas piezas instrumentales utilizadas en óperas , sonatas y conciertos, que generalmente forman parte de una obra más amplia. La ópera sinfonia , o obertura italiana , tenía, en el siglo XVIII, una estructura estándar de tres movimientos contrastantes: rápido, lento, rápido y parecido a la danza. Es esta forma la que a menudo se considera la precursora directa de la sinfonía orquestal. Los términos "obertura", "sinfonía" y "sinfonía" se consideraron intercambiables durante gran parte del siglo XVIII. [5]
En el siglo XVII, las piezas compuestas para un gran conjunto instrumental no designaban con precisión qué instrumentos debían tocar qué partes, como es la práctica desde el siglo XIX hasta el período actual. Cuando los compositores del siglo XVII escribieron piezas, esperaban que estas obras fueran interpretadas por cualquier grupo de músicos disponible. Para dar un ejemplo, mientras que la línea de bajo en una obra del siglo XIX está marcada para violonchelos , contrabajos y otros instrumentos específicos, en una obra del siglo XVII, una parte de bajo continuo para una sinfonía no especificaría qué instrumentos interpretarían la parte. La interpretación de la pieza podría realizarse con un grupo de bajo continuo tan pequeño como un solo violonchelo y un clavicémbalo . Sin embargo, si se disponía de un presupuesto mayor para una actuación y se requería un sonido más grande, un grupo de bajo continuo podría incluir varios instrumentos para tocar acordes (clavicémbalo, laúd , etc.) y una variedad de instrumentos de bajo, incluidos violonchelo, contrabajo, viola de bajo o incluso una serpiente , uno de los primeros instrumentos de viento bajo.
Épocas galantes y clásicas
LaRue, Bonds, Walsh y Wilson escriben en la segunda edición de The New Grove Dictionary of Music and Musicians que "la sinfonía se cultivó con extraordinaria intensidad" en el siglo XVIII. [6] Desempeñó un papel en muchas áreas de la vida pública, incluidos los servicios religiosos, [7] pero un área de apoyo particularmente fuerte para las representaciones sinfónicas fue la aristocracia. En Viena, quizás el lugar más importante de Europa para la composición de sinfonías, "literalmente cientos de familias nobles apoyaron establecimientos musicales, generalmente dividiendo su tiempo entre Viena y su propiedad ancestral [en otras partes del Imperio]". [8] Dado que el tamaño normal de la orquesta en ese momento era bastante pequeño, muchos de estos establecimientos cortesanos eran capaces de interpretar sinfonías. El joven Joseph Haydn , que asumió su primer trabajo como director musical en 1757 para la familia Morzin , descubrió que cuando la familia Morzin estaba en Viena, su propia orquesta era solo una parte de una escena musical animada y competitiva, con múltiples aristócratas patrocinando conciertos. con sus propios conjuntos. [9]
El artículo de LaRue, Bonds, Walsh y Wilson rastrea la expansión gradual de la orquesta sinfónica a lo largo del siglo XVIII. [10] Al principio, las sinfonías eran sinfonías de cuerdas, escritas en solo cuatro partes: primer violín, segundo violín , viola y bajo (la línea de bajo fue tomada por violonchelo (s), contrabajo (s) tocando la parte una octava abajo , y quizás también un fagot). Ocasionalmente, los primeros sinfonistas incluso prescindieron de la parte de viola, creando así sinfonías de tres partes. También fue posible una parte de bajo continuo que incluía un fagot junto con un clavecín u otro instrumento de acorde. [10]
Las primeras adiciones a este sencillo conjunto fueron un par de cuernos, ocasionalmente un par de oboes, y luego ambos cuernos y oboes juntos. A lo largo del siglo, se agregaron otros instrumentos a la orquesta clásica : flautas (a veces reemplazando a los oboes), partes separadas para fagotes, clarinetes y trompetas y timbales. Las obras variaron en su puntuación con respecto a cuál de estos instrumentos adicionales iban a aparecer. La orquesta clásica a gran escala, desplegada a finales de siglo para las sinfonías de mayor escala, tiene el conjunto de cuerdas estándar mencionado anteriormente, pares de vientos ( flautas , oboes , clarinetes , fagot ), un par de cuernos y timbales. Un instrumento de continuo de teclado (clavecín o piano ) seguía siendo una opción.
