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Heide Fasnacht
Nació12 de enero de 1951
Cleveland, Ohio , Estados Unidos
Nacionalidadamericano
EducaciónUniversidad de Nueva York , Escuela de Diseño de Rhode Island
Conocido porEscultura, dibujo, instalación, pintura
PremiosBeca Guggenheim , Premio Anonymous Was A Woman , Fundación Pollock-Krasner , Fundación Adolph y Esther Gottlieb , National Endowment for the Arts , Fundación Louis Comfort Tiffany
Sitio webHeide Fasnacht

Heide Fasnacht (nacida el 12 de enero de 1951) es una artista residente en la ciudad de Nueva York que trabaja en escultura, dibujo, pintura y arte de instalación . [1] [2] [3] Su trabajo explora estados de flujo, inestabilidad y transformación causados ​​por la acción humana (cambio arquitectónico y cultural, guerra, economía) y eventos naturales (clima, procesos geológicos). [4] [5] [6] Desde mediados de la década de 1990, se la conoce por esculturas y dibujos que recrean fenómenos momentáneos como estornudos, géiseres y demoliciones, a veces en forma abstracta o caricaturesca, que están temporal y espacialmente "congelados". por consideración de sus cualidades estéticas, perceptivas, sociales o sensoriales. [7] [8] [2]A finales de la década de 2010, amplió estos temas en pinturas que examinan sitios infantiles perdidos y descuidados, como parques infantiles y parques de atracciones. [9] [10] El crítico de ARTnews Ken Shulman ha descrito su trabajo como "trazar el diálogo fluido entre la segunda y la tercera dimensión, el movimiento y la inercia, la creación y la ruina". [11]

Heide Fasnacht, Demo , polvo de grafito en mate medio sobre neopreno y espuma de poliestireno, 112 "x 125" x 120 ", 2000.

Fasnacht ha sido reconocida con una beca Guggenheim y premios de la Fundación Pollock-Krasner , la Fundación Adolph y Esther Gottlieb , la Fundación Nacional para las Artes y Anonymous Was A Woman , entre otros. [12] [13] [14] [10] Su trabajo pertenece a las colecciones permanentes de instituciones como el Museo de Brooklyn , el Museo de Bellas Artes, Boston , el Museo de Arte de Filadelfia y el Centro de Arte Walker . [15] [16] [17] [18]

Trabajo y recepción

Después de recibir un reconocimiento temprano por su escultura abstracta en la década de 1980, Fasnacht comenzó a crear esculturas de tipo stop-action y dibujos precisos de eventos efímeros, repentinos o violentos a mediados de la década de 1990, basados ​​en fotografías de libros de texto y revistas de ciencia fechados. [19] [20] [21] [1] Los críticos los relacionaron con el trabajo de Gerhard Richter , Sigmar Polke y Vija Celmins , pero distinguieron a Fasnacht por su traducción de fuentes bidimensionales en escultura (en lugar de pintura) que fue "enfáticamente hecha a mano "y abierto a la fantasía, el deslizamiento de significado y la abstracción. [22] [23] [2]

La obra de Fasnacht juega con el espacio, la escala y el tiempo y, en este sentido, se relaciona con el arte de la década de 1970 que se dedicó a exploraciones fenomenológicas de la experiencia, la percepción y la objetividad. [24] [11] [2] Nancy Princethal señala su enfoque en eventos que "caen en el umbral de la visibilidad, en el ámbito de las cosas que, aunque no son imperceptibles, son más o menos imposibles de visualizar de una manera estable y convencional". [4] Trabajando en la mesa a una escala mayor que la humana, Fasnacht ha representado eventos cataclísmicos en miniatura y experiencias menores (por ejemplo, estornudos) con gran aumento, creando disonancias que dan ambigüedad moral, paradoja y un sentido del absurdo. a su arte. [7] [5]La suspensión del tiempo de su obra convierte momentos de violencia, pérdida o catarsis en objetos de contemplación —de placer visual, peligro, asombro, estimulación intelectual, presentimiento o, paradójicamente, humor— que Raphael Rubinstein describió como "una especie de poética de la catástrofe". [22] [7] [24] Sus pinturas posteriores abordan el tiempo de manera diferente, colapsando el cambio y la pérdida en el entorno construido a lo largo de décadas en imágenes individuales. [9]

