Albert Eugene Gallatin escribió, recopiló, exhibió y creó obras de arte. Llamado "una de las grandes figuras de la cultura estadounidense de principios del siglo XX", [1] fue un destacado defensor del arte no objetivo y más tarde abstracto y particularmente cubista cuyo "enfoque visionario" tanto en el coleccionismo como en la pintura dejó "un impacto duradero en el mundo del arte moderno ". [2]
Albert Eugene Gallatin | |
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Nació | Villanova, Pensilvania | 23 de julio de 1881
Fallecido | 15 de junio de 1952 | (70 años)
Nacionalidad | americano |
Temprana edad y educación
Gallatin nació en 1881 en una familia rica y socialmente prominente. Mostrando un interés juvenil por el arte y la literatura, comenzó a coleccionar obras de Max Beerbohm , Aubrey Beardsley y James McNeill Whistler cuando aún era adolescente. El elemento común en estas compras fue la preferencia por obras que él consideraba que poseían una naturaleza armoniosa, refinada y decorativa, en lugar de una naturalista o literal. Apreciaba su estética sobre su contenido narrativo y su valor intrínseco sobre su valor didáctico o utilitario. [2] [3] [4] [5]
A medida que coleccionaba arte, también comenzó a escribir sobre él. Durante las dos décadas que siguieron al cambio de siglo, Gallatin produjo un flujo constante de artículos, pequeñas monografías y libros de planchas grabadas. [6] Entre 1900 y 1910, la mayoría de ellos se referían a Beardsley y Whistler. Al examinar sus dibujos y pinturas, trató de descubrir qué le daba a estas obras un valor duradero en comparación con la popularidad superficial y temporal. Para él, su excelencia se mostraba en la elegancia de la línea y la calidad del diseño. [7] También llamó la atención sobre lo que llamó un "sentimiento decorativo" en las obras de estos dos artistas en contraste con lo que él consideraba el realismo menos estético de Degas y Millet. [4] [8] Sostuvo que el arte moderno no se popularizó porque fuera bueno, sino porque escandalizaba. Por ejemplo, en 1902 escribió que los dibujos de Beardsley atrajeron la atención por su impactante distorsión de la perspectiva y la proporción y su escape de las convenciones artísticas. Debido a que su verdadero valor no era evidente, creía que solo los entendidos junto con los compañeros artistas de Beardsley podrían apreciarlos completamente. [9] [10] En otro artículo, llamó a Whistler un artista "cuyo trabajo debe permanecer más o menos incomprensible para el público en general". [11] También escribió que el mejor arte se creó únicamente por sí mismo. Escribió sobre la "inquebrantable devoción por la belleza" de Whistler y la libertad del "comercialismo, la vulgaridad y el espíritu de lucro". [12] [13] Gallatin dijo que los sujetos de Whistler nunca eran feos o carecían de gusto. En su opinión, Whistler no era realista porque nunca descendió a lo obvio o al lugar común. [14]
Cuando su padre murió en 1902, Gallatin se convirtió en el jefe de una familia compuesta por él, dos hermanas y su madre. Como miembro de la élite social de Nueva York, ofreció y asistió a cenas, bailes, bodas y beneficios de alto perfil. Su nombre apareció con frecuencia en la prensa como resultado de estas actividades y también como resultado de su afecto pionero por el automóvil y el deporte del motor. [2] [4] Su herencia hizo innecesario que trabajara para ganarse la vida y decidió no seguir el ejemplo de otros miembros de su clase al dedicarse a la banca, el corretaje de valores u otra ocupación profesional. En cambio, continuó coleccionando arte y mejorando su reputación como conocedor del arte con sus escritos.
Durante los años previos a la Primera Guerra Mundial, se interesó cada vez más por artistas estadounidenses como el ilustrador Otho Cushing , el pintor de pleinair Frederick Frieseke y el pintor de interiores Walter Gay . [14] También adquirió y escribió sobre artistas asociados con la Escuela Ashcan : Everett Shinn , William Glackens , Ernest Lawson y John Sloan , así como sobre otros artistas estadounidenses jóvenes, incluidos John Marin y Boardman Robinson . [15] Si bien los dibujos, pinturas y grabados de estos artistas parecen tener poco en común con el trabajo de Beardsley y Whistler, él vio en ellos un sentimiento similar por la forma, la elegancia de la línea y "total libertad de toda mancha de el académico ". [14] Glackens, escribió, era como Whistler en su originalidad, su gran sentido del color y su capacidad para dar vida a los sujetos. [16] Las pinturas de Shinn le revelaron una "expresión personal del genio del artista" y también vio en ellas un "instinto decorativo" que admiraba en prácticamente todo el arte que coleccionaba. [14] Era pesimista acerca de la capacidad de los museos y las agencias gubernamentales para apoyar a los jóvenes artistas estadounidenses y creía que los amantes del arte, los coleccionistas y los críticos "ilustrados" los servirían mejor. [2] [17] [18]
Gallatin sirvió en la Primera Guerra Mundial como miembro de una unidad de reserva naval y dirigió dos grupos civiles: un comité del gobierno federal sobre exhibiciones de propaganda artística y un comité municipal que alentaba a los artistas a hacer carteles en apoyo del esfuerzo bélico. [19] Esta participación condujo a un libro, El arte y la Gran Guerra , (1919) en el que Gallatin discutió el arte relacionado con la guerra en las naciones aliadas, dando muchos ejemplos de pinturas, dibujos, carteles, caricaturas y grabados que admiraba. [19] [20] En 1918, con Duncan Phillips y Augustus Vincent Tack , organizó una exposición, el Allied War Salon de Nueva York. [2] [4] [21] Las obras de esta muestra eran casi todas tradicionalmente representativas. Las excepciones fueron las pinturas de un artista británico, CRW Nevinson , cuyo trabajo en este momento podría describirse como una versión cubista del futurismo . Tropas francesas en reposo de 1916 de Nevinson se exhibió en las galerías Keppel & Co. en 1919 y probablemente se incluyó en la exhibición de 1918. [22] Se dice que éste y otros trabajos suyos fueron la primera introducción de Gallatin a este aspecto del modernismo . [4]