El estilo "italiano" de la sinfonía, a menudo utilizado como obertura y entrada en los teatros de ópera , se convirtió en una forma estándar de tres movimientos: un movimiento rápido, un movimiento lento y otro movimiento rápido. A lo largo del siglo XVIII se convirtió en costumbre escribir sinfonías de cuatro movimientos, [11] siguiendo las líneas descritas en el siguiente párrafo. La sinfonía de tres movimientos se apagó lentamente; aproximadamente la mitad de las primeras treinta sinfonías de Haydn están en tres movimientos; [12] y para el joven Mozart , la sinfonía de tres movimientos era la norma, quizás bajo la influencia de su amigo Johann Christian Bach . [13] Un ejemplo tardío sobresaliente de la sinfonía clásica de tres movimientos es la Sinfonía "Praga" de Mozart , de 1786.
La forma de cuatro movimientos que surgió de esta evolución fue la siguiente: [14] [15]
- una sonata de apertura o allegro
- un movimiento lento, como andante
- un minueto o scherzo con trio
- un allegro, rondo o sonata
Las variaciones en este diseño, como cambiar el orden de los movimientos medios o agregar una introducción lenta al primer movimiento, eran comunes. Haydn, Mozart y sus contemporáneos restringieron su uso de la forma de cuatro movimientos a la música de cámara orquestal o de múltiples instrumentos, como los cuartetos, aunque desde Beethoven las sonatas solistas se escriben tan a menudo en cuatro como en tres movimientos. [dieciséis]
La composición de las primeras sinfonías se centró en Milán, Viena y Mannheim . La escuela milanesa se centró en Giovanni Battista Sammartini e incluyó a Antonio Brioschi , Ferdinando Galimberti y Giovanni Battista Lampugnani . Los primeros exponentes de la forma en Viena incluyeron a Georg Christoph Wagenseil , Wenzel Raimund Birck y Georg Matthias Monn , mientras que los compositores vieneses de sinfonías importantes posteriores incluyeron a Johann Baptist Wanhal , Carl Ditters von Dittersdorf y Leopold Hofmann . La escuela de Mannheim incluyó a Johann Stamitz . [17]
Los sinfonistas más importantes de la última parte del siglo XVIII son Haydn, que escribió al menos 107 sinfonías en el transcurso de 36 años , [18] y Mozart, con al menos 47 sinfonías en 24 años . [19]
Era romantica
A principios del siglo XIX, Beethoven elevó la sinfonía de un género cotidiano producido en grandes cantidades a una forma suprema en la que los compositores se esforzaron por alcanzar el máximo potencial de la música en unas pocas obras. [20] Beethoven comenzó con dos obras que emulaban directamente sus modelos Mozart y Haydn, luego siete sinfonías más, comenzando con la Tercera Sinfonía ("Eroica") que expandió el alcance y la ambición del género. Su Sinfonía No. 5 es quizás la sinfonía más famosa jamás escrita; su transición del movimiento de apertura en Do menor emocionalmente tormentoso a un final triunfante en clave mayor proporcionó un modelo adoptado por sinfonistas posteriores como Brahms [21] y Mahler . [ cita requerida ] Su Sinfonía No. 6 es un trabajo programático , que presenta imitaciones instrumentales de cantos de pájaros y una tormenta; y, de manera poco convencional, un quinto movimiento (las sinfonías generalmente tenían como máximo cuatro movimientos). Su Sinfonía No. 9 incluye partes para solistas vocales y coro en el último movimiento, convirtiéndola en una sinfonía coral . [22]
De las sinfonías de Franz Schubert , dos son elementos fundamentales del repertorio y se interpretan con frecuencia. De la Octava Sinfonía (1822), Schubert completó solo los dos primeros movimientos; esta obra sumamente romántica se suele llamar por su sobrenombre "Lo inacabado". Su última sinfonía completa, la Novena (1826) es una obra enorme en el idioma clásico. [23]
