La joyería de arte es uno de los nombres que se le da a la joyería creada por artesanos de estudio. Como su nombre indica, la joyería artística enfatiza la expresión creativa y el diseño, y se caracteriza por el uso de una variedad de materiales, a menudo comunes o de bajo valor económico . En este sentido, contrarresta el uso de "materiales preciosos" (como el oro, la plata y las piedras preciosas) en la joyería convencional o fina, donde el valor del objeto está ligado al valor de los materiales con los que está elaborado. . La joyería artística está relacionada con la artesanía de estudio en otros medios como el vidrio , la madera , los plásticos y la arcilla.; comparte creencias y valores, educación y formación, circunstancias de producción y redes de distribución y publicidad con el campo más amplio del oficio de estudio. La joyería artística también tiene vínculos con las bellas artes y el diseño.
Si bien la historia de la joyería artística generalmente comienza con la joyería modernista en los Estados Unidos en la década de 1940, seguida de los experimentos artísticos de los orfebres alemanes en la década de 1950, varios de los valores y creencias que informan la joyería artística se pueden encontrar en las artes y la artesanía. movimiento de finales del siglo XIX. Muchas regiones, como América del Norte, Europa, Australasia y partes de Asia tienen escenas florecientes de joyería artística, mientras que otros lugares como América del Sur y África han estado desarrollando la infraestructura de instituciones de enseñanza, galerías de distribuidores, escritores, coleccionistas y museos que sustentan el arte. joyas.
Terminología
La historiadora del arte Liesbeth den Besten ha identificado seis términos diferentes para nombrar la joyería artística, que incluyen contemporáneo, estudio, arte, investigación, diseño y autor, [1] siendo los tres más comunes contemporáneo, estudio y arte. La curadora Kelly L'Ecuyer ha definido la joyería de estudio como una rama del movimiento artesanal de estudio, y agregó que no se refiere a estilos artísticos particulares sino a las circunstancias en las que se produce el objeto. Según su definición, "los joyeros de estudio son artistas independientes que manipulan los materiales elegidos directamente para hacer joyas únicas o de producción limitada ..... El joyero de estudio es tanto el diseñador como el fabricante de cada pieza (aunque los asistentes o los aprendices pueden ayudar con las tareas técnicas), y el trabajo se crea en un pequeño estudio privado, no en una fábrica ". [2] La historiadora del arte Monica Gaspar ha explorado el significado temporal de los diferentes nombres dados a las joyas de arte durante los últimos 40 años. Ella sugiere que la joyería "de vanguardia" se posiciona radicalmente por delante de las ideas dominantes; La joyería "moderna" o "modernista" pretende reflejar el espíritu de la época en que se fabricó; La joyería de "estudio" enfatiza el estudio del artista sobre el taller de artesanía; la "nueva" joyería asume una postura irónica hacia el pasado; y la joyería "contemporánea" reivindica el presente y el "aquí y ahora" en contraste con la naturaleza eterna de la joyería tradicional como una reliquia que pasa de generación en generación. [3]
La historiadora del arte Maribel Koniger sostiene que los nombres dados a las joyas de arte son importantes para distinguir este tipo de joyas de los objetos y prácticas relacionados. El uso del término joyería "conceptual" es, en sus palabras, un "intento de desprenderse a través de la terminología de los productos de la industria de la joyería comercial que reproducen clichés y están orientados hacia los gustos del consumo masivo por un lado, y, por el otro, los diseños individualistas y subjetivamente estetizadores de la artesanía pura ". [4]
Crítica de la preciosidad
