Jacobello del Fiore (c. 1370 - 1439) fue un artista veneciano de finales del siglo XIV y principios del XV. [1] Su obra temprana es de estilo gótico tardío popularizado por Altichiero da Verona y Jacopo Avanzi , dos de sus contemporáneos, mientras que su obra madura muestra un estilo veneciano local establecido por la escuela de Paolo Veneziano , un artista y propietario de un taller con notable Inspiración bizantina en su obra. [1] Este regreso estilístico a sus raíces lo distingue de Niccolò di Pietro y Zanino di Pietro, contemporáneos venecianos con los que a menudo se le asocia. [1]Durante su vida, recibió encargos principalmente en la costa del Adriático y en Venecia . [2]
Jacobello del Fiore | |
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Nació | C. 1370 |
Fallecido | C. 1439 |
Nacionalidad | italiano |
Conocido por | Cuadro |
Estilo | Gótico al principio de su carrera, se volvió más moderno |
Movimiento | Renacimiento |
Vida temprana y obras
Nacimiento y familia
Es probable que Jacobello del Fiore haya nacido alrededor de 1375, ya que en el momento de su matrimonio en 1394, todavía estaba bajo la tutela de su padre, Francesco del Fiore. [3] Si bien se sabe que Jacobello del Fiore se casó en 1394, se desconoce la identidad de su cónyuge, así como si tuvo hijos o no. El padre de Jacobello, Francesco, era pintor él mismo: en 1376 está documentado en un contrato como director de la cofradía u organización dedicada al reconocimiento de las obras cristianas de caridad, Scuola dei Pittori. [4] Francesco dirigió un taller que incluía a Jacobello y sus dos hermanos, Nicola (que murió en 1404, cuando Jacobello tenía veinte o treinta años) y Pietro. [4]
El "Maestro de la Madonna Giovaneli"
Si bien la obra más antigua y confirmada de Jacobello está fechada en 1407, se cree que es el pintor de una pieza de Crucifixión en la Colección Matthiesen y la Virgen y el Niño de Piazzo Giovaneli, ambos pintados a fines del siglo XIV. [5] El Crucifijo fue un tema común en las primeras obras de Jacobello, aunque como tema fue un enfoque bastante común de muchos pintores de la época. [6] El historiador de arte Andrea de Marchi fue el primero en sugerir que un solo autor era el responsable de estas pinturas 'neo- giottoescas ' inspiradas en los pintores del continente Altichiero y Jacopo Avanzi y acuñó el nombre desconocido del autor como "Maestro de la Madonna Giovaneli". [7] En la crucifixión de Matthiesen , Cristo está colgado de su cruz en el centro de la escena, dividiendo a los seguidores de Cristo a la izquierda con los soldados a la derecha. [8] Estos detalles revelan que el autor del cuadro debe haber estado familiarizado con el movimiento gótico tardío del continente y tener formación veneciana también, debido a la representación de Longinus que lanza a Cristo y al centurión que ordena romperle las piernas. , dos figuras que también aparecen en la Crucifixión de Altichiero en el Oratorio de San Giorgio, y también la muralla de la ciudad que cierra la escena, técnica utilizada por Paolo Veneziano. [9] De manera similar, el historiador de arte Carlo Volpe señaló que una serie de pequeños paneles de Pasión pintados en la década de 1390 - Agonía en el jardín (Galería de imágenes del Vaticano), Lamentación (Galería de imágenes del Vaticano), Camino al Calvario (Colección Real Británica) y Arresto de Cristo ( colección privada): comparte una influencia paduana y una similitud estilística con la de la crucifixión de Matthiesen ". [10] De Marchi también atribuye La Virgen de la Humildad en un museo provincial de Lecce al" Maestro de la Madonna Giovaneli ". , [7] conectando así este trabajo con la Crucifixión de Matthiesen y los paneles de la Pasión también.
