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Robert Delaunay , 1912-13, Le Premier Disque , 134 cm (52,7 pulg.), Colección privada

El arte abstracto utiliza un lenguaje visual de formas, colores y líneas para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de las referencias visuales del mundo. [1] El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, apuntalado por la lógica de la perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. A finales del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que se estaban produciendo en la tecnología , la ciencia y la filosofía.. Las fuentes de las que los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento. [2]

El arte abstracto, el arte no figurativo, el arte no objetivo y el arte no representativo son términos estrechamente relacionados. Son similares, pero tal vez no tengan el mismo significado.

La abstracción indica un alejamiento de la realidad en la representación de imágenes en el arte. Esta desviación de la representación precisa puede ser leve, parcial o completa. La abstracción existe a lo largo de un continuo. Incluso el arte que apunta a la verosimilitud del más alto grado puede decirse que es abstracto, al menos teóricamente, ya que la representación perfecta es imposible. Se puede decir que las obras de arte que se toman libertades, alterando, por ejemplo, el color y la forma de formas llamativas, son parcialmente abstractas. La abstracción total no tiene rastro de referencia alguna a nada reconocible. En la abstracción geométrica , por ejemplo, es poco probable que se encuentren referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y representativo (o realista ) a menudo contiene una abstracción parcial.

Tanto la abstracción geométrica como la lírica son a menudo totalmente abstractas. Entre los muy numerosos movimientos artísticos que encarnan la abstracción parcial se encuentran, por ejemplo, el fauvismo en el que el color se altera de manera conspicua y deliberada frente a la realidad, y el cubismo , que altera las formas de las entidades de la vida real representadas. [3] [4]

Abstracción en el arte temprano y muchas culturas [ editar ]

Artículos principales: Arte prehistórico e historia del arte oriental

Gran parte del arte de culturas anteriores (signos y marcas en cerámica, textiles e inscripciones y pinturas en roca) utilizaba formas simples, geométricas y lineales que podrían haber tenido un propósito simbólico o decorativo. [5] Es en este nivel de significado visual donde se comunica el arte abstracto. [6] Uno puede disfrutar de la belleza de la caligrafía china o la caligrafía islámica sin poder leerla. [7]

Inmortal en tinta salpicada , Liang Kai, China, siglo XII

En la pintura china, la abstracción se remonta al pintor de la dinastía Tang Wang Mo (王 墨), a quien se le atribuye haber inventado el estilo de pintura con tinta salpicada. [8] Si bien no se conserva ninguna de sus pinturas, este estilo se ve claramente en algunas pinturas de la dinastía Song . El pintor budista Chan Liang Kai (梁楷, c. 1140-1210) aplicó el estilo a la pintura de figuras en su "Inmortal en tinta salpicada" en la que se sacrifica la representación precisa para mejorar la espontaneidad vinculada a la mente no racional de los iluminados. Un pintor Song fallecido llamado Yu Jian, adepto al budismo Tiantai, creó una serie de paisajes de tinta salpicada que finalmente inspiraron a muchos pintores zen japoneses. Sus pinturas muestran montañas densamente brumosas en las que las formas de los objetos son apenas visibles y extremadamente simplificadas. Sesshu Toyo continuó este tipo de pintura en sus últimos años.

Mercado de montaña, limpieza de niebla , Yu Jian, China

Otro ejemplo de abstracción en la pintura china se ve en el Círculo Cósmico de Zhu Derun . En el lado izquierdo de este cuadro hay un pino en suelo rocoso, sus ramas entrelazadas con enredaderas que se extienden de manera desordenada hacia el lado derecho del cuadro en el que un círculo perfecto (probablemente realizado con ayuda de una brújula [9] ) flota en el vacío. La pintura es un reflejo de la metafísica taoísta en la que el caos y la realidad son etapas complementarias del curso regular de la naturaleza.

En Tokugawa Japón, algunos monjes-pintores zen crearon Enso , un círculo que representa la iluminación absoluta. Habitualmente realizado en un trazo de pincel espontáneo, se convirtió en el paradigma de la estética minimalista que guió parte de la pintura zen.

