Música clásica

Este artículo trata sobre la música artística occidental hasta el presente. Para la música de arte occidental de 1750 a 1820, consulte Periodo clásico (música) . Para conocer otras tradiciones musicales "clásicas" y artísticas, consulte la Lista de tradiciones musicales clásicas y artísticas . Para la revista, vea Música clásica (revista) .

Amplia tradición de la música artística occidental

Cuarteto de cuerda actuando para el año 2006 de Mozart en Viena

La música clásica es música de arte producida o arraigada en las tradiciones de la cultura occidental , incluida la música litúrgica ( religiosa ) y secular . Históricamente, el término 'música clásica' se refiere específicamente al período musical de 1750 a 1820 (el período clásico ). En un sentido más general, la música clásica se refiere a las tradiciones musicales occidentales que se consideran ajenas a las tradiciones de la música popular occidental o un refinamiento de las mismas y abarca el amplio período de tiempo desde antes del siglo VI d.C. otros periodos. ^[1]Las normas centrales de esta tradición se codificaron entre 1650 y 1900, lo que se conoce como el período de práctica común .

El término "música clásica" no apareció hasta principios del siglo XIX, en un intento de canonizar claramente el período desde Johann Sebastian Bach hasta Ludwig van Beethoven como una edad de oro. ^[2] La referencia más antigua a la "música clásica" registrada por el Oxford English Dictionary data aproximadamente de 1829. ^{[1] [3]}

La música artística europea se distingue en gran medida de muchas otras formas musicales clásicas y populares no europeas por su sistema de notación de pentagrama , en uso desde aproximadamente el siglo XI. ^{[4] [5]} Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. Los compositores utilizan la notación de pentagrama occidental para indicar al intérprete los tonos y la duración de una pieza musical. ^[4] En contraste con los estilos más populares que adoptaron la canción ( estrófica) forma o una derivación de esta forma, la música clásica se ha destacado por el desarrollo de formas altamente sofisticadas de música instrumental como la sinfonía , el concierto , la fuga , la sonata y estilos mixtos vocales e instrumentales como la ópera , la cantata y la masa . ^[6]

Línea de tiempo

Las principales divisiones temporales de la música artística occidental son las siguientes:

• Período de la música antigua , antes del 500 d ^. C. ^[7]
• Período de música antigua , que incluye
  • Era medieval (500-1420) que incluye
    • Ars antiqua (1170-1310)
    • Ars nova (1310-1377)
    • Ars subtilior (1360-1420)
  • Era del Renacimiento (1400-1600)
• Período de práctica común, que incluye
  • Época barroca (1600-1750)
  • Era de la música galant (de 1720 a 1770)
  • Era clásica (1750-1820)
  • Era romántica (c.1800-1910)
• Desde finales del siglo XIX hasta los siglos XX y XXI (desde 1890 hasta el presente), que incluye:
  • Era modernista (1890-1975) que se superpone a finales del siglo XIX.
    • Impresionismo (1890-1925) que también se superpone a finales del siglo XIX
    • Expresionismo (1900-1930)
    • Neoclasicismo (1920-1950), predominantemente en el período de entreguerras
  • Era posmoderna / Contemporánea (1950-presente)
    • Experimental (1950-presente)
    • Minimalismo (principios de 1960-1990)
    • Posminimalismo (principios de la década de 1980 hasta el presente)

Características

Dada la amplia gama de estilos de la música clásica europea, desde el canto llano medieval cantado por los monjes hasta las sinfonías clásicas y románticas para orquesta de los años 1700 y 1800 hasta las composiciones atonales de vanguardia de los años 1900, es difícil enumerar las características que se pueden atribuir a todas las obras de ese tipo. No obstante, una característica universal de la música clásica escrita desde finales del siglo XIII es ^[8] la aplicación invariable de un sistema estandarizado de notación mensural precisa (que evolucionó a la notación de compás moderna después de 1600) para todas las composiciones y su interpretación precisa. ^[9]Otro es la creación y desarrollo de piezas complejas de obras instrumentales en solitario (por ejemplo, la fuga ). Las primeras sinfonías se produjeron durante el período clásico ; a mediados del siglo XVIII, el conjunto sinfónico y las composiciones se convirtieron en elementos destacados de la música clásica. ^[10]

Complejidad

Las obras de repertorio clásico a menudo exhiben complejidad en el uso de orquestación , contrapunto , armonía , desarrollo musical , ritmo , fraseo , textura y forma . Mientras que los estilos más populares generalmente se escriben en forma de canción , la música clásica se destaca por el desarrollo de formas musicales instrumentales altamente sofisticadas, ^[6] como el concierto , la sinfonía y la sonata . La música clásica también se destaca por el uso de sofisticadas formas vocales / instrumentales, como la ópera . ^{[[cita requerida ]}En la ópera, los solistas vocales y los coros interpretan obras dramáticas en escena con una orquesta que proporciona acompañamiento.

Las obras instrumentales más largas a menudo se dividen en piezas independientes, llamadas movimientos , a menudo con personajes o estados de ánimo contrastantes. Por ejemplo, las sinfonías escritas durante el período clásico generalmente se dividen en cuatro movimientos:

1. un Allegro de apertura en forma de sonata ,
2. un movimiento lento,
3. un minueto o scherzo (en un metro triple , como³
   ₄), y
4. un Allegro final.

Estos movimientos pueden luego dividirse en una jerarquía de unidades más pequeñas: primeras secciones , luego puntos y finalmente frases .

