Escuela de Fotografía de Kharkiv
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La Escuela de Fotografía de Járkov (KSOP) (en ucraniano : Харківська Школа Фотографії ) es uno de los movimientos de fotografía artística más notables de Ucrania . [1] Fue creado en oposición al estilo artístico del realismo socialista soviético , que reinó desde 1934 hasta la década de 1980. KSOP comenzó a formarse en la década de 1960 cuando la fotografía artística revivió en Kharkiv durante el período del Deshielo de Khrushchev . La formación oficial de KSOP como un movimiento clandestino no conformista fue denotada por el establecimiento de un grupo de fotógrafos de Kharkiv llamado Vremia Group 1971; su fundación se considera el signo del renacimiento dearte modernista en Járkov.

El Grupo Vremia se basó en tradiciones de vanguardia y puso en juego los dogmas del realismo socialista. Son conocidos por sus experimentos extremos con técnicas y métodos de fotografía y se les atribuye haber inventado y desarrollado varios de ellos. Uno de sus inventos estéticos característicos es la "teoría del golpe" (o "la teoría del golpe"), que utiliza un elemento impactante para hacer una fuerte declaración fotográfica. Otro avance fue el concepto de "mala fotografía", que los críticos llamaron el primer ejemplo de conceptualismo de la fotografía soviética. Algunas obras de KSOP se consideran experimentos únicos en fotografía en la Unión Soviética, así como el comienzo de una revolución estética en la fotografía ucraniana.

Este primer KSOP estuvo representado por el Grupo Vremia fundado en 1971 por Jury Rupin y Evgeniy Pavlov dentro del Kharkiv Regional Photo Club y luego se separó de él. Los otros miembros del grupo fueron: Boris Mikhailov , Oleg Maliovany, Gennadiy Tubalev, Oleksandr Suprun, Oleksandr Sitnichenko y Anatoliy Makiyenko. En 1975, los miembros del Grupo Vremia se unieron a la junta del Kharkiv Regional Photo Club y en 1975 o 1976, debido a su radical actividad artística, se cerró el Photo Club. Sin embargo, el grupo continuó extraoficialmente y los miembros se mantuvieron en contacto.

Más tarde, los artistas de la siguiente generación se unieron al movimiento. El Grupo Gosprom (inicialmente llamado Grupo Kontakty: Misha Pedan, Sergey Bratkov, Volodymyr Starko, Igor Manko, Guennadi Maslov, Leonid Pesin, Kostiantyn Melnyk y Boris Redko) trabajó en fotografía documental (" fotografía directa" o fotos sinceras ). Otros artistas incluyeron a Viktor Kochetov, Roman Pyatkovka , Sergiy Solonsky, Andriy Avdeyenko, Igor Chursin, Igor Karpenko y otros.

La última generación de KSOP incluye al Grupo Shilo (Sergiy Lebedynskyy, Vladyslav Krasnoshchok y Vadym Trykoz, así como a Vasylysa Nezabarom y Yuliia Drozdek, quienes luego se convirtieron en miembros del Grupo BOBA), Bella Logachyova, Igor Chekachkov y Roman Minin.

Durante mucho tiempo, la fotografía de Kharkiv no se atribuyó a la ciudad ni a Ucrania, y solo se la conocía como "fotografía soviética diferente" en los medios occidentales , pero hoy en día se la considera la escuela de fotografía ucraniana más sólida tanto durante como después de la época soviética. En 2018, se inauguró el Museo de la Escuela de Fotografía de Járkov, incluida una editorial. El museo, dirigido por Sergiy Lebedynskyy, recopila y conserva obras de todas las generaciones de KSOP, así como de otros artistas ucranianos e internacionales.

Historia

Arte soviético (décadas de 1920 a 1950)

El movimiento de vanguardia ucraniano , y la actividad fotográfica en general, se desarrolló en la década de 1920 dentro del muy estimado círculo de fotógrafos. Sin embargo, en la década de 1930, los acontecimientos políticos y sociales pusieron fin a cualquier experimentación en fotografía. [2] [3] En 1934, el realismo socialista fue aceptado como el principal estilo artístico en la Unión Soviética . [4] Con el desarrollo del totalitarismo, las tradiciones artísticas más antiguas fueron rechazadas y los fotógrafos se vieron obligados a documentar la realidad soviética ficticia. Se restringió retratar cualquier realidad que no fuera la perfección y tomar fotografías de ciertos lugares, eventos y objetos. Los temas prohibidos incluyeron desnudez, fumar, beber y enfermedades, entre otros. En general, la fotografía soviética sirvió a su ideología y "conceptos utópicos". La fotografía oficial se produjo y distribuyó bajo la supervisión del Partido Comunista . [3] [5] [6] [7]

La expresión "fotografía artística" no existía en la forma en que la conocemos ahora, y la frase solo se podía ver en las ventanas de los salones donde se tomaban fotografías de pasaporte o conmemorativas. [6] En ese momento, la fotografía se consideraba un pasatiempo más que un arte; los fotógrafos que no sigan las reglas, o incluso una persona que sostenga una cámara, podrían ser encarcelados. [4] [8] [5] [9]

A partir de la década de 1940, los artistas soviéticos se aislaron del arte europeo y estadounidense, y la única obra de arte "decente" que los fotógrafos de Kharkiv pudieron ver se presentó en las exposiciones de Moscú . [9] [10] La fotografía ucraniana experimentó un resurgimiento en el período del Deshielo de Jruschov (mediados de la década de 1950 y mediados de la de 1960), [3] cuando los detalles del régimen y la propaganda de Stalin comenzaron a aflorar lentamente en la sociedad soviética. A partir de este período, nuevas fuentes de información mostraron a la gente que la Unión Soviética no era tan perfecta como se imaginaba, e influyó fuertemente en el desarrollo de la sociedad en su conjunto y del arte en particular. [5]

Renacimiento artístico en Járkov (décadas de 1950 a 1960)