En 1401, Jacobello envió un políptico , que desde entonces se perdió, a la iglesia de San Cassiano en Pesaro , donde fue visto por el historiador de arte del siglo XVIII Luigi Lanzi . [11] La Virgen de la Humildad en Lecce, según la historiadora del arte Illeana Chiappini di Sorio, bien pudo haber pertenecido a este políptico. [12] Así, la Madonna de la Humildad , según la hipótesis del historiador de arte Daniele Benati, conecta todas las obras anteriores del "Maestro de la Madonna Giovaneli" con nada menos que Jacobello del Fiore.
Una progresión en estilo
El año 1401 marca una transición en la carrera de Jacobello de un estilo gótico más arcaico, utilizado en la última década del Trecento y capturado en la Crucifixión de Matthiesen , a un estilo más moderno preocupado por la línea , como se ve en la Madonna de Giovaneli y la Crucifixión con Los dolientes y los santos en una colección privada francesa. [13] Este último, como enfatiza De Marchi, todavía se deriva de Altichiero y Jacopo Avanzi, pero va más allá del estilo más severo de la crucifixión de Matthiesen al emplear una flexibilidad gótica más laxa. [14] Ambas obras probablemente fueron pintadas entre 1401 y 1407, la fecha de la primera pintura verificada que sobrevive de Jacobello. [13]
La crucifixión de Matthiesen contiene alusiones a Jerusalén y a imágenes bíblicas como el Gólgota , el lugar donde crucificaron a Jesús . El estilo gótico más antiguo que Jacobello usaba a menudo, ejemplificado por la crucifixión de Matthiesen , se caracteriza por una composición y presentación distintas de figuras en la vista frontal o lateral, líneas amplias y colores vivos, aunque el esquema de la crucifixión de Matthiesen es especialmente brillante. [3]
En 1407, Jacobello pintó un tríptico de la Virgen de la Misericordia con los santos Santiago y Antonio Abad que ahora residen en la iglesia de Santa Maria delle Grazie en Pesaro, pero originalmente para la iglesia de Santa María en Montegranaro . [11] Este tríptico, según Benati, revela el interés de Jacobello por las últimas tendencias artísticas: su técnica y estilo están al día, y la nariz pellizcada de la Virgen apunta a la influencia de Michelino da Besozzo de Lombard . [15] Influencias similares encontradas en el tríptico de la Adoración de los Magos de Jacobello en Estocolmo, Nationalmuseum , lo ubican cronológicamente cerca del tríptico de la Virgen de la Misericordia . [15]
Se cree que en 1408 Jacobello completó otra escena de crucifixión con la ayuda del tallador de madera Antonio di Bonvesin para una iglesia parroquial en Casteldimezzo en Pesaro. [11] Se cree que al año siguiente pintó una tavola para Pesaro, vista por primera vez por Lanzi y luego identificada hipotéticamente por el crítico de arte Keith Christiansen como perteneciente al Políptico de la Beata Michelina. [16] Estas dos pinturas demuestran su creciente reputación profesional lograda antes de la muerte de su padre en 1409-1411. [11]
Comisión del Palacio Ducal
Como prueba de su prominencia, en 1412 la firma veneciana contrató a Jacobello con un salario anual de cien ducados , un estipendio que luego se redujo a 50 ducados debido a la guerra de Venecia con Dalmacia . [17]
Entre 1409 y 1415, se cree que Jacobello recibió el encargo de decorar la Sala del Maggior Consiglio (Salón del Gran Consejo) en el Palacio Ducal , lo que lo puso en contacto directo con pintores avanzados del continente como Gentile da Fabriano , Pisanello y Michelino. da Besozzo . [18] La influencia de Fabriano y Michelino se puede ver en el Políptico de la Beata Michelina de Jacobello de 1409 y en la posterior Virgen de la Misericordia entre los santos Juan Bautista y Juan Evangelista en la Academia de Venecia , probablemente pintado a mediados de la década de 1410. . [19] La influencia de Michelino se puede ver en el infante de extremidades gruesas y áreas de decoración de pastiglia en relieve en la Virgen de la Misericordia y adicionalmente en el León de San Marcos de 1415 (in situ) , específicamente en la cola abstracta y alas decorativas del animal. [18]