Siglo XIX [ editar ]

Artículos principales: Romanticismo , Impresionismo , Postimpresionismo , Expresionismo y Arte espiritualista

El patrocinio de la iglesia disminuyó y el patrocinio privado del público se volvió más capaz de proporcionar un sustento a los artistas. [10] [11] Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo , el Impresionismo y el Expresionismo . La independencia artística de los artistas se avanzó durante el siglo XIX. Un interés objetivo en lo que se ve , se puede discernir en las pinturas de John Constable , JMW Turner , Camille Corot y de ellos a los impresionistas que continuaron la pintura al aire libre de la escuela de Barbizon..

James McNeill Whistler , Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket (1874), Instituto de Artes de Detroit . Una casi abstracción, en 1877 Whistler demandó al crítico de arte John Ruskin por difamación después de que el crítico condenara esta pintura. Ruskin acusó a Whistler de "pedir [ing] doscientas guineas por arrojar un bote de pintura en la cara del público". [12] [13]

James McNeill Whistler había hecho las primeras insinuaciones de un nuevo arte , quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket , (1872), puso más énfasis en la sensación visual que en la representación de objetos. Incluso antes, con sus dibujos de 'espíritu', la elección de Georgiana Houghton de trabajar con formas abstractas se correlaciona con la naturaleza antinatural de su tema, en una época en la que la abstracción "todavía no es un concepto" (organizó una exposición en 1871 ).

Los pintores expresionistas exploraron el uso audaz de la superficie de la pintura, dibujando distorsiones y exageraciones, y el color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas de emoción que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del siglo XIX. Los expresionistas cambiaron drásticamente el énfasis en el tema a favor de la representación de los estados psicológicos del ser. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor obtuvieron influencias principalmente del trabajo de los postimpresionistas , fueron fundamentales para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX. Paul Cezannehabía comenzado como impresionista pero su objetivo - hacer una construcción lógica de la realidad basada en una vista desde un solo punto, [14] con color modulado en áreas planas - se convirtió en la base de un nuevo arte visual, que luego se desarrollaría en el cubismo. de Georges Braque y Pablo Picasso .

Además, a finales del siglo XIX, en Europa del Este, el misticismo y la filosofía religiosa modernista temprana, tal como lo expresó la teósofa Mme. Blavatsky tuvo un profundo impacto en artistas geométricos pioneros como Hilma af Klint y Wassily Kandinsky . La enseñanza mística de Georges Gurdjieff y PD Ouspensky también tuvo una influencia importante en las primeras formaciones de los estilos abstractos geométricos de Piet Mondrian y sus colegas a principios del siglo XX. [15] El espiritismo también inspiró el arte abstracto de Kasimir Malevichy František Kupka . [dieciséis]

Siglo XX [ editar ]

Francis Picabia , c. 1909, Caoutchouc , Centre Pompidou , Musée national d'art moderne , París
Henri Matisse , La cortina amarilla , 1915, Museo de Arte Moderno . Con su color y dibujo fauvista, Matisse se acerca mucho a la abstracción pura.
Artículos principales: pintura occidental , fauvismo y cubismo

El posimpresionismo practicado por Paul Gauguin , Georges Seurat , Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un impacto enorme en el arte del siglo XX y condujo al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno . A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, incluidos el precubista Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Maurice de Vlaminckrevolucionó el mundo del arte parisino con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos que los críticos llamaron fauvismo . Con su uso expresivo del color y su dibujo libre e imaginativo, Henri Matisse se acerca mucho a la abstracción pura en French Window at Collioure (1914), View of Notre-Dame (1914) y The Yellow Curtain de 1915. El lenguaje crudo del color desarrollado por los fauvistas influyó directamente en otro pionero de la abstracción, Wassily Kandinsky .

Aunque el cubismo depende en última instancia del tema, se convirtió, junto con el fauvismo , en el movimiento artístico que abrió directamente la puerta a la abstracción en el siglo XX. Pablo Picasso realizó sus primeros cuadros cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo , esfera y cono . Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso creó dramáticamente una imagen nueva y radical que representa una escena de burdel crudo y primitivo con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerdan las máscaras tribales africanas y su propio nuevo cubista.invenciones. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque , aproximadamente desde 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético , practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger , Juan Gris , Albert Gleizes , Marcel Duchamp y otros en la década de 1920. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage , papier collé y una gran variedad de temáticas fusionadas. Los artistas del collage como Kurt Schwitters y Man Rayy otros que tomaron la pista del cubismo fueron fundamentales para el desarrollo del movimiento llamado Dada .