Coleccionismo de arte: década de 1920
En 1916, Gallatin había descartado a los modernistas en general y a los cubistas en particular por inmaduros. Pensaba que su trabajo era medio cocido, mediocre y deprimente. [23] [24] A mediados de la década de 1920, a través de la influencia de Nevinson, del crítico Clive Bell y de los autores de artículos de la revista The Arts , había revisado a fondo sus opiniones. [4] Nevinson demostró que el cubismo no era un truco, sino una técnica que surgió naturalmente del arte de su tiempo. [22] Bell articuló una estética formalista que coincidía con la creencia de Gallatin de que el arte no era bueno por su realismo, sino porque el espacio bidimensional de la pintura, el dibujo o la impresión poseía una composición, línea, forma, color y textura. La representación pictórica, la fidelidad a la vida y la ilusión de profundidad eran preocupaciones secundarias. Bell también expresó una opinión que parece haber estado latente también en el pensamiento de Gallatin: el buen arte está bien ordenado en lugar de caótico y procede de los procesos de pensamiento del artista y del sentido intuitivo de la rectitud más que de sus emociones. [25] William Zorach y otros autores de artículos en The Arts discutieron un arte de "formas y colores puramente abstractos" que, a través de una eliminación "de todo lo que no es vitalmente necesario", produjo un verdadero arte. La dificultad de juzgar qué es una "obra maestra" y qué es un "aborto" no es diferente para el arte abstracto que para el arte representativo: requiere experiencia, estudio cuidadoso y "escuchar la respuesta interior de uno". [26] [27]
En los años comprendidos entre 1920 y 1926, Gallatin se convirtió en miembro de la modernista Société Anonyme [28] y conoció al influyente artista-crítico Jacques Mauny, quien pronto se convirtió en su amigo y consejero. [4] Mauny le presentó a Pablo Picasso ya otros pintores y al marchante y autor Daniel-Henry Kahnweiler . Estos hombres ayudaron a moldear aún más su creciente aprecio por el cubismo y Mauny, en particular, lo ayudó a renovar su colección agregando pinturas de artistas como Cézanne y Picasso y vendiendo otras que ya no se ajustaban a su gusto. [2] [4] A mediados de la década de 1920, Gallatin estudió arte con el artista y maestro Robert Henri , y en 1926 produjo algunas pequeñas naturalezas muertas y pinturas de temática mitológica que se han descrito como "amplias áreas de espacio abierto divididas por grupos de formas extrañas ". [19] Su interés por el cubismo se profundizó y añadió a su colección obras de Georges Braque y Juan Gris . [2] [21]
Al menos en parte, en respuesta a los artículos de Forbes Watson en The Arts y Henry McBride en The Dial , Gallatin comenzó a planificar una galería pública basada en su colección de arte moderno. [4] A principios de 1927, como resultado de una conexión familiar con la Universidad de Nueva York, pudo organizar primero una pequeña muestra y, en diciembre de ese año, abrir su Galería de Arte Viviente en la sala de estudios sur de esa ciudad. edificio principal de la universidad en Washington Square. [4] La galería ha sido llamada el primer museo dedicado exclusivamente al arte moderno. [2] [4] [5] (La Colección Phillips Memorial, inaugurada en 1920, también podría reclamar esa distinción, pero por el hecho de que no era exclusivamente modernista. [29] ) Consiste casi en su totalidad en obras de la colección de Gallatin y reunido con la ayuda del crítico Henry McBride , había, en su inauguración, pinturas y obras en papel de veinticuatro artistas, tanto estadounidenses como franceses. Además de los cuarenta y tres propios, Gallatin incluyó quince obras prestadas. [30] No hubo tarifa de entrada y desde el principio se consideró como un lugar para que lo usaran los artistas y el público en general. [4] [31]
Coleccionismo de arte: 1930
La composición de la Galería de Arte Viviente era informal y fluida, cambiando con frecuencia cuando Gallatin añadía a su colección o simplemente deseaba revisar la exhibición. Algo conservador al principio, creció para incluir pinturas importantes en el estilo cubista, neoplastivista y constructivista de artistas como Picasso, Braque, Gris, Fernand Léger , Piet Mondrian , Jean Hélion y El Lissitzky , así como algunos en el estilo surrealista de Joan Miró , Jean Arp y André Masson. [4] [5] Gallatin colgó la galería con las pocas pinturas grandes que ocupaban el espacio de la pared por sí mismas. A mediados de la década de 1930, estas grandes pinturas incluían Tres músicos de Picasso (1921), La ciudad de Léger (1919) y Pintura de Miró (Fratellini) . [32] La mayor parte de la colección estaba formada por obras pequeñas que facilitaban que las de tamaño moderado, como Perro ladrando a la luna de Miró (1926) y Composición con azul y amarillo de Mondrian (1932), llamaran la atención del espectador. [2] [5] Durante la década de 1930, Gallatin continuó recibiendo consejos de Jacques Mauny. También fue ayudado por una sucesión de amigos y conocidos comenzando con Henry McBride (1927–32), seguido de Robert Delaunay (1932–33) y luego Jean Hélion y George LK Morris (1933-ca. 1940). Siguiendo su propia inclinación y su influencia, purgó las obras figurativas en favor de la abstracción y enfatizó las obras no objetivas sobre las que tienen sujetos identificables. [2] [4] [33]
En 1936, Gallatin cambió el nombre de la galería a Museo de Arte Vivo. Para entonces, tanto el Museo Whitney como el Museo de Arte Moderno se habían abierto al público y se reconoció que el museo de Gallatin tenía la colección que más interesó e influyó a los jóvenes artistas de Nueva York como Arshile Gorky , Philip Guston , Robert Motherwell y los de Koonings. [1] [2] [4] [34]
En 1938, la revista Life hizo un perfil de Gallatin y el Museo en una publicación de fotografías titulada "El bisnieto de Albert Gallatin patrocina un museo de arte abstracto". Las imágenes incluían una caricatura de Gallatin por Léger, una foto de un conjunto de paneles en el museo, obras importantes de la colección y copias de fotografías que Gallatin había tomado de destacados artistas parisinos. [32]
