Katherine Schmidt (6 de febrero de 1899 - 18 de abril de 1978) fue una artista y activista del arte estadounidense. Al principio de su carrera, los estudios de figuras, paisajes y naturalezas muertas que pintó fueron elogiados por su "pureza y claridad de color", "buen dibujo" y "elección individual del tema y su manejo". [3] Durante la década de 1930 se la conocía principalmente por la calidad de sus bodegones que mostraban, dijo un crítico, "un arte impecable". [4] Al final de su carrera, en las décadas de 1960 y 1970, produjo bodegones especializados y muy disciplinados de objetos como hojas muertas y trozos de papel arrugado, que, según dijo un crítico, se acercaban a un "realismo mágico". [5] Como activista del arte, ayudó a promover los derechos de los artistas a cambio de una remuneración justa.[6]
Katherine Schmidt | |
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![]() Schmidt hacia 1922 | |
Nació | [1] | 6 de febrero de 1899
Fallecido | 18 de abril de 1978 [2] Sarasota, Florida [1] | (79 años)
Conocido por |
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Entrenamiento de arte
En 1912, a la edad de 13 años, Schmidt comenzó a tomar clases los sábados en la Art Students League con la artista Agnes Richmond. [7] [nota 1] En ese momento, la Liga era popular entre las niñas y mujeres jóvenes que deseaban estudiar arte y sus clases de los sábados la hacían accesible para quienes, como Schmidt, asistían a la escuela los días de semana. [nota 2] Mientras todavía estaba en la escuela secundaria, ella, su hermana y otras dos niñas pasaron parte de un verano pintando en la colonia de arte en Woodstock, Nueva York . Con su hermana y otra niña, pasó las siguientes dos vacaciones de verano pintando en Gloucester, Massachusetts , entonces un destino popular para los artistas. Durante estos viajes, Agnes Richmond actuó como acompañante y guardiana. [7] [nota 3]
En 1917, después de graduarse de la escuela secundaria, Schmidt tomó clases regulares por la tarde en la Liga. Por casualidad se unió a la clase de Kenneth Hayes Miller , el artista que más influiría en su estilo maduro. [6] [14] [nota 4] Schmidt encontró que el estilo de enseñanza de Miller era emocional e intelectualmente exigente. Dijo que además de enseñar la técnica, Miller ayudó a cada estudiante a sacar a relucir sus talentos únicos y, como resultado, dijo, "todos éramos enormemente diferentes" en la manera de trabajar y en el estilo artístico. [7] Al darles tareas grupales e invitarlos a tomar el té regular de los miércoles por la tarde en su apartamento, Miller también ayudó a sus estudiantes a conocerse bien entre sí. [7] [nota 5]
Durante el tiempo que ella fue su alumna, la Liga abolió su política de clases para personas del mismo sexo y, mezclándose con hombres más libremente de lo que había podido hacerlo anteriormente, Schmidt amplió su círculo de amigos. A un grupo de mujeres con las que se había hecho amigo anteriormente, ahora agregó un número aproximadamente igual de hombres. [7] [15] : 6 [nota 6] Durante las próximas décadas, este grupo de estudiantes formaría el núcleo de otros tres: (1) la "escuela de la calle Catorce" o la "pandilla Miller" compuesta por estudiantes Miller que alquilaron apartamentos en las cercanías de su apartamento en 30 E. 14th Street, (2) el "Whitney Circle" todos los cuales eran miembros del Whitney Studio Club, y (3) los artistas adjuntos a dos galerías, la Daniel Gallery y, después su desaparición, la Galería del Centro. [17] [18] [19] [20] En 1932, Peggy Bacon produjo una impresión a punta seca que mostraba al grupo divirtiéndose en una bolera de la Tercera Avenida. Titulado "Ardent Bowlers", mostraba a Alexander Brook , Yasuo Kuniyoshi , Reginald Marsh , junto con la propia Peggy y otros amigos de Schmidt. [21] En una entrevista de historia oral de 1969, Schmidt nombró a muchos de los jugadores de bolos ardientes como sus amigos de toda la vida. [7] [nota 7]
Carrera artística
Schmidt se convirtió en miembro fundador del Whitney Studio Club en 1918. [7] [20] : 31 [nota 8] El club dio la bienvenida a jóvenes artistas talentosos como Schmidt y sus amigos de la clase Miller. Los defensores de todos los estilos artísticos fueron bienvenidos y la membresía creció rápidamente a medida que los miembros propusieron a otros artistas para la membresía. Además de realizar exhibiciones grupales, el club realizó exhibiciones individuales en galerías separadas para dos o tres miembros a la vez. [15] : 8 [22] Estas exposiciones obtuvieron críticas favorables de los críticos de Nueva York, lo que ayudó a Schmidt y a los otros miembros jóvenes del club, especialmente a las mujeres, a avanzar en sus carreras. [20] : 30 [nota 9] Schmidt recordó más tarde que los jóvenes estudiantes de la Liga en el club estaban entre los primeros artistas de la Liga de su tiempo en recibir exposiciones. [7] [nota 10]
En 1919, Schmidt se casó con su compañero de estudios Yasuo Kuniyoshi en un complejo de artistas que había sido establecido por Hamilton Easter Field en Ogunquit, Maine . Como mecenas de artistas jóvenes, Field había reconocido el talento de Kuniyoshi y lo había invitado a pasar los veranos en Ogunquit a partir de 1918. Schmidt conoció a Field a través de Kuniyoshi y ella misma fue invitada a asistir. Como regalo de bodas, Field les dio el uso de un estudio en el complejo y también les dio un apartamento en una de las dos casas que poseía en Columbia Heights de Brooklyn . [7] [14] [15] : 8 [24]
1920
