This Is Tomorrow fue una exposición de arte en agosto de 1956 en la Whitechapel Art Gallery en High Street en Londres, Reino Unido, facilitada por el curador Bryan Robertson . El núcleo de la exposición fue el Grupo Independiente ICA.
This is Tomorrow fue una exhibición de arte colaborativa que se inauguró en la Whitechapel Art Gallery el 9 de agosto de 1956 y contó con 12 exhibiciones dentro de la exhibición que contó con colaboraciones entre una variedad de arquitectos, pintores, escultores y otros artistas. Mientras cada uno usaba su propio estilo, construyeron piezas que representaban su versión del arte contemporáneo. El resultado de los doce grupos fue el intento de evocar una variedad de entornos externos a través de teorías que fueron inspiradas por el gurú de las comunicaciones Marshall McLuhan , así como símbolos de la cultura pop. This is Tomorrow tardó casi dos años en prepararse, después de que el arquitecto y crítico de arte Theo Crosbyse le ocurrió la idea de montar una muestra colaborativa a gran escala en Whitechapel Gallery. En 1955, los participantes se dividieron aproximadamente en dos campos; Constructivist y The Independent Group , conocidos por sus reuniones en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres con cierta superposición entre los dos grupos. Las 12 exhibiciones se produjeron cada una por separado y eran independientes entre sí. Después de que This is Tomorrow se inauguró, casi mil personas al día vieron la exhibición. El catálogo de la exhibición, diseñado por el miembro independiente y diseñador gráfico Edward Wright, costó cinco chelines, un precio alto para 1956, se agotó y tuvo que ser reimpreso. This is Tomorrow se considera el precursor del movimiento pop art británico.
Crosby escribe el 8 de junio de 1955 que las discusiones ... son realmente el punto de la colaboración ... la exposición no será una colección de obras de arte diversas. El esto es mañanaLa exposición incluyó a artistas, arquitectos, músicos y diseñadores gráficos que trabajaron juntos en 12 equipos, denominados "grupos", un ejemplo de colaboración multidisciplinaria que todavía era inusual. Cada grupo tomó como punto de partida los sentidos humanos y el tema de la habitación. Cada grupo trabajó de forma independiente, pero vio la exhibición final como un entorno. En los aspectos más destacados de un documental de 1979 del crítico de arquitectura Reyner Banham, los artistas y arquitectos que participaron recuerdan la sensación de entusiasmo que sintieron por las colaboraciones; las limitaciones de costo: solo se asignaron 50 libras esterlinas a cada grupo para los materiales; y su sentido de la importancia del programa dentro del contexto del establecimiento al que se oponían. Esto es mañanaes vista como una exposición innovadora debido a los temas que abordó temprano que luego se volvieron cruciales en el arte contemporáneo, no simplemente el proceso de acción colaborativa, sino toda la noción de crear un ambiente dentro de la galería de arte. Las ondas de influencia que creó hace 50 años todavía se sienten hoy.
Como dijo Banham en su documental: Este es el arte moderno para entretener a la gente, el arte moderno como un juego que la gente querrá jugar. El sentido de participación y diversión se transmite en los recortes de prensa; Los periodistas estaban más impresionados por el hecho de que el programa fue inaugurado por Robby the Robot, protagonista de la película de ciencia ficción Forbidden Planet y más fácil de reservar que Marilyn Monroe.
La exposición más recordada de la exposición fue la sala creada por el Grupo 2, integrado por Richard Hamilton , John Voelcker y John McHale , aunque con la ayuda de Magda Cordell y Frank Cordell . Incluía paneles deslumbrantes de Op Art , [1] módulos de collage Space y pop art confeccionado con un póster de Marilyn Monroe , el póster de Van Gogh Sunflowers , una valla publicitaria de películas del Planeta Prohibido , Robby the Robot , un Jukebox, la alfombra perfumada de fresa, un rollo interminable de película que representa a la Royal Navy Fleet en el mar, grandes botellas de cerveza Guinness , una imagen de póster de Marlon Brando y un diseño mural de collage 'CinemaScope', y el diseño del póster de collage de arte pop que fueron todos proporcionado por John McHale. [2]
Frank Cordell ayudó a McHale a acceder a los carteles de películas como Julius Caesar (1953) para los murales de collage, los elementos de Forbidden Planet , la máquina de discos, la instalación del proyector de películas y la instalación de los discos de rotor Duchamp que Marcel Duchamp le dio a McHale en New York. [3] Frank Cordell también instaló el amplificador electrónico y el micrófono que permiten los sonidos ambientales de la retroalimentación cibernética de la audiencia. El panel Senses con flechas con Tito fue una colaboración conjunta entre Hamilton y McHale, y la versión [4]reproducido en el catálogo era ligeramente diferente en la redacción para alterar la percepción óptica de los espectadores. Más tarde, Hamilton produjo una tercera versión que representa el panel Senses en un collage interior que representa el TIT, pero cambió la cara a Pierre Mendès France , cambió las botellas de cerveza Guinness y alteró otros detalles visuales en el mural. McHale y Hamilton colaboraron en el diagrama de espectro [5] reproducido en el catálogo de la exposición, y McHale produjo más tarde una versión modificada de este en su sección Man Plus en su libro sobre el futuro del futuro .
El póster del arte pop ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes y tan atractivas? , fue diseñado por Hamilton para el Grupo 2. Un segundo póster, que comprende flechas y remolinos que se cruzan, fue diseñado por McHale y llevado al escenario de la serigrafía por Hamilton. [6] McHale también proporcionó un tercer póster diseñado por separado a Hamilton con una flecha, que contenía la fórmula E = MC2, que era una referencia del "consumidor" de masas "del arte pop a la famosa fórmula de relatividad de equivalencia masa-energía de Albert Einstein . Pero Hamilton decidió no colaborar en el tercer póster y gastar la "energía" creativa "para llevar el E = MC2 a su finalización en el TIT.
Group Six estaba compuesto por los arquitectos Alison y Peter Smithson y los artistas Eduardo Paolozzi y Nigel Henderson . La obra resultante, "Patio y Pabellón", fue una estructura de tres paredes con techo de plástico corrugado y rodeada por un patio de arena. Objetos encontrados como piezas de bicicleta, una corneta maltratada y un reloj sin manecillas estaban esparcidos por toda la instalación. En un país que aún se recupera de la guerra, la arquitectura sobria ofrecía una exploración de la presencia fracturada pero duradera de la vida cotidiana durante el conflicto. [7]
El catálogo de la exposición incluyó ensayos de Reyner Banham y Lawrence Alloway . McHale escribió el texto de la página ¿Están cultivados? [8] y estaba destinado a aparecer con el collage diseñado por McHale [9] que quedó mal paginado en el catálogo.
Colin St John Wilson diseñó la guía de la exposición. El diseñador gráfico Edward Wright (1912-1988), que enseñó tipografía en la Escuela Central de Arte de 1950 a 1955 y luego en el Royal College of Art, diseñó el catálogo de This Is Tomorrow. Theo Crosby encontró el dinero y lo imprimió Lund Humphries . El director de Lund Humphries, Peter Gregory junto con Peter Watson se encontraban entre los patrocinadores fundadores originales del ICA.
This is Tomorrow ahora se considera un punto de inflexión en el arte británico de la posguerra y, en algunos aspectos, inició el desarrollo de la rama británica del arte pop . La canción de 1977 "This is Tomorrow" de In Your Mind de Bryan Ferry , un alumno de Richard Hamilton, tomó su título del nombre del programa.
Partes de This Is Tomorrow se recrearon en 1990 para una exposición en el Instituto de Arte Contemporáneo .