Obra de arte: 1930-1940
En febrero de 1936, Gallatin reanudó la pintura. Había sido pausado y pausado en su coleccionismo, adquiriendo primero pequeñas piezas en papel y, al sentirse cómodo con el trabajo de un artista, gradualmente pasó a pinturas al óleo más grandes. De manera similar, tardó muchos meses en elaborar sus propias producciones de caballete desde la concepción hasta el estado final. Las obras en sí mismas eran uniformemente no objetivas. En ese momento, los críticos los vieron como cerebrales y "euclidianos". [34] [35] [36] En 1938, Edward Alden Jewell, el crítico perspicaz del New York Times los llamó "puros" y, haciendo un uso temprano del término, "no objetivos" (las comillas son su ). [37] [38] Desde entonces han sido vistos como "abstracciones realizadas con sensibilidad", diseños estructurales de naturaleza arquitectónica, imbuidos de "fuerza estructural sutil" e "infinitamente inventivos". También se les aplicó el término "decorativos", tanto en un sentido peyorativo como más acorde con su propio uso del término, que connotaba armonía y un plano superior del gusto. [4] [39] [40]
En 1936, sus pinturas se incluyeron en una exposición en la Galerie Pierre, París. Anteriormente expuso Paul Reinhardt Galleries en Nueva York, luego se llamó "Cinco concrecionistas estadounidenses contemporáneos" y carecía de su trabajo. [2] [34] [39] [41]
En general, se mostraba reticente con su trabajo, pero en 1938 le dijo a un entrevistador que trató de reducir su pintura a lo esencial del arte. [32] [42] La declaración encaja con sus escritos sobre los artistas cuyo trabajo admiraba. Sintió que el arte era mejor cuando estaba menos conectado con las cosas del mundo: línea, color, forma, textura y tono puros. [4] [34] De acuerdo con esta actitud, rara vez dio a sus pinturas nombres distintivos, dejándolos sin título o llamándolos simplemente "Composición" o "Abstracción".
En 1937 Gallatin se unió al grupo American Abstract Artists (al que ya pertenecía Morris) y comenzó a brindarle apoyo financiero. El grupo fue formado por una asamblea informal de artistas para ayudar a educar al público sobre el arte abstracto y realizar exposiciones. [2] [4] Al año siguiente, en la Galería Georgette Passedoit de Nueva York, tuvo su primera exposición individual [37] y también vendió una pintura, Composición (1938), al Museo de Arte Moderno. [2] [43] Durante el verano de ese año hizo su último viaje al extranjero y posteriormente amplió su colección sin viajar. [4]
En 1939 expuso con otros dos miembros de American Abstract Artists, Morris y Charles G. Shaw , en la galería de Jacques Seligmann en Nueva York. Como los tres eran pintores no objetivos y todos eran neoyorquinos adinerados, llegaron a ser llamados los "cubistas de Park Avenue". [2] [35]
A partir de ese momento, el arte no objetivo en general y el arte de Gallatin en particular fueron cada vez más aceptados en el mundo del arte de Nueva York. En 1941 se decía que pintaba con gusto, tacto fino y habilidad inventiva. [44] En 1945 Edward Alden Jewell se refirió a él como un "exponente impresionante de esta forma de abstracción" cuyo "trabajo es refrescantemente individual", "vigoroso y pintado por expertos", [45] [46] y en 1947 escribió que Gallatin Estaba seguro en su posición de "intransigente no objetivista" cuyo trabajo era "todo pulcritud y suave decoro razonable". [40] [47] En 1942, Gallatin fue referido como el "rey abstracto" de Nueva York en un perfil que apareció en la sección "Talk of the Town" de la revista New Yorker . [48]
Vida posterior y trabajo
Durante la década de 1940, Gallatin continuó exhibiendo sus propias pinturas y organizando exhibiciones de otros. En 1942 organizó un espectáculo dedicado a las mujeres estadounidenses, que incluía a la esposa de Morris, Suzy Frelinghuysen , así como a Alice Trumbull Mason y Esphyr Slobodkina . [4] Ese mismo año, la Universidad de Nueva York le informó que tenía que cerrar el Museo de Arte Viviente para que el espacio que ocupaba pudiera reutilizarse como una medida de economía en tiempos de guerra. Muy decepcionado, Gallatin aceptó una oferta del Museo de Arte de Filadelfia para proporcionarle un hogar. En unos pocos meses, 175 obras de su colección se trasladaron a Filadelfia y algunas fueron donadas al Museo Berkshire en Pittsfield, Massachusetts, al que estaban conectados Morris y Frelinghuysen. [4] [49] [50] Durante el resto de la década de 1940, hasta su muerte en 1952, continuó pintando, promocionando y coleccionando arte no objetivo. En 1952 se le ofreció una exposición retrospectiva individual en la Rose Fried Gallery, Nueva York. [51] A su muerte, distribuyó sus obras de arte restantes en la Sociedad Histórica de Nueva York, el Museo de la Ciudad de Nueva York, la Galería Nacional de Arte y sus dos hermanas. [52] Al final de su vida, el estilo de pintura que había defendido estaba cayendo en desgracia cuando el arte abstracto-expresionista alcanzó su primer reconocimiento crítico. Desde entonces, ha recuperado la atención de la crítica y el atractivo del público y, al menos para algunos, se considera que influye en los artistas minimalistas y de vanguardia que se destacaron en la década de 1960 [53] , así como en artistas más jóvenes como Sarah Morris y Mai Braun. [54]
Familia
Albert era un nombre de pila común en la familia Gallatin. El bisabuelo de Gallatin fue Albert Gallatin (1761-1849), Secretario del Tesoro bajo los presidentes Jefferson y Madison y uno de los fundadores de la Universidad de Nueva York. [55] Su segundo hijo se llamaba Albert Rolaz (1800-1890) y el primer hijo de Albert Rolaz, el padre de Gallatin, se llamaba Albert Horatio. Gallatin tenía dos tíos llamados Albert, uno, de apellido Gallatin, había muerto antes de su nacimiento, y el otro, de apellido Stevens, murió en 1904. Otros dos tíos, Frederic y James Gallatin tenían hijos llamados Albert. Estos dos primos a veces se confundían con Gallatin. Al igual que Gallatin, ambos vivían en Nueva York y ambos eran lo suficientemente destacados como para recibir frecuentes menciones en la prensa local. [56] [57] El hijo de Frederic era simplemente Albert (nacido el 8 de enero de 1880, murió el 1 de septiembre de 1965). [56] Este Albert Gallatin formó una colección de arte egipcio antiguo vendido al Museo Metropolitano de Arte después de su muerte. [58]