Los joyeros de arte suelen trabajar de forma crítica o consciente con la historia de la joyería, o con la relación entre la joyería y el cuerpo, y cuestionan conceptos como "preciosidad" o "usabilidad" que suelen ser aceptados sin cuestionar por la joyería convencional o fina. Esta cualidad es producto de la crítica de la preciosidad, o el desafío de los joyeros de arte en los Estados Unidos y Europa a la idea de que el valor de la joyería era equivalente a la preciosidad de sus materiales. Inicialmente, los joyeros de arte trabajaban en materiales preciosos o semipreciosos, pero enfatizaban la expresión artística como la cualidad más importante de su trabajo, vinculando sus joyas a movimientos artísticos modernistas como el biomorfismo , el primitivismo y el taquismo . [5] En la década de 1960, los joyeros de arte comenzaron a introducir nuevos materiales alternativos en su trabajo, como el aluminio y los acrílicos , rompiendo con el papel histórico de la joyería como signo de estatus y valor económico o riqueza portátil. [6] A medida que el enfoque en el valor cedió, otros temas tomaron su lugar como el tema de la joyería. En 1995, Peter Dormer describió los efectos de la crítica de la preciosidad de la siguiente manera: "Primero, el valor monetario del material se vuelve irrelevante; segundo, una vez que el valor de la joyería como símbolo de estatus se ha desinflado, la relación entre el adorno y el cuerpo humano asumió una vez más una posición dominante: las joyas se volvieron conscientes del cuerpo; en tercer lugar, las joyas perdieron su exclusividad para un sexo o una edad; podían ser usadas por hombres, mujeres y niños ". [7]
Joyas de artes y artesanías
Las joyas artísticas que surgieron en los primeros años del siglo XX fueron una reacción al gusto victoriano y las joyas pesadas y ornamentadas, a menudo fabricadas a máquina, que fueron populares en el siglo XIX. Según Elyse Zorn Karlin, "Para la mayoría de los joyeros, la joyería artística era una búsqueda artística personal, así como una búsqueda de una nueva identidad nacional. Basado en una combinación de referencias históricas, reacciones a eventos regionales y mundiales, materiales recientemente disponibles y otros factores , las joyas de arte reflejan la identidad de un país y al mismo tiempo forman parte de un movimiento internacional más amplio de reforma del diseño ". [8] Inicialmente, la joyería de arte atrajo a un grupo selecto de clientes con gusto artístico, pero fue rápidamente aceptada por firmas comerciales, haciéndola ampliamente disponible.
Hay muchos movimientos diferentes que contribuyeron a la categoría de joyería artística tal como la conocemos hoy. Como parte del movimiento English Arts and Crafts , que floreció entre 1860 y 1920, Charles Robert Ashbee y su Guild and School of Handicraft produjeron las primeras joyas artesanales en un entorno de gremio. Al presentar su trabajo como un antídoto para la producción industrial, la primera generación de joyeros artesanos creía que un objeto debía ser diseñado y fabricado por la misma persona, aunque su falta de formación especializada hizo que gran parte de esta joyería tuviera una atractiva calidad artesanal. [9] Respondiendo a los cambios en la moda, así como al gusto victoriano por usar conjuntos, los joyeros de artes y artesanías fabricaron colgantes, collares, broches, hebillas de cinturones, broches para capas y peinetas para el cabello que se usaban solos. La joyería artesanal también tendió a favorecer los materiales con poco valor intrínseco que podrían usarse para sus efectos artísticos. Los metales básicos, las piedras semipreciosas como los ópalos, las piedras lunares y la turquesa, las perlas deformadas, el vidrio y la concha, y el uso abundante del esmalte vítreo , permitieron a los joyeros ser creativos y producir objetos asequibles. [10]
La joyería art nouveau de Francia y Bélgica también fue un importante contribuyente a la joyería artística. Las joyas art nouveau de René Lalique y Alphonse Mucha, que las llevan clientes adinerados y alfabetizados, incluidas las cortesanas de la demimonde de París, se inspiraron en el arte, la literatura y la música simbolistas , y en un renacimiento de las formas curvilíneas y dramáticas del período rococó . Como sugiere Elyse Zorn Karlin, "El resultado fueron joyas de asombrosa belleza e imaginación, sensuales, sexuales y seductoras, y en ocasiones incluso aterradoras. Estas joyas estaban muy lejos de los diseños simétricos y algo plácidos de las joyas de Arts and Crafts, que más se parecía mucho a las joyas del Renacimiento ". [11] Lalique y otros joyeros art nouveau a menudo mezclaban metales preciosos y piedras preciosas con materiales económicos, y preferían las técnicas de esmalte plique-a-jour y cabujón .