Rendimiento

Orquesta juvenil en actuación

Se dice que los artistas intérpretes o ejecutantes que han estudiado mucho la música clásica tienen una "formación clásica". Esta capacitación puede provenir de lecciones privadas de profesores de instrumentos o de voz o de la finalización de un programa formal ofrecido por un conservatorio, colegio o universidad, como una licenciatura o maestría en música (que incluye lecciones individuales de profesores). En música clásica, "... se requiere una amplia educación y formación musical formal, a menudo hasta el nivel de posgrado [maestría]". ^[11]

La interpretación del repertorio de música clásica requiere un dominio de la lectura a primera vista y la interpretación en conjunto , principios armónicos , un fuerte entrenamiento auditivo (para corregir y ajustar los tonos de oído), conocimiento de la práctica de la interpretación (p. Ej., Ornamentación barroca) y familiaridad con el estilo. idioma musical esperado para un compositor o una obra musical determinados (p. ej., una sinfonía de Brahms o un concierto de Mozart). ^{[ cita requerida ]}

La característica clave de la música clásica europea que la distingue de la música popular , la música folclórica y otras tradiciones musicales clásicas, como la música clásica india , es que el repertorio tiende a escribirse en notación musical , creando una parte musical o una partitura . ^[12] Esta partitura generalmente determina detalles de ritmo, tono y, cuando participan dos o más músicos (ya sean cantantes o instrumentistas), cómo se coordinan las distintas partes. La calidad escrita de la música ha permitido un alto nivel de complejidad dentro de ellos: las fugas , por ejemplo, logran un matrimonio notable de líneas melódicas audaces y distintivas entretejidas encontrapunto pero creando una lógica armónica coherente . ^[13] El uso de la notación escrita también conserva un registro de las obras y permite a los músicos clásicos interpretar música de hace muchos siglos.

Aunque la música clásica en la década de 2000 ha perdido la mayor parte de su tradición de improvisación musical , desde la época barroca hasta la época romántica, hay ejemplos de intérpretes que pudieron improvisar al estilo de su época. En la era barroca, los intérpretes de órgano improvisaban preludios , los intérpretes de teclado que tocaban el clavicémbalo improvisaban acordes a partir de los símbolos de bajo figurados debajo de las notas de bajo de la parte de bajo continuo y tanto los intérpretes vocales como los instrumentales improvisaban ornamentos musicales . ^[14] Johann Sebastian Bach se destacó especialmente por sus complejas improvisaciones. ^[15]Durante la era clásica, el compositor e intérprete Wolfgang Amadeus Mozart se destacó por su habilidad para improvisar melodías en diferentes estilos. ^[16] Durante la era clásica, algunos solistas virtuosos improvisaban las secciones de cadencia de un concierto. Durante la época romántica, Ludwig van Beethoven improvisaba al piano. ^[17]

Instrumentación y prácticas vocales

Consulte también: sección de instrumentos de viento , sección de metales , sección de cuerdas , sección de percusión y sección de teclado

Los instrumentos que se utilizan actualmente en la mayoría de la música clásica se inventaron en gran medida antes de mediados del siglo XIX (a menudo mucho antes) y se sistematizaron en los siglos XVIII y XIX. Consisten en los instrumentos que se encuentran en una orquesta o en una banda de concierto , junto con varios otros instrumentos solistas (como el piano , el clavicémbalo y el órgano ). La orquesta sinfónica incluye miembros de cuerdas , instrumentos de viento , metales y percusión.familias de instrumentos. La banda de concierto está formada por miembros de las familias de instrumentos de viento, metales y percusión. Por lo general, tiene una mayor variedad y cantidad de instrumentos de viento de madera y metal que la orquesta, pero no tiene una sección de cuerdas. Sin embargo, muchas bandas de conciertos utilizan un contrabajo . Las prácticas vocales cambiaron durante el período clásico, desde el canto gregoriano monofónico de una sola línea realizado por los monjes en el período medieval hasta las complejas obras corales polifónicas del Renacimiento y períodos posteriores, que utilizaban múltiples melodías vocales independientes al mismo tiempo.

Historia

Más información: Historia de la música

Períodos, épocas y movimientos de la música clásica occidental
Periodo temprano
Época medieval C.  500–1400  • Ars antiqua C.  1170-1310  • Ars nova C.  1310-1377  • Ars subtilior C.  1360-1420 Era renacentista C.  1400-1600
Periodo de práctica común
Época barroca C.  1580-1750  • Barroco tardío C.  1680-1750 Música galant C.  1720-1770  • Empfindsamer Stil C.  1740-1780 Era clasica C.  1750-1820  • Escuela de Mannheim C.  1740-1780  • Sturm und Drang C.  Década de 1770  • Primera escuela vienesa C.  1780-1830 Era romantica C.  1800-1910
De finales del siglo 19 al 20th- y 21-siglos
Modernismo C.  1890–1975  • Impresionismo C.  1890-1930  • Expresionismo C.  1900-1930  • 2ª escuela vienesa C.  1900-1960  • Neoclasicismo C.  1920-1950  • Serialismo C.  1920-1975 Contemporáneo desde c.  1950  • Minimalismo desde c.  1960  • Posmodernismo desde c.  1960  • Posminimalismo desde c.  1980
v t mi

Notación musical de un misal inglés de principios del siglo XIV , con la cabeza de Cristo. Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. ^[18]

Las principales divisiones temporales de la música clásica hasta 1900 son el período de la música antigua , que incluye las épocas medieval (500-1400) y renacentista (1400-1600), y el período de práctica común , que incluye el barroco (1600-1750), clásico (1750-1820) y la época romántica (1810-1910). El período actual abarca el siglo XX y el siglo XXI hasta la fecha e incluye la era musical modernista y la era musical contemporánea o posmoderna , cuyas fechas a menudo se disputan.

Las fechas son generalizaciones , ya que los períodos y épocas se superponen y las categorías son algo arbitrarias, hasta el punto de que algunas autoridades invierten terminologías y se refieren a una práctica común "era" que comprende "períodos" barrocos, clásicos y románticos. ^[19] Por ejemplo, el uso del contrapunto y la fuga , que se considera característico de la era (o período) barroco, fue continuado por Haydn , que se clasifica como típico de la era clásica. Beethoven , que a menudo se describe como el fundador de la era romántica, y Brahms, quien es clasificado como romántico, también utilizó el contrapunto y la fuga, pero las cualidades románticas y, a veces, anhelantes de su música definen su época.

