Liz joven
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Liz joven
Nació29 de marzo de 1958
Minot, Dakota del Norte , Estados Unidos
Murió22 de diciembre de 2020
Los Angeles, California
Nacionalidadamericano
EducaciónOtis College of Art and Design
Conocido porEscultura , Arte de instalación , Dibujo , Pintura
PremiosFundación en memoria de John Simon Guggenheim , Fundación Andy Warhol , Getty Trust
Sitio webLiz joven
Liz Young, Of Blood and Dirt , vista de la instalación con dibujos de caballo de fibra de vidrio y técnica mixta de tamaño completo cubiertos de fieltro, 96 ”x 192” x 240 ”, 2017.

Liz Young (29 de marzo de 1958 - 22 de diciembre de 2020) fue una artista con sede en Los Ángeles conocida por su trabajo diverso que investiga temas centrados en el cuerpo y la naturaleza, como la pérdida, la belleza, la inevitabilidad de la decadencia y la fragilidad de la vida. [1] [2] [3] Produjo escultura, instalación, performance, pintura, dibujo y video incorporando objetos encontrados fabricados y recontextualizados, materiales orgánicos y procesos desde metalurgia industrial hasta artesanías, taxidermia y prácticas artísticas tradicionales. [4] [5] [6] [7] Jóvenes exhibidos en los Estados Unidos y Europa, incluidas exposiciones individuales en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) y Exposiciones Contemporáneas de Los Ángeles.(LACE) y espacios alternativos como Hallwalls , Randolph Street Gallery (Chicago) y New Langton Arts (San Francisco); participó en exposiciones colectivas en Exit Art , Art in the Anchorage y Armory Center for the Arts , entre otros. [1] [8] [9] Su arte fue discutido en ARTnews , [10] Artforum , [11] Frieze , [12] Los Angeles Times , [13] The New York Times , [14] y The Village Voice , [ 15]y está incluido en la colección permanente de LACMA. [16] El crítico Peter Frank escribió que su trabajo "refleja tanto la implacable erosión del cuerpo y el espíritu en la vida, como nuestra indomable lucha contra estas persistentes crueldades". [2] El crítico de Artillery Magazine , Ezrha Jean Black, calificó su instalación de 2017 como un "espectáculo mordaz pero elegíaco" en el que "la artesanía confirma la conciencia de la obra". [17] En 2016, Young recibió una beca de la Fundación Guggenheim; [18] fue reconocida con premios de Getty Trust y Andy Warhol Foundation , entre otros. [19] Young vivió y trabajó en Los Ángeles desde 1981.

Vida y carrera

Young nació en Minot, Dakota del Norte en 1958. [6] Pasó su infancia mudándose por el oeste de Estados Unidos y Europa debido al trabajo de su padre. [3] Atraída por la artesanía, aprendió carpintería de su padre, tejer, tejer y crochet de su abuela, y mecánica en su juventud. [5] Un mes después de comenzar la universidad en 1976, Young estuvo involucrada en un accidente automovilístico catastrófico que la dejó paralizada permanentemente de la cintura para abajo. [20] [21] Después de una larga rehabilitación, asistió a la Universidad de Nuevo México , donde su arte combinando ideas feministas, diversos materiales y procesos, como la artesanía, fue alentado por la artista Harmony Hammond.. En 1981, se trasladó a Los Ángeles para asistir al Otis College of Art and Design (BFA, 1984), donde recibió la influencia de artistas del cuerpo y del performance, como Vito Acconci , Chris Burden , Gina Pane , Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler . [6]

Después de graduarse, Young desarrolló su conocimiento de la fabricación a través de trabajos de creación de moldes para artistas, soldaduras para el Desfile de las Rosas y accesorios especiales para películas. [20] Para su propio arte, rebuscó callejones, muelles de carga y depósitos de chatarra en la zona industrial del centro de Los Ángeles, recuperando materiales abandonados que transformó en objetos escultóricos. [20] [21] [5] En 1985, comenzó a exponer profesionalmente en espacios alternativos como LACE, y más tarde, New Langton Arts, Center on Contemporary Art (Seattle) y el Museo de Arte de Santa Mónica . [22] [23] [24]En 1993, se convirtió en la primera artista reconocida por el programa de jóvenes talentos "Here and Now" del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en recibir una exposición completa patrocinada allí (titulada The Dignity of Survival ). [25] [4] Más recientemente, Young expuso en PØST, Armory Center for the Arts, Luckman Center y Deep River en Los Ángeles, Long Beach Museum of Art y numerosas universidades y colegios, entre otros lugares. [25] Enseñó escultura, historia del arte y artes digitales en la Escuela secundaria de artes del condado de Los Ángeles desde 2004 y se convirtió en copresidenta del Departamento de Artes Visuales en 2016. [26]