Otros importantes centros de producción de joyería artística incluyeron la Wiener Werkstatte en Viena, donde los arquitectos Josef Hoffmann y Koloman Moser diseñaron joyas en plata y piedras semipreciosas, a veces para usar con ropa también creada por el taller. El movimiento danés Skønvirke (trabajo estético), del cual Georg Jensen es el ejemplo más famoso, favoreció la plata y las piedras nativas escandinavas y una estética que se encuentra en algún lugar entre los principios del art nouveau y las artes y la artesanía. La joyería de arte en Finlandia se caracterizó por un renacimiento vikingo, coincidiendo con su libertad política en Suecia en 1905, mientras que el modernismo en España siguió el ejemplo de los joyeros art nouveau. La joyería artística también se practicó en Italia, Rusia y los Países Bajos. [12]
En los Estados Unidos, la joyería artesanal era popular entre los aficionados, ya que, a diferencia de la cerámica, los muebles o los textiles, solo requería una inversión modesta en herramientas y se podía fabricar en la cocina. [13] Una de las primeras joyerías de artes y oficios estadounidenses, Madeline Yale Wynne , fue autodidacta y se acercó a sus joyas como forma y composición con énfasis en las cualidades estéticas en lugar de la habilidad, afirmando que "considero cada esfuerzo por sí mismo en cuanto a color y forma tanto como pintaría un cuadro ". [14] Brainerd Bliss Thresher, otro joyero de artes y oficios estadounidense, utilizó materiales como el cuerno tallado y la amatista por sus cualidades estéticas, siguiendo el ejemplo de René Lalique, quien mezcló materiales cotidianos y preciosos en sus joyas. Como sugieren Janet Koplos y Bruce Metcalf, mientras que el movimiento británico Arts and Crafts trató de reunir el arte y el trabajo, muchos estadounidenses de clase alta como Thresher unieron el arte y el ocio: "La práctica de la artesanía como recreación podría ser un alivio de la presión de un trabajo difícil, una demostración del buen gusto y el gusto vivre de uno , una manifestación cortés de la política progresista, o una expresión del puro placer de satisfacer el trabajo ". [15]
Las joyas de arte pasaron de moda en las décadas de 1920 y 1930, eclipsadas por el art deco, así como por la respuesta del público a su naturaleza funcional y estéticamente desafiante (demasiado frágil e indignante). Sin embargo, marca una ruptura significativa con lo que vino antes y estableció muchos de los valores y actitudes para los ideales de arte o joyería de estudio de finales del siglo XX. Como escribe Elyse Zorn Karlin, "Las joyas de arte valoraban el pensamiento innovador y la expresión creativa hechos a mano y apreciados. Estos joyeros fueron los primeros en utilizar materiales que no tenían el valor intrínseco esperado en la joyería, y rechazaron los gustos de la joyería convencional. Pensaron en su trabajo como una búsqueda artística y lo hizo para una pequeña audiencia que compartía sus valores estéticos y conceptuales ". [dieciséis]
Joyas modernistas
La historia de la joyería artística está ligada al surgimiento de la joyería modernista en los centros urbanos de los Estados Unidos en la década de 1940. Según Toni Greenbaum, "A partir de 1940, comenzó a surgir un movimiento revolucionario de joyería en los Estados Unidos, y esto fue impulsado por la devastación de la Segunda Guerra Mundial, el trauma del Holocausto, el miedo a la bomba, la política del prejuicio, la esterilidad de la industrialización y la vulgaridad del comercialismo ". [17] Surgieron joyerías y estudios modernistas en la ciudad de Nueva York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer y Jules Brenner en Greenwich Village; y Ed Wiener, Irena Brynner [18] y Henry Steig en el centro de la ciudad Manhattan) y el Área de la Bahía en la Costa Oeste (Margaret De Patta, Peter Macchiarini, merry renk, Irena Brynner, Francis Sperisen y Bob Winston). La audiencia de la joyería modernista era la franja intelectual liberal de la clase media, que también apoyaba el arte moderno. La historiadora de arte Blanche Brown describe el atractivo de este trabajo: "Alrededor de 1947 fui a la tienda de Ed Wiener y compré uno de sus alfileres de plata en forma de espiral cuadrada ... porque se veía genial, podía pagarlo y me identificaba con el grupo de mi elección: estéticamente consciente, intelectualmente inclinado y políticamente progresista. Ese broche (o uno de los pocos similares) era nuestra insignia y lo usamos con orgullo. Celebraba la mano del artista en lugar del valor de mercado del material ". [19]