El prefijo neo- se usa para describir una composición de los siglos XIX, XX o XXI escrita al estilo de una época anterior, como Clásica o Romántica. Pulcinella de Stravinsky , por ejemplo, es una composición neoclásica porque es estilísticamente similar a las obras de la época barroca. ^{[ aclaración necesaria ]}

Raíces

Artículo principal: Música antigua

Burgh (2006), sugiere que las raíces de la música clásica occidental se encuentran en última instancia en la música artística del antiguo Egipto a través de la quironomía y la orquesta del antiguo Egipto, que data del 2695 a. C. ^[20] El desarrollo de tonos y escalas individuales fue realizado por antiguos griegos como Aristoxenus y Pitágoras . ^[21] Pitágoras creó un sistema de afinación y ayudó a codificar la notación musical . Instrumentos griegos antiguos como el aulos (un instrumento de caña ) y la lira (un instrumento de cuerda similar a un arpa pequeña) finalmente dio lugar a varios instrumentos modernos de una orquesta clásica. ^[22] El antecedente del período temprano fue la era de la música antigua antes de la caída del Imperio Romano (476 dC).

Periodo temprano

Medieval

Artículo principal: Música medieval

Véase también: Lista de compositores medievales

Músico tocando la vielle ( manuscrito medieval del siglo XIV )

La era medieval incluye música desde después de la caída de Roma hasta aproximadamente 1400. El canto monofónico , también llamado canto llano o canto gregoriano , fue la forma dominante hasta aproximadamente 1100. ^[23] Los monjes católicos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna con el fin de estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial. ^{[18] [24] [25] La} música polifónica (de múltiples voces) se desarrolló a partir del canto monofónico a lo largo de la Baja Edad Media y en el Renacimiento , incluidas las voces más complejas de los motetes .

Johannes Ockeghem , extracto de Kyrie "Au travail suis"

Varios instrumentos musicales clásicos europeos tienen sus raíces en instrumentos orientales que fueron adoptados del mundo islámico medieval . ^[26] Por ejemplo, el rebab árabe es el antepasado de todos los instrumentos de cuerda con arco europeos , incluidos la lira , el rebec y el violín . ^{[27] [28]}

Muchos de los instrumentos utilizados para interpretar música medieval aún existen, pero en diferentes formas. Los instrumentos medievales incluían la flauta , la flauta dulce e instrumentos de cuerda pulsada como el laúd . Además, existieron versiones tempranas del órgano y el violín (o vielle ). Los instrumentos medievales en Europa se habían utilizado más comúnmente de forma individual, a menudo acompañados de una nota de zumbido , o ocasionalmente en partes. Desde al menos tan temprano como el siglo XIII hasta el siglo XV hubo una división de instrumentos en haut ( instrumentos al aire libre ruidosos, estridentes) y bas(instrumentos más tranquilos, más íntimos). ^[29] Durante el período medieval anterior , la música vocal del género litúrgico , predominantemente el canto gregoriano , era monofónica , utilizando una sola línea de melodía vocal sin acompañamiento. ^{[30] Los} géneros vocales polifónicos , que utilizaban múltiples melodías vocales independientes, comenzaron a desarrollarse durante la alta era medieval , y se hicieron frecuentes a finales del siglo XIII y principios del XIV.

Entre los compositores medievales notables se incluyen Hildegard de Bingen , Guillaume de Machaut , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Francesco Landini y Johannes Ciconia .

Renacimiento

Artículo principal: música renacentista

Véase también: Lista de compositores del Renacimiento

La época del Renacimiento fue de 1400 a 1600. Se caracterizó por un mayor uso de la instrumentación , múltiples líneas melódicas entrelazadas y el uso de los primeros instrumentos bajos . El baile social se generalizó, por lo que las formas musicales apropiadas para acompañar la danza comenzaron a estandarizarse. Es en esta época que comienza a tomar forma la notación de la música en un pentagrama y otros elementos de la notación musical . ^[31] Esta invención hizo posible la separación de la composición de una pieza musical de su transmisión ; sin música escrita, la transmisión era oral y estaba sujeta a cambios cada vez que se transmitía. Con una partitura musical, una obra musical podría ejecutarse sin la presencia del compositor. ^[23] La invención de la imprenta de tipos móviles en el siglo XV tuvo consecuencias de gran alcance en la conservación y transmisión de la música. ^[32]

Una abertura iluminada del Codex Chigi con el Kyrie de Ockeghem 's Missa Ecce Ancilla Domini

Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, solo para ser recreados con el fin de interpretar música con instrumentos de época. Al igual que en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en metales, cuerdas, percusión y viento de madera. Los instrumentos de metal en el Renacimiento eran tradicionalmente tocados por profesionales que eran miembros de los Gremios e incluían la trompeta deslizante , la corneta de madera , la trompeta sin válvulas y el saco . Los instrumentos de cuerda incluían la viola , el rabel , la lira con forma de arpa, la zanfona , el laúd , la guitarra , la cítara , la bandora y el orpharion . Los instrumentos de teclado con cuerdas incluían el clavicémbalo y el clavicordio . Los instrumentos de percusión incluyen el triángulo , el arpa judía , la pandereta , las campanas, la olla retumbante y varios tipos de tambores. Los instrumentos de viento de madera incluían la chirimía de doble lengüeta (uno de los primeros miembros de la familia del oboe ), la flauta de lengüeta , la gaita , laflauta transversal , flauta dulce , dulciano y crumhorn . Existían órganos de tubos simples , pero en gran parte se limitaban a las iglesias, aunque había variedades portátiles. ^{[33] La} impresión permitió estandarizar las descripciones y especificaciones de los instrumentos, así como la instrucción en su uso. ^[34]

La música vocal en el Renacimiento se destaca por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado . Las principales formas litúrgicas que perduraron durante todo el período del Renacimiento fueron las misas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal ) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia del madrigal y el intermedio . Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Dafne , la primera obra que hoy se llama ópera . También compuso Euridice, la primera ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días.