Aunque tanto Schmidt como Kuniyoshi pudieron vender algunas pinturas a principios de la década de 1920, tuvieron que aceptar trabajos tanto para mantenerse como para ahorrar para un viaje planeado a Europa. Schmidt dirigió el comedor de la Liga durante este tiempo y luego impartió una clase de dibujo por la noche y realizó trabajos ocasionales para el Whitney Studio Club. [7] [20] [23] : 60 [nota 11]
Schmidt y Kuniyoshi pasaron dos años en Europa durante 1925 y 1926 y regresaron allí en 1927. A diferencia de Kuniyoshi y otros artistas estadounidenses que viajaron por Francia, España e Italia durante la década de 1920, Schmidt no encontró en esos lugares temas que deseara pintar. y regresó a los Estados Unidos con la sensación de que el entorno estadounidense se adaptaba mejor a su perspectiva artística que el europeo. [7] [nota 12]
El Whitney Studio Club le había dado a Schmidt su primera exposición individual en 1923. Ella y otros dos artistas mostraron obras en tres galerías separadas. [15] : 8 [25] [nota 13] En 1927, Schmidt recibió su segunda exposición individual, la primera de una serie anual que se lleva a cabo en la Galería Daniel. [7] [26] [nota 14] Para entonces, el trabajo de Schmidt se había vuelto familiar tanto para los críticos como para los asistentes a la galería. [30] Muestras anteriores en el Whitney Studio Club, la Sociedad de Artistas Independientes y algunas otras galerías habían atraído la atención de los críticos de arte de Nueva York, pero estas reseñas no eran tan completas como las reseñas que recibió su trabajo en ese momento. [nota 15] Una crítica del Brooklyn Daily Eagle , Helen Appleton Read, dijo que su trabajo durante los primeros años de su carrera había mostrado la influencia de Kenneth Hayes Miller pero que, sin embargo, era "claramente personal". Las pinturas de la exposición individual en la Daniel Gallery eran ahora, dijo, menos dadas a los sujetos tipo Miller de lo que habían sido. [30] Un crítico del New York Times notó una influencia de Renoir en los estudios de la figura y elogió su capacidad para capturar una sensación de drama en sus sujetos, pero sintió, en general, que su trabajo carecía de sentimiento, era "algo seco en aspecto. " [35]
Al revisar la exposición individual que le ofrecieron un año después, un crítico del Brooklyn Daily Eagle notó una mejora continua en su trabajo. Esta crítica vio poca influencia del estilo ingenuo de Miller, un sentimiento continuo por la textura y el color y, en general, una competencia cada vez mayor en su trabajo. [36] [nota 16] Escribiendo sobre el mismo programa, Margaret Bruening del New York Evening Post mencionó rastros persistentes del "Millerismo de Kenneth Hayes", elogió el autorretrato de Schmidt como "una semejanza y una buena pieza de diseño plástico realizado con reticencia". y seguridad ", y dijo que" parece crecer bastante firme y triunfalmente en la suya propia ". Una pintura, llamada "Naturaleza muerta" fue para Breuning el punto culminante de la exposición. "Una verdadera alegría para la vista", dijo, era una obra de "poder y belleza" que tenía una "emoción estética" que faltaba en los paisajes y pinturas de figuras de Schmidt. [37] La tendencia a ver una fuerza y madurez cada vez mayores en el trabajo de Schmidt continuó en las reseñas de su exposición individual en la Galería Daniel en 1930, de la cual un crítico señaló una "realización rica y natural de sus dones" y dijo "ahora es cosechando la recompensa artística por este arduo aprendizaje, con un poder y concentración que el pintor más fácilmente satisfecho no alcanza ". [38] [39]
1930
Schmidt realizó su última exposición individual en la Daniel Gallery en 1931. [40] Para entonces, se la veía principalmente como una pintora de bodegones. [40] Un crítico encontró que las naturalezas muertas del programa eran técnicamente sólidas pero carecían de "alma". [40] Al encontrar en ellos un "fondo sustancial de humor", otro dijo que mostraban una "asombrosa habilidad para rodear formas tridimensionales con aire" y poseían un "realismo misterioso". [41] Un tercer crítico, Breuning en el Evening Post , vio en ellos una "vitalidad asombrosa". [3] En 1932, el nuevo Museo Whitney de Arte Americano mostró una de las pinturas de Schmidt en una exposición colectiva y al año siguiente el museo la compró. [42] [43]
Schmidt comenzó a exhibir en la Downtown Gallery en 1933, luego del cierre de la Daniel Gallery el año anterior. [7] [19] [nota 17] De su primera exposición individual en la Downtown Gallery en 1934, Edward Alden Jewell del New York Times dijo que mostró una influencia persistente tanto de Miller como de Renoir en algunos estudios de figuras, pero agregó que "nunca hace para encasillar el arte de Katherine Schmidt con demasiada confianza ". Llamó a su pintura "Tigre, tigre", divertida, exótica y, en general, el mejor trabajo que había hecho en mucho tiempo. Al señalar su hábil manejo de retratos, estudios de figuras, paisajes y naturalezas muertas, agregó: "Katherine Schmidt bien puede ser llamada la Ruth Draper del mundo del arte". [45] [nota 18] Escribiendo que "de ninguna manera ha alcanzado la posición como una de las pintoras más importantes de la generación más joven que se merece", un crítico del Brooklyn Daily Eagle llamó a este espectáculo "una de las exhibiciones más destacadas de el año." [48] Schmidt continuó recibiendo críticas cuidadosas de exposiciones individuales y grupales realizadas en la Downtown Gallery, el Whitney Museum y otros lugares a mediados y finales de la década de 1930.
