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No confundir con la película Mulholland Falls de 1996 .
Mulholland Drive
Póster de estreno en cines que muestra el título de la película contra una imagen azul oscuro del letrero de Hollywood en Los Ángeles encima de otra toma fija de Laura Elena Harring con una peluca rubia mirando algo fuera de cámara hacia la esquina inferior derecha.
Cartel de estreno teatral.
Dirigido porDavid Lynch
Producido por
Escrito porDavid Lynch
Protagonizada
Musica porAngelo Badalamenti
CinematografíaPeter Deming
Editado porMary Sweeney
producción empresas
Distribuido por
Fecha de lanzamiento
  • 16 de mayo de 2001 ( Cannes ) ( 16 de mayo de 2001 )
  • 12 de octubre de 2001 (EE. UU.) ( 12 de octubre de 2001 )
  • 21 de noviembre de 2001 (Francia) ( 2001-11-21 )
Tiempo de ejecución146 minutos [1]
PaísesEstados Unidos [2] [3]
Francia [2] [3]
Idiomainglés
Presupuesto$ 15 millones [4]
Taquillas$ 20,1 millones [5]

Mulholland Drive (estilizado como Mulholland Dr. ) es una película de misterio surrealista neo-noir de 2001 [6] [7] escrita y dirigida por David Lynch y protagonizada por Naomi Watts , Laura Harring , Justin Theroux , Ann Miller , Mark Pellegrino y Robert Forster . Cuenta la historia de una aspirante a actriz llamada Betty Elms (Watts), recién llegada a Los Ángeles , que conoce y se hace amiga de unamujer amnésica (Harring) que se recupera de un accidente automovilístico. La historia sigue varias otras viñetas. y personajes, incluido un director de cine de Hollywood (Theroux).

La coproducción estadounidense-francesa se concibió originalmente como un piloto de televisión , y una gran parte de la película se rodó en 1999 con el plan de Lynch de mantenerla abierta para una posible serie. Sin embargo, después de ver el corte de Lynch, los ejecutivos de televisión lo rechazaron. Lynch luego proporcionó un final al proyecto, convirtiéndolo en un largometraje . El resultado mitad piloto, mitad largometraje, junto con el estilo surrealista característico de Lynch, ha dejado el significado general de los eventos de la película abierto a interpretación. Lynch se ha negado a ofrecer una explicación de sus intenciones para la narrativa, dejando que el público, los críticos y los miembros del elenco especulen sobre lo que sucede. Le dio a la película el lema "Una historia de amor en la ciudad de los sueños". [8]

Clasificado como un thriller psicológico , Mulholland Drive le valió a Lynch el Prix ​​de la mise en scène (Premio al Mejor Director) en el Festival de Cine de Cannes de 2001 , compartiendo el premio con Joel Coen por El hombre que no estuvo allí . Además, Lynch también ganaría una nominación al Premio de la Academia como Mejor Director . La película lanzó la carrera de Harring, impulsó considerablemente el perfil de Watts en Hollywood y fue el último largometraje protagonizado por la veterana actriz de Hollywood Ann Miller .

Mulholland Drive a menudo se considera una de las mejores obras de Lynch y ocupó el puesto 28 en la encuesta de críticos de Sight & Sound de 2012 sobre las mejores películas jamás realizadas, y encabezó una encuesta de 2016 de BBC Culture sobre las mejores películas desde 2000.

Trama [ editar ]

Una mujer de cabello oscuro es la única sobreviviente de un accidente automovilístico en Mulholland Drive , una carretera sinuosa en lo alto de Hollywood Hills . Herida y en estado de shock, baja a Los Ángeles y se cuela en un apartamento. Más tarde esa mañana, una aspirante a actriz llamada Betty Elms llega al apartamento, que normalmente está ocupado por su tía Ruth. Betty se sorprende al encontrar a la mujer, que tiene amnesia y se hace llamar "Rita" después de ver un póster de la película Gilda protagonizada por Rita Hayworth . Para ayudar a la mujer a recordar su identidad, Betty busca en el bolso de Rita, donde encuentra una gran cantidad de dinero y una inusual llave azul.

En un restaurante llamado Winkie's, un hombre le cuenta a otro sobre una pesadilla en la que soñaba con encontrarse con una figura horrible detrás del restaurante. Cuando investigan, aparece la figura, haciendo que el hombre que tuvo la pesadilla se derrumbe de miedo. Por otra parte, el director Adam Kesher tiene su película comandada por mafiosos, que insisten en que eligió a una actriz desconocida llamada Camilla Rhodes como protagonista. Adam se niega y regresa a casa para encontrar a su esposa engañándolo. Los mafiosos retiran su línea de crédito y hacen arreglos para que conozca a un misterioso vaquero, que lo insta a elegir a Camilla por su propio bien. Mientras tanto, un sicario torpe intenta robar un libro lleno de números de teléfono y deja a tres personas muertas.

Mientras tratan de aprender más sobre el accidente de Rita, Betty y Rita van a Winkie's y son atendidas por una camarera llamada Diane, lo que hace que Rita recuerde el nombre "Diane Selwyn". Encuentran a Diane Selwyn en la guía telefónica y la llaman, pero ella no responde. Betty va a una audición, donde su actuación es muy elogiada. Un agente de casting la lleva a un estudio de sonido donde una película llamada The Sylvia North Story, dirigida por Adam, está siendo elegida. Cuando Camilla Rhodes hace una audición, Adam capitula ante su elección. Betty mira a Adam a los ojos, pero huye antes de poder encontrarse con él, diciendo que llega tarde para encontrarse con un amigo. Betty y Rita van al apartamento de Diane Selwyn, donde un vecino abre la puerta y les dice que ha cambiado de apartamento con Diane. Van al apartamento del vecino y entran cuando nadie abre la puerta. En el dormitorio, encuentran el cuerpo de una mujer que lleva varios días muerta. Aterrorizados, regresan al apartamento de Betty, donde Rita se disfraza con una peluca rubia. Ella y Betty tienen sexo esa noche.

A las 2 am, Rita se despierta repentinamente, insistiendo en que vayan de inmediato a un teatro llamado Club Silencio. Allí, el maestro de ceremonias explica en diferentes idiomas que todo es una ilusión; Rebekah Del Rio sube al escenario y comienza a cantar la canción de Roy Orbison " Crying " en español, luego se derrumba, inconsciente, mientras su voz continúa. Betty encuentra una caja azul en su bolso que coincide con la llave de Rita. Al regresar al apartamento, Rita recupera la llave y descubre que Betty ha desaparecido. Rita abre la caja y cae al suelo.

Diane Selwyn se despierta en su cama en el mismo apartamento que Betty y Rita investigaron. Se parece exactamente a Betty, pero es una actriz en apuros que se ha hundido en una profunda depresión por su romance fallido con Camilla Rhodes, quien es una actriz de éxito y se ve exactamente como Rita. Por invitación de Camilla, Diane asiste a una fiesta en la casa de Adam en Mulholland Drive. En la cena, Diane dice que vino a Hollywood desde Canadá cuando su tía Ruth murió y le dejó algo de dinero, y conoció a Camilla en una audición para The Sylvia North Story.. Otra mujer que se parece a la anterior "Camilla Rhodes" besa a Camilla, y se vuelven y le sonríen a Diane. Adam y Camilla se preparan para hacer un anuncio importante, pero se disuelven en risas y besos mientras Diane mira llorando. Más tarde, Diane se encuentra con el asesino a sueldo en Winkie y parece contratarlo para matar a Camilla. Él le dice que encontrará una llave azul cuando se complete el trabajo. Se revela que la figura del sueño del hombre tiene la caja azul correspondiente. En su apartamento, Diane mira la llave azul en su mesa de café. Angustiada, las alucinaciones la aterrorizan y corre gritando hacia su cama, donde se dispara. Una mujer en el teatro susurra: "Silencio".

Transmitir [ editar ]

Principal [ editar ]

  • Naomi Watts como Betty Elms / Diane Selwyn
  • Laura Elena Harring como Rita / Camilla Rhodes
  • Justin Theroux como Adam Kesher
  • Ann Miller como Coco
  • Mark Pellegrino como Joe

Apoyando [ editar ]

  • Robert Forster como el detective McKnight
  • Brent Briscoe como el detective Domgaard
  • Dan Hedaya como Vincenzo Castigliane
  • Angelo Badalamenti como Luigi Castigliane
  • Monty Montgomery como el vaquero
  • Lee Grant como Louise Bonner
  • James Karen como Wally Brown
  • Chad Everett como Jimmy Katz
  • Richard Green como el mago
  • Rebekah Del Rio como ella misma
  • Melissa George como la primera Camilla Rhodes
  • Jeanne Bates como Irene
  • Dan Birnbaum como compañero de Irene
  • Lori Heuring como Lorraine
  • Marcus Graham como el Sr. Darby
  • Michael J. Anderson como Roque
  • Patrick Fischler como Dan
  • Michael Cooke como Herb
  • Bonnie Aarons como Bum
  • Geno Silva como Cookie / Emcee
  • Billy Ray Cyrus como Gene
  • Vincent Castellanos como Ed
  • Wayne Grace como Bob Booker
  • Rita Taggart como Linney James
  • Michele Hicks como Nicki Pelazza
  • Lisa Lackey como Carol
  • Tad Horino como Taka
  • Melissa Crider como Betty la camarera
  • Kate Forster como Martha Johnson
  • Tony Longo como Kenny
  • Michael Fairman como Jason
  • Scott Coffey como Wilkins
  • Rena Riffel como Laney