En la década de 1960 aparecieron diversas iniciativas culturales. El Movimiento de los Sixtiers comenzó a luchar por establecer nuevas formas y expresiones de la realidad en el arte, recuperando las tradiciones de vanguardia. El éxito y la longevidad de los movimientos artísticos dependieron completamente de los sindicatos alternativos y "clubes" artísticos de la época, por lo que aparecieron rápidamente en todo el país. [11] [12] [13] Los sindicatos eran comunes para pintores, músicos y escritores; [4] Los fotógrafos, por otro lado, solo tenían clubes de fotografía oficiales para servir como "sindicatos profesionales". [3] [14] [8] [9]Nuevos clubes de fotografía aprobados por el gobierno se desarrollaron rápidamente en Kharkiv. Estos clubes eran parte integral de los movimientos profesionales y democráticos que se desarrollaban en la cultura de la ciudad y legitimaron el arte fotográfico. [3] [14]

Fue en Kharkiv donde el arte fotográfico "brotó". [6] Boris Kosarev y Vasyl Yermylov , los conocidos representantes del movimiento de vanguardia de Kharkiv de la década de 1920, provocaron una "nueva ola" de arte que resultó en acciones artísticas radicales. Los dos artistas y su actividad pedagógica en relación con el estudio de arte de Olesiy Shcheglov también desempeñaron un papel clave en la conexión de las tradiciones vanguardistas de la década de 1920 con los artistas más jóvenes de la década de 1960 y en la transmisión de los principios de la vanguardia a las nuevas generaciones. de artistas de Járkov, como Vagrich Bakhchanyan y Volodymyr Grygorov. [15]

En 1964, en el Palacio de la Cultura de los Constructores de Kharkiv , Volodymyr Grygorov, un acuarelista y artista de vanguardia , inició un estudio artístico de fotografía al que asistieron algunos de los miembros clave de la primera generación de KSOP. [9] [16] [17] Inspirada por la rápida formación de clubes [14] [18], se estableció la Escuela de Fotografía de Járkov, lo que convirtió a Járkov en la capital de la fotografía ucraniana revivida. [9] [3]

Se debate el alcance de la influencia del arte soviético en KSOP. Según algunos, KSOP negó todo lo relacionado con la Unión Soviética , buscó la libertad artística y trabajó como un grupo clandestino , a pesar de las fuertes restricciones en los métodos de fotografía diferentes al estándar, una serie de lugares, elementos y temas prohibidos para fotografiar y frecuentes gobiernos. búsquedas de espacios públicos y privados. [4] [19] Por otro lado, el miembro de KSOP Misha Pedan declaró que incluso mientras creaba una estética que nunca había existido en la Unión Soviética o en cualquier otro lugar, los miembros de KSOP todavía usaban la realidad soviética como base. [20]

El grupo Vremia (década de 1970)

El cofundador del Grupo Vremia, Jury Rupin

En 1965, se abrió el Regional Photo Club y el Grupo Vremia se formó dentro de su movimiento artístico inconformista dentro del club, convirtiéndolo en uno de los centros de arte más importantes de Kharkiv. [18] [3] [21]

El Grupo Vremia fue fundado por Jury Rupin y Evgeniy Pavlov en 1971, y mostró el comienzo del renacimiento del modernismo en Kharkiv. [6] [22] [23] Los primeros miembros del grupo fueron Oleg Maliovany, Boris Mikhailov , Gennadiy Tubalev, Oleksandr Suprun y Oleksandr Sitnichenko; 18 meses después, se les unió Anatoliy Makiyenko. [22] [24] [3] [9] [25] El pintor Oleksandr Mishchan y el escritor Vasyl Mishchan, cuyos libros surrealistas eran un ejemplo de la técnica única de " samizdat " de Kharkiv , estaban cerca del Grupo Vremia. [16] [26]

El Grupo Vremia buscó una nueva estética. Experimentaron con temas y técnicas de impresión, tratando de luchar contra el estado de vida conservador y "gris" en la Unión Soviética . Se combinaron varias técnicas antiguas y nuevas para hacer fotos. [6] [16] Según Evgeniy Pavlov, en un momento en que la fotografía y el arte se veían como cosas separadas, la principal tarea del Grupo Vremia era "cerrar la brecha". [6] En la década de 1970, los fotógrafos de Kharkiv intercambiaron activamente su arte fotográfico con fotógrafos lituanos , compartiendo los lenguajes visuales de los demás. [27]

En 1975, los miembros del Grupo Vremia se unieron a la junta del Regional Photo Club. Al gobierno no le gustaron sus tendencias de vanguardia, etiquetó su actividad como "incorrecta" y finalmente cerró el club en 1975 o 1976. [6] [9] [28] Sin embargo, el grupo continuó como una comunidad de personas similares. artistas de mentalidad. Según un artículo, su beca duró 10 años después del cierre del Photo Club. [6] Otro artículo afirmaba que el Grupo Vremia dejó de funcionar como sindicato de arte en 1979. [9] Después de que el Grupo Vremia dejó de trabajar como sindicato, el espacio artístico de Kharkiv quedó en silencio hasta mediados de los años ochenta. [9]

Próximas generaciones (décadas de 1980 a 1990)

Con el declive de la ideología soviética en la década de 1970 y la ampliación de la libertad de expresión a fines de la década de 1980, [29] la fotografía de Kharkiv comenzó a aparecer más públicamente [26] y a ganar reconocimiento internacional. Sin embargo, a pesar de su fuerte especificidad local, el éxito de la fotografía de Kharkiv no se atribuyó a la ciudad ni a Ucrania, sino que se conoció solo como "fotografía soviética diferente" en los medios occidentales. [9] [6] [30] [13]

Los miembros de la segunda generación de KSOP nombraron a su sindicato Gosprom Group en honor a este edificio histórico de Kharkiv , Gosprom .

