American Beauty es unapelícula de drama y comedia negra estadounidense de 1999escrita por Alan Ball y dirigida por Sam Mendes . Kevin Spacey interpreta a Lester Burnham, un ejecutivo de publicidad que atraviesa una crisis de la mediana edad cuando se enamora del mejor amigo de su hija adolescente, interpretado por Mena Suvari . Annette Bening interpreta a la materialista esposa de Lester, Carolyn, y Thora Birch interpreta a su insegura hija, Jane. Wes Bentley , Chris Cooper y Allison Janneytambién cuentan. Los académicos han descrito la película como una sátira de las nociones de belleza y satisfacción personal de la clase media estadounidense; El análisis adicional se ha centrado en las exploraciones de la película sobre el amor romántico y paterno, la sexualidad, el materialismo, la autoliberación y la redención.
| belleza americana | |
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 Cartel de estreno teatral. | |
| Dirigido por | Sam Mendes |
| Producido por | |
| Escrito por | Alan Ball |
| Protagonizada | |
| Musica por | Thomas Newman |
| Cinematografía | Conrad L. Hall |
| Editado por | |
| Empresa de producción | Compañía Jinks / Cohen |
| Distribuido por | Fotos de DreamWorks |
| Fecha de lanzamiento |
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| Tiempo de ejecución | 122 minutos [1] |
| País | Estados Unidos |
| Idioma | inglés |
| Presupuesto | $ 15 millones [2] |
| Taquilla | 356,3 millones de dólares [2] |
Ball comenzó a escribir American Beauty como una obra de teatro a principios de la década de 1990, en parte inspirada por el circo mediático que acompañó al juicio de Amy Fisher en 1992. Dejó de lado la obra después de decidir que la historia no funcionaría en el escenario. Después de varios años como guionista de televisión, Ball revivió la idea en 1997 cuando intentó irrumpir en la industria del cine. El guión reescrito tenía una perspectiva cínica influenciada por los frustrantes tiempos de Ball escribiendo para varias comedias de situación. Los productores Dan Jinks y Bruce Cohen llevaron el guión de American Beauty al incipiente estudio DreamWorks , que lo compró por 250.000 dólares, superando a varios otros organismos de producción. DreamWorks financió la producción de $ 15 millones y se desempeñó como su distribuidor en América del Norte. American Beauty marcó el debut cinematográfico del aclamado director de teatro Mendes; cortejado después de sus exitosas producciones de los musicales Oliver! y Cabaret , sin embargo, a Mendes solo se le dio el trabajo después de que se consideró a otros veinte y, según los informes, varios directores de primera categoría rechazaron la oportunidad.
Spacey fue la primera opción de Mendes para el papel de Lester, aunque DreamWorks lo instó a considerar actores más conocidos. Del mismo modo, el estudio sugirió varias actrices para el papel de Carolyn hasta que Mendes le ofreció el papel a Bening sin el conocimiento del estudio. La fotografía principal se llevó a cabo entre diciembre de 1998 y febrero de 1999 en los estudios de sonido en el backlot de Warner Bros. en Burbank , California y en locaciones en Los Ángeles. El estilo de dirección dominante de Mendes fue deliberado y compuesto; Hizo un amplio uso de tomas estáticas y panorámicas lentas y zooms para generar tensión. El director de fotografía Conrad Hall complementó el estilo de Mendes con composiciones de tomas tranquilas para contrastar con los turbulentos eventos en pantalla. Durante la edición, Mendes hizo varios cambios que suavizaron el tono cínico del guión de Ball.
Lanzada en Norteamérica el 17 de septiembre de 1999, American Beauty fue ampliamente aclamada por la crítica y el público; fue la película estadounidense mejor revisada del año y recaudó más de $ 350 millones en todo el mundo contra su presupuesto de $ 15 millones. Los críticos elogiaron la mayoría de los aspectos de la producción, con especial énfasis en Mendes, Spacey y Ball; la crítica tendía a centrarse en la familiaridad de los personajes y el escenario. DreamWorks lanzó una importante campaña para aumentar las posibilidades de éxito de American Beauty en el Oscar ; en la ceremonia de 2000, la película ganó Mejor Película , Mejor Director , Mejor Actor (por Spacey), Mejor Guión Original y Mejor Fotografía . La película fue nominada y ganó muchos otros premios y honores, principalmente por dirección, escritura y actuación.
Gráfico
Lester Burnham es un ejecutivo de revistas de mediana edad que desprecia su trabajo y está infelizmente casado con Carolyn, una neurótica y ambiciosa corredora de bienes raíces. Su hija de 16 años, Jane, aborrece a sus padres y es una animadora a pesar de la baja autoestima. Los nuevos vecinos de los Burnham son el coronel retirado de la Infantería de Marina de los EE. UU. Frank Fitts, su esposa casi catatónica, Barbara, y su hijo adolescente, Ricky, que filma obsesivamente su entorno con una videocámara y recopila cientos de grabaciones en cintas de video en su habitación, mientras usa su trabajo a tiempo parcial como camarero para servir como fachada para vender cannabis. Frank es un estricto disciplinario que previamente obligó a Ricky a ingresar a una academia militar y lo internó brevemente en un hospital psiquiátrico. Jim Olmeyer y Jim Berkley, una pareja gay y socios comerciales que viven cerca, dan la bienvenida a la familia al vecindario; Más tarde, Frank revela su homofobia cuando discute con enojo el encuentro con Ricky.
Durante uno de los juegos de baloncesto de la escuela, Lester tiene una experiencia extracorporal y se enamora de la engreída amiga de Jane, Angela, al verla realizar una rutina de medio tiempo. Comienza a tener fantasías sexuales sobre Angela, en las que los pétalos de rosas rojas son un motivo recurrente. Mientras tanto, Carolyn comienza una aventura con un rival comercial casado, Buddy Kane. Cuando su jefe le informa a Lester que lo van a despedir, Lester lo chantajea para que le dé un paquete de indemnización indulgente y renuncia a su trabajo, y consigue un empleo en un restaurante de comida rápida local. Compra el auto de sus sueños y comienza a hacer ejercicio después de escuchar a Angela decirle a Jane que tendría sexo con él si mejoraba su físico. Empieza a fumar cannabis suministrado por Ricky y coquetea con Angela cada vez que visita a Jane. La amistad de las chicas se desvanece después de que Jane comienza una relación con Ricky, de lo que Angela se burla. Se unen por lo que Ricky considera las imágenes más hermosas que jamás haya filmado: una bolsa de plástico movida por el viento.
Lester descubre la infidelidad de Carolyn, pero reacciona con indiferencia. Buddy termina la aventura por temor a un costoso divorcio. La vergüenza combinada con su falta de éxito profesional lleva a Carolyn a una espiral. Mientras tanto, Frank sospecha de la amistad de Lester y Ricky y luego encuentra las imágenes de su hijo de un Lester desnudo levantando pesas, que Ricky capturó por casualidad. Después de espiar la transacción de drogas de Ricky y Lester, Frank concluye erróneamente que los dos están involucrados sexualmente. Se enfrenta brutalmente a Ricky por su supuesta aventura, acusándolo de ser gay. Ricky admite falsamente el cargo e incita a su padre a que lo expulse de su casa, dándole su libertad. Se muestra a Carolyn angustiada sentada en su auto, donde saca una pistola de la guantera. En casa, Jane discute con Angela sobre su coqueteo con Lester, que se interrumpe cuando Ricky le pide a Jane que se escape con él. Él la persuade para que lo acompañe a la ciudad de Nueva York y amonesta a Angela por ser fea, aburrida y corriente.
Frank aparentemente va a confrontar a Lester, pero luego rompe a llorar, lo abraza e intenta besarlo. Lester rechaza suavemente al coronel, que huye humillado. Lester encuentra a Angela angustiada sentada sola en la oscuridad. Ella le pide que le diga que es hermosa; lo hace, y se besan. Cuando están a punto de tener relaciones sexuales, Angela admite que es virgen, lo que hace que Lester tenga un gran avance en la conciencia. Ahora incapaz de cumplir su fantasía y hacer lo que él considera impropio, Lester la consuela y se unen por sus frustraciones compartidas en la vida. Angela va al baño y Lester sonríe al ver una fotografía familiar en su cocina, y parece haber completado el círculo con su crisis de la mediana edad. En este momento, una figura invisible dispara a Lester en la parte posterior de la cabeza. Ricky y Jane encuentran el cuerpo de Lester, mientras Carolyn se ve en su armario, desechando su arma y llorando histéricamente. Un Frank ensangrentado regresa a casa donde falta un arma de su colección.
La narración final de Lester describe experiencias significativas durante su vida; dice que, a pesar de su muerte, está feliz porque hay tanta belleza en el mundo.