Producción [ editar ]

Desarrollo [ editar ]

Originalmente concebida como una serie de televisión, Mulholland Drive comenzó como un piloto de 90 minutos producido para Touchstone Television y destinado a la cadena de televisión ABC . Tony Krantz, el agente responsable del desarrollo de Twin Peaks., estaba "entusiasmado" por hacer otra serie de televisión. Irónicamente, Lynch escribió "Nunca volveré a ver televisión" en un trozo de madera contrachapada. Originalmente era un guión para un piloto de ABC. David Lynch vendió la idea a los ejecutivos de ABC basándose únicamente en la historia de Rita que salió del accidente automovilístico con su bolso que contenía $ 125,000 en efectivo y la llave azul, y Betty tratando de ayudarla a descubrir quién es. Un ejecutivo de ABC recordó: "Recuerdo lo escalofriante de esta mujer en este horrible, horrible accidente, y David se burló de nosotros con la idea de que la gente la está persiguiendo. Ella no solo está 'en' problemas, es un problema. Obviamente, preguntamos: '¿Qué pasa después?' Y David dijo: 'Tienes que comprar el campo para que yo te lo diga ' ."Lynch le mostró a ABC un borrador del piloto. La persona que lo vio, según Lynch, lo estaba viendo a las seis de la mañana y estaba tomando café y de pie. Odiaba al piloto, y ABC lo canceló de inmediato. Pierre Edleman , El amigo de Lynch de París, vino de visita y comenzó a hablar con él sobre la película como un largometraje. Edleman regresó a París. Canal + quería darle dinero a Lynch para que se convirtiera en un largometraje y tardó un año en negociar. [9] [10]

Lynch describió el atractivo de la idea de un piloto, a pesar de saber que el medio de la televisión sería restrictivo: "Soy un fanático de una historia continua ... Teóricamente, puedes obtener una historia muy profunda y puedes ir tan profundo y abrir el mundo de una manera tan hermosa, pero se necesita tiempo para lograrlo ". [11] La historia incluía elementos surrealistas , muy parecidos a la serie anterior de Lynch, Twin Peaks . Se sentaron las bases para los arcos de la historia , como el misterio de la identidad de Rita, la carrera de Betty y el proyecto cinematográfico de Adam Kesher. [12]

La actriz Sherilyn Fenn declaró en una entrevista de 2014 que la idea original surgió durante el rodaje de Twin Peaks , como una película derivada de su personaje de Audrey Horne . [13]

Casting [ editar ]

Naomi Watts, David Lynch, Laura Elena Harring y Justin Theroux en el Festival de Cine de Cannes de 2001

Lynch eligió a Naomi Watts y Laura Harring por sus fotografías. Los llamó por separado para entrevistas de media hora y les dijo que no había visto ninguno de sus trabajos anteriores en cine o televisión. [14] Harring consideró fatídico que estuvo involucrada en un accidente automovilístico menor en el camino a la primera entrevista, solo para enterarse de que su personaje también estaría involucrado en un accidente automovilístico en la película. [15]Watts llegó con jeans para la primera entrevista, directamente desde el avión desde la ciudad de Nueva York. Lynch le pidió que regresara al día siguiente "más glamorosa". Le ofrecieron el papel dos semanas después. Lynch explicó su selección de Watts: "Vi a alguien que sentí que tenía un talento tremendo, y vi a alguien que tenía un alma hermosa, una inteligencia, posibilidades para muchos roles diferentes, por lo que fue un paquete completo hermoso". [16] Justin Theroux también conoció a Lynch directamente después de su vuelo en avión. Después de un largo vuelo con poco sueño, Theroux llegó vestido todo de negro, con el pelo desordenado. A Lynch le gustó el look y decidió elegir a Adam con ropa similar y el mismo peinado. [17]

Filmando [ editar ]

La filmación del piloto de televisión comenzó en Los Ángeles en febrero de 1999 y duró seis semanas. Al final, la cadena no estaba contenta con el piloto y decidió no incluirlo en su programa. [18] [19]Las objeciones incluyeron la historia no lineal, las edades de Harring y Watts (a quienes consideraban demasiado mayores), el hábito de fumar cigarrillos por parte del personaje de Ann Miller y una toma de cerca de heces de perro en una escena. Lynch recordó: "Todo lo que sé es que me encantó hacerlo, ABC lo odió y no me gusta el corte que entregué. Estuve de acuerdo con ABC en que el corte más largo era demasiado lento, pero me vi obligado a cortarlo porque teníamos una fecha límite y no había tiempo para pulir nada. Perdió textura, grandes escenas e historias, y hay 300 copias de la mala versión circulando. Mucha gente lo ha visto, lo cual es vergonzoso, porque También son cintas de mala calidad. No quiero pensar en eso ". [20]

Una noche, me senté, surgieron las ideas y fue una experiencia muy hermosa. Todo se veía desde un ángulo diferente ... Ahora, mirando hacia atrás, veo que [la película] siempre quiso ser así. Solo hizo falta este extraño comienzo para que fuera lo que es.

David Lynch, 2001

El guión fue posteriormente reescrito y ampliado cuando Lynch decidió transformarlo en un largometraje. Al describir la transición de un programa piloto abierto a un largometraje con una especie de resolución, Lynch dijo: "Una noche, me senté, surgieron las ideas y fue una experiencia muy hermosa. Todo se vio desde un ángulo diferente ... Ahora, mirando hacia atrás, veo que [la película] siempre quiso ser así. Simplemente tomó este comienzo extraño para que fuera lo que es ". [8] El resultado fueron dieciocho páginas adicionales de material que incluían la relación romántica entre Rita y Betty y los eventos que ocurrieron después de que se abrió la caja azul. Watts se sintió aliviado de que ABC abandonara al piloto. Encontró a Betty demasiado unidimensional sin la parte más oscura de la película que se armó después.[21] La mayoría de las nuevas escenas fueron filmadas en octubre de 2000, financiadas con $ 7 millones de la productora francesa StudioCanal . [14]

Theroux describió el acercamiento a la filmación sin comprender del todo la trama: "Obtienes el guión completo, pero también podría retener las escenas en las que no estás, porque todo resulta más desconcertante que las partes. David acepta preguntas, pero no responderé a ninguno de ellos ... Trabajas un poco con los ojos vendados. Si él fuera un director por primera vez y no hubiera demostrado ningún dominio de este método, probablemente tendría reservas. Pero obviamente funciona para él . " [22] Theroux señaló que la única respuesta que Lynch dio fue que estaba seguro de que el personaje de Theroux, un director de Hollywood, no era autobiográfico de Lynch. Watts dijo que trató de engañar a Lynch fingiendo que tenía la trama resuelta y que él estaba encantado con la frustración del elenco. [14]

Temas e interpretaciones [ editar ]

Dentro del lanzamiento original del DVD hay una tarjeta titulada "Las 10 pistas de David Lynch para desbloquear este thriller". Las pistas son:
  1. Preste especial atención al comienzo de la película: se revelan al menos dos pistas antes de los créditos.
  2. Observe las apariencias de la pantalla roja.
  3. ¿Puedes escuchar el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando para actrices? ¿Se vuelve a mencionar?
  4. Un accidente es un evento terrible; observe la ubicación del accidente.
  5. ¿Quién da una clave y por qué?
  6. Fíjense en la bata, el cenicero, la taza de café.
  7. ¿Qué se siente, se realiza y se recoge en el Club Silencio?
  8. ¿El talento solo ayudó a Camilla?
  9. Tenga en cuenta los sucesos que rodean al hombre detrás de Winkie.
  10. ¿Dónde está la tía Ruth?

Inserto de edición en DVD de 2002 [23]

Dando a la película sólo la "historia de un amor en la ciudad de los sueños" coletilla, [8] David Lynch ha negado a comentar sobre Mulholland Drive ' significado o s simbolismo , dando lugar a mucha discusión y múltiples interpretaciones. El crítico de cine de Christian Science Monitor , David Sterritt, habló con Lynch después de la proyección de la película en Cannes y escribió que el director "insistió en que Mulholland Drive cuenta una historia coherente y comprensible", a diferencia de algunas de las películas anteriores de Lynch como Lost Highway . [24]Por otro lado, Justin Theroux dijo sobre los sentimientos de Lynch sobre los múltiples significados que la gente percibe en la película: "Creo que está realmente feliz de que signifique lo que quieras. Le encanta cuando la gente presenta interpretaciones realmente extrañas. David trabaja desde su subconsciente ". [22]

Sueños y realidades alternativas [ editar ]

Una de las primeras interpretaciones de la película utiliza el análisis de los sueños para argumentar que la primera parte es un sueño de la verdadera Diane Selwyn, quien ha presentado su yo del sueño como la inocente y esperanzada "Betty Elms", reconstruyendo su historia y su personalidad en algo así como una vieja película de Hollywood. En el sueño, Betty tiene éxito, es encantadora y vive la vida de fantasía de una actriz que pronto será famosa. La última quinta parte de la película presenta la vida real de Diane, en la que ha fracasado tanto personal como profesionalmente. Hace los arreglos para que maten a Camilla, una ex amante, e incapaz de hacer frente a la culpa, la vuelve a imaginar como la dependiente y amnésica Rita. Sin embargo, siguen apareciendo pistas sobre su inevitable desaparición a lo largo de su sueño. [25]

