John Himmelfarb (nacido en 1946) es un artista estadounidense, conocido por su trabajo idiosincrásico pero de base modernista en muchos medios. [1] Diversas influencias que van desde Miró , Matisse y Picasso a Dubuffet , artistas de la escuela de Nueva York como de Kooning , Guston y artistas pop informan su trabajo, descrito por críticos y curadores como caóticamente complejo y construido de manera compacta. [2] [3] [4]A menudo emplea líneas enérgicas y gestuales, patrones densos de formas acumuladas y un movimiento fluido entre la figuración y la abstracción, utilizando estrategias de ocultación y revelación para crear un sentido de significado que es a la vez lúdico y esquivo. [5] [6] [7] Su trabajo también está unificado por "una biblioteca circulante" de motivos y estructuras organizativas, como mapas geográficos y urbanos, formas abstractas naturales e industriales y sistemas de lenguaje. [8] [9] Evaluándolo a mitad de su carrera, Andy Argy de New Art Examiner escribió "El arte de Himmelfarb es original […] Su inmersión descarada en el arte gráfico, enfatizando el dibujo sobre la pintura, le ha ganado un lugar importante entre los artistas que convertir los dibujos en importantes manifestaciones estéticas ".[10] A continuación, Himmelfarb se centró en pinturas monumentales que el crítico Christopher Moore denominó exhibiciones pirotécnicas alegres, luminosas y frenéticas. [11] En 2006, comenzó a dedicar un tiempo de estudio considerable a la escultura que el curador Gregg Hertzlieb describió como una expresión de la "necesidad humana de jugar y (nuestra) fascinación perdurable por la metamorfosis y la transformación". [12]
John Himmelfarb | |
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Nació | 1946 Chicago, Illinois, Estados Unidos |
Nacionalidad | americano |
Educación | Harvard College |
Conocido por | Dibujo, Grabado, Pintura, Escultura |
Esposos) | Día de Molly |
Sitio web | johnhimmelfarb |
Himmelfarb tiene una extensa historia de exposiciones, especialmente en las galerías Terry Dintenfass y Luise Ross (Nueva York), Jean Albano Gallery (Chicago), Chicago Cultural Center , Kalamazoo Institute of Arts , Eskenazi Museum of Art (Indiana University, Bloomington), Brooklyn Museum y Art Institute of Chicago . Su trabajo se encuentra en más de cincuenta colecciones públicas en los EE. UU. Y en el extranjero, incluido el Smithsonian American Art Museum , Bibliothèque nationale de France , British Museum y High Museum of Art en Atlanta. Ha sido reconocido con una beca Yaddo y una residencia en artes / industria en Kohler, Wisconsin, así como con subvenciones del National Endowment for the Arts , Pollock-Krasner Foundation y el Illinois Arts Council . [13] Himmelfarb trabaja y vive en Chicago y Spring Green, Wisconsin, con su esposa, Molly Day.
Vida y carrera
John Himmelfarb nació en 1946 en Chicago y creció en la zona rural de Winfield Township, Illinois . Sus padres, Eleanor y Sam Himmelfarb , eran pintores y su padre también tenía una empresa de diseño industrial llamada 3-Dimensions. [14] [15] Los tres exhibieron juntos en algunas ocasiones. [16] Las visitas a museos, los viajes centrados en el arte y las conversaciones serias sobre arte, música y literatura fueron constantes en la vida familiar temprana de Himmelfarb. [8] En 1964, se matriculó en la Universidad de Harvard sin intención de emprender una carrera artística. [17] [14] Eso cambió después de un estudio independiente de dibujo en el tercer año con el escultor Wil Reimann y el estímulo de los artistas de la facultad Robert S. Neuman y Mirko Basaldella . [14] [18] [8] En 1968, cuando se graduó con una licenciatura en Ciencias de la Arquitectura y Urbanismo, ya había decidido convertirse en artista. [19]
Con la intención de apoyar su arte mediante la enseñanza, Himmelfarb se inscribió en el programa de Maestría en Artes en la Enseñanza en la Escuela de Graduados de Educación de Harvard. En 1970, completó su licenciatura y también conoció a su futura esposa, Molly Day. Después de viajar al extranjero, se mudó de regreso a Chicago, trabajó en el estudio de sus padres y, en la venta de su primer estudio, generó las ganancias para montar su propio estudio. [17] [7] A finales de 1971, él y Molly compraron una casa en el barrio de Pilsen de Chicago , y después de casarse en 1972, remodelaron la casa en una combinación de casa y estudio. [20] [14] En los años siguientes, tuvieron dos hijos, Forest, nacido en 1979 y ahora empresario, y Serena, nacida en 1986 y ahora pintora.