Durante la década de 1980, KSOP se desarrolló aún más y ganó una nueva generación de miembros: Viktor Kochetov, Roman Pyatkovka , Sergiy Solonsky, Andriy Avdeyenko y Leonid Konstantinov. [9] [31] [13] [4] A ellos se unieron Igor Chursin, Igor Karpenko y Oleksandr Papakitsa, que no pertenecían a ningún grupo de fotografía en particular y trabajaban en fotografía de estudio escénica. [9]

Otros fotógrafos de KSOP comenzaron a reunirse en nuevos grupos de fotos. El grupo llamado Kontakty (Misa Pedan, Volodymyr Starko, Igor Manko, Leonid Pesin, Boris Redko y Guennadi Maslov) se reunieron primero en el Palacio de la Cultura de los Constructores , donde trabajaron Maslov y luego Starko. En 1986, el grupo organizó una exposición allí y Starko fue despedido. Sergey Bratkov y Kostiantyn Melnyk se unieron al grupo algún tiempo después. Se tomó una foto de grupo frente al edificio histórico de Gosprom en Kharkiv, y el nombre del grupo cambió de Kontakty a Gosprom. La nueva generación utilizó los métodos de sus predecesores, además de crear los suyos propios. [20] [9] [31] [32]

A principios de la década de 1990, casi todos los miembros del grupo habían experimentado cambios drásticos en su vida: un cambio en el estilo artístico, una nueva profesión o incluso un alejamiento de Kharkiv. [31]

Fotografía postsoviética (década de 1990 hasta la actualidad)

A pesar de la deplorable situación social y económica en Ucrania tras el colapso de la Unión Soviética , la vida artística se desarrolló gracias a las iniciativas privadas de los fotógrafos. Por ejemplo, el primer lugar para el arte contemporáneo en Kharkiv, la galería "Up / Down", se abrió y existió bajo la dirección de Sergey Bratkov, Boris Mikhailov, Sergiy Solonsky, Igor Manko e Igor Chursin de 1993 a 1997. [33] Otra institución, que jugó un papel importante en el desarrollo cultural de Kharkiv a fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, fue la galería Palitra, organizada por Andriy Avdeyenko en 1996 y que a lo largo de los años acogió múltiples exposiciones de arte influyentes. [34]

Después del colapso de la Unión Soviética, la fotografía ucraniana y rusa adoptó prácticas occidentales . [35] KSOP se hizo conocido en todo el mundo representado por varios artistas ucranianos que obtuvieron reconocimiento mundial al mismo nivel que muchos profesionales internacionales. [36]

KSOP siguió ganando nuevos miembros, como Bella Logachyova, Igor Chekachkov, Roman Minin. Uno de los representantes más conocidos del KSOP contemporáneo fue el trío fundador del Grupo Shilo (fundado en 2010): Sergiy Lebedynskyy, Vladyslav Krasnoshchok y Vadym Trykoz. Entre sus miembros también se encontraban Vasylysa Nezabarom y Yuliia Drozdek, que más tarde se convirtieron en miembros del Grupo BOBA. Una de sus obras más conocidas es Finished Dissertation (2012), una nueva versión de la Unfinished Dissertation de Boris Mikhailov (1984-1985) y un singular homenaje a la historia de la Escuela de Fotografía de Kharkiv. [26] [37] [38] [9] [4]El Grupo Shilo entrevistó al círculo de fotógrafos de Járkov, incluido Mikhailov, y utilizó su libro para su nuevo proyecto. [26] El Grupo Shilo es conocido por sus críticas hacia los procesos sociales en los países postsoviéticos . [39] Los proyectos fotográficos del grupo se han exhibido con éxito en todo el mundo. [27]

Durante la era del Grupo Vremia, la "Escuela de Fotografía de Kharkiv" se consideraba una simple "figura retórica", pero hoy en día se ha aceptado como algo más que un "mito" de la fotografía ucraniana. [26] Hoy en día, la KSOP es considerada "la escuela fotográfica más fuerte de Ucrania, tanto durante como después de la época soviética". [8]

Museo de la Escuela de Fotografía de Járkov

Parte del Museo de la Escuela de Fotografía de Kharkiv (MOKSOP) se abrió al público en 2018. [40] [1] A partir de 2020, el edificio principal del museo todavía está en construcción, pero tiene un sitio web oficial y un archivo de colecciones. [27] A pesar del nombre, el museo se centra no solo en la preservación y presentación del trabajo de KSOP, sino también en recopilar fotos de las nuevas generaciones de fotógrafos de Járkov y otros artistas ucranianos e internacionales. El fundador y director del museo es el fotógrafo Sergiy Lebedynskyy. El personal del museo, incluidos Oleksandra Osadcha y Nadiia Bernard-Kovalchuk, publica investigaciones sobre fotografía. [40] [27]

A medida que la primera generación de fotógrafos de Járkov llega a la vejez, el personal del museo trabaja para capturar su historia y actividad mientras aún es posible recopilar sus recuerdos, experiencias y obras de primera mano. [27] MOKSOP puso en marcha un proyecto destinado a crear y publicar una colección de libros de fotografías de fotógrafos ucranianos. Para lograr esto, se estableció una editorial dentro del museo. El proyecto fue calificado como "uno de los eventos más intrigantes de 2018 en todo el campo de la fotografía postsoviética " por Alnis Stakle, fotógrafo letón, curador de Riga Photomonth y profesor de fotografía en la Universidad Rigas Stradins. [41] [40]

El primer libro publicado por MOKSOP fue KOCHETOV , de padre e hijo Viktor y Sergiy Kochetov, representantes de KSOP. El libro se imprimió como una colección de fotografías con dibujos en color más los recuerdos de Viktor Kochetov de su carrera desde la década de 1970 hasta la de 2000. [40] [42] [41] [43] A partir de 2020, se publica el primer análisis completo de la actividad de la escuela: una monografía de Nadiia Bernard-Kovalchuk, llamada Escuela de fotografía de Kharkiv: jugar contra el aparato . [27]