De los primeros románticos, Felix Mendelssohn (cinco sinfonías) y Robert Schumann (cuatro) continuaron escribiendo sinfonías en el molde clásico, aunque utilizando su propio lenguaje musical. En contraste, Héctor Berlioz favoreció las obras programáticas, incluida su "sinfonía dramática" Roméo et Juliette , la sinfonía para viola Harold en Italie y la muy original Symphonie fantastique . Este último también es un trabajo de programa y tiene una marcha y un vals y cinco movimientos en lugar de los cuatro habituales. Su cuarta y última sinfonía, la Grande symphonie funèbre et triomphale (originalmente titulada Symphonie militaire ) fue compuesta en 1840 para una banda militar de marcha de 200 integrantes , para ser interpretada al aire libre, y es un ejemplo temprano de una sinfonía de banda. Berlioz luego agregó partes de cuerda opcionales y un final coral. [24] En 1851, Richard Wagner declaró que todas estas sinfonías posteriores a Beethoven no eran más que un epílogo, que no ofrecía nada sustancialmente nuevo. De hecho, después de la última sinfonía de Schumann, el "renano" compuesto en 1850, durante dos décadas el poema sinfónico lisztiano pareció haber desplazado a la sinfonía como forma principal de música instrumental a gran escala. Sin embargo, Liszt también compuso dos sinfonías corales programáticas durante este tiempo, Fausto y Dante . Si la sinfonía hubiera sido eclipsada, no pasó mucho tiempo antes de que resurgiera en una "segunda edad" en las décadas de 1870 y 1880, con las sinfonías de Anton Bruckner , Johannes Brahms , Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Camille Saint-Saëns , Alexander Borodin. , Antonín Dvořák y César Franck, obras que eludieron en gran medida los elementos programáticos de Berlioz y Liszt y dominaron el repertorio de conciertos durante al menos un siglo. [20]
A lo largo del siglo XIX, los compositores continuaron aumentando el tamaño de la orquesta sinfónica. Hacia principios de siglo, una orquesta a gran escala consistiría en la sección de cuerdas más pares de flautas, oboes, clarinetes, fagotes, trompas, trompetas y, por último, un conjunto de timbales. [25] Esta es, por ejemplo, la partitura utilizada en las sinfonías de Beethoven numeradas 1 , 2 , 4 , 7 y 8 . Los trombones, que anteriormente se habían limitado a la música de la iglesia y el teatro, se agregaron a la orquesta sinfónica, especialmente en las sinfonías quinta , sexta y novena de Beethoven. La combinación de bombo, triángulo y platillos (a veces también: piccolo), que los compositores del siglo XVIII emplearon como efecto colorista en la llamada " música turca ", se empezó a utilizar cada vez más durante la segunda mitad del siglo XIX sin ningún tipo de tales connotaciones de género. [25] En la época de Mahler (ver más abajo), un compositor podía escribir una sinfonía para "un verdadero compendio de instrumentos orquestales". [25] Además de aumentar la variedad de instrumentos, las sinfonías del siglo XIX se incrementaron gradualmente con más intérpretes de cuerdas y más partes de viento, de modo que la orquesta creció sustancialmente en números, al igual que las salas de conciertos. [25]
Épocas tardorromántico, modernista y posmodernista
Hacia fines del siglo XIX, Gustav Mahler comenzó a escribir sinfonías largas y a gran escala que continuó componiendo hasta principios del siglo XX. Su Tercera Sinfonía , completada en 1896, es una de las sinfonías más largas interpretadas con regularidad con alrededor de 100 minutos de duración para la mayoría de las actuaciones. La Octava Sinfonía se compuso en 1906 y recibe el sobrenombre de "Sinfonía de los mil" debido a la gran cantidad de voces necesarias para realizar la obra.
