Don Eddy (nacido en 1944) es un pintor representativo contemporáneo. [1] [2] Obtuvo reconocimiento en el arte estadounidense alrededor de 1970 en medio de un grupo de artistas que los críticos y marchantes identificaron como fotorrealistas o hiperrealistas , basándose en el alto grado de verosimilitud de su trabajo y el uso de la fotografía como material de recurso. [3] [4] [5] [6] Críticos como Donald Kuspit (así como el propio Eddy) se han resistido a etiquetas como centradas superficialmente en aspectos obvios de su pintura, ignorando sus bases sociológicas y conceptuales específicas, relación dialéctica con la abstracción y metafísicoinvestigaciones sobre la percepción y el ser; Kuspit escribió: "Eddy es una especie de alquimista ... [su] arte transmuta lo profano en sagrado, trascendentaliza las cosas básicas de la realidad cotidiana para que parezcan misterios sagrados". [7] [8] [9] Eddy ha trabajado en ciclos, que tratan varias imágenes desde diferentes puntos de vista formales y conceptuales, pasando de imágenes formales y detalladas de secciones de automóviles y escaparates en la década de 1970 a mezclas de imágenes fijas que desafían la percepción escenas de la vida y la figuración / paisajes en la década de 1980 hasta misteriosas pinturas de múltiples paneles en su última carrera. [10] [11] [7] Vive en la ciudad de Nueva York con su esposa, la pintora Leigh Behnke . [12] [13]
Don Eddy | |
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Nació | |
Nacionalidad | americano |
Educación | Universidad de Hawái , Universidad de California, Santa Bárbara |
Conocido por | Cuadro |
Esposos) | Leigh Behnke |
Sitio web | Don Eddy |
Vida temprana y carrera
Eddy nació en Long Beach, California en 1944. En la adolescencia temprana, trabajó en el taller de carrocería de su padre haciendo trabajos de pintura personalizados, una experiencia que lo familiarizó con la cultura automotriz del sur de California, el aerógrafo como herramienta de pintura y la clase trabajadora. preocupación por la artesanía, todos factores en su arte posterior. [14] [15] [16] Estudió historia del arte y bellas artes en la Universidad de Hawaii (BFA, 1967; MFA, 1969), y también trabajó como fotógrafo de instantáneas para una agencia de turismo. [17] [16] Después de explorar y rechazar el modo predominante de subjetividad expresionista abstracta, se sintió atraído por el trabajo más accesible del surrealista René Magritte y el realismo comercializado del artista pop James Rosenquist , los cuales yuxtapusieron imágenes incongruentes en una sola pintura. espacio. [18] [9]
Después de graduarse, Eddy completó un curso de doctorado en historia del arte en la Universidad de California, Santa Bárbara, mientras continuaba pintando. [1] En 1970, había pasado de los primeros trabajos de medios mixtos y figurativos a las imágenes de la cultura del automóvil y el aerógrafo Paasche H de su juventud (que ha utilizado toda su carrera) en obras centradas en la naturaleza del espacio en cuadro. [14] [18] [19] Recibió su primer reconocimiento generalizado a través de exposiciones como "Sharp-Focus Realism" ( Sidney Janis Gallery) y Documenta 5 (1972), "California Realist Painters" ( Museo de Arte de Santa Bárbara , 1973 ) y "Hyper-Realisme Americaine, Realism European" ( Centre National d'Art Contemporain , 1974). [20] [21] [22] [23] Después de mudarse a la ciudad de Nueva York a principios de la década de 1970, continuó apareciendo en encuestas destacadas en el Museo Whitney y el Museo de Arte de San Antonio , entre otros, mientras establecía una relación de larga data con La marchante neoyorquina Nancy Hoffman, cuya galería ha realizado sus exposiciones individuales desde 1974 hasta 2020. [24] [25] [26] [27]
Proceso
Eddy pinta utilizando un proceso sistemático y minucioso que desarrolló al principio de su carrera, explotando lo que él llama su temperamento "obsesivo-compulsivo". [14] [15] [28] Comienza con varias fotografías que registran un máximo de información visual detallada. [14] [29] Después de seleccionar una "imagen maestra", la proyecta en un lienzo y traza su composición. Luego, establece tres secuencias de pintura base transparente en pequeños círculos de aerógrafo en capas (1/16 ") de diferente valor: el primero, en verde ftalocianina , proporciona información detallada de la imagen y estructura de valor; una capa de siena quemada distingue las regiones cálidas de las frías y amplifica los oscuros; y una capa de dioxazina púrpura especifica aún más el calor y el frío. [14] [1] [30] En la etapa final, pinta con aerógrafo la gama completa de colores locales de la misma manera (a menudo 15-25 capas), en la estructura cromática de la pintura base en lugar de los objetos reales fotografiados. [1] [29] [31] Ha descrito el resultado como una especie de ilusión: círculos pequeños y abstractos que se resuelven en imágenes muy representativas a distancia. [14 ]