František Kupka , Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ), 1912, óleo sobre lienzo, 210 x 200 cm, Narodni Galerie, Praga. Publicado en Au Salon d'Automne "Les Indépendants" 1912, expuesto en el Salón de Otoño de 1912, París.
Robert Delaunay, 1912, Ventanas abiertas simultáneamente (primera parte, tercer motivo) , óleo sobre lienzo, 45,7 × 37,5 cm, Tate Modern

El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publicó el Manifiesto del futurismo en 1909, que luego inspiró a artistas como Carlo Carra en Painting of Sounds, Noises and Smells y Umberto Boccioni Train in Motion , 1911, a una etapa posterior de abstracción que, junto con El cubismo , influyó profundamente en los movimientos artísticos de toda Europa. [17]

Durante el Salon de la Section d'Or de 1912 , donde František Kupka exhibió la pintura abstracta Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ) (1912), el poeta Guillaume Apollinaire nombró el trabajo de varios artistas, incluido Robert Delaunay , Orfismo . [18] Lo definió como "el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no se han tomado prestados de la esfera visual, sino que han sido creados íntegramente por el artista ... es un arte puro". [19]

Desde el cambio de siglo, las conexiones culturales entre los artistas de las principales ciudades europeas se habían vuelto extremadamente activas mientras se esforzaban por crear una forma de arte a la altura de las altas aspiraciones del modernismo . Las ideas se pudieron fecundar de forma cruzada por medio de libros de artista, exposiciones y manifiestos, de modo que muchas fuentes estuvieron abiertas a la experimentación y la discusión, y formaron la base para una diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto de The World Backwards da una impresión de la interconexión de la cultura en ese momento: " El conocimiento de David Burliuk sobre los movimientos del arte moderno debe haber sido extremadamente actualizado, para la segunda exposición de Knave of Diamonds, celebrada en enero de 1912 (en Moscú) incluyó no solo pinturas enviadas desde Munich, sino algunos miembros del grupo alemán Die Brücke , mientras que desde París llegaron obras de Robert Delaunay , Henri Matisse y Fernand Léger , así como de Picasso. Durante la primavera, David Burliuk dio dos conferencias sobre cubismo y planeó una publicación polémica, que el Pillo de Diamantes iba a financiar. Se fue al extranjero en mayo y regresó decidido a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter que había surgido de las imprentas mientras estaba en Alemania ". [20]

Desde 1909 hasta 1913, varios artistas crearon muchas obras experimentales en la búsqueda de este 'arte puro': Francis Picabia pintó Caoutchouc , c. 1909, [21] La Primavera , 1912, [22] Danzas en la Primavera [23] y La Procesión, Sevilla , 1912; [24] Wassily Kandinsky pintó Sin título (Primera acuarela abstracta) , 1913, [25] Improvisación 21A , la serie Impression y Cuadro con un círculo (1911); [26] František Kupka había pintado las obras orfistas, Discos de Newton(Estudio para la fuga en dos colores ), 1912 [27] y Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ), 1912; Robert Delaunay pintó una serie titulada Ventanas simultáneas y formas circulares, Soleil n ° 2 (1912-13); [28] Léopold Survage creó Coloured Rhythm (Estudio para la película), 1913; [29] Piet Mondrian , pintado Tableau No. 1 y Composición No. 11 , 1913. [30]

Wassily Kandinsky , sin título (estudio para Composición VII, abstracción Estreno) , acuarela, 1913 [31]
Wassily Kandinsky , Sobre blanco II , 1923

Y la búsqueda continuó: Los dibujos rayistas (Luchizm) de Natalia Goncharova y Mikhail Larionov , usaron líneas como rayos de luz para hacer una construcción. Kasimir Malevich completó su primera obra completamente abstracta, el suprematista , Black Square , en 1915. Otro del grupo suprematista ' Liubov Popova , creó las construcciones arquitectónicas y las construcciones de fuerza espacial entre 1916 y 1921. Piet Mondrian estaba desarrollando su lenguaje abstracto, de horizontalidad y líneas verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, Neoplasticismoera la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros miembros del grupo De Stijl pretendían remodelar el entorno del futuro.

Música [ editar ]

A medida que el arte visual se vuelve más abstracto, desarrolla algunas características de la música: una forma de arte que utiliza los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. Wassily Kandinsky , él mismo un músico aficionado, [32] [33] [34] se inspiró en la posibilidad de que las marcas y el color asociativo resonaran en el alma. Charles Baudelaire propuso la idea de que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos, pero los sentidos están conectados a un nivel estético más profundo.