Escultura abstracta (1977-1995)

Fasnacht trabajó inicialmente dentro de los materiales y el lenguaje orientado al proceso del posminimalismo , produciendo relieves murales abstractos de medios mixtos que también fueron informados por la geometría constructivista y el arte africano . [25] [26] [27] [1] A menudo consistían en planos construidos de madera laminada en bruto, pintada y envejecida en combinaciones de conos, óvalos en ejes inclinados, globos o espirales que The New York Times describió como llenos de energía, impulsiva y bailarina. [28] [29] [25] [30] A finales de la década de 1980, cambió a obras independientes, puntiagudas, esqueléticas y similares a una máquina que los críticos relacionaron con las primerasinterés modernista por los circos, espectáculos y espectáculos. [31] [32] Su trabajo de principios de la década de 1990 marcó un giro hacia el cuerpo humano, con objetos lentos y pensativos hechos de hierro oxidado o láminas de goma gruesa cuyas formas colgantes evocaban lenguas ( Terra Lingua , 1990) o descamación de la piel. [28] [33]

Heide Fasnacht, Jump Zone , cinta de vinilo, espuma de poliestireno y neopreno, 180 "x 204" x 180 ", 2008. Instalado en la Academia Estadounidense de Artes y Letras, Ciudad de Nueva York.

Trabajo basado en la fotografía (1996–)

Fasnacht rompió con el trabajo abiertamente abstracto alrededor de 1996 en relieves de pared de transición que usaban representaciones esquemáticas preexistentes y fotografías de cúmulos de estrellas o masas terrestres como punto de partida (por ejemplo, Atractores extraños , 1997). [4] [22] [2] [34] En esculturas y dibujos posteriores, tomó prestado de fotografías de stop-action de fuerzas explosivas que involucran viento, aire, movimiento y espacio. [2] Entre los primeros se encontraba Little Sneeze (1997), una delicada escultura con grupos de polímero blanco y negro coagulados alrededor de vectores radiantes de alambre, que salían de una pared. [1] [23]Este trabajo se convirtió en obras más grandes creadas mediante la pulverización de neopreno a través de una malla de alambre que brotó de los pisos de una manera más rebelde: el Big Bang revestido de grafito (1998) y Explosion (1998), que delineó diferentes tipos de humo en negro, gris y blanco. . [4] [22]

Más tarde, dos obras similares a instalaciones de 2000 se destacaron por su extraña calidad profética a la luz de los posteriores ataques del 11 de septiembre . [7] [22] [35] Demo congeló la implosión de un edificio en el aire, completo con ladrillos caídos ennegrecidos de textura alta y letras de señalización, fragmentos voladores y humo de neopreno rezumado que se asemeja a palomitas de maíz; [24] hace referencia a puntos de referencia desaparecidos de la década de 1950 del medio oeste nativo de Fasnacht . [4] [22] El avión explosivo más violento e inquietante ofrece una compleja sensación de espacio, atrayendo los ojos de los espectadores hacia, alrededor y a través de la obra y sus partes dispersas de color gris aluminio (incluidas las maletas) suspendidas en el aire.[36] [4] [3] [37] Después del 11 de septiembre, Fasnacht pasó de las explosiones a dibujos más festivos y meditativos de desfiles cívicos y fuegos artificiales, botellas de champán que explotaban y sucesos de agua que sugerían tanto luto como renovación. [22] [7] [38]

Entre 2005 y 2008, Fasnacht creó una serie de dibujos / instalaciones de paredes y pisos perceptualmente desafiantes ejecutados en cinta, que colapsaron galerías y espacios de dibujo con efectos ópticos anamórficos que se leen como representaciones arquitectónicas desmaterializadas. [38] [3] [11] [39] La pieza central de un espectáculo, Jump Zone (2005–8), ocupaba una esquina, explotando la perspectiva y la ilusión visual para sugerir un objeto sólido tridimensional que explota hacia afuera con vigas voladoras y humo y detritos similares a palomitas de maíz; [38] ARTnews lo describió como una "representación magistral de la ansiedad y la desorientación". [11] Obras similares incluyen New City(2007), que presentaba tres dibujos de pared de edificios esqueléticos de una habitación en despiece con vigas, vigas y revestimiento parcial visibles, y Stack (2008, Smack Mellon ), que se extendía desde las paredes de las esquinas hasta el piso de la galería. [39] [40] [41]

