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Los elementos y principios del diseño visual describen ideas fundamentales sobre la práctica del diseño visual .
Los elementos de diseño son las unidades básicas de cualquier diseño visual que forman su estructura y transmiten mensajes visuales. [1] [2] Pintor y teórico del diseño Maitland E. Graves (1902-1978), quien intentó gestar los principios fundamentales del orden estético en el diseño visual, [3] en su libro, El arte del color y el diseño (1941) , definió los elementos del diseño como línea, dirección, forma , tamaño , textura , valor y color , concluyendo que "estos elementos son los materiales con los que se construyen todos los diseños". [4]
El color es el resultado de la luz reflejada de un objeto a nuestros ojos. [5] El color que perciben nuestros ojos está determinado por el pigmento del objeto en sí. [5] A menudo se hace referencia a la teoría del color y la rueda de colores cuando se estudian combinaciones de colores en el diseño visual. [6] A menudo se considera que el color es un elemento importante del diseño, ya que es un lenguaje universal que presenta las innumerables posibilidades de la comunicación visual. [7]
El tono , la saturación y el brillo son las tres características que describen el color. [8]
La teoría del color estudia la mezcla de colores y las combinaciones de colores. Es una de las primeras cosas que marcó un enfoque de diseño progresivo. [7] En el diseño visual, los diseñadores se refieren a la teoría del color como un cuerpo de orientación práctica para lograr ciertos impactos visuales con combinaciones de colores específicas. [ cita requerida ] El conocimiento teórico del color se implementa en los diseños para lograr un diseño de color exitoso. [10]
La armonía del color , a menudo denominada "medida de la estética", [10] estudia qué combinaciones de colores son armoniosas y agradables a la vista y cuáles no. [8] La armonía del color es una preocupación principal para los diseñadores, dado que los colores siempre existen en presencia de otros colores en la forma o el espacio. [10]
Cuando un diseñador armoniza los colores, las relaciones entre un conjunto de colores se mejoran para aumentar la forma en que se complementan entre sí. Los colores se armonizan para lograr un efecto equilibrado, unificado y estéticamente agradable para el espectador. [8]
La armonía del color se logra de diversas formas, algunas de las cuales consisten en combinar un conjunto de colores que comparten el mismo tono, o un conjunto de colores que comparten los mismos valores para dos de las tres características de color (tono, saturación, brillo). . [8] La armonía del color también se puede lograr simplemente combinando colores que se consideran compatibles entre sí [8] como se representan en la rueda de colores .
Los contrastes de color se estudian con un par de colores, en contraposición a la armonía de colores, que estudia un conjunto de colores. En el contraste de color, dos colores con diferencias perceptibles en aspectos como la luminancia o la saturación, se colocan uno al lado del otro para crear contraste. [ cita requerida ]
Johannes Itten presentó siete tipos de contrastes de color: contraste de luz y oscuridad, contraste de tono, contraste de temperatura, contraste de saturación , contraste simultáneo, contraste de tamaños y contraste de complementario. [8] Estos siete tipos de contrastes de color han inspirado trabajos anteriores que incluían esquemas de color en el diseño. [8]
Los esquemas de color se definen como el conjunto de colores elegidos para un diseño. A menudo se componen de dos o más colores que se ven atractivos uno al lado del otro y que crean una sensación estética cuando se usan juntos. Los esquemas de color dependen de la armonía del color, ya que señalan qué colores se ven agradables uno al lado del otro. [10]
Un producto de diseño satisfactorio suele ir acompañado de una combinación de colores satisfactoria. Con el tiempo, se desarrollaron herramientas de diseño de color con la función de generar esquemas de color para facilitar la armonización del color para los diseñadores. [11]
La línea es un elemento de arte definido por un punto que se mueve en el espacio. Las líneas pueden ser verticales, horizontales, diagonales o curvas. Pueden tener cualquier ancho o textura, y pueden ser continuos, implícitos o rotos. Además de eso, existen diferentes tipos de líneas además de las mencionadas anteriormente. Por ejemplo, podría tener una línea horizontal y en zigzag o una línea vertical y en zigzag. Las diferentes líneas crean diferentes estados de ánimo, todo depende del estado de ánimo que estés usando para crear.
Un punto es básicamente el comienzo de "algo" en "nada". Obliga a la mente a pensar en su posición y le da algo sobre lo que construir tanto en la imaginación como en el espacio. Algunos puntos abstractos en un grupo pueden provocar que la imaginación humana lo vincule con formas o formas familiares.