Elenco
- Kevin Spacey como Lester Burnham
- Annette Bening como Carolyn Burnham
- Thora Birch como Jane Burnham
- Wes Bentley como Ricky Fitts
- Mena Suvari como Angela Hayes
- Peter Gallagher como Buddy Kane
- Allison Janney como Barbara Fitts
- Chris Cooper como el Coronel Frank Fitts
- Scott Bakula como Jim Olmeyer
Temas y análisis
Múltiples interpretaciones
Los eruditos y académicos han ofrecido muchas lecturas posibles de American Beauty ; Los críticos de cine están igualmente divididos, no tanto por la calidad de la película, sino por sus interpretaciones. [3] Descrito por muchos como sobre "el significado de la vida" o "la existencia vacía de los suburbios estadounidenses", [4] la película ha desafiado la categorización incluso por parte de los cineastas. Mendes es indeciso y dice que el guión parecía ser sobre algo diferente cada vez que lo leía: "una historia de misterio, un viaje caleidoscópico a través de los suburbios estadounidenses, una serie de historias de amor; ... se trataba de encarcelamiento, ... soledad, [y] belleza. Fue divertido; estaba enojado, triste ". [5] El crítico literario y autor Wayne C. Booth concluye que la película se resiste a cualquier interpretación: "[ American Beauty ] no puede resumirse adecuadamente como 'aquí hay una sátira sobre lo que está mal en la vida estadounidense'; eso minimiza la celebración de la belleza. Es más tentador resumirlo como "un retrato de la belleza que subyace a las miserias y fechorías estadounidenses", pero eso minimiza las escenas de crueldad y horror, y el disgusto de Ball por las costumbres. No se puede resumir ni con Lester ni con la filosofía de Ricky. declaraciones sobre lo que es la vida o cómo se debe vivir ". [3] Sostiene que el problema de interpretar la película está relacionado con el de encontrar su centro: una voz controladora que "[une] todas las opciones". [nb 1] [5] Se sostiene que en American Beauty ' caso s, no es ni Mendes ni bola. [6] Mendes considera que la voz es de Ball, pero incluso aunque el escritor fue "muy influyente" en el set, [5] a menudo tuvo que aceptar desviaciones de su visión, [6] particularmente aquellas que transformaron el tono cínico de su guión. en algo más optimista. [7] Con "innumerables voces que se entrometen en la del autor original", dice Booth, quienes interpretan American Beauty "se han olvidado de sondear el escurridizo centro". Según Booth, el verdadero controlador de la película es la energía creativa "que cientos de personas ponen en su producción, coincidiendo y en desacuerdo, insertando y cortando". [3]
Encarcelamiento y redención
Mendes llamó a American Beauty una película de rito de iniciación sobre el encarcelamiento y el escape del encarcelamiento. La monotonía de la existencia de Lester se establece a través de su lugar de trabajo gris y anodino y su ropa sin carácter. [8] En estas escenas, a menudo se le enmarca como si estuviera atrapado, "reiterando rituales que apenas le agradan". Se masturba en los confines de la ducha; [10] la ducha evoca una celda de la cárcel y la toma es la primera de muchas en las que Lester está confinado detrás de las rejas o dentro de los marcos, [8] [9] como cuando se refleja detrás de columnas de números en un monitor de computadora ", confinado [y] casi tachado ". [10] El académico y autor Jody W. Pennington sostiene que el viaje de Lester es el centro de la historia. [11] Su despertar sexual al conocer a Angela es el primero de varios puntos de inflexión cuando comienza a "[deshacerse] de las responsabilidades de la vida cómoda que ha llegado a despreciar". [12] Después de que Lester comparte un porro con Ricky, su espíritu se libera y comienza a rebelarse contra Carolyn. [13] Cambiado por la "atractiva y profunda confianza" de Ricky, está convencido de que Angela es alcanzable y ve que debe cuestionar su "existencia suburbana banal, insensiblemente materialista"; acepta un trabajo en un establecimiento de comida rápida, lo que le permite retroceder hasta un punto en el que podría "ver toda su vida por delante". [14]
Cuando Carolyn atrapa a Lester masturbándose, su enojada réplica sobre su falta de intimidad es la primera vez que dice en voz alta lo que piensa de ella. [15] Al enfrentar el problema y las "inversiones superficiales de Carolyn en los demás", está tratando de "recuperar una voz en un hogar que [solo respeta] las voces de madre e hija". [14] Su punto de inflexión final llega cuando él y Angela casi tienen relaciones sexuales; [16] después de que ella confiesa su virginidad, él ya no la ve como un objeto sexual, sino como una hija. [17] Él la abraza y la "envuelve". Mendes lo llamó "el final más satisfactorio del viaje [de Lester] que podría haber tenido". Con estas escenas finales, Mendes pretendía mostrarlo al final de una "búsqueda mítica". Después de que Lester saca una cerveza del refrigerador, la cámara lo empuja, luego se detiene frente a un pasillo por el que camina "para encontrar su destino". [16] [18] Habiendo comenzado a actuar de nuevo a su edad, Lester logra el cierre. [17] Mientras sonríe ante una foto familiar, la cámara se desplaza lentamente desde Lester hasta la pared de la cocina, sobre la que salpica sangre cuando suena un disparo; la sartén lenta refleja la paz de su muerte. [19] Su cuerpo es descubierto por Jane y Ricky. Mendes dijo que la mirada de Ricky a los ojos muertos de Lester es "la culminación del tema" de la película: que la belleza se encuentra donde menos se la espera. [20]
Conformidad y belleza
Al igual que otras películas estadounidenses de 1999 , como Fight Club , Bringing Out the Dead y Magnolia , American Beauty instruye a su audiencia a "[llevar] vidas más significativas". [21] La película argumenta en contra de la conformidad, pero no niega que la gente la necesita y la quiere; incluso los personajes homosexuales solo quieren encajar. [22] Jim y Jim, los otros vecinos de los Burnham, son una sátira de la "pareja burguesa gay", [23] que "[invierten] en la similitud insensible" que critica la película en parejas heterosexuales. [nb 2] [24] La académica feminista y autora Sally R. Munt sostiene que American Beauty utiliza sus adornos de "casa de arte" para dirigir su mensaje de inconformidad principalmente a las clases medias, y que este enfoque es un " cliché de la preocupación burguesa". ; ... la premisa subyacente es que el lujo de encontrar un 'yo' individual a través de la negación y la renuncia está siempre disponible para aquellos lo suficientemente ricos como para elegir, y lo suficientemente astutos como para presentarse con simpatía como un rebelde ". [12]
El profesor Roy M. Anker sostiene que el centro temático de la película es su dirección hacia la audiencia para "mirar más de cerca". La apertura combina un punto de vista desconocido del vecindario de los Burnham con la admisión narrada de Lester de que este es el último día de su vida, lo que obliga al público a considerar su propia mortalidad y la belleza que los rodea. [25] También establece una serie de misterios; Anker pregunta, "¿desde qué lugar exactamente, y desde qué estado de ser, está contando esta historia? Si ya está muerto, ¿por qué molestarse con lo que quiera contar sobre su último año de vida? También está la pregunta de cómo ha muerto Lester, o de cómo va a morir ". Anker cree que la escena anterior —la discusión de Jane con Ricky sobre la posibilidad de que él matara a su padre— agrega más misterio. [26] La profesora Ann C. Hall no está de acuerdo; ella dice que al presentar una resolución temprana al misterio, la película permite al público dejarla de lado "para ver la película y sus problemas filosóficos". [27] Mediante este examen de la vida, el renacimiento y la muerte de Lester, American Beauty satiriza las nociones de significado, belleza y satisfacción de la clase media estadounidense. [28] Incluso la transformación de Lester solo se produce debido a la posibilidad de tener relaciones sexuales con Angela; por lo tanto, sigue siendo un "devoto voluntario de la exaltación de los medios populares de la sexualidad masculina pubescente como una ruta sensata hacia la integridad personal". [29] Carolyn está igualmente impulsada por puntos de vista convencionales de la felicidad; Desde su creencia en la felicidad doméstica de la " casa hermosa " hasta su automóvil y su atuendo de jardinería, el dominio de Carolyn es una "atractiva visión milenaria estadounidense de Pleasantville o Edén ". [30] Los Burnham no son conscientes de que son "materialistas filosóficamente y consumidores devotos éticamente" que esperan que los "rudimentos de la belleza estadounidense" les den felicidad. Anker sostiene que "están indefensos frente a los estereotipos económicos y sexuales embellecidos ... que ellos y su cultura han designado para su salvación". [31]
La película presenta a Ricky como su "visionario, ... centro espiritual y místico". [32] Ve la belleza en las minucias de la vida cotidiana, grabando todo lo que puede por temor a perderlo. Le muestra a Jane lo que él considera lo más hermoso que ha filmado: una bolsa de plástico, lanzada al viento frente a una pared. Dice que capturar el momento fue cuando se dio cuenta de que había "toda una vida detrás de las cosas"; siente que "a veces hay tanta belleza en el mundo que siento que no puedo soportarlo ... y mi corazón se va a derrumbar". Anker sostiene que Ricky, al mirar más allá de la "escoria cultural", ha "[captado] el esplendor radiante del mundo creado" para ver a Dios. [33] A medida que avanza la película, los Burnham se acercan a la visión del mundo de Ricky. [34] Lester solo renuncia a su satisfacción personal al final de la película. En la cúspide de tener sexo con Angela, regresa a sí mismo después de que ella admite su virginidad. De repente, enfrentado a una niña, comienza a tratarla como a una hija; Al hacerlo, Lester se ve a sí mismo, a Angela ya su familia "como las criaturas pobres y frágiles pero maravillosas que son". Mira una foto de su familia en tiempos más felices, [35] y muere después de haber tenido una epifanía que le infunde "asombro, alegría y gratitud conmovedora": finalmente ha visto el mundo tal como es. [28]
Según Patti Bellantoni, los colores se utilizan simbólicamente a lo largo de la película, [36] ninguno más que el rojo, que es una importante firma temática que impulsa la historia y "[define] el arco de Lester". Visto por primera vez en colores apagados que reflejan su pasividad, Lester se rodea de rojo mientras recupera su individualidad. [37] La rosa American Beauty se utiliza repetidamente como símbolo; cuando Lester fantasea con Angela, por lo general está desnuda y rodeada de pétalos de rosa. En estas escenas, la rosa simboliza el deseo de Lester por ella. Cuando se asocia con Carolyn, la rosa representa una "fachada para el éxito suburbano". [11] Las rosas se incluyen en casi todas las tomas dentro de la casa de los Burnham, donde significan "una máscara que cubre una realidad sombría y poco hermosa". [31] Carolyn siente que "mientras pueda haber rosas, todo está bien". [31] Corta las rosas y las pone en jarrones, [11] donde adornan su "visión meritoria de lo que constituye la belleza" [31] y comienzan a morir. [11] Las rosas en el jarrón en la escena de seducción de Angela-Lester simbolizan la vida anterior de Lester y Carolyn; la cámara empuja mientras Lester y Angela se acercan, finalmente sacando las rosas, y por lo tanto a Carolyn, fuera de la toma. [16] La epifanía de Lester al final de la película se expresa mediante la lluvia y el uso del rojo, construyendo un crescendo que es un contraste deliberado con la liberación que siente Lester. [38] El uso constante del rojo "adormece [a la audiencia] subliminalmente" para que se acostumbre a él; en consecuencia, deja a la audiencia desprevenida cuando Lester recibe un disparo y su sangre salpica la pared. [37]