Compañero artista, amigo, historiador de arte, curador y crítico, Lloyd Goodrich dijo que el dominio técnico de Schmidt aumentó durante la década de 1930 y este dominio fue más evidente en su obra de naturaleza muerta: "Cada objeto fue modelado con una redondez completa y una sensación de solidez y peso ... Se entendieron claramente las relaciones de cada elemento con los demás, y con el espacio en el que estaban contenidos. El resultado fue un diseño finamente concebido, muy entrelazado. El color era con cuerpo, terroso, ni dulce ni brillante." [15] : 8 En este momento ella comenzó a hacer estudios de figuras de las víctimas de la Depresión y para retratar estos sujetos Edward Alden Jewell escribió que ella era "la artista adecuada para la tarea correcta". Al describir las pinturas en una exposición individual de 1939 en el Downtown como "deliciosamente congruentes", dijo que revelaban "un estilo encantador y sutil que ha madurado y que tiene una estatura real". [49] Goodrich describió uno de estos estudios de figuras, "Broe y McDonald escuchan", como diferente de "las imágenes idealizadas del proletariado común en ese momento" y dijo que "cada elemento" de la pintura "desempeñó su papel como forma, incluso las mangas de la camisa de Broe, cuyos pliegues estaban diseñados tan conscientemente como las cortinas de los viejos maestros ". [15] : 12 [nota 19]
Décadas de 1940, 1950 y 1960
Después de 1939, Schmidt produjo menos obras y, aunque apareció en exposiciones colectivas, no dio más exposiciones individuales hasta 1961. [15] Durante los años de guerra produjo una pintura atípica, "Hogar", que evoca sentimientos patrióticos. Al señalar que se trataba de una marcada desviación de la distancia estética que había mantenido anteriormente, un crítico calificó esta obra de "casi religiosa". [50] [nota 20]
Hacia finales de la década de 1930, Schmidt había comenzado a sentirse insatisfecha con su trabajo en general y en particular con su técnica. [15] [nota 21] Para resolver el problema, volvió a los fundamentos. Usando un texto en alemán que su esposo le tradujo, lentamente reconstruyó sus habilidades durante las siguientes dos décadas. [nota 22] El libro era Malmaterial und seine Verwendung im Bilde de Max Doerner . [nota 23] Ella dijo: "La lectura del libro de Doerner fue muy importante para mí personalmente. Me tomó años entender la técnica realmente, quiero decir el significado de la misma". [7] Doerner pidió un enfoque disciplinado de la pintura. Deplorando lo que veía como una tendencia moderna de los artistas a utilizar una "técnica libre y fácil, libre de cualquier consideración por las leyes de los materiales", pidió "cuadros construidos sistemáticamente" producidos por "proyectos pictóricos claramente pensados, donde cada La fase de la imagen se desarrolla casi de acuerdo con un cronograma ". [51] : 337 [nota 24] En 1960 encontró un nuevo enfoque para su arte. Aprovechando la fuerza que había mostrado anteriormente en las naturalezas muertas y empleando las disciplinas que aprendió de Doerner, comenzó a utilizar un enfoque naturalista que, como dijo un crítico, se acercaba a un "realismo mágico". [2]
Su decisión de trabajar con un nuevo estilo fue repentina. Ella dijo: "Un día me lavé las manos. Mi papelera no estaba allí, así que tiré la toalla de papel sobre la mesa. Más tarde, cuando volví a esta pequeña habitación que tenía en el campo, había un pedazo de papel tirado allí. Pensé, "Oh, Dios mío, eso es hermoso". Y lo pinté ". [7] Su nuevo trabajo fue preciso y realista casi hasta el punto de trampantojo . [15] : 8 Sus sujetos eran objetos ordinarios sin belleza evidente, papel arrugado y hojas muertas. Utilizando lo que un crítico llamó "un dibujo prolijo y minucioso", [5] hizo dibujos que, según un crítico, contenían "una intensidad casi prerrafaelita ". [52] Su método fue lento y metódico. Ella construyó cada cuadro de forma sistemática durante cinco meses. Como resultado, le tomó mucho tiempo acumular suficiente trabajo nuevo para una exposición en una galería. [7] Ella había utilizado objetos como estos en algunas de sus primeras naturalezas muertas, pero nunca como el elemento principal de una pintura. Lloyd Goodrich dijo que en pinturas como "Papel azul y cajas de galletas" Schmidt fue capaz de dar "movimiento y vida" a los objetos "insustanciales, inmóviles" que pintó y concluyó que sus pinturas en este momento "dentro de su contenido severamente limitado, lograron el arte más puro de todas sus obras ". [15] : 18 [nota 25]
Schmidt respetaba y admiraba el trabajo de artistas abstractos y no objetivos, pero nunca se sintió inclinada a trabajar en ese estilo. En 1969 ella dijo
Nunca me ha gustado trabajar desde mi imaginación. Me gusta trabajar a partir de un hecho y trataré de sacar algo del hecho. Lo disfruto más. Y hago mi mejor trabajo cuando hago eso. No sé si es solo porque me lo olvidé de que no me gusta inventar cosas. Algunos artistas son maravillosos con inventos fantásticos. Pero me encanta el olor y la sensación de la vida. Tienes que seguir tus apetitos. No eliges ser lo que eres. Tu eres lo que eres. [7]
Durante los años sesenta y setenta, Schmidt se presentó en las galerías Isaacson, Zabriskie y Durlacher, en exposiciones que aparecieron, como ella dijo, más o menos a su gusto. [5] [7] [52] [53] Durante la década de 1970, su producción disminuyó hasta su muerte en 1978. [2]
Exposiciones
