 Un violín moderno estándar mostrado desde el frente y el lateral. | |
| Instrumento de cuerda | |
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| Otros nombres | violín |
| Clasificación de Hornbostel-Sachs | 321,322 a 71 (Compuesto chordophone sonado por un arco ) |
| Desarrollado | Principios del siglo XVI |
| Rango de juego | |
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| Parte de una serie sobre |
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El violín , a veces conocido como violín , es un cordófono de madera ( instrumento de cuerda ) de la familia del violín . La mayoría de los violines tienen un cuerpo de madera hueco. Es el instrumento más pequeño y, por lo tanto, de tono más alto ( soprano ) de la familia en uso regular. [a] El violín generalmente tiene cuatro cuerdas , generalmente afinadas en quintas perfectas con notas G3, D4, A4, E5, y se toca más comúnmente dibujando un arco a través de sus cuerdas. También se puede tocar punteando las cuerdas con los dedos ( pizzicato ) y, en casos especiales, golpeando las cuerdas con el lado de madera del arco (col legno ).
Los violines son instrumentos importantes en una amplia variedad de géneros musicales. Son más prominentes en la tradición clásica occidental , tanto en conjuntos (desde música de cámara hasta orquestas ) como como instrumentos solistas. Los violines también son importantes en muchas variedades de música folclórica , incluida la música country , la música bluegrass y el jazz . Los violines eléctricos con cuerpos sólidos y pastillas piezoeléctricas se utilizan en algunas formas de música rock y fusión de jazz , con las pastillas conectadas a amplificadores de instrumentos.y altavoces para producir sonido. El violín se ha incorporado a muchas culturas musicales no occidentales, incluida la música india y la música iraní . El nombre de violín se usa a menudo independientemente del tipo de música que se reproduzca en él.
El violín se conoció por primera vez en la Italia del siglo XVI , con algunas modificaciones adicionales que se produjeron en los siglos XVIII y XIX para darle al instrumento un sonido y una proyección más potentes. En Europa, sirvió de base para el desarrollo de otros instrumentos de cuerda utilizados en la música clásica occidental, como la viola . [1] [2] [3]
Los violinistas y coleccionistas aprecian especialmente los excelentes instrumentos históricos fabricados por las familias Stradivari , Guarneri , Guadagnini y Amati de los siglos XVI al XVIII en Brescia y Cremona (Italia) y por Jacob Stainer en Austria . Según su reputación, la calidad de su sonido ha desafiado los intentos de explicarlo o igualarlo, aunque esta creencia es controvertida. [4] [5] Un gran número de instrumentos ha llegado de manos de fabricantes menos famosos, así como un número aún mayor de "violines comerciales" comerciales producidos en masa procedentes de industrias artesanales en lugares comoSajonia , Bohemia y Mirecourt . Muchos de estos instrumentos comerciales fueron vendidos anteriormente por Sears, Roebuck and Co. y otros comerciantes masivos.
Los componentes de un violín suelen estar hechos de diferentes tipos de madera . Los violines se pueden ensartar con tripa , perlón u otras cuerdas sintéticas o de acero. Una persona que fabrica o repara violines se llama luthier o fabricante de violines. Al que hace o repara arcos se le llama arquero o arquero .
Etimología
La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés en la década de 1570. [6] La palabra "violín" proviene de " violino italiano , [un] diminutivo de viola . El término" viola "proviene de la expresión" violín tenor "en 1797, del italiano y viola provenzal antiguo , [que vino de] Vitula en latín medieval es un término que significa "instrumento de cuerda", quizás [viniendo] de Vitula , diosa romana de la alegría ..., o del verbo latino relacionado vitulari , "regocijarse, ser gozoso". [7] El término relacionado ". Viola da gamba "significa" violín bajo "(1724) es del italiano, literalmente"una viola para la pierna "(es decir, para sostener entre las piernas)". [7] Un violín es la "forma moderna de la viola da braccio medieval más pequeña". ("brazo viola") [6]
El violín a menudo se llama violín, ya sea cuando se usa en un contexto de música folclórica, o incluso en escenas de música clásica, como un apodo informal para el instrumento. [8] La palabra "violín" se utilizó por primera vez en inglés a finales del siglo XIV. [8] La palabra "violín" proviene de "fedele, fydyll, fidel, anterior fithele, del inglés antiguo fiðele " fiddle ", que se relaciona con el nórdico antiguo fiðla , vedele holandés medio , vedel holandés , fidula del alto alemán antiguo , Fiedel alemán, "un violín"; todo de origen incierto. "En cuanto al origen de la palabra" violín ", la" ... sugerencia habitual, basada en la semejanza en el sonido y el sentido, es que proviene del latín medieval vitula ". [8]
Historia
Los primeros instrumentos de cuerda fueron en su mayoría punteados (por ejemplo, la lira griega ). Los instrumentos de arco de dos cuerdas, tocados en posición vertical, encordados y arqueados con crin, pueden haberse originado en las culturas ecuestres nómadas de Asia Central, en formas muy parecidas al Morin huur mongol actual y al Kobyz kazajo . Probablemente se diseminaron tipos similares y variantes a lo largo de las rutas comerciales de este a oeste desde Asia hacia el Medio Oriente, [9] [10] y el Imperio Bizantino . [11] [12]
El antepasado directo de todos los instrumentos de arco europeos es el rebab árabe (ربابة), que se convirtió en la lyra bizantina en el siglo IX y más tarde en el rabel europeo . [13] [14] [15] Los primeros fabricantes de violines probablemente tomaron prestado de varios desarrollos de la lira bizantina. Estos incluían la vielle (también conocida como fidel o viuola ) y la lira da braccio . [11] [16] El violín en su forma actual surgió a principios del siglo XVI en el norte de Italia.. Las primeras imágenes de violines, aunque con tres cuerdas, se ven en el norte de Italia alrededor de 1530, aproximadamente al mismo tiempo que las palabras "violino" y "vyollon" se ven en documentos italianos y franceses. Una de las primeras descripciones explícitas del instrumento, incluida su afinación, es del Epitome musical de Jambe de Fer , publicado en Lyon en 1556. [17] Para entonces, el violín ya había comenzado a extenderse por Europa .
El violín resultó muy popular, tanto entre los músicos callejeros como entre la nobleza; el rey francés Carlos IX ordenó a Andrea Amati que le construyera 24 violines en 1560. [18] Uno de estos instrumentos "nobles", el Carlos IX , es el violín más antiguo que se conserva. El violín renacentista tallado y decorado más fino del mundo es el Gasparo da Salò ( c. 1574) propiedad de Fernando II, archiduque de Austria y más tarde, desde 1841, del virtuoso noruego Ole Bull , que lo utilizó durante cuarenta años y miles de conciertos, por su tono muy potente y bello, parecido al de un Guarneri. [19] "El Mesías" o "Le Messie"(también conocido como el "Salabue") realizado por Antonio Stradivari en 1716 sigue siendo prístino. Ahora se encuentra en el Museo Ashmolean de Oxford . [20]
Los fabricantes de violines ( luthiers ) más famosos entre el siglo XVI y el siglo XVIII incluyen:
- La escuela de Brescia , iniciada a finales del siglo XIV con liras, violettas, violas y activa en el campo del violín en la primera mitad del siglo XVI.
- La familia Dalla Corna , activa entre 1510 y 1560 en Brescia y Venecia
- La familia Micheli , activa entre 1530 y 1615 en Brescia
- La familia Inverardi estuvo activa entre 1550 y 1580 en Brescia
- La familia Gasparo da Salò , activa entre 1530 y 1615 en Brescia y Salò
- Giovanni Paolo Maggini , alumno de Gasparo da Salò, activo entre 1600 y 1630 en Brescia
- La familia Rogeri , activa entre 1661 y 1721 en Brescia
- La escuela de Cremona , iniciada en la segunda mitad del siglo XVI con violas y violón y en el campo del violín en la segunda mitad del siglo XVI
- La familia Amati , activa entre 1550 y 1740 en Cremona
- La familia Guarneri , activa entre 1626 y 1744 en Cremona y Venecia
- La familia Stradivari , activa entre 1644 y 1737 en Cremona [21]
- La familia Rugeri , activa entre 1650 y 1740 en Cremona
- Carlo Bergonzi (luthier) (1683-1747) en Cremona
- La escuela de Venecia , con la presencia de varios fabricantes de instrumentos de arco de principios del siglo XVI entre más de 140 fabricantes de instrumentos de cuerda registrados entre 1490-1630. [22]
- La familia Linarolo , activa entre 1505 y 1640 en Venecia
- Matteo Goffriller , conocido por su celli, activo entre 1685 y 1742 en Venecia
- Pietro Guarneri , hijo de Giuseppe Giovanni Battista Guarneri y de Cremona, activo 1717-1762 en Venecia
- Domenico Montagnana , activo alrededor de 1700-1750 en Venecia
- Santo Serafín , activo antes de 1741 hasta 1776 en Venecia.