Estrechamente relacionada con esto, está la idea de que el arte tiene dimensión espiritual y puede trascender la experiencia 'cotidiana', alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India y China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian , Wassily Kandinsky, Hilma af Klint y otros artistas que trabajaban hacia un "estado sin objeto" se interesaron en lo oculto como una forma de crear un objeto "interior". Las formas universales y atemporales que se encuentran en la geometría : el círculo, el cuadrado y el triángulo se convierten en los elementos espaciales del arte abstracto; son, como el color, sistemas fundamentales que subyacen a la realidad visible.

Vanguardia rusa [ editar ]

Kazimir Malevich , Cuadrado negro , 1923, Museo Ruso
Artículos principales: vanguardia rusa y futurismo (arte)

Muchos de los artistas abstractos en Rusia se volvieron constructivistas creyendo que el arte ya no era algo remoto, sino la vida misma. El artista debe convertirse en técnico, aprendiendo a utilizar las herramientas y materiales de la producción moderna. ¡Arte a la vida! fue el lema de Vladimir Tatlin , y el de todos los futuros constructivistas. Varvara Stepanova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y desviaron sus energías hacia el diseño teatral y las obras gráficas. En el otro lado estaban Kazimir Malevich , Anton Pevsner y Naum Gabo. Argumentaron que el arte era esencialmente una actividad espiritual; crear el lugar del individuo en el mundo, no organizar la vida en un sentido práctico y materialista. Muchos de los que eran hostiles a la idea de producción materialista del arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo fue primero a Berlín, luego a Inglaterra y finalmente a América. Kandinsky estudió en Moscú y luego se fue a la Bauhaus . A mediados de la década de 1920, terminó el período revolucionario (1917 a 1921) en el que los artistas tenían libertad para experimentar; y en la década de 1930 solo se permitía el realismo socialista . [35]

La Bauhaus [ editar ]

La Bauhaus de Weimar, Alemania, fue fundada en 1919 por Walter Gropius . [36] La filosofía subyacente al programa de enseñanza fue la unidad de todas las artes plásticas y visuales, desde la arquitectura y la pintura hasta el tejido y las vidrieras. Esta filosofía había surgido de las ideas del movimiento Arts and Crafts en Inglaterra y el Deutscher Werkbund . Entre los profesores se encontraban Paul Klee , Wassily Kandinsky , Johannes Itten , Josef Albers , Anni Albers y László Moholy-Nagy . En 1925, la escuela se trasladó a Dessau y, como el partido naziganó el control en 1932, la Bauhaus fue cerrada. En 1937, una exposición de arte degenerado , 'Entartete Kunst', contenía todo tipo de arte de vanguardia desaprobado por el partido nazi. Entonces comenzó el éxodo: no solo de la Bauhaus sino de Europa en general; a París, Londres y América. Paul Klee fue a Suiza, pero muchos de los artistas de la Bauhaus fueron a Estados Unidos.

Abstracción en París y Londres [ editar ]

Kurt Schwitters , Das Undbild , 1919, Staatsgalerie Stuttgart

Durante la década de 1930, París se convirtió en la sede de artistas de Rusia, Alemania, los Países Bajos y otros países europeos afectados por el auge del totalitarismo . Sophie Tauber y Jean Arp colaboraron en pinturas y esculturas utilizando formas orgánicas / geométricas. La polaca Katarzyna Kobro aplicó ideas de base matemática a la escultura. Los muchos tipos de abstracción ahora muy próximos llevaron a los artistas a intentar analizar las diversas agrupaciones conceptuales y estéticas. Exposición de cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré organizada por Joaquín Torres-García [37] asistido por Michel Seuphor [38]contenía trabajos tanto de neoplasticistas como de abstraccionistas tan variados como Kandinsky, Anton Pevsner y Kurt Schwitters . Criticado por Theo van Doesburg por ser una colección demasiado indefinida, publicó la revista Art Concret estableciendo un manifiesto que define un arte abstracto en el que la línea, el color y la superficie son la realidad concreta. [39] Abstraction-Création, fundado en 1931 como un grupo más abierto, proporcionó un punto de referencia para los artistas abstractos, ya que la situación política empeoró en 1935 y los artistas se reagruparon nuevamente, muchos en Londres. La primera exposición de arte abstracto británico se celebró en Inglaterra en 1935. Al año siguiente, la exposición más internacional Abstract and Concrete fue organizada porNicolete Gray que incluye obras de Piet Mondrian , Joan Miró , Barbara Hepworth y Ben Nicholson . Hepworth, Nicholson y Gabo se trasladaron al grupo de St. Ives en Cornwall para continuar su trabajo "constructivista". [40]