Sexualidad y represión
Pennington sostiene que American Beauty define a sus personajes a través de su sexualidad. Los intentos de Lester de revivir su juventud son un resultado directo de su lujuria por Angela, [11] y el estado de su relación con Carolyn se muestra en parte a través de su falta de contacto sexual. También sexualmente frustrada, Carolyn tiene una aventura que la lleva de "perfeccionista fría" a un alma más despreocupada que "[canta] alegremente junto con" la música en su coche. [39] Jane y Angela constantemente hacen referencia al sexo, a través de las descripciones de Angela de sus supuestos encuentros sexuales y la forma en que las chicas se dirigen entre sí. [39] Sus escenas de desnudos se utilizan para comunicar su vulnerabilidad. [16] [40] Al final de la película, el control de Angela sobre Jane se ha debilitado hasta que el único poder que tiene sobre su amiga es la atracción de Lester hacia ella. [41] El coronel Fitts reacciona con disgusto al conocer a Jim y Jim; pregunta: "¿Cómo es que estos maricas siempre tienen que frotártela en la cara? ¿Cómo pueden ser tan desvergonzados?" A lo que Ricky responde: "Esa es la cuestión, papá, no sienten que sea algo de lo que avergonzarse". Pennington sostiene que la reacción del coronel Fitts no es homofóbica, sino un "auto interrogatorio angustiado". [42]
Con otras películas de cambio de milenio como Fight Club (1999), In the Company of Men (1997), American Psycho (2000) y Boys Don't Cry (1999), American Beauty "plantea el más amplio, tema ampliamente explorado de la masculinidad en crisis ". [43] El profesor Vincent Hausmann acusa que en su refuerzo de la masculinidad "contra las amenazas planteadas por la guerra, el consumismo y los desafíos feministas y queer", estas películas presentan la necesidad de "centrarse en, e incluso privilegiar" aspectos de la masculinidad ". considerado 'desviado ' ". La transformación de Lester transmite "que él, y no la mujer, ha sufrido la peor parte de [la falta de ser]" [nb 3] y no tolerará ser castrado. [43] Los intentos de Lester de "fortalecer la masculinidad tradicional" entran en conflicto con sus responsabilidades como padre. Aunque la película retrata la forma en que Lester regresa a ese papel de manera positiva, no se convierte en "la figura hipermasculina implícitamente celebrada en películas como Fight Club ". Hausmann concluye que el comportamiento de Lester hacia Angela es "un paso equivocado pero casi necesario para volver a ser padre". [10]
Hausmann dice que la película "afirma explícitamente la importancia de mantener la prohibición del incesto"; [44] Un tema recurrente del trabajo de Ball es su comparación de los tabúes contra el incesto y la homosexualidad. [45] En lugar de hacer una distinción abierta, American Beauty analiza cómo su represión puede conducir a la violencia. [46] El coronel Fitts está tan avergonzado de su homosexualidad que lo lleva a asesinar a Lester. [42] Ball dijo: "La película trata en parte sobre cómo la homofobia se basa en el miedo y la represión y sobre lo que [ellos] pueden hacer". [47] La película implica dos deseos incestuosos insatisfechos: [22] La búsqueda de Angela por parte de Lester es una manifestación de su lujuria por su propia hija, [48] mientras que la represión del coronel Fitts se exhibe a través de la disciplina casi sexualizada con la que controla a Ricky. . [22] En consecuencia, Ricky se da cuenta de que solo puede lastimar a su padre diciéndole falsamente que es homosexual, mientras que la vulnerabilidad y la sumisión de Angela a Lester le recuerda sus responsabilidades y los límites de su fantasía. [41] El Coronel Fitts representa al padre de Ball, [49] cuyos deseos homosexuales reprimidos lo llevaron a su propia infelicidad. [50] Ball reescribió al coronel Fitts para retrasar su revelación como homosexual, lo que Munt lee como un posible "aplazamiento de las propias fantasías de incesto patriarcal de Ball". [46]
Temporalidad y música
American Beauty sigue una estructura narrativa tradicional, solo desviándose con la escena inicial desplazada de Jane y Ricky de la mitad de la historia. Aunque la trama se extiende por un año, la película es narrada por Lester en el momento de su muerte. Jacqueline Furby dice que la trama "no ocupa ... ningún tiempo [o] todo el tiempo", citando la afirmación de Lester de que la vida no pasó ante sus ojos, sino que "se extiende para siempre como un océano de tiempo". [51] Furby sostiene que un "ritmo de repetición" forma el núcleo de la estructura de la película. [52] Por ejemplo, dos escenas tienen a los Burnham sentados a cenar, filmados desde el mismo ángulo. Cada imagen es muy similar, con pequeñas diferencias en la ubicación de los objetos y el lenguaje corporal que reflejan el cambio de dinámica provocado por la nueva asertividad de Lester. [53] [54] Otro ejemplo es el par de escenas en las que Jane y Ricky se filman entre sí. Ricky filma a Jane desde la ventana de su habitación mientras se quita el sostén, y la imagen se invierte más tarde para una escena similarmente "voyeurista y exhibicionista" en la que Jane filma a Ricky en un momento vulnerable. [51]
Las fantasías de Lester se enfatizan con tomas en cámara lenta y repetitiva; [56] Mendes usa recortes dobles y triples en varias secuencias, [15] [57] y la partitura se altera para que la audiencia se dé cuenta de que está entrando en una fantasía. [58] Un ejemplo es la escena del gimnasio: el primer encuentro de Lester con Angela. Mientras las porristas realizan su rutina de medio tiempo en " On Broadway ", Lester se fija cada vez más en Angela. El tiempo se ralentiza para representar su "hipnosis voyeurista" y Lester comienza a fantasear con que la actuación de Angela es solo para él. [59] "On Broadway", que proporciona un subrayado convencional a la acción en pantalla, se reemplaza por música de percusión discordante que carece de melodía o progresión. Esta partitura no diegética es importante para crear la estasis narrativa en la secuencia; [60] transmite un momento para Lester que se estira a una longitud indeterminada. El efecto es uno que Stan Link compara con el "tiempo vertical", descrito por el compositor y teórico de la música Jonathan Kramer como música que imparte "un presente único extendido en una duración enorme, un 'ahora' potencialmente infinito que, sin embargo, se siente como un instante. ". [nb 4] La música se usa como una pista visual, de modo que Lester y la partitura están mirando a Angela. La secuencia termina con la repentina reintroducción de "On Broadway" y el tiempo teleológico . [55]
Según Drew Miller de Stylus , la banda sonora "[da] voz inconsciente" a la psique de los personajes y complementa el subtexto. El uso más obvio de la música pop "acompaña y contextualiza" los intentos de Lester de recuperar su juventud; Con reminiscencias de cómo la contracultura de la década de 1960 combatió la represión estadounidense a través de la música y las drogas, Lester comienza a fumar cannabis y a escuchar música rock. [nb 5] Las opciones de canciones de Mendes "progresan a través de la historia de la música popular estadounidense". Miller sostiene que, aunque algunos pueden ser demasiado familiares, hay un elemento paródico en funcionamiento, "haciendo bien en el estímulo [de la película] de que los espectadores miran más de cerca". Hacia el final de la película, la banda sonora de Thomas Newman aparece de manera más prominente, creando "un tempo perturbador" que coincide con la tensión de las imágenes. La excepción es " Don't Let It Bring You Down ", que suena durante la seducción de Angela de Lester. En un principio apropiado, su tono choca cuando la seducción se detiene. La letra, que habla de "castillos en llamas", puede verse como una metáfora de la visión de Lester de Angela, "el exterior rosado, impulsado por la fantasía de la 'Belleza estadounidense ' ", cuando se quema para revelar "la tímida y pequeña -Chica de pecho que, como su esposa, ha desarrollado voluntariamente un falso yo público ”. [61]
Producción
Desarrollo
En 1997, Alan Ball decidió entrar en la industria del cine después de varios años frustrantes escribiendo para las comedias de televisión Grace Under Fire y Cybill . Se unió a la United Talent Agency , donde su representante, Andrew Cannava, le sugirió que escribiera un guión específico para "reintroducirse en la ciudad como guionista". Ball lanzó tres ideas a Cannava: dos comedias románticas convencionales y American Beauty , [nb 6] [63] que originalmente había concebido como una obra de teatro a principios de la década de 1990. [64] A pesar de la falta de un concepto fácilmente comercializable en la historia, Cannava seleccionó American Beauty porque sintió que era por lo que Ball tenía más pasión. [65] Mientras desarrollaba el guión, Ball creó otra comedia televisiva, Oh, Grow Up . Canalizó su ira y frustración por tener que acceder a las demandas de la red en ese programa, y durante sus períodos en Grace Under Fire y Cybill, en escribir American Beauty . [63]
Ball no esperaba vender el guión, creyendo que actuaría más como una tarjeta de presentación, pero American Beauty atrajo el interés de varios organismos de producción. [66] Cannava pasó el guión a varios productores, incluidos Dan Jinks y Bruce Cohen , quienes lo llevaron a DreamWorks . [67] Con la ayuda de los ejecutivos Glenn Williamson y Bob Cooper, y Steven Spielberg en su calidad de socio de estudio, Ball se convenció de desarrollar el proyecto en DreamWorks; [68] recibió garantías del estudio, conocido en ese momento por su tarifa más convencional, de que no "arreglaría [los bordes]". [nb 7] [66] En un movimiento inusual, DreamWorks decidió no optar por el guión; [69] en cambio, en abril de 1998, el estudio lo compró [70] por 250.000 dólares, [71] superando en ofertas a Fox Searchlight Pictures , October Films , Metro-Goldwyn-Mayer y Lakeshore Entertainment . [72] DreamWorks planeaba hacer la película por 6 a 8 millones de dólares. [73]
Jinks y Cohen involucraron a Ball durante todo el desarrollo de la película, incluidos el casting y la selección del director. Los productores se reunieron con una veintena de directores interesados, [74] varios de los cuales fueron considerados de primera categoría en ese momento. Ball no estaba interesado en los directores más conocidos porque creía que su participación aumentaría el presupuesto y haría que DreamWorks se pusiera "nerviosa por el contenido". [75] Sin embargo, el estudio ofreció la película a Mike Nichols y Robert Zemeckis ; ninguno aceptado. [73] En el mismo año, Mendes (entonces director de teatro) revivió el musical Cabaret en Nueva York con su colega director Rob Marshall . Beth Swofford de la Agencia de Artistas Creativos organizó reuniones para Mendes con figuras del estudio en Los Ángeles para ver si la dirección de la película era una posibilidad. [nb 8] Mendes se encontró con American Beauty en una pila de ocho guiones en la casa de Swofford, [77] y supo de inmediato que era el que quería hacer; Al principio de su carrera, se había inspirado en cómo la película Paris, Texas (1984) presentaba la América contemporánea como un paisaje mítico y vio el mismo tema en American Beauty , así como paralelismos con su propia infancia. [78] Mendes se reunió más tarde con Spielberg; ¡Impresionado por las producciones de Oliver de Mendes ! y Cabaret , [62] Spielberg lo animó a considerar American Beauty . [73]