Se produjeron cambios significativos en la construcción del violín en el siglo XVIII, particularmente en la longitud y el ángulo del mástil y una barra de bajo más pesada. La mayoría de los instrumentos antiguos han sufrido estas modificaciones y, por lo tanto, se encuentran en un estado significativamente diferente que cuando dejaron las manos de sus fabricantes, sin duda con diferencias en el sonido y la respuesta. [23] Pero estos instrumentos en su estado actual establecen el estándar de perfección en la artesanía y el sonido del violín, y los fabricantes de violines de todo el mundo tratan de acercarse lo más posible a este ideal.
Hasta el día de hoy, los instrumentos de la llamada Edad de Oro de la fabricación de violines, especialmente los fabricados por Stradivari, Guarneri del Gesù y Montagnana, son los instrumentos más buscados por coleccionistas e intérpretes. La cantidad récord actual pagada por un violín Stradivari es £ 9,8 millones ( US $ 15,9 millones en ese momento), cuando el instrumento conocido como Lady Blunt fue vendido por Tarisio Auctions en una subasta en línea el 20 de junio de 2011 [24].
Construcción y mecánica
Un violín generalmente consta de una tapa de abeto (la caja de resonancia , también conocida como placa superior , mesa o vientre ), costillas y fondo de arce, dos bloques terminales, un mástil , un puente , una barra de sonido, cuatro cuerdas y varios accesorios, opcionalmente. incluyendo una mentonera , que puede colocarse directamente sobre o a la izquierda del cordal . Una característica distintiva del cuerpo de un violín es su forma de reloj de arena y el arco de su parte superior y trasera. La forma de reloj de arena comprende dos combates superiores, dos combates inferiores y dos combates C cóncavos en la cintura , lo que proporciona espacio para el arco.. La "voz" o sonido de un violín depende de su forma, la madera de la que está hecho, la graduación (el perfil de grosor) tanto de la tapa como del fondo, el barniz que recubre su superficie exterior y la habilidad del luthier para hacer todos estos pasos. El barniz y especialmente la madera continúan mejorando con el tiempo, lo que hace que el suministro fijo de violines viejos y bien hechos construidos por luthiers famosos sea muy solicitado.
La mayoría de las uniones pegadas en el instrumento utilizan pegamento para pieles de animales en lugar de pegamento blanco común por varias razones. Hide pegamento es capaz de hacer una junta más delgada que la mayoría de los demás pegamentos. Es reversible (lo suficientemente frágil como para agrietarse con fuerza aplicada con cuidado y se puede quitar con agua caliente) cuando es necesario desmontarlo. Dado que el pegamento para pieles fresco se adhiere al pegamento para pieles viejo, se puede conservar más madera original al reparar una junta. (Los pegamentos más modernos deben limpiarse por completo para que la junta nueva esté sólida, lo que generalmente implica raspar un poco de madera junto con el pegamento viejo). Por lo general, se usa pegamento diluido más débil para sujetar la parte superior a las costillas y la tuerca a el diapasón, ya que las reparaciones habituales implican retirar estas piezas. El purflingcorrer alrededor del borde de la tapa de abeto proporciona cierta protección contra las grietas que se originan en el borde. También permite que la parte superior se flexione de forma más independiente de la estructura de la nervadura. La imitación de purpurina pintada en la parte superior suele ser un signo de un instrumento inferior. La parte posterior y las nervaduras suelen estar hechas de arce , la mayoría de las veces con una figura de rayas a juego , conocida como llama , violín o raya de tigre .
El mástil suele ser de arce con una figura flameada compatible con la de las costillas y el dorso. Lleva el diapasón , típicamente hecho de ébano, pero a menudo alguna otra madera teñida o pintada de negro en instrumentos más baratos. El ébano es el material preferido debido a su dureza, belleza y resistencia superior al desgaste. Los diapasones están revestidos con una curva transversal particular y tienen una pequeña "pala" o concavidad longitudinal, un poco más pronunciada en las cuerdas inferiores, especialmente cuando están destinadas a cuerdas de tripa o sintéticas. Algunos violines viejos (y algunos hechos para parecer viejos) tienen un pergamino injertado, evidenciado por una junta de pegamento entre el clavijero y el cuello. A muchos instrumentos antiguos auténticos se les ha reajustado el cuello a un ángulo ligeramente mayor y se les ha alargado aproximadamente un centímetro. El injerto de cuello permite mantener el pergamino original con un violín barroco al ajustar su cuello a los estándares modernos.
El puente es una pieza de arce cortada con precisión que forma el punto de anclaje inferior de la longitud vibrante de las cuerdas y transmite la vibración de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Su curva superior sostiene las cuerdas a la altura adecuada desde el diapasón en un arco, lo que permite que el arco suene cada una por separado. El poste de sonido , o poste del alma , encaja con precisión dentro del instrumento entre la parte posterior y la parte superior, en un lugar cuidadosamente elegido cerca del pie de agudos del puente, que ayuda a sostener. También influye en los modos de vibración de la parte superior y trasera del instrumento.
El cordal ancla las cuerdas a la parte inferior del violín por medio del tailgut, que se enrosca alrededor de un botón de ébano llamado tailpin (a veces confusamente llamado endpin , como la punta del violonchelo), que encaja en un orificio cónico en el bloque inferior. . La cuerda E a menudo tendrá una palanca de ajuste fino accionada por un pequeño tornillo girado con los dedos. Los afinadores finos también se pueden aplicar a las otras cuerdas, especialmente en un instrumento de estudiante, y a veces están integrados en el cordal. Los afinadores finos permiten al intérprete realizar pequeños cambios en el tono de una cuerda. Al final del pergamino, las cuerdas se enrollan alrededor de las clavijas de afinación de madera.en el clavijero. Las clavijas de afinación están afiladas y encajan en los orificios de la caja de clavijas. Las clavijas de afinación se mantienen en su lugar mediante la fricción de madera contra madera. Las cuerdas pueden estar hechas de metal o, menos comúnmente, tripa o tripa envuelta en metal. Las cuerdas generalmente tienen un envoltorio de seda de color en ambos extremos, para identificar la cuerda (por ejemplo, cuerda G, cuerda D, cuerda A o cuerda E) y para proporcionar fricción contra las clavijas. Las clavijas cónicas permiten que el jugador aumente o disminuya la fricción aplicando la presión adecuada a lo largo del eje de la clavija mientras la gira.
Instrumentos de cuerda
Las cuerdas se hicieron primero con tripa de oveja (comúnmente conocida como catgut , que a pesar del nombre no provenía de gatos), o simplemente tripa, que se estiró, se secó y se retorció. En los primeros años del siglo XX, las cuerdas estaban hechas de tripa o acero. Las cuerdas modernas pueden ser de tripa, acero macizo, acero trenzado o varios materiales sintéticos como el perlón , enrolladas con varios metales y, a veces, chapadas con plata . La mayoría de las cuerdas Mi están desenrolladas, ya sean de acero liso o chapado. Las cuerdas de tripa no son tan comunes como lo eran antes, pero muchos intérpretes las usan para lograr un sonido específico, especialmente en la interpretación históricamente informada de la música barroca.. Las cuerdas tienen una vida útil limitada. Eventualmente, cuando se acumulan aceite, suciedad, corrosión y colofonia, la masa de la cuerda puede volverse desigual a lo largo de su longitud. Aparte de cosas obvias, como el enrollamiento de una cuerda que se deshace por el desgaste, los músicos generalmente cambian una cuerda cuando ya no suena "verdadera" (con buena entonación en los armónicos), perdiendo el tono, brillo y entonación deseados. La longevidad de las cuerdas depende de la calidad de las cuerdas y de la intensidad de la ejecución.
Rango de tono
Un violín se afina en quintas, en las notas G 3 , D 4 , A 4 , E 5 . La nota más baja de un violín, afinada normalmente, es G 3 , o G por debajo del C medio (C4) . (En raras ocasiones, la cuerda más baja se puede afinar hasta en un cuarto, a D 3 ). La nota más alta está menos definida: E 7 , la E dos octavas por encima de la cuerda al aire (que está afinada en E 5 ) puede considerarse un límite práctico para las partes de violín orquestal, [25] pero a menudo es posible tocar más alto, dependiendo de la longitud del diapasón y la habilidad del violinista. Aún notas más altas (hasta C 8) se puede hacer sonar deteniendo la cuerda, llegando al límite del diapasón y / o utilizando armónicos artificiales .
Acústica
La forma arqueada, el grosor de la madera y sus cualidades físicas gobiernan el sonido de un violín. Los luthiers utilizan ocasionalmente patrones del nodo hechos con arena o purpurina rociados en las placas con la placa vibrada a ciertas frecuencias, llamados patrones de Chladni , para verificar su trabajo antes de ensamblar el instrumento. [26]
Tamaños
Aparte del tamaño estándar, completo ( 4 ⁄ 4 ), los violines también se fabrican en los llamados tamaños fraccionarios de 7 ⁄ 8 , 3 ⁄ 4 , 1 ⁄ 2 , 1 ⁄ 4 , 1 ⁄ 8 , 1 ⁄ 10 , 1 ⁄ 16 , 1 ⁄ 32 e incluso 1 ⁄ 64. Estos instrumentos más pequeños son comúnmente utilizados por músicos jóvenes, cuyos dedos no son lo suficientemente largos para alcanzar las posiciones correctas en instrumentos de tamaño completo.