Eventos importantes de KSOP

  • 1965: Oleg Maliovany expone por primera vez. [23]
  • 1968: Boris Mikhailov inició la creación de su serie Red (en ucraniano : Червона ) y estética (en ucraniano : Естетська ) utilizando el método de superposiciones. [23]
  • 1973: La primera serie de fotografías de Evgeniy Pavlov, El violín (1972), que retrataba a una compañía de hombres desnudos en el río, se publicó en la revista polaca Fotografia , junto con un artículo de un crítico polaco. [44] [6] [4]
  • 1983: El Grupo Vremia organizó su primera exposición oficial en Kharkiv, donde presentaron el arte del Grupo Vremia y compartieron sus principios estéticos únicos con los círculos artísticos de la ciudad. [45]
  • 1987-1988: Misha Pedan organizó dos exposiciones de fotografía en Kharkiv F-87 y F-88 . [20]
  • 1987-1991: el sindicato de arte experimental ucraniano "Panorama" estaba en funcionamiento, con Boris Mikhailov a cargo del departamento de fotografía. Los miembros del sindicato eran los fotógrafos de Járkov, Mikhailov, Pavlov, Solonsky, Pyatkovka, Kochetov, Bratkov, Manko, Starko y varios pintores. El sindicato creó exposiciones en Kharkiv y Moscú, así como una serie de eventos internacionales en Rusia, República Checa, Finlandia y Alemania. [33] [27]
  • 1989: La Escuela de Fotografía de Kharkiv y sus miembros fueron mencionados en un artículo sobre la fotografía de vanguardia soviética en la revista French Photo . Varios fotógrafos de Járkov, incluidos Suprun y Pavlov, fueron mencionados en una monografía titulada "Poesía fotográfica", publicada en Moscú. [46]
  • 1993: Exposición BodyArt de Solonsky en la inauguración de la galería "Up / Down". [47]
  • 1993-1997: Una galería subterránea "Up / Down" de Kharkiv se convirtió en un centro de arte inconformista bajo el liderazgo de Sergey Bratkov, Boris Mikhailov, Sergey Bratkov, Sergiy Solonsky, Igor Manko e Igor Chursin. [33]
  • A mediados de la década de 1990, el interés en KSOP creció rápidamente. Hubo varios artículos sobre artistas de Kharkiv, incluidas reseñas de sus exposiciones y proyectos. [48] Se imprimieron artículos sobre Maliovany y Suprun en una revivida revista Lviv Light and Shadow . Se inauguró el Centro de Arte Moderno de Kiev, y las discusiones y la investigación entre especialistas locales e internacionales dieron como resultado referencias de "la nueva fotografía de Kharkiv" como arte moderno. [49]
  • 1993: El trabajo de Boris Mikhailov se convirtió en parte de la exposición conjunta New Photography 9 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York junto con obras de Mark Steinmetz , Beat Streuli y Christopher Giglio . [50]
  • 1994: Boris y Vita Mikhailov, Sergey Bratkov y Sergiy Solonsky cofundaron el Fast Reaction Group para participar en el movimiento del "arte actual". Trabajaron en la intersección de la intervención artística, el arte de performance y el arte de instalación. [4] [33] [47]
  • En 1995, la fotografía ucraniana era conocida en Estados Unidos y Europa. En 1995, The New York Times publicó una descripción general de una exposición de fotografía ucraniana en el Museo Zimmerli de Estados Unidos. Los fotógrafos de Járkov aparecieron con fuerza en la lista de artistas ucranianos mencionados en el artículo. [49]
  • 1995: Se publica una monografía en honor a Boris Mikhailov en Stuttgart . Este fue considerado su paso oficial hacia la fama internacional, después de múltiples exposiciones en Berlín, Amsterdam, París y otras ciudades importantes. [48]
  • 1996: Andriy Avdeyenko abre la galería de arte Palitra. La galería acogió exposiciones para una serie de proyectos de arte importantes y estimuló el desarrollo de la fotografía artística en Kharkiv. Cerró en 2005. [34]
  • 2002, 2011: la colección de fotografías Case History de Boris Mikhailov se exhibió en la galería Saatchi de Londres (2002); el New Museum de Nueva York (2011); y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2011). Las exposiciones de Nueva York se convirtieron en un hito importante en la historia del arte ucraniano. [51] [52]
  • 2010: Misha Pedan fundó la Unión Alternativa Fotográfica de Ucrania, que unió a artistas ucranianos que aplicaron ideas innovadoras en la fotografía en lugar de prácticas tradicionales. [53]
  • 2012: Los miembros de KSOP Boris Mikhailov, Sergey Bratkov, Viktor Kochetov, Evgeniy Pavlov, Roman Pyatkovka, Vladyslav Krasnoshchok y Vasylisa Nezabarom participaron en la Bienal Fotofest 2012 en Houston, Texas . [54]
  • 2013: El Grupo Shilo presentó sus proyectos fotográficos Timoschenko's Escape y UIA Händehoch . [26]
  • 2014: Boris Mikhailov fotografió eventos durante la revolución ucraniana . Los miembros del Grupo Shilo Sergiy Lebedynskyy y Vladyslav Krasnoshchok también fotografiaron al Euromaidan ucraniano ; esas fotos fueron publicadas en un libro, Euromaidan . [26]
  • 2015: The Shilo Group expuso en el Festival Rencontres d'Arles en Francia. [55]
  • 2015: Por primera vez, Sergiy Lebedynskyy exhibió su proyecto fotográfico Arabart Spit / Healing Muds en los EE. UU. [39]
  • 2015: Exposición titulada Borderline. 1985-2004 presentó una de las mayores colecciones de arte ucraniano hasta la fecha. Se llevó a cabo en PinchukArtCentre e incluyó trabajos de los fotógrafos más conocidos de la Escuela de Kharkiv, Mikhailov y Bratkov, así como otros fotógrafos de la década de 1990 de las Escuelas de Conceptualismo New Wave y Odessa. [19]
  • 2017: KSOP estuvo representado por Vladyslav Krasnoshchok en su proyecto fotográfico Karibochki , de Sergiy Lebedynskyy en su exposición Kharkiv. 18+ , y por Sasha Maslov, un representante de fotografía más joven de Kharkiv, en una exposición fotográfica en el festival fotográfico Odessa // Batumi Photo Days. [56] [57]
  • 2017: El proyecto de vanguardia de Kharkiv (en ucraniano : Місто Ха. Харків авангардний ), un estudio de los 100 años anteriores del arte visual de Járkov, se llevó a cabo en Kiev. Se presentaron obras de varios fotógrafos de Járkov, incluidos Mikhailov, Pavlov, Bratkov, Kochetov y Pyatkovka . [58]
  • 2018: KSOP fue objeto de investigación para la conferencia de Halyna Hleba de 2018, "Escuela de fotografía de Kharkiv: entre política y erótica". [59]
  • 2018: Se realizó una exposición de los principales proyectos de Evgeniy Pavlov en el contexto de Paris Photo 2018. [6]
  • 2018: En la galería "Jump" de Poltava se llevó a cabo una serie de exposiciones con trabajos de fotógrafos de KSOP . Una serie de exposiciones, generalmente conocidas con el nombre de "Política corporal" (en ucraniano : Політика тіла ) se organizó con la ayuda de los científicos y coleccionistas Tetyana y Borys Grynyov y fueron comisariadas por Halyna Hleba y Viktoria Bavykina. [60]
  • 2019: Se celebró el Festival de libros de fotos de Kiev, el primer festival de libros de fotos en la historia de Ucrania. En el evento participaron fotógrafos, editores y galerías locales e internacionales, así como la Escuela de Fotografía del Museo de Kharkiv y Rodovid Press. [61] KSOP estuvo representado por el libro KOCHETOV , publicado por MOKSOP, y el libro Apartment 20 , de Roman Pyatkovka, que contenía imágenes soviéticas y postsoviéticas de las décadas de 1980 y 1990. [43]
  • 2018–2019: MOKSOP celebró varias exposiciones de Sergiy y Viktor Kochetov, Oleksandr Suprun y Sergiy Solonsky en la galería COME IN en Járkov. [27]
  • 2019: La exposición Freedom Street de Evgeniy Pavlov se llevó a cabo en el espacio de arte de Kiev SET. Algunas de las obras de Pavlov se exhibieron por primera vez, junto con obras conocidas como El violín . [62]
  • 2019: La exposición Forbidden Image se llevó a cabo en el PinchukArtCentre, con obras de Boris Mikhailov y otros miembros de diferentes generaciones de KSOP. [63] [64]
  • 2020: La exposición Revisions se llevó a cabo en Kharkiv con Pyatkovka e Igor Chekachkov, fotógrafo y fundador de la Chekachkov Photo Academy, como curadores. Las revisiones presentaron obras de 42 artistas (estudiantes de la academia) de Ucrania y del extranjero, y se llevaron a cabo debates sobre las nuevas técnicas de fotografía y la historia de la fotografía de Járkov. [sesenta y cinco]
  • 2020: El Foro Fotográfico de Kharkiv se celebró en un intento exitoso de unir a las instituciones científicas y culturales mundiales para la investigación y el desarrollo de la Escuela de Fotografía de Kharkiv. [3]
  • 2020: Se publicó Ukrzaliznytsia , de la ex directora de trenes Julie Poly. Este libro fue el resultado de su educación en la Academia Estatal de Transporte Ferroviario de Ucrania y sus estudios de las tradiciones y métodos de KSOP. [66]