Compositores renacentistas notables incluyen a Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt y Cipriano de Rore .

Periodo de práctica común

El período de práctica común se define típicamente como la era entre la formación y la disolución de la tonalidad de la práctica común . El término generalmente abarca aproximadamente dos siglos y medio, abarcando los períodos barroco, clásico y romántico.

Barroco

Artículo principal: música barroca

Véase también: Lista de compositores barrocos

Instrumentos barrocos que incluyen zanfona , clavecín , violín bajo , laúd , violín y guitarra barroca.

La música barroca se caracteriza por el uso de contrapuntos tonales complejos y el uso de un bajo continuo , una línea de bajo continuo. La música se volvió más compleja en comparación con las canciones simples de todos los períodos anteriores. ^[35] Los inicios de la forma sonata tomaron forma en la canzona , al igual que una noción más formalizada de tema y variaciones . Las tonalidades de mayor y menor como medio para gestionar la disonancia y el cromatismo en la música cobraron forma. ^[36]

Durante la época barroca, la música de teclado tocada en el clavicémbalo y el órgano de tubos se hizo cada vez más popular, y la familia de violines de instrumentos de cuerda tomó la forma que generalmente se ve hoy en día. La ópera como drama musical escenificado comenzó a diferenciarse de las formas musicales y dramáticas anteriores, y las formas vocales como la cantata y el oratorio se hicieron más comunes. ^[37] Por primera vez, los vocalistas comenzaron a agregar notas adicionales a la música. ^[35]

Las teorías que rodean el temperamento igual comenzaron a ponerse en práctica más ampliamente, especialmente porque permitía una gama más amplia de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado difíciles de afinar. Aunque JS Bach no usó el mismo temperamento, como generalmente se afina un piano moderno, los cambios en los temperamentos del sistema meanone , común en ese momento, a varios temperamentos que hicieron que la modulación entre todas las teclas fuera musicalmente aceptable, hicieron posible su Clave bien temperado. . ^[38]

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Los instrumentos barrocos incluían algunos instrumentos de períodos anteriores (p. Ej., Zanfona y flauta dulce) y varios instrumentos nuevos (p. Ej., Oboe, fagot, violonchelo, contrabajo y fortepiano). Algunos instrumentos de épocas anteriores cayeron en desuso, como la chirimía, la cítara , la raqueta y la corneta de madera. Los instrumentos barrocos clave para cuerdas incluían violín , viola , viola , viola d'amore , violonchelo , contrabajo , laúd , teorbo (que a menudo tocaba las partes de bajo continuo ), mandolina , guitarra barroca., arpa y zanfona. Instrumentos de viento incluyen la flauta barroca , oboe barroco , grabador y el fagot . Los instrumentos de metal incluían la corneta , el cuerno natural , la trompeta natural , la serpiente y el trombón . Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio , el piano tangente , el clavicémbalo , el órgano de tubos y, más tarde en el período, el fortepiano (una versión temprana del piano). Los instrumentos de percusión incluían los timbales ,tambor , pandereta y castañuelas .

Una diferencia importante entre la música barroca y la era clásica que la siguió es que los tipos de instrumentos utilizados en los conjuntos barrocos estaban mucho menos estandarizados. Un conjunto barroco podría incluir uno de varios tipos diferentes de instrumentos de teclado (p. Ej., Órgano de tubos o clavicémbalo), ^[39] instrumentos de cuerdas adicionales (p. Ej., Un laúd), cuerdas con arco, instrumentos de viento de madera e instrumentos de metal, y un número no especificado de instrumentos de bajo que ejecutan el bajo continuo (por ejemplo, un violonchelo, contrabajo, viola, fagot, serpiente, etc.).

Los desarrollos vocales en la era barroca incluyeron el desarrollo de tipos de ópera como la ópera seria y la opéra comique , y formas relacionadas como oratorios y cantatas . ^{[40] [41]}

Compositores importantes de esta época incluyen a Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully y Heinrich Schütz .

Clásico

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Artículo principal: Período clásico (música)

Véase también: Lista de compositores de la época clásica

Joseph Haydn (1732–1809) interpretado por Thomas Hardy (1791)

Aunque el término "música clásica" incluye toda la música artística occidental desde la época medieval hasta la década de 2000, la era clásica fue el período de la música artística occidental desde la década de 1750 hasta principios de la de 1820, la era de Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn y Ludwig. van Beethoven .

La era clásica estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo, y fue también cuando el piano se convirtió en el instrumento de teclado predominante. Las fuerzas básicas requeridas para una orquesta se estandarizaron un poco (aunque crecerían a medida que se desarrollara el potencial de una gama más amplia de instrumentos en los siglos siguientes). La música de cámara creció para incluir conjuntos con hasta 8 a 10 intérpretes para serenatas . La ópera continuó desarrollándose, con estilos regionales en Italia, Francia y países de habla alemana. La ópera buffa , una forma de ópera cómica, ganó popularidad. La sinfoníase convirtió en una forma musical propia, y el concierto se desarrolló como un vehículo para demostraciones de habilidad para tocar virtuoso. Las orquestas ya no necesitaban un clavecín (que había sido parte del continuo tradicional en el estilo barroco), y a menudo estaban dirigidas por el violinista principal (ahora llamado concertino ). ^[42]