Si bien está relacionado en cierto sentido con las dimensiones de los instrumentos, los tamaños fraccionarios no pretenden ser descripciones literales de proporciones relativas. Por ejemplo, un instrumento de tamaño 3 ⁄ 4 no tiene tres cuartos de la longitud de un instrumento de tamaño completo. La longitud del cuerpo (sin incluir el mástil) de un violín de tamaño completo, o 4 ⁄ 4 , es de 356 mm (14 pulgadas), menor en algunos modelos del siglo XVII. La longitud del cuerpo de un violín de 3 ⁄ 4 es de 335 mm (13,2 pulgadas) y un tamaño de 1 ⁄ 2 es de 310 mm (12,2 pulgadas). Con el miembro de la familia más cercano al violín, la viola, el tamaño se especifica como la longitud del cuerpo en pulgadas o centímetros en lugar de tamaños fraccionarios. Una viola de tamaño completoun promedio de 40 cm (16 pulgadas). Sin embargo, cada adulto individual determinará qué tamaño de viola usar.
Ocasionalmente, un adulto con un marco pequeño puede usar un violín de tamaño 7 ⁄ 8 en lugar de un instrumento de tamaño completo. A veces llamado violín de dama , estos instrumentos son un poco más cortos que un violín de tamaño completo, pero tienden a ser instrumentos de alta calidad capaces de producir un sonido comparable al de los violines finos de tamaño completo. Los tamaños de violín de 5 cuerdas pueden diferir de los de 4 cuerdas normales.
Violín mezzo
El instrumento que corresponde al violín en el octeto del violín es el mezzo violín, afinado igual que un violín pero con un cuerpo algo más largo. Las cuerdas del mezzo violín tienen la misma longitud que las del violín estándar. Este instrumento no es de uso común. [27]
Afinación
Los violines se afinan girando las clavijas en la caja de clavijas debajo del pergamino o ajustando los tornillos del afinador en el cordal . Todos los violines tienen clavijas; sintonizadores finos (también llamados ajustadores finos) son opcionales. La mayoría de los afinadores constan de un tornillo de metal que mueve una palanca unida al extremo de la cuerda. Permiten ajustes de tono muy pequeños con mucha más facilidad que las clavijas. Al girar uno en el sentido de las agujas del reloj, el tono se vuelve más agudo (a medida que la cuerda está bajo más tensión), y al girar uno en el sentido contrario a las agujas del reloj, el tono se vuelve más plano (a medida que la cuerda está bajo menos tensión). Los afinadores finos en las cuatro cuerdas son muy útiles cuando se usan aquellos con un núcleo de acero, y algunos músicos los usan con cuerdas sintéticas. Dado que las cuerdas Mi modernas son de acero, casi siempre se instala un afinador fino para esa cuerda. Los afinadores finos no se utilizan con cuerdas de tripa, que son más elásticas que las cuerdas de acero o de núcleo sintético y no responden adecuadamente a los movimientos muy pequeños de los afinadores finos.
Para afinar un violín, la cuerda A se afina primero a un tono estándar (generalmente A = 440 Hz ). (Al acompañar o tocar con un instrumento de tono fijo como un piano o un acordeón, el violín lo afina. El oboe es generalmente el instrumento que se utiliza para afinar orquestas donde hay violines, ya que su sonido es penetrante y se puede escuchar por encima del otro. instrumentos de viento de madera) Las otras cuerdas se sintonizan entre sí en intervalos de quintas perfectas inclinándolas en pares. A veces se emplea una afinación minuciosamente más alta para tocar en solitario para dar al instrumento un sonido más brillante; a la inversa, la música barroca a veces se toca con afinaciones más bajaspara hacer que el violín suene más suave. Después de la afinación, se puede examinar el puente del instrumento para asegurarse de que esté recto y centrado entre las muescas internas de los agujeros F ; un puente torcido puede afectar significativamente el sonido de un violín bien hecho. Después de tocar mucho, los agujeros en los que se insertan las clavijas de afinación pueden desgastarse, lo que hace que la clavija se deslice bajo tensión. Esto puede hacer que el tono de la cuerda se caiga o, si la clavija se afloja por completo, que la cuerda pierda completamente la tensión. Un violín en el que se deslizan las clavijas de afinación debe ser reparado por un luthier o un reparador de violines. Peg dope o compuesto para clavijas, utilizados regularmente, pueden retrasar la aparición de dicho desgaste y permitir que las clavijas giren suavemente.
La afinación G – D – A – E se utiliza para la mayoría de la música de violín, tanto en música clásica como en jazz y música folclórica . Ocasionalmente se emplean otras afinaciones; la cuerda G, por ejemplo, se puede afinar hasta A. El uso de afinaciones no estándar en la música clásica se conoce como scordatura ; en algunos estilos populares, se llama afinación cruzada . Un ejemplo famoso de scordatura en la música clásica es Camille Saint-Saëns ' Danza de la Muerte , donde cuerda E del violín solo está sintonizado a E ♭ para impartir una disonancia extraña a la composición. Otros ejemplos son el tercer movimiento de Contrasts , de Béla Bartók , donde la cuerda Mi se afina a Mi♭ y el G afinado a un G ♯ ,el primer concierto para violín de Niccolò Paganini , donde las cuatro cuerdas están designadas para afinarse un semitono más alto, y las Mystery Sonatas de Biber , en las que cada movimiento tiene una afinación de scordatura diferente.
En la música clásica india y en la música ligera india, es probable que el violín esté afinado en D ♯ –A ♯ –D ♯ –A ♯ en el estilo del sur de India. Como no existe un concepto de tono absoluto en la música clásica india, los músicos pueden utilizar cualquier afinación conveniente para mantener estos intervalos de tono relativo entre las cuerdas. Otra afinación frecuente con estos intervalos es B ♭ –F – B ♭ –F, que corresponde a Sa – Pa – Sa – Pa en el estilo de música clásica carnática de la India . En el estilo indostaní del norte de la India , la afinación suele ser Pa-Sa-Pa-Sa en lugar de Sa – Pa – Sa – Pa. Esto podría corresponder a F – B ♭ –F – B ♭, por ejemplo. En la música clásica iraní y en la música ligera iraní, el violín tiene diferentes afinaciones en cualquier Dastgah , es probable que el violín esté afinado (E-A-E-A) en Dastgah-h Esfahan o en Dastgāh-e Šur es (E-A –D – E) y (E – A – E – E), en Dastgāh-e Māhur es (E – A – D – A). En la música clásica árabe, las cuerdas A y E se bajan un paso completo , es decir, G – D – G – D. Esto es para facilitar la ejecución de maqams árabes , especialmente aquellos que contienen cuartos de tono .
Si bien la mayoría de los violines tienen cuatro cuerdas, hay violines con cuerdas adicionales. Algunos tienen hasta siete cuerdas. En general, se piensa que siete es el número máximo de cuerdas posible en un instrumento de cuerda con arco. Con más de siete cuerdas, sería imposible tocar una cuerda interior particular individualmente con el arco. Los instrumentos con siete cuerdas son muy raros. Las cuerdas adicionales en dichos violines suelen tener un tono más bajo que la cuerda G; estas cuerdas generalmente están afinadas en C, F y B ♭. Si la longitud de ejecución del instrumento, o la longitud de la cuerda desde la cejilla hasta el puente, es igual a la de un violín normal de escala completa; es decir, un poco menos de 13 pulgadas (33 cm), entonces se puede denominar apropiadamente violín. Algunos de estos instrumentos son algo más largos y deberían considerarse violas. Los violines de cinco cuerdas o más se utilizan típicamente en jazz o música folclórica. Algunos instrumentos hechos a medida tienen cuerdas adicionales que no están arqueadas, pero que suenan con simpatía debido a las vibraciones de las cuerdas arqueadas.
Arcos
Un violín generalmente se toca con un arco que consiste en un palo con una cinta de crin ensartada entre la punta y la rana (o la tuerca o el talón) en los extremos opuestos. Un arco de violín típico puede medir 75 cm (30 pulgadas) en total y pesar alrededor de 60 g (2,1 oz). Los arcos de viola pueden ser unos 5 mm (0,20 pulgadas) más cortos y 10 g (0,35 oz) más pesados. En el extremo de la rana, un ajustador de tornillo aprieta o suelta el cabello. Justo delante de la rana, un cojín de cuero para el pulgar, llamado agarre, y el enrollamiento protegen el palo y brindan un agarre fuerte para la mano del jugador. Devanados tradicionales son de alambre (a menudo de plata o plata chapado), seda, o barbas ( "ballena", ahora sustituido por tiras de plástico de color canela y negro alterna.) Algunos arcos de fibra de vidrio de estudiantes emplean un manguito de plástico como agarre y bobinado.
El pelo de moño proviene tradicionalmente de la cola de un caballo macho gris (que tiene predominantemente el pelo blanco). Algunos arcos más baratos usan fibra sintética. Se frota colofonia sólida sobre el cabello para dejarlo ligeramente pegajoso; cuando el arco se pasa a través de una cuerda, la fricción entre ellos hace que la cuerda vibre. Los materiales tradicionales para los palos de arco más costosos incluyen madera de serpiente y palo de Brasil (que también se conoce como madera de Pernambuco). Algunas innovaciones recientes en el diseño de arcos utilizan fibra de carbono (CodaBows) para el palo, en todos los niveles de artesanía. Los arcos económicos para los estudiantes están hechos de maderas menos costosas o de fibra de vidrio (Glasser).