Trabajo y recepción
El trabajo de Foucault ha sido informado por amplio, a veces influencias contradictorias: viejos maestros (por ejemplo, Van Eyck y Vermeer ), impresionistas y neoimpresionistas de color, la analítica cubismo de Braque y Picasso , Hans Hofmann , conceptuales y minimalistas críticas del expresionismo abstracto y arte pop. [17] [16] [7] Su arte establece posiciones paradójicas tanto para el realismo como para la abstracción, investigadas en el contexto de imágenes reconocibles y accesibles. [32] [16] Rechaza el arte abstracto, pero al igual que ese trabajo, enfatiza las cuestiones superficiales y pictóricas sobre las imágenes según el escritor William Dyckes: "[Eddy] es esencialmente un pintor de campo ... preocupado por las interacciones de formas y colores más que por la representación de imágenes específicas en el espacio ". [33] [9] [7] Asimismo, parece valorar la verosimilitud fotográfica, pero de hecho, supera la cámara y el ojo humano al realzar los atributos de la pintura como el brillo óptico, los reflejos táctiles y las perspectivas múltiples. [34] [35] [32]
Ciclos de pintura temprana (1970-1989)
A principios de la década de 1970, Eddy pintó varios ciclos en gran parte formales que involucraban automóviles. [36] El primero capturó las posibilidades reflectantes del cromo y la pintura de alto brillo en imágenes grandes, inexpresivas y muy detalladas de parachoques, faros, parrillas, cubos de rueda y carrocerías de automóviles enmarcados con precisión, que los críticos sugieren que transformaron cosas comunes en presencias animadas y asombrosas. y objetos de contemplación más allá de la función (por ejemplo, Bumper Section XIII o Ford — H & W , ambos de 1970). [37] [1] [7] Según el crítico Amei Wallach "yuxtaponen una abstracción barroca exuberante con una geometría modernista que sugiere la hiperpura de Charles Sheeler y los precisionistas estadounidenses ". [9] En la serie "Estacionamiento privado" (1971), Eddy describió autos vistos a través de vallas de tela metálica colgadas con letreros, usando patrones entrecruzados y formas abstractas para intensificar las contradicciones entre el ilusionismo y la superficie de la imagen de un solo plano. [2] [38] [10]
En los ciclos posteriores, Eddy disolvió la corporeidad y la descifrabilidad de sus imágenes centrándose en las ventanas, inicialmente las salas de exhibición de automóviles (las obras de "Showroom", 1971-2), y más tarde, los utensilios de cocina y los escaparates de las zapaterías que produjeron composiciones más caóticas (p. Ej., Pots and Pans , 1972; Zapatos nuevos para H. , 1973). [2] [39] [9] Las superficies de las ventanas, tanto transparentes como reflectantes, le permitieron enfocar simultáneamente en dos planos, algo imposible en la visión normal. [2] [40] El choque de formas reconocibles, formas de bordes duros, luz y paisaje urbano resultó en lo que el historiador del arte Alvin Martin llamó "adaptaciones altamente verísticas de la teoría cubista". [17] [2] Eddy llevó esta disolución al máximo en pinturas de finales de la década de 1970 que representaban exhibiciones de cubiertos (y más tarde, de cristal) en vidrios apilados y estantes con espejos, que instaló en su estudio para explorar la refracción de la luz. [41] [42] [1] Los críticos describieron ese ciclo, despojado de una paleta austera de azules y plateados helados, como induciendo una "sobrecarga perceptiva" [43] donde el juego óptico deslumbrante y la complejidad redujeron el espacio y las imágenes a patrones abstractos casi irreconocibles. (por ejemplo, Silverware V for S , 1977; GI , 1978). [41] [44] [9]