La influencia de Fabriano se puede ver en el uso que hace Jacobello de cortinas lujosas y sofisticación decorativa; sin embargo, en lugar de adoptar la atención empírica de Fabriano al detalle de la naturaleza y la estructura de la superficie, Jacobello, como señaló Benati, mantuvo un uso estilizado y abstracto de la línea y la devoción por las apariencias metálicas, dando a su trabajo una apariencia heráldica . [19] Esta decisión consciente, como sostiene Benati, marca un cambio en el estilo de Jacobello que regresa lealmente a sus primeras influencias de la tradición local de Trecento de Lorenzo Veneziano . [19]
Trabajos posteriores y años finales
La vida de Santa Lucía, el Memorial de Francesco y los últimos años
Encargado para la localidad costera adriática de Fermo , este retablo (Museo Cívico, Fermo) se considera su obra maestra. [18] El primer registro de la obra data de 1763 cuando se registró en el inventario de la iglesia de Santa Lucía en Fermo. [20] Las pinturas, restauradas en 1950, resaltan la belleza refulgente del estilo gótico que no intenta ser naturalista. [20] En cambio, Jacobello regresa al estilo narrativo de Paolo Veneziano y sus raíces venecianas en lugar de moverse en la misma dirección que Gentile y Pisanello. [18]
Las ocho escenas del retablo representan a Santa Lucía visitando la tumba de Santa Águeda, distribuyendo sus posesiones a los pobres, negándose a sacrificar a los ídolos, resistiendo el tirón de los bueyes a un burdel, ardiendo en la hoguera, siendo apuñalada en la garganta, recibiendo Sagrada Comunión antes de la muerte y, finalmente, ser colocada en su tumba. [18] Jacobello ubica las tres primeras escenas en medio de la arquitectura de estilo gótico y las últimas cinco escenas en espacios abiertos con rocas y pasto, que en su detalle recuerdan los tapices franceses tejidos al estilo mille-fleurs . [20] Además, Jacobello captura la extravagancia del atuendo del siglo XV en la quinta escena que muestra su fallida quema en la hoguera. [20]
En 1433 Jacobello erigió una tumba en dedicación a su padre Francesco en San Giovanni e Paolo (ahora perdido). [21] Jacobello vistió la efigie de su padre con una túnica larga para enfatizar su prestigio social. [21] Benati señala que este monumento de piedra no solo destaca la elevación de los artistas en ese día de simples artesanos a miembros venerados de la sociedad, sino que también celebra la vocación de la pintura, una profesión que en 1433 le había dado a Jacobello mucha riqueza y celebridad. [21]
Benati concluye: "Fue Jacobello quien tuvo que afrontar el desafío de renovar gradualmente la cultura figurativa local desde dentro, y quien finalmente logró conectar el hilo que la unía a sus principios del siglo XIV. A la luz de su adhesión juvenil a el estilo neo-giottoico paduano, podemos comprender mejor cuán agudamente, a partir de 1407, trató de adaptar la novedad del estilo gótico tardío lombardo a las sensibilidades locales ". [22]
Se cree que durante la década de 1430 fue mentor de un joven Carlo Crivelli , que más tarde sería conocido por sus pequeñas y coloridas temperas de paisajes, frutas, flores y otros accesorios. [23] El hijo adoptivo de Jacobello, Ercole del Fiore, aparece en un registro de 1461 que declara su vocación como pintor. Jacobello murió en 1439 a los sesenta años.