Jugando
Postura
El violín se toca sentado o de pie. Los solistas (ya sea tocando solos, con un piano o con una orquesta) tocan principalmente de pie (a menos que lo impida una discapacidad física como en el caso de Itzhak Perlman ). En cambio, en la orquesta y en la música de cámara se suele tocar sentado. En las décadas de 2000 y 2010, algunas orquestas que interpretan música barroca (como la Orquesta Barroca de Friburgo ) hicieron que todos sus violines y violas, solos y conjuntos, actuaran de pie.
La forma estándar de sostener el violín es con el lado izquierdo de la mandíbula descansando sobre la mentonera del violín y apoyado en el hombro izquierdo, a menudo asistido por un apoya hombros (o una esponja y una banda elástica para los músicos más jóvenes que luchan con apoya hombros). La mandíbula y el hombro deben sostener el violín con la suficiente firmeza para permitir que permanezca estable cuando la mano izquierda pasa de una posición alta (una nota de tono alto muy arriba en el diapasón) a una baja (más cerca del clavijero). En la postura india, la estabilidad del violín está garantizada por su pergamino apoyado en el costado del pie.
Si bien los maestros señalan la importancia vital de una buena postura tanto por el bien de la calidad del juego como para reducir la posibilidad de lesiones por esfuerzo repetitivo , los consejos sobre qué es una buena postura y cómo lograrla difieren en detalles. Sin embargo, todos insisten en la importancia de una posición relajada natural sin tensión ni rigidez. Lo que se recomienda casi universalmente es mantener la muñeca izquierda recta (o casi) para permitir que los dedos de la mano izquierda se muevan libremente y reducir la posibilidad de lesiones y mantener cualquiera de los hombros en una posición relajada natural y evitar levantar cualquiera de los dos. ellos de una manera exagerada. Esto, como cualquier otra tensión injustificada, limitaría la libertad de movimiento y aumentaría el riesgo de lesiones.
El encorvado puede dificultar el buen juego porque desequilibra el cuerpo y hace que los hombros se eleven. Otro signo que proviene de una tensión poco saludable es el dolor en la mano izquierda, que indica demasiada presión al sostener el violín.
Producción de tono y mano izquierda
La mano izquierda determina la longitud de sonido de la cuerda, y por lo tanto el tono de la cuerda, "deteniéndola" (presionándola) contra el diapasón con las yemas de los dedos, produciendo diferentes tonos. Como el violín no tiene trastes para detener las cuerdas, como es habitual en la guitarra , el intérprete debe saber exactamente dónde colocar los dedos en las cuerdas para tocar con buena entonación (afinación). Los violinistas principiantes tocan cuerdas abiertas y la posición más baja, más cercana a la cejilla. Los estudiantes a menudo comienzan con teclas relativamente fáciles, como A Major y G major. A los estudiantes se les enseñan escalas y melodías simples. A través de la práctica de escalas y arpegios y el entrenamiento del oído , la mano izquierda del violinista finalmente "encuentra" las notas intuitivamente pormemoria muscular .
Los principiantes a veces confían en las cintas colocadas en el diapasón para la colocación adecuada del dedo de la mano izquierda, pero generalmente abandonan las cintas rápidamente a medida que avanzan. Otra técnica de marcado utilizado comúnmente utiliza puntos de blanco de salida en el diapasón, que desaparecen en unas pocas semanas de práctica regular. Esta práctica, desafortunadamente, se usa a veces en lugar de un entrenamiento auditivo adecuado, guiando la colocación de los dedos con el ojo y no con el oído. Especialmente en las primeras etapas de aprender a tocar, los llamados "tonos de llamada" son útiles. Hay nueve notas de este tipo en la primera posición, donde una nota detenida suena al unísono u octava con otra cuerda (abierta), lo que hace que resuene con simpatía.. Los estudiantes a menudo usan estos tonos de llamada para verificar la entonación de la nota detenida al ver si está en armonía con la cuerda al aire. Por ejemplo, al tocar el tono detenido "A" en la cuerda G, el violinista podría tocar la cuerda D abierta al mismo tiempo, para comprobar la entonación de la "A" detenida. Si la "A" está afinada, la "A" y la cuerda D abierta deberían producir una cuarta perfecta armoniosa.
Los violines están afinados en quintas perfectas, como todas las cuerdas orquestales (violín, viola, violonchelo) excepto el contrabajo, que está afinado en cuartas perfectas. Cada nota subsiguiente se detiene en un tono que el intérprete percibe como el más armonioso, "cuando no está acompañado, [un violinista] no toca consistentemente ni en la escala templada ni en la natural [justa], sino que tiende en general a ajustarse a la escala pitagórica". escala ". [28] Cuando los violinistas tocan en un cuarteto de cuerdas o en una orquesta de cuerdas , las cuerdas típicamente "endulzan" su afinación para adaptarse a la clave en la que están tocando. Cuando tocan con un instrumento afinado con el mismo temperamento , como un piano, los violinistas expertos ajustan su afinación para que coincida con el temperamento igual del piano para evitar notas discordantes .
Los dedos se numeran convencionalmente del 1 (índice) al 4 (dedo meñique) en notación musical , como partituras y libros de estudios. Especialmente en las ediciones instructivas de música para violín, los números sobre las notas pueden indicar qué dedo usar, con 0 u O indicando una cuerda abierta. El gráfico de la derecha muestra la disposición de las notas accesibles en la primera posición. En esta tabla no se muestra la forma en que el espacio entre las posiciones de las notas se vuelve más cercano a medida que los dedos se mueven hacia arriba (en tono) desde la cejilla. Las barras a los lados del gráfico representan las posibilidades habituales para la colocación de cintas para principiantes, en el 1º, 2º, 3º y 4º dedos altos.
Posiciones
La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por "posiciones". La primera posición, donde comienzan la mayoría de los principiantes (aunque algunos métodos comienzan en la tercera posición), es la posición más utilizada en la música de cuerdas. La música compuesta para orquestas juveniles principiantes suele estar mayoritariamente en primera posición. La nota más baja disponible en esta posición en la afinación estándar es un G3 abierto; la nota más alta en la primera posición se toca con el cuarto dedo de la cuerda mi, sonando un B5. Moviendo la mano hacia arriba por el cuello, el primer dedo ocupa el lugar del segundo, llevando al jugador a la segunda posición . Dejar que el primer dedo ocupe la primera posición del tercer dedo lleva al jugador a la tercera posición., y así. Un cambio de posiciones, con su movimiento asociado de la mano, se conoce como un cambio, y un cambio efectivo que mantiene una entonación precisa y un sonido legato suave (conectado) es un elemento clave de la técnica en todos los niveles. A menudo se utiliza un "dedo guía"; el último dedo que toca una nota en la posición anterior toca ligeramente la cuerda continuamente durante el transcurso del turno para terminar en su lugar correcto en la nueva posición. En los ejercicios de cambio elementales, el "dedo guía" a menudo se pronuncia mientras se desliza hacia arriba o hacia abajo de la cuerda, de modo que el jugador pueda establecer la ubicación correcta de oído. Fuera de estos ejercicios, rara vez debería ser audible (a menos que el ejecutante esté aplicando conscientemente un efecto de portamento por razones expresivas).
En el curso de un cambio en posiciones bajas, el pulgar de la mano izquierda se mueve hacia arriba o hacia abajo del cuello del instrumento para permanecer en la misma posición con respecto a los dedos (aunque el movimiento del pulgar puede ocurrir un poco antes, o poco después, el movimiento de los dedos). En tales posiciones, el pulgar a menudo se considera un "ancla" cuya ubicación define la posición en la que se encuentra el jugador. En posiciones muy altas, el pulgar no puede moverse con los dedos cuando el cuerpo del instrumento se interpone. En cambio, el pulgar trabaja alrededor del cuello del instrumento para sentarse en el punto en el que el cuello se encuentra con la parte derecha del cuerpo, y permanece allí mientras los dedos se mueven entre las posiciones altas.
Una nota tocada fuera de la brújula normal de una posición, sin ningún cambio, se denomina extensión . Por ejemplo, en la tercera posición en la cuerda A, la mano se sienta naturalmente con el primer dedo en D ♮ y el cuarto en G ♮ o G ♯ . Estirar el primer dedo hacia abajo hasta una C ♯ , o el cuarto dedo hasta una A ♮ , forma una extensión. Las extensiones se usan comúnmente cuando una o dos notas están ligeramente fuera de una posición sólida y brindan la ventaja de ser menos intrusivas que un cambio o un cruce de cuerdas. La posición más baja del violín se denomina "media posición". En esta posición, el primer dedo está en una nota de "primera posición baja", p. Ej. B ♭en la cuerda A, y el cuarto dedo está en una extensión hacia abajo de su posición regular, por ejemplo, D ♮ en la cuerda A, con los otros dos dedos colocados en el medio según sea necesario. Como la posición del pulgar es típicamente la misma en la "posición media" que en la primera posición, es mejor considerarlo como una extensión hacia atrás de toda la mano que como una posición genuina.