Principios y métodos artísticos

Formación y relación con el realismo socialista

Considerada uno de los movimientos más notables del arte ucraniano durante la era soviética , [1] la Escuela de Fotografía de Kharkiv se originó en la década de 1970 como un fenómeno artístico clandestino no conformista. Sus dogmas y métodos artísticos tenían como objetivo luchar contra las tradiciones soviéticas y la propaganda común , que se incorporaron a la fotografía a través de las doctrinas y métodos fotográficos dictados por el estilo artístico del realismo socialista . [4] [3] [40] [19]

El realismo socialista, adoptado oficialmente como "el único método verdadero" del arte soviético en 1934, tenía la intención de suprimir los principios del movimiento de vanguardia de la década de 1920 y la libertad de expresión en el arte, y fue considerado uno de los primeros signos de represión en la Unión Soviética. . La influencia propagandística sobre artistas de diferentes campos artísticos promovió una representación modificada de la realidad (o una "representación y glorificación excesivamente simplificada y cuasioptimista de la realidad soviética"). Debido a los principios del realismo socialista y la severa censura del gobierno, los fotógrafos soviéticos tenían un rango de expresión muy estrecho, representando solo aspectos "hermosos" de la realidad soviética. [4]

Atados por los dogmas del realismo socialista, los primeros miembros de la Escuela de Fotografía de Kharkiv (el Grupo Vremia) a veces lucharon contra ellos y a veces los manipularon, incorporándolos a su arte; pero en lugar de mostrar una realidad paradisíaca, se enfocaron en cambiar la fotografía. Intentaron mostrar la realidad tal como era, incluidos los problemas sociales y la crueldad de la vida. Según Roman Pyatkovka , uno de los representantes de KSOP, la estética de los fotógrafos de Járkov dependía en gran medida de la confrontación de los artistas con las reglas bien establecidas de esa época, desafiando el deseo del gobierno de censurar y controlar la actividad artística. En busca de una nueva expresión artística, mostraron destellos entre bastidores de la "fachada ideológica" soviética creada por el realismo socialista común.[4][51] [22] [8] [9]

Tradiciones de vanguardia

Véase también: vanguardia ucraniana

La ciudad de Kharkiv es conocida por su fuerte tradición de vanguardia . [51] Por ejemplo, la escuela artística de la ciudad, que luego se convirtió en un instituto, fue considerada "el último refugio de la vanguardia soviética". [58] La mansión de Kharkiv "Krasnaya polyana" fue percibida como el centro del arte de vanguardia a principios del siglo XX, ya que artistas como Velimir Khlebnikov , Vladimir Mayakovsky , Boris Pasternak , Vasyl Yermylov , Boris Kosarev y otros vivieron y trabajaron allí. El estilo vanguardista floreció en varias formas en Kharkiv, incluido el constructivismo arquitectónicorepresentado por el edificio y el conceptualismo Gosprom, mundialmente conocido , que se centró en conectar imágenes y palabras en el arte. The Unfinished Dissertation , de Boris Mikhailov , es uno de los proyectos de arte conceptualista más conocidos de la primera generación de artistas de KSOP en el mundo. [58] [18]

A pesar de que los miembros de KSOP creían que su fotografía artística no se basaba en ninguna historia o tradición, hoy su trabajo se considera una extensión del estilo vanguardista ampliamente popular en la década de 1920. [22] [51] [3] [58] [67]

Las tradiciones de vanguardia se enseñaron a través de una cadena de relaciones maestro-alumno, comenzando con la actividad artística de vanguardia de Vasyl Yermylov y Boris Kosarev (y varios otros artistas de su generación) a principios del siglo XX. Transmitieron su experiencia a las nuevas generaciones de artistas, que utilizaron métodos y reglas de vanguardia de 1950 a 1990. [58] [68] Uno de sus estudiantes, Volodymyr Grygorov, supervisó a algunos de los creadores clave de la primera unión artística de KSOP. . [69] [70]

Pequeños detalles indicaron que los artistas de KSOP eran vanguardistas, como el símbolo de un búho (un signo que está conectado a la historia de la vanguardia de Kharkiv y utilizado por el Grupo Vremia); o nuevos métodos de fotografía, que hacían referencia a ideas futuristas de principios del siglo XX. [71] Las tradiciones de vanguardia todavía se pueden rastrear claramente en el arte de la nueva generación de artistas de Kharkiv en la década de 2000, que siguen experimentando y utilizando plataformas de redes sociales para llevar la conexión entre la imagen y el texto a un nuevo nivel. [58]