Esta interpretación fue similar a la que interpretó Naomi Watts, cuando dijo en una entrevista: "Pensé que Diane era el personaje real y que Betty era la persona que quería ser y que había soñado. Rita es la damisela en apuros y está en absoluto". Necesidad de Betty, y Betty la controla como si fuera una muñeca. Rita es la fantasía de Betty de quién quiere que sea Camilla ". [21] Las primeras experiencias de Watts en Hollywood son paralelas a las de Diane. Ella soportó cierta frustración profesional antes de tener éxito, audicionó para partes en las que no creía y se encontró con personas que no cumplieron con las oportunidades. Ella recordó: "Hubo muchas promesas, pero en realidad nada salió. Me quedé sin dinero y me sentí bastante sola".[26]Michael Wilmington, que escribe para The Chicago Tribune, encontró que "todo en" Mulholland Drive "es una pesadilla. Es una representación del sueño dorado de Hollywood volviéndose rancio, cuajándose en un guiso venenoso de odio, envidia, compromiso sórdido y fracaso que mata el alma" con señalar que "esta es la parte más vulnerable de nuestras fantasías glamorosas, y el área que Lynch muestra aquí está retratada de manera realista". [27]

The Guardian preguntó a seis críticos de cine conocidos sus propias percepciones del significado general de Mulholland Drive . Neil Roberts de The Sun y Tom Charity of Time Out suscriben la teoría de que Betty es la proyección de Diane de una vida más feliz. Roger Ebert y Jonathan Ross parecen aceptar esta interpretación, pero ambos dudan en sobreanalizar la película. Ebert afirma: "No hay explicación. Puede que ni siquiera haya un misterio". Ross observa que hay historias que no van a ninguna parte: "Quizás estas fueron las sobras del piloto que originalmente se pretendía que fuera, o quizás estas cosas son las no-sequiturs y el subconsciente de los sueños". [28] Philip French de The Observer lo ve como una alusión a la tragedia de Hollywood, mientras que Jane Douglas de la BBC rechaza la teoría de la vida de Betty como el sueño de Diane, pero también advierte contra el análisis excesivo. [28]

La teórica de los medios Siobhan Lyons tampoco está de acuerdo con la teoría del sueño, argumentando que es una "interpretación superficial [que] socava la fuerza del absurdo de la realidad que a menudo tiene lugar en el universo de Lynch". [29] En cambio, Lyons postula que Betty y Diane son de hecho dos personas diferentes que parecen similares, un motivo común entre las estrellas de Hollywood. En una interpretación similar, Betty y Rita y Diane y Camilla pueden existir en universos paralelos que a veces se interconectan. Otra teoría que se ofrece es que la narrativa es una tira de Möbius , una banda retorcida que no tiene principio ni fin. [30] O toda la película es un sueño, pero cuyo sueño se desconoce. [31]Las referencias repetidas a camas, dormitorios y dormir simbolizan la fuerte influencia de los sueños. Rita se duerme varias veces; entre estos episodios, se producen escenas desconectadas, como la de los hombres que tienen una conversación en Winkie's, la llegada de Betty a Los Ángeles y el golpe fallido, lo que sugiere que Rita puede estar soñando con ellos. La toma de apertura de la película se acerca a una cama que contiene un durmiente desconocido, inculcando, según la estudiosa de cine Ruth Perlmutter, la necesidad de preguntar si lo que sigue es la realidad. [32] La profesora de estudios de los sueños Kelly Bulkeley sostiene que la primera escena en el restaurante, como la única en la que se mencionan explícitamente los sueños o soñar, ilustra "la verdad reveladora y la incertidumbre epistemológica en la película de Lynch".[33]El monstruoso ser del sueño, que es el tema de conversación de los hombres de Winkie, reaparece al final de la película, justo antes y después de que Diane se suicida. Bulkeley afirma que la única discusión sobre los sueños en esa escena presenta una apertura a "una nueva forma de entender todo lo que sucede en la película". [33]

El filósofo y teórico del cine Robert Sinnerbrink señala de manera similar que las imágenes que siguen al aparente suicidio de Diane socavan la interpretación del "sueño y la realidad". Después de que Diane se dispara a sí misma, la cama se consume con humo, y Betty y Rita se muestran radiantes, después de lo cual una mujer en el balcón del Club Silencio susurra " Silencio " mientras la pantalla se vuelve negra. Sinnerbrink escribe que las "imágenes finales flotan en una zona indeterminada entre la fantasía y la realidad, que es quizás la dimensión genuinamente metafísica de la imagen cinematográfica", señalando también que podría ser que la "última secuencia comprenda las imágenes de fantasía de la conciencia agonizante de Diane, concluyendo con el momento real de su muerte:el Silencio final ". [34]Refiriéndose a la misma secuencia, el teórico del cine Andrew Hageman señala que "la coda de noventa segundos que sigue al suicidio de Betty / Diane es un espacio cinematográfico que persiste después de que el telón ha caído sobre su conciencia viviente, y este espacio persistente es el mismo teatro donde la la ilusión de la ilusión se desenmascara continuamente ". [35]

El teórico del cine David Roche escribe que las películas de Lynch no solo cuentan historias de detectives, sino que obligan a la audiencia a asumir el papel de convertirse en detectives para dar sentido a las narrativas, y que Mulholland Drive , como otras películas de Lynch, frustra "la necesidad del espectador de una diégesis racional jugando con el error del espectador de que narración es sinónimo de diégesis ". En las películas de Lynch, el espectador está siempre "un paso por detrás de la narración" y así "la narración prevalece sobre la diégesis". [36]Roche también señala que hay múltiples misterios en la película que finalmente quedan sin respuesta por los personajes que encuentran callejones sin salida, como Betty y Rita, o ceden a las presiones como lo hace Adam. Aunque la audiencia todavía lucha por encontrarle sentido a las historias, los personajes ya no intentan resolver sus misterios. Roche concluye que Mulholland Drive es una película de misterio no porque permita a la audiencia ver la solución a una pregunta, sino que la película en sí es un misterio que se mantiene unido "por el deseo del espectador-detective de darle sentido". [36]

Un "San Valentín venenoso para Hollywood" [ editar ]

La vista de Los Ángeles desde Mulholland Drive se ha convertido en una representación icónica de las oportunidades de la ciudad.

A pesar de la proliferación de teorías, los críticos señalan que ninguna explicación satisface todos los cabos sueltos y las preguntas que surgen de la película. Stephen Holden de The New York Times escribe: " Mulholland Drive tiene poco que ver con la vida amorosa o la ambición profesional de un solo personaje. La película es una reflexión cada vez más profunda sobre el encanto de Hollywood y sobre los múltiples juegos de rol y la autoinvención que la experiencia de ir al cine promete ... ¿Qué mayor poder hay que el poder de entrar y programar la vida de ensueño de la cultura? " [37] J. Hoberman de The Village Voice se hace eco de este sentimiento al llamarlo un "San Valentín venenoso para Hollywood". [38]

Mulholland Drive ha sido comparado con Billy Wilder 's película de cine negro clásico crepúsculo de los dioses (1950), otra historia sobre sueños rotos en Hollywood, [8] [39] [40] y el principio de la película Rita se muestra cruzando Sunset Boulevard en la noche. Además de que ambos títulos llevan el nombre de las calles icónicas de Los Ángeles, Mulholland Drive es "el relato único de Lynch de lo que también llamó la atención de Wilder: la putrefacción humana (un término que Lynch usó varias veces durante su conferencia de prensa en el Festival de Cine de Nueva York de 2001) en una ciudad de ilusiones letales ". [41]El título de la película es una referencia a la cultura icónica de Hollywood. David Lynch vive cerca de Mulholland Drive y declaró en una entrevista: "Por la noche, viajas en la cima del mundo. Durante el día también viajas en la cima del mundo, pero es misterioso, y hay un pelo de miedo porque se adentra en áreas remotas. Sientes la historia de Hollywood en ese camino ". [8] Watts también tenía experiencia con la carretera antes de que se estableciera su carrera: "Recuerdo haber conducido por la calle muchas veces sollozando con el corazón en mi coche, diciendo: '¿Qué estoy haciendo aquí? ' " [16].

El crítico Gregory Weight advierte a los espectadores contra una interpretación cínica de los eventos en la película, afirmando que Lynch presenta más que "la fachada y que él cree que solo el mal y el engaño yacen debajo de ella". [42] Por mucho que Lynch haga una declaración sobre el engaño, la manipulación y las falsas pretensiones en la cultura de Hollywood, también infunde nostalgia a lo largo de la película y reconoce que el arte real proviene del cine clásico como el elenco de Lynch, rindiendo así homenaje a los actores veteranos Ann Miller . Lee Grant y Chad Everett . También retrata a Betty como extraordinariamente talentosa y que sus habilidades son notadas por personas poderosas en la industria del entretenimiento. [42]Al comentar las posiciones contrastantes entre la nostalgia del cine y la putrefacción de Hollywood, Steven Dillon escribe que Mulholland Drive es tan crítico con la cultura de Hollywood como una condena de la " cinefilia " (la fascinación del cine y las fantasías asociadas con él). . [43]

Harring describió su interpretación después de ver la película: "Cuando la vi por primera vez, pensé que era la historia de los sueños, la ilusión y la obsesión de Hollywood. Toca la idea de que nada es lo que parece, especialmente la idea de ser una estrella de cine de Hollywood. La segunda y tercera vez que lo vi, pensé que trataba sobre la identidad. ¿Sabemos quiénes somos? Y luego seguí viendo cosas diferentes en él ... No hay nada correcto o incorrecto en lo que alguien quita de ella o de lo que creen que trata la película. Es una película que te hace reflexionar continuamente, te hace hacer preguntas. He escuchado una y otra vez: "Esta es una película que volveré a ver" o "Esto es una película que tienes que volver a ver. Te intriga. Quieres conseguirlo, pero no creo que sea una película para conseguirlo.Ha logrado su objetivo si te hace hacer preguntas ".[44]