El límite superior del rango del violín está determinado en gran medida por la habilidad del intérprete, que puede tocar fácilmente más de dos octavas en una sola cuerda y cuatro octavas en el instrumento en su conjunto. Los nombres de los puestos se utilizan principalmente para los puestos inferiores y en libros de métodos y estudios; por esta razón, es poco común escuchar referencias a algo superior a la séptima posición. La posición más alta, prácticamente hablando, es la decimotercera. Los puestos muy altos son un desafío técnico particular, por dos razones. En primer lugar, la diferencia en la ubicación de las diferentes notas se vuelve mucho más estrecha en las posiciones altas, lo que hace que las notas sean más difíciles de localizar y, en algunos casos, de distinguirlas de oído. En segundo lugar, la longitud de sonido mucho más corta de la cuerda en posiciones muy altas es un desafío para el brazo derecho y el arco a la hora de hacer sonar el instrumento con eficacia.Cuanto más fino (y más caro) es un instrumento, más capaz es de mantener un buen tono hasta la parte superior del diapasón, en los tonos más altos de la cuerda mi.
Todas las notas (excepto las que están debajo de la D abierta) se pueden tocar en más de una cuerda. Ésta es una característica de diseño estándar de los instrumentos de cuerda; sin embargo, se diferencia del piano, que tiene solo una ubicación para cada una de sus 88 notas. Por ejemplo, la nota de A abierta en el violín se puede tocar como A abierta, o en la cuerda D (en la primera a la cuarta posición) o incluso en la cuerda G (muy alta en la sexta a novena posición). Cada cuerda tiene una calidad de tono diferente , debido a los diferentes pesos (grosores) de las cuerdas y debido a las resonancias de otras cuerdas abiertas. Por ejemplo, a menudo se considera que la cuerda G tiene un sonido muy completo y sonoro que es particularmente apropiado para la música romántica tardía. Esto a menudo se indica en la música mediante la marca, por ejemplo, sul Go IV (un número romano que indica tocar en la cuarta cuerda; por convención, las cuerdas están numeradas desde el tono más fino y más alto (I) hasta el tono más bajo (IV). Incluso sin instrucciones explícitas en la partitura, un violinista avanzado usar su discreción y sensibilidad artística para seleccionar qué cuerda tocar notas o pasajes específicos.
Cuerdas abiertas
Si una cuerda se arquea o se pulsa sin que ningún dedo la detenga, se dice que es una cuerda abierta.. Esto produce un sonido diferente al de una cuerda detenida, ya que la cuerda vibra más libremente en la cejilla que debajo de un dedo. Además, es imposible usar el vibrato completamente en una cuerda abierta (aunque se puede lograr un efecto parcial al detener una nota una octava arriba en una cuerda adyacente y vibrarla, lo que introduce un elemento de vibrato en los armónicos). En la tradición clásica, los violinistas suelen utilizar un cruce de cuerdas o un cambio de posición para evitar el cambio de timbre introducido por una cuerda al aire, a menos que lo indique el compositor. Esto es particularmente cierto para la E abierta, que a menudo se considera que tiene un sonido áspero. Sin embargo, también hay situaciones en las que se puede elegir específicamente una cuerda abierta para lograr un efecto artístico. Esto se ve en la música clásica que imita el zumbido de un órgano (JS Bach,en su Partita en Mi para violín solo, logró esto), tocar el violín (p. ej.,Hoedown ) o donde tomar medidas para evitar la cuerda al aire es musicalmente inapropiado (por ejemplo, en la música barroca, donde el cambio de posición era menos común). En pasajes rápidos de escalas o arpegios, una cuerda Mi abierta puede usarse simplemente por conveniencia si la nota no tiene tiempo para sonar y desarrollar un timbre áspero. En la música folclórica, el violín y otrosgéneros musicales tradicionales , las cuerdas al aire se utilizan comúnmente por su timbre resonante.
Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota detenida en una cuerda adyacente produce un zumbido parecido a una gaita , que los compositores suelen utilizar para imitar la música folclórica . A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, tocar un A con los dedos en la cuerda D contra la cuerda A abierta), dando una especie de sonido de "violín". También se puede solicitar tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota detenida idéntica cuando se requiere más volumen, especialmente en la ejecución orquestal. Algunas partes de violín clásico tienen notas para las que el compositor solicita al violinista que toque una cuerda al aire, debido a la sonoridad específica creada por una cuerda al aire.
Paradas dobles, paradas triples, acordes y drones
La parada doble es cuando dos cuerdas separadas se detienen con los dedos y se arquean simultáneamente, produciendo dos tonos continuos (los intervalos típicos incluyen 3ras, 4tas, 5tas, 6tas y octavas). Las paradas dobles se pueden indicar en cualquier posición, aunque el intervalo más amplio que se puede detener dos veces de forma natural en una posición es una octava (con el dedo índice en la cuerda inferior y el meñique en la cuerda superior). No obstante, a veces se requiere que los intervalos de décimas o incluso más se detengan dos veces en el repertorio avanzado, lo que resulta en una posición estirada de la mano izquierda con los dedos extendidos. El término "doble parada" se utiliza a menudo para abarcar el sonido de una cuerda abierta junto con una nota digitada también, aunque solo un dedo detiene la cuerda.
Cuando se indican tres o cuatro notas simultáneas, el violinista normalmente "dividirá" el acorde, eligiendo primero la o las dos notas más bajas antes de continuar inmediatamente con la o las dos notas superiores, con la resonancia natural del instrumento produciendo un efecto. similar a si las cuatro notas se hubieran expresado simultáneamente. En algunas circunstancias, es posible una "triple parada", donde tres notas en tres cuerdas se pueden sonorizar simultáneamente. El arco no golpeará naturalmente tres cuerdas a la vez, pero si hay suficiente velocidad y presión del arco cuando el violinista "rompe" (suena) un acorde de tres notas, el pelo del arco se puede doblar temporalmente en tres cuerdas, permitiendo que cada una suene simultáneamente. . Esto se logra con un golpe fuerte, típicamente cerca de la rana, y produce un tono fuerte y agresivo.Paradas dobles enEn ocasiones, la orquesta se marca divisi y se divide entre los intérpretes, con alguna división de los músicos que tocan la nota más baja y alguna división que toca la nota más alta. Las paradas dobles (y divisi) son comunes en el repertorio orquestal cuando los violines tocan el acompañamiento y otro instrumento o sección toca melódicamente.
En algunos géneros de interpretación históricamente informada (generalmente de música barroca y anteriores), no se cree que sean apropiados ni los acordes divididos ni los de triple parada; algunos violinistas arpegiarán todos los acordes (incluidas las dobles paradas regulares), tocando todas o la mayoría de las notas individualmente como si hubieran sido escritas como una figura arrastrada. Sin embargo, con el desarrollo de los violines modernos, la triple parada se ha vuelto más natural debido a que el puente es menos curvo. En algunos estilos musicales, se puede tocar un zumbido sostenido de cuerda abierta durante un pasaje escrito principalmente en una cuerda adyacente, para proporcionar un acompañamiento básico. Esto se ve con más frecuencia en las tradiciones populares que en la música clásica.
Vibrato
El vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía sutilmente en un ritmo pulsante. Si bien varias partes de la mano o el brazo pueden estar involucradas en el movimiento, el resultado final es un movimiento de la yema del dedo que produce un ligero cambio en la longitud de la cuerda vibrante, lo que provoca una ondulación en el tono. La mayoría de los violinistas oscilan por debajo de la nota, o en un tono más bajo que la nota real cuando usan vibrato, ya que se cree que la percepción favorece el tono más alto en un sonido variable. [31]Vibrato hace poco, si acaso, para disfrazar una nota desafinada; en otras palabras, el vibrato mal aplicado es un mal sustituto de una buena entonación. Las escalas y otros ejercicios destinados a trabajar la entonación se suelen tocar sin vibrato para que el trabajo sea más fácil y eficaz. A los estudiantes de música a menudo se les enseña que, a menos que se indique lo contrario en la música, se asume el vibrato. Sin embargo, cabe señalar que esto es solo una tendencia; no hay nada en la partitura que obligue a los violinistas a agregar vibrato. Esto puede ser un obstáculo para un violinista de formación clásica que desee tocar en un estilo que utilice poco o ningún vibrato, como la música barroca tocada en estilo de época y muchos estilos tradicionales de tocar el violín.
El vibrato se puede producir mediante una combinación adecuada de movimientos de dedos, muñecas y brazos. Un método, llamado vibrato de mano (o vibrato de muñeca ), implica balancear la mano hacia atrás en la muñeca para lograr la oscilación. Por el contrario, otro método, el vibrato del brazo , modula el tono mediante el movimiento del codo. Una combinación de estas técnicas permite al jugador producir una gran variedad de efectos tonales. El "cuándo", "para qué" y "cuánto" del vibrato de violínson cuestiones artísticas de estilo y gusto, con diferentes profesores, escuelas de música y estilos de música favoreciendo diferentes estilos de vibrato. Por ejemplo, el vibrato exagerado puede resultar una distracción. En términos acústicos, el interés que agrega el vibrato al sonido tiene que ver con la forma en que el sobretono se mezcla [32] (o el color del tono, o el timbre) y el patrón direccional de la proyección del sonido cambian con los cambios en el tono. Al "señalar" el sonido a diferentes partes de la habitación [33] [34]de manera rítmica, el vibrato agrega un "brillo" o "vivacidad" al sonido de un violín bien hecho. El vibrato se deja, en gran parte, a la discreción del violinista. Los diferentes tipos de vibrato traerán diferentes estados de ánimo a la pieza, y los diferentes grados y estilos de vibrato son a menudo características que se destacan en violinistas reconocidos.