El trabajo de Schmidt apareció con mayor frecuencia en exposiciones colectivas e individuales realizadas a principios de la década de 1920 por el Whitney Studio Club, a finales de la década de 1920 por la Daniel Gallery, en la década de 1930 por la Downtown Gallery y el Whitney Museum of American Art, y en las décadas de 1960 y 1970. 1970 por las Galerías Isaacson y Durlacher. Además de estos espectáculos, el trabajo de Schmidt apareció en exposiciones colectivas en AWA Clubhouse, An American Group, Inc., Art Students League, Associated American Artists, Brooklyn Society of Modern Artists, Carnegie Institute, Pittsburgh, Penn., Corcoran Gallery, Washington, EE.UU. DC, Grand Central Galleries, J. Wanamaker Gallery of Modern Decoration Art, New York World's Fair, 1939, Newark Museum, Newark, NJ, Pennsylvania Academy of Fine Arts, Filadelfia, Penn., Pepsi Cola Portrait of America Exhibit, Society of Independent Artistas y Salones de América. Apareció en exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno, el Museo de Newark, la Universidad de Nebraska y la Galería Zabriskie. [nota 26]
Colecciones
El trabajo de Schmidt ha sido ampliamente coleccionado en museos estadounidenses, incluida la Academia Estadounidense de Artes y Letras, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno, el Museo Newark (Newark, Nueva Jersey), el Museo de Santa Bárbara (Santa Bárbara, Cal.), La Fundación Sata Roby. Colección, Museo Smithsonian de Arte Americano (Washington, DC), Universidad de Arizona, Museo de Arte Weatherspoon (Universidad de Carolina del Norte en Greensboro) y Museo Whitney de Arte Americano. A menos que se indique lo contrario, estos museos se encuentran en Nueva York. [nota 27]
Activismo artístico
Durante los primeros años de su carrera, Schmidt se unió a la Sociedad de Artistas Independientes y los Salones de América, así como al Whitney Studio Club, y estas conexiones sugieren una actitud liberal, o como se llamó entonces, radical hacia el arte y los artistas. [54] Con el deseo de promover las carreras de los jóvenes artistas estadounidenses, estas organizaciones tenían como objetivo contrarrestar las prácticas conservadoras de la Academia Nacional de Artes y Ciencias mediante la celebración de exposiciones libres de jurados y premios y la oferta de obras a la venta sin comisión. [7] [14] [54] [nota 28] Involucraron al público de Nueva York con publicidad y con campañas publicitarias con lemas como "¿Qué es el hogar sin una imagen moderna?" Al unirse a ellos, Schmidt se situó entre los artistas progresistas e independientes de la época. [22]
En 1923, el mismo año en que le ofrecieron una exposición individual en el Whitney Studio Club, el trabajo de Schmidt apareció en la New Gallery de Madison Avenue. La galería estaba entonces en su año inaugural, ella era una de las pocas mujeres incluidas en su lista, y una pintura suya logró lo que probablemente fue su primera venta comercial. [56] [57] [nota 29] Sin embargo, puede ser más significativo que la New Gallery haya publicado un manifiesto redactado enérgicamente que lo alineaba con el club como una fuerza liberal en el mundo del arte de Nueva York. El comunicado decía que la galería era "un experimento para determinar si hay un público dispuesto a interesarse por las imágenes contemporáneas que son algo más que patrones hábiles y serviles del pasado" [57] : 2 y preveía la formación de una sociedad. de artistas que estuvieron de acuerdo con sus objetivos. [57] : 5 [nota 30] Para lograr esta visión, la galería formó un club compuesto por artistas y patrocinadores de la galería del que Schmidt se convirtió en miembro. [57] : 2
A principios de la década de 1930, Schmidt participó en otra organización dedicada al apoyo del arte en la cultura estadounidense contemporánea y, en nombre de esa organización, dirigió un esfuerzo para convencer a los museos de que debían compensar a los artistas mediante tarifas de alquiler cuando exhibían obras sin comprarlas. La organización era la Sociedad Estadounidense de Pintores, Escultores y Sepultureros y su cargo era presidenta del Comité de Alquileres. [15] [58] [59] [nota 31] A pesar de las repetidas solicitudes y una intensa campaña publicitaria, la mayoría de los museos se negaron a pagar las tarifas de alquiler solicitadas. La controversia alcanzó su punto máximo cuando muchos artistas se negaron a participar en una muestra en el Museo Carnegie en Pittsburgh y disminuyó después de que los museos y varios críticos de arte influyentes se negaron a ceder. [59] [62] [63] [64] [nota 32]
A mediados de la década de 1930, Schmidt y Kuniyoshi tuvieron lo que resultó ser un divorcio amistoso y, creyéndose felizmente independiente, se sorprendió al encontrarse enamorada. Su segundo esposo fue Irvine J. Shubert, quien se convertiría en un compañero de por vida. Debido a que Shubert se ganaba la vida como abogada, no experimentó las dificultades financieras que afligieron a muchos otros artistas en aquellos tiempos. De todos modos, se convirtió en una firme defensora del apoyo gubernamental a las artes y cuando se anunció que el Proyecto Federal de Arte se cerraría, se unió a Alfred Barr y otros para dar testimonio ante un comité del Congreso para instar a su continuación. [7] [15] Después de su desaparición, ayudó a elaborar un plan mediante el cual el estado de Nueva York compraría obras de artistas para su uso en edificios públicos y para exposiciones que circularían por edificios públicos y centros comunitarios. Aunque el esfuerzo no tuvo éxito, ayudó a inspirar al Consejo de Artes del estado algunos años más tarde. [15] Sobre su participación en el activismo artístico, Schmidt dijo más tarde: "Disfruté mucho haciendo ese tipo de cosas. Me habían liberado de muchas responsabilidades y tenía tiempo para hacerlo". [7]
Vida personal
Schmidt nació el 6 de febrero de 1899 en Xenia, Ohio . [1] Sus padres habían nacido en Alemania y habían emigrado a los Estados Unidos tras la agitación de las revoluciones alemanas de 1848-1849 . La nombraron en honor a una tía materna cuya pintura aficionada ayudaría a Schmidt a encontrar su propio amor por el arte. [7] Tenía una hermana, Anna, que era un año menor. [7] [nota 33] Antes de los diez años, su familia se mudó a la ciudad de Nueva York. [nota 34] Allí asistió a escuelas públicas locales y todavía era una estudiante de secundaria cuando comenzó a asistir a las clases de los sábados por la tarde en la Art Students League. [nota 35]