Al carecer del pedigrí de un MFA o de una residencia en Nueva York, Himmelfarb siguió su carrera artística de una manera inusual, con una especie de practicidad del Medio Oeste. [8] [7] Construyó su reputación con viajes por carretera prolongados, reuniéndose individualmente con curadores de museos y propietarios de galerías en todo el Medio Oeste, y cultivando coleccionistas a través de pequeñas exhibiciones en hogares de personas en lugares tan lejanos como Omaha, Minneapolis, Erie y Bostón. [19] [21] Su estrategia poco ortodoxa funcionó, a largo plazo. [17] A finales de la década de 1970, consiguió adquisiciones del Art Institute of Chicago [22] y del Smithsonian, [7] y una base de apoyo generalizada, lo que convenció a Terry Dintenfass , Gallery 72 (Omaha) y Barbara Balkin (Chicago) de representarlo. También atrajo la atención de críticos como la cofundadora de New Art Examiner , Jane Addams Allen [4] y Harold Haydon del Chicago Sun Times , [23] y exhibiciones en universidades y museos de todo el Medio Oeste. [24] Más tarde, expondría en las galerías Luise Ross, Jean Albano y Thomas McCormick (Chicago) y Modern Arts Midtown (Omaha), y en museos como el Jule Collins Smith Museum of Fine Art , Huntington Museum of Art ( Virginia Occidental), el Museo de Arte de Davenport (Iowa) y el Centro de Arte de Sioux City . [25]
Trabaja
La relativa distancia de Himmelfarb de los canales tradicionales del mundo del arte llevó su trabajo en una dirección igualmente idiosincrásica, menos centrada en la novedad o polémicas estéticas, y más en la intuición, la iconografía personal y la construcción de la tradición modernista. [1] [8] Con una "energía creativa incansable", exploró libremente los medios —dibujo, grabado, pintura y, más recientemente, escultura, cerámica y tapiz— creando un cuerpo de trabajo muy diverso consistente en sus convicciones formales y humanistas. preocupaciones por la relación de la humanidad con la naturaleza (incluida la propia), la organización de la civilización y las estructuras de la comunicación visual y el lenguaje. [26] [27] [28] Quizás su trabajo esté mejor organizado por series principales, que tienden a emplear múltiples medios: 1) Dibujos e impresiones tempranos; 2) "Reuniones"; 3) series relacionadas con el idioma; 4) "Romance del interior"; y 5) "Camiones".
Primeros dibujos e impresiones
Himmelfarb se centró inicialmente en dibujos e impresiones en tinta en blanco y negro de "complejidad acumulada" [7] que los críticos relacionaban con el dibujo automático surrealista o el realismo mágico. [2] [1] En obras enigmáticas de hasta cuatro por dos metros y medio, una línea de contorno nerviosa e inquieta creaba un enfoque dinámico y cambiante del macrocosmos al microcosmos, del patrón a la imagen y de la abstracción a la figuración, como animales, personas, plantas y las estructuras emergieron y desmaterializaron en un tapiz entrelazado de borde a borde de formas orgánicas y geométricas. [29] [19] Críticos como Jane Addams Allen y Derek Guthrie vieron en el laberinto de observación, incidentes y detalles múltiples niveles de percepción: un sentido de la naturaleza "sinónimo de ritmos de vida"; una visualización de la civilización que refleja los estudios de planificación urbana de Himmelfarb; y un humor irónico que surge de la yuxtaposición de gesto, proporción y forma. [4] [30] Harold Haydon escribió sobre su "asombro por el genio inventivo del artista" y su "satisfacción infinita al descifrar imágenes y descubrir el humor y la ironía ocultos". [7] Con el tiempo, Himmelfarb se expandió a grabados y pinturas en color, incluido su "Boatman" de principios de la década de 1980, un ciclo de obras más primitivas ejecutadas con pinceladas cortantes y arremolinados, que actualizó el tema clásico del " barco de los tontos " en obras que sugieren al hombre "apiñándose en el olvido". [2] [24] [21]
Serie "Reuniones" (1982-1990)
La serie "Meeting" presentaba dibujos, grabados y pinturas a gran escala (de hasta siete y medio por treinta y dos pies) que intensificaron el uso de patrones generales de Himmelfarb, pero desarrollaron un enfoque narrativo más dramático que a veces sugería una ampliación, detalles elaborados de los dibujos anteriores. [29] Muy a menudo, estas obras, como Lava Flow (Meeting) Red (1986) o Lumber Street Meeting (1988), representaban un par o trío de cabezas grotescas y totémicas (generalmente un hombre en vistas frontales y de perfil y un perro gruñendo ), representada con pinceladas entrelazadas entrecortadas y colores abrasadores contra el negro, que emergió y desapareció entre la vegetación