América: mediados de siglo [ editar ]

Artículos principales: Modernismo , Modernismo tardío , Modernismo estadounidense y Surrealismo
Lo anterior es un óleo sobre lienzo de 1939-42 de Mondrian titulado Composición No. 10 . En respuesta a ello, el artista de De Stijl , Theo van Doesburg, sugirió un vínculo entre las obras de arte no representativas y los ideales de paz y espiritualidad. [41]

Durante el ascenso al poder nazi en la década de 1930, muchos artistas huyeron de Europa a Estados Unidos. A principios de la década de 1940, los principales movimientos del arte moderno, el expresionismo, el cubismo, la abstracción, el surrealismo y el dadaísmo estaban representados en Nueva York: Marcel Duchamp , Fernand Léger , Piet Mondrian , Jacques Lipchitz , André Masson , Max Ernst , André Breton , estaban simplemente algunos de los europeos exiliados que llegaron a Nueva York. [42]Las ricas influencias culturales traídas por los artistas europeos fueron destiladas y construidas por pintores locales de Nueva York. El clima de libertad en Nueva York permitió que florecieran todas estas influencias. Las galerías de arte que se habían centrado principalmente en el arte europeo comenzaron a notar la comunidad artística local y el trabajo de artistas estadounidenses más jóvenes que habían comenzado a madurar. Ciertos artistas en este momento se volvieron claramente abstractos en su trabajo maduro. Durante este período, la pintura de Piet Mondrian Composición No. 10 , 1939-1942, caracterizada por colores primarios, fondo blanco y líneas de cuadrícula negras, definió claramente su enfoque radical pero clásico del rectángulo y el arte abstracto en general. Algunos artistas de la época desafiaron la categorización, como Georgia O'Keeffequien, si bien era una abstraccionista modernista, era una inconformista pura en el sentido de que pintaba formas muy abstractas sin unirse a ningún grupo específico de la época.

Con el tiempo, los artistas estadounidenses que trabajaban en una gran diversidad de estilos comenzaron a fusionarse en grupos estilísticos cohesionados. El grupo más conocido de artistas estadounidenses se hizo conocido como los expresionistas abstractos y la Escuela de Nueva York . En la ciudad de Nueva York había una atmósfera que fomentaba el debate y había nuevas oportunidades para aprender y crecer. Los artistas y maestros John D. Graham y Hans Hofmann se convirtieron en importantes figuras puente entre los modernistas europeos recién llegados y los artistas estadounidenses más jóvenes que maduran. Mark Rothko , nacido en Rusia, comenzó con imágenes fuertemente surrealistas que luego se disolvieron en sus poderosas composiciones de colores de principios de la década de 1950. ElEl gesto expresionista y el acto de pintar en sí mismo, adquirieron una importancia primordial para Jackson Pollock , Robert Motherwell y Franz Kline . Mientras que durante la década de 1940, la obra figurativa de Arshile Gorky y Willem de Kooning evolucionó hacia la abstracción a finales de la década. La ciudad de Nueva York se convirtió en el centro y los artistas de todo el mundo gravitaron hacia ella; de otros lugares de América también. [43]

Desarrollos posteriores [ editar ]

Artículos principales: Expresionismo abstracto , Campo de color , Abstracción lírica , Abstracción post-pictórica , Escultura y Arte minimalista.

Arte digital , pintura de borde duro , abstracción geométrica , minimalismo , abstracción lírica , op art, expresionismo abstracto, pintura de campo de color, pintura monocromática , ensamblaje , neo Dada, pintura en forma de lienzo , son algunas direcciones relacionadas con la abstracción en la segunda mitad del siglo XX.

En los Estados Unidos, el arte como objeto tal como se ve en la escultura minimalista de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella se ven hoy como permutaciones más nuevas. Otros ejemplos incluyen la abstracción lírica y el uso sensual del color en el trabajo de pintores tan diversos como Robert Motherwell , Patrick Heron , Kenneth Noland , Sam Francis , Cy Twombly , Richard Diebenkorn , Helen Frankenthaler , Joan Mitchell .