Schmidt conoció a Yasuo Kuniyoshi en 1917 mientras estudiaba en la Liga. Cuando se casaron dos años después, los padres de Schmidt la separaron de la familia y la repudiaron formalmente, lo que le hizo perder la ciudadanía estadounidense. [7] [14] [nota 36] Debido a que Kuniyoshi tenía pocos ingresos y Schmidt ninguno, tuvieron la suerte de haber sido apoyados por el regalo de Hamilton Easter Field de lugares para quedarse durante el invierno en una casa que poseía en Brooklyn y durante el verano en un pequeño estudio que había construido en Ogunquit. Si bien el lugar de verano resultó ser temporal, el apartamento en Brooklyn fue de ellos para usar, sin pago, desde el momento en que se casaron hasta su divorcio en 1932. [7] [14] A pesar de presupuestar cuidadosamente las finanzas limitadas, ambos tuvieron que aceptar trabajos, Schmidt como director de una clase de dibujo en Whitney y como asistente informal de Juliana Force y Kuniyoshi como encuadre y fotógrafo de arte. Pudieron ganar lo suficiente para financiar un viaje de diez meses a Europa en 1926 y 1926, un viaje de regreso en 1928 y la compra de una casa en Woodstock, NY, en 1932. [7] [15] : 11 [nota 37]
Regresaron a Francia en mayo de 1928, pero Schmidt regresó temprano a Nueva York diciendo que la influencia francesa no le convenía y que se sentía más cómoda con lo que ella llamaba "maíz americano". [7] Después de que comenzaron a pasar los veranos en la casa de Woodstock, descubrió que administrarla y brindar hospitalidad a los muchos invitados que se esperaba que entretuvieran le impedía hacer arte. [7] [15] : 11 [nota 38]
Cuando Kuniyoshi y Schmidt se divorciaron en 1932, dejó de pasar los veranos en Woodstock. Aunque estaba molesta por el hecho de que Kuniyoshi no la tratara como a una igual, el divorcio no fue amargo y los dos siguieron siendo amigos. Ella estaba junto a su cama cuando murió en 1953 y posteriormente se mantuvo en buenos términos con su esposa Sara. [7] [14] [nota 39] Poco después del divorcio se hizo amiga de un joven abogado con inclinaciones artísticas y al año siguiente se casaron. Vivieron en Greenwich Village durante algunos años, pero después de que él se convirtió en vicepresidente de una gran cadena de hoteles, se mudaron a un apartamento de hotel. Agradeció el cambio porque le costaba mucho tiempo y le resultaba frustrante mantener una vieja casa durante la escasez de mano de obra en tiempos de guerra y la vida en un apartamento le daba más tiempo para pintar y dibujar. [7] [15] : 11
Su nuevo esposo, Irvine J. Shubert, había nacido en Austria en 1902. [72] Su familia emigró a Nueva York en 1910 y él se convirtió en abogado al graduarse de la Facultad de Derecho de la Universidad de Columbia en 1925. [73] [nota 40]
A Schmidt le diagnosticaron cáncer de pulmón en 1964. Dos operaciones y un largo período de recuperación redujeron el tiempo que podía dedicar a pintar y dibujar. No obstante, permaneció en el trabajo y sobrevivió hasta 1978, cuando murió de una recurrencia de cáncer. [2] [15] : 18 [nota 41]
Otros nombres
Schmidt usó a Katherine Schmidt como su nombre profesional a lo largo de su carrera. Una excepción apareció en 1921 cuando apareció en la quinta exposición anual de la Sociedad de Artistas Independientes como "K. Kuniyoshi". Al realizar transacciones comerciales y realizar funciones de servicio comunitario, a veces se la conocía por cualquiera de sus nombres de casada, Kuniyoshi o Shubert. [15] [54]
Notas
- ↑ Agnes Richmond, (1870-1964) comenzó a tomar clases los sábados en la Art Students League en 1888. Ganó una beca para estudiar la figura en 1903 y de 1910 a 1916 fue instructora en la escuela. Pintó estudios de figuras, principalmente retratos realistas de mujeres frente a fondos urbanos o rurales al aire libre, y su estilo se parecía al de John Sloan . Como maestra, aconsejaría a los estudiantes que no siguieran demasiado las ideas de ningún maestro, sino que miraran dentro de sí mismos para desarrollar sus propios estilos individuales. [8] [9] [10]
- ^ Fundada en 1875, la Art Students League era un esfuerzo cooperativo de pago por uso que daba clases pero no tenía un curso de estudio y no otorgaba títulos. Concebida por y para los propios estudiantes de arte, su administración estaba compuesta por miembros de la Liga e incluía tanto a hombres como a mujeres. Basado en el modelo de taller parisino, su instrucción fue informal. Se esperaba que los estudiantes buscaran a los instructores que mejor se adaptaran a sus necesidades. El objetivo de la Liga de desarrollar una "amistad verdadera y altruista" entre sus estudiantes se logró, ya que muchos de los que tomaron clases en el período durante el cual asistió Schmidt se hicieron amigos para toda la vida. [11] [12] [13]
- ↑ Schmidt recordó más tarde que Richmond velaba por las chicas para evitar que se asociaran escandalosamente con los artistas locales. Se mantuvieron para sí mismos todo el tiempo, aunque Schmidt recordó que en Woodstock causó comentarios al entablar amistad con un hombre local, Shamus O'Shield. [7]
- ^ Cuando Schmidt comenzó a tomar clases de lunes a viernes en la Liga, había clases separadas para hombres y mujeres, los hombres por la noche y las mujeres por la tarde. Muchas clases incluían dibujar modelos en vivo, generalmente desnudos, y su primera clase fue una de esas clases de vida impartida por el litógrafo Louis Maurer . Recordó que no aprendió nada útil de él. También tomó clases de George Bridgman y John Sloan . Tenía la esperanza de estudiar con George Bellows , pero, debido a un error en el pago de la tarifa, se dio cuenta de que no podía y, por lo tanto, se unió a la clase de Miller que se impartía en la casa de al lado. [7]