retorcida. [6] [15] Mientras que algunos críticos detectaron la tensión de los "alter-egos divididos" en la nueva obra, [30] otros como el Castillo Frederick Ted de Art in America vieron "descaro barroco", "desorden humano" y un rico juego de dualidades: representación versus no representación, confrontación versus resolución, hombre versus naturaleza / bestia, la personalidad integrada versus sus partes. [6] [24] [15] Andy Argy notó un juego intrigante entre la forma y la imagen "que sugiere una versión caligráfica de un expresionista abstracto enloquecido" que permitía que la obra pareciera serenamente decorativa e intensamente expresionista, como Grimm o el hada de Andersen. cuentos, tanto cómicos como aterradores. [10]
La fascinación de Himmelfarb por el lenguaje se remonta a sus primeros días en Harvard, cuando inventó su propio alfabeto pictórico, y resurgió esporádicamente en dibujos como el 30/05/79 y sus obras "Grid" de la década de 1970. [31] [18] En la década de 1990, comenzó dos series que representan su exploración más profunda del lenguaje, sus notablemente variados "Iconos" y "Rompecabezas". [32] En estas obras, creó composiciones que se asemejan a rollos sagrados, tablillas, fragmentos de fachadas de templos y documentos cotidianos, elaborados a partir de lenguajes privados e inventados de pictogramas, jeroglíficos y caracteres derivados del neolítico y símbolos religiosos, dibujos terrestres antiguos, asiáticos y árabes. alfabetos y escrituras de sellos que implican declaraciones coherentes, pero siguen siendo misteriosas. [27] [28] [9] Formalmente, la serie se relaciona con los primeros dibujos de Himmelfarb en la tensión entre la imagen y el patrón general, la manipulación del espacio positivo y negativo y la exploración de estructuras visuales, aquí, del lenguaje en lugar del orden social. [27] [33] En "Iconos" como Motor Home (2007) o la Costa de Chicago (2004) con baldosas de cerámica, una comisión pública para la parada de metro de la Avenida Kedzie de la Autoridad de Tránsito de Chicago [34], Himmelfarb trabajó de una manera simplificada, manera gráfica; en obras de "Puzzle" como Jump , acumuló más detalles dibujados en los fragmentos. El crítico John Brunetti los describió como "gestalts evocadores de lenguaje, imagen y pensamiento", que combinan "belleza inusual" y "disciplina rigurosa", para sugerir las firmas físicas y espirituales dejadas por civilizaciones pasadas o la riqueza de la vida. [29]
En 2003, Himmelfarb comenzó a traducir sus "Iconos" en tres dimensiones, formando esculturas de bronce, hierro y aluminio a pequeña escala a partir de sus pictogramas. [8] Aumentando la escala, creó Duncan Gates (2008) de tamaño humano , dos puertas de bronce fundido encargadas para un parque de esculturas de propiedad privada en Lincoln, Nebraska, y la escultura de metal pintado al aire libre Local Hero (2018), que también tiene rastros de sus pinturas de "Inland Romance" en forma de celosía.
Serie "Inland Romance" (1993-2007)
La serie "Inland Romance" refleja el vínculo romántico de Himmelfarb con Chicago y el Medio Oeste. Incorporaba elementos abstractos inspirados en el ritmo, la densidad y las formas industriales de la ciudad (puentes, escaleras, herrajes, chimeneas, grúas, depósitos de chatarra, a menudo dibujados como celosías sobre terrenos modelados) y pasadizos como ríos, carreteras, mapas y líneas de transporte. . [35] [19] [1] El Chicago Tribune ‘s Alan Artner y otros también vinculado la serie de obras de caligrafía de Himmelfarb, al ver una relación entre las formas de celosía y aumentos señalados de sus jeroglíficos (como en chapa Corte , 1998) que sugiere la obra monumental de Franz Kline . [9] [1] Además, un nuevo lirismo y una pintura expresionista abstracta pasaron a primer plano (por ejemplo, Limestone Fox , 2000), junto con su línea de trabajo característicamente dinámica y composiciones densas y amontonadas. [36] Los críticos típicamente notaron la exuberancia, el color luminoso y el ritmo frenético de las pinturas, comparándolas de diversas maneras con el jazz improvisado, vidrieras, planos de ciudades míticas o tapices que representan un viaje. [11] [5] [37]
De particular interés es Oakton Circle (2001) de aproximadamente once pies por veinticinco pies , una obra que comenzó como un lienzo en blanco, montado con dos obras de tamaño similar en el Museo de Arte Koehnline de Oakton College, que Himmelfarb ejecutó como un acto público de pintura escénica, comenzando en la inauguración de su exhibición el 6 de septiembre de 2001. [19] [38] Completada en los días posteriores a los ataques del 11 de septiembre, la obra atrajo la misma atención de los espectadores tanto por la actuación de alta presión de Himmelfarb como por su color cargado y dinamismo a una escala épica. [38] [39]