Lista de obras con descripciones técnicas
La Virgen y el Niño [25]
Madonna and Child es una pintura que se alinea con sus contemporáneos y es comparable a ellos. Por ejemplo, se espera que la forma en que retrata al niño sea grosera: el niño parece una persona adulta que ha sido reducida y encogida en proporción a María. Esto se debe en parte al hecho de que las representaciones de niños en el Renacimiento eran menos sofisticadas que las representaciones de adultos. [ cita requerida ]
Sin embargo, los historiadores del arte han notado que el estado de ánimo general de la Virgen María y el niño Jesús es inesperadamente tierno y amoroso en comparación con las obras bizantinas que evoca esta pieza. [ cita requerida ] La postura de María es menos rígida que en la mayoría de las representaciones: se vuelve ligeramente hacia Jesús y lo mira, dos características que rara vez se encuentran en las obras que Jacobello habría considerado como inspiración. En cuanto al propio niño Jesús, su postura es desenfadada y extiende una mano a su madre, también en contraste con el precedente de otros cuadros. Estas elecciones estilísticas distinguen la obra de Jacobello de la de sus contemporáneos, así como de la de modelos bizantinos anteriores. [ cita requerida ]
El panel sobre el que se creó esta pintura está adornado con tallas especiales, intrincadas y ornamentales en lugar de un fondo pintado. Una capa lisa de oro llena la mayor parte del espacio alrededor de la Virgen María y Jesús. Jacobello opta por usar colores sólidos y formar patrones e interés visual a través del tallado en lugar de un paisaje pintado como fondo, aunque la vegetación y el follaje todavía están presentes en la pintura. Los halos están representados por tallas ligeras alrededor de las cabezas de las figuras.
Como ocurre con muchas de las obras de Jacobello, el sombreado de los sujetos de esta pintura no parece provenir de una fuente de luz realista o singular. Esto era común entre las pinturas de este período, ya que la iluminación y el sombreado realistas en la pintura mediante la consideración de una fuente de luz aún no se habían popularizado ampliamente. [ cita requerida ] Justo cuando se avanza en la representación de la ropa y la tela, la representación del follaje y las plantas como paisaje es plana y bidimensional considerando las influencias bizantinas de esta pintura. Las piernas de la Virgen María son desproporcionadamente largas. [ cita requerida ]
Crucifixión [25]
Los historiadores del arte suponen ampliamente que la crucifixión fue una sola parte de una obra o retablo mayor. Jesús se presenta en el mismo plano que todas las demás figuras de la pintura, sin embargo, parece ser mucho más grande que cualquier otra persona en el cuadro. El dominio proporcional de Cristo de la composición ejemplifica una técnica renacentista común utilizada para poner énfasis en un tema. La mayor parte del color brillante de esta pieza proviene de la ropa, que van desde tonos rojos hasta azules y naranjas. El color de la ropa se ve especialmente acentuado por los tonos de piel de las figuras, que se han ido apagando y desvaneciendo con el tiempo.
Si bien la plétora de personas que rodean a Jesús puede parecer una multitud distribuida al azar, en realidad están ubicadas en una especie de continuo o línea de tiempo, e incluyen personas importantes como San Juan y María Magdalena. Las figuras tienen un significado secuencial y cronológico cuando se ven de izquierda a derecha, ya que cuentan la historia que condujo a la crucifixión representada en la pintura. La composición muestra un uso rudimentario de la perspectiva: si bien no parece haber un conjunto o punto de fuga estándar o línea de horizonte, la madera de la cruz y la piedra del muro detrás de Cristo parecen tener profundidad. Las rocas presentes en el primer plano de la pieza se desarrollan de forma realista en cuanto a sombreado.
La crucifixión ilustra y muestra el nivel de competencia de Jacobello con respecto a la anatomía humana y sus intentos de colocar figuras en posiciones más naturales o realistas que en el pasado. Esta pieza, una de las más famosas, es utilizada por los historiadores del arte para demostrar la progresión de Jacobello, y los primeros intentos se separan de los estilos artísticos bizantinos que lo precedieron.