El padre de Gallatin, Albert Horatio Gallatin, nació el 7 de marzo de 1839 y murió el 25 de marzo de 1902. [56] Residente de Nueva York durante toda su vida, se formó en medicina en la Universidad de Nueva York, se desempeñó como cirujano en la Guerra Civil. y se convirtió en profesor de química en NYU. [59] La madre de Gallatin era Louise Bedford Ewing. Nació en Maryland el 8 de agosto de 1843, murió en Nueva York el 3 de diciembre de 1922. [56] [60] La hermana mayor de Gallatin, Louise, nació en mayo de 1880 y murió el 8 de febrero de 1970. [56] [61 ] Se casó con Charles Merrick Gay, profesor de arquitectura, Universidad de Pensilvania y director del Instituto Franklin, Filadelfia, Pensilvania. [62] La hermana menor de Gallatin, Cornelia Lansdale Gallatin (14 de febrero de 1884 - 26 de marzo de 1973), se casó con Alfred FitzRoy Anderson (13 de julio de 1882 - 15 de noviembre de 1965). Fue miembro de la sociedad de Nueva York cuyo trabajo de caridad involucró a veteranos discapacitados y la revocación de la abolición. [63] [64]
El propio Gallatin nació el 23 de julio de 1881, en la casa de campo de su abuela materna, Cornelia Lansdale Ewing, que estaba ubicada en Villanova, Pensilvania. Asistió a escuelas allí y en Nueva York, incluida la escuela preparatoria Cutler y la Facultad de derecho de Nueva York, ambas en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, no tomó el examen de la abogacía y luego dijo: "No sé por qué diablos lo hice. Creo que un artista abstracto es más valioso para la comunidad que un abogado". [4] [19] A medida que maduraba, se mezclaba libremente con la sociedad de Nueva York, frecuentando la ópera y los bailes de caridad. En 1907 cofundó la Motor-Car Touring Society. Pertenecía al Union Club , la Sociedad de Peregrinos , la Sociedad de Guerras Coloniales y era el único miembro estadounidense de la rama francesa de la Sociedad de Cincinnati . [2] Después de que Estados Unidos entró en la Primera Guerra Mundial, se inscribió como alférez en la Reserva de Defensa de la Costa Naval. [65] También presidió dos comités: el Comité de Exposiciones y Publicidad Gráfica del Comité de Información Pública del Gobierno de los Estados Unidos y el Comité de Artes y Decoraciones del Comité de Defensa Nacional del Alcalde. [66] El primero se ocupó de la propaganda del arte y llevó a la publicación de su libro, Art and the Great War (Nueva York, EP Dutton & Company, 1919). El segundo aconsejó a los artistas sobre la contribución de su trabajo al esfuerzo bélico. En diciembre de 1918, Gallatin organizó un Salón de la Guerra Aliada bajo los auspicios de ambos comités. La exposición tuvo lugar en la American Art Association, Madison Square South, Nueva York. Duncan Phillips de la American Federation of Arts y Augustus Vincent Tack del Liberty Loan Committee fueron los coorganizadores. Incluía una gran cantidad de pinturas, dibujos, carteles y otras obras de los artistas oficiales y no oficiales de los países aliados. [67] Gallatin fue fideicomisario de la Universidad de Nueva York y patrocinador y donante de numerosas organizaciones de arte, como la Universidad de Nueva York, el Museo de Arte Moderno, Artistas Abstractos Estadounidenses, el Museo de la Ciudad de Nueva York y el Museo Berkshire.
Los contemporáneos decían que Gallatin era conservador, elegante, patricio y sofisticado. Vestía elegantemente, era alto, sobrio y con gafas. Su comportamiento era formal y pocos amigos pudieron ver el lado de su personalidad que era relajado, divertido e informal. Trabajó duro y se dedicó firmemente al trabajo de su vida. Se decía que dormía en una cama estrecha y dura, que había pertenecido al hermano de Napoleón, José. Nunca hubo ningún escándalo relacionado con su nombre y nunca se casó. [4]
Colecciones
La fuente principal de esta lista es el sitio web llamado Museum Angel. [68]
- Instituto de Arte de Chicago, Chicago, Illinois
- Museo Heckscher, Huntington, Nueva York
- High Museum of Art, Atlanta, Georgia
- Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
- Escuela y Museo de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia, Pensilvania
- Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, Pensilvania
- Museo de Arte de la Universidad de Princeton , Princeton, Nueva Jersey
- Universidad de Florida - Museo de Arte Samuel P. Harn, * Gainesville, Florida
- Museo de Arte Weatherspoon, Greensboro, Carolina del Norte
- Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York
Escrituras
Artículos y monografías, en orden cronológico
- 1900 Lista de dibujos de Aubrey Beardsley . Nueva York, De Vinne Press, 1900 (cien copias)
- 1902 Aubrey Beardsley como diseñador de placas de libro . Boston, CE Peabody, 1902 (reimpreso de Reader Magazine , diciembre de 1902)
- 1902 "Nota sobre el elemento literario en el arte de Beardsley", The Critic , vol. 41 (diciembre de 1902), págs. 561–569
- 1902 "Aubrey Beardsley; Two Recent Estimates of the Work of the Artist", reseña de un libro de AE Gallatin en New York Times , 6 de septiembre de 1902, página BR5
- 1903 "Una nota sobre los dibujos de Otho Cushing", Pincel y lápiz , vol. 11, núm. 5 (febrero de 1903), págs. 351–355
- 1903 "A Whistler Bibliography: Prepared for The New York Times Saturday Review", New York Times , 3 de enero de 1903
- 1903 Dibujos de Aubrey Beardsley: un catálogo y una lista de críticas . Nueva York, Godfrey AS Wieners, 1903
- 1904 Art Dieta y otros ensayos de Whistler . Boston, Charles E. Goodspeed, 1904
- 1904 "Whistler. La apreciación de su arte por los señores TR Way y GR Dennis por AE Gallatin", reseña de un libro en New York Times , 2 de enero de 1904, p. BR12
- 1905 "Algunas críticas de arte notables", The Critic (vol. 47, julio-diciembre de 1905, págs.