Vibrato trino
A veces se puede usar un movimiento similar al de un vibrato para crear un trino rápidoefecto. Para ejecutar este efecto, el dedo sobre el dedo que detiene la nota se coloca muy ligeramente fuera de la cuerda (presionado firmemente contra el dedo que detiene la cuerda) y se implementa un movimiento de vibrato. El segundo dedo tocará ligeramente la cuerda por encima del dedo inferior con cada oscilación, haciendo que el tono oscile de una manera que suena como una mezcla entre vide vibrato y un trino muy rápido. Esto da una transición menos definida entre la nota más alta y más baja, y generalmente se implementa mediante una elección interpretativa. Esta técnica de trino solo funciona bien para trinos semitonales o trinos en posiciones altas (donde se reduce la distancia entre notas), ya que requiere que el dedo trino y el dedo debajo de él se toquen, lo que limita la distancia que se puede trinar. En posiciones muy altas,donde la distancia del trino es menor que el ancho del dedo, un trino de vibrato puede ser la única opción para los efectos de trino.
Armónicos
 | Sonidos y técnicas de violín Cuerdas abiertas (arco y pizzicato) Una escala mayor (arco y pizzicato) |
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Tocar ligeramente la cuerda con la yema del dedo en un nodo armónico , pero sin presionar completamente la cuerda y luego puntear o arquear la cuerda, crea armónicos . En lugar del tono normal, suena una nota de tono más alto. Cada nodo está en una división entera de la cadena, por ejemplo, a la mitad o un tercio a lo largo de la cadena. Un instrumento sensible sonará numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la cuerda. Los armónicos se marcan en la música con un pequeño círculo sobre la nota que determina el tono del armónico o con cabezas de nota en forma de diamante. Hay dos tipos de armónicos: armónicos naturales y armónicos artificiales (también conocidos como armónicos falsos ).
Los armónicos naturales se tocan en una cuerda abierta. El tono de la cuerda al aire cuando se pulsa o se inclina se llama frecuencia fundamental. Los armónicos también se denominan armónicos o parciales . Ocurren en múltiplos enteros de la fundamental, lo que se denomina primer armónico. El segundo armónico es el primer sobretono(la octava por encima de la cuerda al aire), el tercer armónico es el segundo sobretono, y así sucesivamente. El segundo armónico está en el medio de la cuerda y suena una octava más alta que el tono de la cuerda. El tercer armónico rompe la cuerda en tercios y suena una octava y una quinta por encima de la fundamental, y el cuarto armónico rompe la cuerda en cuartos sonando dos octavas por encima de la primera. El sonido del segundo armónico es el más claro de todos, porque es un nodo común con todos los armónicos pares sucesivos (4º, 6º, etc.). El tercer y sucesivos armónicos impares son más difíciles de tocar porque rompen la cuerda en un número impar de partes vibrantes y no comparten tantos nodos con otros armónicos.
Los armónicos artificiales son más difíciles de producir que los naturales, ya que implican tanto detener la cuerda como tocar un armónico en la nota detenida. Usando el marco de octava (la distancia normal entre el primer y cuarto dedo en cualquier posición dada) con el cuarto dedo tocando la cuerda un cuartomás alto que la nota detenida produce el cuarto armónico, dos octavas por encima de la nota detenida. La colocación de los dedos y la presión, así como la velocidad del arco, la presión y el punto de sondeo son esenciales para lograr que suene el armónico deseado. Y para agregar al desafío, en pasajes con diferentes notas tocadas como falsos armónicos, la distancia entre el dedo que se detiene y el dedo armónico debe cambiar constantemente, ya que el espacio entre las notas cambia a lo largo de la cuerda.
El dedo armónico también puede tocar en un tercio mayor por encima de la nota presionada (el quinto armónico), o un quintomás alto (un tercer armónico). Estos armónicos se utilizan con menos frecuencia; en el caso de la tercera mayor, tanto la nota detenida como la nota tocada deben tocarse ligeramente agudas; de lo contrario, el armónico no habla con tanta facilidad. En el caso del quinto, el estiramiento es mayor de lo que resulta cómodo para muchos violinistas. En el repertorio general no se utilizan fracciones menores a una sexta. Sin embargo, a veces se utilizan divisiones de hasta un octavo y, dado un buen instrumento y un jugador hábil, es posible realizar divisiones tan pequeñas como un duodécimo. Hay algunos libros dedicados exclusivamente al estudio de los armónicos del violín. Dos obras completas son la Teoría de los armónicos de siete volúmenes de Henryk Heller , publicada por Simrock en 1928, y la Tecnica dei suoni armonici de cinco volúmenes de Michelangelo Abbado . publicado por Ricordi en 1934.
Se pueden encontrar pasajes elaborados en armónicos artificiales en la literatura virtuosa del violín, especialmente del siglo XIX y principios del XX. Dos ejemplos notables de esto son una sección entera de Vittorio Monti 's Csárdás y un paso hacia la mitad del tercer movimiento de concierto para violín de Pyotr Ilyich Tchaikovsky . Una sección del tercer movimiento del Concierto para violín n. ° 1 de Paganini consta de tercios de doble parada en armónicos.
Cuando las cuerdas están gastadas, sucias y viejas, es posible que los armónicos ya no sean precisos en el tono. Por esta razón, los violinistas cambian sus cuerdas con regularidad.
Mano derecha y color de tono
Las cuerdas se pueden hacer sonar pasando el pelo del arco sostenido por la mano derecha a través de ellas ( arco ) o punzándolas ( pizzicato ) con mayor frecuencia con la mano derecha. En algunos casos, el violinista tocará cuerdas con la mano izquierda. Esto se hace para facilitar las transiciones de pizzicato a arco. También se utiliza en algunas obras maestras virtuosas. El pizzicato de la mano izquierda generalmente se hace con cuerdas abiertas. Pizzicato se utiliza en todos los instrumentos de la familia de violines; sin embargo, el estudio sistemático de las técnicas avanzadas de pizzicato está más desarrollado en el bajo de jazz , un estilo en el que el instrumento se pulsa casi exclusivamente.
El brazo, la mano y el arco derechos y la velocidad del arco son responsables de la calidad del tono, el ritmo , la dinámica , la articulación y la mayoría (pero no todos) los cambios en el timbre . El jugador pasa el arco sobre la cuerda, lo que hace que la cuerda vibre y produzca un tono sostenido. El arco es un palo de madera con pelo de cola de caballo tensado, al que se le ha aplicado una barra de colofonia . La textura natural de la crin y la pegajosidad de la colofonia ayudan al arco a "agarrar" la cuerda y, por lo tanto, cuando el arco se pasa sobre la cuerda, el arco hace que la cuerda suene con un tono.
La reverencia se puede utilizar para producir notas o melodías largas y sostenidas. Con una sección de cuerdas , si los jugadores de una sección cambian sus arcos en diferentes momentos, una nota puede parecer infinitamente sostenible. Además, el arco se puede utilizar para tocar pequeñas notas cortas y nítidas, como notas repetidas, escalas y arpegios, que proporcionan un ritmo propulsor en muchos estilos de música.
Técnicas de reverencia
La parte más esencial de la técnica del arco es el agarre del arco. Por lo general, es con el pulgar doblado en el área pequeña entre la rana y la cuerda del arco. Los otros dedos se distribuyen de manera algo uniforme por la parte superior del arco. El dedo meñique se encrespa con la punta del dedo colocada sobre la madera junto al tornillo. El violín produce notas más fuertes con mayor velocidad de arco o más peso en la cuerda. Los dos métodos no son equivalentes porque producen diferentes timbres; presionar la cuerda tiende a producir un sonido más áspero e intenso. También se puede lograr un sonido más fuerte colocando el arco más cerca del puente.
El punto de sondeo donde el arco se cruza con la cuerda también influye en el timbre (o "color de tono"). Tocar cerca del puente ( sul ponticello ) da un sonido más intenso de lo habitual, enfatizando los armónicos más altos; y tocar con el arco sobre el extremo del diapasón ( sul tasto ) produce un sonido delicado y etéreo, que enfatiza la frecuencia fundamental . Shinichi Suzuki se refirió al punto de sondeo como la autopista Kreisler ; uno puede pensar en diferentes puntos de sondeo como carriles en la carretera.
Varios métodos de ataque con el arco producen diferentes articulaciones . Hay muchas técnicas de arco que permiten todos los estilos de juego. Muchos profesores, músicos y orquestas pasan mucho tiempo desarrollando técnicas y creando una técnica unificada dentro del grupo. Estas técnicas incluyen arco estilo legato (un sonido suave, conectado y sostenido adecuado para melodías), collé y una variedad de inclinaciones que producen notas más cortas, como rebote, salteado , martelé , spiccato y staccato.
