Nicole Awai (nacida en 1966) es una artista y educadora que vive en Brooklyn, Nueva York y Austin, Texas . [1] [2] Su trabajo captura paisajes y experiencias tanto caribeñas como americanas y se involucra en la crítica cultural. Trabaja en muchos medios, incluidos pintura, fotografía , dibujo , instalaciones , cerámica y escultura , así como objetos encontrados . [3]
Nicole Awai | |
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Nació | Nicole Awai 1966 (54 a 55 años de edad) Puerto España , Trinidad |
Educación | BA, MFA en Arte Multimedia de la Universidad del Sur de Florida |
Conocido por | Pintura, Dibujo, Fotografía, Instalación, Cerámica, Escultura |
Premios | Beca Joan Mitchell para pintores y escultores (2011), Beca Art Matters (2012), Beca Puffin (1998) |
Sitio web | https://www.nicoleawai.com/ |
Vida temprana
Nació en Puerto España , Trinidad . Ella es de ascendencia afroasiática. [4]
Educación
Recibió su Licenciatura en Artes en 1991 y una Maestría en Bellas Artes en 1996 en pintura y grabado , ambas de la Universidad del Sur de Florida . En 1997 asistió a la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan en Maine . [5] [6]
Carrera profesional
Al principio de su carrera en 2000, Holland Cotter comentó en el New York Times que las pinturas figurativas de Awai en ese momento se obtuvieron con "una técnica poco bonita y una inclinación metafórica" y que el colonialismo de las Indias Occidentales era su tema. Él especuló que en sus imágenes superpuestas que representan recuerdos de la isla de su infancia, el cambio de fondos y primeros planos en sus pinturas era una buena forma de pensar en la historia. Señaló que en la exposición de 2000 en el Studio Museum en Harlem comisariada por Thelma Golden , Awai compartió con otros artistas como Sanford Biggers un tipo de señalización cultural más flexible, así como una fluidez de identidad posterior a la década de 1990. [7]
Rocio Aranda-Alvarado, curadora principal de El Museo del Barrio, describió sus imágenes en capas como políticas de identidad que incluyen tanto la cultura popular como su propio manual personal de imágenes. [8] [9]
En 2018, Awai se involucró como artista en la disputa de monumentos de Estados Unidos. Generada después de la demostración de supremacía blanca en Charlottesville, Virginia, que provocó la reconsideración a nivel nacional de los monumentos a la Confederación que aún existen, la propuesta de Awai para un nuevo monumento fue una de las varias realizadas por artistas para un artículo del New York Times. La representación de su monumento se inspiró en el arco conmemorativo de Grand Army Plaza, que es un tributo a los combatientes de la Unión, que se centra en el hombre afroamericano que observa y está listo para la batalla. [10]
Cuando la conversación sobre quiénes deberían estar representados en un pedestal público se amplió hasta el desprecio de todos los pueblos indígenas, se creó una comisión para reevaluar los monumentos de la ciudad de Nueva York. Cecilia Alemani, directora y curadora en jefe de High Line Art, creó New Monuments for New Cities y eligió la propuesta renderizada de Awai, un desagüe de la calle con la forma del torso y la cara de un hombre que dice "Reclaimed Water". Tallado en el metal en la parte inferior, una especie de placa dice "Cristóbal Colón". [11]
- Posiciones Académicas
De 2009 a 2015 ocupó el cargo de Crítica de la Escuela de Arte de Yale . [12] [13] Actualmente es profesora asistente de pintura y dibujo en el Departamento de Arte e Historia del Arte de la Universidad de Texas en Austin . [1]
- Residencias de artistas
- Artistas en el mercado, Museo de las Artes del Bronx , (1997-1998) [14]
- Artista en residencia, Art Center South Florida, Miami Beach, FL. (1998) [15]
- Beca BRIC Media Arts Fellowship, Brooklyn, NY (1999) [16]
- Studio Museum en Harlem (1999-2000), [9]
- Artista en residencia, Hunter College, Departamento de arte, Nueva York, NY. (2000)
- Taller internacional de artistas Big River de Triangle Arts Trust, Caribbean Contemporary Arts Puerto España, Trinidad (2001) [4]
- Emerge Program, Aljira, A Center for Contemporary Art , Newark, Nueva Jersey
- Art Omi International Artist's Colony, Hudson / Nueva York, NY (2004) [17]
- Artista en residencia, Centro de Artes y Aprendizaje de Jamaica , Queens, NY. (2004)
- John Michael Kohler, Centro de Artes , Sheboygan, WI (2008) [18]
- Programa de estudio de Smack Mellon, (2010) [19]
- AIR, Alice Yard, Puerto España Trinidad, (2013) [20]
- Consejo Cultural del Bajo Manhattan, Programa de residencia en el espacio de procesos, (2015) [21]
- Residencia BRIC Workspace, Brooklyn, NY (2017) [22]
- Centro Joan Mitchell en abril (2018) [23]
- Subsidios
- Beca Payson, Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan, Skowhegan, Maine / Nueva York, NY (1997)
- Beca de la Fundación Puffin , Fundación Puffin LTD, Teaneck, Nueva Jersey. (1998)
- Beca Pintores y Escultores, Fundación Joan Mitchell (2011) [24]
- Beca Art Matters, Fundación Art Matters (2012) [25]
- Premio de arte Colene Brown (2019) [26]
Trabajos seleccionados
Panyard (2001) El título se refiere al panyard que es un espacio de práctica para bateristas de acero en el festival de carnaval de las Indias Occidentales. Los ex trinitarios Nicole Awai y Terry Boddie (re) visualizan esto en una galería de Brooklyn NY usando elementos de dibujo, fotografía, escultura. La historiadora Rocío Armanda-Alvaraz escribe sobre su intención de reconsiderar el lenguaje artístico minimalista de la década de 1970 para traer una versión sofisticada pero no narrativa del carnaval, tomando prestado de un pasado étnico y racializado que se ha afirmado, a través de su instalación, en el presente. [27] La instalación se mostró en FiveMyles Gallery en Brooklyn, Nueva York. [28]