En 1946 el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó la exposición Modern Handmade Jewelry, que incluyó el trabajo de joyeros de estudio como Margaret De Patta y Paul Lobel, junto con joyas de artistas modernistas como Alexander Calder , Jacques Lipchitz y Richard Pousette-Dart. . [20] Esta exposición recorrió los Estados Unidos y fue seguida por una serie de exposiciones influyentes en el Walker Art Center en Minneapolis. [21] Kelly L'Ecuyer sugiere que "las joyas de Calder fueron fundamentales para muchas de las exposiciones de museos y galerías de este período, y sigue siendo visto como la figura fundamental de la joyería contemporánea estadounidense". [22] Utilizando una construcción fría y técnicas crudas que sugerían un espíritu de improvisación y creatividad, las joyas de Calder comparten el uso de la línea y el movimiento de su escultura para representar o implicar espacio, creando joyas que a menudo se mueven con el cuerpo del usuario. Una fuerte conexión con los movimientos artísticos es una característica de la joyería artística estadounidense durante este período. Mientras que Calder mostró un interés primitivista en el arte africano y griego antiguo, Margaret De Patta hizo joyas constructivistas , manipulando la luz, el espacio y la percepción óptica de acuerdo con las lecciones que aprendió de László Moholy-Nagy en la New Bauhaus de Chicago. [23] Toni Greenbaum escribe que "Después de que su mentor, el pintor John Haley, le mostrara obras de Matisse y Picasso , Bob Winston exclamó: '¡Ésa es la clase de mierda que estoy haciendo!'". [24] Los materiales de la joyería modernista - sustancias orgánicas e inorgánicas no preciosas, así como los objetos encontrados - se correlacionan con actitudes cubistas , futuristas y dadaístas , mientras que los estilos de la joyería modernista - surrealismo , primitivismo, biomorfismo y constructivismo - son bellas artes movimientos también. [25]
Joyas de arte desde 1960
El crecimiento de la joyería en los Estados Unidos en la posguerra estuvo respaldado por el concepto de que las técnicas de fabricación de joyas, que se cree fortalecen los músculos de las manos y los brazos y fomentan la coordinación ojo-mano, desempeñaron un papel en los programas de fisioterapia para los veteranos de la Segunda Guerra Mundial. El Centro de Arte de Veteranos de Guerra en el Museo de Arte Moderno, dirigido por Victor D'Amico, la Escuela de Artesanos Estadounidenses, y los talleres dirigidos por Margret Craver en la ciudad de Nueva York, abordaron las necesidades de los militares estadounidenses que regresaban, mientras que el GI Bill of Rights ofreció matrícula universitaria gratuita para los veteranos, muchos de los cuales estudiaron artesanía. [26] [ aclaración necesaria ] Como sugiere Kelly L'Ecuyer, "Además de la creatividad individual, la proliferación de la educación y la terapia basadas en la artesanía para soldados y veteranos en los Estados Unidos durante y después de la guerra proporcionó un estímulo para todas las artesanías de estudio , especialmente joyería y orfebrería. Los recursos públicos y privados dedicados a los programas de artesanía de los veteranos plantaron las semillas para estructuras educativas más duraderas y generaron un amplio interés en la artesanía como un estilo de vida creativo y satisfactorio ". [27] [ aclaración necesaria ]
A principios de la década de 1960, los graduados de estos programas no solo desafiaban las ideas convencionales de la joyería, sino que también enseñaban a una nueva generación de joyeros estadounidenses en nuevos programas universitarios en cursos de orfebrería y joyería. [28] La joyería arquitectónica se estaba desarrollando casi al mismo tiempo.
En las décadas de 1960 y 1970, el gobierno alemán y la industria de la joyería comercial fomentaron y apoyaron fuertemente a los diseñadores de joyas modernas, creando así un nuevo mercado. Combinaban el diseño contemporáneo con la orfebrería y la joyería tradicionales. Orfevre, la primera galería de joyería artística, abrió en Duesseldorf, Alemania, en 1965.