Pizzicato
Una nota marcada pizz. (abreviatura de pizzicato ) en la música escrita se toca punteando la cuerda con un dedo de la mano derecha en lugar de inclinarse. (El dedo índice se usa más comúnmente aquí). A veces, en partes de orquesta o música virtuosa en solitario donde la mano del arco está ocupada (o para lucirse), pizzicato de la mano izquierdase indicará con un + (signo más) debajo o encima de la nota. En el pizzicato de la mano izquierda, se colocan dos dedos en la cuerda; uno (generalmente el dedo índice o medio) se coloca en la nota correcta, y el otro (generalmente el dedo anular o el meñique) se coloca encima de la nota. El dedo superior luego puntea la cuerda mientras que el inferior permanece encendido, produciendo así el tono correcto. Al aumentar la fuerza del punteo, se puede aumentar el volumen de la nota que produce la cuerda. Pizzicato se utiliza en obras orquestales y en obras de exhibición en solitario. En las partes orquestales, los violinistas a menudo tienen que hacer cambios muy rápidos de arco a pizzicato, y viceversa.
Col legno
Una marca de col legno (en italiano para "con la madera") en la música escrita requiere golpear la cuerda (s) con el palo del arco, en lugar de pasar el pelo del arco a través de las cuerdas. Esta técnica de arco se utiliza con poca frecuencia y da como resultado un sonido de percusión silenciado. La inquietante calidad de una sección de violín que toca el col legno se explota en algunas piezas sinfónicas, en particular la "Danza de las brujas" del último movimiento de la Sinfonía fantástica de Berlioz . El poema sinfónico Danse Macabre de Saint-Saëns incluye la sección de cuerdas utilizando la técnica col legno para imitar el sonido de los esqueletos danzantes. "Marte" de Gustav Holst 's "The Planets "usa col legno para tocar un ritmo repetido en5
4Signatura de compás. The Young Person's Guide to the Orchestra, de Benjamin Britten , exige su uso en la variación " Percussion ". Dmitri Shostakovich lo usa en su Decimocuarta Sinfonía en el movimiento 'En la cárcel de Santa'. Algunos violinistas, sin embargo, se oponen a este estilo de tocar, ya que puede dañar el acabado y menoscabar el valor de un arco fino, pero la mayoría de ellos se comprometerá al usar un arco barato durante al menos la duración del pasaje en cuestión.
Separar
Un golpe suave y uniforme durante el cual la velocidad y el peso del arco son los mismos desde el inicio del golpe hasta el final. [35]
Martelé
Literalmente martillado , un efecto fuertemente acentuado que se produce al soltar cada golpe de arco con fuerza y de repente. Martelé se puede jugar en cualquier parte del arco. A veces se indica en la música escrita con una punta de flecha.
Trémolo
El trémolo es la repetición muy rápida (generalmente de una sola nota, pero ocasionalmente de varias notas), generalmente tocada en la punta del arco. El trémolo está marcado con tres líneas cortas e inclinadas a lo largo del tallo de la nota. El trémolo se usa a menudo como efecto de sonido en la música orquestal, particularmente en la era de la música romántica (1800-1910) y en la música de ópera.
Mudo o sordino
La colocación de un pequeño dispositivo de metal, goma, cuero o madera llamado mudo o sordino al puente del violín da un tono más suave, más meloso, con menos matices audibles ; el sonido de toda una sección de cuerdas orquestales que toca con sordinas tiene una calidad silenciosa. El silencio cambia tanto el volumen como el timbre ("color de tono") de un violín. Las marcas italianas convencionales para el uso de silencio son acordes. , o con sordino , que significa 'con mudo'; y senza sord. , que significa 'sin mudo'; o vía sord. , que significa 'silenciar'.
Los sordones más grandes de metal, goma o madera están ampliamente disponibles, conocidos como sordina de práctica o sordina de hotel . Estos silenciadores generalmente no se usan en la interpretación, pero se usan para amortiguar el sonido del violín en áreas de práctica como habitaciones de hotel. (Para la práctica también existe el violín mudo , un violín sin caja de resonancia). Algunos compositores han usado mutes de práctica para efectos especiales, por ejemplo, al final de la Secuencia VIII de Luciano Berio para violín solo.
Estilos musicales
Música clásica
Desde la época barroca , el violín ha sido uno de los instrumentos más importantes de la música clásica , por varias razones. El tono del violín se destaca por encima de otros instrumentos, lo que lo hace apropiado para tocar una línea melódica. En manos de un buen intérprete, el violín es extremadamente ágil y puede ejecutar secuencias de notas rápidas y difíciles.
Los violines forman una gran parte de una orquesta , y generalmente se dividen en dos secciones, conocidas como primer y segundo violín. Los compositores a menudo asignan la melodía a los primeros violines, normalmente una parte más difícil utilizando posiciones más altas. Por el contrario, los segundos violines tocan la armonía, los patrones de acompañamiento o la melodía una octava más baja que los primeros violines. De manera similar, un cuarteto de cuerdas tiene partes para el primer y segundo violín, así como una parte de viola y un instrumento bajo, como el violonchelo o, rara vez, el contrabajo .
Jazz
Las primeras referencias a la interpretación del jazz utilizando el violín como instrumento solista están documentadas durante las primeras décadas del siglo XX. Joe Venuti , uno de los primeros violinistas de jazz, es conocido por su trabajo con el guitarrista Eddie Lang durante la década de 1920. Desde entonces ha habido muchos violinistas improvisadores, incluidos Stéphane Grappelli , Stuff Smith , Eddie South , Regina Carter , Johnny Frigo , John Blake , Adam Taubitz , Leroy Jenkins y Jean-Luc Ponty.. Aunque no son principalmente violinistas de jazz, Darol Anger y Mark O'Connor han pasado una parte importante de sus carreras tocando jazz. El violinista suizo-cubano Yilian Cañizares mezcla jazz con música cubana. [36]
Los violines también aparecen en conjuntos que proporcionan antecedentes orquestales a muchas grabaciones de jazz.
Musica clasica india
El violín indio, si bien es esencialmente el mismo instrumento que se usa en la música occidental, es diferente en algunos sentidos. [37]El instrumento está afinado para que las cuerdas IV y III (G y D en un violín con afinación occidental) y las cuerdas II e I (A y E) sean pares sa – pa (do – sol) y suenen igual pero con compensación por una octava, que se asemeja a una scordatura común o afinaciones cruzadas de violín como G3 – D4 – G4 – D5 o A3 – E4 – A4 – E5. La tónica sa (do) no es fija, sino que se ajusta de forma variable para adaptarse al vocalista o al intérprete principal. La forma en que el músico sostiene el instrumento varía de la música occidental a la india. En la música india, el músico se sienta en el suelo con las piernas cruzadas y el pie derecho delante de ellos. La voluta del instrumento descansa sobre el pie. Esta posición es esencial para tocar bien debido a la naturaleza de la música india. La mano puede moverse por todo el diapasón y no hay una posición establecida para la mano izquierda, por lo que es importante que el violín esté en una posición estable e inmóvil.