Los músicos de la época clásica continuaron utilizando muchos de los instrumentos de la época barroca, como el violonchelo, el contrabajo, la flauta dulce, el trombón, el timbal, el fortepiano (el precursor del piano moderno ) y el órgano. Mientras que algunos instrumentos barrocos cayeron en desuso (por ejemplo, el teorbo y el rackett), muchos instrumentos barrocos se cambiaron a las versiones que todavía se utilizan hoy en día, como el violín barroco (que se convirtió en violín ), el oboe barroco (que se convirtió en el oboe ) y la trompeta barroca, que pasó a la trompeta con válvula regular. Durante la era clásica, los instrumentos de cuerda utilizados en la orquesta y la música de cámara , como los cuartetos de cuerda, se estandarizaron como los cuatro instrumentos que forman elsección de cuerdas de la orquesta : violín, viola, violonchelo y contrabajo. Barroco de la época de los instrumentos de cuerda, tales como doblado con trastes violas fueron eliminados. Los instrumentos de viento de madera incluían el clarinete basset , el corno basset , el clarinete d'amour , el clarinete clásico , el chalumeau , la flauta, el oboe y el fagot. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio y el fortepiano . Si bien el clavecín todavía se usaba en el acompañamiento de bajo continuo en las décadas de 1750 y 1760, dejó de usarse a fines de siglo. Los instrumentos de metal incluían la buccin , laophicleide (un reemplazo de la serpiente baja , que fue el precursor de la tuba ) y el cuerno natural .

Los instrumentos de viento se volvieron más refinados en la era clásica. Si bien los instrumentos de doble lengüeta como el oboe y el fagot se estandarizaron un poco en el barroco, la familia de clarinete de lengüetas simples no se usó ampliamente hasta que Mozart expandió su papel en la configuración orquestal, de cámara y de concierto. ^[43]

Los principales compositores de este período incluyen a Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven , Joseph Haydn , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Carl Philipp Emanuel Bach , Muzio Clementi , Antonio Salieri y Johann Nepomuk Hummel .

Romántico

Artículo principal: Música romántica

Véase también: Lista de compositores de la época romántica

La música de la era romántica, desde aproximadamente la primera década del siglo XIX hasta principios del siglo XX, se caracterizó por una mayor atención a una línea melódica extendida, así como a elementos expresivos y emocionales, paralelos al romanticismo en otras formas de arte. Las formas musicales comenzaron a romper con las formas de la era clásica (incluso mientras se codificaban) , y se escribieron piezas de forma libre como nocturnos , fantasías y preludios donde las ideas aceptadas sobre la exposición y el desarrollo de los temas se ignoraban o minimizaban. ^[44] La música se volvió más cromática, disonante y tonalmente colorida, con tensiones (con respecto a las normas aceptadas de las formas más antiguas) sobre las firmas clave en aumento.^[45] La canción artística (o Lied ) llegaron a la madurez en esta época, al igual que las escalas épicas de la gran ópera , en última instancia, trascendida por Richard Wagner 's ciclo del Anillo . ^[46]

En el siglo XIX, las instituciones musicales surgieron del control de mecenas adineradas, ya que los compositores y músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. El creciente interés en la música por parte de las clases medias en crecimiento en toda Europa occidental estimuló la creación de organizaciones para la enseñanza, interpretación y preservación de la música. El piano, que logró su construcción moderna en esta época (en parte debido a los avances industriales en metalurgia ) se hizo muy popular entre la clase media, cuyas demandas del instrumento estimularon a muchos constructores de pianos. Muchas orquestas sinfónicas fechan su fundación en esta época. ^[45] Algunos músicos y compositores fueron las estrellas del día; algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini, cumplió ambos roles. ^[47]

Las ideas e instituciones culturales europeas comenzaron a seguir la expansión colonial a otras partes del mundo. También hubo un aumento, especialmente hacia el final de la era, del nacionalismo en la música (haciéndose eco, en algunos casos, de sentimientos políticos de la época), ya que compositores como Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvořák se hicieron eco de la música tradicional. de sus países de origen en sus composiciones. ^[48]

Orquesta Filarmónica de Dublín

En la época romántica, el piano moderno , con un tono más potente y sostenido y un rango más amplio, reemplazó al fortepiano de sonido más delicado. En la orquesta, se conservaron las secciones e instrumentos clásicos existentes ( sección de cuerdas , instrumentos de viento de madera, metales y percusión), pero estas secciones generalmente se expandieron para producir un sonido más completo y más grande. Por ejemplo, mientras que una orquesta barroca puede haber tenido dos contrabajistas, una orquesta romántica podría tener hasta diez. "A medida que la música se volvió más expresiva, la paleta orquestal estándar no era lo suficientemente rica para muchos compositores románticos". ^[49]

Las familias de instrumentos utilizados, especialmente en las orquestas, crecieron; un proceso que culminó a principios del siglo XX con orquestas muy grandes utilizadas por compositores románticos tardíos y modernistas. Comenzó a aparecer una gama más amplia de instrumentos de percusión. Los instrumentos de metal asumieron un papel más importante, ya que la introducción de válvulas rotativas les permitió tocar una gama más amplia de notas. El tamaño de la orquesta (típicamente alrededor de 40 en la era clásica) creció a más de 100. ^[45] La Sinfonía No. 8 de 1906 de Gustav Mahler , por ejemplo, se ha interpretado con más de 150 instrumentistas y coros de más de 400. ^{[ 50]} Se agregaron nuevos instrumentos de viento de madera, como el contrafagot y el clarinete bajo.y se agregaron flautín y nuevos instrumentos de percusión, incluidos xilófonos , tambores , celestas (un instrumento de teclado similar a una campana), campanas y triángulos , ^[49] grandes arpas orquestales e incluso máquinas de viento para efectos de sonido . Los saxofones aparecen en algunas partituras desde finales del siglo XIX en adelante, generalmente presentados como un instrumento solista en lugar de como parte integral de la orquesta.