- ↑ Miller le daría a Schmidt y a sus otros estudiantes listas de pinturas de los viejos maestros para examinar en el Museo Metropolitano de Arte y el grupo pasaría las tardes de los domingos realizando estas tareas. [15] [16] Schmidt llamó a los tés de Miller sus "miércoles por la tarde". Ella dijo que Miller esperaba que sus estudiantes se presentaran por ellos. [7]
- ^ Ella y otros participantes recordaron que Peggy Bacon , Isabel Bishop , Arnold Blanch , Lucile Lundquist Blanch , Alexander Brook , Betty Burroughs , Edmund Duffy , Lloyd Goodrich , Yasuo Kuniyoshi , Dick Lahey, Molly Luce, Reginald Marsh , David Morrison, Lloyd Parsons, Ann Rector, Henry Schnakenberg y Dorothy Varian pertenecían a esta camarilla artística. [7] [15] : 6 [16]
- ^ La entrevista es parte del programa de historia oral de Archives of American Art. Fue realizado por el historiador del arte Paul Cummings en diciembre de 1969. En él, Schmidt enumeró artistas de la clase Miller con los que había mantenido contacto social a lo largo de los años. La lista incluía a Peggy Bacon, Isabel Bishop, Arnold y Lucile (Lundquist) Blanch, Alexander Brook, Betty Burroughs, Lloyd Goodrich, Dorothy Greenbaum, Yasuo Kuniyoshi, Molly Luce, Reginald Marsh, David Morrison, Lloyd Parsons, Ann Rector, Henry Schnakenberg, y Dorothy Varian. [7]
- ↑ Proyecto de la coleccionista, escultora y filántropa Gertrude Vanderbilt Whitney , el Whitney Studio Club proporcionó una galería para exhibir el trabajo producido por sus miembros, un estudio para clases de bocetos y un espacio para reuniones sociales. Con Juliana R. Force como directora, el Club comenzó en 1918 y continuó hasta 1928 cuando fue reemplazado por la Whitney Studio Gallery, que a su vez fue reemplazada en 1930-31 por el Whitney Museum of American Art . [22] El club era conocido por ayudar a brindar reconocimiento a los artistas jóvenes y uno de estos artistas, Raphael Soyer, dijo que el club era "la principal puerta de entrada a una carrera artística". [23] : 72
- ↑ Schmidt fue uno de los miembros fundadores del club, al igual que Dorothy Varian, Nan Watson, Peggy Bacon y Mabel Dwight . Otros que se unieron más tarde incluyeron a Isabel Bishop, Molly Luce y Anne Goldthwaite. [20] : 20
- ↑ En la entrevista de historia oral que dio en 1969, dijo: "Supongo que en la Liga pertenecemos a lo que se conocería como el grupo de swing; quiero decir, fuimos los primeros del grupo más joven en tener shows, y así sucesivamente. mira, había bastante grupo en ese período de principios de la década de 1920 o justo antes de la de la década de 1920; fue antes de la de la década de 1920 porque todos estábamos fuera [de las clases de la Liga] en ese momento ". [7]
- ↑ En 1969, Schmidt describió su rutina diaria en los años en que dirigía el comedor de la Liga: "Solía levantarme a las cinco de la mañana ... Solo teníamos una habitación a esa hora y pintaba a la una del sofá y Yas pintaba el otro. Pero había una cierta cantidad de trabajo de casa que hacer. Luego tenía que estar en la Liga a las diez en punto. Luego estaba el almuerzo. Tenía que sentarme en la caja registrarme. Tenía que pedir comida. Tenía que planificar el menú para el día siguiente. Luego tenía unas horas libres por la tarde cuando podía salir a caminar. Luego estaba la cena por la noche ". [7]
- ↑ En la entrevista de historia oral de 1969, dijo: "Saldría y caminaría kilómetros y nunca encontraría nada para pintar. El idioma estaba mal. No parecía natural. No estaba bien. [7]
- ^ Los otros dos artistas fueron Alexander Altenburg y L. William Quanchi. [25]
- ↑ La Daniel Gallery se abrió en 1913. Dirigida por Charles Daniel, con la ayuda de Alanson Hartpence, mostraba el trabajo de jóvenes artistas estadounidenses como Marsden Hartley , John Marin , Rockwell Kent , Maurice Prendergast y Man Ray . [7] [27] [28] Una de las relativamente pocas galerías que mostraban arte de mujeres, su grupo de artistas incluía a muchos de los amigos de Schmidt de la Art Students League y el Whitney Studio Club. [7] [27] [28] [29]
- ↑ Por ejemplo, en relación con una exposición colectiva celebrada en la New Gallery en diciembre de 1923, un artículo del New York Times decía: "Sería un placer equilibrar físicamente en la mano el color y la disposición de los bodegones de Katherine Schmidt". [31] En enero y febrero de 1924 su trabajo fue seleccionado para comentarios en exposiciones grupales en la galería de los grandes almacenes Whitney Studio Club y Wanamaker, respectivamente. [32] [33] En 1925 fue incluida entre los artistas que organizaron su propia exposición colectiva en una librería de Nueva York. [34]
- ↑ Esta reseña de la exposición de 1928 en el Brooklyn Daily Eagle estuvo acompañada de una foto del "Retrato de Reginald Marsh" de Schmidt.
- ^ Propiedad de Edith Halpert , la Downtown Gallery, al igual que la Daniel Gallery, se especializa en las obras de artistas estadounidenses contemporáneos, incluidas las mujeres. Además de Schmidt y algunos de sus amigos, sus artistas incluyeron a Stuart Davis , Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Jacob Lawrence , Charles Sheeler , David Fredenthal , Ben Shahn y Jack Levine . [44] La lista de amigos de Schmidt que exhibieron en el Downtown incluye a Bacon, Brook, Fiene, Goldthwaite, Karfiol, Kuniyoshi, Laurent, Spencer, Varian y los Zorachs. [19] [29]
- ↑ Ruth Draper fue una monóloga famosa por sus programas de una sola mujer. Durante su carrera, creó treinta y siete bocetos y cincuenta y ocho personajes que interpretó con éxito en los Estados Unidos y Europa, así como en África, Asia, Australia y América del Sur. [46] En 1932, uncrítico de teatro del New York Times dijo: "La prueba del arte de la señorita Draper, si es necesario, es la manera en que crea y elabora no solo el personaje de la persona a quien personifica en el escenario, sino también los personajes de esas personas invisibles con las que entra en contacto intangible. Es un logro difícil, cuyo éxito depende tanto de la redacción de sus bocetos, que ella misma hace, como de la actuación de los mismos [47].