El siglo XX vio una mayor diversificación en el estilo y el contenido de las obras que los compositores denominaron sinfonías . [26] Algunos compositores, incluidos Dmitri Shostakovich , Sergei Rachmaninoff y Carl Nielsen , continuaron escribiendo en la forma tradicional de cuatro movimientos, mientras que otros compositores adoptaron enfoques diferentes: la Sinfonía No. 7 de Jean Sibelius , la última, está en un movimiento , Richard Strauss ' Sinfonía alpina , en un solo movimiento, dividida en veintidós partes, detallando una subida de las once de hora a través de las montañas y Alan Hovhaness ' s Sinfonía n.º 9, San Vartan -originalmente op. 80, cambiado a op. 180: compuesto en 1949-1950, está en veinticuatro. [27] Se observó una variedad similar en la duración de las sinfonías: Gustav Mahler continuó componiendo inmensas obras que tardaron más de una hora en ejecutarse, pero otros como Havergal Brian , cuya Sinfonía n. ° 1 "gótica" , completaron en 1927, dura casi dos horas. En el otro extremo de la escala, una interpretación de la Pequeña Sinfonía n. ° 1 de Darius Milhaud , compuesta en 1917, dura solo tres minutos y medio. [ cita requerida ]
Una preocupación por la unificación de la sinfonía tradicional de cuatro movimientos en una única concepción formal subsumida había surgido a finales del siglo XIX. Esto ha sido llamado una "forma sinfónica bidimensional", y encuentra su punto de inflexión clave en la Sinfonía de cámara n. ° 1 de Arnold Schoenberg , op. 9 (1909), que fue seguida en la década de 1920 por otras sinfonías alemanas notables de un solo movimiento, incluida la Primera sinfonía de Kurt Weill (1921), la Sinfonía de cámara de Max Butting , op. 25 (1923), y la Sinfonía de 1926 de Paul Dessau . [28]
Paralelamente a esta experimentación, otras sinfonías del siglo XX intentaron deliberadamente evocar los orígenes del género en el siglo XVIII, en términos de forma e incluso estilo musical, siendo ejemplos destacados la Sinfonía n. ° 1 "Clásica" de Sergei Prokofiev de 1916-17 y la Sinfonía en Do de Igor Stravinsky de 1938-1940. [ cita requerida ]
Sin embargo, persistieron ciertas tendencias. La designación de una obra como "sinfonía" todavía implicaba cierto grado de sofisticación y seriedad de propósito. La palabra sinfonietta entró en uso para designar una obra más corta, de objetivos más modestos o "más ligera" que una sinfonía, como la Sinfonietta para orquesta de Sergei Prokofiev . [29] [30]
En la primera mitad del siglo, compositores modernistas como Edward Elgar , Gustav Mahler, Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Stravinsky , Bohuslav Martinů , Roger Sessions , Sergei Prokofiev, Rued Langgaard y Dmitri Shostakovich compusieron sinfonías "extraordinarias en alcance, riqueza, originalidad , y urgencia de expresión ". [31] Una medida del significado de una sinfonía es el grado en que refleja concepciones de la forma temporal propias de la época en que fue creada. Cinco compositores de todo el siglo XX que cumplen esta medida son Jean Sibelius, Igor Stravinsky, Luciano Berio (en su Sinfonia , 1968-1969), Elliott Carter (en su Sinfonía de tres orquestas , 1976) y Pelle Gudmundsen- Holmgreen (en Symphony / Antiphony , 1980). [32]
Desde mediados del siglo XX hasta el XXI ha habido un resurgimiento del interés por la sinfonía con muchos compositores posmodernistas añadiendo sustancialmente al canon, sobre todo en el Reino Unido: Peter Maxwell Davies (10), [33] Robin Holloway (1 ), [34] David Matthews (9), [35] James MacMillan (4), [36] Peter Seabourne (4), [37] y Philip Sawyers (3). [38]
Sinfonías para banda de concierto