La metodología del Grupo Vremia y sus secuelas

Uno de los miembros más conocidos del Grupo Vremia Boris Mikhailov

La Escuela de Fotografía de Kharkiv es conocida por sus experimentos extremos con técnicas y métodos fotográficos. [1] [40] Desarrollando principios de vanguardia y navegando alrededor de los dogmas del realismo socialista , los miembros del Grupo Vremia inventaron su propio lenguaje visual y utilizaron la ironía en su arte [1] [40] [4] [72] - este último considerado un componente importante de la escuela de Kharkiv. [64]

Ampliando prácticas más antiguas ( montaje , collage y otras), los fotógrafos de Kharkiv idearon las técnicas, métodos y principios que hoy se consideran sus inventos característicos. [73] [4] Una de las innovaciones clave de la primera generación, la "teoría del golpe" (o "la teoría del golpe" [6] ), implicaba que la fotografía necesitaba transmitir una declaración fuerte, y un elemento impactante era la única forma de hacer un impacto artístico. [4] [30] [65]

Boris Mikhailov , uno de los líderes de la fotografía artística de Járkov y uno de los fotógrafos clave de la ex Unión Soviética , [52] [74] se le atribuye varios inventos en la fotografía. [4] El método de superposiciones (a veces llamadas superposiciones o sándwiches ) implicaba superponer fotogramas de película de diapositivas de dos colores y proyectarlos en una pantalla como una presentación de diapositivas.o imprimiéndolos en papel fotográfico en color. Creó la oportunidad de usar una serie de combinaciones de fotos diferentes con detalles limpios y precisos. Otro invento de Mikhailov, el concepto de "mala fotografía", se centró en la creación de fotografías en blanco y negro defectuosas, a menudo desenfocadas o con poco contraste (principalmente debido a la falta de equipo fotográfico de calidad profesional [9] ). Fue creado en oposición a la "narrativa optimista" de la Unión Soviética, como una forma de criticar las ideas soviéticas de retratar la vida real. Posteriormente, algunos críticos llamaron a este concepto "el primer ejemplo de conceptualismo en fotografía en la URSS ". Mikhailov también utilizó la técnica lurik , que incluía retoques, ampliación, coloración a mano y montaje de una imagen o varias imágenes. [4] [5] Fue gracias a su asociación con el artista moscovita Ilya Kabakov y al sindicato Ermitazh que apareció el " arte sots " fotográfico . [30] [26]

Su colaboración también lanzó el movimiento livre d'artist (o libros artísticos ). Este método fue revivido y fue reconocido en la década de 2010. [75] [26]

Los libros de fotografía de Mikhailov, que aparecieron en la década de 1980, fueron otra contribución significativa al arte conceptual de esa época. [75] Su disertación inconclusa de 1985 , en particular, fue considerada un desafío artístico. Sus libros se convirtieron en nuevos creadores estéticos y en un lugar para presentar el manifiesto de los movimientos artísticos clandestinos de Járkov . Mostraron la vida personal, las enfermedades, las relaciones, los secretos familiares de las personas y otros temas poco comunes en el arte de la época. Los libros también ilustraron una variedad de aspectos del modernismo de Kharkiv , como el concepto de "nuevo documental" y conceptos de arte introducidos en la interpretación de Jacques Derrida de parergon ( griego antiguo concepto filosófico ) y en el libro Mitologías de Roland Barthes . El concepto de "nuevo documental" fue presentado por Mikhailov como un nuevo método artístico de "ajuste silencioso" e implicaba que las nuevas fotografías deberían parecer viejas desde el momento en que se tomaron. [76] [26]

La técnica de equidensitometría fue la especialidad de otro miembro del Grupo Vremia, Oleg Maliovany. Hoy en día, este método se puede lograr mediante el uso de un filtro de Photoshop , pero en la década de 1970, requería un proceso técnico complicado y un trabajo manual calificado para lograr "la realidad 'no fotográfica' en una foto". [4] [30]

No todos los métodos KSOP eran completamente nuevos; algunos de ellos fueron técnicas antiguas reinventadas. Por ejemplo, la coloración a mano de imágenes en blanco y negro existía en la década de 1920 para colorear postales, y las fotografías de estudio de la Unión Soviética fueron coloreadas a mano o tonificadas químicamente hasta las décadas de 1960 o 1970. Sin embargo, el coloreado a mano de la fotografía en blanco y negro se hizo ampliamente conocido como otra nueva decisión conceptual de la fotografía de la década de 1970. [4]

El fotomontaje también fue ampliamente utilizado por diferentes artistas desde la década de 1920 hasta la de 1960, y aunque este método no fue invento de los fotógrafos de Járkov, sí lo dominaron y agregaron sus propios trucos. Un ejemplo bien conocido fue el montaje "Springtime in the Forest (Lilies of the Valley) (1975) de Oleksandr Suprun, donde el mismo fragmento de flor se usó 51 veces. Más tarde, Evgeniy Pavlov dominó el arte del fotomontaje usando negro y fotografías en blanco con coloración manual y rayado. [4] Otra técnica de Kharkiv ampliamente discutida por críticos extranjeros fue el método de los "puntos ciegos", que se utilizó para cubrir las afirmaciones de los autores y en oposición a la "estética transparente" promovida por funcionarios del país. [77] [78]

La combinación de varias técnicas fue común para varios fotógrafos de Járkov. Evgeniy Pavlov experimentó con esto para su proyecto de Fotografía Total de 1994 ; usó todas las técnicas que conocía para demostrar que cualquier fotografía puede convertirse en una obra de arte. [4] [79]

A mediados de la década de 1990, miembros de KSOP como Boris Mikhailov y Evgeniy Pavlov experimentaron mezclando fotografía y pintura. Descubrieron que la combinación de dos formas de arte permitía una mayor libertad artística. [80] [81]

Una tendencia establecida por los fotógrafos de Kharkiv fue el arte de "varios autores", superponiendo obras de diferentes fotógrafos. Se utilizó en Luriki de Mikhailov , en obras del Fast Reaction Group (formado por Boris y Vita Mikhailov, Sergiy Solonsky y Sergey Bratkov), y en obras de Evgeniy Pavlov y Volodymyr Shaposhnikov. [26] [82] [47]