- ↑ Walter Broe se hizo amigo de Schmidt y otros de sus amigos artistas. Él era un abandonado de Nueva York que, dijo, "me atraía como un sujeto a pintar. Me interesaba no solo por las cualidades especiales que tenía como individuo, sino por el carácter simbólico que para mí representaba también. Maltratado por la vida, Walter necesitaba calor y quería algo en su vida que le diera valor. El hecho de que a algunos de nosotros instintivamente nos gustara y lo usáramos conmovió profundamente a Walter. Se volvió devoto de nosotros. Los cuadros que pintamos se convirtieron en su imágenes. Él las cuidó, ayudó a prepararlas, de hecho, comenzó a velar y cuidar de nosotros. Su vida cobró sentido ... Walter es más que un modelo. Es un devoto colaborador ". [15] : 12
- ↑ El tema del cuadro era un edificio con estructura de madera representado en una "nube de luz como la que los pintores antiguos solían reservar para sus santos", que simbolizaba un "sentimiento hacia el hogar ahora en muchos corazones, un sentimiento que continuará para crecer en los sombríos días que aún se avecinan ". [50]
- ↑ En 1969, Schmidt dijo que estaba desanimada por lo que percibió como un cambio en el gusto artístico que hizo que su trabajo fuera menos deseable. Sintió que no se estaba dando cuenta de todo su potencial y no podía descubrir cómo seguir adelante. Se desencantó con el bullicio de las galerías, los coleccionistas, los premios y la búsqueda de ventas. Además de estos problemas, estaba distraída por preocupaciones personales; sus responsabilidades para con su madre enferma y el arduo trabajo de administrar las tres residencias que ella y su esposo poseían. [15]
- ↑ En 1969 dijo: "Bueno, entonces estudié técnicas muy duro. Esto fue en la década de 1940, en la de 1950. [7]
- ↑ Publicado originalmente en 1921, Malmaterial und seine Verwendung im Bilde se reeditó en reimpresiones y nuevas ediciones durante muchos años. Ya en 1934 apareció una edición en inglés ( The Materials of the Artist and Their Use in Painting , Nueva York, Harcourt, Brace and Co.), [51] pero Schmidt aparentemente desconocía su existencia. Los amigos habían comprado una copia de la edición alemana mientras viajaban por Europa. El esposo de Schmidt, Irvine Shubert, se lo tradujo y leyó en voz alta a un grupo de artistas que tomaban notas. [7]
- ↑ Doerner escribió: "Veremos qué esfuerzos infinitos se tomaron los viejos maestros en la selección y preparación de sus materiales. Parece curioso, por decir lo mínimo, escuchar a los artistas modernos insistir en su superstición favorita de que la originalidad y la expresión personal se salvaguarda mejor mediante el uso de una técnica libre y fácil, libre de cualquier consideración por las leyes de los materiales ... Sin embargo, a través de los tiempos y las técnicas cambiantes, persiste una idea básica: la construcción sistemática, con una división concurrente del tratamiento de forma y color como dos fases distintas del proceso ... [Los viejos maestros trabajaron en] proyectos pictóricos claramente pensados, donde cada fase de la imagen se desarrolla casi según un cronograma. Obviamente no es una técnica para estudios rápidos , pero sólo para cuadros construidos sistemáticamente, y es exactamente así como lo utilizaron los viejos maestros. No es para todos, porque presupone una rigurosa disciplina disciplinaria. aining ". [51] : 337
- ↑ Goodrich dijo que el papel arrugado de sus pinturas "asumió todo tipo de formas fantásticas, sugiriendo llamas, la corteza terrestre, cadenas montañosas, pero hermoso en sí mismo ... El arrugado produjo innumerables crestas y valles, facetas que captaron la luz; y el juego de luces y sombras se representó con la máxima precisión y con ese dominio de la luz que puede ser una de las bellezas de la pintura realista [15] : 16-17.
- ↑ Esta breve recopilación proviene de fuentes de noticias contemporáneas, incluidos el New York Times , Brooklyn Daily Eagle , New York Evening Post y New York Sun , así como de galerías de arte en línea y el libro, El legado de Katherine Schmidt Shubert y una vista selectiva de su arte (Whitney Museum of American Art, 1982). [15]
- ↑ Esta breve compilación proviene de fuentes de noticias contemporáneas, así como de galerías de arte en línea y del libro, El legado de Katherine Schmidt Shubert y una visión selectiva de su arte (Whitney Museum of American Art, 1982). [15]
- ↑ En 1922 por Hamilton Easter Field fundó Salons of America para brindar a los artistas una alternativa a la Sociedad de Artistas Independientes que, en su opinión, injustamente estaba dando un trato preferencial a algunos de sus miembros. Apoyó totalmente la política de la sociedad de "sin premios, sin jurados", pero no le gustó la preferencia dada a algunos artistas en su publicidad y el montaje de sus espectáculos. Un periodista dijo que su objetivo era "dar igualdad de oportunidades a todos los miembros, ya sean conservadores o posdaístas". Para ello, sus exposiciones se colgaron en orden alfabético por apellido del artista. [55]
- ↑ The New Gallery fue fundada por un exitoso abogado y aspirante a artista, James N. Rosenberg. Se especializó en mostrar el trabajo de artistas, tanto estadounidenses como extranjeros, cuyos nombres aún no se habían hecho muy conocidos en la comunidad artística. De los treinta y siete artistas que se exhibieron en el año inaugural de la New Gallery, solo cinco eran mujeres. Además de Schmidt, estaban Gladys Roosevelt Dick, Edith Haworth , Lorna Reid y Marguerite Zorach . La obra que vendió Schmidt fue un retrato modernista sin título de una joven sentada pintada al estilo de Kenneth Hayes Miller. [57]
- ↑ La galería tenía como objetivo "alentar a los artistas vivos que no son meramente imitadores inteligentes, dibujantes hábiles, copistas fáciles, sino que resuelven laboriosa y valientemente sus propios problemas, ni oculta el hecho de que uno de los propósitos de la creación de The New Gallery Art Club ha sido para permitir que aquellos hombres y mujeres que simpatizan con los puntos de vista de la Galería, formen una sociedad que contribuya a lograr estos fines ". [57] : 5
- ^ La Sociedad Estadounidense de Pintores, Escultores y Sepultureros (también llamada Sociedad de Pintores, Escultores y Sepultureros Estadounidenses) se fundó en 1919 en oposición a la Academia Nacional de Diseño, se reestructuró en 1922 como la Nueva Sociedad y, en 1930, reestructurado nuevamente bajo su nombre original. Durante la década de 1930 entre sus miembros se encontraban destacados artistas liberales y su propósito declarado era "dar sentido y dirección a las artes plásticas y gráficas" mediante una organización "flexible y progresista" que estuviera "más en sintonía con el temperamento y las aspiraciones de la época. " que otros. Muchos de los amigos de Schmidt eran miembros de la sociedad y algunos se unieron a ella en varios puestos de liderazgo. Al igual que el Whitney Studio Club y la New Gallery, la sociedad realizó exposiciones de las obras de sus miembros. [15] [58] [60] [61]