Una forma se define como un área bidimensional que se destaca del espacio adyacente o alrededor de ella debido a un límite definido o implícito, o debido a diferencias de valor, color o textura. [13] Las formas son objetos y formas reconocibles [5] y generalmente se componen de otros elementos de diseño. [14]
Por ejemplo, un cuadrado que se dibuja en una hoja de papel se considera una forma. Se crea con una serie de líneas que sirven como límite que da forma al cuadrado y lo separa del espacio que lo rodea que no forma parte del cuadrado. [5]
Las formas geométricas o mecánicas son formas que se pueden dibujar con una regla o un compás, como cuadrados , círculos , triángulos , elipses , paralelogramos , estrellas , etc. [5] Las formas mecánicas, ya sean simples o complejas, producen una sensación de control y orden. [14]
Las formas orgánicas son formas irregulares [5] que a menudo son complejas y se parecen a las formas que se encuentran en la naturaleza . [14] Las formas orgánicas se pueden dibujar a mano, por lo que a veces son subjetivas y solo existen en la imaginación del artista. [5]
Las formas curvilíneas se componen de líneas curvas y bordes suaves. Emiten una sensación más natural a la forma. Por el contrario, las formas rectilíneas se componen de bordes afilados y ángulos rectos , y dan una sensación de orden en la composición . Parecen más hechos por humanos, estructurados y artificiales . Los artistas pueden optar por crear una composición que gire principalmente en torno a uno de estos estilos de forma, o pueden optar por combinar ambos. [5]
La textura se refiere a las cualidades físicas y visuales de una superficie. [ cita requerida ]
La textura táctil , también conocida como "textura real", se refiere a la textura física tridimensional de un objeto. La textura táctil se puede percibir mediante el sentido del tacto. Una persona puede sentir la textura táctil de una escultura al pasar la mano por su superficie y sentir sus crestas y abolladuras. [5]
La textura visual , también conocida como "textura implícita", no es detectable por nuestro sentido del tacto, sino por nuestro sentido de la vista. [ cita requerida ] La textura visual es la ilusión de una textura real en una superficie bidimensional. [5] Cualquier textura percibida en una imagen o fotografía es una textura visual. Una fotografía de corteza de árbol rugosa se considera una textura visual. Crea la impresión de una textura real en una superficie bidimensional que permanecerá suave al tacto sin importar cuán rugosa sea la textura representada. [14]
En pintura, se utilizan diferentes pinturas para lograr diferentes tipos de texturas. Las pinturas como el aceite , el acrílico y la encáustica son más espesas y opacas y se utilizan para crear impresiones tridimensionales en la superficie. Otras pinturas, como la acuarela , suelen utilizarse para texturas visuales, porque son más delgadas y tienen transparencia, y no dejan mucha textura táctil en la superficie. [5]
Muchas texturas parecen repetir el mismo motivo . [5] Cuando un motivo se repite una y otra vez en una superficie, da como resultado un patrón . [14] Los patrones se utilizan con frecuencia en el diseño de moda o el diseño textil , donde los motivos se repiten para crear patrones decorativos en telas u otros materiales textiles . [ cita requerida ] Los patrones también se utilizan en el diseño arquitectónico , donde se incorporan elementos estructurales decorativos como ventanas , columnas o frontones en el diseño de edificios. [cita requerida ]
En el diseño, el espacio se ocupa del área profunda en el momento del diseño designado, en el que se llevará a cabo el diseño. Para un diseño bidimensional, el espacio se refiere a crear la ilusión de una tercera dimensión en una superficie plana: [14]
En el diseño visual, la forma se describe como la forma en que un artista organiza los elementos en la totalidad de una composición. [5] También puede describirse como cualquier objeto tridimensional . La forma se puede medir, de arriba a abajo (altura), de lado a lado (ancho) y de atrás hacia adelante (profundidad). La forma también se define por la luz y la oscuridad. Puede definirse por la presencia de sombras en superficies o caras de un objeto. Hay dos tipos de forma, geométrica (artificial) y natural (forma orgánica). La forma se puede crear mediante la combinación de dos o más formas. Se puede realzar con tono, textura o color. Puede ilustrarse o construirse.
Principios aplicados a los elementos del diseño que los unen en un solo diseño. La forma en que se aplican estos principios determina qué tan exitoso puede ser un diseño. [1]
Según Alex White, autor de Los elementos del diseño gráfico , lograr la unidad visual es un objetivo principal del diseño gráfico. Cuando todos los elementos están de acuerdo, un diseño se considera unificado. Ninguna parte individual se considera más importante que el diseño completo. Debe establecerse un buen equilibrio entre unidad y variedad para evitar un diseño caótico o sin vida. [9]
Es un estado de tensión y equilibrio equilibrados, que no siempre puede ser tranquilo. [9]
Un buen diseño contiene elementos que guían al lector a través de cada elemento en orden de su importancia. El tipo y las imágenes deben expresarse empezando por las más importantes hasta las menos importantes. La dominancia se crea al contrastar el tamaño, la posición, el color, el estilo o la forma. El punto focal debe dominar el diseño con escala y contraste sin sacrificar la unidad del conjunto. [9]
Usar el tamaño relativo de los elementos entre sí puede llamar la atención sobre un punto focal. Cuando los elementos se diseñan más grandes que la vida, la escala se usa para mostrar dramatismo. [9]
Planear un diseño consistente y similar es un aspecto importante del trabajo de un diseñador para hacer visible su punto focal. Demasiada similitud es aburrida, pero sin similitud no existirán elementos importantes y una imagen sin contraste no tiene incidentes, por lo que la clave es encontrar el equilibrio entre similitud y contraste. [9]
Hay varias formas de desarrollar un entorno similar: [9]
El movimiento es el camino que toma el ojo del espectador a través de la obra de arte, a menudo hasta las áreas focales. Dicho movimiento se puede dirigir a lo largo de los bordes de las líneas, la forma y el color dentro de la obra de arte, y más.