Musica Popular
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Hasta al menos la década de 1970, la mayoría de los tipos de música popular usaban secciones de cuerdas fruncidas . Fueron ampliamente utilizados en la música popular durante la década de 1920 y principios de la de 1930. Sin embargo, con el auge de la música swing , de 1935 a 1945, el sonido de cuerdas se usó a menudo para agregar plenitud a la música de big band . Después de la era del swing , desde finales de la década de 1940 hasta mediados de la de 1950, las cuerdas comenzaron a revivir en la música pop tradicional . Esta tendencia se aceleró a fines de la década de 1960, con un renacimiento significativo del uso de cuerdas, especialmente en la música soul . Las populares grabaciones de Motown de finales de los sesenta y setenta se basaron en gran medida en las cuerdas como parte de su textura característica. El aumento deLa música disco en la década de 1970 continuó esta tendencia con el uso intensivo de instrumentos de cuerda en las orquestas populares de disco (por ejemplo, Love Unlimited Orchestra , Biddu Orchestra, Monster Orchestra , Salsoul Orchestra , MFSB ). [ cita requerida ]
Con el auge de la música creada electrónicamente en la década de 1980, el uso de violines disminuyó, ya que los sonidos de cuerdas sintetizados interpretados por un teclista con un sintetizador tomaron su lugar. Sin embargo, aunque el violín ha tenido muy poco uso en la música rock convencional , tiene algo de historia en el rock progresivo (por ejemplo, Electric Light Orchestra , King Crimson , Kansas , Gentle Giant ). El álbum de 1973 Contaminazione de RDM de Italia toca violines contra sintetizadores en su final ("La grande fuga"). [ cita requerida ]El instrumento tiene un lugar más fuerte en las bandas de jazz fusión modernas , especialmente en The Corrs . El violín es a veces parte de la música folk rock británica , como lo ejemplifican artistas como Fairport Convention y Steeleye Span . [ cita requerida ]
La popularidad de la música cruzada a partir de los últimos años del siglo XX ha devuelto al violín a la arena de la música popular, y las bandas populares utilizan violines tanto eléctricos como acústicos. Dave Matthews Band cuenta con el violinista Boyd Tinsley . The Flock contó con el violinista Jerry Goodman, quien más tarde se unió a la banda de fusión de jazz y rock , The Mahavishnu Orchestra . James ' Saul Davies , que también es un guitarrista , fue reclutado por la banda como un violinista. Para sus primeros tres álbumes y sencillos relacionados, el grupo británico No-ManHizo un uso extensivo del violín solo eléctrico y acústico interpretado por el miembro de la banda Ben Coleman (que tocaba el violín exclusivamente). [ cita requerida ]
La banda de pop-punk Yellowcard ha hecho del violín un pilar en su música. El violinista Sean Mackin ha sido miembro de la banda desde 1997. Los Salvadores también combinan influencias punk y ska con un violín. [ cita requerida ] La banda de Doom metal My Dying Bride ha usado el violín como parte de su formación en muchos de sus álbumes. [ Cita requerida ] El violín aparece prominentemente en la música del español de folk metal del grupo Mägo de Oz (por ejemplo, en su hit 1998 " Molinos de vientoEl violinista (Carlos Prieto alias "Mohamed") ha sido uno de los miembros más populares del grupo entre los fanáticos desde 1992. [ cita requerida ] El instrumento también se usa a menudo en metal sinfónico , particularmente por bandas como Therion , Nightwish , Dentro de Temptation , Haggard y Epica , aunque también se puede encontrar en bandas de Gothic Metal como Tristania y Theatre of Tragedy . [ Cita requerida ] La banda de rock alternativo HurtEl vocalista toca el violín para la banda, lo que la convierte en una de las pocas bandas de rock que presenta violín sin contratar a un trabajador de sesión. [ cita requerida ] La banda de folk metal Ithilien usa el violín extensamente a lo largo de su discografía. [38] La banda de metal progresivo Ne Obliviscaris cuenta con un violinista, Tim Charles, en su formación. [39]
Artistas independientes, como Owen Pallett , The Shondes y Andrew Bird , también han despertado un mayor interés en el instrumento. [40] Las bandas indie a menudo han adoptado arreglos nuevos e inusuales, lo que les permite más libertad para presentar el violín que muchos artistas musicales convencionales . Ha sido utilizado en el género post-rock por bandas como A Genuine Freakshow , Sigur Rós , Zox , Broken Social Scene y A Silver Mt. Sion . El violín eléctrico incluso ha sido utilizado por bandas como The Crüxshadowsen el contexto de la música basada en teclados. [ citación necesitada ] Lindsey Stirling toca el violín junto con grietas y ritmos electrónicos / dubstep / trance. [41] [ cita requerida ]
Eric Stanley improvisa en el violín con música hip hop / pop / elementos clásicos y ritmos instrumentales. [42] [43] Las exitosas de rock indie y pop barroco banda Arcade Fire uso violines ampliamente en sus arreglos. [44] La música pop india , turca y árabe está llena del sonido de violines, tanto solistas como conjuntos . [ cita requerida ]
Música folclórica y tocar el violín
Como muchos otros instrumentos utilizados en la música clásica , el violín desciende de antepasados remotos que se utilizaron para la música folclórica . Tras una etapa de desarrollo intensivo a finales del Renacimiento , principalmente en Italia , el violín había mejorado (en volumen, tono y agilidad), hasta el punto de que no solo se convirtió en un instrumento muy importante en la música artística, sino que resultó muy atractivo para la música. también músicos folclóricos, que en última instancia se difundieron ampliamente, a veces desplazando a los instrumentos de arco anteriores. Los etnomusicólogos han observado su uso generalizado en Europa, Asia y América.
Cuando se toca como un instrumento popular, el violín se suele denominar en inglés violín (aunque el término violín se puede utilizar de manera informal sin importar el género musical). En todo el mundo, existen varios instrumentos de cuerda, como el violín de rueda y el violín Apache, que también se denominan "violines". La música de violín se diferencia de la clásica en que las melodías generalmente se consideran música de baile, [45] y se utilizan diversas técnicas, como zumbidos, barajas y ornamentación específicas para estilos particulares. En muchas tradiciones de la música folclórica, las melodías no se escriben, sino que las memorizan las sucesivas generaciones de músicos y las transmiten [45] en lo que se conoce comotradición oral . Muchas piezas antiguas exigen un ajuste cruzado o el uso de afinaciones distintas de la GDAE estándar. Algunos jugadores de estilos estadounidenses de tocar el violín folclórico (como bluegrass o old-time) tienen el borde superior de su puente cortado en una curva ligeramente más plana, lo que hace que técnicas como un "doble barajado" sean menos exigentes en el brazo del arco, ya que reduce el rango de movimiento necesario para alternar entre dobles paradas en diferentes pares de cuerdas. Los violinistas que usan cuerdas con núcleo de acero sólido pueden preferir usar un cordal con afinadores finos en las cuatro cuerdas, en lugar del afinador fino único en la cuerda Mi que usan muchos músicos clásicos.
música arábica
Además del rababah árabe , el violín se ha utilizado en la música árabe.
Violines electricos
Los violines eléctricos tienen una pastilla magnética o piezoeléctrica que convierte la vibración de la cuerda en una señal eléctrica. Un cable de conexión o un transmisor inalámbrico envía la señal a un amplificador de un sistema de megafonía . Los violines eléctricos generalmente se construyen como tales, pero se puede agregar una pastilla a un violín acústico convencional. Un violín eléctrico con un cuerpo resonante que produce un sonido de nivel auditivo independientemente de los elementos eléctricos se puede llamar violín electroacústico.. Para ser eficaces como violín acústico, los violines electroacústicos retienen gran parte del cuerpo resonante del violín y, a menudo, se asemejan a un violín acústico o un violín. La carrocería puede tener un acabado en colores vivos y fabricarse con materiales alternativos a la madera. Es posible que estos violines deban conectarse a un amplificador de instrumento o sistema de megafonía . Algunos tipos vienen con una opción silenciosa que permite al jugador usar auriculares que están conectados al violín. Los primeros violines eléctricos especialmente construidos datan de 1928 y fueron fabricados por Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner , George Beauchamp , Hugo Benioff y Fredray Kislingbury. Estos violines se pueden enchufarunidades de efectos , como una guitarra eléctrica , que incluyen distorsión , pedal wah-wah y reverberación . Dado que los violines eléctricos no dependen de la tensión y la resonancia de las cuerdas para amplificar su sonido, pueden tener más cuerdas. Por ejemplo, varios fabricantes ofrecen violines eléctricos de cinco cuerdas y también está disponible un violín eléctrico de siete cuerdas (con tres cuerdas inferiores que abarcan la gama del violonchelo ). [46] La mayoría de los primeros violinistas eléctricos eran músicos que tocaban jazz fusión (por ejemplo, Jean-Luc Ponty ) y música popular.
Autenticación de violín
La autenticación de violín es el proceso de determinar el fabricante y la fecha de fabricación de un violín. Este proceso es similar al utilizado para determinar la procedencia de las obras de arte. Este puede ser un proceso importante, ya que se puede atribuir un valor significativo a los violines fabricados por fabricantes específicos o en momentos y lugares específicos. La falsificación y otros métodos de tergiversación fraudulenta pueden utilizarse para inflar el valor de un instrumento.
Ver también
- Violín barroco
- Violín bajo
- Violonchelo rock
- Violín Hardanger
- Kontra
- Låtfiol
- Lista de piezas de violín solo
- Nyckelharpa
- Paganini
- Rabeca
- Ravanahatha
- Stradivarius
- Instrumentos de cuerda
- Violín Stroh
- Acústica de violín
- Concierto para violín
- Fabricación y mantenimiento de violines
- Sonata para violín
Notas
- ↑ Existen instrumentos de tipo violín más pequeños, incluidos el violín flautín y la pochette , pero prácticamente no se utilizan.
Referencias
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En consecuencia, el nivel de sonido de cada armónico tendrá un valor fluctuante periódicamente debido al vibrato.
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En el caso de los instrumentos de cuerda, sin embargo, no solo son fuertemente direccionales, sino que el patrón de su direccionalidad cambia muy rápidamente con la frecuencia.
Si piensa en ese patrón en una frecuencia determinada como balizas de sonido, como las púas de un puercoespín, incluso los ligeros cambios en el tono creados por el vibrato pueden hacer que esas púas se ondulen continuamente.
- ^ Weinreich, Gabriel (16 de diciembre de 1996). "Color de tono direccional" (PDF) . Sociedad Acústica de América. | quote = El efecto se puede visualizar en términos de una serie de balizas de sonido altamente direccionales, todas las cuales el vibrato hace que se ondulen hacia adelante y hacia atrás de una manera coherente y altamente organizada. Es obvio que tal fenómeno ayudará enormemente a fusionar los sonidos de los parciales dirigidos de manera diferente en una sola corriente auditiva; uno puede incluso especular que es una razón por la cual los violinistas usan el vibrato de manera tan universal, en comparación con los músicos de viento, debido al sonido de cuyos instrumentos, el color del tono direccional generalmente está ausente.}}
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enlaces externos
 | Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el violín . |
- El violín: cómo seleccionar un violín, su procedencia y valor.
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