Local Ephemera, 2007 Los sujetos y objetos representados en acción están dibujados en un estilo más suelto y colorido. Contrastan con el "lenguaje" del plano mecánico en el que se representan otros objetos "para aportar claridad donde no la hay". Obras notables de Local Ephemera incluyen Specimen from Local Ephemera: Tension Springs (2004), Specimen from Local Ephemera: Drab Hanger (2007), Specimen from Local Ephemera: Castle Nut and Drama Queen (2007), y Specimen from Local Ephemera: Resistance with Moco negro (2005) [29]
Almost Undone, 2011 fue el título de una exposición en septiembre de 2011 en laGalería de la Fundación Vilcek . [30] La escultura incorporó una amplia variedad de materiales como papel rociado, resina, plástico, esmalte de uñas y arcilla, lo que resultó en estructuras tridimensionales complejas y audaces, que parecían tirarse, estirarse y rasgarse de la pared. junto con sus trabajos anteriores de suserie Local Ephemera [31] La escultura crea su propia adaptación multidimensional de esa serie, reconstituyendo una dimensión en la siguiente. [32] [33]
Asphaltum Glance, 2013 era una pintura en las paredes de la pequeña galería de Alice Yard en su Trinidad natal. Awai exploró los orígenes de la viscosidad y la negrura que fueron elementos básicos de su obra pictórica desde hace mucho tiempo. A través de un viaje de Art Matters Grant en 2012 a Le Brea, un recuerdo de la infancia de un lago cercano resonó en ella, por lo que fotografió detalles en primer plano como base para pinturas del tamaño de una pared para la galería. Hablando sobre la conexión entre el cieno negro y la identidad caribeña, Awai dice: "El lago de brea se repone constantemente, al igual que nosotros, tomando una nueva forma". [34] Según Awai, el asfalto es, "literalmente, los restos de todos nosotros, la descomposición de toda la flora y toda la fauna en el transcurso del tiempo conocido que sigue girando, batiendo y revelando en la misma instancia material y elementos al azar de ayer. y hace cuatrocientos años ". [35] Antes de dejar Trinidad, Awai pintó sobre Asphaltum Glance como una forma de continuar con sus temas de "regeneración y maleabilidad". [34] [36]
Notes for Material Re-pose, 2016 Critical Practices / 21st Projects, Nueva York, NY fue el sitio de exhibición de una escultura destinada a hacer que los espectadores tomen conciencia de su propio material presente / presencia, Awai postuló un continuo ir y venir entre la narrativa y la materia en tiempo inmediato e historia perpetua. Ella eligió estas exhibiciones por sus "visiones informales" de las obras de los artistas, con la intención de establecer el espacio normativo para el consumo cultural y llevar a la audiencia a un entorno doméstico " [37] [38].
Vistas, 2017 que se muestra en la Galería Leslie Heller consiste en una serie en la que Awai había estado trabajando desde 2013. Como vista mental de una sucesión de eventos recordados, se centraron parcialmente en las características del exudado de asfalto de su trabajo anterior. “Las vistas son experiencias de vislumbres momentáneos. Hay una sensación de impermanencia, de posible desplazamiento, cambio o desaparición inminente, una fisicalidad ilusoria que en realidad puede ser imaginada y efímera. Las vistas pueden ser ventanas al pasado, al futuro o incluso a momentos del presente que no se pueden especificar ”. [39]
Material Re-pose, 2017 En un ensayo adjunto, la historiadora Dorota Biczel llama la atención sobre los abruptos cambios transformadores de Awai en la imagen, los patrones y los materiales dentro de la misma obra. La yuxtaposición de Awai del infinito del cieno negro, la ubicación sugerida de las pieles de animales renderizadas, así como el aquí y ahora de su propia semejanza figurativa continúan su premisa característica de la complejidad de la materia y la narrativa histórica. [40]
Persistent Resistance of the Liquid Land, 2018 En una instalación inspirada en un singular explorador negro agachado en un monumento de la Guerra Civil de Brooklyn de un grupo de soldados blancos de pie, "Persistent Resistance" consiste en una columna decorativa moteada central que parece una tinta de Rorschach mancha. Debajo, acumulado en el suelo, como si todavía estuviera en proceso de enfriamiento, hay un vertido de asfalto, resina, carbón vegetal, esmalte de uñas sobre espuma. Se repiten formas de papel parecidas a mariposas en azul oscuro, negro y gris alrededor de la columna, a menudo con una imagen en tono gris del soldado agachado en medio de ellas evocando querubines o figuras etéreas. [41] También en el mismo año, The New York Times pidió a los artistas que propongan alternativas a la retirada de los monumentos confederados de los espacios públicos. La propuesta de Awai se inspiró en el arco conmemorativo de Grand Army Plaza, que es un homenaje a los combatientes de la Unión. Centrándose en el hombre afroamericano que observa y está listo para la batalla, crea un soldado alado que espera luchar por un futuro mejor. [10]
Envisioning the Liquid Land, 2019 Exposición individual de relieves pintados sobre papel. Las familiaridades espaciales deliberadamente ambiguas en multitud de partes se combinan en una compleja mezcla de elementos visuales y simbólicos. Awai afirma: “La historia de las Américas se trata de maleabilidad; la formación y remodelación de los recursos y la cultura. Es un fenómeno de transformación que evoluciona y gira a través del movimiento de cuerpos y materiales ” [42].
Referencias
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enlaces externos
- Página web oficial