- 1907 Whistler; Notas y notas a pie de página y otros memorandos . Nueva York, The Collector and Art Critic Co., 1907
- 1910 Arte moderno en Venecia y otras notas . Nueva York, JM Bowles, 1910
- 1910 "Los pasteles de Whistler", Art and Progress , vol. 2, núm. 1 (noviembre de 1910), págs. 8-10
- 1911 "Un nuevo grabado de Zorn", Arte y progreso , vol. 2, núm. 9 (julio de 1911), pág. 261
- 1911 "Los artistas gráficos del siglo XIX", Arte y progreso , vol. 2, núm. 12 (octubre de 1911), págs. 352–354
- 1911 "La Sociedad Internacional", Art and Progress , vol. 2, núm. 11 (septiembre de 1911), págs. 325–326
- 1911 "Los Pastellists", Art and Progress , vol. 2, núm. 5 (marzo de 1911), págs. 142-144
- 1911 "La escultura del príncipe Paul Troubetzkoy", Arte y progreso , vol. 2, núm. 7 (mayo de 1911), págs. 208–209
- 1911 "Exposición en memoria de Winslow Homer", Art and Progress , vol. 2, núm. 6 (abril de 1911), págs. 167-169
- 1912 "Max", Art and Progress , vol. 3, núm. 4 (febrero de 1912), págs. 478–480
- 1912 "Las pinturas de Frederic C. Frieseke", Arte y progreso , vol. 3, núm. 12 (octubre de 1912), págs. 747–749
- 1913 Retratos y caricaturas de James McNeill Whistler, una iconografía . Nueva York, John Lane Company, 1913
- 1913 Pasteles de Whistler y otros perfiles modernos. Nueva York, John Lane Company, 1913
- 1913 "Una exposición de retratos de mujeres de artistas modernos", Arte y progreso , vol. 4, núm. 8 (junio de 1913), págs. 983–988
- 1913 "Interiores del Sr. Walter Gay", Art and Progress , vol. 4, núm. 9 (julio de 1913), págs. 1023-1027
- 1914 "Salon des Humoristes", Arte y progreso , vol. 5, núm. 5 (marzo de 1914), págs. 175-177
- 1916 Notas sobre algunos retratos raros de Whistler . Nueva York, empresa John Lane, 1916
- 1916 "La escultura de Paul Manship", The Metropolitan Museum of Art Bulletin , vol. 11, núm. 10 (octubre de 1916), págs. 218 + 220-222
- 1916 "William Glackens", The American Magazine of Art , vol. 7, núm. 7 (mayo de 1916), págs. 261–263
- 1916 Ciertos contemporáneos; un conjunto de notas en la crítica de arte . Nueva York, John Lane Company, 1916
- 1917 Paul Manship . Nueva York, John Lane Company, 1917
- 1917 Retratos de Albert Gallatin . Boston, impresión privada, 1917
- 1918 Retratos de Whistler: un estudio crítico y una iconografía . Nueva York, J. Lane, 1918
- 1919 Arte y Gran Guerra . Nueva York, EP Dutton & Company, * 1919
- 1919 "Las pinturas de Max Kuehne", The International Studio , vol. 68 (agosto * 1919), pág. xxvii
- 1920 Pinturas de interiores franceses (editado con una introducción y notas en las planchas, por Albert Eugene Gallatin). Nueva York, EP Dutton y compañía, 1920
- 1921 Impresión fina moderna en América; un ensayo . Nueva York, impresión privada, 1921
- 1922 Acuarelistas estadounidenses . Nueva York, EP Dutton & Company, 1922
- 1924 Gaston Lachaise; Dieciséis reproducciones en colotipo de la obra del escultor . Nueva York, Merrymount Press, EP Dutton & Company, 1924
- 1924 Max Kuehne. Dieciséis reproducciones de la obra del artista; editado con prólogo de AE Gallatin . Nueva York, EP Dutton & Company, 1924
- 1925 John Sloan, editado con una introducción de AE Gallatin . Nueva York, EP Dutton & Company, 1925
- 1933 Galería de Arte Vivo . Nueva York, 1933
- 1934 Iconografía Gallatin . Boston, impresión privada, 1934
- 1939 Pinturas recientes de Gallatin, Morris, Shaw . Nueva York, Jacques Seligmann & Co., 1939
- 1940 Museo de Arte Vivo: Colección AE Gallatin . Nueva York, Universidad de Nueva York, 1940
- 1943 Georges Braque: Ensayo y bibliografía . Nueva York, Wittenborn and Company, 1943 (como editor)
- 1952 Bibliografía de las obras de Max Beerbohm . Cambridge, Harvard University Press, 1952
- 1963 Del arte: Platón a Picasso, aforismos y observaciones . Nueva York, Wittenborn, 1963
Monografías, alfabéticamente por título
- Acuarelistas estadounidenses . Nueva York, EP Dutton & Company, 1922
- Arte y Gran Guerra . Nueva York, EP Dutton & Company, 1919
- Aubrey Beardsley como diseñador de placas de libro . Boston, CE Peabody, 1902
- Dibujos de Aubrey Beardsley: un catálogo y una lista de críticas . Nueva York, Godfrey AS Wieners, 1903
- Bibliografía de las obras de Max Beerbohm . Cambridge, Harvard University Press, 1952
- Ciertos contemporáneos; un conjunto de notas en la crítica de arte . Nueva York, John Lane Company, 1916
- Iconografía Gallatin . Boston, impresión privada, 1934
- Galería de Arte Vivo . Nueva York, 1933