Oleg Maliovany del Grupo Vremia se convirtió en miembro cuyos fotomontajes se notaron en el extranjero. Las "superposiciones" de Mikhailov y los fotomontajes de Suprun también se consideraron obras de arte soviéticas únicas por su novedad y efectos grotescos y dramáticos. [30] Se considera que su colega, Sergiy Solonsky, que utilizó ampliamente el fotomontaje en las décadas de 1980 y 1990, inició una revolución estética en la fotografía ucraniana. [4]

Metodología de las próximas generaciones

La próxima generación de KSOP trabajó como artistas separados o se reunió en nuevos grupos desarrollando y diversificando temas y técnicas de fotografía. [4] [30] [9] Roman Pyatkovka , quien se unió a la escuela de Kharkiv en la década de 1980, usó técnicas comunes de KSOP en su proyecto Fantoms of the 30s , dedicado a la Gran Hambruna de 1932-1933 en Ucrania . En este proyecto fotográfico, Pyatkovka utilizó la reproducción múltiple de imágenes con rascado manual. En su serie The Games of Libido (1995) también inventó una nueva técnica llamada "fotomontaje negativo": pegó negativos en blanco y negroen una placa de vidrio e imprimí la foto mientras el pegamento corroía la película, produciendo un nuevo efecto visual. Otro artista no alineado, Viktor Kochetov, desarrolló la técnica de colorear fotografías a mano a través de un "enfoque brutal y sin concesiones", aplicando color a sus imágenes originalmente en blanco y negro. [4] [30]

El Grupo Gosprom (llamado así por uno de los edificios históricos de Kharkiv [83] ) se inspiró en sus predecesores y desarrolló la fotografía de Kharkiv en diferentes géneros. El Grupo Gosprom desarrolló la fotografía documental y el método de "fotografía directa" (o fotos sinceras ). [4] [30] [9]

Un miembro del Grupo Gosprom, Volodymyr Starko, trabajó exclusivamente en fotografía en blanco y negro y evitó recortar sus imágenes. Otro miembro, Misha Pedan, desarrolló aún más el estilo documental del grupo en su proyecto "Stereo_types" de 2011, en el que combinó imágenes emparejadas. [4] Su colega, Sergey Bratkov, trabajó en fotografías que conectan "brutalidad y ternura, comedia y tragedia", que a menudo se consideran características principales de la escuela de Járkov. En su obra Chapiteau Moscow , Bratkov fusionó fotografías en collage , creando nuevas imágenes surrealistas con significados estratificados. A menudo ignoraba las reglas comunes de la fotografía, como usar un enfoque central o prestar atención a la luz y las sombras. [84]

En la década de 1990, aparecieron otros métodos KSOP, como el "nuevo fotomontaje ucraniano"; libros de fotografía; arte social; conceptual, tachista y neo-primitivo fotografía, y otros. [75] [26]

La tercera ola de fotógrafos de Járkov

La tercera ola de artistas de KSOP fue el Grupo Shilo, formado en 2010. El grupo se inscribió en la historia de KSOP al rehacer el proyecto de libro de arte Unfinished Dissertation de Mikhailov y nombrar su libro Finished Dissertation (2013). [4] [26] La historiadora del arte Tetiana Pavlova definió la Disertación Terminada como un "objets trouvés" o género de objeto encontrado . [26]

El Grupo Shilo también se inspiró en el legado de Boris Mikhailov, la estrecha comunicación con los autores de diferentes generaciones y la tradición de acción colaborativa en la fotografía de Kharkiv, presentada por el Grupo Vremia, el Grupo Gosprom y el Grupo de Reacción Rápida. Elaboraron el método del Grupo Gosprom y agregaron el uso de la técnica de impresión lítica . [4] [85]

El grupo hizo que sus proyectos fueran más intensos y directos en términos de contexto, textura de color y diálogo con el espectador. Los miembros del Grupo Shilo mantuvieron el "dualismo" del arte de sus predecesores, pero lo invirtieron: mientras que los "puntos ciegos" cubrieron las declaraciones tajantes de la primera generación con respecto a la ideología o la propaganda bajo capas más sutiles, la generación más joven puso sus declaraciones tajantes en la superficie, con temas más "ingenuos" debajo. [26] Su trabajo se basa en gran medida en Kharkiv y sus artistas, incluidos fotógrafos de generaciones anteriores, y tiene fuertes contextos sociales y políticos. [26]

Sergiy Lebedynskyy, miembro actual del Grupo Shilo, trabaja con equipos antiguos y técnicas antiguas. Sus fotos del proyecto Arabat Spit / Healing Muds fueron tomadas con una cámara panorámica de fabricación soviética con película soviética obsoleta e impresas en papel fotográfico soviético. [39]

Ejemplos de fotógrafos de KSOP

Boris Mikhailov

Véase también: Boris Mikhailov (fotógrafo)
Exposición de Boris Mikhailov en el Museo Sprengel de Hannover, Alemania.

A menudo asociado con toda la ola de arte postsoviético, Mikhailov es considerado el artista / fotógrafo contemporáneo ucraniano más conocido y uno de los fotógrafos clave de la antigua URSS . [51] [52] [24] [58] [63] [5] Un representante del Grupo Vremia, Mikhailov se le atribuye la creación de un "período completo en la historia de la fotografía" [86] y la generación de múltiples métodos e ideas nuevos para el nueva estética fotográfica. [64] [4] Fue observado de cerca por la KGB , despedido de sus trabajos varias veces y casi encarcelado por su arte. [5] [87]

La fotografía de Mikhailov comenzó a aparecer en el extranjero en la década de 1980, y pronto la Escuela de Fotografía de Kharkiv se hizo conocida a nivel internacional. [64] [41] Durante las décadas de 1960 a 1980, Mikhailov creó varios proyectos fotográficos conocidos, como Yesterday's Sandwich , Luriki y Red Series , [5] [24] pero los dos que lo convirtieron en un artista reconocido a nivel mundial fueron Case History (publicado como libro en 1999) y Unfinished Dissertation , que figura entre los 10 mejores álbumes de fotos del mundo. El proyecto fotográfico Case History , considerado el trabajo más controvertido de Mikhailov, fue creado en el borde defotografía artística y documental . Retrata el colapso de la URSS y su influencia en la vida de la sociedad de Járkov a través de fotografías de personas sin hogar. [52] [86] [51] [63] [88] Las fotos de la historia del caso se convirtieron en el trabajo de la firma de Mikhailov, exhibidas varias veces en museos y galerías internacionales progresistas, [51] y el trabajo de Mikhailov en general se considera un clásico de la fotografía mundial. Sin embargo, la sociedad ucraniana todavía no comprende ni aprecia su arte y lo rechaza. [19] [24] [64]Aunque Mikhailov emigró a Alemania, a menudo visita Ucrania por asuntos personales y públicos, como trabajar en proyectos, dar conferencias o participar en exposiciones. [51] [64] [24]