Virgen y niño
La Virgen y el Niño es considerada por los historiadores del arte como una de las obras más importantes y definitorias de Jacobello. Utiliza lo que pueden ser las proporciones más realistas para los seres humanos en todo el cuerpo de trabajo de Jacobello, a pesar de que se produjo durante una fase en la que sus obras de arte se inspiraron en las sensibilidades bizantinas de los artistas venecianos de principios del siglo XIV. La representación del niño Jesús en esta obra es inusualmente realista y está proporcionada con precisión a cómo se vería y se posaría un niño pequeño frente a su madre.
Aunque la condición actual de la Virgen y el Niño es mala, los colores se han conservado bastante bien y conservan la vitalidad. En su estado original, se presume que La Virgen y el Niño fue una de las obras más brillantes de Jacobello, especialmente si se compara con los esquemas de color más oscuros de sus piezas posteriores de inspiración más gótica como Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel y Coronación de la Virgen . El brillo de esta pieza proviene principalmente de la vestimenta de la Virgen María y el niño Jesús. Mary luce un gran patrón audaz en una de sus telas, una característica única de esta pintura entre el repertorio de Jacobello. La Virgen y el Niño tiene un fondo dorado sólido, aunque no tiene un encuadre, tallado o patrón ornamental complejo como algunas de sus otras obras. Los halos se crean mediante texturizado en el panel.
Esta obra es importante en la carrera de Jacobello a los ojos de los historiadores del arte porque ilustra su progresión a través del tiempo y también muestra cómo fue influyente, ya que las obras de otros artistas como Antonio Vivarini y Giambono emulan esta obra de arte. [2]
Tríptico de la Madonna della Misericordia
El tríptico de la Madonna della Misericordia representa a la Virgen María en una posición central, flanqueada por un lado por San Juan Bautista y por el otro por San Juan Evangelista . La Virgen María tiene multitudes de personas que la rodean íntimamente. Las figuras ocupan poca profundidad, y el fondo dorado sólido liso tiene poca decoración ornamental en forma de talla o patrón.
Esta pieza representa el comienzo del regreso de Jacobello al estilo por el que originalmente tenía afinidad: el de la pintura veneciana de inspiración bizantina de principios del siglo XIV. La paleta de colores de esta obra y la forma en que se sombrean las figuras son más similares a algunas de las obras anteriores de Jacobello, como Crucifixión, que a sus obras de arte posteriores, más inspiradas en el gótico, como Justicia entre los arcángeles Miguel y Gabriel. Aunque los historiadores del arte consideran este movimiento una reversión a un estilo más antiguo por parte de Jacobello, no lo consideran una regresión en términos de aptitud técnica.
Los elementos de esta pieza que afirman las afirmaciones de estos historiadores del arte son la representación de la tela, el cabello y la piel, en comparación con las obras anteriores de Jacobello. La iluminación y el sombreado en esas prendas y telas son consistentes, las telas son más detalladas que en las otras piezas de Jacobello y las texturas sutiles distinguen una tela aterciopelada de una tela más sedosa. Se utilizan efectos adicionales como los andrajos deshilachados en la figura de la izquierda y detalles intrincados en el borde de algunas de las prendas.
La superficie rocosa en el lado izquierdo de la imagen se representa con habilidad, y se puede ver una mejora apreciable en la representación de la vegetación en esta pintura en comparación con la Virgen y el Niño . Dado que se desconoce cuándo se pintó la Virgen y el Niño , los historiadores del arte pueden usar el Tríptico de la Madonna della Misericordia como referencia para determinar que la Virgen y el Niño se completó antes de esta pintura. El follaje del Tríptico de la Madonna della Misericordia está coloreado con precisión, sombreado de manera realista y con las capas adecuadas. El cabello está rizado y estilizado, y la piel está representada de manera similar a su representación en las obras anteriores de Jacobello de este mismo estilo, excepto que aquí hay arrugas más realistas.