- Gaston Lachaise; Dieciséis reproducciones en colotipo de la obra del escultor . Nueva York, Merrymount Press, EP Dutton & Company, 1924
- Georges Braque: Ensayo y bibliografía . Nueva York, Wittenborn and Company, 1943 (como editor)
- John Sloan, editado con una introducción de AE Gallatin . Nueva York, EP Dutton & Company, 1925
- Lista de dibujos de Aubrey Beardsley . Nueva York, De Vinne Press, 1900 (cien copias)
- Max Kuehne. Dieciséis reproducciones de la obra del artista; editado con prólogo de AE Gallatin . Nueva York, EP Dutton & Company, 1924
- Arte moderno en Venecia y otras notas . Nueva York, JM Bowles, 1910
- Impresión fina moderna en América; un ensayo . Nueva York, impresión privada, 1921
- Museo de Arte Vivo: Colección AE Gallatin . Nueva York, Universidad de Nueva York, 1940
- Notas sobre algunos retratos raros de Whistler . Nueva York, empresa John Lane, 1916
- Del Arte: Platón a Picasso, Aforismos y Observaciones . Nueva York, Wittenborn, 1963
- Pinturas de interiores franceses (editado con una introducción y notas en las planchas, por Albert Eugene Gallatin). Nueva York, EP Dutton y compañía, 1920
- Paul Manship . Nueva York, John Lane Company, 1917
- Retratos y caricaturas de James McNeill Whistler, una iconografía . Nueva York, John Lane Company, 1913
- Retratos de Albert Gallatin . Boston, impresión privada, 1917
- Retratos de Whistler: un estudio crítico y una iconografía . Nueva York, J. Lane, 1918
- Búsqueda de la felicidad; las Crónicas Abstractas y Breves de la Época . Nueva York, 1950
- Pinturas recientes de Gallatin, Morris, Shaw . Nueva York, Jacques Seligmann & Co., 1939
- Whistler; Notas y notas a pie de página y otros memorandos . Nueva York, The Collector and Art Critic Co., 1907
- Pasteles de Whistler y otros perfiles modernos. Nueva York, John Lane Company, 1913
- Art Dieta de Whistler y otros ensayos . Boston, Charles E. Goodspeed, 1904 [69]
Artículos, alfabéticamente por título
- "Aubrey Beardsley; Two Recent Estimates of the Work of the Artist", reseña de un libro de AE Gallatin en New York Times , 6 de septiembre de 1902, página BR5
- "Una exposición de retratos de mujeres de artistas modernos", Arte y progreso , vol. 4, núm. 8 (junio de 1913), págs. 983–988
- "Los artistas gráficos del siglo XIX", Arte y progreso , vol. 2, núm. 12 (octubre de 1911), págs. 352–354
- "La Sociedad Internacional", Art and Progress , vol. 2, núm. 11 (septiembre de 1911), págs. 325–326
- "Max", Art and Progress , vol. 3, núm. 4 (febrero de 1912), págs. 478–480
- "Interiores del Sr. Walter Gay", Art and Progress , vol. 4, núm. 9 (julio de 1913), págs. 1023-1027
- "Ernest Lawson", The International Studio , vol. 59, (julio de 1916), págs.14
- "Un nuevo grabado de Zorn", Art and Progress , vol. 2, núm. 9 (julio de 1911), pág. 261
- "Una nota sobre los dibujos de Otho Cushing", Pincel y lápiz , vol. 11, núm. 5 (febrero de 1903), págs. 351–355
- "Nota sobre el elemento literario en el arte de Beardsley", The Critic , vol. 41 (diciembre de 1902), págs. 561–569
- "Las pinturas de Max Kuehne", The International Studio , vol. 68 (agosto de 1919), pág. xxvii
- "Los Pastellists", Art and Progress , vol. 2, núm. 5 (marzo de 1911), págs. 142-144
- "Las pinturas de Frederic C. Frieseke", Arte y progreso , vol. 3, núm. 12 (octubre de 1912), págs. 747–749
- "Salon des Humoristes", Arte y progreso , vol. 5, núm. 5 (marzo de 1914), págs. 175-177
- "La escultura de Paul Manship", The Metropolitan Museum of Art Bulletin , vol. 11, núm. 10 (octubre de 1916), págs. 218 + 220-222
- "La escultura del príncipe Paul Troubetzkoy", Arte y progreso , vol. 2, núm. 7 (mayo de 1911), págs. 208–209
- "Some Notable Art Criticism", The Critic (vol. 47, julio-diciembre de 1905, págs. 259-260
- "Whistler. The Appreciation of His Art by Messrs. TR Way y GR Dennis por AE Gallatin", reseña de un libro en New York Times , 2 de enero de 1904, p. BR12
- "A Whistler Bibliography: Prepared for The New York Times Saturday Review", New York Times , 3 de enero de 1903
- "Los pasteles de Whistler", Art and Progress , vol. 2, núm. 1 (noviembre de 1910), págs. 8-10
- "William Glackens", Revista Estadounidense de Arte , vol. 7, núm. 7 (mayo de 1916), págs. 261–263
- "La exposición conmemorativa de Winslow Homer", Art and Progress , vol. 2, núm. 6 (abril de 1911), págs. 167-169
Referencias
Notas
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- ^ Véase, a continuación, la lista de los escritos de Gallatin en orden cronológico.