Identidades queer [ editar ]

Las relaciones entre Betty y Rita, y Diane y Camilla han sido descritas de diversas maneras como "conmovedoras", "conmovedoras" y "excitantes". El crítico de cine Glenn Kenny , en una reseña de la película para Premiere , dijo que la relación entre Betty y Rita es "posiblemente la relación amorosa más sana y positiva jamás representada en una película de Lynch", [45] mientras que el crítico francés Thierry Jousse, en su reseña para Cahiers du cinéma , dijo que el amor entre las mujeres representadas es "de un lirismo prácticamente sin igual en el cine contemporáneo". [46] En las páginas de Film Comment , Phillip Lopateafirma que el interludio romántico fundamental entre Betty y Rita se hizo conmovedor y tierno porque Betty "comprendió por primera vez, con sorpresa de sí misma, que toda su ayuda y curiosidad por la otra mujer tenía un punto: el deseo ... hermoso momento, hecho tanto más milagroso por su ganada ternura, y sus distancias de todo lo espeluznante ". [31] Stephanie Zacharek de la revista Salon declaró que el "erotismo [era] tan potente que cubre toda la película, coloreando todas las escenas anteriores y posteriores". [47] Betty y Rita fueron elegidas por Independent Film Channel.como la emblemática pareja romántica de la década del 2000. El escritor Charles Taylor dijo: "Betty y Rita a menudo están enmarcadas contra la oscuridad tan suave y aterciopelada que es como un nimbo flotante , listas para tragarlas si se despiertan del sueño de la película. Y cuando se las traga, cuando el humo llena el encuadre como si el el azufre mismo del infierno estaban oscureciendo nuestra visión, sentimos como si no solo se hubiera roto un romance, sino que la belleza del mundo hubiera sido maldecida ". [48]

Algunos teóricos del cine han argumentado que Lynch inserta lo queer en el contenido estético y temático de la película. La película no lineal es "incapaz de mantener la coherencia narrativa", como sostiene Lee Wallace, "el lesbianismo disuelve las convenciones ideológicas del realismo narrativo, operando como el punto de cambio para los mundos narrativos en disputa dentro de la película elaboradamente trazada de Lynch". [49] La presencia de espejos y doppelgangers a lo largo de la película "son representaciones comunes del deseo lésbico". [50] La co-dependencia en la relación entre Betty y Rita - que raya en la obsesión absoluta - se ha comparado con las relaciones femeninas en dos películas similares, Ingmar Bergman 's Persona (1966) y Robert Altman'S 3 mujeres (1977), que también identidades representan unas de las mujeres vulnerables que se enganche, intercambiar y, finalmente, se funden: 'Las parejas de mujeres también se reflejan entre sí, con sus interacciones mutuas confundir héroe (INE) el culto con el deseo del mismo sexo'. [51] Lynch rinde homenaje directo a Persona en la escena en la que Rita se pone la peluca rubia, con el mismo estilo que el propio cabello de Betty. Rita y Betty luego se miran en el espejo "llamando la atención sobre su similitud física, vinculando la secuencia con el tema del abrazo, el acoplamiento físico y la idea de fusionarse o duplicarse". [50] El reflejo y los dobles, que son temas destacados a lo largo de la película, sirven para queer aún más la forma y el contenido de la película.

Varios teóricos han acusado a Lynch de perpetuar estereotipos y clichés de lesbianas, bisexuales y relaciones lésbicas. Rita (la mujer fatal) y Betty (la colegiala) representan dos personajes lésbicos clásicos; Heather Love identifica dos clichés clave utilizados en la película: "Lynch presenta el lesbianismo en su forma inocente y expansiva: el deseo lésbico aparece como una gran aventura, una entrada a un territorio glamoroso y desconocido". [52] Simultáneamente, presenta el trágico triángulo lésbico, "en el que una mujer atractiva pero indisponible abandona a una mujer menos atractiva que es considerada exclusivamente lesbiana", perpetuando el estereotipo del bisexual "terminando con un hombre". [52]Maria San Filippo reconoce que Lynch se basa en los arquetipos del cine negro clásico para desarrollar la eventual traición de Camilla: estos arquetipos "se arraigan hasta tal punto que los espectadores se dan cuenta de inmediato de que" Rita "no es lo que parece y que es sólo una cuestión de tiempo. antes de que ella revele su naturaleza engañosa ". [53] Para Love, el deseo exclusivamente lésbico de Diane es "entre el éxito y el fracaso, entre la sensualidad y la abyección, incluso entre la vida y la muerte" si es rechazada. [52]Diane es el trágico cliché lésbico que suspira por el bisexual en la relación heterosexual. El análisis de Love de la película señala la respuesta peculiar de los medios de comunicación al contenido lésbico de la película: "los críticos se entusiasmaron en particular y en detalle sobre las escenas de sexo de la película, como si hubiera un concurso para ver quién podía disfrutar de esta representación del deseo femenino del mismo sexo. la mayoría." [52]Ella señala que la película usó un tema clásico en la literatura y el cine que representa las relaciones lésbicas: Camilla como dolorosamente hermosa y disponible, rechazando a Diane por Adam. La reacción popular a la película sugiere que las relaciones contrastantes entre Betty y Rita y Diane y Camilla son "entendidas como la cosa más caliente del mundo y, al mismo tiempo, como algo fundamentalmente triste y nada erótico" como afirma el orden heterosexual. sí mismo con efectos aplastantes para la mujer abandonada ". [52]

La heterosexualidad como primaria es importante en la segunda mitad de la película, ya que la última desaparición de la relación de Diane y Camilla surge del matrimonio de la pareja heterosexual. En la fiesta de Adam, comienzan a anunciar que Camilla y Adam se van a casar; a través de risas y besos, la declaración se retrasa porque es obvia y esperada. El cierre heterosexual de la escena es interrumpido por un cambio de escena. Como sugiere Lee Wallace, al planear un golpe contra Camilla, "Diane elude el cierre heterosexual de la historia de la industria, pero solo yendo a su mundo de historias, un acto que resulta fatal para ambas mujeres, ya que las relaciones de causa y efecto del thriller son fundamentalmente incompatible con la trama del lesbianismo tal y como la presenta la película ”. [49] Para Joshua Bastian Cole, el personaje de Adam sirve como contraste de Diane, lo que ella nunca podrá ser, razón por la cual Camilla la abandona. En su fantasía, Adam tiene su propia trama secundaria que conduce a su humillación. Si bien esta trama secundaria puede entenderse como una fantasía de venganza nacida de los celos, Cole sostiene que este es un ejemplo de la mirada transgénero de Diane: "Adam funciona como un espejo, un objeto masculino sobre el que Diane podría proyectarse". [54] El contacto visual prolongado de Diane con Dan en Winkie es otro ejemplo de la mirada trans. Para Cole, "el extraño reconocimiento de Dan de Diane, que no es exactamente una identificación sino algo más, se siente trans en su línea oblicua, trazada entre dobles imposibles" y sus nombres similares (Dan / Diane), lo cual no es un error. [54]Él enfatiza que la comprensión lésbica de la película ha eclipsado las posibles interpretaciones trans; su lectura de la mirada trans de Diane es una contribución a la narrativa queer de la película .

Las representaciones de los medios de las opiniones de Naomi Watts y Laura Elena Harring sobre sus relaciones en la pantalla fueron variadas y contradictorias. Watts dijo sobre el rodaje de la escena: "No lo veo como erótico, aunque tal vez suene de esa manera. La última vez que lo vi, tenía lágrimas en los ojos porque sabía hacia dónde iba la historia. me rompió un poco el corazón ". [55] Sin embargo, en otra entrevista Watts declaró: "Me sorprendió lo honesto y real que se ve todo esto en la pantalla. Estas chicas se ven realmente enamoradas y fue curiosamente erótico". [26]Mientras Harring fue citado diciendo: "La escena de amor acaba de ocurrir en mis ojos. Rita está muy agradecida por la ayuda que Betty le ha brindado a ella, así que le estoy diciendo adiós y buenas noches, gracias, desde el fondo de mi corazón, beso ella y luego hay una energía que nos toma [sobre]. Por supuesto que tengo amnesia, así que no sé si lo he hecho antes, pero no creo que seamos realmente lesbianas ". [56] Heather Love estuvo de acuerdo en cierto modo con la percepción de Harring cuando afirmó que la identidad en Mulholland Drive no es tan importante como el deseo: "quiénes somos no cuenta mucho; lo que importa en cambio es lo que estamos a punto de hacer, lo que queremos hacer." [52]

Personajes [ editar ]

Betty (Watts) llega a Los Ángeles; en la foto con Irene ( Jeanne Bates ). Betty es brillante y optimista, en contraste con Diane —también interpretada por Watts— en la última parte de la película.