La composición de esta pieza favorece una sensibilidad de inspiración más bizantina por la forma en que las diferentes representaciones de figuras están delimitadas y seccionadas. La diferencia proporcional entre las representaciones de humanos es más drástica que en las otras obras de Jacobello. La gente común que rodea a la Virgen María es tan pequeña que la Virgen los protege debajo de su ropa. Las figuras están más estilizadas en sus proporciones corporales de lo habitual en Jacobello. Su exagerada delgadez se puede observar sobre todo en las piernas expuestas del santo de la izquierda. Los halos son menos etéreos que en las otras obras de Jacobello.
Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel
Pintado para el Magistrato del Proprio en el Palacio Ducal en 1421 (ahora en la Gallerie dell'Accademia , Venecia), y también conocido simplemente como El Tríptico de la Justicia , la Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel estableció un estilo distintivo que dictaba el estilo veneciano. pintando durante más de una década. [18] La figura central representa tanto a la justicia como a Venecia, con una escala en una mano y una espada de castigo en la otra. [18] El rollo detrás de su cabeza dice: "Cumpliré la amonestación de los ángeles y la santa palabra: amable con los piadosos, severo con los malos y altivo con los soberbios". [18] En el panel de la izquierda, San Miguel lucha contra un dragón y sostiene un pergamino que pide a Venecia / Justicia que "encomiende las almas purgadas a la balanza de la benignidad". [18] En el panel de la derecha, el ángel Gabriel se declara mensajero de María y le pide a Venecia que guíe a los hombres a través de la oscuridad. Como tribunal tanto civil como penal, esta comisión celebra ambas funciones del Magistrato del Proprio. [1] San Miguel de Giambono y el retablo de la Virgen con los santos de Michele di Matteo rinden homenaje a este tríptico, testimonio de su influencia. [18]
Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel es una de las obras más famosas de Jacobello. Es una de sus pinturas más largas, de más de 400 centímetros de ancho, y marca la cúspide de su cambio estilístico hacia una sensibilidad más gótica. Esto se puede notar en la composición, en la pose y exhibición de las figuras, y en otros detalles sutiles.
El cambio estilístico que experimentó Jacobello se puede atribuir, en opinión de muchos historiadores del arte, a Gentile de Fabriano, a quien la República de Venecia encargó pintar la Sala del Gran Consejo del Palacio de los Doges, que fueron líderes religiosos en Venecia. Cuando Gentile aceptó este trabajo, pintó con inspiración gótica cortesana. Este estilo influyó en muchos artistas que vivían en Venecia en ese momento y que, hasta entonces, habían estado practicando un estilo de pintura veneciana de inspiración más bizantina de principios del siglo XIV.
La justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel se diferencia de algunas de las obras anteriores de Jacobello en su textura. Si bien el uso de texturas para definir el borde y el fondo se había visto en algunas de sus obras anteriores, como Madonna and Child , aquí la texturización describe la armadura y los elementos decorativos de ambos arcángeles, algunas de las vestimentas de las mujeres que representan a la Justicia, la empuñadura de su espada. , su corona y sus escamas. La representación de animales también es rara para Jacobello, pero se ve aquí con los dos leones venecianos que flanquean a la dama Justicia. Los halos de los dos arcángeles son más intrincadamente detallados y complejos que los halos de las figuras en las otras piezas de Jacobello. Hay una mejora en la representación de la tela y la tela, la piel humana, el cabello y el sombreado constante. El nivel de detalle de esta pieza es una de las razones por las que los historiadores del arte la consideran el apogeo de la fase gótica de Jacobello, importante no solo como un hito en la carrera de Jacobello, sino como una progresión de sus habilidades técnicas y competencia. Fue el conocimiento que adquirió Jacobello y el dominio de la habilidad técnica que logró a través de esta pieza lo que le permitió a su posterior retardataire seguro regresar a sus raíces cuando sus obras se inclinaron más hacia un estilo de inspiración bizantina.