"Camiones" (2004–)
La serie "Camiones" de Himmelfarb representa un viaje de lo más improbable. Comenzó inesperadamente un día después de ver una pintura de Dubuffet en el Art Institute of Chicago. [40] Dubuffet empleó una línea negra líquida sobre un fondo multicolor que electrificó a Himmelfarb. Inmediatamente fue a su estudio para emular el impacto gráfico de una pintura de "Inland Romance". Cuando surgió una forma similar a una grúa, dibujó lo que parecía ser un camión debajo de ella ( Bypass , 2003). En el cuadro siguiente, Avion (2004), prescindió de la grúa y solo apareció un camión. [41] [42] Nació una nueva serie que se expandiría para incluir dibujos (muchos en tarjetas de catálogos de bibliotecas antiguas), grabados y esculturas que emplean cerámica, madera, hierro fundido, acero y, finalmente, ensamblajes manejables de 25 pies que incorporan camiones reales, que los críticos han descrito colectivamente como caprichosos, formalmente inventivos. [12] [21] Los curadores reunirían este trabajo ecléctico en la exhibición itinerante del museo, "Camiones" (2014–6). [42] [43]
Himmelfarb se centró inicialmente en obras bidimensionales que tenían la influencia de Dubuffet y Guston. [44] [21] Pero una residencia en 2007 en el programa "Artes en la industria" del Kohler Arts Center le permitió a Himmelfarb explorar seriamente el trabajo tridimensional. [8] Comenzó a lanzar camiones expresionistas de aspecto fundido que a veces eran indistinguibles de su carga, como Greek Opera y Bird in Hand . [40] [8] En 2008, dio un gran salto al adquirir una camioneta pickup International KB-1 de 1946, junto con una gran cantidad de objetos encontrados (barriles de acero, equipos, herramientas, tuberías) que soldaba y pintaba. firmar rojo para crear el ensamblaje, Conversión. Siguió con Galatea (2010), una obra más esencial en sus formas y manejable, y más tarde, con la muy viajada Penelope Awaiting Her Chamberlain (2013), una obra móvil que utiliza una camioneta Chevrolet de 1946 que hace referencia a la mitológica Penélope y al escultor de ensamblajes. John Chamberlain . [40] A pesar de sus referencias más literales, los "Camiones" de Himmelfarb funcionan de manera muy similar a su otro trabajo, cambiando libremente de familiar a extraño, funcional a artístico, industrial a caprichoso, con los camiones que sirven en gran medida como "portadores" de formas (colores y formas). ) y significado (sustitutos que representan cualidades humanas reflejadas en títulos como Caridad , Dedicación o Tolerancia ). [40] [42]
Colecciones y reconocimiento
El trabajo de Himmelfarb se encuentra en más de cincuenta colecciones públicas en los EE. UU. Y en el extranjero, que incluyen: el Instituto de Arte de Chicago, La Bibliothèque Nationale de France, Museo Británico, Museo Smithsonian de Arte Americano, [45] Museo Nacional de la Estampa (Ciudad de México), Total Museum of Contemporary Art (Seúl), Brooklyn Museum , [46] High Museum of Art, Huntington Museum of Art , Joslyn Art Museum , Portland Art Museum , [47] y Sioux City Art Center, [48] entre muchos. [25] [19] También ha creado proyectos de arte público para la Biblioteca Pública de la Ciudad de Chicago, el Aeropuerto Logan de Boston, la Autoridad de Tránsito de Chicago, la Universidad de Nebraska y Art Omaha. [49] [25]
Himmelfarb ha sido reconocido con una beca Yaddo (1979), así como con becas del National Endowment for the Arts (1982, 1985), la Pollock-Krasner Foundation (1986, 2002), el Illinois Arts Council (1986, 2003), y Artistas de Chicago en el extranjero (1989). Ha sido elegido para residencias por el Kohler Arts / Industry Program (Kohler, Wisconsin) y la Emily Harvey Foundation (Venecia, Italia). También ha sido honrado como Artista Visitante en más de treinta instituciones y universidades, incluidas la Universidad de Wisconsin-Madison, la Universidad de Canterbury (Christchurch, Nueva Zelanda), la Universidad de Indiana , [18] la Universidad de Nebraska y la Universidad de Chicago , entre muchos. [14] [25]
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enlaces externos
- Sitio web oficial de John Himmelfarb
- John Himmelfarb, Artista estadounidense (cortometraje)
- Segmento en el programa WTTW-TV, Chicago Tonight , John Himmelfarb - "Camiones"
- John Himmelfarb Portfolio , el programa de visualización del Centro de dibujo
- Galería de arte moderno Midtown, John Himmelfarb
- Stewart & Stewart Prints, John Himmelfarb