Mendes descubrió que todavía tenía que convencer a los ejecutivos de producción de DreamWorks para que le dejaran dirigir. [73] Ya había hablado de la película con Jinks y Cohen, y sintió que lo apoyaban. [79] Ball también estaba interesado; después de haber visto Cabaret , quedó impresionado con el "agudo sentido visual" de Mendes y pensó que no tomaba decisiones obvias. Ball sintió que a Mendes le gustaba mirar debajo de la superficie de la historia, un talento que consideró que encajaría bien con los temas de American Beauty . [75] Los antecedentes de Mendes también lo tranquilizaron, debido al papel destacado que suele tener el dramaturgo en una producción teatral. [74] Durante dos reuniones, la primera con Cooper, Walter Parkes y Laurie MacDonald , [79] la segunda con Cooper solo [80], Mendes se lanzó al estudio. [79] El estudio pronto se acercó a Mendes con un trato para dirigir por el salario mínimo permitido bajo las reglas del Gremio de Directores de América : $ 150,000. Mendes aceptó y luego recordó que después de impuestos y la comisión de su agente, solo ganaba $ 38,000. [80] En junio de 1998, DreamWorks confirmó que había contratado a Mendes para dirigir la película. [81]
Escritura
—Alan Ball, 2000 [82]
Ball se inspiró en parte en dos encuentros que tuvo a principios de la década de 1990. Aproximadamente en 1991-1992, Ball vio una bolsa de plástico ondeando al viento frente al World Trade Center . Observó la bolsa durante diez minutos, y luego dijo que provocó una "respuesta emocional inesperada". [83] En 1992, Ball se preocupó por el circo mediático que acompañó al juicio de Amy Fisher . [65] Al descubrir un cómic que relataba el escándalo, le sorprendió lo rápido que se había comercializado. [64] Dijo que "sentía que había una historia real debajo [que era] más fascinante y mucho más trágica" que la historia presentada al público, [65] e intentó convertir la idea en una obra de teatro. Ball produjo alrededor de 40 páginas, [64] pero se detuvo cuando se dio cuenta de que funcionaría mejor como película. [65] Sintió que debido a los temas visuales, y debido a que la historia de cada personaje era "intensamente personal", no se podía hacer en un escenario. Todos los personajes principales aparecieron en esta versión, pero Carolyn no apareció con fuerza; Jim y Jim, en cambio, tenían papeles mucho más importantes. [84]
Ball basó la historia de Lester en aspectos de su propia vida. [85] El reexamen de su vida por parte de Lester es similar a los sentimientos que tenía Ball cuando tenía 30 años; [86] al igual que Lester, Ball dejó de lado sus pasiones para trabajar en trabajos que odiaba por personas a las que no respetaba. [85] Las escenas en la casa de Ricky reflejan las propias experiencias de la infancia de Ball. [66] Ball sospechaba que su padre era homosexual y utilizó la idea para crear al coronel Fitts, un hombre que "renunció a su oportunidad de ser él mismo". [87] Ball dijo que la mezcla de comedia y drama del guión no fue intencional, sino que surgió inconscientemente de su propia perspectiva de la vida. Dijo que la yuxtaposición produjo un contraste más marcado, dando a cada rasgo más impacto que si aparecieran solos. [88]
En el guión que se envió a los posibles actores y directores, Lester y Angela tuvieron relaciones sexuales; [89] en el momento del rodaje, Ball había reescrito la escena a la versión final. [90] Ball inicialmente rechazó el consejo de otros de que cambiara el guión, sintiendo que estaban siendo puritanos; el ímpetu final para alterar la escena provino del entonces presidente de DreamWorks, Walter Parkes. Convenció a Ball al indicar que en la mitología griega , el héroe "tiene un momento de epifanía antes de que ... ocurra la tragedia". [91] Ball dijo más tarde que su enojo al escribir el primer borrador lo había cegado a la idea de que Lester necesitaba rechazar el sexo con Angela para completar su viaje emocional, para lograr la redención. [90] Jinks y Cohen le pidieron a Ball que no modificara la escena de inmediato, ya que sentían que sería inapropiado hacer cambios en el guión antes de que se contratara a un director. [92] Los primeros borradores también incluyeron un flashback del servicio del Coronel Fitts en los Marines, una secuencia que estableció inequívocamente sus inclinaciones homosexuales. Enamorado de otro infante de marina, el coronel Fitts ve morir al hombre y llega a creer que está siendo castigado por el "pecado" de ser gay. Ball eliminó la secuencia porque no se ajustaba a la estructura del resto de la película — Col. Fitts fue el único personaje que tuvo un flashback [93], y porque eliminó el elemento sorpresa del pase posterior del coronel Fitts a Lester. [92] Ball dijo que tenía que escribirlo en su propio beneficio para saber qué le sucedió al coronel Fitts, aunque todo lo que quedaba en borradores posteriores era un subtexto. [93]
Ball permaneció involucrado durante toda la producción; [74] había firmado un contrato de desarrollo de un programa de televisión, por lo que tuvo que obtener el permiso de sus productores para tomarse un año libre para estar cerca de American Beauty . [89] Ball estuvo en el set para reescribir y ayudar a interpretar su guión durante todos los días de filmación excepto dos. [94] Sus escenas originales de sujetalibros, en las que Ricky y Jane son procesados por el asesinato de Lester después de haber sido incriminados por el coronel Fitts [95], fueron eliminados en posproducción ; [65] el escritor más tarde sintió que las escenas eran innecesarias, diciendo que eran un reflejo de su "ira y cinismo" en el momento de escribir (ver " Edición "). [88] Ball y Mendes revisaron el guión dos veces antes de enviarlo a los actores, y dos veces más antes de la primera lectura completa. [75]
El guión de rodaje presenta una escena en el automóvil de Angela en la que Ricky y Jane hablan sobre la muerte y la belleza; la escena difiere de las versiones anteriores, que la establecen como una "gran escena en una autopista" [96] en la que los tres presencian un accidente automovilístico y ven un cadáver. [97] El cambio fue una decisión práctica, ya que la producción estaba retrasada y necesitaban recortar costos. [96] El calendario exigía que se dedicaran dos días a filmar el accidente, pero solo se disponía de medio día. [97] Ball estuvo de acuerdo, pero solo si la escena pudiera retener una línea de Ricky donde reflexiona sobre haber visto una vez a una mujer sin hogar muerta: "Cuando ves algo así, es como si Dios te estuviera mirando directamente, solo por un segundo . Y si tiene cuidado, puede mirar hacia atrás ". Jane pregunta: "¿Y qué ves?" Ricky: "Belleza". Ball dijo: "Querían cortar esa escena. Dijeron que no es importante. Yo dije: 'Estás loco. ¡Es una de las escenas más importantes de la película!' ... Si alguna línea es el corazón y el alma de esta película, esa es la línea ". [96] Otra escena fue reescrita para adaptarse a la pérdida de la secuencia de la autopista; ambientada en el patio de una escuela, presenta un "punto de inflexión" para Jane, ya que elige caminar a casa con Ricky en lugar de ir con Angela. [97] Al final de la filmación, el guión había pasado por diez borradores. [75]
Fundición
Primera fila : Wes Bentley, Chris Cooper, Mena Suvari, Kevin Spacey
Segunda fila : Annette Bening, Thora Birch, Allison Janney
Mendes tenía en mente a Spacey y Bening como protagonistas desde el principio, pero los ejecutivos de DreamWorks no estaban entusiasmados. El estudio sugirió varias alternativas, incluidos Bruce Willis , Kevin Costner y John Travolta para interpretar a Lester (el papel también se le ofreció a Chevy Chase , pero él lo rechazó), [98] mientras que se propuso a Helen Hunt o Holly Hunter para interpretar a Carolyn. Mendes no quería que una gran estrella "pesara la película"; sintió que Spacey era la elección correcta en base a sus actuaciones en las películas de 1995 The Usual Suspects y Seven , y Glengarry Glen Ross de 1992 . [99] Spacey se sorprendió; dijo: "Por lo general, interpreto personajes que son muy rápidos, muy manipuladores e inteligentes ... Por lo general, me sumerjo en aguas oscuras y traicioneras. Este es un hombre que vive paso a paso, jugando según sus instintos. en realidad, mucho más cerca de mí, de lo que soy, que esas otras partes ". [71] Mendes le ofreció a Bening el papel de Carolyn sin el consentimiento del estudio; aunque los ejecutivos estaban molestos con Mendes, [99] en septiembre de 1998, DreamWorks había iniciado negociaciones con Spacey y Bening. [100] [101]
Spacey basó vagamente el comportamiento "idiota" de Lester en Walter Matthau . [102] Durante la película, el físico de Lester mejora de flácido a tonificado; [103] Spacey trabajó durante la filmación para mejorar su cuerpo, [104] pero debido a que Mendes filmó las escenas fuera de orden cronológico, Spacey varió posturas para retratar los escenarios. [103] Antes de filmar, Mendes y Spacey analizaron la actuación de Jack Lemmon en The Apartment (1960), porque Mendes quería que Spacey emulara "la forma en que [Lemmon] se movía, la forma en que se veía, la forma en que estaba en esa oficina y el de manera que era un hombre corriente y, sin embargo, un hombre especial ". [71] La voz en off de Spacey es un retroceso a Sunset Boulevard (1950), que también es narrada en retrospectiva por un personaje muerto. Mendes sintió que evocaba la soledad de Lester y de la película. [8] Bening recordó a mujeres de su juventud para informar su actuación: "Solía cuidar niños constantemente. Ibas a la iglesia y veías cómo la gente se presentaba en el exterior, y luego entrabas en su casa y veías la diferencia". Bening y un estilista colaboraron para crear un peinado de "cofia de presidente de la PTA ", y Mendes y la diseñadora de producción Naomi Shohan investigaron catálogos de pedidos por correo para establecer mejor el entorno de Carolyn de una "mansión suburbana impecable". [105] Para ayudar a Bening a entrar en la mentalidad de Carolyn, Mendes le dio la música que creía que le gustaría a Carolyn. [106] Le prestó a Bening la versión de Bobby Darin de la canción " Don't Rain on My Parade ", que disfrutó y convenció al director para que la incluyera en una escena en la que Carolyn canta en su coche. [105]