Causalidad [ editar ]

Una explicación sociohistórica que se ha ofrecido para la creciente prevalencia de lo abstracto en el arte moderno, una explicación vinculada al nombre de Theodor W. Adorno , es que tal abstracción es una respuesta y un reflejo de la creciente abstracción de relaciones sociales en la sociedad industrial . [44]

Frederic Jameson ve de manera similar la abstracción modernista como una función del poder abstracto del dinero, equiparando todas las cosas por igual como valores de cambio. [45] El contenido social del arte abstracto es entonces precisamente la naturaleza abstracta de la existencia social - formalidades legales, impersonalización burocrática, información / poder - en el mundo de la modernidad tardía . [46]

Los post-jungianos, por el contrario, verían las teorías cuánticas con su desintegración de las ideas convencionales de forma y materia como subyacente al divorcio de lo concreto y lo abstracto en el arte moderno. [47]

Galería [ editar ]

  • Albert Gleizes , 1910–12, Les Arbres (Los árboles) , óleo sobre lienzo, 41 × 27 cm. Reproducido en Du "Cubisme" , 1912

  • Arthur Dove , 1911–12, Basado en Leaf Forms and Spaces , pastel sobre soporte no identificado. Ahora perdido

  • Francis Picabia , 1912, Tarentelle , óleo sobre lienzo, 73,6 × 92,1 cm, Museo de Arte Moderno de Nueva York. Reproducido en Du "Cubisme"

  • Wassily Kandinsky , 1912, Improvisación 27 ( Garden of Love II), óleo sobre lienzo, 120,3 × 140,3 cm, The Metropolitan Museum of Art , Nueva York. Exhibido en el Armory Show de 1913

  • Pablo Picasso , 1913–14, Cabeza ( Tête ), papel de color cortado y pegado, gouache y carboncillo sobre cartón, 43,5 × 33 cm, Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia, Edimburgo

  • Henri Matisse , 1914, ventana francesa en Collioure , Centre Georges Pompidou , París

  • Hilma af Klint , Svanen ( El cisne ), No. 17, Grupo IX, Serie SUW, octubre de 1914-marzo de 1915. Esta obra abstracta nunca se exhibió durante la vida de af Klint.

  • Theo van Doesburg , Neoplasticismo : 1917, Composición VII ( Las tres gracias )

  • Fernand Léger 1919, The Railway Crossing , óleo sobre lienzo, 53,8 × 64,8 cm, The Art Institute of Chicago

  • Joseph Csaky , Deux figures , 1920, relieve, piedra caliza, policromada, 80 cm, Museo Kröller-Müller , Otterlo

  • Albert Gleizes , 1921, Composición bleu et jaune ( Composition jaune ), óleo sobre lienzo, 200,5 × 110 cm

  • Piet Mondrian , Composición con amarillo, negro, azul, rojo y gris , 1921, Art Institute of Chicago

  • Paul Klee , Fuego en la tarde , 1929

  • Otto Gustaf Carlsund , Rapid (1930), un mural de restaurante Concrete Art , Estocolmo

  • Barnett Newman , Onement 1 , 1948, Museo de Arte Moderno , Nueva York

Ver también [ editar ]

  • Arte abstracto y teosofía
  • Expresionismo abstracto
  • Abstracción en el arte
  • Pintura de acción
  • Artistas abstractos estadounidenses
  • Historia del Arte
  • Periodos de arte
  • Escritura asémica
  • Arte concreto
  • De Stijl
  • Abstracción geométrica
  • Borde duro
  • Historia de la pintura
  • Abstracción lírica
  • Arte abstracto
  • Representación (artes)
  • Espacialismo
  • Surrealismo
  • Pintura occidental

En otros medios

  • Animación abstracta
  • Cómics abstractos
  • Fotografía abstracta
  • Película experimental

Referencias [ editar ]

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Fuentes [ editar ]

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  • ^ Grupa, Gerhard Charles (1985). Cómo mirar una pintura abstracta . Inter Nationes.

Enlaces externos [ editar ]

  • El término "Abstracción" mencionado en el Museo de Arte Moderno por Nelson Goodman de Grove Art Online
  • Explicación del arte no figurativo
  • Tate UK "El arte abstracto es ..."