Betty Elms (Naomi Watts) es la brillante y talentosa recién llegada a Los Ángeles, descrita como "sana, optimista, decidida a tomar la ciudad por asalto", [31] y "absurdamente ingenua". [57] Su actitud alegre e intrépida para ayudar a Rita porque es lo correcto es una reminiscencia de Nancy Drew para los críticos. [57] [58] [59] Al principio, toda su personalidad es un cliché aparente de la ingenuidad de un pueblo pequeño. Pero es la identidad de Betty, o la pérdida de ella, lo que parece ser el foco de la película. Para un crítico, Betty interpretó el papel de la conciencia y el inconsciente de la película. [57] Naomi Watts, que modeló a Betty en Doris Day , Tippi Hedreny Kim Novak , observó que Betty es una buscadora de emociones fuertes, alguien "que se encuentra en un mundo al que no pertenece y está lista para asumir una nueva identidad, incluso si es la de otra persona". [21] Esto también ha llevado a un teórico a concluir que desde que Betty había entrado ingenuamente, pero con entusiasmo, al sistema de Hollywood, se había convertido en una "actriz cómplice" que había "abrazado la misma estructura que" la destruyó. [35] En una explicación de su desarrollo del personaje de Betty, Watts declaró:

Por lo tanto, tuve que tomar mis propias decisiones sobre lo que esto significaba y por lo que estaba pasando este personaje, qué era un sueño y qué era realidad. Mi interpretación podría terminar siendo completamente diferente, tanto de David como de la audiencia. Pero yo tenía que conciliar todo eso, y la gente parece pensar que funciona. [60]

Betty, por difícil de creer que se establezca a medida que se establece su personaje, muestra una asombrosa profundidad de dimensión en su audición. [40] [61] Ensayado previamente con Rita en el apartamento, donde Rita alimenta sus líneas de forma rígida, la escena es "estúpida" [31] y "hueca; cada línea indigna del compromiso de una actriz genuina", y Betty la interpreta en el ensayo. tan mal como está escrito. [61]Nerviosa pero valiente como siempre en la audición, Betty entra en la habitación abarrotada, pero cuando se encuentra a centímetros de su compañero de audición (Chad Everett), lo convierte en una escena de poderosa tensión sexual que controla y atrae por completo a todas las personas de la sala. . La sexualidad se erosiona inmediatamente cuando termina la escena y ella se para ante ellos esperando tímidamente su aprobación. Un analista de cine afirma que la habilidad previamente desconocida de Betty se roba el espectáculo, específicamente, quitando el oscuro misterio de Rita y asignándolo a ella misma, y ​​el uso de Lynch de esta escena ilustra su uso del engaño en sus personajes. [61] La capacidad de actuación de Betty incita a Ruth Perlmutter a especular si Betty está interpretando el papel de Diane en un sueño o en una parodia de una película que finalmente se vuelve en su contra. [32]

Rita (Laura Elena Harring) es la aparente víctima misteriosa e indefensa, una mujer fatal clásica con su apariencia oscura y sorprendentemente hermosa. Roger Ebert quedó tan impresionado con Harring que dijo de ella "todo lo que tiene que hacer es quedarse allí y es el primer buen argumento en 55 años para una nueva versión de Gilda ". [58] Ella sirve como objeto de deseo, directamente opuesto a la brillante seguridad en sí misma de Betty. También es el primer personaje con el que la audiencia se identifica, y como los espectadores la conocen solo como confundida y asustada, sin saber quién es y hacia dónde se dirige, representa su deseo de darle sentido a la película a través de su identidad. [62]En lugar de amenazar, inspira a Betty a nutrirla, consolarla y ayudarla. Su amnesia la convierte en una persona en blanco, que un crítico señala es "la vacante que viene con una belleza extraordinaria y la voluntad del espectador de proyectar cualquier combinación de angelical y diabólico en ella". [31] Un análisis del personaje de Rita afirma que sus acciones son las más genuinas de la primera parte de la película, ya que no tiene memoria ni nada para usar como marco de referencia sobre cómo comportarse. [30] Todd McGowan, sin embargo, autor de un libro sobre temas de las películas de Lynch, afirma que la primera parte de Mulholland Drive puede interpretarse como la fantasía de Rita, hasta que se revele Diane Selwyn; Betty es el objeto que supera la ansiedad de Rita por su pérdida de identidad.[63] Según el historiador de cine Steven Dillon, Diane convierte a una excompañera de habitación en Rita: después de una escena tensa en la que la compañera de habitación recoge sus pertenencias restantes, Rita aparece en el apartamento, sonriendo a Diane. [43]

Póster de Gilda (1946)
La mujer de cabello oscuro asume el nombre de "Rita" después de ver el nombre en un cartel. Los estudiosos del cine han interpretado que su búsqueda de su identidad representa el deseo del público de darle sentido a la película.

Después de que Betty y Rita encuentran el cuerpo en descomposición, huyen del apartamento y sus imágenes se separan y se reintegran. David Roche apunta que la falta de identidad de Rita provoca un colapso que "se da no solo a nivel del personaje sino también a nivel de la imagen; el plano es sometido a efectos especiales que fragmentan su imagen y sus voces se ahogan en la reverberación". , la cámara aparentemente escribiendo el estado mental de los personajes ". [36]Inmediatamente regresan al apartamento de la tía de Betty, donde Rita se pone una peluca rubia, aparentemente para disfrazarse, pero la hace parecerse notablemente a Betty. Es esta transformación lo que sugiere un analista cinematográfico es la fusión de ambas identidades. Esto está respaldado por pistas visuales, como ángulos de cámara particulares que hacen que sus caras parezcan fusionarse en una. Esto se ilustra aún más poco después por su intimidad sexual, seguida por la personalidad de Rita que se vuelve más dominante cuando insiste en que vayan al Club Silencio a las 2 am, lo que finalmente conduce a la dominación total de Camilla. [41]

Diane Selwyn (Naomi Watts) es la mujer palpablemente frustrada y deprimida, que parece haber cabalgado los faldones de Camilla, a quien idolatra y adora, pero que no le devuelve su afecto. Se la considera la realidad de la Betty demasiado buena para ser verdad, o una versión posterior de Betty después de haber vivido demasiado tiempo en Hollywood. [37] Para Steven Dillon, la trama de la película "convierte a Rita en el recipiente vacío perfecto para las fantasías de Diane", pero como Rita es sólo una "chica de portada en blanco", Diane se ha "invertido en el vacío", lo que la lleva a la depresión y aparentemente al suicidio. [64]Por lo tanto, Diane es la personificación de la insatisfacción, ilustrada dolorosamente cuando no puede alcanzar el clímax mientras se masturba, en una escena que indica "a través de tomas borrosas, espasmódicas y desde el punto de vista de la pared de piedra, no solo sus lágrimas y humillación, sino la desintegración de su fantasía y su creciente deseo de venganza ". [34] Un análisis de Diane sugiere que su devoción por Camilla se basa en una manifestación de narcisismo , ya que Camilla encarna todo lo que Diane quiere y quiere ser. [sesenta y cinco]Aunque se la retrata como débil y la perdedora final, para Jeff Johnson, autor de un libro sobre moralidad en las películas de Lynch, Diane es el único personaje de la segunda parte de la película cuyo código moral permanece intacto. Ella es "una persona decente corrompida por los diversos malhechores que pueblan la industria del cine". [66] Su culpa y pesar son evidentes en su suicidio y en las pistas que surgen en la primera parte de la película. El miedo de Rita, el cadáver y la ilusión en el Club Silencio indican que algo está oscuro y mal en el mundo de Betty y Rita. Al liberarse de Camilla, su condicionamiento moral la mata. [67]

Camilla Rhodes (Melissa George, Laura Elena Harring) es poco más que un rostro en una foto y un nombre que ha inspirado a muchos representantes de algún poder vagamente amenazante para colocarla en una película en contra de los deseos de Adam. Un crítico la llama "moll insípida", [68] apenas deja una impresión en la primera parte de la película, pero después de que se abre la caja azul y es interpretada por Laura Elena Harring, se convierte en una persona plena que simboliza "traición, humillación y abandono", [31] y es el objeto de la frustración de Diane. Diane es un fuerte contraste con Camilla, que es más voluptuosa que nunca, y que parece haber "chupado la vida de Diane". [52]Inmediatamente después de decirle a Diane que la vuelve loca, Camilla le dice que deben terminar su aventura. En un set de filmación donde Adam dirige a Camilla, ordena que se despeje el set, excepto Diane, a petición de Camilla, donde Adam le muestra a otro actor cómo besar a Camilla correctamente. En lugar de castigar a Camilla por tal humillación pública, como sugiere la conversación de Diane con el torpe asesino a sueldo, un crítico ve a Rita como la representación vulnerable del deseo de Diane por Camilla. [69]

Adam Kesher (Justin Theroux) se establece en la primera parte de la película como un director "vagamente arrogante", [70] pero aparentemente exitoso, que soporta una humillación tras otra. Theroux dijo sobre su papel: "Es una especie de personaje de la película que no sabe qué diablos está pasando. Creo que es el tipo al que la audiencia dice: 'Soy como tú en este momento. no sé por qué está siendo sometido a todo este dolor. ' " [17] Después de haber sido despojado de control creativo de su película, él es cornudo por el limpiador de la piscina (interpretado por Billy Ray Cyrus), y expulsado de su propia y opulenta casa sobre Hollywood. Después de que se registra en un motel sórdido y paga en efectivo, el gerente llega para decirle que su crédito no es bueno. Atestiguado por Diane, Adam es pomposo y engreído. Es el único personaje cuya personalidad no parece cambiar por completo de la primera parte de la película a la segunda. [71] Un análisis del personaje de Adam sostiene que debido a que capituló y eligió a Camilla Rhodes para su película, ese es el final de la alegría y la capacidad de Betty para ayudar a Rita, culpando de su tragedia a los representantes del poder del estudio. [41]Otro análisis sugiere que "Adam Kesher no tiene el control, quiere y está dispuesto a pasar por encima de quién o qué es necesario para consolidar su carrera. Hambriento de poder, utiliza la apariencia del amor o la seducción solo como una herramienta más. Amor porque el poder justifica que se olvide todo lo demás, ya sea el orgullo, el amor o cualquier otra consideración. No hay arrepentimientos, es Mulholland Drive en Los Ángeles ". [72]