Para los papeles de Jane, Ricky y Angela, DreamWorks le dio carta blanca a Mendes . [107] En noviembre de 1998, Thora Birch , Wes Bentley y Mena Suvari habían sido elegidos para los papeles [108], en el caso de Birch, a pesar de que tenía 16 años y fue considerada menor de edad por una breve escena de desnudo, que su los padres tenían que aprobarlo. Los representantes del trabajo infantil acompañaron a los padres de Birch en el set durante el rodaje de la escena del desnudo. [109] [110] Bentley superó la competencia de los mejores actores menores de 25 años para ser elegido. [108] El documental de 2009 My Big Break siguió a Bentley, y varios otros actores jóvenes, antes y después de conseguir el papel. [111] Para prepararse, Mendes le proporcionó a Bentley una cámara de video, diciéndole al actor que filmara lo que Ricky haría. [106] Peter Gallagher y Allison Janney fueron elegidos (como Buddy Kane y Barbara Fitts) después de que comenzara el rodaje en diciembre de 1998. [112] [113] Mendes le dio a Janney un libro de pinturas de Edvard Munch . Él le dijo: "Tu personaje está ahí en alguna parte". [106] Mendes cortó gran parte del diálogo de Barbara, [114] incluidas las conversaciones entre el coronel Frank Fitts y ella, ya que sintió que lo que había que decir sobre la pareja, su humanidad y vulnerabilidad, se transmitió con éxito a través de sus momentos de silencio compartidos. [115] Chris Cooper interpreta al coronel Frank Fitts, Scott Bakula interpreta a Jim Olmeyer y Sam Robards interpreta a Jim Berkley. [116] Jim y Jim fueron representados deliberadamente como la pareja más normal, feliz y aburrida de la película. [47] La inspiración de Ball para los personajes provino de un pensamiento que tuvo después de ver una "pareja heterosexual aburrida y aburrida" que vestía ropa a juego: "No puedo esperar el momento en que una pareja gay pueda ser igual de aburrida". Ball también incluyó aspectos de una pareja gay que conocía y que tenía el mismo nombre. [87]
Mendes insistió en dos semanas de ensayos del elenco, aunque las sesiones no fueron tan formales como él estaba acostumbrado en el teatro, y los actores no pudieron estar presentes en todas. [106] Se incorporaron al guión varias improvisaciones y sugerencias de los actores. [75] Más tarde se insertó una escena temprana que mostraba a los Burnham saliendo de casa para ir al trabajo para mostrar el punto bajo al que había llegado la relación de Carolyn y Lester. [8] Spacey y Bening trabajaron para crear un sentido del amor que Lester y Carolyn alguna vez tuvieron el uno por el otro; por ejemplo, la escena en la que Lester casi seduce a Carolyn después de que la pareja discute sobre la compra de un automóvil por parte de Lester fue originalmente "estrictamente contenciosa". [117]
Rodaje
La fotografía principal duró alrededor de 50 días [118] desde el 14 de diciembre de 1998, [119] hasta febrero de 1999. [120] American Beauty se filmó en los estudios de sonido en el backlot de Warner Bros. en Burbank, California, y en Hancock Park y Brentwood en Los Ángeles. [38] Las tomas aéreas al principio y al final de la película fueron capturadas en Sacramento, California , [121] y muchas de las escenas escolares se rodaron en South High School en Torrance, California ; varios extras en la multitud del gimnasio eran estudiantes de South High. [122] La película está ambientada en un vecindario de clase media alta en una ciudad estadounidense no identificada. La diseñadora de producción Naomi Shohan comparó el lugar con Evanston, Illinois , pero dijo: "no se trata de un lugar, se trata de un arquetipo ... El medio era prácticamente cualquier lugar, EE. UU., Suburbios con movilidad ascendente". La intención era que el escenario reflejara a los personajes, que también son arquetipos. Shohan dijo: "Todos ellos están muy tensos y sus vidas son construcciones". La casa de los Burnham fue diseñada como el reverso de la de los Fitt: la primera era un ideal prístino, pero sin gracia y sin "equilibrio interno", lo que llevó al deseo de Carolyn de al menos darle la apariencia de una "familia perfecta para todos los estadounidenses". ; La casa de los Fitts está representada en "oscuridad [y] simetría exagerada". [38]
La producción seleccionó dos propiedades adyacentes en "Blondie Street" del lote de Warner para las casas de Burnham y Fitts. [nb 9] [38] El equipo reconstruyó las casas para incorporar habitaciones falsas que establecieran líneas de visión, entre las ventanas del dormitorio de Ricky y Jane, y entre el dormitorio de Ricky y el garaje de Lester. [123] Las ventanas del garaje se diseñaron específicamente para obtener la toma crucial hacia el final de la película en la que el coronel Fitts, mirando desde la habitación de Ricky, asume erróneamente que Lester le está pagando a Ricky por sexo. [104] Mendes se aseguró de establecer la línea de visión al principio de la película para que el público se sintiera familiarizado con la toma. [124] Los interiores de la casa se filmaron en el backlot, en el lugar y en el escenario de sonido cuando se necesitaban tomas desde arriba. [38] El interior de la casa de los Burnham fue baleado en una casa cerca de la Interestatal 405 y Sunset Boulevard en Los Ángeles; el interior de la casa de los Fitts recibió un disparo en el barrio Hancock Park de la ciudad. [123] El dormitorio de Ricky fue diseñado para ser parecido a una celda para sugerir su personalidad "monacal", mientras que al mismo tiempo se mezclaba con el equipo de alta tecnología para reflejar su lado voyeurista. La producción minimizó deliberadamente el uso del rojo, ya que era una firma temática importante en otros lugares. La casa de los Burnham usa azules fríos, mientras que la de los Fitts se mantiene en una "paleta militar deprimida". [38]
El estilo visual dominante de Mendes era deliberado y compuesto, con un diseño minimalista que proporcionaba "una sensación escasa, casi surrealista, una versión brillante, nítida, de bordes duros, casi como Magritte, de los suburbios estadounidenses"; Mendes constantemente ordenaba a sus aparadores para vaciar el marco. Hizo que las escenas de fantasía de Lester fueran "más fluidas y elegantes", [18] y Mendes hizo un uso mínimo de las cámaras fijas , sintiendo que las tomas estables generaban más tensión. Por ejemplo, cuando Mendes usó un empujón lento hacia la mesa de la cena de los Burnham, mantuvo el tiro porque su formación como director de teatro le enseñó la importancia de poner distancia entre los personajes. Quería mantener la tensión en la escena, por lo que solo se cortó cuando Jane se levantó de la mesa. [nb 10] [102] Mendes usó una cámara de mano para la escena en la que el coronel Fitts vence a Ricky. Mendes dijo que la cámara proporcionó a la escena una "energía cinética ... desequilibrada". También tomó en la mano los extractos de las imágenes de la videocámara de Ricky. [40] Mendes tardó mucho en conseguir que la calidad del metraje de Ricky estuviera al nivel que quería. [102] Para las imágenes de la bolsa de plástico, Mendes usó máquinas de viento para mover la bolsa en el aire. La escena tomó cuatro tomas; dos por la segunda unidad no satisfizo a Mendes, por lo que él mismo filmó la escena. Sintió que a su primera toma le faltaba gracia, pero para el último intento, cambió la ubicación al frente de una pared de ladrillos y agregó hojas en el suelo. Mendes se mostró satisfecho por la forma en que la pared definió el contorno de la bolsa. [126]
Mendes evitó usar primeros planos , ya que creía que la técnica se usaba en exceso; También citó el consejo de Spielberg de que debería imaginarse una silueta de la audiencia en la parte inferior del monitor de la cámara, para tener en cuenta que estaba filmando para mostrar en una pantalla de 40 pies (10 m). [16] Spielberg, quien visitó el set varias veces, también le aconsejó a Mendes que no se preocupara por los costos si tenía una "gran idea" hacia el final de un largo día de trabajo. Mendes dijo: "Eso sucedió tres o cuatro veces, y todas están en la película". [127] A pesar del apoyo de Spielberg, DreamWorks y Mendes lucharon constantemente por el calendario y el presupuesto, aunque el estudio interfirió poco con el contenido de la película. [18] Spacey, Bening y Hall trabajaron por mucho menos de lo habitual. American Beauty le costó a DreamWorks $ 15 millones para producir, ligeramente por encima de su suma proyectada. [128] Mendes estaba tan insatisfecho con sus primeros tres días de filmación que obtuvo permiso de DreamWorks para volver a filmar las escenas. Dijo: "Empecé con una escena equivocada, en realidad, una escena de comedia. [Nb 11] Y los actores la interpretaron demasiado grande: ... estaba mal filmada, mi culpa, mal compuesta, mi culpa, mal vestuario, mi culpa ...; y todos estaban haciendo lo que les pedía. Todo fue mi culpa ". Consciente de que era un novato, Mendes se basó en la experiencia de Hall: "Tomé una decisión muy consciente desde el principio, si no entendía algo técnicamente, para decir, sin vergüenza, 'No entiendo lo que estás hablando, por favor explícalo ' ". [71]
Mendes fomentó la improvisación; por ejemplo, cuando Lester se masturba en la cama junto a Carolyn, el director le pidió a Spacey que improvisara varios eufemismos para el acto en cada toma. Mendes dijo: "Quería eso no solo porque era divertido ... sino porque no quería que pareciera ensayado. Quería que pareciera que se lo estaba soltando de la boca sin pensar. [Spacey] es tan en control, quería que él se abriera paso ". Spacey obedeció, y finalmente llegó a 35 frases, pero Bening no siempre pudo mantener la cara seria, lo que significaba que la escena tuvo que filmarse diez veces. [127] La producción utilizó pequeñas cantidades de imágenes generadas por computadora . La mayoría de los pétalos de rosa en las fantasías de Lester se agregaron en posproducción, [57] aunque algunos eran reales y los cables que los sujetaban se eliminaron digitalmente. [129] Cuando Lester fantasea con Angela en un baño de pétalos de rosa, el vapor era real, salvo en la toma cenital. Para posicionar la cámara se tuvo que hacer un agujero en el techo, por donde escapaba el vapor; en cambio, se agregó digitalmente. [15]
Edición
American Beauty fue editada por Christopher Greenbury y Tariq Anwar ; Greenbury comenzó en el puesto, pero tuvo que irse a la mitad de la postproducción debido a un conflicto de programación con Me, Myself and Irene (2000). Mendes y un asistente editaron la película durante diez días entre las citas. [130] Mendes se dio cuenta durante el montaje de que la película era diferente a la que había imaginado. Creía que había estado haciendo una película "mucho más caprichosa, ... caleidoscópica" que la que se reunió en la suite de edición. En cambio, Mendes se sintió atraído por la emoción y la oscuridad; comenzó a utilizar la partitura y las tomas que había tenido la intención de descartar para elaborar la película en este sentido. [131] En total, cortó unos 30 minutos de su edición original. [118] La apertura incluyó un sueño en el que Lester se imagina volando sobre la ciudad. Mendes pasó dos días filmando Spacey contra la pantalla azul , pero eliminó la secuencia porque creía que era demasiado caprichosa, "como una película de los hermanos Coen ", y por lo tanto inapropiada para el tono que estaba tratando de establecer. [102] La apertura en el corte final reutilizó una escena de la mitad de la película donde Jane le dice a Ricky que mate a su padre. [8] Esta escena iba a ser la revelación a la audiencia de que la pareja no era responsable de la muerte de Lester, ya que la forma en que se anotó y actuó dejó en claro que la solicitud de Jane no era seria. Sin embargo, en la parte que usó en la apertura, y cuando la escena completa se desarrolla más tarde, Mendes usó la partitura y una reacción de Ricky para dejar una ambigüedad persistente en cuanto a su culpa. [132] La toma siguiente, una vista aérea del vecindario, fue originalmente pensada como la toma de la placa para los efectos de pantalla azul en la secuencia del sueño. [102]