- ^ "Aubrey Beardsley; dos estimaciones recientes de la obra del artista". New York Times . 1902-09-06. pag. BR5.
Las cualidades estéticas de su línea, los arreglos perfectos de sus masas de negro, el elemento literario de su obra, siempre atraerán al artista y al conocedor. Pero no hay nada, como la mera "belleza", en sus dibujos que los haga populares, a menos que se disfruten como lo haría un trozo de caviar.
- ^ Gallatin, Albert Eugene (diciembre de 1902). "Nota sobre el elemento literario en el arte de Beardsley" . La Crítica . 41 : 561–569 . Consultado el 7 de agosto de 2014 .
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- ^ "El punto de vista realmente esencial para considerar los dibujos de Beardsley es el puramente técnico del artista y el conocedor. Las cualidades decorativas en su trabajo nunca han sido superadas por ningún artista cuyo trabajo haya sido en blanco y negro. Beardsley es principalmente un" artista de artista ", y las cualidades de su maravillosa y hermosa línea y la perfecta disposición de sus masas son los elementos de su obra que la harán inmortal. Las cualidades estéticas de sus dibujos no son las que significan mera popularidad. Es cierto que su dibujo tenía una moda mayor que la de cualquier otro artista de su época, pero parece difícil explicar por qué lo habían hecho, a menos que, como sostiene un crítico, su ignorancia de la perspectiva y la proporción, y su libertad, hasta cierto punto, de las convenciones, sus obras para encontrarse con un succès de scandale ". ( Aubrey Beardsley como diseñador de placas de libro . Boston, CE Peabody, 1902, págs. 3-5)
- ^ Gallatin, Albert Eugene (julio-diciembre de 1905). "Algunas críticas de arte notables". La Crítica . 47 : 259-260.
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- ↑ "En el comercialismo, la vulgaridad y el espíritu de ganancia, en los que el realismo y la fealdad eran dos de los dioses de su artista, llegó Whistler con su inquebrantable devoción por la belleza-belleza por sí misma. En todas las obras de Whistler: pinturas, acuarelas, pasteles, aguafuertes, punta seca, litografías, dibujos, nos impresiona instantáneamente su distinción y elegancia: Whistler siempre fue un aristócrata. En el curso de su famosa conferencia sobre arte, Whistler dijo: la marca de los dioses sobre él, vienen entre nosotros de nuevo los elegidos, que continuarán lo que ha sucedido antes. "Todas las obras de arte supremamente grandes son grandes debido a su belleza intrínseca; una obra maestra de la escultura griega, una pieza de porcelana china antigua , una estatuilla de bronce italiana del Renacimiento, un cuadro de Velásquez o uno de Vermeer pueden agruparse con la mayor armonía y unidad de propósito, hablan el mismo idioma y tienen todo en común. fue un Whistler, porque también "tenía la marca de los dioses sobre él" ... temas poco habituales tratados de una manera totalmente personal y maravillosamente hermosos y seductores; ... los dibujos son de la mayor importancia artística porque son más personales que las pinturas, y la personalidad cuenta junto al genio ". (" Whistler's Pastels, and Modern Profiles ", Art and Progress , marzo de 1912, p. 9)
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- ^ "El pintor de originalidad y talento que busca apoyo al Estado, a los museos públicos oa las sociedades de arte organizadas está condenado a la decepción. Si no fuera por el apoyo y el estímulo de la crítica ilustrada y de los aficionados y coleccionistas, el genio de muchos pintores nunca alcanzaría la madurez ". (Acuarelistas estadounidenses por Albert Eugene Gallatin, Nueva York, EP Dutton & Company, 1922, págs. Xi-x)
- ^ Albert Eugene Gallatin (1922). Acuarelistas estadounidenses . Nueva York: EP Dutton & Company.
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- ^ Albert Eugene Gallatin (1916). Ciertos contemporáneos; Un conjunto de notas en la crítica de arte . Nueva York: John Lane Company.
- ^ "Este reconocimiento tardío de un talento tan realmente sincero y genuino [es decir, el de Ernest Lawson] es aún más notable cuando consideramos la moda moderna de aclamar y hacer vibrar al principiante a medias, de mostrar sus esfuerzos inmaduros y mediocres, de escribir acerca de él en profundidad; que cuando consideramos que incluso los cubistas por un tiempo fueron tomados en serio.Pocos pintores hoy parecen tener la inclinación de perfeccionarse en su arte: insisten en el atajo, se contentan con hacer alarde de sus caja de trucos. Por eso la exhibición promedio de cuadros modernos es tan deprimente, tan tediosa ". ( Ciertos contemporáneos; Un conjunto de notas en la crítica de arte de Albert Eugene Gallatin, Nueva York, John Lane Company, 1916, p. 15)
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El artista ha subordinado sus predilecciones y prejuicios, su peculiar forma de ver y sentir, sus caprichos, sus fantasías y sus excentricidades, a un sentido dominante del diseño. Sin embargo, la imagen es personal. En primer lugar, una imagen debe ser un todo orgánico, pero ese todo puede estar formado por cualquier cosa que posea la mente del artista.
- ^ Zorach, William (octubre de 1921). "Las nuevas tendencias en el arte". Las artes . 2 (1): 10–15.