Las obras de Mikhailov están en exhibición permanente en el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York), el Museo Ruso (San Petersburgo), el Museo Nacional de Arte Japonés (Osaka) y muchos otros museos de arte moderno en Ámsterdam, Hannover, París, Venecia, Boston. , Cracovia, Múnich, etc. En 2018, la Tate Modern (Londres) dedicó una sala de exposiciones independiente a su trabajo. Mikhailov es el único ucraniano en recibir el Premio Internacional de Fotografía de la Fundación Hasselblad (2000). Entre sus otros premios se encuentran el premio Coutts Contemporary Art Foundation (1996), el premio Citibank Private Bank Photography Prize (2001), el premio de arte Generalsa satellite Corporation (2003) y el premio Kaiser (2015). En 2008, se convirtió en miembro de la Academia de Artes Visuales.en Berlín. [64] [63] [5] [86] [1]

Sergey Bratkov

Sergey Bratkov, uno de los "discípulos" de Mikhailov fue conocido como "uno de los más prometedores" representantes de la Escuela de Járkov durante sus años de formación [35] y más tarde se convirtió en uno de los clásicos de la fotografía más conocidos de Ucrania y Rusia con sus obras expuestas en Bélgica. , EE.UU., Suiza, España, Francia y Alemania. [89]

Bratkov comenzó su viaje artístico a principios de la década de 1980, combinando muchos géneros artísticos en particular fotografía y pintura, y luego agregó el cine a la mezcla. Comenzó a pintar profesionalmente en 1989 [89] [90] y al mismo tiempo trabajó en collages de fotos , coloración a mano y otras técnicas de transformación fotográfica. En 1993, cofundó y trabajó activamente dentro del Fast Reaction Group con Boris y Vita Mikhailov, Sergiy Solonsky. [89] [91]

Combinando sus intereses artísticos en varios proyectos y performances, creó proyectos notables: The Cupboard (We All Eat Each Other , 1991), que consistía en fotografías puestas dentro de frascos de vidrio llenos de agua o aire; The Parcel , donde Bratkov puso fotografías en una losa de hormigón; y The Frozen Landscapes (1994), creado como tributo a 45 personas sin hogar de Kharkiv que murieron congeladas. [90]

En 2000, Bratkov se mudó a Moscú, donde pronto fue reconocido y discutido por su serie de fotos Kids . [35] En 2007, representó a Ucrania en la Bienal de Venecia y en 2010, Bratkov recibió el premio de arte contemporáneo "Innovación" de Rusia por una instalación de video. [35] [89]

Bratkov nunca limitó sus temas, tomando fotos de mujeres soldados, hombres de negocios, marineros, borrachos y prostitutas, y otras personas de cualquier edad, sexo o condición social. [35] [89] A finales de la década de 2000, de fotografiar héroes separados, como él se refería a ellos, Bratkov transfirió su atención a fotos de grupo y grandes multitudes de personas que exploraban la sociedad postsoviética. Esta tendencia fue claramente rastreable en varios de sus proyectos, incluido "Chapiteau Moscow" en 2012. [91] [92] Otro trabajo que exploró y analizó la realidad soviética y postsoviética, así como la cuestión de la identidad, fue la serie de fotografías " Empire of Dreams "creado en 1988 y reinventado en 2016-2017. En 2017, la serie fue nominada al Premio Nacional Shevchenko .[93]

Evgeniy Pavlov

Junto con Mikhailov, Pavlov ayudó a convertir la Escuela de Fotografía de Kharkiv en un fenómeno del arte contemporáneo. Su trabajo se ha exhibido en Estados Unidos, Alemania, Francia y Japón. [6] [62] A Pavlov le gustaban más las tecnologías fotográficas antiguas que las modernas; a partir de 2018, nunca había probado la fotografía digital y se mantuvo fiel al proceso cinematográfico. Pavlov dejó la fotografía durante algún tiempo para seguir su interés por el cine, pero volvió a la fotografía en 1981. En 1988, presentó el proyecto Archive Series . Pavlov trabajó con collage y retoque de color ; su Fotografía Totalproyecto combinó esas técnicas. En un lapso de cuatro años (1990-1994), Pavlov creó 100 fotos para el proyecto. Más tarde, Pavlov estudió la pintura de fotografías y trabajó con un pintor, Volodymyr Shaposhnikov. Según Pavlov, su último trabajo conjunto, El segundo cielo , "resumió" sus trayectorias profesionales soviéticas. [6] [79]

Roman Pyatkovka

Véase también: Roman Pyatkovka

De joven, Pyatkovka dejó su bien remunerado trabajo como director de diseño de iluminación en el Teatro de Jóvenes Espectadores de Kharkiv para trabajar en el taller de fotografía de una fábrica de Kharkiv inspirado en Maliovany, Mikhailov y Pavlov. [9] A partir de 2020, Pyatkovka es profesor de comunicación con los medios en la Universidad Nacional de Kharkiv , cofundador de la Unión Nacional de Fotógrafos de Ucrania y coordinadora de la Unión Artística Alternativa Fotográfica de Ucrania. Fue nombrado Mejor Fotógrafo Conceptual del Año en el Sony World Forum 2013. Algunas de las obras de Pyatkovka forman parte de colecciones del Museo de Fotografía Moderna (Chicago, EE. UU.), El Museo Ken Dame ( Brescia , Italia) y Artothek ( Nuremberg)., Alemania). [sesenta y cinco]

Ver también

  • Jurado Rupin
  • Boris Mikhailov (fotógrafo)
  • Realismo socialista
  • Vanguardia ucraniana
  • Metro ucraniano

Referencias

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enlaces externos

  • Sitio web del Museo de la Escuela de Fotografía de Járkov

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