De 2008 a 2012, Fasnacht investigó y examinó el hurto histórico y la destrucción de materiales artísticos y culturales durante tiempos de guerra y represión autoritaria, desde la Segunda Guerra Mundial hasta la destrucción de los Budas de Bamiyán por los talibanes . [42] [43] Este trabajo culminó con su exposición "Loot" (Kent Gallery, 2012), que presentaba imágenes históricas en blanco y negro de artefactos incautados y efectos personales, almacenes y escombros que alteró y recortó digitalmente. en formatos desde pequeñas piezas enmarcadas hasta instalaciones de tamaño mural. [42] [43] [8]

Heide Fasnacht, Turbulence , pintura acrílica sobre foto manipulada montada sobre panel de madera, 48 "x 60", 2019.

En trabajos posteriores, Fasnacht continuó explorando la inestabilidad arquitectónica, geológica y cultural. [44] Suspect Terrain (2014-5) fue una instalación temporal de 15 metros de ancho encargada para el Parque de Esculturas Sócrates, que se deriva de una fotografía de un enorme sumidero que se abrió en Guangzhou, China. [45] [44] Se construyó con placas de madera contrachapada dentadas, inclinadas centrífugamente sobre puntales expuestos, de los cuales parece hundirse una casa de techo puntiagudo sombreada con puntos rasterizados y rodeada de grietas pintadas colocadas irregularmente. [6] [8]Al funcionar como un patio de recreo o escenario de baja tecnología, brindó a los espectadores la experiencia visceral y no prescrita de atravesar de manera segura un desastre natural, mientras utilizaba la tectónica de placas como un medio para cuestionar las nociones de estabilidad, la confiabilidad de las apariencias y la percepción. [6] New Frontier (2015) y Sands Debris (2017-18) describieron las secuelas de dos demoliciones de hoteles / casinos en Las Vegas, haciendo referencia a la transformación de materiales y la volatilidad de las economías y la arquitectura en auge. [44] [8]

Obras en papel (1996–)

Fasnacht ha realizado dibujos consistentemente junto con series de esculturas e instalaciones paralelas, en lugar de prepararse para ellas. [23] [22] [46] Sus dibujos se han destacado por su refinamiento, habilidad de dibujo y marcación variada, que puede incluir rayado, puntos renderizados como papel de periódico y agujeros reales, entre otras técnicas. [23] [47] Los críticos los han comparado con los paisajes impresionistas o las pinturas en cuadrícula de Agnes Martin que se metamorfosean al examinarlas de cerca, los híbridos pop-conceptualistas de Sigmar Polke y los dibujos de Alberto Giacometti , que hacen que las cualidades transitorias sean escultóricas o estables. [22] [4] [23]Su serie de dibujos incluye: "REM" (1996–7), obras de grafito en forma de constelación basadas en gráficos de movimientos oculares observados en espectadores de pinturas famosas; el lápiz de color y grafito "Explosions / Implosions" (1997-2003); "The ERR Project" (2007–8), que muestra artefactos saqueados en cinta de artista y texturas de transferencia seca en vitela; el grafito y lápiz de color "Quema de libros" (2009-2013); y los "Casinos" y "Casino Countdownns" (2015–7), con lápiz de color y grafito, que representan los sitios de demolición, los fuegos artificiales y los espectáculos de luces de Las Vegas. [23] [22] [7] [39]

Pinturas (2018–)

En 2018, Fasnacht regresó a su primer medio de pintura, produciendo obras inquietantes de técnicas mixtas basadas en fotografías que exploran los cambios en el entorno construido a lo largo del tiempo. [48] [9] Sus series "Dead Resorts" y "Lost Architecture" (ambas de 2018) presentaban edificios, centros comerciales, parques temáticos y bares que se dibujaban y pintaban en una variedad de superficies (baldosas de colores, vinilo, madera , Poliestireno, cartón) en forma lírica o gráfica, similar a un plano. [49]

Heide Fasnacht, Turbulence , pintura acrílica sobre foto manipulada montada sobre panel de madera, 48 "x 60", 2019.