Mendes pasó más tiempo recortando los primeros diez minutos que el resto de la película en conjunto. Probó varias versiones de la apertura; [8] la primera edición incluyó escenas de sujetalibros en las que Jane y Ricky son condenados por el asesinato de Lester, [133] pero Mendes las eliminó en la última semana de edición [8] porque sintió que hicieron que la película perdiera su misterio, [134] y porque no encajaban con el tema de la redención que había surgido durante la producción. Mendes creía que el juicio desvió la atención de los personajes y convirtió la película "en un episodio de NYPD Blue ". En cambio, quería que el final fuera "una mezcla poética de sueño, memoria y resolución narrativa". [18] Cuando Ball vio por primera vez una edición completa, era una versión con versiones truncadas de estas escenas. Sintió que eran tan cortos que "realmente no se registraron". Mendes y él argumentaron, [94] pero Ball fue más tolerante después de que Mendes cortó las secuencias por completo; Ball sintió que sin las escenas, la película era más optimista y se había convertido en algo que "a pesar de su oscuridad tenía un corazón realmente romántico". [95]
Cinematografía
Conrad Hall no fue la primera opción para director de fotografía; Mendes creía que era "demasiado mayor y demasiado experimentado" para querer el trabajo, y le habían dicho que era difícil trabajar con Hall. En cambio, Mendes le preguntó a Frederick Elmes , quien rechazó el trabajo porque no le gustaba el guión. [135] Hall fue recomendado a Mendes por Tom Cruise , debido al trabajo de Hall en Without Limits (1998), que Cruise había sido productor ejecutivo. Mendes estaba dirigiendo a la entonces esposa de Cruise, Nicole Kidman, en la obra The Blue Room durante la preproducción de American Beauty , [123] y ya había hecho un guión gráfico de toda la película. [62] Hall estuvo involucrado durante un mes durante la preproducción; [123] sus ideas para iluminar la película comenzaron con su primera lectura del guión, y los pases posteriores le permitieron refinar su enfoque antes de conocer a Mendes. [136] Hall estaba inicialmente preocupado porque al público no le agradarían los personajes; solo se sintió capaz de identificarse con ellos durante los ensayos del elenco, lo que le dio nuevas ideas sobre su enfoque de las imágenes. [123]
El enfoque de Hall fue crear composiciones pacíficas que evocaran el clasicismo , para contrastar con los turbulentos eventos en pantalla y permitir que el público participara en la acción. Hall y Mendes discutieron primero el estado de ánimo previsto para una escena, pero se le permitió iluminar la toma de la forma que creyera necesaria. [136] En la mayoría de los casos, Hall primero iluminó el sujeto de la escena "pintando" los blancos y negros, antes de agregar luz de relleno , que reflejó desde un tablero de abalorios o cartulina blanca en el techo. Este enfoque le dio a Hall más control sobre las sombras mientras mantenía la luz de relleno discreta y las áreas oscuras libres de derrames. [137] Hall filmó American Beauty en una relación de aspecto de 2,39: 1 en el formato Super 35 , principalmente utilizando una película de 35 mm Kodak Vision 500T 5279 . [138] Usó Super 35 en parte porque su alcance más grande le permitió capturar elementos como las esquinas de la piscina llena de pétalos en su toma aérea, creando un marco alrededor de Angela en su interior. [129] Filmó toda la película en el mismo T-stop (T1.9); [138] dada su preferencia por disparar con tanta amplitud, Hall prefirió las culatas de alta velocidad para permitir efectos de iluminación más sutiles. [137] Usó cámaras Panavision Platinum con la serie Primo de lentes prime y zoom de la compañía . Hall utilizó material de archivo Kodak Vision 200T 5274 y EXR 100T 5248 para escenas con efectos de luz diurna. Tuvo dificultades para adaptarse al material de impresión de lanzamiento Vision recientemente presentado por Kodak, que, combinado con su estilo de iluminación con mucho contraste, creaba una apariencia con demasiado contraste. Hall se puso en contacto con Kodak, quien le envió un lote de 5279 que era un cinco por ciento más bajo en contraste. Salón utilizó un 1/8 de pulgada Tifien Negro Promist filtro para casi todas las escenas, que dijo que en retrospectiva puede no haber sido la mejor elección, ya que los pasos ópticos necesarios para soplar Super 35 para su anamórfico copia de distribución dado lugar a una ligera cantidad de degradación; por lo tanto, no se requirió la difusión del filtro. Cuando vio la película en un cine, Hall sintió que la imagen era un poco confusa y que si no hubiera usado el filtro, la difusión de la conversión anamórfica Super 35 habría generado una imagen más cercana a lo que pretendía originalmente. [138]
Una toma en la que Lester y Ricky comparten un porro de cannabis detrás de un edificio proviene de un malentendido entre Hall y Mendes. Mendes le pidió a Hall que preparara la toma en su ausencia; Hall asumió que los personajes buscarían privacidad, por lo que los colocó en un pasaje estrecho entre un camión y el edificio, con la intención de iluminar desde la parte superior del camión. Cuando Mendes regresó, explicó que a los personajes no les importaba que los vieran. Sacó la camioneta y Hall tuvo que repensar la iluminación; lo encendió desde la izquierda, con una gran luz atravesando a los actores, y con una luz suave detrás de la cámara. Hall sintió que el plano amplio resultante "funcionó perfectamente para el tono de la escena". [138] Hall se aseguró de mantener la lluvia, o la sugerencia de ella, en cada toma cerca del final de la película. En una toma durante el encuentro de Lester con Angela en la casa de los Burnham, Hall creó efectos de lluvia en las luces cruzadas de primer plano; en otro, encendió parcialmente el par a través de ventanas francesas a las que había agregado material para hacer que la lluvia corriera más lenta, intensificando la luz (aunque la fuerza de la luz exterior no era realista para una escena nocturna, Hall sintió que estaba justificado debido a la fuerte intensidad de la luz). contrasta que produjo). Para los primeros planos cuando Lester y Angela se mueven al sofá, Hall trató de mantener la lluvia en el marco, iluminando a través de la ventana el techo detrás de Lester. [137] También usó cajas de lluvia para producir patrones de lluvia donde quería sin iluminar toda la habitación. [139]
Música
La puntuación de Thomas Newman se registró en Santa Mónica, California . [71] Usó principalmente instrumentos de percusión para crear el estado de ánimo y el ritmo, cuya inspiración fue proporcionada por Mendes. [140] Newman "favoreció el pulso, el ritmo y el color sobre la melodía", lo que lo convirtió en una partitura más minimalista que la que había creado anteriormente. Construyó cada pista alrededor de "frases pequeñas que se repiten sin cesar", a menudo, la única variedad a través de un "adelgazamiento de la textura para ocho compases ". [141] Los instrumentos de percusión incluían tablas , bongos , platillos, piano, xilófonos y marimbas ; también se presentaron guitarras, flauta e instrumentos musicales del mundo . [140] Newman también usó música electrónica y en pistas "más extravagantes" empleó métodos menos ortodoxos, como golpear cuencos de metal con un dedo y usar una mandolina desafinada . [141] Newman creía que la partitura ayudó a hacer avanzar la película sin alterar la "ambigüedad moral" del guión: "Fue un acto de equilibrio realmente delicado en términos de lo que la música funcionó para preservar [eso]". [140]
La banda sonora incluye canciones de Newman, Bobby Darin, The Who , Free , Eels , The Guess Who , Bill Withers , Betty Carter , Peggy Lee , The Folk Implosion , Gomez y Bob Dylan , así como dos versiones : The Beatles ' " Porque ", interpretada por Elliott Smith , y "Don't Let It Bring You Down" de Neil Young , interpretada por Annie Lennox . [116] Producido por el supervisor musical de la película Chris Douridas , [142] un álbum de banda sonora abreviado fue lanzado el 5 de octubre de 1999 y fue nominado a un premio Grammy por Mejor Álbum de Banda Sonora . Un álbum con 19 pistas de la banda sonora de Newman fue lanzado el 11 de enero de 2000 y ganó el premio Grammy al Mejor Álbum de Banda Sonora . [143] El cineasta consideró que la banda sonora es una de las mejores de Newman y dijo que "[permitió] las aspiraciones trascendentalistas de la película". En 2006, la revista eligió la partitura como una de las veinte bandas sonoras esenciales que creía que hablaban de las "relaciones complejas e innovadoras entre la música y la narración en pantalla". [144]
Lanzamiento
Publicidad
DreamWorks contrató a Amazon.com para crear el sitio web oficial, lo que marca la primera vez que Amazon crea una sección especial dedicada a un largometraje. El sitio web incluía una descripción general, una galería de fotos, filmografías del elenco y el equipo, y entrevistas exclusivas con Spacey y Bening. [145] El eslogan de la película, "mirar más de cerca", provino originalmente de un corte pegado en el cubículo del lugar de trabajo de Lester junto al aparador. [102] DreamWorks realizó campañas y avances de marketing paralelos, uno dirigido a adultos y el otro a adolescentes. Ambos avances terminaron con la imagen del póster de una niña sosteniendo una rosa. [nb 12] [nb 13] [148] Un análisis de los carteles de varias películas del año, David Hochman de Entertainment Weekly clasificación de American Beauty ' S altamente, diciendo que evocaba el lema; dijo: "Vuelves al cartel una y otra vez, pensando, esta vez vas a encontrar algo". [146] DreamWorks no quería probar la película en la pantalla ; Según Mendes, al estudio le gustó, pero insistió en uno en el que después pudiera interrogar a la audiencia. El estudio accedió a regañadientes y mostró la película a un público joven en San José, California . Mendes afirmó que la proyección fue muy bien. [nb 14] [128]
Carrera teatral
La película tuvo su estreno mundial el 8 de septiembre de 1999, en el Teatro Egipcio de Grauman en Los Ángeles. [149] Tres días después, la película apareció en el Festival Internacional de Cine de Toronto . [150] Con los cineastas y el elenco presentes, se proyectó en varias universidades estadounidenses, incluida la Universidad de California en Berkeley , la Universidad de Nueva York , la Universidad de California en Los Ángeles , la Universidad de Texas en Austin y la Universidad Northwestern . [151]
El 15 de septiembre de 1999, American Beauty se abrió al público en un lanzamiento limitado en tres teatros de Los Ángeles y tres en Nueva York. [nb 15] [154] Se agregaron más salas de cine durante la duración limitada, [153] y el 1 de octubre, la película entró oficialmente en un amplio estreno [nb 16] mediante su proyección en 706 salas de América del Norte. [155] La película recaudó $ 8,188,587 durante el fin de semana, ocupando el tercer lugar en la taquilla. [156] Las audiencias encuestadas por la firma de investigación de mercado CinemaScore le dieron a American Beauty una calificación de "B +" en promedio. [nb 17] [158] El recuento de salas de cine alcanzó un máximo de 1.528 a finales de mes, antes de una disminución gradual. [153] Tras American Beauty ' victorias s en los 57ª Premios Golden Globe , Dreamworks vuelto a expandir la presencia del teatro desde un mínimo de 7 a mediados de febrero, [152] a un máximo de 1.990 en marzo. [153] La película terminó su carrera teatral en América del Norte el 4 de junio de 2000, habiendo recaudado 130,1 millones de dólares. [156]