- ↑ En 1969, Schmidt dijo: "Los pintores, escultores y grabadores fueron históricamente muy interesantes porque se formaron realmente para ayudar al arte estadounidense a hacer crecer sus propias piernas; y también para contrarrestar la terrible influencia de la Academia ... Me han pedido que unirme a la Academia varias veces ... Pero nunca me uniría ". [7]
- ↑ Educada en Barnard College, Anna se convirtió en actriz asociada con el Neighborhood Playhouse (una parte del Henry Street Settlement , más tarde se llamó Henry Street Playhouse y luego Harry De Jur Playhouse). Usó el nombre de Ann, o Anne, Schmidt y es recordada por su actuación en The Grand Street Follies. [7] [65]
- ↑ En 1910, la familia Schmidt vivía cerca de la Universidad de Columbia en 406 Hamilton Place. El padre de Schmidt era entonces vendedor de lavadoras. [66] Diez años después, los padres de Schmidt y Anna vivían en 96 Riverside Drive y él era propietario de una lavandería. [67]
- ^ Schmidt recordaba su vecindario en el Upper East Side de Manhattan como de clase media, tranquilo y bastante cosmopolita. Asistió a la escuela PS 186 en 145th Street. Aunque el edificio ha estado abandonado durante años, esa escuela era entonces "el orgullo arquitectónico y académico de la comunidad". (La cita proviene del sitio web de una coalición comunitaria dedicada a la restauración del edificio). [7] [68]
- ↑ Debido a que Kuniyoshi había nacido en Japón y no había obtenido la ciudadanía estadounidense, se consideró que Schmidt era una ciudadana japonesa después de su matrimonio. Algunos años más tarde recuperó la ciudadanía estadounidense a través de un proceso de naturalización. [69] [70]
- ↑ En 1969, Schmidt habló sobre sus problemas financieros: "Lo pasamos muy mal. Verás, mi familia me repudió cuando me casé con Yas. Así que tuvimos dificultades para ganarnos la vida. Nunca había hecho nada. No hice nada". No sabía qué hacer con una zanahoria cuando me la presentaron por primera vez. Pero pronto aprendí. Teníamos que ganarnos la vida y en ese momento era muy difícil hacerlo ". [7] De la escasez que hicieron durante su primer viaje a Europa, ella dijo: "Estuvimos allí durante un año. Y fuimos con amigos, Camby Chambers, Esther Andrews y Sue Lawson, que era la esposa del dramaturgo Howard Lawson . Iban a reunirse con Hemingway . Eran muy buenos amigos suyos. Yas y yo estábamos realmente conmocionados. Pensamos que estas personas vivían demasiado alto, ya sabes, bebían demasiado vino, bebían demasiado ... y no pudimos permitírselo. Lo pasamos muy mal ". [7]
- ^ La casa de Woodstock estaba en 194 Ohayo Mountain Road. Para pagar su construcción utilizaron lo que quedaba de sus ahorros más el dinero de una pequeña herencia que había recibido Schmidt. Para reducir costos, ellos mismos hicieron gran parte del trabajo de acabado. Schmidt dijo más tarde: "No tuvimos más que la ayuda amistosa de la mayoría de las personas que conocíamos. Esta casa que construimos era solo una casa de verano ... Descubrí que vivir en ese tipo de atmósfera, siendo yo la mujer de la casa, el responsabilidades de proporcionar comida, hacer que la gente venga los fines de semana. Para mí, cada fin de semana fue una pesadilla. Porque quién sabía quién conducía desde Nueva York. La gente conducía y allí estaban. Simplemente aparecían. Y cenando, bueno, todavía me toma un día entero, o un día y medio preparar una cena adecuada. Y luego un día para limpiar. Y aunque era una mujer joven muy fuerte y saludable, me molestaba todo el tiempo que tenía que pasar este camino. [7]
- ↑ Kuniyoshi murió de cáncer en Nueva York y fue enterrado en Woodstock en mayo de 1953. [71] Schmidt dijo sobre su relación después del divorcio: "Sabes, estuvimos cerca de él hasta que murió. Él era muy dependiente de Irvine y de mí. De muchas maneras. Mientras él se estaba muriendo, fui al hospital todos los días. Él quería que yo estuviera allí; sentí que lo hizo. Y también sentí que le ayudaba a Sara, quiero pasar por ese largo y terrible asunto . " [7]
- ↑ El registro de la familia Shubert en el censo de los Estados Unidos de 1920 establece que Irvine era entonces un estudiante, mientras que sus tres hermanas mayores y su sobrina que vivían con ellas trabajaban como operadoras en el comercio de prendas de vestir. El padre de Irvine era un comerciante de comestibles que hablaba yiddish pero no inglés. [73] En la década de 1940, Shubert se convirtió en gerente general y vicepresidente de Sheraton Corporation. Cuando se jubiló en 1961 era presidente de la junta de Thompson Industries Inc. [74]
- ↑ Murió en Sarasota, Florida, donde residían, mientras también mantenía una casa en Little Compton , en la costa de Rhode Island. [2] [7] [75]
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La hermosa "Naturaleza muerta", sin embargo, compensa tal decepción. Su poder y belleza lo marcan como el verdadero logro de toda la exposición. Cada acento de color, cada detalle de patrón lineal o diseño espacial contribuye tan definitivamente a la armonía de todo el lienzo que es un verdadero placer contemplarlo. Es extraño que en esta disposición puramente formal del tema parezca traspasar más emoción estética que en los paisajes o las pinturas de figuras. Es una de las recompensas "justas" de la galería de la semana.
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señorita Schmidt siempre ha recorrido un camino difícil en el arte, abjurando de todos los atractivos agradables, todos los temas entretenidos, todas las florituras técnicas, y se ha concentrado en la cuestión más difícil e importante del dominio de la forma y el color. Nunca se ha contentado con dejar las cosas vagas e indefinidas, sino que ha pintado absoluta, concreta y definitivamente, incluso cuando, como en algunos de sus primeros trabajos, esto significaba pintar sin belleza. Ahora está cosechando la recompensa artística por este arduo aprendizaje, con un poder y concentración que el pintor más fácilmente satisfecho no alcanza.
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enlaces externos
Medios relacionados con Katherine Schmidt en Wikimedia Commons
- Encontrar ayuda para los documentos de Katherine Schmidt en Archives of American Art