Liz Young, La silla de nacimiento / muerte con zapatos de cuero sin curtir, huesos y órganos , silla, zapatos de cuero sin curtir y hierro fundido, bronce y plomo, 48 "x 84" x 36 ", 1993. Colección del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

Trabaja

En ocasiones, Young fue etiquetado como un artista conceptual, debido a un enfoque generativo que agrupa diversos objetos, materiales, medios e ideas para lograr su expresión. [17] [27] Sin embargo, se diferenciaba de tales artistas en su compromiso con la mano de obra, la materialidad y dejar evidencia de procesos rituales que requieren mucha mano de obra, como la fabricación industrial y la costura. [5] [28] [3] Su trabajo combinó elementos fabricados (desde jaulas soldadas y clavos hechos a mano hasta ropa y animales de taxidermia), materiales orgánicos y objetos familiares que evocan la memoria, que ella reformuló y recontextualizó. [5] [6] [3]Ella exploró temas relacionados con el cuerpo y sus límites, la condición humana, la pérdida y la inevitabilidad de la naturaleza; [5] [29] los escritores describieron su arte, de diversas maneras, como desafiante y visceral, [4] [30] inquietante, [6] [13] de mal humor, [31] [32] y autobiográfico, emocional e inquietante. [33] [34] [17]

Esculturas, instalaciones y pinturas relacionadas con el cuerpo (1985-2004)

Los primeros trabajos de Young (por ejemplo, Psychic Bleeding , 1986; The Allowance of Pain , 1990-2), presentaban "máquinas" de ensamblaje toscamente forjadas, dispuestas en instalaciones tipo teatro y utilizadas en representaciones (que ella denominó "procedimientos en vivo") que Investigue problemas corporales de resistencia, lucha, restricción y la trascendencia del dolor y la limitación. [35] [23] [2] [36] Los aparatos se basaron en un vocabulario de formas derivadas de posiciones del cuerpo humano (sentado, de pie, etc.) y camillas de hospital recordadas, mesas de operaciones, butacas y sillas eléctricas, confesionarios o ataúd / cunas. [34] [37] [23]Los procesos y materiales contrarios de su fabricación, sin embargo, a menudo impidieron la función práctica, [5] [4] [21] haciéndolos, en una descripción, "siniestros e incognoscibles". [37] Críticos como Roberta Smith del New York Times y Suzanne Muchnic del Los Angeles Times los identificaron como instrumentos caseros y de aspecto anticuado de tortura, humillación o trabajo extremo [14] que comprendían una "prisión horrible" de artilugios de metales pesados. conjurando el encierro institucional y político. [13] [33]Vacilando entre las esferas pública y privada, las instalaciones posicionaron físicamente a los espectadores como voyeurs cómplices, víctimas potenciales o perpetradores dentro de espacios y situaciones que implican peligro, encarcelamiento o ritual. [5] [34] [11]

Liz Young, Cross Bed , látex, tela, madera, 30 "x 60" x 60 ", 1997.

Como trabajos anteriores, The Dignity of Survival (1992-3) sirvió como un entorno explorable y un sitio para los "procedimientos en vivo" físicamente exigentes de Young. [5] [21] [4] Los objetos cargados de la obra, exhibidos en estructuras suspendidas en forma de jaula a las que los espectadores podían entrar, incluían un dispositivo similar a un médico; una "capa de la vergüenza" parecida a un chaleco, de hombre embarazada, con un cordón umbilical que conduce a una roca; un soporte de afeitado / cizallado; y The Birth / Death Chair , una silla de parto fabricada conectada a un rastro en forma de bola y cadena de huesos de hierro fundido y vísceras humanas. [38] [5] [4] [14]

Las instalaciones posteriores de Young se extendieron hacia el exterior a cuerpos familiares y sociales más amplios. Mendacity (1996) presentó estructuras institucionales a escala en miniatura (ayuntamiento, iglesia, banco, escuela, hospital, hogar) agrupadas como una manzana y rodeadas de ropa colgada de tiendas de segunda mano. [12] La crítica de Frieze , Michelle Grabner, escribió que sus materiales táctiles de grado de construcción y los objetos domésticos creaban una "vida física asombrosa" que capturaba la tensión entre las seducciones de las instituciones y su función de control. [12] Para Skin Inn (1997), Young construyó una cama cruciforme con muebles extraños(una silla y sofá de dos plazas injertadas, y sillas de comedor oscilantes), que albergaba una actuación silenciosa de la noche de apertura de una "familia" de tres mientras los espectadores miraban a través de puertas y ventanas. [39] Los escritores interpretaron la instalación y la actuación misteriosa, similar a un ritual, que incluía sacar a Young de un vestido tipo capullo, como una subversión satírica de los rituales cotidianos que expresaban el horror del confinamiento y la repetición. [39] [40] [41]