Los personajes menores incluyen The Cowboy (Monty Montgomery), Castigliani Brothers (Dan Hedaya y Angelo Badalamenti) y Mr.Roque (Michael J. Anderson), todos los cuales de alguna manera están involucrados en presionar a Adam para que incluya a Camilla Rhodes en su película. Estos personajes representan la muerte de la creatividad para los estudiosos del cine, [65] [73] y retratan una "visión de la industria como un sistema jerárquico cerrado en el que la fuente última de poder permanece oculta detrás de una serie de representantes". [57]Ann Miller interpreta a Coco, la casera que le da la bienvenida a Betty a su nuevo y maravilloso apartamento. Coco, en la primera parte de la película, representa a la vieja guardia de Hollywood, que da la bienvenida y protege a Betty. En la segunda parte de la película, sin embargo, aparece como la madre de Adam, quien regaña con impaciencia a Diane por llegar tarde a la fiesta y apenas presta atención a la avergonzada historia de Diane sobre cómo se metió en la actuación. [sesenta y cinco]

Estilo [ editar ]

El actor enano Michael J. Anderson , como el Sr. Roque, fue equipado con prótesis de gran tamaño para darle la apariencia de una cabeza anormalmente pequeña.

Se ha escrito sobre el estilo cinematográfico de David Lynch utilizando descripciones como "ultraweird", [47] "oscuro" [41] y "bicho raro". [74] Todd McGowan escribe: "No se puede ver una película de Lynch como se ve un cine negro estándar de Hollywood ni como se ve la mayoría de las películas radicales". [75] A través de la yuxtaposición de Lynch de cliché y surrealismo, pesadillas y fantasías, historias no lineales, trabajo de cámara, sonido e iluminación, presenta una película que desafía a los espectadores a dejar de creer en lo que están experimentando. [40] Muchos de los personajes de Mulholland Driveson arquetipos que solo pueden percibirse como un cliché: la nueva aspirante a Hollywood, la mujer fatal, la directora inconformista y los sospechosos poderosos que Lynch nunca parece explorar por completo. [52] Lynch coloca a estos personajes a menudo trillados en situaciones espantosas, creando cualidades de ensueño. Al utilizar estos personajes en escenarios que tienen componentes y referencias a sueños, fantasías y pesadillas, los espectadores tienen que decidir, entre los extremos, qué es la realidad. Una analista de cine, Jennifer Hudson, escribe sobre él: "Como la mayoría de los surrealistas, el lenguaje de lo inexplicable de Lynch es el lenguaje fluido de los sueños". [30]

David Lynch utiliza varios métodos de engaño en Mulholland Drive . El actor enano Michael J. Anderson (también de Twin Peaks ) interpreta a una figura sombría llamada Mr. Roque, que parece controlar los estudios de cine . Anderson, que tiene solo dos filas y está sentado en una enorme silla de ruedas de madera, fue equipado con brazos y piernas protésicos de espuma de gran tamaño para representar su cabeza como anormalmente pequeña. [76]Durante la fiesta de Adam y Camilla, Diane observa a Camilla (interpretada por Harring) con Adam en un brazo, inclinarse y besar profundamente a la misma mujer que apareció como Camilla (Melissa George) antes de que se abriera la caja azul. Ambos se vuelven y sonríen intencionadamente a Diane. El crítico de cine Franklin Ridgway escribe que la descripción de un acto tan deliberado "cruel y manipulador " hace que no quede claro si Camilla es tan caprichosa como parece, o si la paranoia de Diane está permitiendo que la audiencia solo vea lo que ella siente. [sesenta y cinco]En una escena inmediatamente posterior a la audición de Betty, la película muestra a una mujer cantando sin aparente acompañamiento, pero cuando la cámara retrocede, el público ve que se trata de un estudio de grabación. En realidad, es un escenario de sonido donde Betty acaba de llegar para encontrarse con Adam Kesher, que el público se da cuenta cuando la cámara retrocede más. Ridgway insiste en que tal engaño a través del trabajo de cámara ingenioso hace que el espectador se sienta lleno de dudas sobre lo que se está presentando: "Es como si la cámara, en su elegante fluidez de movimiento, nos asegurara que (piensa que) ve todo, tiene todo bajo control, incluso si nosotros (y Betty) no lo hacemos ". [sesenta y cinco]

Según Stephen Dillon, el uso de Lynch de diferentes posiciones de cámara a lo largo de la película, como los puntos de vista en la mano, hace que el espectador "se identifique con el suspenso del personaje en su espacio particular", pero que Lynch también en algunos momentos ". desconecta la cámara de cualquier punto de vista en particular, desarmando así una perspectiva única o incluso humana "de modo que las múltiples perspectivas evitan que los contextos se fusionen, perturbando significativamente" nuestro sentido del individuo y lo humano ". [77]Andrew Hageman señala de manera similar que el trabajo de la cámara en la película "genera una sensación de lugar y presencia muy inquietante", como la escena de Winkie en la que "la cámara flota irregularmente durante el diálogo plano-plano inverso" por lo que el "espectador se da cuenta que un conjunto de disparos normalmente objetivos se ha vuelto inquietantemente subjetivo ". [35] El académico Curt Hersey reconoce varias técnicas de vanguardia utilizadas en la película, incluida la falta de transiciones, transiciones abruptas, velocidad de movimiento, movimiento de cámara no tradicional, imágenes generadas por computadora , imágenes no diegéticas, narración no lineal e intertextualidad . [78]

Diane, con problemas emocionales, intercambia palabras con Camilla. Las escenas de Diane se caracterizaron por una iluminación diferente para simbolizar su empobrecimiento físico y espiritual.

La primera parte de la película que establece los personajes de Betty, Rita y Adam presenta algunas de las películas más lógicas de la carrera de Lynch. [30] [79] La última parte de la película que representa la realidad para muchos espectadores, sin embargo, muestra un marcado cambio en el efecto cinematográfico que le da una calidad tan surrealista como la primera parte. Las escenas de Diane presentan una edición más entrecortada y una iluminación más sucia que simboliza su empobrecimiento físico y espiritual, [41] que contrasta con la primera parte de la película donde "incluso la decoración más sencilla parece brillar", Betty y Rita brillan con luz y las transiciones entre escenas son liso. [80]Lynch se mueve entre escenas en la primera parte de la película usando tomas panorámicas de las montañas, palmeras y edificios en Los Ángeles. En la parte más oscura de la película, el sonido pasa a la siguiente escena sin una referencia visual de dónde está ocurriendo. En la fiesta de Camilla, cuando Diane se siente más humillada, se escucha el sonido de platos rompiéndose que se traslada inmediatamente a la escena donde los platos se han dejado caer en el restaurante, y Diane está hablando con el asesino a sueldo. Sinnerbrink también señala que varias escenas de la película, como la que presenta la alucinación de Camilla de Diane después de que Diane se despierta, la imagen del ser detrás de Winkie después del suicidio de Diane, o la "repetición, inversión y desplazamiento de elementos que estaban configurados de manera diferente "en la primera parte de la película,crea el efecto extrañodonde a los espectadores se les presentan personajes o situaciones familiares en tiempos o lugares alterados. [34] De manera similar, Hageman ha identificado la primera escena de Winkie como "extremadamente siniestra", porque es una escena en la que "los límites que separan la realidad física de las realidades imaginarias del inconsciente se desintegran". [35] El autor Valtteri Kokko ha identificado tres grupos de "metáforas asombrosas"; el doppelgänger de múltiples personajes interpretados por los mismos actores, sueños y un objeto cotidiano, principalmente la caja azul, que inicia la desaparición de Rita y la vida real de Diane. [81]

Otro elemento recurrente en las películas de Lynch es su experimentación con el sonido. Dijo en una entrevista, "miras la imagen y la escena en silencio, está haciendo el trabajo que se supone que debe hacer, pero el trabajo no está terminado. Cuando comiences a trabajar en el sonido, sigue trabajando hasta que se sienta correcto. Hay tantos sonidos incorrectos e instantáneamente lo sabes. A veces es realmente mágico ". [11] En la escena inicial de la película, cuando la mujer de cabello oscuro se sale de Mulholland Drive, en silencio sugiere que es torpe. Sin embargo, después de que Lynch agregó "un indicio del vapor [del naufragio] y los niños que gritaban", transformó a Laura Elena Harring de torpe a aterrorizada.[70] Lynch también infundió sutiles rumores a lo largo de partes de la película que los críticos notaron añadieron efectos inquietantes y espeluznantes.[82] Hageman también identifica el "sonido ambiental perpetuo y misterioso", y pone un énfasis particular en la escena en la que el hombre colapsa detrás de Winkie cuando el sonido normal se ahoga con un zumbido, y señala que el ruido "crea una disonancia y suspenso que atrae al espectador como detective para colocar el sonido y restablecer el orden ". [35] Mulholland Drive ' s que termina con la mujer en el Club Silencio susurros es un ejemplo de engaño y surreality aural de Lynch, según Ruth Perlmutter, quien escribe: "La actuación, los sueños, la búsqueda de la identidad, los miedos y terrores de el yo indefinido se acaba cuando se acaba la película, y por tanto, sólo queda el silencio y el enigma ". [32]

Banda sonora [ editar ]

El álbum progresa como una película típica de Lynch, comenzando con un Jitterbug rápido y agradable y luego ahondando lentamente en pasajes de cuerdas más oscuros, los sonidos vibrantes de la guitarra de la música de los 50's y, finalmente, la parte inferior en capas, perturbadora y a menudo confusa de la partitura. .