La serie "Playgrounds & -topias" (2019-20) se centra en los fantasmas de los lugares rurales o suburbanos de juegos infantiles de las décadas de 1950 y 1960: columpios, balancines, montañas rusas y gimnasios en la jungla que exploran la memoria y la falibilidad, la posibilidad y el peligro, la pérdida. y "reminiscencias no reclamadas", según Nancy Princenthal. [9] [48] Las pinturas grandes, a menudo nocturnas, conservan el interés de Fasnacht en la disolución de la materia y la cinética; transmiten una sensación corporal de euforia que desafía la gravedad modulada por la nostalgia y la melancolía, así como la desorientación creada por espacios distorsionados que se mueven, ruedan y, a veces, se disuelven en la nieve de las viejas pantallas de televisión. [9]Pintadas sobre la base de impresiones de inyección de tinta en mosaico manipuladas digitalmente de imágenes de Internet, sus superficies se activan mediante pasajes en capas de pintura con pincel, elementos estructurales inventados y figuras teóricas ocasionales y esquemáticas. Obras como Big Jungle Gym e Invertigo A y B ofrecen enredos esqueléticos de barras como andamios, escaleras a ninguna parte y puntales, mientras que otras presentan las formas elípticas y enrolladas de las montañas rusas (por ejemplo, Turbulence o Alpen Geist ). [9] [48]

Educación y carrera

Fasnacht nació en Cleveland, Ohio en 1951 y estudió arte en la Escuela de Diseño de Rhode Island y en la Universidad de Nueva York . [50] Comenzó a exhibir regularmente con su primera exposición individual en PS1 en 1979, seguida de otras en el Centro de Arte Contemporáneo de Cleveland , la Galería Vanderwoude-Tananbaum y la Galería Germans van Eck (ambas en Nueva York) en su primera década. [18] [51] [52] Posteriormente tuvo exposiciones individuales en la Galería Bernard Toale (Boston, 1996-2007), [3] [38] Galería Bill Maynes (1997-2000) y Kent Gallery (2003-12) en Nueva York, [53] [54] Worcester Art Museum (2000) y Virginia Commonwealth University (2004, retrospectiva a mitad de carrera), entre otros. [55] [56] Ha aparecido en Documenta 6 y exposiciones colectivas en el Museo de Arte Moderno , [57] Museo Whitney en el Centro Equitable, [30] Museo de Arte Contemporáneo Aldrich y Centro de Escultura . [58] [10] Ha enseñado bellas artes en Parsons the New School for Design desde 1995 y ha sido instructora en UCLA , Princeton University , Harvard University yCompra SUNY . [50] [18]

Premios y colecciones

Fasnacht ha recibido el premio Anonymous Was A Woman Award (2019), una beca Guggenheim (1990) y premios de la Fundación Pollock-Krasner (2010, 1999), la Fundación para las Artes de Nueva York (2007), la Fundación Adolph y Esther Gottlieb ( 2001), National Endowment for the Arts (1994, 1990) y Louis Comfort Tiffany Foundation (1986), entre otros. [12] [13] [14] [10] Ha recibido residencias de artistas de organizaciones como MacDowell Colony , la Fundación Rockefeller (Bellagio), el Museo Isabella Stewart Gardner , la Fundación Edward F. Albee y Yaddo . [59] [60][61] [10] Su trabajo pertenece a las colecciones del museo permanente del Museo de Brooklyn, [15] Museo de Bellas Artes, Boston, [16] Museo de Arte de Filadelfia, [17] Centro de Arte Walker, Aargauer Kunsthaus (Suiza), Cincinnati Museum of Art , Columbus Museum of Art , Dallas Museum of Art , [62] Fogg Art Museum , [63] High Museum of Art , [64] Museum Arnhem (Países Bajos), [65] Museum of Contemporary Art San Diego , Rose Museo de Arte , [66] Museo de Arte de Santa Bárbara ,[67] y Fundacio Sorigue (España), entre otros. [18]

Referencias

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Enlaces externos

  • Sitio web de Heide Fasnacht
  • Heide Fasnacht , Una pregunta, Tumba de Romanov, 2015