La tuba de Wagner , un miembro modificado de la familia de los cuernos, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner . También tiene un papel destacado en la Sinfonía núm. 7 en mi mayor de Anton Bruckner y también se utiliza en varias obras románticas tardías y modernistas de Richard Strauss, Béla Bartók y otros. ^{[51] Las} cornetas aparecen regularmente en las partituras del siglo XIX, junto con trompetas que se consideraban menos ágiles, al menos hasta finales de siglo.

Entre los compositores destacados de esta época se encuentran Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Edvard Grieg y Johann Strauss II . Gustav Mahler y Richard Strauss son comúnmente considerados compositores de transición cuya música combina elementos tanto románticos tardíos como modernistas tempranos.

Siglos XX y XXI

Artículos principales: música clásica del siglo XX y música clásica del siglo XXI

Modernista

Igor Stravinsky , de Pablo Picasso , colaboradores de Pulcinella (1920)

Artículo principal: Modernismo (música)

Abarcando una amplia variedad de estilos post-románticos , la música clásica modernista incluye estilos de composición románticos tardíos, impresionistas, expresionistas y neoclásicos. El modernismo marcó una era en la que muchos compositores rechazaron ciertos valores del período de práctica común, como la tonalidad, la melodía, la instrumentación y la estructura tradicionales. Algunos historiadores de la música consideran el modernismo musical como una era que se extiende desde aproximadamente 1890 hasta 1930. ^[52] Otros consideran que el modernismo terminó con una u otra de las dos guerras mundiales. ^{[53] [ cita breve incompleta ]} Aún otras autoridades afirman que el modernismo no está asociado con ninguna era histórica, sino que es "una actituddel compositor; una construcción viva que puede evolucionar con los tiempos ". ^{[54] [ cita breve incompleta ]} A pesar de su declive en el último tercio del siglo XX, al final del siglo quedaba un núcleo activo de compositores que continuaban impulsando las ideas y formas de modernismo, como Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson y Ralph Shapey . ^[55]

Dos movimientos musicales que dominaron durante esta época fueron el impresionista que comenzó alrededor de 1890 y el expresionista que comenzó alrededor de 1908. Fue un período de reacciones diversas al desafiar y reinterpretar categorías más antiguas de música, innovaciones que conducen a nuevas formas de organizar y abordar la música armónica. aspectos melódicos, sónicos y rítmicos de la música, y cambios en las visiones estéticas del mundo en estrecha relación con el período identificable más amplio del modernismo en las artes de la época. La palabra operativa más asociada a ella es "innovación". ^[56] Su característica principal es una "pluralidad lingüística", lo que quiere decir que ningún género musical ha asumido jamás una posición dominante. ^[57]

La orquesta continuó creciendo en tamaño durante los primeros años de la era modernista, alcanzando su punto máximo en las dos primeras décadas del siglo XX. Los saxofones que aparecieron solo en raras ocasiones durante el siglo XIX se utilizaron más comúnmente como instrumentos complementarios, pero nunca se convirtieron en miembros centrales de la orquesta. Mientras que aparece sólo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo Maurice Ravel 'orquestación s de Modest Mussorgsky ' s Cuadros de una exposición y Sergei Rachmaninoff 's Danzas Sinfónicas , el saxofón está incluido en otras obras como Sergei Prokofiev ' s Romeo y Juliet Suites 1 y 2y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. En algunas composiciones como el Boléro de Ravel , se utilizan dos o más saxofones de diferentes tamaños para crear una sección completa como las otras secciones de la orquesta. El bombardino aparece en unos pocos finales románticos y del siglo 20 obras, por lo general juega partes marcadas "tuba tenor", entre ellos Gustav Holst @ s de los planetas , y Richard Strauss 's Ein Heldenlehen .

Entre los compositores destacados de principios del siglo XX se incluyen Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninoff , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Heitor Villa-Lobos , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy Beach , Béla Bartók y Dmitri Shostakovich , junto con los ya mencionados Mahler y Strauss como figuras de transición que se trasladaron desde el siglo XIX.

Posmoderno / contemporáneo

Artículos principales: Música posmoderna y música clásica contemporánea

Véase también: Alto modernismo , Lista de compositores clásicos del siglo XX y Lista de compositores clásicos del siglo XXI

La música posmoderna es un período de la música que comenzó ya en 1930 según algunas autoridades. ^{[58] [59]} Comparte características con el arte posmodernista , es decir, el arte que viene después y reacciona contra el modernismo .

Algunas otras autoridades han equiparado más o menos la música posmoderna con la "música contemporánea" compuesta mucho después de 1930, desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI. ^{[60] [61]} Algunos de los diversos movimientos de la era posmoderna / contemporánea incluyen el neoromántico, neomedieval, minimalista y post minimalista.

A menudo se consideraba que la música clásica contemporánea de principios del siglo XXI incluía todas las formas musicales posteriores a 1945. ^[62] Una generación más tarde, este término ahora se refiere correctamente a la música de hoy escrita por compositores que todavía están vivos; música que saltó a la fama a mediados de la década de 1970. Incluye diferentes variaciones de música modernista , posmoderna , neoromántica y pluralista . ^[63]

Cronología de los compositores

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Véase también: Lista de compositores de música clásica por época

Mujeres en la música clásica

Artículo principal: Mujeres en la música clásica

Más información: Mujeres en la música

Martha Argerich en el Centro Cultural Kirchner , Buenos Aires

Casi todos los compositores que se describen en los libros de texto de música sobre música clásica y cuyas obras se interpretan ampliamente como parte del repertorio estándar de conciertos son compositores masculinos, aunque ha habido un gran número de mujeres compositoras a lo largo del período de la música clásica. La musicóloga Marcia Citron ha preguntado "[¿ por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal al repertorio 'clásico' estándar?" ^[64] Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Ella sostiene que en el siglo XIX, las compositoras solían escribir canciones artísticas.para la interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a la interpretación con una orquesta en una gran sala, considerándose estas últimas obras como el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran notables como compositoras. ^[64] En la "... Concisa Historia de la Música de Oxford , Clara S [c] humann es una de las únicas [ sic ] compositoras mencionadas". ^[65] Abbey Philips afirma que "[d] urante el siglo XX, las mujeres que componían / ​​tocaban ganaron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". ^{[sesenta y cinco]}

Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas en su mayor parte o en su totalidad por músicos que son hombres. Uno de los primeros casos de mujeres contratadas en orquestas profesionales fue en el puesto de arpista . La Filarmónica de Viena , por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008. ^[66] La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín . ^[67] En febrero de 1996, el principal flauta de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury , dijoWestdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". ^[68] En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar los permisos esperados" de la licencia por maternidad sería un problema. ^[69]

En 1997, la Filarmónica de Viena "se enfrentaba a protestas durante una gira [por Estados Unidos]" de la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional de Mujeres en la Música . Finalmente, "después de ser ridiculizados cada vez más incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en la víspera de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " ^[70] En 2013, la orquesta tiene seis integrantes femeninas; una de ellas, la violinista Albena Danailova se convirtió en 2008 en una de las concertinas de la orquesta , siendo la primera mujer en ocupar ese cargo. ^[71] En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de los miembros de la orquesta. Presidente de VPOClemens Hellsberg dijo que la VPO ahora usa audiciones a ciegas completamente protegidas . ^[72]

En 2013, un artículo de Mother Jones declaró que, si bien "[m] todas las orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit , y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidas por mujeres violinistas, "las secciones de contrabajo , metales y percusión de las principales orquestas" ... siguen siendo predominantemente masculinas ". ^[73] Un artículo de la BBC de 2014 declaró que "... la introducción de audiciones 'ciegas', donde un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer ningún prejuicio racial o de género, ha visto cómo el equilibrio de género de las orquestas sinfónicas tradicionalmente dominadas por hombres cambia gradualmente " ^[74].

Relación con otras tradiciones musicales

Música popular

La música clásica a menudo ha incorporado elementos o material de la música popular de la época del compositor. Los ejemplos incluyen la música de vez en cuando, como Brahms uso de canciones de taberna estudiante en su Academic Festival Overture , géneros ejemplificados por Kurt Weill 's La ópera de cuatro cuartos , y la influencia del jazz en los primeros y mediados del siglo 20 compositores incluyendo Maurice Ravel , ejemplificada por el movimiento titulado "Blues" en su sonata para violín y piano. ^[75] Algunos compositores clásicos posmodernos , minimalistas y posminimalistas reconocen una deuda con la música popular. ^{[76] [ verificación fallida ]}

Numerosos ejemplos muestran influencia en la dirección opuesta, incluidas las canciones populares basadas en la música clásica, el uso que se ha dado al Canon de Pachelbel desde la década de 1970 y el fenómeno del cruce musical , donde los músicos clásicos han logrado el éxito en el ámbito de la música popular. ^[77] En heavy metal , varios guitarristas principales (que tocan la guitarra eléctrica ), incluidos Ritchie Blackmore y Randy Rhoads , ^[78] modelaron sus estilos de interpretación en la música instrumental barroca o clásica. ^[79]

Música folclórica

Los compositores de música clásica a menudo han hecho uso de la música folclórica (música creada por músicos que generalmente no tienen una formación clásica, a menudo de una tradición puramente oral). Algunos compositores, como Dvořák y Smetana , ^[80] han utilizado temas folclóricos para dar un toque nacionalista a su trabajo, mientras que otros como Bartók han utilizado temas específicos extraídos de sus orígenes de la música folclórica. ^[81]

Comercialización

Ciertos elementos básicos de la música clásica se utilizan a menudo con fines comerciales (ya sea en publicidad o en bandas sonoras de películas). En los anuncios de televisión, varios pasajes se han convertido en un cliché , en particular la apertura de Richard Strauss ' También sprach Zarathustra (hecho famoso en la película 2001: A Space Odyssey ) y la sección de apertura ' O Fortuna ' de Carl Orff ' s Carmina Burana ; otros ejemplos incluyen el " Dies irae " del Réquiem de Verdi , " En el salón del rey de la montaña " de Edvard Grieg de Peer Gynt , los primeros compases deBeethoven 's Sinfonía nº 5 , Wagner ' s " Cabalgata de las Valkirias " de Die Walküre , Rimsky-Korsakov 's " El vuelo del moscardón ", y extractos de Aaron Copland ' s Rodeo . ^{[ cita requerida ]} Varias obras de la Edad de Oro de la Animación emparejaron la acción con la música clásica. Ejemplos notables son Walt Disney 's Fantasía , Tom y Jerry 's Johann Mouse , y Warner Bros. ' Conejo de Sevilla y¿Qué es Opera, Doc?

Del mismo modo, las películas y la televisión a menudo vuelven a extractos estándar, clichés de la música clásica para transmitir el refinamiento o la opulencia: algunas de las piezas más a menudo escuchado en esta categoría incluyen Bach de Cello Suite No. 1 , Mozart 's Eine kleine Nachtmusik , Vivaldi 's cuatro estaciones , Mussorgsky ' s Noche en el Monte Calvo (como orquestada por Rimsky-Korsakov), y Rossini 's " Guillermo Tell Overture ". Shawn Vancour sostiene que la comercialización de la música clásica a principios del siglo XX puede haber perjudicado a la industria de la música debido a una representación inadecuada.^[82]