- ^ "La contribución esencial del arte moderno a la estética es la construcción y desarrollo de formas y colores puramente abstractos. Por color abstracto me refiero a colores usados por su significado abstracto, no de manera realista, y por forma abstracta me refiero a formas puramente geométricas y simplificadas. equivalentes de la naturaleza, como una manzana reducida a un círculo, una cabeza a un óvalo, y la construcción de un cuadro o una pieza de escultura mediante una combinación de estas formas, diseccionadas y entrelazadas, entretejidas y desarrolladas. la recreación, esta construcción y eliminación de todo lo que no es vitalmente necesario, se construye un todo estructural, se desarrolla una armonía de forma y color que satisface las sensibilidades artísticas del artista ... No hay nada particularmente nuevo en este arte moderno Se basa en los mismos principios cósmicos de equilibrio armonioso y relación de líneas, formas, colores y volúmenes que todo arte verdadero. Un artista debe ser sensible a estas cosas, ya sea consciente o inconscientemente. y. Es eso lo que le lleva a ser artista. ¿Cómo saber qué es algo y qué es nada en el arte moderno, qué es una obra maestra y qué aborto? Mediante el mismo proceso mediante el cual se aprende a saber qué es real y qué no entre las imágenes del pasado. Mediante el estudio cuidadoso de varios ejemplos, escuchando la respuesta interior de uno ". (" The New Tendencies in Art "por William Zorach, The Arts , Vol. 2, No. 1, octubre de 1921, p. 12)
- ^ Aunque no siguió siendo miembro por mucho tiempo.
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- ↑ Los cinco concrecionistas fueron Charles Biederman, Alexander Calder, John Ferren, George LK Morris y Charles Green Shaw. En París y luego en Londres, Gallatin reemplazó a Calder.
- ↑ "Intento reducir la pintura a lo esencial del arte, basado en el estudio de los grandes maestros antiguos, y como protesta contra la pintura degenerada del siglo XIX, que sólo se interesa en su tema". ("Bisnieto de Albert Gallatin Patrocina un Museo de Arte Abstracto, " Life Magazine , Vol. 4, No. 18, 2 de mayo de 1938, p. 42)
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- ↑ [A] t de Mortimer Brandt, llegamos al final no objetivo de la gama de nuestra semana: un gran grupo de pinturas de AE Gallatin, quien se ha convertido en un exponente impresionante de esta forma de abstracción. ... El trabajo de Gallatin es refrescantemente individual. Los diseños decorativos son vigorosos y están pintados por expertos, entre los puntos destacados se encuentran "Composición en azul", "Construcción con rojo" y "Estudio de París" ... "(" Arte expresionista "POR Edward Alden Jewell, New York Times , 11 de febrero , 1945, pág. X8)
- ↑ Sin embargo, agregó que las pinturas de Gallatin comenzaban a mostrar referencias del mundo real: "En Durand-Ruel, Albert Eugene Gallatin es todo pulcritud y suave decoro razonable: Gallatin, que se había convertido con tanta seguridad en el intransigente no objetivista. ¿Están en marcha aquí? Como Morris, como Shaw, Gallatin parece estar en proceso de retroceder de lo no objetivo al naturalismo. Todavía no es un barrido limpio, pero "Still Life No. 1" y "Miss Glutts" han abandonado palpablemente el no objetivo. y su objetivo parece ser Milton Avery. ¿Las maravillas nunca cesarán? "(" Museum Displays Non-Objective Art: Abstract Artists Open Annual Event at Riverside "por Edward Alden Jewell, New York Times, 1 de abril de 1947, p. 13)
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- ↑ Tanto en 1937 como en 1944, Gallatin donó al Berkshire Museum obras que había comprado a miembros del grupo American Abstract Artists.
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Fue alumno del profesor Michael Pupin [en la Universidad de Columbia] ... quien consideraba al Sr. Gallatin uno de sus estudiantes más brillantes. El Sr. Gallatin abandonó sus actividades científicas en 1901 cuando ayudó a fundar la empresa Smith & Gallatin ... En 1912 se casó con la Srta. Beatrice Quennell, quien sobrevive. No tuvieron hijos.
- ^ [1] . HG Fischer, 'The Gallatin Egyptian Collection' Metropolitan Museum Bulletin, marzo de 1967, págs. 253-63.
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Los artículos aparecieron originalmente en The International Studio, The Lamp, The Critic, The Weekly Critical Review of Paris y The Literary Collector.
Otras lecturas
- Colección AE Gallatin, "Museo de Arte Vivo". Filadelfia: Museo de Arte de Filadelfia, 1954 (primera edición: Universidad de Nueva York, 1930)
- Balken, Debra Bricker. Albert Eugene Gallatin y su círculo. Catálogo de exposiciones. Coral Gables, Fla .: Lowe Art Museum, Universidad de Miami, 1986
- Balken, Debra Bricker y Robert S. Lubar. Los cubistas de Park Avenue: Gallatin, Morris, Frelinghuysen y Shaw. Aldershot, Inglaterra: Ashgate, en asociación con Grey Art Gallery, NYU, 2002
- D'Harnoncourt, Anne. "AE Gallatin y los Arensberg: pioneros coleccionistas de arte del siglo XX". Apollo, NS 99, No. 149 (julio de 1974): 52–61
- Galligan, Gregory. El cubo en el caleidoscopio: la recepción estadounidense del cubismo francés, 1918-1938. Doctor. tesis — Instituto de Bellas Artes, NYU, 2007
- Larsen, Susan C. "El 'cubista de Park Avenue' que fue al centro". Art News 77, No. 10 (diciembre de 1978): 80–82
- Stavitsky, Gail. "El desarrollo, institucionalización e impacto de la colección de arte moderno AE Gallatin". Doctor. disertación, Instituto de Bellas Artes, Universidad de Nueva York, 1990
- Stavitsky, Gail. "Galería y Museo de Arte Vivo de AE Gallatin (1927-1943)". American Art 7, No. 2 (primavera de 1993): 47–63
- Stavitsky, Gail. "La colección AE Gallatin: una temprana aventura en el arte moderno". Boletín del Museo de Arte de Filadelfia 89 (1994): 3–47
- Wainwright, Alexander D. "Una lista de verificación de los escritos de Albert Eugene Gallatin", Crónica 14 de la Biblioteca de la Universidad de Princeton, No. 3 (primavera de 1953): 141–51
enlaces externos
- Obras de o sobre Albert Eugene Gallatin en Internet Archive