En la década de 1980, Eddy decidió que este trabajo era demasiado cerebral. [45] [28] Reintrodujo el color y una dimensión pop —en forma de juguetes baratos y rápidamente elegidos, chicles y personajes de Disney reconocidos desde su juventud— en los ciclos de "Dime Store". [46] [15] [9] Estas pinturas inauguraron evoluciones dramáticas en estilo e imágenes, incluido un cambio conceptual de cuestiones perceptivas a cuestiones más profundas sobre el pensamiento y la naturaleza de la experiencia. [29] [1] [9] Pasó de naturalezas muertas completamente pintadas a composiciones en las que intuitivamente seleccionaba y pintaba solo lo que consideraba más convincente, produciendo imágenes que flotaban, aparentemente ingrávidas, sobre vacíos negros que sugerían recuerdos o sueños (p. Ej., C / VI / B (Mickey en una medianoche en forma de media luna) , 1982). [46] [17] [7] Con las siguientes series '"C / VII", "Daydreamer" y "Dreamreader", Eddy introdujo más yuxtaposiciones discordantes de tiempo, lugar, espacio y estado de ánimo, que hicieron flotar los artículos de la tienda de diez centavos sobre las vistas de lugares que visitó (París, Italia, Hawai), interiores y figuras (su hija, personajes de la pintura de viejos maestros). [37] [17] [14] Estas series, que mezclan lo natural y lo artificial, la fantasía, la realidad y el misterio, apuntan hacia su trabajo más espiritual de su carrera posterior. [7]
Pintura posterior (1989–)
A fines de la década de 1980, la calidad cotidiana del trabajo anterior de Eddy fue superada por imágenes que aparentemente abarcaban el universo, desde lo microscópico hasta lo cósmico: flora y fauna, paisaje, figuras, arquitectura e historia del arte (p. Ej., The Clearing II , 1990; Oracle Bones , 1996). [16] [9] [18] Las nuevas pinturas exploraron el misterio del ser a través de imágenes de agua que fluye, arco iris, luz y energía inmaterial que aluden tanto a la atemporalidad como a las condiciones cambiantes (por ejemplo, Seasons of Light , 1998–9). [7] [30] [47] [31] Donald Kuspit caracteriza su renacimiento de lo espiritual como un "acto místico de fe" que combina aspectos del cristianismo, el budismo y el taoísmo en obras que sugieren iconos de la actualidad. [7] [28]
Eddy empleó una nueva estrategia de múltiples paneles para capturar esta cualidad: polípticos geométricos, cuadrículas ( Catena Aureum , 1995) y, lo que es más significativo, formatos de retablos medievales que eran vehículos para yuxtaposiciones poéticas que fomentaban la contemplación (p. Ej., Deseo inminente y Anhelo distante II , 1993). ). [9] [37] Intentó superar lo que consideraba una debilidad del trabajo de representación de un solo lienzo: una "fijación" reductiva de la riqueza y el dinamismo de la experiencia. [31] Sus obras de paneles múltiples emplean imágenes como significantes textuales; el significado no reside "en" la imagen (como con los símbolos), sino que se genera entre imágenes en relación (por ejemplo, Krishna's Gate , 1995; The Dante Paradox , 2000). [28] [45] [18] Los escritores notan el carácter democrático y abierto de la obra, en el que el significado depende de las experiencias específicas que los observadores traen a la interacción activa con cada pintura. [28] [18]
En su exposición en el Museu Europeu d'Art Modern (Barcelona, 2014), Eddy presentó ocho trípticos en gran parte rectangulares creados entre 2005 y 2011 que combinaban imágenes naturales, arquitectónicas y gradualmente urbanas (p. Ej., Nostos I , 2005; Mono No Aware II , 2011). [31] En trabajos posteriores, ha continuado explorando imágenes naturales y efímeras (por ejemplo, las obras "I Am Water II", 2019-20), pero se ha centrado más a menudo en imágenes urbanas de horizontes nocturnos, tráfico y cafés, trenes, puentes e interiores (p. ej., Sleepless in Paris , 2017; las obras de "Metal City", 2016-2020). [27] [48]
Colecciones
El trabajo de Eddy pertenece a muchas colecciones de museos, incluyendo el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Arte Moderno , Museo Solomon R. Guggenheim y el Whitney Museum de Nueva York, [49] [50] [51] el Museo de Bogotá de Arte Moderno , Museo de Cleveland of Art , [52] The Contemporary Museum, Honolulu , Israel Museum , Musée d'art moderne et contemporain (MAMC, Francia), Saint Louis Art Museum , San Antonio Museum of Art , [53] y Utrecht Museum (Países Bajos). [7] [37] [54]
Ver también
- Fotorrealismo
- Hiperrealismo (pintura)
Referencias
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enlaces externos
- Sitio web oficial de Don Eddy
- Sitio web de Don Eddy
- Documentos de Don Eddy y Leigh Behnke , Archivos de Arte Estadounidenses del Smithsonian.
- Virginia Anne Bonito, biografía en línea de Don Eddy
- Página del artista de la galería Don Eddy Nancy Hoffman