Educación

Artículo principal: Educación musical

Durante la década de 1990, varios artículos de investigación y libros populares escribieron sobre lo que llegó a llamarse el " efecto Mozart ": una pequeña elevación temporal observada de las puntuaciones en ciertas pruebas como resultado de escuchar las obras de Mozart. El enfoque ha sido popularizado en un libro de Don Campbell y se basa en un experimento publicado en Nature que sugiere que escuchar a Mozart aumentó temporalmente el coeficiente intelectual de los estudiantes de 8 a 9 puntos. ^[83] Esta versión popularizada de la teoría fue expresada sucintamente por el columnista musical del New York Times Alex Ross : "los investigadores ... han determinado que escuchar a Mozart en realidad te hace más inteligente". ^[84]Los promotores que comercializan CD afirman que inducen el efecto. Florida aprobó una ley que exige que los niños pequeños en las escuelas estatales escuchen música clásica todos los días, y en 1998 el gobernador de Georgia presupuestó $ 105,000 por año para proporcionar a cada niño nacido en Georgia una cinta o CD de música clásica. Uno de los coautores de los estudios originales del efecto Mozart comentó: "No creo que pueda doler. Estoy a favor de exponer a los niños a experiencias culturales maravillosas. Pero creo que el dinero podría invertirse mejor en educación musical". programas ". ^[85]

En 1996/97, se realizó un estudio de investigación sobre una población de estudiantes de preescolar a universitarios en el distrito escolar de Cherry Creek en Denver, Colorado, EE. UU. El estudio mostró que los estudiantes que escuchan activamente música clásica antes de estudiar tenían puntajes académicos más altos. La investigación indicó además que los estudiantes que escucharon la música antes de un examen también obtuvieron puntajes de logros positivamente elevados. Estudiantes que escucharon rock and roll o música country.tenía puntuaciones moderadamente más bajas. El estudio indicó además que los estudiantes que utilizaron música clásica durante el curso de estudio tuvieron un salto significativo en su rendimiento académico; mientras que aquellos que escuchaban otros tipos de música habían bajado significativamente los puntajes académicos. La investigación se llevó a cabo en varias escuelas del distrito escolar de Cherry Creek y se llevó a cabo a través de la Universidad de Colorado . ^{[ cita requerida ]} Este estudio refleja varios estudios recientes (es decir, Mike Manthei y Steve N. Kelly de la Universidad de Nebraska en Omaha; Donald A. Hodges y Debra S. O'Connell ^[86] de la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro ) y otros. ^{[ se necesita cita completa]}

Ver también

• Lista de tradiciones musicales clásicas y artísticas
• Lista de música clásica en la literatura

Específico de la nación:

• Musica clasica americana
• Musica clasica andaluza
• Musica clasica australiana
• Música clásica canadiense
• Música carnática
• Musica clasica francesa
• Gagaku
• Música clásica indostánica
• Musica clasica india
• Musica clasica italiana
• Musica clasica otomana
• Música tradicional persa
• Musica clasica rusa
• Música clásica del Reino Unido

Referencias

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• Meyer, Leonard B. 1994. Música, artes e ideas: patrones y predicciones en la cultura del siglo XX , segunda edición. Chicago y Londres: University of Chicago Press. ISBN 0-226-52143-5 . 
• Morgan, Robert P. 1984. "Lenguas secretas: las raíces del modernismo musical". Investigación crítica 10, no. 3 (marzo): 442–61.
• Sullivan, Henry W. 1995. Los Beatles con Lacan: Rock 'n' Roll como Réquiem por la Edad Moderna . Sociocrítica: Literatura, Sociedad e Historia Serie 4. Nueva York: Lang. ISBN 0-8204-2183-9 . 
• Swafford, enero (1992). La guía vintage de música clásica . Nueva York: Vintage Books. ISBN 978-0-679-72805-4.

Lectura adicional

• Copland, Aaron (1957) Qué escuchar en la música ; Rvdo. ed. McGraw-Hill. (libro de bolsillo).
• Grey, Anne; (2007) El mundo de las mujeres en la música clásica , Publicaciones de Wordworld. ISBN 1-59975-320-0 (rústica) 
• Hanning, Barbara Russano ; Grout, Donald Jay (1998 rev. 2009) Historia concisa de la música occidental . WW Norton & Company. ISBN 0-393-92803-9 (tapa dura). 
• Kamien, Roger (2008) Música: una apreciación ; 6ª ed. Breve. McGraw-Hill ISBN 978-0-07-340134-8 
• Lebrecht, Norman (1996). Cuando la música se detiene: gerentes, maestros y el asesinato corporativo de la música clásica . Simon y Schuster. ISBN 978-0-671-01025-6.
• Lihoreau, Tim; Fry, Stephen (2004) Stephen Fry's Incomplete and Utter History of Classical Music. Boxtree. ISBN 978-0-7522-2534-0
• Scholes, Percy Alfred ; Arnold, Denis (1988) El nuevo compañero de música de Oxford . Prensa de la Universidad de Oxford. ISBN 0-19-311316-3 ( tapa blanda). 
• Schick, Kyle (2012). "Improvisación: Intérprete como co-compositor" , Oferta musical: Vol. 3: No. 1, artículo 3.
• Sorce Keller, Marcello (2019) "Música clásica", Janet Sturman (ed.) La Enciclopedia SAGE de Música y Cultura . Los Ángeles: SAGE Reference, 2019, Vol. II, 561-567.
• Sorce Keller, Marcello (2011) What Makes Music European. Mirando más allá del sonido . Latham, Nueva Jersey: Scarecrow Press.
• Taruskin, Richard (2005, rev. Versión en rústica 2009) Oxford History of Western Music . Oxford University Press (Estados Unidos). ISBN 978-0-19-516979-9 (Paperback), ISBN 978-0-19-538630-1 (Paperback)  

Enlaces externos

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• Medios relacionados con la música clásica en Wikimedia Commons
• Citas relacionadas con la música clásica en Wikiquote
• Grabaciones históricas clásicas del British Library Sound Archive
• Lista cronológica de compositores clásicos registrados
• Grove Music Online - versión en línea del Diccionario de Música y Músicos de New Grove .
• Music World , cronología, compositores, instrumentos