American Beauty tuvo su estreno europeo en el Festival de Cine de Londres el 18 de noviembre de 1999; [159] en enero de 2000, comenzó a proyectarse en varios territorios fuera de América del Norte. [160] Debutó en Israel con rendimientos "potentes", [161] y lanzamientos limitados en Alemania, Italia, Austria, Suiza, los Países Bajos y Finlandia siguieron el 21 de enero. [162] Después del 28 de enero los fines de semana de apertura en Australia, Estados Unidos Reino, España y Noruega, American Beauty había ganado $ 7 millones en 12 países por un total de $ 12,1 millones fuera de América del Norte. [163] El 4 de febrero, American Beauty debutó en Francia y Bélgica. Al expandirse a 303 salas de cine en el Reino Unido, la película ocupó el primer lugar en la taquilla con 1,7 millones de dólares. [164] En el fin de semana del mes de febrero de 18 siguiente American Beauty ' s ocho nominaciones para la 72a Premios de la Academia -la película recaudó $ 11.7 millones de dólares de 21 países, para un total de $ 65,4 millones de fuera de América del Norte. La película tuvo estrenos "deslumbrantes" en Hungría, Dinamarca, República Checa, Eslovaquia y Nueva Zelanda. [165]
Al 18 de febrero, los territorios más exitosos fueron el Reino Unido ($ 15,2 millones), Italia ($ 10,8 millones), Alemania ($ 10,5 millones), Australia ($ 6 millones) y Francia ($ 5,3 millones). [165] Las nominaciones al Premio de la Academia significaron que las actuaciones sólidas continuaron en todos los ámbitos; [166] el fin de semana siguiente, American Beauty recaudó $ 10,9 millones en 27 países, con fuertes debuts en Brasil, México y Corea del Sur. [167] Otros puntos altos fueron los sólidos rendimientos en Argentina, Grecia y Turquía. [166] El fin de semana del 3 de marzo de 2000, American Beauty debutó con fuerza en Hong Kong, Taiwán y Singapur, mercados tradicionalmente "no receptivos a este tipo de tarifas exclusivas". La impresionante actuación de Corea del Sur continuó, con un retorno de $ 1,2 millones después de nueve días. [168] En total, American Beauty recaudó 130,1 millones de dólares en América del Norte y 226,2 millones de dólares a nivel internacional, por 356,3 millones de dólares en todo el mundo. [156]
Medios domésticos
American Beauty fue lanzado en VHS el 9 de mayo de 2000, [169] y en DVD con el formato DTS el 24 de octubre de 2000. [170] Antes del lanzamiento de alquiler en Norteamérica el 9 de mayo, [171] Blockbuster Video quería comprar cientos de miles de copias extra por su rango de "título garantizado", por lo que cualquiera que quisiera alquilar la película tendría garantizada una copia. Blockbuster y DreamWorks no pudieron ponerse de acuerdo en un acuerdo de participación en las ganancias, por lo que Blockbuster ordenó dos tercios de la cantidad de copias que originalmente tenía previsto. [172] DreamWorks puso alrededor de un millón de copias disponibles para alquiler; La participación de Blockbuster normalmente habría sido de unos 400.000 de estos. Algunas tiendas Blockbuster solo exhibieron 60 copias, [173] y otras no exhibieron la película en absoluto, lo que obligó a los clientes a solicitarla. [172] [173] La estrategia requería que el personal leyera una declaración a los clientes explicando la situación; Blockbuster afirmó que solo estaba "[monitoreando] la demanda de los clientes" debido a la disponibilidad reducida. [172] La estrategia de Blockbuster se filtró antes del 9 de mayo, lo que llevó a un aumento del 30 por ciento en los pedidos de otros minoristas. [171] [172] En su primera semana de lanzamiento de alquiler, American Beauty ganó 6,8 millones de dólares. Este retorno fue menor de lo esperado si DreamWorks y Blockbuster hubieran llegado a un acuerdo. En el mismo año, The Sixth Sense ganó $ 22 millones, mientras que Fight Club ganó $ 8.1 millones, aunque la actuación teatral norteamericana de este último fue solo el 29 por ciento de la de American Beauty . La estrategia de Blockbuster también afectó las tarifas de alquiler; American Beauty tuvo un promedio de $ 3.12, en comparación con $ 3.40 de las películas que Blockbuster promocionó por completo. Solo el 53 por ciento de los alquileres de la película fueron de grandes medios en la primera semana, en comparación con el 65 por ciento habitual. [172]
El lanzamiento del DVD incluyó un largometraje detrás de escena, comentarios en audio de la película de Mendes y Ball, y una presentación del guión gráfico con una discusión de Mendes y Hall. [170] En el comentario de la película, Mendes se refiere a escenas eliminadas que tenía la intención de incluir en el lanzamiento. [174] Sin embargo, estas escenas no están en el DVD, ya que cambió de opinión después de grabar el comentario; [175] Mendes sintió que mostrar escenas que previamente eligió no usar perjudicaría la integridad de la película. [176]
El 21 de septiembre de 2010, Paramount Home Entertainment lanzó American Beauty en Blu-ray , como parte de la serie Sapphire de Paramount. Todos los extras del lanzamiento del DVD estuvieron presentes, con los tráileres teatrales actualizados a HD . [177]
Recepción
American Beauty fue considerada la mejor película de 1999 por la prensa estadounidense. Recibió elogios abrumadores, principalmente para Spacey, Mendes y Ball. [178] Variety informó que "ninguna otra película de 1999 se ha beneficiado de tales raves universales". [179] Fue el título mejor recibido en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), [150] donde ganó el premio People's Choice después de una votación del público del festival. [180] El director de TIFF, Piers Handling, dijo: " American Beauty fue el bullicio del festival, la película de la que más se habló". [181] El agregador de reseñas Rotten Tomatoes informa que el 87% de 190 críticos dieron a la película una crítica positiva, con una calificación promedio de 8.2 / 10. El consenso de los críticos del sitio web dice: "Con un reparto impecable y rebosante de ingenio oscuro y ácido, American Beauty es un punto culminante inteligente y provocativo de la película de Hollywood de finales de los noventa". [182] Según Metacritic , que asignó una puntuación media ponderada de 84 sobre 100 sobre la base de 34 críticos, la película recibió "elogios universal". [183]
En Variety , Todd McCarthy dijo que el elenco "no podría ser mejor"; elogió el "manejo de las insinuaciones, el sarcasmo sutil y el habla franca" de Spacey y la forma en que imbuyó a Lester de "sentimiento genuino". [184] Janet Maslin en The New York Times dijo que Spacey estaba en su "más ingenioso y ágil" hasta la fecha, [185] y Roger Ebert del Chicago Sun-Times destacó a Spacey por interpretar con éxito a un hombre que "hace lo imprudente y tonto cosas [pero que] no se engaña a sí mismo ". [186] Kevin Jackson de Sight & Sound dijo que Spacey impresionó de formas distintas a sus actuaciones anteriores, siendo el aspecto más satisfactorio su interpretación de "savia y héroe". [116] Escribiendo en Film Quarterly , Gary Hentzi elogió a los actores, [187] pero dijo que personajes como Carolyn y el Coronel Fitts eran estereotipos. [188] Hentzi acusó a Mendes y Ball de identificarse demasiado fácilmente con Jane y Ricky, diciendo que este último era su "figura de fantasía", un adolescente que es un artista absurdamente rico capaz de "financiar [sus] propios proyectos". [189] Hentzi dijo que Angela era la adolescente más creíble, en particular con sus intentos "dolorosamente familiares" de "estar a la altura de una imagen indigna de sí misma". [178] Maslin estuvo de acuerdo en que algunos personajes no eran originales, pero dijo que sus caracterizaciones detalladas los hacían memorables. [185] Kenneth Turan del Los Angeles Times dijo que los actores se enfrentaron "sin fallas" a papeles difíciles; llamó a la actuación de Spacey "la energía que impulsa la película", y dijo que el actor logró la participación de la audiencia a pesar de que Lester no siempre se mostraba comprensivo. "Contra todo pronóstico, nos gustan [estos personajes]", concluyó Turan. [190]
Maslin sintió que Mendes dirigía con "un gran estilo visual", diciendo que su estilo minimalista equilibraba "lo mordaz y lo brillante" y que evocaba las "viñetas delicadas y erotizadas de juego de poder" de su obra teatral. [185] Jackson dijo que las raíces teatrales de Mendes rara vez se mostraban, y que el aspecto "más notable" era que la actuación de Spacey no eclipsaba la película. Dijo que Mendes trabajó las complejidades del guión sin problemas, para las fortalezas del conjunto, y organizó los cambios tonales con habilidad. [116] McCarthy creía que American Beauty era una "impresionante carta de presentación" para los debutantes cinematográficos Mendes y Ball. Dijo que la "mano segura" de Mendes era "tan precisa y controlada" como su trabajo teatral. McCarthy citó la participación de Hall como una suerte para Mendes, ya que el director de fotografía era "insuperable" en la transmisión de los temas de una obra. [184] Turan estuvo de acuerdo en que la elección de colaboradores de Mendes fue "astuta", nombrando a Hall y Newman en particular. Turan sugirió que American Beauty puede haberse beneficiado de la inexperiencia de Mendes, ya que su "atrevimiento posible de cualquier cosa" lo hizo intentar ritmos que los directores más experimentados podrían haber evitado. Turan sintió que el logro de Mendes fue "capturar y mejorar [la] dualidad" del guión de Ball: los personajes simultáneamente "caricaturizados ... y dolorosamente reales". [190] Hentzi, aunque crítico de muchas de las elecciones de Mendes y Ball, admitió que la película mostró sus "considerables talentos". [187]
Turan citó la falta de restricción de Ball al escribir la película como la razón de su singularidad, en particular los sutiles cambios de tono del guión. [190] McCarthy dijo que el guión era "tan fresco y distintivo" como cualquiera de sus películas contemporáneas estadounidenses, y elogió cómo analizaba a los personajes sin comprometer el ritmo narrativo. Llamó al diálogo de Ball "tarta" y dijo que los personajes, excepto Carolyn, estaban "profundamente atraídos". Otro defecto, dijo McCarthy, fue la revelación de la homosexualidad del coronel Fitts, que, según él, evocaba un " freudianismo antiguo ". [184] Jackson dijo que la película trascendió su configuración cliché para convertirse en una "comedia maravillosamente ingeniosa y sombría". Dijo que incluso cuando la película se proyectó para las risas de las comedias, lo hizo con "matices inesperados". [116] Hentzi criticó cómo la película convirtió en un misterio el asesinato de Lester, creyéndolo manipulador y simplemente una forma de generar suspenso. [187] McCarthy citó la producción y el diseño de vestuario como ventajas, y dijo que la banda sonora era buena para crear "contrapuntos irónicos" a la historia. [184] Hentzi concluyó que American Beauty era "vital pero desigual"; sintió que el examen de la película de "las formas en que los adolescentes y los adultos imaginan la vida de los demás" era su mejor punto, y que aunque la dinámica de Lester y Angela era familiar, su ironía romántica estaba al lado de "los tratamientos literarios más perdurables" del tema, tales como Lolita . Sin embargo, Hentzi creía que los temas de materialismo y conformidad de la película en los suburbios estadounidenses eran "trillados". [178] McCarthy admitió que el escenario era familiar, pero dijo que simplemente le proporcionaba a la película un "punto de partida" desde el cual contar su "historia sutil y agudamente juzgada". [184] Maslin estuvo de acuerdo; Dijo que si bien "apunta a objetivos que no son demasiado recientes", y que el tema del inconformismo no sorprende, la película tiene su propia "novedad corrosiva". [185] Ebert otorgó a American Beauty cuatro estrellas de cuatro, [186] y Turan dijo que era subversivo, complejo y sorprendente, concluyendo que era "una película increíble". [190]