Esta pintura también se considera más metafórica y simbólica que las otras de Jacobello, incluso aquellas muy cargadas de simbolismo, como la Coronación de la Virgen y la Crucifixión , porque la Justicia entre los Arcángeles Miguel y Gabriel , como el título lo indica, contiene una manifestación física de la concepto de justicia. Esta pieza está dividida en tres secciones de una manera que los historiadores sospechan que la crucifixión estaba destinada a dividirse, siendo la crucifixión la pieza central.
Coronación de la Virgen [25]
Una de las obras descubiertas más grandes de Jacobello, esta pintura mide casi 300 centímetros de ancho y alto, y representa la aceptación de la Virgen María en el cielo, que está representada metafóricamente como su hijo, Jesús, coronándola frente a una gran audiencia. El borde de esta pintura es estándar y rectangular en la parte inferior con dos esquinas y redondeado en la parte superior, de forma oblonga. En el centro están Jesús y María, sentados en elaborados tronos.
Llenando la arquitectura circundante hay una multitud de personas de importancia religiosa, que sirven como una especie de audiencia ceremonial para la coronación de María. Todas estas figuras son parte del canon de la Biblia cristiana y de la Iglesia Católica como personas que han fallecido y están proverbialmente "animando a la Virgen María" al cielo. Las figuras están sentadas a la izquierda de Jesús y María, a la derecha de ellos, e incluso debajo de ellos, tanto dentro de las columnas de la estructura sobre la que están sentados Jesús y María, y una capa debajo de ella, entre vegetación y follaje debajo de la base. de la estructura arquitectónica. La vestimenta de estas figuras distingue a diferentes tipos de personas como apóstoles, mártires, santos, vírgenes y ángeles, por el color de la tela. El color de esta pintura es oscuro, aunque es difícil saber cómo se compara el estado actual de la pintura con el original en términos de color.
Los halos de Jesús y María están representados como círculos dorados opacos detrás de sus cabezas. Aunque el estado de ánimo en esta pieza se describe como reverente y ceremonial, también están presentes aspectos de celebración, que van desde un coro angelical hasta instrumentos musicales y follaje alusivo al Jardín del Edén. Jesús y María se representan como significativamente más grandes que las otras figuras, para enfatizar su importancia.
Legado
Durante muchos años después de su muerte, Jacobello del Fiore no recibió el debido que los expertos en el campo consideran apropiado hoy como uno de los principales artistas venecianos de su época. [26] Keith Christiansen escribe en su libro sobre Gentile da Fabriano, “Jacobello del Fiore sufre de un malentendido crítico mayor que cualquier otro artista veneciano temprano. R. Longhi lo consideró una personalidad menor que Niccolò di Pietro o Zanino porque sus obras parecían profundamente vinculadas a la pintura veneciana más que a la del continente. De hecho, Jacobello fue el mayor artista local de su generación ". [27] Historiadores del arte como Daniele Benati han aclarado el papel de Jacobello como vínculo entre el estilo gótico tardío emergente de los artistas de Lombardía y la tradición local de Trecento de los pintores venecianos, restaurando su papel importante en el arte veneciano y los estilos cambiantes de la época. [22] Benati concluye: "Fue Jacobello quien tuvo que enfrentar el desafío de renovar la cultura figurativa local desde adentro, gradualmente, y quien finalmente logró conectar el hilo que unía a sus principios del siglo XIV. A la luz de su adhesión juvenil al estilo neo-giottoico paduano, podemos comprender mejor con qué intensidad, a partir de 1407, trató de adaptar la novedad del estilo gótico tardío lombardo a las sensibilidades locales " [22].
No existe ningún retrato conocido de Jacobello. A pesar de su influencia y prominencia en la arena de la pintura veneciana del Renacimiento de principios del siglo XV, Jacobello del Fiore no es recordado como una figura importante del Renacimiento. Las pinturas de Jacobello del Fiore son fuentes primarias integrales para que los historiadores del arte y los investigadores ocasionales comprendan a este artista.
Referencias
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enlaces externos
- Medios relacionados con Jacobello del Fiore en Wikimedia Commons