Héctor Berlioz escribió originalmente la Gran sinfonía funèbre et triomphale para banda militar en 1840. Anton Reicha había compuesto su Sinfonía "Conmemoración" de cuatro movimientos (también conocida como Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française ) para grandes conjuntos de viento incluso antes, en 1815, para ceremonias asociadas con el entierro de Luis XVI y María Antonieta [39] Pero después de esos primeros esfuerzos, se escribieron pocas sinfonías para bandas de viento hasta el siglo XX, cuando se escribieron más sinfonías para conciertos. banda que en siglos pasados. Aunque existen ejemplos desde 1932, la primera sinfonía de importancia es la Sinfonía núm. 19 de Nikolai Myaskovsky , op. 46, compuesta en 1939. [40] Algunos ejemplos más son la Sinfonía en si bemol para banda de Paul Hindemith , compuesta en 1951 [ cita requerida ] ; La Sinfonía nº 4 "West Point" de Morton Gould , compuesta en 1952; Sinfonía núm. 6 de Vincent Persichetti , op. 69, compuesta en 1956; La Sinfonía nº 3 de Vittorio Giannini , compuesta en 1959 [ cita requerida ] ; Sinfonías núm. 4 de Alan Hovhaness, op. 165, N ° 7, "Nanga Parvat", op. 175, núm. 14, "Ararat", op. 194 y nº 23, "Ani", op. 249, compuesto en 1958, 1959, 1961 y 1972 respectivamente [ cita requerida ] ; La Sinfonía nº 2 de John Barnes Chance , compuesta en 1972; 2ª, 3ª, 4ª y 5ª sinfonías de Alfred Reed , compuestas en 1979, 1988, 1992 y 1994 respectivamente [ cita requerida ] ; ocho de las diez sinfonías numeradas de David Maslanka ; [41] cinco sinfonías hasta la fecha de Julie Giroux (aunque actualmente está trabajando en una sexta [42] ); La Sinfonía No. 1 de Johan de Meij "El Señor de los Anillos" , compuesta en 1988, y su Sinfonía No. 2 "La Gran Manzana", compuesta en 1993 [ cita requerida ] ; La Sinfonía en tres escenas 'La Vita' de Yasuhide Ito, compuesta en 1998, que es su tercera sinfonía para banda de viento; La Sinfonía nº 3 'Circus Maximus de John Corigliano , compuesta en 2004; La Sinfonía PachaMama de Denis Levaillant , compuesta en 2014 y 2015, [43] y la Sinfonía No. 2 de James M. Stephenson, que fue estrenada por la United States Marine Band ("The President's Own") y recibió el premio William D de la National Band Association. .Revelli (2017) [44] y los premios Sousa / Ostwald (2018) [45] de la American Bandmasters Association .
Otros usos modernos de la "sinfonía"
En algunas formas de inglés, la palabra "sinfonía" también se usa para referirse a la orquesta , el gran conjunto que a menudo interpreta estas obras. La palabra "sinfonía" aparece en el nombre de muchas orquestas, por ejemplo, la Orquesta Sinfónica de Londres , la Orquesta Sinfónica de Boston , la Sinfónica de San Luis , la Sinfónica de Houston , o de Miami Sinfonía del Nuevo Mundo . Para algunas orquestas, "(nombre de la ciudad) Symphony" proporciona una versión más corta del nombre completo; por ejemplo, el OED da "Vancouver Symphony" como una posible forma abreviada de Vancouver Symphony Orchestra . [46] [47] Además, en el uso común, una persona puede decir que va a escuchar una actuación sinfónica, una referencia a la orquesta y no a las obras del programa. Estos usos no son comunes en el inglés del Reino Unido .
Ver también
- Sinfonía coral
- Sinfonía de órgano
- Sinfonía de piano
- Sinfonías para banda de concierto
- Maldición del noveno
- Lista de compositores sinfónicos
Referencias
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Otras lecturas
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enlaces externos
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- Gann, Kyle . "Una cronología de la Sinfonía 1730-2005" . Archivado desde el original el 4 de agosto de 2015. Una lista de las principales sinfonías seleccionadas compuestas entre 1800 y 2005, con compositores de sinfonías de los siglos XVIII, XIX, XX y XXI.
- The Symphony - Guía interactiva
- "Lista de sinfonistas, en su mayoría activos después de 1800", compilado por Thanh-Tâm Lê: "A a D" ."E a J" ."K a O" ."P a Z" .