El arte relacionado con el cuerpo de Young también incluía pinturas y objetos fabricados, como ropa hecha para parecerse a la carne, figuras parecidas a maniquíes y prótesis. [6] [25] [9] En 1997, exhibió trece retratos pequeños y comunes de sus familiares fallecidos, pintados con su propia sangre; los críticos los describieron como inquietantes, mórbidos e íntimos, y señalaron el delicado manejo del pigmento, que presentaba esmaltes transparentes y áreas de aplicación gruesa que se agrietaban como superficies de Old Master. [32] [31] [42]

Instalaciones relacionadas con la naturaleza, escultura, dibujos (1998–)

Durante una residencia en 1998 en la Fundación Ucross [43] —un rancho de trabajo—, Young comenzó a incorporar imágenes de la naturaleza, desplazando algunos de sus temas característicos, como la fragilidad y el patetismo de la experiencia humana en animales y plantas. [3] [17] En una exhibición del Centro Cultural Skirball de 2001 de los ganadores de la Beca COLA, su instalación combinó modelos de tamaño natural de animales de granja cubiertos con material similar a la carne en lugar de piel, y un traje de negocios y un uniforme de enfermera fabricados con bolsas industriales; La crítica de Los Angeles Times , Holly Myers, los describió como "simultáneamente vagos e incómodamente viscerales". [30] [6] [19]En el futuro, su trabajo también se basaría en los temas, el paisaje y la literatura del oeste americano, imágenes de la cultura americana y procesos como la taxidermia, el bordado y otras artesanías. [3] [44] [45]

Liz Young, Still Life , vista de instalación con dibujos de grafito sobre paneles de madera y taxidermia, 120 ”x 96” x 96 ”, 2013.

Los dibujos bordados de Young de finales de la década de 2000 se describieron como un equilibrio entre la técnica artesanal finamente trabajada y los fundamentos conceptuales rigurosos. [27] [45] [46] Trabajando con y dentro de objetos encontrados de Americana (banderas, blancos de ciervos, animales de peluche), ofreció ambos humor: un abrigo cosido con pieles de animales de peluche, incluidas orejeras y ojos de plástico o langostas. y ratas cosidas en viejas portadas de revistas agrícolas, y crítica social, como en Balmy Birds (2006), [47] una bandera estadounidense al revés cuyos pájaros negros bordados transmitían una sensación de ansiedad política y caos. [48] [27] [44]Su programa de 2013, "Still Life", incorporó animales de taxidermia (un pájaro y un ciervo) y dibujos de grafito sobre paneles de madera de los mismos animales; juntos funcionaban como memento mori contemporáneo o nature morte que representaba imágenes de la naturaleza sin vida, inmóviles y dislocadas. [3] [49]

Las instalaciones posteriores de Young, Freed of The Tie Between Root and Soil (Fellows of Contemporary Art, 2017) [50] y "Of Blood and Dirt" (PØST, 2017), [51] exploran el ciclo de la vida y la mortalidad a través de motivos del paisaje. y la naturaleza, el cuerpo, la sangre y la tierra. [3] [17] Ambos espectáculos emplean imágenes bidimensionales y tridimensionales, positivas y negativas en esculturas y dibujos que a menudo se centran en la ausencia del cuerpo o la naturaleza; Estas imágenes incluyen una silueta de ventana recortada de un árbol muerto o inactivo del cual emanan raíces / arterias gráficas, rojas y escultóricas ( Blood in the Roots, 2017), y dibujos aislados en forma de silueta de árboles desnudos, texto, pájaros muertos y ciervos que emergen de campos oscuros de pólvora, grafito y bolígrafo. [3] [17] [52]

Reconocimiento

Young recibió una beca de la Fundación Guggenheim en 2016 y fue reconocido con premios de la Ciudad de Los Ángeles (2001), el Consejo de las Artes de California (2001, 1992), la Fundación Andy Warhol (1997, 1991), Art Matters (1995) y el Getty Trust (1993), entre otros. [1] [6] [19] Realizó residencias de artistas de PLAYA (2018), Santa Fe Art Institute / Creative Access Residency Initiative (2015), Surdna Foundation (2009), McColl Center for Art + Innovation (2000), Ucross Foundation (1998), Headlands Center for the Arts (1998) y MacDowell Arts Colony Fellowship (1991). [53] [43] [1]El trabajo de Young está incluido en las colecciones de arte del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, la Fundación Lef, la Fundación William y Mary Greve y la Fundación Norton Family. [16] [25]

Referencias

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enlaces externos

  • Sitio web oficial de Liz Young
  • Liz Young, página de becarios del Guggenheim
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