Unos meses después del estreno de la película, aparecieron informes de una reacción violenta en la prensa estadounidense, [191] y los años transcurridos desde entonces han visto disminuir su consideración crítica. [192] [193] En 2005, Premiere nombró a American Beauty como una de las 20 "películas más sobrevaloradas de todos los tiempos"; [194] Mendes aceptó la inevitabilidad de la reevaluación crítica, diciendo: "Pensé que parte de ella estaba completamente justificada, fue un poco exagerada en ese momento". [193] Como el 20 aniversario del estreno de la película se acercó, The Huffington Post ' s Mateo Jacobs señaló que la reputación de la película había seguido disminuyendo hasta el punto de convertirlo en un 'remate generalizada' en 2019. "Lo que antes era un golpe maestro de provocación ahora luce como un hooey retrógrado ", observó. [195]
Reconocimientos
American Beauty no se consideró un favorito inmediato para dominar la temporada de premios estadounidense. Varios otros contendientes abrieron sus puertas a fines de 1999, y los críticos estadounidenses repartieron sus honores entre ellos al compilar sus listas de fin de año. [196] La Asociación de Críticos de Cine de Chicago y la Asociación de Críticos de Cine de Radiodifusión nombraron la película como la mejor de 1999, pero mientras que el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York , la Sociedad Nacional de Críticos de Cine y la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles reconocieron a American Beauty , [197 ] dieron sus principales premios a otras películas. [196] A finales de año, los informes de una reacción violenta de la crítica sugirieron que American Beauty era la perdedora en la carrera por Mejor Película; [191] sin embargo, en los Golden Globe Awards en enero de 2000, American Beauty ganó Mejor Película , Mejor Director y Mejor Guión . [197]
A medida que se acercaban las nominaciones para los 72 Premios de la Academia , no había surgido un favorito. [196] DreamWorks había lanzado una importante campaña para American Beauty cinco semanas antes de que se enviaran las boletas a los 5.600 votantes del Premio de la Academia. Su campaña combinó la publicidad tradicional y la publicidad con estrategias más enfocadas. Aunque las campañas por correo directo estaban prohibidas, DreamWorks llegó a los votantes promocionando la película en "entornos casuales y cómodos" en las comunidades de votantes. La candidata del estudio a Mejor Película el año anterior, Salvando al soldado Ryan , perdió ante Shakespeare in Love , por lo que el estudio adoptó un nuevo enfoque al contratar a personas externas para que aporten sus opiniones a la campaña. Contrató a tres consultores veteranos, quienes le dijeron al estudio que "pensara en pequeño". Nancy Willen animó a DreamWorks a producir un especial sobre la realización de American Beauty , a colocar exhibiciones de la película en las librerías de las comunidades y a organizar una sesión de preguntas y respuestas con Mendes para la Academia Británica de Cine y Televisión . Dale Olson aconsejó al estudio que publicitara en publicaciones gratuitas que circularan en Beverly Hills, hogar de muchos votantes, además de en los principales periódicos. Olson hizo arreglos para proyectar American Beauty a unos 1.000 miembros del Actors Fund of America, ya que muchos de los actores participantes también eran votantes. Bruce Feldman llevó al escritor Alan Ball al Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara , donde Ball asistió a una cena privada en honor a Anthony Hopkins , donde se reunió con varios votantes que estaban presentes. [198]
En febrero de 2000, American Beauty fue nominada a ocho premios de la Academia; sus rivales más cercanos, The Cider House Rules y The Insider , recibieron siete nominaciones cada uno. En marzo de 2000, las principales organizaciones laborales de la industria [n. ° 18] otorgaron sus máximos honores a American Beauty ; las percepciones habían cambiado: la película era ahora la favorita para dominar los Premios de la Academia. [196] American Beauty ' rival más cercano a la Mejor Película s seguía siendo The Cider House Rules , de Miramax . Ambos estudios montaron campañas agresivas; DreamWorks compró un 38 por ciento más de espacio publicitario en Variety que en Miramax. [199] El 26 de marzo de 2000, American Beauty ganó cinco premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Director , Mejor Actor (Spacey), Mejor Guión Original y Mejor Fotografía . [200] [nb 19] En la 53ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica , American Beauty ganó seis de los 14 premios a los que fue nominada: Mejor Película , Mejor Actor , Mejor Actriz (Bening), Mejor Fotografía , Mejor Música de Película y Mejor Montaje. . [197] En 2000, el Publicists Guild of America reconoció a DreamWorks por la mejor campaña publicitaria cinematográfica. [202] En septiembre de 2008, Empire nombró a American Beauty la 96ª "Mejor película de todos los tiempos" después de una encuesta de 10,000 lectores, 150 cineastas y 50 críticos de cine, la cuarta película mejor clasificada de 1999 (detrás de Fight Club , The Matrix y Magnolia ). [nb 20] [204] En 2006, el Writers Guild of America clasificó el guión número 38 en su lista de los 101 mejores guiones. [205]
Referencias
Anotaciones
- ↑ Algunas lecturas posmodernistas postularían que no se necesita una voz identificada; ver Muerte del autor .
- ↑ A pesar de su deseo de conformarse, Jim y Jim son abierta y orgullosamente homosexuales, una contradicción que Sally R. Munt dice que puede parecer extraña a las audiencias heterosexuales. [22]
- ↑ Según Hausmann, "Estas películas parecen sugerir que eldeseo[del teórico del cine] Kaja Silverman " de que el sujeto masculino típico, como su contraparte femenina, pueda aprender a vivir con carencias ", es decir, la" falta de ser " que sigue siendo 'la condición irreductible de la subjetividad', todavía no se ha cumplido ". [43] Véase Silverman, Kaja (1992). Subjetividad masculina en los márgenes (Nueva York: Routledge ): 65 + 20. ISBN 9780415904193 .
- ↑ Kramer usa la analogía de mirar una escultura: "Nosotros mismos determinamos el ritmo de nuestra experiencia: somos libres de caminar alrededor de la pieza, verla desde muchos ángulos, concentrarnos en algunos detalles, ver otros detalles en relación con los demás. , dar un paso atrás y ver el conjunto, ver la relación entre la pieza y el espacio en el que la vemos, salir de la habitación cuando lo deseemos, cerrar los ojos y recordar, y volver para ver más ". [55]
- ^ Otro ejemplo viene con las canciones que Carolyn elige para acompañar las cenas de los Burnham: " música de ascensor " alegreque luego se reemplaza con melodías más discordantes que reflejan la "tensión creciente" en la mesa. Cuando Jane toca " Cancer for the Cure ", se apaga después de unos momentos porque sus padres regresan a casa. El momento la refuerza como alguien cuya voz es "cortada", al igual que su falta de asociación con géneros tan claramente definidos como sus padres. [61]
- ^ En ese momento se llama American Rose . [62]
- ↑ Ball dijo que se decidió por DreamWorks después de una reunión accidental con Spielberg en elestacionamiento de Amblin Entertainment , donde el escritor se sintió seguro de que Spielberg "entendió" el guión y su tono previsto. [68]
- ^ Mendes había considerado la idea antes; estuvo a punto de enfrentarse a Las alas de la paloma (1997) y anteriormente no había conseguido el financiamiento para una adaptación de la obra The Rise and Fall of Little Voice , que dirigió en 1992. La obra llegó a la pantalla en 1998 como Little Voz , sin la participación de Mendes. [76]
- ↑ Uno de los cuales el director de fotografía Conrad Hall había filmado para Divorce American Style (1967). [123]
- ↑ La toma hace referencia a una similar en Ordinary People (1980). Mendes incluyó varios de esos homenajes a otras películas; Se insertaron fotografías familiares en las casas de los personajes para darles un sentido de la historia, pero también como un guiño a la forma en que Terrence Malick usó fotografías fijas en Badlands (1973). [102] Una toma del trote de Lester fue un homenaje a Marathon Man (1976) y Mendes vio varias películas para ayudar a mejorar su capacidad de evocar un "sentido del estilo elevado": El rey de la comedia (1983), All That Jazz (1979) ) y Rosemary's Baby (1968). [125]
- ^ La escena en el establecimiento de comida rápida donde Lester descubre la aventura de Carolyn. [104]
- ↑ El ombligo que se muestra en la imagen no es el de Mena Suvari; pertenece a la modelo Chloe Hunter . [146]
- ↑ La mano del póster pertenece a la actriz Christina Hendricks , quien era modelo de manos en ese momento. [147]
- ^ Mendes dijo: "Así que al final de la película me levanté, y era terriblemente británico, dije: 'Entonces, ¿a quién le gustó la película?' Y alrededor de un tercio de ellos levantaron la mano y pensé: 'Oh, mierda'. Entonces dije: 'Está bien, ¿a quién no le gustó?' Dos personas. Y yo dije: 'Bueno, ¿qué más hay?' Y un chico en el frente dijo: 'Pregunte a quién le gustó realmente la película'. Así lo hice, y todos levantaron la mano. Y pensé: 'Gracias, Dios ' ". [128]
- ^ "Teatros" se refiere a salas de cine individuales, que pueden tener varios auditorios. Más tarde, "pantallas" se refiere a auditorios individuales.
- ^ Cruzando el umbral de las 600 salas.
- ^ Según la firma, los hombres menores de 21 años le dieron a American Beauty una calificación de "A +"; las mujeres menores de 21 años le dieron una "A". Los hombres en el grupo de edad de 21 a 34 le dieron a la película una "B +"; las mujeres de 21 a 34 le dieron una "A-". Los hombres de 35 años o más recibieron una "B +"; las mujeres de 35 años o más dieron una "B". [157]
- ^ El gremio de escritores de Estados Unidos , el gremio de actores de pantalla , el gremio de productores de Estados Unidos , la sociedad estadounidense de directores de fotografía y el gremio de directores de Estados Unidos [196]
- ↑ El premio al Mejor Director fue otorgado a Mendes por Spielberg. [201]
- ↑ Esta encuesta siguió a uno de los lectoresde Empire solo en marzo de 2006, que clasificó a la película en el puesto 51 de 201. [203]
Notas al pie
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enlaces externos
- Belleza americana en IMDb
- Belleza americana en AllMovie
- Belleza americana en Rotten Tomatoes
- Belleza americana en Metacritic