Neil Shurley, 2002 [83]

La banda sonora de Mulholland Drive fue supervisada por Angelo Badalamenti , quien colaboró ​​en proyectos anteriores de Lynch, Blue Velvet y Twin Peaks . [84] Badalamenti, quien fue nominado para premios del American Film Institute (AFI) y la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA) por su trabajo en la película, [85] [86] también tiene un cameo como expreso. aficionado y mafioso.

Los críticos señalan que la ominosa partitura de Badalamenti, descrita como su "más oscura hasta ahora", [87] contribuye a la sensación de misterio cuando la película se abre en la limusina de la mujer de cabello oscuro, [88] que contrasta con los tonos brillantes y esperanzados de la primera película de Betty. llegada a Los Ángeles, [84] con la partitura "actuando como una guía emocional para el espectador". [87] El periodista de música cinematográfica Daniel Schweiger comenta que la contribución de Badalamenti a la partitura se alterna del "miedo a las cuerdas casi inmóviles al jazz noir y la retroalimentación de audio ", con "los ritmos construyendo una explosión de oscuridad infinita". [89]Badalamenti describió una técnica particular de diseño de sonido aplicada a la película, mediante la cual le proporcionaría a Lynch múltiples pistas de diez a doce minutos a tempo lento, que llamaron "leña", [89] de las cuales Lynch "tomaría fragmentos y experimentar con ellos dando como resultado una gran cantidad de paisajes sonoros espeluznantes de la película ". [87]

Lynch usa dos canciones pop de la década de 1960 directamente una tras otra, interpretando como dos actrices están audicionando sincronizándolas con los labios . Según un analista de la música utilizada en las películas de Lynch, los personajes femeninos de Lynch a menudo no pueden comunicarse a través de los canales normales y se ven reducidos a sincronizar los labios o ser sofocados. [90] " Sixteen Reasons " de Connie Stevens es la canción que se canta mientras la cámara gira hacia atrás para revelar varias ilusiones, y la versión de Linda Scott de " I've Told Ev'ry Little Star " es la audición para la primera Camilla. Rhodes, ese estudioso del cine Eric Gans considera una canción de empoderamiento para Betty.[91] Escrito originalmente por Jerome Kerncomo dúo, cantado por Linda Scott en esta interpretación por ella misma, Gans sugiere que adquiere un tono homosexual en Mulholland Drive . [91] Sin embargo, a diferencia de "Dieciséis razones", partes de "Le he dicho a todas las pequeñas estrellas" están distorsionadas para sugerir "una identidad sónica dividida" para Camilla. [90] Cuando suena la canción, Betty acaba de entrar en el escenario de sonido donde Adam está audicionando a actrices para su película, y ve a Adam, lo mira a los ojos y huye abruptamente después de que Adam ha declarado "Esta es la chica" sobre Camilla. evitando su inevitable rechazo.

En la bisagra de la película hay una escena en un teatro nocturno inusual llamado Club Silencio donde un artista anuncia " No hay banda (no hay banda) ... pero aún escuchamos una banda", variando entre inglés, español y francés. . Descrita como "la secuencia más original y sorprendente de una película original y sorprendente", [41] la interpretación en español a cappella de Rebekah Del Rio de " Crying ", llamada "Llorando", se elogia como "espectacular ... excepto que no hay espectáculo para parar "en el escasamente concurrido Club Silencio. [57] Lynch quería usar la versión de Roy Orbison de "Crying" en Blue Velvet ,pero cambió de opinión cuando escuchó " In Dreams " de Orbison". [8] Del Rio, quien popularizó la versión en español y quien recibió su primer contrato de grabación sobre la base de la canción, declaró que Lynch voló a Nashville donde ella vivía, y le cantó la canción una vez y no sabía Lynch escribió un papel para ella en la película y usó la versión que ella le cantó en Nashville. [92] La canción trágicamente serenata a los amantes Betty y Rita, quienes se sientan hechizados y llorando, momentos antes de que su relación desaparezca y es reemplazada por la disfunción de Diane y Camilla. Según un estudioso del cine, la canción y toda la escena del teatro marcan la desintegración de las personalidades de Betty y Rita, así como su relación. [41]Con el uso de múltiples lenguajes y una canción para retratar emociones tan primarias, un analista de cine afirma que Lynch muestra su desconfianza en el discurso intelectual y elige dar sentido a través de imágenes y sonidos. [30] El efecto desorientador de la música que suena a pesar de que Del Rio ya no está se describe como "la versión musical del cuadro de Magritte Ceci n'est pas une pipe ". [93]

Liberar [ editar ]

Mulholland Drive se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2001 en mayo con gran éxito de crítica. Lynch recibió el premio al Mejor Director en el festival, compartiéndolo con el co-ganador Joel Coen por The Man Who Wasn't There . [94] Obtuvo críticas positivas de muchos críticos y algunas de las reacciones de audiencia más fuertes de la carrera de Lynch.

Taquilla [ editar ]

Universal Pictures estrenó Mulholland Drive teatralmente en 66 cines en los Estados Unidos el 12 de octubre de 2001, recaudando $ 587,591 durante su primer fin de semana. Eventualmente se expandió a su lanzamiento más amplio de 247 salas de cine, recaudando finalmente $ 7,220,243 en la taquilla de EE. UU. TVA Films estrenó la película en cines en Canadá el 26 de octubre de 2001. En otros territorios fuera de los Estados Unidos, la película recaudó $ 12,892,096 para un total mundial de $ 20,112,339. [5]

Recepción y legado [ editar ]

Desde su lanzamiento, Mulholland Drive ha recibido "algunos de los epítetos más duros y algunos de los elogios más generosos de la historia cinematográfica reciente". [95] En el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 83% basado en 180 reseñas, con una calificación promedio de 7.62 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "El misterioso y onírico Mulholland Drive de David Lynch es un retorcido neo-noir con una estructura poco convencional que presenta una actuación fascinante de Naomi Watts como una mujer en los oscuros márgenes de Hollywood". [96] Sobre Metacritic, que asigna una calificación normalizada a las reseñas, la película tiene un puntaje promedio ponderado de 85 sobre 100 basado en 35 críticos, lo que indica "aclamación universal". [97]

Roger Ebert del Chicago Sun-Times , que anteriormente había desdeñado el trabajo de Lynch, otorgó a la película cuatro estrellas y dijo: "David Lynch ha estado trabajando para Mulholland Drive toda su carrera, y ahora que ha llegado allí, lo perdono por Wild at Heart e incluso Lost Highway  ... la película es un paisaje de ensueño surrealista en forma de cine negro de Hollywood , y cuanto menos sentido tiene, más no podemos dejar de verla ". [58] Posteriormente, Ebert añadió Mulholland Drive a su lista de "Grandes películas". [98] En The New York Times , Stephen Holden escribió que la película "se ubica junto aFellini 's 8½ y otros autoral fantasías como un monumental auto-reflexión 'y añadió:' Visto de la ligera, es el más grande y el carnaval cinematográfica más tonto a venir en mucho tiempo ... en un nivel más grave, su investigación el poder de las películas perfora un vacío desde el que se pueden escuchar los gritos de un demonio hambriento cuyos apetitos nunca podrán ser saciados ". [37] Edward Guthmann del San Francisco Chroniclelo llamó "estimulante ... por sus imágenes oníricas y su imaginación feroz, con frecuencia imprudente" y agregó, "hay una cualidad fascinante en su ritmo lánguido, su sensación de presentimiento y su atmósfera perdida en el tiempo ... nos retiene, hechizado y divertido, a pesar de todos sus locos y deliciosos, exasperantes 146 minutos [y] demuestra que Lynch está en forma sólida y sigue siendo un experto en pinchar nuestros nervios ". [99]

En Rolling Stone , Peter Travers observó: " Mulholland Drive hace que las películas se sientan vivas de nuevo. Este placer pecaminoso es un nuevo triunfo para Lynch y una de las mejores películas de un año lamentable. Para visionarios atrevidos, erotismo deslumbrante y colores que resaltan como el brillo de labios de una puta, no hay nada como este bebé en ninguna parte ". [100] J. Hoberman de The Village Voice declaró: "Esta fantasmagoría voluptuosa ... es sin duda la película más fuerte de Lynch desde Blue Velvet y tal vez Eraserhead . Las mismas cosas que le fallaron en la debacle del rockabilly de chico malo de Lost Highway—La atmósfera de amenaza flotante, la transmigración inútil de las almas, los puntos de sutura provocados por la trama, los universos alternativos de gimcrack— están aquí brillantemente rehabilitados ". [38] AO Scott de The New York Times escribió que, aunque algunos podrían considerar la trama un" ofensa contra el orden narrativo ", la película es" una embriagadora liberación de los sentidos, con momentos de sentimiento aún más poderosos al parecer emerger del turbio mundo nocturno del inconsciente ". [101]