Exposiciones
La aceptación de la joyería como arte [30] fue fomentada en los Estados Unidos muy rápidamente después de la Segunda Guerra Mundial por los principales museos como el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Centro de Arte Walker en Minneapolis, cada uno de los cuales celebró importantes muestras de arte. joyería en la década de 1940. El Museo de Arte y Diseño, anteriormente llamado Museo de Artesanía Estadounidense, comenzó su colección en 1958 con piezas que datan de la década de 1940. Otros museos cuyas colecciones incluyen trabajos de diseñadores de joyería contemporáneos (estadounidenses) incluyen: el Museo de Arte de Cleveland , el Museo de Vidrio de Corning , el Museo de Artesanía y Diseño Mint en Charlotte, Carolina del Norte, el Museo de Bellas Artes de Boston , el Museo de Bellas Artes, Houston y la Galería Renwick del Museo Smithsonian .
Algunos artistas famosos que crearon joyas de arte en el pasado fueron Calder , Picasso , Man Ray , Meret Oppenheim, Dalí y Nevelson . Algunos de los cuales representaron en Sculpture to Wear Gallery en la ciudad de Nueva York, que cerró en 1977.
Artwear Gallery, propiedad de Robert Lee Morris, continuó en este esfuerzo por exhibir la joyería como una forma de arte.
Se puede encontrar una colección de joyas de arte en el Schmuckmuseum en Pforzheim , Alemania .
Lista de artistas de joyería
Incluidos en la década en la que fueron reconocidos por primera vez: [30]
1930
- Suzanne Belperron , Francia, 1900-1983 [31]
1940
- Margaret De Patta, Estados Unidos, 1903–1964 [32]
- Art Smith, Estados Unidos, 1923–1982 [33]
1950
- Claire Falkenstein , Estados Unidos, 1908–1998
- Peter Macchiarini , Estados Unidos, 1909-2001 [34]
1960
- Gijs Bakker , Holanda, 1942-
- Kobi Bosshard , Suiza / Nueva Zelanda, 1939-
- Stanley Lechtzin , Estados Unidos, 1936-
- Charles Loloma , Estados Unidos, 1921–1991
- Olaf Skoogfors , Suecia, 1930-1975
1970
- Noma Copley , Estados Unidos, 1916-2006
- Arline Fisch , Estados Unidos, 1931- [35]
- William Claude Harper , Estados Unidos, 1944-
- Mazlo , Líbano 1949- Francia
- Robert Lee Morris , Alemania 1947- Estados Unidos
Decenio de 1980
- Warwick Freeman , Nueva Zelanda, 1953-
- Lisa Gralnick , Estados Unidos, 1953-
- Bruce Metcalf , Estados Unidos, 1949-
- Alan Preston , Nueva Zelanda, 1941-
- Bernhard Schobinger , Suiza, 1946
Decenio de 1990
- Andrea Cagnetti - Akelo , Italia, 1967
- Karl Fritsch , Alemania / Nueva Zelanda, 1963-
- Linda MacNeil , Estados Unidos, 1954-
- Lisa Walker , Nueva Zelanda, 1967-
- Areta Wilkinson , Nueva Zelanda, 1969
- Nancy Worden , Estados Unidos, 1954-
2000
- Rebecca Rose , Estados Unidos, 1980
- Betony Vernon , Estados Unidos, 1968
Referencias
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- ^ L'Ecuyer, Kelly, "Introducción: Definición del campo", en L'Ecuyer, Kelly (ed.), Joyas de artistas en el estudio , Publicaciones de MFA, 2010, p 17 ISBN 978-0878467501
- ^ Gaspar, Monica, "Joyería contemporánea en tiempos poshistóricos", en Maria Cristina Borgesio (ed.), Time Tales , Preziosa, 2007, pp 12-14
- ^ Maribel Koniger, "Una clase propia", en Florian Hufnagl (ed.), El botín gordo de la locura , Arnoldsche, 2008, p 32 ISBN 978-3897902817
- ^ Greenbaum, Toni, "El movimiento de joyería de estudio: 1940-80 - Raíces y resultados", en Susan Grant Lewin (ed.), One of a Kind: American Art Jewelry Today, Abrams, 1994, págs. 34-37 ISBN 978-0810931985
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- ^ "Biografía" . Museo de Arte y Diseño . Archivado desde el original el 22 de febrero de 2014 . Consultado el 11 de febrero de 2014 .
Otras lecturas
- LaGamma, Alisa (1991). Joyas metropolitanas . Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 0870996169.