Mulholland Drive no estuvo exento de detractores. Rex Reed de The New York Observer dijo que era la peor película que había visto en 2001, calificándola de "un montón de basura estúpida e incoherente". [102] En Nueva York , Peter Rainer observó: "Aunque me gusta más que algunos de sus otros desayunos de ensueño, sigue siendo un viaje bastante moribundo ... Lynch necesita renovarse con una afluencia del profundo sentimiento que tiene por la gente , para los marginados, y despedir a los cretinos y hobgoblins y zombies por un tiempo ". [103] En The Washington Post , Desson Howe lo llamó "una ópera de estado de ánimo extendido, si quieres poner una etiqueta artística a la incoherencia".[104] Todd McCarthyof Variety encontró mucho que elogiar: "Lynch sube los niveles de humor extraño, incidente dramático y misterio genuino con una sucesión de escenas memorables, algunas de las cuales se ubican entre las mejores", pero también señaló que "la película salta de la tierra sólida de relativa coherencia narrativa en la tierra de la fantasía de Lynch ... durante los últimos 45 minutos, Lynch está en un modo de retorcer la mente que presenta una forma de realidad alternativa sin significado aparente o conexión lógica con lo que vino antes. Aunque esas tácticas son familiares de Twin Peaks y en otros lugares, el cambio repentino a los juegos mentales es decepcionante porque, hasta este punto, Lynch había logrado maravillosamente crear una participación genuina ". [79] James Berardinellitambién lo criticó, diciendo: "Lynch engaña a su audiencia, tirando de la alfombra debajo de nosotros. Él arroja todo a la mezcla con el único objetivo de confundirnos. Nada tiene sentido porque se supone que no tiene ningún sentido. No hay ningún propósito o lógica a los acontecimientos. Lynch nos está gastando una gran broma ". [105] El teórico del cine Ray Carney señala: "No necesitarías todos los retrocesos emocionales y las trampas narrativas si tuvieras algo que decir. No necesitarías doppelgangers y figuras de sombras si tus personajes tuvieran alma". [106]

Más tarde, Mulholland Drive fue nombrada la mejor película de la década por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles , [107] Cahiers du cinéma , [108] IndieWire , [109] Slant Magazine , [110] Reverse Shot , [111] The Village Voice [112] y Time Out New York , quien preguntó retóricamente en referencia a los ataques del 11 de septiembre : "¿Puede haber otra película que hable con tanta resonancia, aunque sin saberlo, del terrible momento que marcó nuestra década? ... Mulholland Drivees el monstruo detrás del comensal; es el sueño autoengañoso convertido en pesadilla ". [113] También fue votado como el mejor de la década en una encuesta Film Comment de" críticos, programadores, académicos, cineastas y otros "internacionales, [114] y por los lectores de la revista. [115] Apareció en listas entre las diez mejores películas de la década, ocupando el tercer lugar según The Guardian , [116] el crítico de Rolling Stone Peter Travers, [117] la Canadian Press, [118] el crítico de Access Hollywood Scott Mantz , [ 119] y octavo en la lista del crítico Michael Phillips .[120] En 2010, The Guardian la nombró la segunda mejor película de autor de la historia. [121] La película fue votada como la undécima mejor película ambientada en Los Ángeles en los últimos 25 años por un grupo deescritores y editoresde Los Angeles Times con el criterio principal de comunicar una verdad inherente sobre la experiencia de Los Ángeles. [122] La revista Empire colocó a Mulholland Drive en el número 391 de su lista de las quinientas películas más importantes de la historia. [123] También ocupó el puesto 38 en elprograma 50 Películas para ver antes de morir del Canal 4 . [124] En 2011, revista en línea Slate nombró a Mulholland Drive en su artículo sobre "New Classics" como la película más duradera desde 2000. [125]

En la encuesta Sight & Sound de 2012 del British Film Institute , Mulholland Drive fue clasificada como la 28ª mejor película jamás realizada. [126] [127] Habiendo recibido 40 votos de la crítica, es una de las dos únicas películas del siglo XXI incluidas en la lista, junto con In the Mood for Love de 2000 . En una encuesta de la BBC de 2015 , ocupó el puesto 21 entre todas las películas estadounidenses. [128] Al año siguiente, Mulholland Drive fue nombrada como la mejor película del siglo XXI en una encuesta realizada por BBC Culture . [129]

Medios domésticos [ editar ]

La película fue lanzada en VHS y DVD por Universal Studios Home Video el 9 de abril de 2002, [130] en los Estados Unidos y Canadá, con algunas características especiales. Fue lanzado sin paradas de capítulo, una característica a la que Lynch objeta con el argumento de que "desmitifica" la película. [131] A pesar de las preocupaciones de Lynch, el DVD incluye una cubierta de inserción que proporciona "David Lynch de 10 pistas para desbloquear este thriller", a pesar de un revisor de DVD señaló que las pistas pueden ser desagradables "grandes pistas falsas ". [82]Nick Coccellato de Eccentric Cinema otorgó a la película una calificación de nueve sobre diez y el DVD lanzó un ocho sobre diez, diciendo que la falta de características especiales "solo aumenta el misterio que la película en sí misma posee, en abundancia". [132] Las características especiales en versiones posteriores y versiones extranjeras del DVD incluyen una entrevista de Lynch en el Festival de Cine de Cannes y lo más destacado del debut de la película en Cannes.

Optimum Home Entertainment lanzó Mulholland Drive al mercado europeo en Blu-ray como parte de su StudioCanal Collection el 13 de septiembre de 2010. [133] Las nuevas características especiales exclusivas de este lanzamiento incluyen: una introducción de Thierry Jousse; In the Blue Box , un documental retrospectivo con directores y críticos; dos documentales de realización: On the Road to Mulholland Drive y Back to Mulholland Drive , y varias entrevistas con personas involucradas en la realización de la película. [134] Es la segunda película de David Lynch en esta línea de Blu-rays después de The Elephant Man . [135]

El 15 de julio de 2015, The Criterion Collection anunció que lanzaría Mulholland Drive , recientemente restaurado a través de una transferencia digital 4K , en DVD y Blu-ray el 27 de octubre de 2015, los cuales incluyen nuevas entrevistas con el equipo de la película y el 2005. edición del libro Lynch on Lynch de Chris Rodley , junto con el avance original y otros extras. [136] [137] Fue la segunda película de Lynch en recibir un lanzamiento de Criterion Collection en DVD y Blu-ray, después de Eraserhead que se lanzó en septiembre de 2014. [138]

Premios y honores [ editar ]

Lynch fue nominado para un premio de la Academia para el mejor director de la película. [139] De parte de Hollywood Foreign Press , la película recibió cuatro nominaciones al Globo de Oro , incluyendo Mejor Película (Drama), Mejor Director y Mejor Guión. [140] Fue nombrado Mejor Película por el New York Film Critics Circle en el 2001 New York Film Critics Circle Awards y Online Film Critics Society .

OtorgarCategoríaRecipienteResultado
premios de la AcademiaMejor directorDavid LynchNominado
Premios de la Academia Británica de CineLa mejor músicaAngelo BadalamentiNominado
Mejor ediciónMary SweeneyGanado
Premios Globo de OroMejor Película - DramaNominado
Mejor directorDavid LynchNominado
Mejor guionNominado
Mejor puntaje originalAngelo BadalamentiNominado
Premios AFIPelícula AFI del añoNominado
Director del añoDavid LynchNominado
Actor del año (femenino)Naomi WattsNominado
Compositor del añoAngelo Badalamenti [85]Nominado
Festival de cine de cannesPalma de OroDavid LynchNominado
Mejor directorDavid Lynch (compartido con Joel Coen por El hombre que no estaba allí ) [94]Ganado
Premios CésarMEJOR PELÍCULA EXTRANJERADavid Lynch [141]Ganado
Premios ALMAMejor actriz en una películaLaura Harring [142]Ganado
Premios de la Crítica de Cine de ChicagoLa mejor películaGanado
Mejor directorDavid LynchGanado
Mejor actrizNaomi Watts [143]Ganado
Premios Independent SpiritMejor fotografíaPeter Deming [144]Ganado
Asociación de Críticos de Cine de Los ÁngelesMejor directorDavid Lynch [145]Ganado
Sociedad Nacional de Críticos de CineLa mejor películaGanado
Mejor directorDavid LynchNominado
Mejor actrizNaomi Watts [146]Ganado
Mejor fotografíaPeter DemingNominado
Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva YorkLa mejor películaGanado
Sociedad de Críticos de Cine en LíneaMejor imagenGanado
Mejor directorDavid LynchGanado
Mejor guión originalGanado
Mejor actrizNaomi WattsGanado
Mejor interpretación revolucionariaGanado
Mejor puntaje originalAngelo BadalamentiGanado
Mejor fotografíaPeter DemingNominado

Ver también [ editar ]

  • Lista de películas con personajes en miniatura

Referencias [ editar ]

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Bibliografía [ editar ]

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Enlaces externos [ editar ]

  • Mulholland Drive en LynchNet.com - incluye entrevistas, dossier de prensa, clips de películas
  • Mulholland Drive en la ronda de críticos
  • Mulholland Drive en IMDb
  • Mulholland Drive en AllMovie
  • Mulholland Drive en Box Office Mojo
  • Mulholland Drive en Metacritic
  • Mulholland Drive en Rotten Tomatoes
  • Lost on Mulholland Drive : centro integral de análisis y recursos
  • "Descifrando las 10 pistas de David Lynch" . Archivado desde el original el 26 de enero de 2007 . Consultado el 1 de febrero de 2005 .- encontrado dentro del DVD [enlace archivado; muerto original]
  • Entrevista de David Lynch sobre Mulholland Drrive